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Channel: El Hurgador [Arte en la Red]
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Joe Brubaker (I) [Escultura]

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Primero de un par de posts que dedico a este escultor estadounidense. La personalidad de sus personajes y el juego de materiales y texturas confieren a su obra un carácter entrañable. En su garage convertido en taller nacen estos caballitos y Pinochos, tan modernos y a la vez tan antiguos, a partir de madera recogida, material reciclado y restos de metales oxidados.

This is the first of a couple of posts I'll dedicate to this American sculptor. The personality of the characters and the play of materials and textures give his work an endearing character. In his garage become workshop are born these horses and Pinocchios, so modern at once so old, from wood collected, recycled material and residues of oxidized metals.
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Joe Brubaker


Joe Brubaker nació en Lebanon, Missouri y se crió en el sur de California. Recibió su Licenciatura en Artes de la Universidad Estatal de Sacramento, luego asistió a la UCLA, donde obtuvo su Master y un Master en Bellas Artes. De 1980 a 1988 fue profesor de Artes Plásticas y Diseño en la UCLA, así como en Long Beach Sytate, 1982-1984.
En 1987 Joe se mudó con su esposa y dos hijos a la bahía de San Francisco. Continuó enseñando Arte y Diseño como profesor tanto en la Estatal de San Francisco 1989-1994 y la Academia de la Escuela de Arte desde 1989 hasta 1997. Se retiró de la enseñanza en 1997 para empezar a trabajar a tiempo completo en sus propias esculturas.


Izq./ Left: "Alba", madera, yeso y objetos encontrados / 
wood, plaster and found objects, 42" x 14" x 11", 2012
Der./ Right: "Dimitrius", madera tallada pintada y materiales reciclados / 
carved painted wood and reclaimed materials, 40" x 8,5" x 11", 2014

«Sabes, creo que todo comenzó a los 20, cuando me pasé un verano vagando por México. No soy católico, pero me afectaron tanto los pueblos, cada uno con una pequeña plaza y una pequeña iglesia. Había 60º afuera, y yo caminaba por la iglesia con las velas parpadeando, y ellos tenían figuras de santos y había allí relicarios, y todo eso me afectó. Fue uno de esos momentos. Esa fue la inspiración para muchas de mis obras.»

"Isha"

"Damion", madera, técnica mixta / wood, mixed media, 45" x 12" x 12", 2010

«Damion en particular es una pieza cuyo diseño es una colisión entre naturalismo y abstracción. Su cuerpo es muy cubista. Es metafórico en el sentido de que todos nosotros, según mi punto de vista, estamos construidos con fragmentos de nuestras historias personales (...) nuestras experiencias vitales.
Metafóricamente Damion son piezas locas. Es elgo que no debería ser, y sin embargo funciona. Su cuerpo es abstracto, casi arquitectónico, casi no humano, pero su cabeza naturalista mantiene todo ello unido y lo identifica como un humano.»

"Damion" (detalle / detail)

«Damion in particular is a piece the design of him is a collision of naturalism and abstraction. His body is very cubist. He's metaphorical in the sense that all of us, in my view, we're put together from fragments of our personal histories (...) our life experiences.
Metaphorically Damion is crazy pieces. He's something that shouldn't be but somehow works. His body is abstracted, almost architectural, almost non human, but his naturalistic head ties him together and identifies him as a human.»


"Davide" cedro tallado, objetos encontrados / carved cedar, found objects, 18" x 18" x 5", 2012
Colaboración con / Collaboration withJeff Hvid

«Vengo de una perspectiva creativa del "todo vale", y mi proceso podría describirse como un collage tridimensional. También pinto, dibujo y escribo poesía.
Comparo mi viaje artístico a conducir por un camino sinuoso que me es familiar, pero a medianoche y sin luces.»

"Shen"

Las figuras talladas en madera de Joe Brubaker evocan fuentes de inspiración desde los santos de la España colonial y objetos de retablos a las figuras de tumbas egipcias y esculturas en piedra budistas. En sus obras recientes, Brubaker ha ido más allá de esas influencias tempranas, cruzando culturas en una base más amplia. Ha incluido formas reminiscentes de costumbres rituales y decoraciones corporales de indígenas de todo el mundo.
Incorporando restos de metal y materiales encontrados, ha creado una colección de personajes que son a la vez sorprendentemente universales y absolutamente únicos. Para Brubaker hay un momento en que la obra adquiere su propia personalidad. "Casi puedo imaginarme a mí mismo sintonizando con un alma que está ahí fuera y quiere regresar," - dice - "Es en realidad un momento extraño, un momento Geppetto."

Der./ Right: "Maximus"

Joe en / Joe at Seager/Gray Gallery

Joe Brubaker was born in Lebanon, Missouri and raised in Southern California. He received his B.A. from Sacramento State University, then attended UCLA where he earned his MA and MFA. From 1980 to 1988 he lectured in Art and Design at UCLA, as well as at Long Beach State from 1982 to 1984.
In 1987 Joe moved with his wife and two children to the San Francisco Bay Area.  He continued to teach as an Art and Design lecturer at both San Francisco State from 1989 to 1994 and Academy of Art College from 1989 to 1997. He retired from teaching in 1997 to begin full time work on his own sculpture. 

"Hector", madera tallada pintada, pan de oro y materiales encontrados / 
carved painted wood, gold leaf and found materials, 29" x 32" x 10", 2014

"Imelda", cedro amarillo, acero, objetos encontrados / 
yellow cedar, steel, found objects, 60" x 16" x 54", 2008

«You know I think it all started way back in my twenties when I took a summer bumming around Mexico. I’m not a Catholic but I was so affected by all the villages, each one had a little plaza and a little church. It was 150 degrees outside and I would walk in the church with the candles flickering and they had the Santos figures and the Reliquary figures would be there and those really affected me. It was just one of those moments. So that was the original inspiration for a lot of my work.»

Izq./ Left"Mohave Burro", materiales encontrados / found materials, 26" x 29" x 17,5", 2014
Der./ Right: "Caballo blanco / White Horse", madera pintada y materiales encontrados / 
painted wood and found materials, 28,5" x 31" x 14", 2014

"Henry", madera / wood, 76" x 10" x 10", 2010

«I come from an "anything goes" perspective of creating and would describe my process as 3-dimensional collage. I also paint, draw and write poetry.
I compare my artistic journey to driving on a winding road I'm familiar with, but at midnight with no headlights on.»

Los sonámbulos / The Sonambulists, "Paul II"

"Charles"


The wooden carved figures of Joe Brubaker echo sources of inspiration from Spanish colonial Santos and retablo objects to Egyptian tomb figure and Buddhist stone carvings. In recent works, Brubaker has gone beyond these early influences, crossing cultures on a broader basis. He has included forms reminiscent of ritual costumes and body decorations from indigenous peoples all over the world. 
Incorporating scraps of metal and found materials, he has created a cast of characters that are at once strikingly universal and absolutely unique. For Brubaker, there is a moment when the work takes on its own personality. "I almost imagine myself as channeling some soul that's out there and wants to come back", he says. "It's really an eerie moment, a Geppetto moment".

Izq./ Left: "Joseph", madera pintada tallada y materiales reciclados / 
carved painted wood and reclaimed materials, 59" x 33" x 27", 2014
Der./ Right: "Susan", cedro blanco, acrílic / white cedar, acrylic, 36" x 6" x 5", 2012
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En 2009 Joe fundó Exquisite Gardeners (Jardineros Exquisitos), un grupo de gente curiosa que trabaja duro en todos los sectores de la vida para crear instalaciones artísticas transformadoras a partir de materiales cotidianos. Mara más información, visita el sitio web del proyecto:

Founded by Joe Brubaker in 2009, the Exquisite Gardeners are a team of curious, hardworking people from all walks of life who cooperate to create transformative art installations from everyday materials. For more information please visit The Exquisite Garden Project website:

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Los textos han sido tomados de la declaración artística de Joe, de un artículo/entrevista publicado en Fast Forward en diciembre de 2013 que puede leerse completo (en inglés) aquí, y del texto introductorio que puede leerse (también en inglés) en la ficha del artista, en el sitio web de Seager / Gray Gallery, aquí.


Texts from the artist's statement, from an article/interview published in Fast Forward, Dec., 2013, you can fully read here, and from the artist introductory text you can read in the Seager / Gray Gallery, here.

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Más imágenes e información en / More images and information in:
Website, Artsy.net, Seager/Gray Gallery

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Joe!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Joe!)


Un video de / A video by Elliot Art Productions 
Para la muestra "Los buscadores" / for the show "The Seekers"
Abril / April 17 - Mayo / May 30, 2010 - Donna Seager Gallery



Alyssa Monks [Pintura]

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Alyssa Monks es una notable pintora, ampliamente conocida y reseñada en la Red y otros medios de comunicación desde hace varios años, gracias a sus retratos en los que el agua y la figura femenina predominan. Aquí tienes mi propia selección de echar un vistazo a su trabajo.

Alyssa Monks is a remarkable painter, widely known and reviewed in the Net and other media for several years, thanks to her portraits in which water and the female figure predominate. Here you have my own selection to take a look at her work.
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Alyssa Monks


Nacida en 1977 en Nueva Jersey, Alyssa comenzó a pintar desde niña. Estudió en la New School en Nueva York, y en la Universidad Estatal Montclair, y obtuvo su licenciatura del Boston College en 1999. Durante este tiempo, estudió pintura en Lorenzo de Medici, en Florencia. Consiguió un Master en Bellas Artes en la Academia de Arte de Nueva York, graduada en la Escuela de Arte Figurativo en 2001. Completó una residencia en el Fullerton College en 2006 y ha dado conferencias y enseñado en universidades e instituciones en todo el país.

"Búsqueda / Search", óleo sobre lino / oil on linen, 66" x 56", 2014

"Carnada / Bait", óleo sobre lino / oil on linen, 58" x 86", 2010

«Mi intención es trascender tanto mis temas como la pintura misma. Aspiro a descubrir algo que resuene tan profundo como mi a menudo vulnerable experiencia interior. Transfiriendo una expresión de esta experiencia humana a alguien que realmente se abra y relacione con ella, se crea una coexión humana. Insto a la gente a ver las obras en persona, si es posible. Las pinturas son objetos con los que necesitas estar en la misma habitación para sentir la intimidad de sus superficies. Me gusta que las mías sean lo más íntimos posible, utilizando la superficie pintada como un fósil, registrando cada gesto y decisión.»

"Charada / Charade", óleo sobre lino / oil on linen, 48" x 32", 2010

"Eco / Echo", óleo sobre lino / oil on linen, 48" x 64", 2006

«Siempre me he sentido atraída por el agua desde que era una niña. Era conocida por aventurarme en la piscina sin supervisión en más de una ocasión. Como adulta, todavía me encanta la sensación de agua caliente a mi alrededor ... es el máximo confort. Y visualmente es un mundo infinito de filtros en constante cambio, fundiéndose y desfigurando todo lo que puede verse través de ella, como una lente distorsionada. Es imprevisible y complicada en la forma en que refracta la luz y refleja la imágenes. Hace 15 años pensaba que era imposible pintarla, por lo que tal vez es en parte el reto de pintar algo que se porta tan mal y aún así puede ser tan hermoso. Es versátil, es serena, es destructiva; se trata básicamente de lentes en constante cambio, reflejando y refractándolo todo. Me parece fascinante.»

"Estudio de Aiden / Aiden Study", óleo sobre panel / oil on panel, 10" x 10", 2015

«He prestado mucha atención a Egon Schiele y su sentido del dibujo, muy sensual y expresivo. Adoro las pinturas de Alex Kanevsky. Hay mucha confianza y frescura en su pintura. Es irresistible. Jenny Saville y Eric Fischl tienen también esta cualidad en su obra. También está en Rembrandt, y Jackson Pollock, y Sorolla. Vincent Desiderio es siempre fascinante para mí. Su pintura se ve tan sin esfuerzo y complicada al mismo tiempo. La estratificación encáustica de Tony Scherman es tan fascinante. Otros artistas que me han inspirado son Giorgione, Klimt, Manet, Nan Goldin, Gregory Crewdson, Diane Arbus, David Lynch, Will Cotton y muchos de mis colegas y estudiantes.»

"Como es / As is", óleo sobre panel / oil on panel, 54" x 36", 2011

"Estudio de Brooke / Brooke Study", óleo sobre panel / oil on panel, 8" x 8", 2015

«Todos traemos a la obra lo que queremos ver. El arte puede ser una reflexión, y el artista es meramente un filtro o conducto. Estoy mucho más interesada en la mente de las personas que en sus cuerpos, o sea que las partes del cuerpo pueden ser utilizadas para expresar lo que hay en la mente, en vez de ser objetos de fetichismo. Los rostros y expresiones son más interesantes para mí. Encontrar el momento en el que uno es absolutamente natural y abierto, vulnerable y honesto.»

Flirt", óleo sobre lino / oil on linen, 50" x 38", 2009

"Chica riendo / Laughing Girl", óleo sobre lino / oil on linen, 40" x 60", 2009

«La vestimenta no esconde la vulnerabilidad, y la falta de ella tampoco la revela. Son sólo construcciones y metáforas que están desgastadas y de hecho son más falsas que cualquier otra cosa. Una vez vi una pintura con una muchedumbre bulliciosa en el metro, y todos estaban envueltos en abrigos de invierno; se veían congelados. Se sentían más vulnerables que cualquier idealizada y bien proporcionada dama desnuda cubierta sobre una cama. Si quieres mostrar vulnerabilidad, dime la verdad sin manipulaciones o autoconsciencia. Documenta lo que sucede, sin idealización, o glorificación u horrificación. La vulnerabilidad puede verse en esos momentos de honestidad más que en las metáforas, o creando una construcción de lo que debería ser la vulnerabilidad.»

Alysa Monks, Foto / Photo: Stephen Churchill Downes

Born 1977 in New Jersey, Alyssa Monks began oil painting as a child. She studied at The New School in New York and Montclair State University and earned her B.A. from Boston College in 1999. During this time she studied painting at Lorenzo de' Medici in Florence. She went on to earn her M.F.A from the New York Academy of Art, Graduate School of Figurative Art in 2001. She completed an artist in residency at Fullerton College in 2006 and has lectured and taught at universities and institution nation wide. 

"Beso / Kiss", óleo sobre lino / oil on linen, 72" x 48", 2011

"Betsy", óleo sobre panel / oil on panel, 16" x 11", 2015

«My intent is to transcend both my subject and the paint itself. I aim to discover something that resonates as deeply as my often-vulnerable inner experience. Transferring an expression of this human experience to someone who will really open and relate to it creates human connection. I urge people to see the work in person, if possible. Paintings are objects you need to be in the same room with to feel the intimacy of their surface. I like mine to be as intimate as possible, using the painted surface like a fossil, recording every gesture and decision.»

"Oportunidad (Estudio) / Chance (Study)", óleo sobre panel / oil on panel, 8" x 12", 2011

"Oportunidad / Chance", óleo sobre lino / oil on linen, 32" x 48", 2011

«I’ve always been drawn to water since I was a child. I was known to venture into the pool unsupervised on more than a few occasions. As an adult, I still love the feeling of warm water around me…it’s the ultimate comfort. And visually it is an infinite world of constantly changing filters melting and disfiguring everything you can see through it like a distorted lens. It is unpredictable and complicated in how it refracts light and reflects images. 15 years ago, I thought it was impossible to paint, so maybe it’s partly the challenge of painting something that misbehaves so much and can still be so beautiful. It’s versatile, it’s serene, it’s disruptive; it is basically a constantly changing lens, reflecting and refracting everything. I find it fascinating.»

"Sonrisa afectada / Smirk", óleo sobre lino / oil on linen, 48" x 64", 2009

"Enclaustrados / Grounded", óleo sobre lino / oil on linen, 72" x 48", 2014

«I’ve been looking a lot at Egon Schiele and his drawing sense, very sensual and expressive. I love Alex Kanevsky’s paintings. There is so much confidence and freshness in his paint. Its irresistible. Jenny Saville and Eric Fischl have this quality in their work as well. Its also in Rembrandt and Jackson Pollock and Sorolla. Vincent Desiderio is always fascinating me. His paint looks effortless and complicated at the same time. Tony Scherman’s layering in encaustic is so entrancing. Other artists who have inspired me are Giorgione, Klimt, Manet, Nan Goldin, Gregory Crewdson, Diane Arbus, David Lynch, Will Cotton, and many of my peers and students.»

"Penitencia / Penance", óleo sobre lino / oil on linen, 54" x 72", 2006

"Grito / Scream", óleo sobre lino / oil on linen, 48" x 72", 2010

«We all bring to the work what we want to see. Art can be a reflection, and the artist is merely a filter or conduit. I am far more interested in the person’s mind than their body, so body parts are best used to express what is in the mind rather than to be objects to fetishize. The faces and expressions are most interesting to me. Finding that moment where one is completely unselfconscious and open, vulnerable and honest.»

"Bienvenida a / Welcome to", óleo sobre lino / oil on linen, 80" x 55", 2005

"Di / Tell", óleo sobre panel / oil on panel, 30" x 20", 2011

«Clothing doesn’t hide vulnerability and the lack of it doesn’t reveal it either. These are just constructs and metaphors that are tired and actually more false than anything. I saw a painting once with a crowd of people bustling in the subway, and everyone was wrapped up in winter coats looking freezing. They felt more vulnerable than any idealized, well-proportioned naked lady draped over a bed. If you want to show vulnerability, tell the truth with no manipulation or self-consciousness. Document what is happening, without idealization or glorifying or awful-izing. Vulnerability can be seen in these moments of honesty rather than in metaphors or setting up a construct of what vulnerability should be like.»

"Vigilia / Wake", óleo sobre lino / oil on linen, 40" x 60", 2009

"Púrpura / Purple", óleo sobre panel / oil on panel, 6,75" x 10", 2011
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Los textos han sido tomados del sitio web de la artista, de una entrevista/visita al estudio publicada por Warholian en Octubre, 2010 (texto completo en inglés aquí), y otra entrevista realizada por Deanna Elaine Piowaty, publicada en Septiembre de 2014 en Combustus (texto completo en inglés aquí).

Texts from artist's website, from an interview and studio visit published in Warholian, October, 2010 (full text here), and another interview by Deanna Elaine Piowaty, September, 2014 published in Combustus (full text here).
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Más sobre Alyssa Monks en "El Hurgador" / More about Alyssa Monks in this blog:
Website, facebook

 Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Alyssa!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Alyssa!)


Alyssa Monks: Conexión / Connection
Dirigido por / Directed by Jesse Brass



Algunas referencias / Some References

Eric Fischl


Eric Fischl es un pintor, escultor y grabador nacido en 1948.
Su educación artística comenzó en el Phoenix College, luego un año en la Universidad Estatal de Arizona, luego Instituto de las Artes en Valencia, California, donde obtuvo su BFA en 1972. Luego se mudó a Chicago y tomó un empleo como guardia en el Museo de Arte Contemporáneo.
Fischl se ha descrito a sí mismo como pintor de los suburbios, un tema no considerado un tema apropiado antes de su generación.
Algunos de los primeros trabajos de Fischl tienen como tema la sexualidad y el voyeurismo de los adolescentes, como Sleepwalker (1979), que representa a un adolescente masturbándose en una piscina para niños. Bad Boy (1981) y Muchacho del cumpleaños (1983), ambos representan chicos jóvenes mirando a mujeres mayores que se muestran en poses provocativas en una cama. En Bad Boy, el sujeto está deslizando subrepticiamente la mano en un bolso.

"Proyecto Krefeld; Sala, Escena 1 / Krefeld Project: Living Room, Scene 1"
Óleo sobre lino / oil on linen, 163 x 226 cm., 2002

"Escenas del último paraíso: La bienvenida / Scenes from Late Paradise: The Welcome"
Óleo sobre lino / oil on linen, 198 x 218 cm., 2007

Eric Fischl is an American painter, sculptor and printmaker born in 1948.
His art education began at Phoenix College, then a year at Arizona State University, then California Institute of the Arts in Valencia, California, where he earned his BFA in 1972. He then moved to Chicago, taking a job as a guard at the Museum of Contemporary Art.
Fischl has embraced the description of himself as a painter of the suburbs, not generally considered appropriate subject matter prior to his generation.
Some of Fischl's earlier works have a theme of adolescent sexuality and voyeurism, such as Sleepwalker (1979) which depicts an adolescent boy masturbating into a children's pool. Bad Boy (1981) and Birthday Boy (1983) both depict young boys looking at older women shown in provocative poses on a bed. In Bad Boy, the subject is surreptitiously slipping his hand into a purse.

"Chico malo / Bad Boy", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 168 x 244 cm., 1981

Más sobre Eric Fischl en / More about Eric Fischl in:
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Tony Scherman


Tony Scherman, es un pintor canadiense nacido en 1950 que vive en Toronto. Es conocido por su uso de la encáustica y el retrato para representar personas y acontecimientos de importancia histórica o popular.
Scherman se graduó en el Royal College of Art en 1974. Scherman ha presentado exposiciones individuales en galerías y museos regionales en todo Canadá y Estados Unidos. Su obra expresiva a menudo representa personajes históricos y figura en colecciones públicas de todo el mundo. Es particularmente conocido para un ciclo monumental de retratos de Napoleón y pinturas de la revolución francesa recogidos en el libro de arte de 2002 Persiguiendo a Napoleón: Retratos Forenses. Es uno de los practicantes contemporáneos más exitosos de la pintura encáustica. Fue nombrado miembro de la Real Academia de las Artes de Canadá.

"Los adictos / The Junkies: Johnny Winter"
Encáustica sobre lienzo / encaustic on canvas, 96" x 84", 2001

"Bonaparte: Waterloo 18.6.1815", encáustica sobre lienzo / encaustic on canvas, 72" x 72", 1995-97

Tony Scherman, is a Canadian painter born in 1950, living in Toronto. He is known for his use of encaustic and portraiture to depict persons and events of historical or popular significance.
Scherman graduated from the Royal College of Art in 1974. Scherman has had solo shows in galleries and regional museums throughout Canada and the United States. His expressive work often depicts historical figures and is held in public collections worldwide. He is particularly known for a monumental cycle of Napoleon portraits and French Revolution paintings collected in the 2002 art book, Chasing Napoleon: Forensic Portraits. He is one of the most successful contemporary practitioners of encaustic painting. He was made a member of the Royal Canadian Academy of Arts.

"Tigre / Tiger", encáustica sobre lienzo / encaustic on canvas, 84" x 96", 2008-10

Más sobre Tony Scherman en / More about Tony Scherman in:
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Will Cotton


Will Cotton es un pintor nacido en Estados Unidos en 1965. Su obra incluye principalmente paisajes compuestos de dulces, a menudo habitado por seres humanos. Will Cotton vive y trabaja en la ciudad de Nueva York.
Cotton describió sus primeras obras en una entrevista de 2008 diciendo "Mi impulso inicial para hacer estas pinturas, en realidad salió de una conciencia del paisaje comercial de consumo en que vivimos. Todos los días nos bombardean con cientos, si no miles de mensajes diseñados específicamente para incitar el deseo dentro de nosotros".
Interesado en la iconografía cultural, el arte de Cotton hace uso del lenguaje común de la cultura del consumo compartida a través de fronteras geográficas.
Will Cotton ha exhibido en todo Estados Unidos y Europa.


Will Cotton is an American painter born in 1965. His work primarily features landscapes composed of sweets, often inhabited by human subjects. Will Cotton lives and works in New York City.
Cotton described his early works in a 2008 interview, saying "My initial impulse to make these paintings really came out of an awareness of the commercial consumer landscape that we live in. Every day we're bombarded with hundreds, if not thousands of messages designed specifically to incite desire within us."
Interested in cultural iconography, Cotton's art makes use of the common language of consumer culture shared across geographical boundaries.
Will Cotton has exhibited throughout the United States and Europe.


Más sobre Will Cotton en / More about Will Cotton in:
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Sobre el resto de los artistas mencionados / About the other mentioned artists:

Vincent Desiderio: Próximamente... / Coming soon... 
Alex Kanevsky: Próximamente... / Coming soon...
Jackson Pollock[Manos a la obra (I)], [Aniversarios (LV)]
Jenny Saville[Aleah Chapin (Pintura)]
Egon Schiele[Schiele, Yerka], [Aniversarios (XX)]

Juan de Ribera Berenguer [Pintura]

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Juan de Ribera Berenguer

El artista junto a su obra "Antonio en mi estudio", 1990 / 
The artist with his work "Anthony in my Studio", 1990, Centro del Cármen

Juan de Ribera Berenguer Palau es un pintor español nacido en 1935.
Ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, en el curso 1952/53.
En el verano de 1953 pintó su primer autorretrato al óleo, que presentó a la Exposición Bienal de Arte del Reino de Valencia, consiguiendo la Beca de Protección Escolar.
La pintura de Juan de Ribera Berenguer es de difícil clasificación, al derivar su figuración de un acentuado expresionismo que cultivó alrededor de los años sesenta incrementando posteriormente la densidad matérica, convirtiendo su arte en un realismo de nuevo espíritu y acusada personalidad.
Ha realizado innumerables exposiciones individuales y sus obras pueden encontrarse en Instituciones y Museos de España y Estados Unidos.

"El Carmen Neighborhood / Barrio del Carmen" (Valencia)
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 150 x 270 cm., 1985

"Cúpulas / Domes", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90 x 130 cm., 1957

Valencia desde las Torres de Cuart antes del incendio del Teatro de la Princesa /
Valencia view from the Cuart Towers beforr the fire at Princess Theater
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 177 x 230, 1994

Como miembro fundador del Grupo Parpalló, participa en la 1.ª Exposición que dicho grupo realiza en el Ateneo Mercantil de Valencia, con las obras Sepúlveda y Casas del arrabal de Segovia y en el II Salón de Otoño del Ateneo Mercantil recibe Mención especial por Barrio Viejo, cuadro que fue adquirido por el pintor Francisco Lozano, que formaba parte del jurado.

"Hay mucha basura / There's a lot of trash", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120 x 150 cm., 1964

"Alquería roja de Alboraya / Red Farmhouse of Alboraya"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 107 x 92 cm., 1955

"Homenaje al Entierro del Conde de Orgaz / Tribute to The Burial of the Count of Orgaz"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 200 x 149 cm., 1962
(ver al final del post / check out at the end of this post)

Adolfo de Azcárraga en su libro “Arte y artistas valencianos”, dice; “Ribera Berenguer es uno de nuestros más grandes artistas por su condición de pintor de cepa castiza, perteneciente a la gran cantera realista que dio a luz el arte español de los siglos de oro. Porque Ribera es, desde hace años, el empeñado y admirable cultivador de un vigoroso realismo personal; un pintor, en suma, al que se le considera el máximo representante actual de esa pintura nuestra, con acierto llamada de la Veta Brava.”

"Puente del Real / Del Real Bridge", (Valencia), óleo sobre lienzo / oil on canvas, 141 x 240 cm., 1993
(click en la imagen para ampliar / click on the image to enlarge)

"Calle de La Paz / La Paz Street", (Valencia), óleo sobre lienzo / oil on canvas, 119 x 168 cm., 2003

El crítico de arte José Garnería dice de este artista, “humilde, callado e introvertido, que disfruta pintando”. Juan de Ribera Berenguer se considera un pintor educado académicamente que cree más en la figuración que en la abstracción y que se siente deudor de Velázquez, Miguel Ángel y el Greco.

"Paisaje del litoral de Pinedo hacia el Puerto de Valencia / 
Pinedo Landscape Coast to the Port of Valencia", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 175 x 164 cm., 1995

"Hospital", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 103 x 129 cm., 1960

Juan de Ribera Berenguer Palau is a Spanish painter born in 1935.
He joined the School of Fine Arts of San Carlos de Valencia, during 1952-1953.
In the summer of 1953 painted his first oil self-portrait, to be submitted to the Biennial Art Exhibition of the Kingdom of Valencia and get Scholarship School Protection.
The painting of Juan de Ribera Berenguer is difficult to classify, to derive its configuration from a strong expressionism that grew around the sixties subsequently increasing the material density, turning his art into a new spirit and strong personality realism.
He has made numerous solo exhibitions and his works can be found in Institutions and Museums of Spain and the United States.

"Mesa junto al mar de Pinedo / Table by the Pinedo Sea" (Valencia)
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 188 x 101 cm., 2006

"Calle Eugenia Viñes / Eugenia Viñes Street" (Valencia)
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 95 x 195 cm., 2004

"Dos escobas / Two Brooms", aguada sobre papel / gouache on paper, 50 x 100 cm., 1963

As a founding member of Parpalló Group participates in the 1st Exhibition that the group performed at the Mercantile Ateneo de Valencia, with works by Sepulveda and Casas about the suburb of Segovia, and the Salon d'Automne II Mercantile Ateneo where he received special mention by Old Neighborhood. The painting was acquired by the painter Francisco Lozano, who was on the jury.

Izq./ Left: "Mi estudio con figuras / My Studio with Figures"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 81 cm., 1987
Der./ Right: "Dibujo de faroles de mar / Drawing of Sea Lanterns". Benicarló, 
Tinta negra y aguada sobre papel / black ink and gouache on paper, 70 x 50 cm., 1959

"Paisaje de Puentes y Mar / Landscape of Bridges and Sea" (Valencia)
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 150 x 102 cm., 1988

Adolfo de Azcarraga in his book Art and Valencian Artists said "Ribera Berenguer is one of our greatest artists for being a painter of genuine strain belonging to the great realist quarry that gave birth to the Spanish art of the golden age. Because Ribera has been for years, determined and vigorous grower of an admirable personal realism; a painter, in short, which is considered the current head of that our painting, aptly called the Brave Seam."

"Plaza Redonda de Valencia / Circus of Valencia", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 265 x 255 cm., 2007
(click en la imagen para ampliar / click on the image to enlarge)

"Mercado de Mossen Sorell / Mosen Sorell Market", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 150 x 160 cm., 1959

The art critic José Garnería says about this artist, "humble, quiet and introverted, who enjoys painting". Juan de Ribera Berenguer is considered an academically educated painter who believes more in figuration than abstraction, and feels indebted to Velázquez, Michelangelo and El Greco.

"Vista panorámica de Valencia / Panoramic View of Valencia"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 140 x170 cm., 2006

Información tomada de / Information from:
BlogWikipedia (español), Las Provincias,

Más sobre Juan de Ribera en "El Hurgador" / More about Juan de Ribera in this blog:
[Aniversarios (LIII)]


Algunas referencias / Some references

Vistas de Valencia / Views of Valencia

Vista de Valencia desde las Torres Cuart / View from the Cuart Towers

Vista de la Plaza Redonda / View of the Round Square

Vista de la Plaza Redonda / View of the Round Square
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"El entierro del Señor de Orgaz / The Burial of the Count of Orgaz"

La pintura se inspira en una leyenda de comienzos del siglo XIV. En 1312 murió un tal Don Gonzalo Ruiz, natural de Toledo, señor de la localidad de Orgaz (su familia más tarde recibió el título de Conde, por el que es conocido en general y de manera póstuma). El Conde de Orgaz era un hombre piadoso que, entre otros actos de caridad, dejó una suma de dinero para la ampliación y ornamentación de la iglesia de Santo Tomé (iglesia parroquial de El Greco). Él era también un filántropo y un Caballero de buenos pensamientos. Según la leyenda, en el momento en que fue sepultado, San Esteban y San Agustín descendieron en persona de los cielos y lo sepultaron con sus propias manos en frente de los ojos deslumbrados de los presentes.

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 480 × 360 cm., 1587
Iglesia de Santo Tomé (Toledo, España) / Church of Santo Tome (Toledo, Spain)

The theme of the painting is inspired from a legend of the beginning of the 14th century. In 1312, a certain Don Gonzalo Ruíz, native of Toledo, and Señor of the town of Orgaz, died (his family later received the title of Count, by which he is generally and posthumously known). The Count of Orgaz was a pious man who, among other charitable acts, left a sum of money for the enlargement and adornment of the church of Santo Tomé (El Greco's parish church). He was also a philanthropist and a right-thinking Knight. According to the legend, at the time he was buried, Saint Stephen and Saint Augustine descended in person from the heavens and buried him by their own hands in front of the dazzled eyes of those present.

"Anónimo (Copia de El Greco) / Anonyme (Copy after El Greco)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 188 x 248 cm., c.1625

Lo más probable es que estemos ante una copia tardía, realizada por un solo pintor, un artista habilidoso que ha imitado la superficie pictórica del original, pero no el característico trabajo por estratos pictóricos y veladuras empleados por el cretense y sus más directos colaboradores. En cualquier caso, se trata de un pintor que conoce bien toda la producción del Greco y ofrece una interesante variedad de recursos pictóricos...

Probably this work is a late copy, performed by a single artist, a skilled artist who has imitated the pictorial surface of the original, but not the typical work using paint layers and glazes used by the Cretan artist and his closest collaborators. In any case, this is a painter who knows all production of Greco and offers an interesting variety of pictorial resources ...

Más información sobre esta obra / More information about this work:
Ficha de la copia en el sitio web del Museo / Record about the copy in the website of the Museum

Aniversarios (LVI) [Febrero / February 1-7]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 1 de Febrero es el cumple de

Ignacio Salvador Díaz Ruiz de Olano, pintor y maestro de pintores vasco nacido en 1860.
Estudió en la Academia de Bellas Artes de Vitoria, la actual Escuela de Artes y Oficios (1874-1877) y en la Escuela de la Lotja de Barcelona (1877-1880).
En agosto de 1884 participa en la Exposición Artística e Industrial de Vitoria, a la que envía un lote de siete obras.
En octubre de aquel mismo año inauguró un estudio para la enseñanza artística que estuvo abierto hasta marzo de 1894, cuando se marchó primero a Barcelona y luego a Roma. Allí residió hasta 1896. Regresó a su ciudad natal tras un mes en Barcelona.
Murió en 1937.
En Auñamendi Eusko Entziklopedia: http://www.euskomedia.org/aunamendi/44533

“Angelusa errezatzen soroan / Rezo del Ángelus en el campo / Angelus Prayer on the Field”, 1899
Gasteizko Arte Ederren Museo / Museo de Bellas Artes (Vitoria, España / Spain)


El 2 de Febrero es el cumple de

Enrique Simonet Lombardo, pintor español nacido en 1866.
Al parecer, su primera vocación de infancia fueron los estudios religiosos, pero abandonó para dedicarse a la pintura. A pesar de ser valenciano y estudiar en la Real Academia San Carlos de Bellas Artes de Valencia, se unió a un círculo de artistas en la ciudad de Málaga. También asistió al taller de Bernardo Ferrándiz, formando parte de la escuela malagueña de pintura.
En 1887 obtuvo una beca para estudiar pintura en la Academia de Bellas Artes de Roma, donde pintó en 1890 "Anatomía del corazón", una pintura que le traería el reconocimiento internacional y que le valió varios premios. Aprovechando su estancia Simonet viajó por Italia, visitó París varias veces y en 1890 hizo un recorrido por el Mediterráneo. También viajó a Tierra Santa, donde pintó su obra monumental Flevit súper illam, trabajo por el que recibió numerosas medallas entre ellas Madrid en 1892, Chicago en 1893, Barcelona en 1896 y en París en 1900. En 1893 y 1894 Simonet viajó a Marruecos como corresponsal de guerra del diario La Ilustración Española y Americana.
Murió en 1927.

"Anatomía del corazón, ¡Y tenía corazón!, La autopsia / 
Anatomy of the heart, And she had a heart!, Autopsy"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 176,5 x 292 cm., 1890. Museum of Málaga (España / Spain)


El 3 de Febrero es el cumple de

Evaristo Márquez Contreras, escultor español nacido en 1929.
A los cuatro años se traslada su familia a Nerva, en la provincia de Huelva, donde cursa Estudios Primarios, Perito Mercantil, Facultativo de Minas y la Licenciatura en Bellas Artes mientras trabajaba como funcionario municipal.
En 1974 traslada su residencia a Sevilla para dedicarse a la enseñanza como profesor de Dibujo en Institutos de Enseñanza Secundaria.
En 1973 consigue el Primer Premio de Escultura en la Exposición “Fin de curso 1972/73” concedido por la Dirección General de Bellas Artes.
En 1975 consigue el Premio Nacional en la XXIV Exposición de Otoño por “El Minero”.
Ese mismo año el ayuntamiento de Minas de Riotinto le ofrece realizar un nuevo proyecto escultórico con el mismo tema.
Murió en 1996.

Primera foto original del Monumento al Minero de Riotinto, en su inaguración, en el año 1975 / 
First original photo of Rio Tinto Miner Monument at its inauguration, in 1975.


El 4 de Febrero es el cumple de

Carlos Alonso, pintor, dibujante y grabador argentino nacido en 1929. A pesar de que era un realista social en su época temprana, es más conocido como Nuevo realista. La carne es un elemento frecuente en su obra.
A la edad de catorce años ingresó en la Academia Nacional de Bellas Artes, donde estudió con Sergio Sergi en dibujo y grabado, Lorenzo Domínguez en escultura y Bernareggi Francisco y Ramón Gómez Cornet en pintura. En la Universidad Nacional de Cuyo estudió con Lino Enea Spilimbergo.
Recibió su primer premio en 1947. En 1951 ganó el primer premio en el Salón de Pintura de San Rafael, el Salón Norte en Santiago del Estero y dibujo en el Salón del Norte Tucumán. En 1953 expuso en la Galería Viau de Buenos Aires y luego viajó a Europa donde expuso en París y Madrid.
Su obra, caracterizada por la fuerza expresiva y el compromiso social, ha sido expuesta en numerosas exposiciones, incluyendo en la Galería Internacional de Arte (Buenos Aires), el Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México, el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana en Cuba, y galerías europeas como Villa Giulia en Roma, Eidos de Milán, y Bedford en Londres.

"Adan y Eva / Adam and Eve", collage sobre madera / collage on wood, 100 x 100 cm., 1965. Colección del artista / Artist's collection


El 5 de Febrero es el cumple de

Sarah Goodridge, pintora nacida en Estados Unidos en 1788, que se especializó en retratos en miniatura. Era la hermana mayor de Elizabeth Goodridge, también una miniaturista estadounidense.
Comenzó a dibujar a temprana edad, mostrando aptitudes para el arte. Donde Goodridge vivía las oportunidades de educación de las mujeres eran limitadas en aquellos tiempos, por lo que fue esencialmente una artista autodidacta.
En 1820 se fue a vivir con su hermana Eliza en Boston, y comenzó a recibir lecciones y pintar retratos en miniatura de una calidad excepcional. Su trabajo 
siguió mejorando y ganó lo suficiente con sus encargos para mantenerse a sí misma y a su familia durante varias décadas. Sus pinturas fueron expuestas en Boston y Washington DC.
Después de que su vista se deteriorara en 1851, se retiró de la pintura y se estableció en Reading, Massachusetts.
Entre las obras más interesantes y personales de Goodridge está un retrato en miniatura de sus propios pechos desnudos titulado Belleza Revelada, 
actualmente en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.
Murió en 1853.

"Autorretrato / Self-Portrait", acuarela sobre marfil / watercolor on ivory, 10,2 x 7,6 cm., 1830


El 6 de Febrero es el cumple de

Julio Antonio (Antonio Rodríguez Hernández), escultor español nacido en 1889.
Sus primeras clases de escultura las recibió en el Ateneo de Tarragona, pasando enseguida al taller del escultor Feliu Ferrer Galzeran, en Barcelona. Pero fue cuando se trasladó a Murcia, donde hizo su primer grupo escultórico Flores malsanas, destruido más tarde por él mismo.
Al cumplir los 18 años se marcha a Madrid, pensionado por la Diputación de Tarragona. Allí Julio Antonio trabajó en el taller de Miguel Blay, uno de los escultores más importantes en ésa fecha en Madrid. A pesar de reconocer el gran maestro que era Blay, decide dejarlo y emprende unos viajes por España acompañado de su amigo el pintor Miquel Viladrich Vila, con quien montó su primer taller. En 1908 modela su primera obra importante María, la gitana, donde ya demuestra su gran personalidad.
Murió en 1919.

"Proyecto de Monumento a los héroes de Tarragona / 
Project for the Monument to the Heroes of Tarragona"
Bronce, fundición a la cera perdida y patinado / bronze, lost wax cast and patinated
135 x 69 x 53 cm., 1911-16. Museo Reina Sofía (Madrid, España / Spain)


Hoy, 7 de Febrero. es el cumple de

Ethel Carrick Fox, pintora australiana, esposa del pintor Emanuel Phillips Fox y una gran artista por derecho propio, nacida en 1872.
Carrick estudió en la Slade School. Se casó con E. Phillips Fox en 1905 y se trasladó a París. Expuso en el Salon d'Automne, la Real Academia de Londres, la Asociación de Arte de Australia, la Sociedad de Melbourne de Mujeres Pintoras y Escultoras, así como en exposiciones individuales y muestras a dúo con la obra de su marido.
Viajó ampliamente ente 1920-1940, y presionó a los directores y curadores de galerías públicas de Australia para comprar obras de su marido. Durante la década de 1920 fue recomendada por el Atelier Grande Chaumière como profesora privada de bodegones en París, que contaba un buen número de australianos y estadounidenses en París entre sus estudiantes.
Carrick murió en Melbourne en 1951.

"Comprando flores / Buying Flowers", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 59 x 80 cm., c.1920s.


Textos en inglés / English translation

On February 1 is the birthday of

Ignacio Salvador Díaz Ruiz de Olano, Basque painter and teacher of painters born in 1860.
He studied at the Academy of Fine Arts of Vitoria, the current School of Arts and Crafts (1874-1877) and the School of Lotja of Barcelona (1877-1880).
In August 1884 he participates in the Art and Industrial Exposition of Vitoria, which sends a batch of seven works.
In October of the same year he opened a studio for art education which was open until March 1894, when he first went to Barcelona and then to Rome. There he lived until 1896. He returned to his hometown after a month in Barcelona.
He died in 1937.
In  Auñamendi Eusko Entziklopedia (in Spanish): http://www.euskomedia.org/aunamendi/44533

On February 2 is the birthday of

Enrique Simonet Lombardo, Spanish painter born in 1866.
Apparently his first vocation of childhood was religious studies, but he abandoned it to devote himself to painting. Despite being Valencian and studying at the Saint Charles Royal Academy of Fine Arts of Valencia, he joined a circle of artists in the city of Málaga. He also attended the workshop of Bernardo Ferrándiz Bádenes, forming part of the Malaga school of painting.
In 1887 obtained a grant to study painting in the Fine Arts Academy in Rome, where he painted in 1890 Heart's Anatomy; a painting that would bring him international recognition and which won him several prizes. Taking advantage of his stay Simonet traveled throughout Italy, visited Paris several times and in 1890 he made a tour of the Mediterranean. He also traveled to the Holy Land, where he painted his monumental work Flevit super illam; work for which he received numerous medals including Madrid in 1892, Chicago in 1893, Barcelona in 1896 and Paris in 1900. In 1893 and 1894 Simonet traveled to Morocco as a war correspondent for the newspaper La Ilustración Española y Americana.
He died in 1927.

On February 3 is the birthday of

Evaristo Márquez Contreras, Spanish sculptor born in 1929.
When he was four years old, his family moves to "Nerva", in the province of Huelva, where he attends Primary, Secondary school and Mercantile Studies, becoming a professional expert in Mining and obtaining a Bachelor of Arts degree while working as a civil employee for the Local Council.
In 1974 he goes to Seville to begin his educative tasks as a Secondary School Drawing teacher.
In 1973 he obtains the First Prize of Sculpture in the Exhibition "End of Term 1972/73" granted by the State Fine Arts Office.
In the XXIV Exhibition of Autumn in 1975 he achieves the National Price thanks to his work "The Miner".
That same year the City Council of "Minas de Riotinto" offers him to develop a new sculptural project on the same subject (a new sculpture of a miner).
He died in Seville in 1996.

On February 4 is the birthday of

Carlos Alonso, Argentine painter, draftsman and printmaker born in 1929. Though he was a Social realist in his early career, he is best known as a New realist. Beef is a common element in his work.
At the age of fourteen, he entered the Academia Nacional de Bellas Artes where he studied under Sergio Sergi in drawing and engraving, Lorenzo Dominguez in sculpture, and Bernareggi Francisco and Ramón Gomez Cornet in painting. At the National University of Cuyo, he studied with Lino Enea Spilimbergo.
He received his first award in 1947. In 1951, he won first prize at the Salon of Painting in San Rafael, the North Hall in Santiago del Estero, and drawing at the Salon del Norte Tucumán. In 1953, Alonso exhibited at the Gallery Viau of Buenos Aires, then traveled to Europe where he exhibited in Paris and Madrid.
His work, characterized by expressive power and social commitment, has been exhibited in numerous exhibitions, including at the Art Gallery International (Buenos Aires), the Palacio de Bellas Artes in Mexico City, the Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana in Cuba, and European galleries such as Villa Giulia in Rome, Eidos of Milan, and Bedford in London.

On February 5 is the birthday of

Sarah Goodridge, American painter born in 1788, who specialized in portrait miniatures. She was the older sister of Elizabeth Goodridge, also an American miniaturist.
At an early age, she began drawing and showed an aptitude for art. Women's educational opportunities were limited at the time and where Goodridge lived, so she was essentially a self-taught artist.
In 1820, she went to live with her sister Eliza in Boston and began receiving lessons and painting miniature portraits of exceptional quality. Her work continued to improve and she earned enough from commissions to support herself and her family for several decades. Her paintings were exhibited in Boston and Washington D.C.. After her eyesight failed in 1851, she retired from painting and settled in Reading, Massachusetts.
Among Goodridge's most interesting and personal works is a miniature portrait of her own bared breasts, entitled Beauty Revealed, now in the Metropolitan Museum of Art in New York.
She died in 1853.

On February 6 is the birthday of

Julio Antonio (Antonio Rodríguez Hernández), Spanish sculptor born in 1889.
His first sculpture classes were received at the Ateneo de Tarragona, then going to the workshop of the sculptor Feliu Ferrer Galzeran in Barcelona. But it was when he moved to Murcia, where he made his first sculpture Unhealthy Flores, destroyed later by himself.
At age 18 he moved to Madrid, pensioned by the Provincial Council of Tarragona. There Julio Antonio worked in the studio of Miguel Blay, one of the most important sculptors at that time in Madrid. While recognizing the great teacher who was Blay, decides to leave and undertakes few trips through Spain with his friend the painter Miquel Viladrich Vila, with whom he rode his first workshop. In 1908 he creates his first major work Mary, the Gipsy, which already shows his great personality.
He died in 1919.

Today, February 7, is the birthday of

Ethel Carrick Fox, Australian painter, the wife of painter Emanuel Phillips Fox and a major artist in her own right born in 1872.
Carrick studied at the Slade School. She married E. Phillips Fox in 1905 and moved to Paris. She exhibited at the Salon D'Automne, Royal Academy London, Australian Art Association, Melbourne Society of Women Painters and Sculptors, as well as at solo exhibitions and dual shows with her husband's work.
She travelled extensively from 1920–1940, and lobbied Australian public gallery directors and curators to buy her husband's works. During the 1920s she was recommended by the Atelier Grande Chaumiere as a private teacher of still life painting in Paris, and included a number of Australians and Americans in Paris amongst her students.
Carrick died in Melbourne in 1951.

Peter Menzel [Fotografía]

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Hace tiempo que quería publicar un post sobre Peter Menzel, un excelente fotógrafo estadounidense que ha desarrollado una serie de interesantes proyectos a escala mundial sobre temas científicos, tecnológicos, medioambientales y de actualidad, que se han concretado en una serie de libros de gran calidad producidos por él mismo.
Peter ha trabajado también para las más prestigiosas publicaciones (GEO, Stern, Le Figaro, Der Speigel, Paris Match, Focus, Muy Interesante, El Pais, National Geographic, Smithsonian, the New York Times Magazine y Time), pero el grueso de su obra fotoperiodística la ha desarrollado como freelance.
Peter nació un día como hoy, 7 de Febrero, así que aprovecho la feliz coincidencia para publicar este post y desearle un muy feliz cumpleaños.
Traducción al inglés al final del post, referenciada con [*] en cada párrafo.

I wanted to publish a post about Peter Menzel, a great American photographer who has developed a number of exciting projects worldwide on scientific, technological, environmental and topical issues, which have resulted in a series of high-quality books produced by himself . Peter has also worked for the most prestigious publications (GEO, Stern, Le Figaro, Der Speigel, Paris Match, Focus, Muy Interesante, El Pais, National Geographic, Smithsonian, the New York Times Magazine, and Time), but the bulk of his photojournalistic work has developed as a freelancer.
Peter born a day like this, February 7, so I take advantage of this happy coincidence to publish this post and wish him a very happy birthday.
English translation at the end of this post, referenced with [*] in each paragraph
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Peter Menzel

Peter Menzel. Foto por cortesía de / Photo courtesy: Philip Greenspun

Peter Menzel es un fotoperiodista freelance nacido en 1948, conocido por su cobertura internacional de temas relacionados con ciencia y medio ambiente. Ha recibido numerosos premios de World Press y Picture of the Year.
Faith D’Aluisio es una antigua y premiada productora de noticieros de TV. Ella es la editora y escritora principal de Material World Books. La pareja vive en California con sus cuatro hijos. [1]

Festivales / Festivals: Woodstock 1969
Fans escuchando a Jimi Hendrix en el escenario, tocando en el festival de rock de Woodstock, realizado en la granja de 600 acres de Max Yagur, en el pueblo rural de Bethel, Nueva York, el fin de semana del 16 al 18 de agosto de 1969 /
Fans facing the stage listening to Jimi Hendrix play at the Woodstock rock festival at Max Yasgur's 600 acre farm, in the rural town of Bethel, NY, on the weekend of August 16-18, 1969.
COPYRIGHT:©Peter Menzel, www.menzelphoto.com

Más sobre Jimi Hendrix en "El Hurgador" / More about Jimi Hendrix in this blog:

Festivales: Día de los Muertos, México / Festivals: Day of the Dead, Mexico
En el festival del Día de los Muertos, se honra a los muertos en una vigilia en el cementerio en Mixquic, México, en las afueras de Ciudad de México /
Day of the Dead festival honoring ancestors in a graveyard vigil in Mixquic, Mexico, outside Mexico City.
COPYRIGHT:©Peter Menzel, www.menzelphoto.com

Festivales / Festivals: Kumbh Mela, Haridwar & Ujjain, India
Cada 12 años, millones de devotos Hindúes celebran el festival de un mes de duración del Kumbh Mela, bañándose en las aguas sagradas del Ganges en Haridwar, India. Cientos de ashrams instalan campamentos polvorientos que se extienden a lo largo de varios kilómetros. Bajo el ojo vigilante de policías y guardavidas, los creyentes se amontonan para bañarse en el río /
Every 12 years, millions of devout Hindus celebrate the month-long festival of Kumbh Mela by bathing in the holy waters of the Ganges at Haridwar, India. Hundreds of ashrams set up dusty, sprawling camps that stretch for miles. Under the watchful eye of police and lifeguards, the faithful throng to bathe in the river.
COPYRIGHT:©Peter Menzel, www.menzelphoto.com
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En 1994, Peter Menzel creó el libro "Mundo material, Un retrato de familia global / Material World, A Global Family Portrait" (Sierra Club Books). Esta obra épica del fotoperiodismo se centra en las posesiones materiales y la vida cotidiana de familias promedio por todo el mundo. Este trabajo fue seguido por la primera colaboración entre Menzel y  D’Aluisio: Women in the Material World (Sierra Club Books, 1996). Luego en 1998, la pareja publicó "Hombre comiendo bichos: Arte y ciencia de comer insectos / Man Eating Bugs: the Art and Science of Eating Insects", un vistazo al consumo de insectos por humanos en el mundo.
El libro de Menzel y D’Aluisio "Planeta hambriento: Lo que el mundo come / Hungry Planet: What the World Eats" (Material World Books, Ten Speed Press, 2005), es otra exploración a escala mundial de la vida cotidiana, esta vez centrada en la alimentación en 24 países. Su obra más reciente, "Lo que como: La vuelta al mundo en 80 dietas / What I Eat: Around the World in 80 Diets" (Material World Books, 2010), es un viaje fotográfico a través de 30 países mostrando lo que comen 80 personas en un día corriente. [2]
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Festivales: Hombre ardiente en Nevada / Festivals: Burning Man in Nevada
Asistente perenne del Hombre Ardiente, Nambla el Payaso (NAMBLA es un acrónimo de North American Man Boy Love Association), porta una corona de velas y cera derretida. Desierto de Black Rock, en Nevada. El Hombre Ardiente es un festival de performance artística, conocido por su arte, drogas y sexo. Tiene lugar anualmente en el Desierto de Black Rock, cerca de Gerlach, Nevada, Estados Unidos /
Perennial Burning Man attendee Nambla the clown (NAMBLA is an acronym for North American Man Boy Love Association) sports a crown of candles and dripping wax. Black Rock Desert, Nevada: Burning Man is a performance art festival known for art, drugs and sex. It takes place annually in the Black Rock Desert near Gerlach, Nevada, USA.
COPYRIGHT:©Peter Menzel, www.menzelphoto.com

Festivales: Hombre ardiente en Nevada / Festivals: Burning Man in Nevada
El teleobjetivo del fotógrafo Peter Menzel comprime los cuerpos desnudos de la producción del artista neoyorquino Spencer Tunick, de desnudos que yacen en el desierto en el festival del Hombre Ardiente, en el Desierto de Black Rock, Nevada. El Hombre Ardiente es un festival de performance artística, conocido por su arte, drogas y sexo. Tiene lugar anualmente en el Desierto de Black Rock, cerca de Gerlach, Nevada, Estados Unidos /
Photographer Peter Menzel's telephoto lens compresses the naked bodies of New York artist Spencer Tunick's production of nudes lying on the desert at the Burning Man Festival in the Black Rock Desert, Nevada. Burning Man is a performance art festival known for art, drugs and sex. It takes place annually in the Black Rock Desert near Gerlach, Nevada, USA.
COPYRIGHT:©Peter Menzel, www.menzelphoto.com

Medio Ambiente: Pozos de petróleo ardiendo en Kuwait / Environment: Kuwait Oil Well Fires
Un tanque iraquí abandonado frente a los campos de petróleo de Magwa en Kuwait tras el fin de la Guerra del Golfo en 1991. El desierto estaba cubierto de petróleo que llovía de las nubes de humo que se elevaban en el aire una vez que el fuego se extinguió. Más de 700 pozos fueron incendiados por las tropas iraquíes en retirada, creando el mayor desastre ambiental producido por el hombre en la historia / 
An abandoned Iraqi tank in front of the burning Magwa oil fields in Kuwait after the end of the Gulf War in 1991. The desert was covered in oil that rained down from the clouds of oil smoke and oil shooting into the air after a fire had been extinguished. More than 700 wells were set ablaze by retreating Iraqi troops creating the largest man-made environmental disaster in history.
COPYRIGHT:©Peter Menzel, www.menzelphoto.com
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«Tengo un graduado absolutamente inútil: una licenciatura en Fotoperiodismo por la Universidad de Boston. Con este título, supongo que podría haber conseguido trabajo enseñando a los chicos en la escuela cómo fotografiar a sus parientes, pero conocer el desarrollo y procesamiento de fotos en blanco y negro, y cómo fotografiar una historia, es información básica que todo fotógrafo debería tener. Conduje un taxi por las noches durante mi último año, y luego durante otros 18 meses después de graduarme para comprar cámaras y pagar la renta mientras intentaba hacerme una idea de cómo trabajar por mi cuenta.» [3]
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Medio Ambiente: Terremoto / Environment: Earthquake
Consecuencias del terremoto de Loma Prieta, San Francisco, California, el 17 de octubre de 1989. Daños en el distrito Marina de San Francisco, como resultado del terremoto que tuvo lugar a las 17:04 y duró 15 segundos. Con una magnitud de 7,1, fue el peor terremoto en el área de la Bahía de San Francisco desde 1906 /
Aftermath of the October 17, 1989 Loma Prieta Earthquake, San Francisco, California. Damage in the Marina District of San Francisco resulting from the earthquake that occurred at 5:04 PM and lasted 15 seconds. At a magnitude of 7.1, it was the worst earthquake in the San Francisco Bay Area since 1906.
COPYRIGHT:©Peter Menzel, www.menzelphoto.com

Medio Ambiente: Relámpagos / Environment: Lightning
Tormenta eléctrica de verano sobre Tucson, Arizona, desde la Colina Tumamoc con cactus saguaro. Las tormentas se presentan regularmente en los veranos de Arizona debido a la humedad del aire que fluye desde el Golfo de California, choca contra las montañas cercanas y es forzada a ascencer, donde se condensa en nubes de tormenta /
Summer lightning storm over Tucson, Arizona from Tumamoc Hill with Saguaro cactus. Storms erupt regularly during Arizona summers due to the moist air that flows in from the Gulf of California then collides with nearby mountains and is forced upward, where it condenses into thunderclouds.
COPYRIGHT:©Peter Menzel, www.menzelphoto.com

Medio Ambiente: Mariposas Monarca / Environment: Monarch Butterflies
Mariposasa Monarca en / Monarch Butterflies in Rosario, Mexico.
COPYRIGHT:©Peter Menzel, www.menzelphoto.com
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«Mi primera gran oportunidad en fotografía fue una historia para la edición americana de la revista GEO en 1979. Yo había estado trabajando independientemente durante siete años para editores educativos en el área de Boston, pero quería trabajar para revistas. Los editores de libros de texto en lengua extranjera me daban listas de las fotos que querían y yo iba a España, Francia, Italia, Alemania, América del Sur, México, etc, casi todo con mi propio dinero, a tomar fotos como un loco durante un mes, viviendo muy barato. Después volvía a casa a revelar todas las fotos en mi cuarto oscuro y las vendía. Esto no era muy rentable, pero era suficiente para vivir y pagar los viajes, la película y el papel. Fue una muy buena práctica para aprender cómo entrar en lugares y hacer fotos de forma rápida, discreta y barata. Y conseguí algunas habilidades básicas con los idiomas, necesarias para viajar. » [4]
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Proyecto Planeta hambriento: Egipto / Hungry Planet Project: Egypt
Plantación de arroz cerca de Alejandría, Egipto (Imágen de apoyo para el proyecto Planeta hambriento: Lo que el mundo come) /
Planting rice near Alexandria, Egypt. (Supporting image from the project Hungry Planet: What the World Eats.)
COPYRIGHT:© 2005 Peter Menzel / Hungry Planet: What the World Eats, www.menzelphoto.com

Proyecto Planeta hambriento: Mali / Hungry Planet Project: Mali
Mirando hacia arriba al visitante, Fourou, la hija de 12 años de la segunda esposa de Soumana Natomo, Fatoumata, hace una pausa momentánea durante el desayuno familiar de gachas de arroz fino cocinado con leche agria. Como muchas familias en su poblado de Mali, los Natomos comen fuera de la casa, sentados en taburetes bajos alrededor de una olla comunal en el patio de su casa / 
Glancing up at a visitor, Fourou: the twelve-year-old daughter of Soumana Natomo's second wife, Fatoumata, takes a momentary break from the family breakfast of thin rice porridge cooked with sour milk. Like most families in their village in Mali, the Natomos eat outdoors, sitting on low stools around a communal pot in the courtyard of their house.
COPYRIGHT:© 2005 Peter Menzel / Hungry Planet: What the World Eats, www.menzelphoto.com

Hombre comiendo bichos: Camboya / Man Eating Bugs: Cambodia
La vendedora de tarántulas Sok Khun da una mordida a una de las tarántulas fritas que vende en un mercadillo al borde de la carretera en la provincia de Kampong Cham, en Camboya /
Tarantula seller Sok Khun takes a dainty bite of one of the deep-fried tarantulas that she sells at a roadside market, Kampong Cham Province, Cambodia.
COPYRIGHT:©1998 Peter Menzel / Man Eating Bugs / www.menzelphoto.com

Hombre comiendo bichos: China / Man Eating Bugs: China
Escarabajos de agua marinados en gengibre y salsa de soja con adorno de zanahorias sobre un fondo de escarabajos de agua nadando, en la provincia de Guangzhou, China. Imagen del libro Hombre comiendo bichos: El arte y la ciencia de comer insectos /
Water beetles marinated in ginger and soy sauce with a carrot garnish against a background of swimming water beetles, Guangzhou Province, China. Image from the book project Man Eating Bugs: The Art and Science of Eating Insects.
COPYRIGHT:©1998 Peter Menzel / Man Eating Bugs / www.menzelphoto.com
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«Estando trabajando de freelance en Somalia, durante su guerra civil y en Kuwait justo después de la guerra de Bush, tuve algunas experiencias intensas que hicieron que mi vida en Estados Unidos pareciera trivial y superflua. Antes de que estos eventos me abrieran los ojos, tuve la desagradable experiencia de que un matrimonio de casi 20 años terminara en divorcio.
Sentado en mi oficina, una mañana temprano, escuchando NPR, que es la forma como me gusta comenzar el día, escuché una notable pieza de marketing del libro autobiográfico de Madonna llamado SEX. El libro era un éxito en Estados Unidos. El informe de la radio terminaba con Madonna cantando "Vivo en un mundo material, y soy sólo una chica material», o algo parecido. Pensé que era perfecto. Vivimos en una sociedad capitalista idiota y auto indulgente en la que la vida sexual de una estrella del pop es más importante que la inanición inminente, las minas terrestres y los niños soldado de África, o más interesante que el mayor desastre natural causado por el hombre en los campos de petróleo de Oriente Medio.
Casi literalmente, me llevó un minuto llegar al concepto y título para "Mundo material"; docenas de familias estadísticamente promedio, de todos los rincones del mundo, con todas sus cosas por fuera de sus casas en un gran retrato. De esta manera, todos mis compañeros codiciosos y superficiales vecinos estadounidenses podrían compararse a sí mismos con el resto del mundo y ver si realmente eran mejores. También tuve al mismo tiempo la idea para un CD-ROM interactivo.» [5]
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Mundo Material: Bután / Material World: Bhutan
Hora del baño para Zekom, en un saliente de la casa de su madre Nalim. Pueblo de Shingkhey, Bután. Nalim lleva a su nieto Tandin Geltshin en una eslinga en su espalda. Ambos niños tienen la misma edad / 
Bath time for Zekom on the ledge of her mother Nalim's home. Shingkhey Village, Bhutan. Nalim carries her grandson Tandin Geltshin in a sling on her back. The two children are the same age.
COPYRIGHT:©1994 Peter Menzel www.menzelphoto.com Material World

Mundo Material: Cuba / Material World: Cuba
La familia Costa fuera de su casa con todas sus posesiones. La Habana, Cuba. Publicado en el libro Mundo Material, páginas 106-107 /
The Costa Family outside their home with all of their possessions, Havana, Cuba. Published in the book Material World, pages 106-107.
COPYRIGHT:©1994 Peter Menzel www.menzelphoto.com Material World

Robo sapiens: Japón / Japan
El rostro de robot femenino (segunda generación) del profesor Fumio Hara y el profesor asistente Hiroshi Kobayashi, en la Universidad de Ciencias de Tokyo, Japón, tiene solenoides eléctricos con memoria de forma que se mueven a través de la piel de silicona del robot para cambiar su rostro en diferentes expresiones faciales, tal como hacen los músculos en el rostro humano. Los solenoides tienen un retorno muy lento a su estado original, y remediar esto es uno de los proyectos de investigación que lleva adelante el laboratorio de Hara y Kobayashi /
Professor Fumio Hara and Assistant Professor Hiroshi Kobayashi's female face robot (second-generation) at Science University of Tokyo, Japan, has shape-memory electric actuators that move beneath the robot's silicon skin to change the face into different facial expressions much as muscles do in the human face. The actuators are very slow to return to their original state and remedying this is one of the research projects facing the Hara and Kobayashi Lab.
COPYRIGHT:© 2000 Peter Menzel, www.menzelphoto.com, Robo Sapiens
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Photo.net: ¿Cómo ha cambiado el mercado editorial durante los años que has estado trabajando para revistas?

Peter: Se ha ido completamente al traste. Excepto por unas pocas revistas como Business Week, que pagan alrededor de $800 por día, la mayoría de las grandes revistas por todo el mundo andan en el entorno de los $400-500. Cuando comencé en 1970, las revistas pagaban alrededor de $250. El mes pasado, una conocida revista internacional me dijo que me pagaría eso por día. Acepté el trabajo, pero sólo porque me gusta la revista y ellos me pagarían los viáticos para llevarme a algún sitio a fotografiar algo que podía utilizar en mi próximo libro.
Muchas empresas de libros de texto han descubierto las imágenes libres de royalties. Estamos cada vez más involucrados con publicistas educacionales que utilizan nuestros libros, o parte de ellos, para posters, lecciones de Power Point y guías de enseñanza, lo cual ayuda a los educadores a utilizar nuestros libros en las clases. [6]
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Robo sapiens: Japón / Japan
El funcionamiento interno del rostro de un robot de primera generación del laboratorio Hara-Kobayashi en Tokyo, Japón. El primero de varios robots hechos en el laboratorio de Fumio Hara, tiene una cámara CCD en su ojo izquierdo y envía imágenes a una software de red neural que reconoce rostros y sus expresiones. Recurriendo a su repertorio de reacciones programadas, activa los motores y poleas debajo de su piel flexible para producir sus propias expresiones faciales. Del libro Robo Sapiens: Evolución de una nueva especie /
The inner workings of the first generation face robot from the Hara-Kobayashi Lab in Tokyo, Japan. The first of several face robots made in Fumio Hara's lab, it has a CCD camera in its left eye that sends images to neural-network software that recognizes faces and their expressions. Calling upon its repertoire of programmed reactions, it activates the motors and pulleys beneath its flexible skin to produce facial expressions of its own. From the book Robo sapiens: Evolution of a New Species.
COPYRIGHT:© 2000 Peter Menzel, www.menzelphoto.com, Robo Sapiens

Robo sapiens: Estados Unidos / United States
Robot androide de entretenimiento. Vista de SARCOS, un robot androide (con forma humana) de entretenimiento, posando como si contemplara su próxima pincelada en una máscara de robot realista. SARCOS fue desarrollado en la Corporación de Investigación SARCOS, en Salt Lake City, Utah, Estados Unidos /
Entertainer android robot. View of SARCOS, an android (human-like) entertainment robot, posing as if about to contemplate his next brush stroke on a life-like robot mask. SARCOS was developed at SARCOS Research Corporation in Salt Lake City, Utah, USA.
COPYRIGHT:©Peter Menzel, www.menzelphoto.com

"Residuos en la mira / Waste in Focus"
Bonnie y George Cooke de Atlanta, Georgia, con sus hijos Kyle de 16 y Tristan de 18, rodeados por una semana de su basura reciclable y de vertedero, en febrero. Los elementos reciclables (y los restos de comida con que alimentan a sus gallinas), están en la parte izquierda de la foto, y los ítems destinados al vertedero, a la derecha. El gasto total de la casa en esa semana fue de 61 libras. El 56% de eso (34 libras) fue al vertedero, y el 44% fueron reciclables y restos de comida (27 libras)
Bonnie and George Cooke of Atlanta, Georgia, with their children Kyle, 16, and Tristan, 18, surrounded by a week’s worth of their recyclables and landfill trash, in February. Recyclable items (and food scraps fed to their chickens) are on the left-hand side of the photo, and items destined for landfill are to the right. Their total household waste for this week was 61 lb. Fifty-six percent of it (34 lb) was landfill and forty four percent of it was recyclables and food scraps (27 lb).
COPYRIGHT:©Peter Menzel, www.menzelphoto.com
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Su último proyecto, Residuos en la mira / Waste in Focus, se centra en lo que los estadounidenses desechan y reciclan. El proyecto se compone de ocho familias rodeadas por una semana de la basura que producen, desglosadas en lo que se recicla y lo que va a parar al vertedero. Las imágenes de Menzel proporcionan una visión sorprendente de la realidad de los residuos de los estadounidenses.

«Este proyecto tomó cerca de dos meses de fotografía y producción; pero tuvieron que pasar muchos, muchos, meses más para hacernos una idea de cómo hacer que funcionara. El objeto del proyecto era conseguir un diálogo comenzando por la basura doméstica en Estados Unidos. Glad nos dio completa libertad para hacer casi todo lo que queríamos con el proyecto. Si has visto algunos de nuestros otros libros, sabes que durante los últimos veinte años hemos estado viajando por el mundo, fotografiando proyectos bastante grandes que nos llevaron años. Fotografiar 30 familias en 24 países con los alimentos que consumían en una semana; o 30 familias en 30 países con todas sus posesiones fuera de su casa; o cien personas con sus dietas diarias. Estos proyectos llevaron un largo tiempo y cada vez que uno de estos libros se editaba, la gente nos decía "esto es muy, muy interesante y tengo una gran idea para ustedes: muestren lo que la gente tira, lo que los estadounidenses, en una sociedad de consumo, tiran." Siempre tuvimos que posponerlo [el proyecto] porque no podíamos encontrar la manera de hacerlo y no pensabamos que fuera un proyecto de libro que pudiera sostenerse financieramente. Cuando Glad nos lo ofreció, realmente nos lo pensamos dos veces y nos preguntábamos "¿cómo diablos podemos hacer que suceda? ¿Vamos a acumular un montón de basura, pedir a alguien que guarde su basura durante una semana y luego volcar todo en su sala de estar?" Eso no iba a funcionar demasiado bien por varias razones. Se nos ocurrió esta idea después de meses de valiosos experimentos con diferentes métodos de construcción del escenario. [El escenario fue construido] en bastidores de ropa portátiles, los pintamos con spray negro para que se vieran bien y estiramos una red del pájaro por encima de ellos; después limpiamos, catalogamos, ordenamos, y pesamos la basura de la gente, que pusimos en tres paneles para que pudiera ser comparado y que todo fuera fácil de entender.» [7]
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Viajes / Travels: Luang Prabang, Laos. 
Cada mañana, al amanecer, los monjes budistas caminan por las calles recolectando limosnas de alimentos de los devotos, budistas y algunos turistas. Luego regresan a sus templos (también conocidos como Wats) y comen juntos. Esta procesión es llamada Tak Bat (Haciendo méritos) /
Every morning at dawn, Buddhist monks walk down the streets collecting food alms from devout, kneeling Buddhists, and some tourists. They then return to their temples (also known as wats) and eat together. This procession is called Tak Bat (Making Merit).
COPYRIGHT:© Peter Menzel / www.menzelphoto.com

Viajes / Travels: Ecuador
Ermelinda Ayme cocina empanadas para sus niños en la cocina de barro de la casa familiar, mientras uno de sus hijos observa. Su marido Orlando corta cebollas en rodajas para ayudar a su esposa, una tarea inusual para un hombre de una aldea ecuatoriana (de la galería fotográfica de imágenes de cocinas en "Planeta hambriento: Lo que el mundo come" / 
Ermelinda Ayme cooks empanadas for her children in the family's earthen kitchen house as one of her sons watches. Husband Orlando slices onions to help his wife, an unusual task for a village man to undertake in Ecuador. (From a photographic gallery of kitchen images, in Hungry Planet: What the World Eats, p. 55) 
COPYRIGHT:© Peter Menzel www.menzelphoto.com
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Los textos están tomados del sitio web de Peter, de una larga entrevista realizada por Philip Greenspun a Peter y Faith publicada por Photo.net en 2007 (completa en inglés aquí) y de otra realizada a Peter por Anastasia Page, publicada en Fstoppers en Abril de este año (completa en inglés aquí)

Texts from Peter's website, from a extense interview by Philip Greenspun with Peter and Faith published on  Photo.net, 2007 (you can fully read it here) and from another one by Anastasia Page, published by Fstoppers in April, 2014 (full story here)

Más información e imágenes sobre Peter y su obra en / 
More images and information about Peter and his work in:
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Todas las fotografías están publicadas con autorización de ASA (Anna Sever Agency S.L.), distribuidora y promotora de las fotografías y proyectos de Peter Menzel en España. ASA gestiona y negocia derechos de propiedad intelectual y derechos de uso de creaciones para el mercado de la fotografía, tanto comercial como artística, de grandes fotógrafos (Navia, Frans Lanting, George Steinmetz y otros).
Muchas gracias a Peter Menzel y sobre todo a Anna Sever por su autorización y colaboración para publicar este material.

All photographs published here with permission of ASA (Anna Sever Agency S.L.), distributor and promotor of photographs and projects by Peter Menzel in Spain. ASA negotiates and manages intellectual property rights and use rights of creations for the market of photography, commercial and artistic, of great photographers (Navia, Frans Lanting, George Steinmetz and others). 
Thank you very much to Peter Menzel and especially to Anna Sever for her permission and collaboration to publish this material.


Peter Menzel en / at TEDMED, 2009

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Una charla de Peter Menzel y Faith D'Aluisio sobre su trabajo y la alimentación en el mundo
Teatro Cahners, Museo de la Ciencia, Boston, Estados Unidos, 9 de febrero de 2012 /
Peter Menzel and Faith D'Aluisio. Artists' talk about their work and food around the world
Cahners Theater, Museum of Science, Boston, USA, February 9, 2012.



Traducción al inglés / English Translation

[1]
Peter Menzel is a freelance photojournalist born 1948, known for his coverage of international feature stories on science and the environment. He has received a number of World Press and Picture of the Year awards.
Faith D’Aluisio is a former award-winning television news producer. She is the editor and lead writer for the book-publishing imprint Material World Books. The couple lives in the United States in Napa, California. They have four sons: Josh, Jack, Adam and Evan.

[2]
In 1994 Peter Menzel created the bestselling book Material World, A Global Family Portrait, (Sierra Club Books). This epic work of photojournalism focused on the material possessions and daily lives of average families around the world. This was followed by Menzel and D’Aluisio’s first collaboration, Women in the Material World (Sierra Club Books, 1996). Then in 1998 the team published Man Eating Bugs: the Art and Science of Eating Insects, a worldwide look at the human consumption of insects.
Menzel and D’Aluisio’s book Hungry Planet: What the World Eats (Material World Books, Ten Speed Press, 2005)—is another around-the-world exploration of average daily life, this time focusing on food in 24 countries. Their newest book, What I Eat: Around the World in 80 Diets (Material World Books, 2010)— is a photographic journey across 30 different countries that shows us what 80 people eat in a typical day.

[3]
«I have a completely worthless degree: a BS in Photojournalism from Boston University (BU). With this degree, I suppose I could have gotten a job teaching grade school kids how to photograph their relatives, but knowing about B&W photo processing and developing and how to shoot a picture story is good basic info that every photographer should have. I drove a taxi at night during my last year at BU and then for another 18 months after graduating in order to buy cameras and pay the rent while I tried to figure out for myself how to freelance.»

[4]
«My first big break in photography was a story for the American edition of GEO magazine in 1979. I had been freelancing for seven years for educational publishers in the Boston area but wanted to work for magazines. Publishers of foreign language textbooks would give me lists of required photos and I would go to Spain, France, Italy, Germany, South America, Mexico etc., mostly on my own money, and shoot like a madman for a month, living very cheaply. I would then come home and develop all the photos in my darkroom and sell them on spec. This was not very profitable, but it was enough to live on and pay for the trips, the film, and paper. It was very good practice for learning how to get into places and make photos quickly, unobtrusively, and cheaply. And I picked up some basic language skills necessary for traveling.»

[5]
«Freelancing in Somalia during their civil war and in Kuwait right after the first Bush War, I had some rather intense experiences that made life in the U.S. seem rather shallow and superfluous. Previous to those eye-opening events, I had the displeasure of experiencing a twenty-year marriage end in divorce. Sitting in my office early one morning, listening to NPR, which is the way I like to start every day, I heard an amazing piece on the marketing of Madonna's autobiographic book called SEX. The book was a sensation in the U.S. The radio report ended with Madonna singing, "I am living in a material world and I am just a material girl," or something close. I thought it was spot on. We live in an idiotic capitalist self-indulgent society where the sex life of a pop star is more important than impending starvation, land mines and child soldiers in Africa, or more interesting than the world's biggest man-made natural disaster in oil fields of the Middle East.
Quite literally, it took about a minute to come up with the concept and title for Material World: dozens of statistically average families from every corner of the world take all their stuff outside of their house for a big portrait. This way, all of my fellow, greedy, shallow American neighbors could compare themselves to the rest of the world and see if they were really better off. I also got the idea for an interactive CD-ROM at the same time.»

[6]
Photo.net: How has the editorial market changed over the years that you've been working for magazines?

PETER: It has gone completely in the toilet. Except for a few magazines like Business Week that pay about $800 per day, most of the major magazines all over the world are stuck in the $400-500 range. When I started in 1970, magazines were paying about $250. Last month a well-known national magazine told me they pay that amount today. I accepted the job, but only because I like the magazine and they will pay expenses to get me somewhere to photograph something I can use in our next book.
Lots of textbook companies have discovered royalty-free images. We are involved more now with educational publishers who are using our books, or parts of our books for posters, PowerPoint lessons, and teaching guides, which help educators use our books in classrooms.

[7]
Their latest project, Waste in Focus, centers around what Americans throw away and recycle. The project is made up of eight families surrounded by one weeks worth of their trash, broken down into what is recycled and what goes into the landfill. Menzel's images provide a startling look at the reality of the waste of Americans.

«This project took about two months of actual shooting and production; but it took many, many, more months to actually figure out how to make it work. The object of the project was to get a dialogue started on household waste in America. Glad offered us complete freedom to pretty much do what we wanted with the project. If you've seen some of our other books, you know that for the past twenty years we've been traveling around the world shooting rather large projects that took years. Photographing 30 families in 24 countries with one weeks worth of food; or 30 families in 30 countries with all their possessions outside of their house; or a hundred people with their daily diets calorically totaled. Those projects took a long time and with every one of those books that came out people asked us "that's really, really interesting and I've got a great idea for you: show what people throw away, what Americans in a consumer society throw away." We always had to table [the project] because we couldn't figure out how to do it and we didn't think it was a book project that could support itself financially. When Glad offered us this thing, we really thought twice and were wondering "how the heck could we actually make it happen?" Were we going to pile up a bunch of trash, ask somebody to save their trash for a week and then dump it all out in their living room? That wasn't going to work too well for a number of reasons. We came up with this idea after months worth of experimenting with different methods of building the set. [The set was built] on clothes racks that are portable, we spray painted them black so they'd look nice and stretched bird netting over them; after we cleaned, cataloged, sorted, and weighed people's trash we put it up onto three panels so it could be compared and it would all be easy to understand.»

Aniversarios Fotografía (LVI) [Febrero / February 1-8]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 1 de Febrero es el cumple de

Alvin Jerome Baltrop, fotógrafo estadounidense nacido en 1948, famoso por retratar el mundo marginal del West Side neoyorquino de mediados de la década de 1970, sobre todo el ambiente de la prostitución masculina, el tráfico y consumo de drogas y el sexo gay. El valor documental de sus fotografías se ha comparado al de André Kertész o Merry Alpern y, desde el punto de vista estilístico, se las ha definido como un idiosincrático híbrido entre el Clasicismo y el Cine Negro. Sin embargo, su crudeza y sus temas incómodos le valieron el rechazo de las galerías de arte más importantes de su momento, incluidas las dedicadas al arte gay. En 2003 fue candidato al Premio Louis Confort Tiffany, aunque el reconocimiento a su talento artístico ha sido póstumo. Hoy el Museo Whitney de Arte Estadounidense cuenta entre sus fondos con una obra de Baltrop.
Murió en 2004.

"Los muelles (retrato masculino) / The Piers (male portrait)", 1975-86.


El 2 de Febrero es el cumple de

Christopher Voelker, fotógrafo estadounidense nacido en 1961.
Voelker utilizaba silla de ruedas a tiempo completo, debido a una lesión de la médula espinal (tetraplejia) tras un accidente de motocross a alta velocidad a los 16.
Era básicamente autodidacta, fotógrafo de estudio independiente que se especializó en la captura de contrapuntos del paisaje humano en gran formato (Hasselblad y Linhof), blanco y negro. Sus impresiones a mano son una interpretación de sus negativos que se caracterizan por contrastes crudamente voluptuosos del cuerpo y del espacio. Las impresiones son expresiones de algo que es a la vez personal y disponible para la interpretación individual. La llegada de la fotografía digital fue un reto que Voelker abrazó. Su verdadero amor, sin embargo, se mantuvo en el misterio de emulsión; y la película fue el medio que reservaba para su producción artística.
Murió en 2014.
Sitio web del artista: http://www.voelkerstudio.com/

"Bailarina abstracta / Abstract Ballerina"


El 3 de Febrero es el cumple de

Olimpio Clemente Augusto Alejandro Aguado, más conocido como el Conde Olympe, fotógrafo y hombre de mundo francés de origen sevillano nacido en 1827. Fue uno de los varios fotógrafos tempranos que aprendieron la práctica con Gustave Le Gray. Aguado fue pionero en varios procesos fotográficos, incluyendo las fotografías en tarjetas de visita y procesos de ampliación. Fue también miembro fundador de la influyente Sociedad Fotográfica Francesa en 1854.
Aguado frecuentaba la corte del Emperador Napoleón III, y fotografió tanto al Emperador como a su esposa Eugénie. Las fotografías de Aguado durante este período incluyen varios retratos escenificados en los que se burlaba de la moral y costumbres de la nobleza del Segundo Imperio. Sobre fines de la década de 1860, Aguado perdió interés en la fotografía, y produjo tan sólo unas pocas en las décadas siguientes.
Murió en 1894.

"La lecture / La lectura / Reading", impresión a la albúmina de un negativo de colodión sobre vidrio /
albumin print from glass collodion negative, c.1862-64. Musée d'Orsay (París, Francia / France)


El 4 de Febrero es el cumple de

Manuel Álvarez Bravo, el más importante fotógrafo artístico México y una de las figura más importantes en la fotografía latinoamericana del siglo XX.
Nació en 1902 en Ciudad de México. Aunque tomó clases de arte en la Academia de San Carlos, su fotografía es autodidacta. Su carrera abarcó desde finales de la década de 1920 a la década de 1990 con su apogeo artístico entre los años 1920 a 1950. Su sello distintivo como fotógrafo era capturar imágenes de lo cotidiano, pero de forma irónica o surrealista. Sus primeros trabajos se basan en las influencias europeas, pero pronto se vio influenciado por el movimiento del muralismo mexicano y el empuje cultural y político general en el momento de redefinir la identidad mexicana. A lo largo de su carrera realizó numerosas exposiciones de su obra, trabajó en el cine mexicano y estableció la editorial Fondo Editorial de la Plástica Mexicana. Ganó numerosos premios por su trabajo, sobre todo a partir de 1970.
Murió en 2002.

"Ensueño / Daydream", 1931


El 5 de Febrero es el cumple de

Pierre-Gustave-Gaspard Joly de Lotbinière, empresario francés y daguerrotipista aficionado nacido en 1798, famoso por ser el primero en fotografiar la Acrópolis de Atenas y algunos antiguos monumentos egipcios.
En 1839, Joly fue en París, en el momento en que Louis Daguerre reveló su proceso fotográfico para el mundo científico. Se embarcó en un viaje a Oriente Medio, adquiriendo una de las primeras cámaras daguerrotipo de Nöel Paymal Lerebours con el fin de hacer un registro fotográficos de los monumentos antiguos que vería en su viaje. Viajó a través de Malta a Grecia, donde visitó Atenas y otros lugares, y luego continuó a Alejandría. Allí, conoció al pintor Horace Vernet y su sobrino, Frédéric Goupil-Fesquet, que también portaban equipos daguerrotipo. Los tres hombres emprendieron algunas excursiones en Egipto juntos. Joli luego viajó a Tierra Santa, Siria y Turquía. De vuelta en París, cinco de sus 92 placas fueron publicadas por Lerebours en su libro Excursiones Daguerrienas (1840-1841), otras por el arquitecto Hector Horeau para su libro Panorama de Egipto y Nubia (1841). Debido a las restricciones tecnológicas, los daguerrotipos mismos no permitían su reproducción, pero en cambio fueron copiados como grabados que luego fueron impresos. Ninguna de las placas originales de Joly ha sido identificada, y bien pueden haberse perdido. Lo que contenían se conoce a través de su diario que se ha publicado en el año 2011
Murió en 1865.

"Vista del Partenón desde el noroeste / View of the Parthenon From the Northwest", 1839


El 6 de Febrero es el cumple de

Antoine Agoudjian, fotógrafo francés nacido en 1961.
En 1988, tras el terremoto de Armenia del 7 de diciembre, se fue por dos años con una ONG como especialista en logística e intérprete. Comenzó sus primeras imágenes cuando se lo permitía su trabajo humanitario. En 1991 empezó a fotografiar la pobreza y contactó con la fundación Los Restaurantes del Corazón para completar su trabajo. En 1999 expuso en el techo de la Grande Arche de la Défense.
De 1999 a 2011 se apuntó a un trabajo sobre la memoria de los armenios en el antiguo Imperio Otomano y los países de la Diaspora. Es también el autor de una exposición en Estambul muy publicitada de fotografías relacionadas con el genocidio armenio.
Sitio web del artista: http://www.agoudjian.com/

"Rêves Fragiles / Sueños frágiles / Fragile Dreams", Armenia.
© Antoine Agoudjian - EVER MAGAZINE 2011


El 7 de Febrero es el cumple de

Martha Holmes Waxman, fotógrafa y fotoperiodista estadounidense nacida en 1923.
Holmes estaba estudiando arte en la Universidad de Louisville y en el Speed Art Museum cuando alguien sugirió que trabajara en los periódicos Louisville Courier-Journal y The Louisville Times. Fue contratada y comenzó como asistente de un fotógrafo en color, pero pronto se convirtió en una fotógrafa a tiempo completo en blanco y negro, cuando muchos de los fotógrafos masculinos del periódico fueron llamados al servicio en la Segunda Guerra Mundial.
En septiembre de 1944, Holmes lo dejó por la revista Life. Se mudó a Washington en 1947, siendo una de los tres fotógrafos del equipo de LIFE allí. Cubrió las audiencias del Comité de Actividades Antiamericanas durante el punto álgido de las investigaciones de la comisión a la industria del entretenimiento y la supuesta propaganda comunista.
Después de dos años en Washington regresó a Nueva York y vivió allí durante el resto de su vida. Continuó trabajando para LIFE, para la cual fotografió dos portadas, de forma independiente y en 1950 fue nombrada una de los 10 mejores fotógrafas de la nación.
Murió en 2006.


Más sobre Martha Holmes en "El Hurgador" / More about Martha Holmes in this blog:
[Manos a la obra (XI)]
Más sobre Joan Fontaine en "El Hurgador" / More about Joan Fontaine in this blog:
[Aniversarios Fotografía (LVI)]


Hoy, 8 de Febrero. es el cumple de

Iwan Baan, fotógrafo de arquitectura holandés nacido 1975 en Alkmaar.
Ha desafiado a una tradición de larga data de representar edificios como aislados y estáticos, mediante la representación de personas en la arquitectura y mostrando el entorno del edificio, tratando de "producir más que una historia o un sentimiento para un proyecto" y "comunicar cómo la gente usa el espacio". Ha fotografiado edificios de muchos de los arquitectos más importantes del mundo, incluyendo Rem Koolhaas y Toyo Ito. Es "uno de los más publicados" fotógrafos de arquitectura en el mundo. Sus sinceras "tomas polisémicas" han sido comparadas con la obra de Diane Arbus.
En 2010 ganó el primer Premio anual de Fotografía Julius Shulman, que lleva el nombre del más famoso fotógrafo de arquitectura del siglo 20. En 2012 tomó la imagen de Manhattan, después del huracán Sandy, que salió en la portada de New York Magazine, mostrando luz por encima de la calle 42 y la oscuridad por debajo de esa línea, ilustrando vívidamente el impacto desigual de la tormenta. Más tarde se convirtió en una impresión de edición limitada vendido a beneficio de las víctimas de Sandy.
Sitio web del artista: http://www.iwan.com/

Apartamentos Carver / Carver Apartments. Los Angeles - Arq. Michael Maltzan


Textos en inglés / English translation

On February 1 is the birthday of

Alvin Jerome Baltrop, American photographer born in 1948, famous for portraying the marginal world of New York's West Side in the mid-1970s, especially the atmosphere of male prostitution, trafficking and consumption of drugs and gay sex. The documentary value of his photographs has been compared to that of André Kertész or Merry Alpern and from the stylistic point of view, they have been defined as an idiosyncratic hybrid between Classicism and Black Cinema. However, its rawness and uncomfortable issues earned him the rejection of the most important art galleries of the time, including those dedicated to gay art. In 2003 he was Louis Comfort Tiffany Prize candidate, although the recognition of his artistic talent was posthumous. Today the Whitney Museum of American Art has a work of Baltrop in its collection.
He died in 2004.

On February 2 is the birthday of

Christopher Voelker, American photographer born in 1961.
Voelker was a full-time wheelchair user due to a spinal cord injury (quadriplegia) from a high-speed, motocross accident at 16.
He was predominantly self-taught, freelance studio photographer specialized in capturing counter-points of the human landscape in large-format (Hasselblad and Linhof), black and white. Hand developed prints which are an interpretation of his negatives are characterized by starkly voluptuous contrasts of body and space. The prints are expressions of something that is both personal and available for individual interpretation. With the arrival of digital photography it was a challenge that Voelker embraced. His true love, however, remained the mystery of emulsion; and film is the medium he reserved for his artistic output.
He died in 2014.

On February 3 is the birthday of

Count Olympe-Clemente-Alexandre-Auguste Aguado, Franco-Spanish photographer and socialite born in 1827. One of several early photographers who learned the practice from Gustave Le Gray, Aguado pioneered a number of photographic processes, including carte de visite photographs and photographic enlargement processes. He was also a founding member of the influential French Photographic Society in 1854.
Aguado was a frequent figure at the court of Emperor Napoleon III, and photographed both the emperor and his wife, Eugénie. Aguado's photographs during this period included a number of staged portraits that poked fun at the mores and habits of Second Empire nobility. By the end of the 1860s, Aguado had largely lost interest in photography, and produced few photographs in subsequent decades.
He died in 1894.

On February 4 is the birthday of

Manuel Álvarez Bravo, Mexico’s first principal artistic photographer and one of the most important figures in 20th-century Latin American photography.
He was born in Mexico City in 1902. While he took art classes at the Academy of San Carlos, his photography is self-taught. His career spanned from the late 1920s to the 1990s with is artistic peak between the 1920s to the 1950s. His hallmark as a photographer was to capture images of the ordinary but in ironic or surrealistic ways. His early work was based on European influences, but he was soon influenced by the Mexican muralism movement and the general cultural and political push at the time to redefine Mexican identity. Over his career he had numerous exhibitions of his work, worked in the Mexican cinema and established Fondo Editorial de la Plástica Mexicana publishing house. He won numerous awards for his work, mostly after 1970.
He died in 2002.

On February 5 is the birthday of

Pierre-Gustave-Gaspard Joly de Lotbinière, French businessman and amateur daguerreotypist born in 1798, famous for being the first to photograph the Acropolis of Athens and some ancient Egyptian monuments.
In 1839, Joly was in Paris at the time when Louis Daguerre unveiled his early photographic process to the scientific world. Embarking on a trip to the Middle East, Pierre-Gustave acquired one of the first daguerreotype cameras from Noël Paymal Lerebours in order to make photographic records of the ancient monuments he was about to see on his journey. He travelled via Malta to Greece, where he visited Athens and other places, and then carried on to Alexandria. There, he met the painter Horace Vernet and his nephew, Frédéric Goupil-Fesquet, who were also carrying daguerreotype equipment. The three men undertook some excursions in Egypt together. Joli then travelled to the Holy Land, Syria and Turkey. Back in Paris, five of his 92 plates were published by Lerebours in his book Excursions daguerriennes (1840–41), others by architect Hector Horeau for his book Panorama from Egypt and Nubia (1841). Due to technological restrictions, the daguerretypes themselves could not be reproduced and, instead, were copied as engravings which could then be printed. None of Joly's original plates has been identified, and they may well be lost. What they contained is known through his diary which has been published in 2011
He died in 1865.

On February 6 is the birthday of

Antoine Agoudjian, French photographer born in 1961.
In 1988, after the earthquake in Armenia on December 7, he went for two years with an NGO as a logistics specialist and interpreter. He began his first pictures when it allowed her humanitarian work. In 1991 he began photographing poverty and contacted the Foundation The Restaurants of the Heart to complete their work. In 1999 he exhibited at the roof of the Grande Arche de la Défense.
From 1999-2011 he worked on the memory of Armenians in the former Ottoman Empire and the countries of the Diaspora. He is also the author of a highly publicized exhibition of photographs related to the Armenian genocide held in Istanbul.
Artist's website: http://www.agoudjian.com/

On February 7 is the birthday of

Martha Holmes Waxman, American photographer and photojournalist born in 1923.
Holmes was studying art at the University of Louisville and at the Speed Art Museum when someone suggested working at the Louisville Courier-Journal and The Louisville Times newspapers. She was hired and began as assistant to a color photographer, but soon became a full-time black-and-white photographer when many of the paper's male photographers were called to service in World War II.
In September 1944, Holmes left for Life magazine. She moved to Washington, D.C., in 1947, to be one of Life's three staff photographers there. She covered the House Un-American Activities Committee hearings during the height of the committee's investigations into the entertainment industry and alleged communist propaganda.
After two years in Washington, she returned to New York and lived there for the rest of her life. She continued working for Life, for which she photographed two covers, on a freelance basis and by 1950 was named one of the top 10 female photographers in the nation.
She died in 2006.

Today, February 8, is the birthday of

Iwan Baan, Dutch architectural photographer born 1975 in Alkmaar.
He has challenged a long-standing tradition of depicting buildings as isolated and static by representing people in architecture and showing the building's environment, trying "to produce more of a story or a feel for a project" and "to communicate how people use the space". He has photographed buildings by many of the world's most prominent architects, including Rem Koolhaas and Toyo Ito. He is "one of the most widely published" architectural photographers in the world. His candid "polysemic shots" have been compared to the work of Diane Arbus.
In 2010, he won the first annual Julius Shulman Photography Award, named after the most famous architectural photographer of the 20th century. In 2012, he took the image of Manhattan after Hurricane Sandy that made the cover of New York magazine—showing light above 42nd St. and darkness below that line—illustrating vividly the storm's disparate impact. It was later turned into a limited edition print sold to benefit Sandy's victims.
Artist's website: http://www.iwan.com/

Uruguayos (XXVII) - Alberto Schunk (II)

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Segunda publicación dedicada a este buen artista uruguayo. Más imágenes e información en el post previo.
Second post dedicated to this good Uruguayan artist. More images and information in the previous one.
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Alberto Schunk

"Instantánea de señor que se desploma / Snapshot of a man who falls"
Acrílico sobre lienzo, sobre panel / acrylic on canvas on panel, 40 x 40 cm.

Alberto Schunk es un pintor nacido en Montevideo, Uruguay en 1947.

Serie "Via Crucis" (VI) / Stations of the Cross Series (VI), 2013
"Iesus Veronicae sudario abstergitur / Verónica limpia el rostro de Jesús / 
Veronica wipes the face of Jesus"

“Me es difícil mirar atrás. Las percepciones de mi pasado artístico, que no puedo separar de mi vida personal, cambian con cada experiencia, visual o cualquier otra.
En el momento presente siento una gran libertad creativa (si se me permite utilizar una palabra tan grande), y tengo más confianza en mis habilidades técnicas.
No pretendo inventar nada, ni me atemoriza repetir el mismo tema o emoción, sin importar cuán insignificante pueda parecer. Creo en el trabajo constante como única manera de hacer un completo uso de mi inspiración, no porque pueda dar como resultado una ingente cantidad de material utilizable, sino porque es una forma de exorcisar mis propios miedos y comunicar mi yo interior.”

"Para no olvidar nada / To Forget Nothing", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 60 x 80 cm., 2014
Foto / Photo: Shirley Rebuffo

"Jardin secreto / Secret Garden", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 80 x 120 cm., 2012

“Así, ese "nowhereman", esencialmente innominable, tiene una insoslayable visión del mundo: la de su infancia transcurrida en un lugar afectivo, patria definitiva al pensar de Rilke. Ser neoyorkino, vienés o cretense implica ver al mundo desde una cultura. Ser montevideano conlleva un imaginario en el que conviven codo a codo el mate, el Palacio Salvo, la rambla, Torres García, el tango, el candombe y el clásico dominguero. Las ciudades de Alberto Shunk son montevideanas. Un filtro naturalmente superpuesto a su visión del mundo tiñe a sus paisajes edilicios y a sus personajes de un espíritu local, como un fantasma infiltrado en un cuerpo ajeno”. M.E.Y.

Estudio de Alberto / Alberto's Studio. Foto / Photo: Shirley Rebuffo

“Óleos de pequeño a mediano formatos se conjugan en forma armónica entonados en una paleta baja, por momentos tendente al monocromatismo. Planteos opresivos en los que el aire escasea, atmósferas asfixiantes de moles edilicias contempladas desde el nivel de la calzada, óptica del transeúnte pocas veces memorioso de un diferente panorama que el de la calle que transita o el de la vereda bajo sus pies. El aire gris y enrarecido de sus paisajes urbanos se torna angustiante por exceso en torno a sus personajes inscriptos en espacios vacíos, que fríamente rodean despojados a los hombres solos, reflexivos, elusivos. Rostros-máscaras ahogando en impasibilidad actitudes de cuerpos simulando descontracturas. Los ritmos geometrizantes de las formas humanas se acompasan a los ritmos entrecortados de los contextos, sólo interceptados por alguna curva sutil. Sordas vibraciones cromáticas se resuelven en escalas microtonales, apaciguadas en mates armonías que destacan sobre su sordina los planteos afilados de los espacios en un todo compuesto en forma ajustada”. M.E.Y.

"Prueba de existencia / Proof of Life", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 70 x 100 cm., 2011

Sobre las obras presentadas en la muestra “Prueba de existencia”, en Montevideo, (1/2014) comenta Alberto:
“La paleta de ésta muestra es más bien baja, es la parte uruguaya. Torres García y sus alumnos decían que lo más importante del cuadro es la estructura y el tono, no el color. Lo otro, la pintura clásica veneciana, no va en contraposición, pero está basada en un tono subidísimo. Es una explosión de color. Básicamente se eliminan las líneas, los colores se funden unos con otros y ahí se logra la forma, el cuerpo”

“Lo que estoy tratando de recrear es una cosa que varios filósofos del arte dicen que ya caducó. Me doy cuenta que uso un lenguaje de retaguardia y creo que cuanto más viejo me pongo menos me importa estar a la moda”

"Paisaje urbano con iglesia / Urban Landscape with Church"
Acrílico sobre lienzo, sobre panel / acrylic on canvas panel, 40 x 40 cm., 2013
Foto / Photo: Shirley Rebuffo

Alberto Schunk is an Uruguayan painter born in Montevideo in 1947.

Izq./ Left: "Tierra firme / Mainland", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 35 x 28 cm., 2002
Der./ Right: Serie "Jardines Urbanos", "Espejismo" / Urban Gardens Series, "Mirage"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 60 x 80 cm., 2014

“It is difficult for me to look back. The perceptions in my artistic past, which I cannot separate from my personal life, change with every experience visual or otherwise.
At the present time, I feel a greater freedom to create (if I may be allowed to use such a grand word), and I am more confident of my technical skills.
I do not pretend to invent anything, nor am I afraid of repeating the same theme or emotion regardless of how insignificant it may seem. I believe in constant work as the only way to make full use of inspiration - not because it can result in a vast quantity of usable material - but because it is a form of exorcising my own fears and of communicatinf my inner self.”

"Volver / Return", 70 x 100 cm., 2011

“So, that Nowhereman essentially nameless, has an inescapable world view: his childhood spent in an affective place, final homeland thought by Rilke. Being a New Yorker, Viennese or Cretan involves seeing the world from a culture. Being Montevidean carries with it an imagery in which live side by side mate, Palacio Salvo, the Boardwalk, Torres Garcia, tango, candombe and Sunday's derby. The cities of Alberto Shunk are Montevidean cities. A naturally superimposed filter on his worldview dyes his building landscapes and characters with a local spirit, like a ghost infiltrated in a foreign body.”

Serie Via Crucis (VII) / Stations of the Cross Series (VII), 2013
"Iesus procumbit iterum sub onere crucis / Jesús cae por segunda vez bajo el peso de la cruz /
Jesus Falls for the Second Time Under the Burden of the Cross"

"Detritus", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 60 x 90 cm., 2012

"Oils from small to medium formats come together harmoniously in a low toned palette, at times tending to monochromatic. Oppressive approaches where air lacks. Suffocating atmospheres of buildings masses seen from street level. The passers' point of view that rarely remember a different panorama than the road that passes or the sidewalk under her feet. The gray and rarefied air of his cityscapes becomes distressing by excess around his characters, inscribed in empty spaces that surround coolly dispossessed thoughtful sneaky lonely men. Impassible face-masks than drowns in attitudes of bodies simulating decontract. The geometric rhythms of human forms takes up the staccato rhythms of contexts, only intercepted by some subtle curve. Deaf chromatic vibrations are resolved in microtonal scales appeased in matt harmonies that stand on their muted sharp set ups of the spaces in a whole composed in an adjusted way."

Estudio de Alberto / Alberto's Studio. Foto / Photo: Shirley Rebuffo

"Conversación en las alturas / Conversation on High Places"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 60 x 60 cm. Foto / Photo: Shirley Rebuffo

About the works featured in the exhibition "Proof of Life" (Montevideo, Jan., 2014) tells Alberto:
"The palette of this show is rather low, is the Uruguayan side. Torres García and his students said that in a painting the most important is the structure and tone, not color. The classical Venetian painting, will not opposed, but is based on a very high tone. It is an explosion of color.
Basically the lines are removed, the colors blend with each other and hence the shape is achieved, the body.”

"What I'm trying to recreate is something that many art philosophers say has expired. I realize that using a rearguard language and I think the older I get the less I care about being fashionable."

"Respiro hondo / Deep Breath", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 60 x 80 cm., 2012

Los textos están tomados de una reseña crítica de María E. Yuguero que puede leerse completa aquí, y de un artículo del periódico digital Sociedad Uruguaya sobre la muestra "Prueba de Existencia" (Enero, 2014)  publicado aquí.

Texts from a critical review by Maria E. Yuguero you can fully read (in Spanish) here, and from an article in Sociedad Uruguaya on the show "Proof of Life" (Jan., 2014) published here.
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Más sobre Alberto Schunk en "El Hurgador" / More about Alberto Schunk in this blog:
[Uruguayos (XXV)]

Más imágenes e información en / More images and information in:
Website

Imágenes y textos publicados con autorización del artista (¡Muchas gracias, Alberto!)
Gracias también a Shirley Rebuffo por el contacto, fotografías y textos.

Text and imgaes published here with artist's permission (Thanks a lot, Alberto!)
Thanks also to Shirley Rebuffo for the contacto, photographs and text.


"Las estructuras del silencio"
un texto de María E. Yuguero en ocasión de la exposición "Ritmos Urbanos" /
"The Structures of Silence"
text by María E. Yuguero on the occasion of the exhibition "Urban Rhythms"

Traducción libre al inglés de / English translation by Álvaro Correa

El carácter prostibulario y marginal de las ciudades viejas, vinculado a la noche y al hastío con olor a muerte - parafraseando al tango -, ejerce un profundo poder de seducción sobre los creadores de imágenes. Onetti, Borges, Cendrars, Toulouse-Lautrec, Dix, Hopper, Carlos de la Púa, Bukowsky han
abrevado en las aguas cenagosas de la noche urbana: humo y alcohol, música oscilante entre el erotismo y la cursilería, decadentismo, nostalgia por pretéritos imperfectos y ausencia de horizontes proyectados.

Estereotipos intemporales de soledades silenciosas son asimismo los Personajes y los paisajes urbanos tugurizados del pintor Alberto Schunk. Nowhere men of nowhere lands, hijos bastardos del destino, cobijados en centros nocturnos de cualquier ciudad, donde el ruido jamás eclipsa al silencio.
Sin embargo, a despecho de la densidad significante de las imágenes, Schunk reconvierte sus configuraciones en pura plasticidad, depurado lenguaje
pictórico legible en sintaxis y prosodia de tono, forma y composición. Sin desbordes irracionales y con un rigor de sobriedad sistemática funcionando como contrapeso a la fuerza romántica del mito, el artista resuelve sus imágenes en hieráticas estructuras entonadas, de suerte tal que el espíritu sombrío de la imaginería se acompasa al ritmo constructivo de la tradición torresgarciana. Destacable es el oficio en el manejo de la materia constitutiva de la obra, a la maniera antiqua de los artistas forjados en la disciplina y la búsqueda de un planteo solvente y clásicamente ajustado a los parámetros de una técnica.

Alberto Schunk, un artista nacido en Montevideo, cuya búsqueda estética apunta a la representación de una visión universalista de las sociedades modernas, acusando la impronta de armónica compacidad tonal y estructural de neto cuño uruguayo.
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The seediness and marginalization of old cities, their nightlife and weariness pervaded by the stench of death-think of the tango-- are seductively attractive to the image maker. Onetti, Borges, Cendrars, Toulouse-Lautrec, Dix, Hopper, Carlos de la Púa, and Bukowsky have all delved into the dark underworld of the urban nightscape, its smoke and alcohol, its blend of erotic and kitchy music, its decadence, its nostalgic yearnings and its desperation.

These timeless stereotypical images of unspoken loneliness provide the characters and building blocks for the canvases of Alberto Schunk. Nowhere Men of nowhere lands, illegitimate sons of destiny, seeking refuge in the nightspots of anonymous cities where, oddly, the noise never fully eclipses the city's inherent silence.
Although the images he uses are laden with meaning, Schunk manages to wholly transform them, creating graceful structures with their own pictorial language, syntax, and rules of tone, form and composition. Through a painstaking and systematic approach, and invoking the romantic power of myth, Schunk succeeds in arranging these images into a precise harmonious order, as if orchestrating this urban gloominess to the rhythms of the constructive tradition established by Torres Garcia, [the Uruguayan theorist and painter]. Of special note is the skill with which Schunk uses his medium to craft works in the classic and disciplined tradition built on the development of technique.

Alberto Schunk is an artist born in Montevideo whose aesthetic search suggests a universal vision of modern society, with a distinctly Uruguayan seal of tonal and structural rigor.

Pierre Gonnord [Fotografía]

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A poco de empezar con el blog, publiqué algunas imágenes de este extraordinario fotógrafo. Ahora, con su autorización, una selección algo más amplia y un poco más de información. Una obra potente e intensa, en palabras del artista "más influenciada por la literatura que por la pintura, que debe ser leída más que mirada", aún cuando por ahí se le conoce como "El Velázquez de la fotografía". No hay más que ver sus trabajos para comprender porqué.
Traducción al inglés al final del post, señalada con [*] en cada párrafo.

When I first started with this blog, I posted some images of this extraordinaire photographer. Now, with his authorization, a somewhat broader selection and a little more information. A powerful and intense work, in the words of the artist "more influenced by literature than painting, that must be readed rather than seen", even when he's known for many as "The Velázquez of Photography". Just take a look at his work to understand why.
English translation at the end of this post, referenced with [*] in each paragraph.
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Pierre Gonnord


Pierre Gonnord es un fotógrafo francés nacido en Cholet (Francia) en 1963 y residente en Madrid desde 1988.

«La propia historia del retrato tiene su parte escondida del iceberg en la larga trayectoria del retrato pictórico. Mi trabajo es fotográfico aunque haya aprendido y disfrutado de todos los grandes maestros del retrato, sean fotógrafos como Avedon, Penn, Arbus, Sander; o pintores como Goya, Zurbarán, Caravagio, Van Gogh, Memmling... la lista podría ser demasiado larga. Un maestro, sea pintor, fotógrafo, cineasta o escritor, es una clase magistral siempre presente. La literatura me ha influido tal vez más que la pintura, porque un retrato es una pieza silenciosa que se debe leer más que mirar, como un relato de Dostoievski o Faulkner. Los fondos negros, la pose hierática, la escala y la iluminación, se asemejan a la tradición pictórica pero, una vez superados estos códigos, ¡olvidémonos de la pintura!» (estos artistas en el blog: ver más abajo) [1]

Serie Utópicos / Utopics Series, "Kevin", 2005

"Elena", Fotografía color sobre papel / Color photography on paper Hahnemulle
Edición de 3 + 2 P.A. / Edition of 3 + 2 A.P., 148 x 110 cm., 2011

«Mis fotos no se apoyan en un “instante decisivo” como diría Cartier Bresson. Tal vez todo lo contrario, pues proceden, como radiografías, de un ritual largo y silencioso de encuentro en la intimidad. El tiempo parece abolido, como si viviésemos hace mil años o dentro de otro milenio.» [2]

"Friedrich", fotografía color sobre papel / Color photography on paper Hahnemulle
Edición de 3 + 2 P.A. / Edition of 3 + 2 A.P., 148 x 110 cm., 2011

"Hattie", digital C-print, 2012. Fotografiada en / photographed in Birmingham

«Me interesa la dignidad humana como constante, como patrimonio de la humanidad. Creo que mis retratos la celebran con evidencia. Mis retratos son de “aristócratas” independientes y con fuerza espiritual, sea cual sea su procedencia. Al mismo tiempo, como compromiso social, he elegido dar visibilidad a esos colectivos que, en los tiempos que corren, merecen una atención muy especial.» [3]

"Hattie" (detalle / detail)

Serie Testigos / Witnesses Series, Bernardo II, 2006

«No creo en estas cosas del alma, del espejo del alma... Somos cuerpo, pensamiento, sentimiento. El retratista lanza el cubo al pozo para intentar extraer algunas preguntas y contemplar esa complejidad. La complejidad misteriosa de la condición humana.» [4]

Serie Utópicos / Utopics Series, "Alain", 2006

Serie Testigos / Witnesses Series, "María", 2006

Después de los gitanos de Sevilla, Pierre Gonnord comenzó a trabajar con la comunidad gitana de Perpignan. Pasó una semana en los distritos de St Jacques y Haut-Vernet para establecer un primer contacto, mostrar su obra y hablar sobre su proyecto. "En una comunidad tan marcada, es difícil llegar y tomar fotografías inmediatamente". Durante su segunda visita allí, estableció un pequeño estudio en Couvent des Minimes. "La gente que conocí era extraordinaria. Fue un auténtico desafío, en silencio, confianza e intimidad." A veces, Pierre fue invitado a tomar fotografías en casa de sus modelos. La imagen de un adolescente cargando con su hermanito, fue tomada en la cama de su abuelo; la del viejo fue tomada en su taller, en el jardín. "Aquellos intercambios privilegiados fueron un regalo para mí. Cayeron las barreras. Comprendemos que somos completamente accesibles." [5]

Serie Urbanos / Urbans Series, "Pipo 1"
Fotografía en color siliconada bajo metacrilato y marco de madera / 
color photography silicon under acrylic and wooden frame, 100 x 100 cm., 2000

Izq./ Left: Serie Utópicos / Utopics Series,Salima
Fotografía en color siliconada bajo metacrilato y marco de madera / 
color photography silicon under acrylic and wooden frame, 130 x 100 cm., 2006
Der./ Right: "Antonio", fotografía en color siliconada bajo metacrilato y marco de madera / 
color photography silicon under acrylic and wooden frame, 165 x 125 cm., 2004

Sobre Salima:
«La conocí en un concierto. Ella es música. La encontré tan sensual, y al mismo tiempo tan diferente, por su ceguera. Mayormente porque la vi tocar el piano y estaba como en un éxtasis de gracia, y me pareció una chica tan espiritual que decidí hacerle un retrato.»

Sobre Antonio:
«Este hombre es Antonio, un hombre de otra época... es un hombre del siglo XIX. Para mí está más cerca de Víctor Hugo que de un vagabundo. Es tan elegante.» [6]

"Arno", fotografía en color / color photography
Edición de 5 + 1 P.A. / Edition of 5 + 1 A.P., 148 x 125 cm., 2005

Serie Utópicos / Utopics Series, James, 2004

Serie Gitanos / Gypsies Series, "Kristov"
Fotografía en color siliconada bajo metacrilato y marco de madera / 
color photography silicon under acrylic and wooden frame, 165 x 125 cm., 2007

Serie Utópicos / Utopics Series, "Francisco"
Fotografía en color siliconada bajo metacrilato y marco de madera / 
color photography silicon under acrylic and wooden frame, 165 x 125 cm., 2005

«De entrada, los fotógrafos no siempre somos bienvenidos - dice Gonnord - Tienes que tomarte tu tiempo. Tienes que ser paciente. Yo nunca tengo prisa. Tengo que conectar con 100 personas para convencer a una. Vivo con la gente. Intento transmitir por qué estoy fascinado con ellos. Y finalmente dicen: "Pierre, hagámoslo".» [7]

Serie Mineros / Miners Series, "Miroslaw"
Fotografía en color siliconada sobre Dibond, urna de madera y metacrilato anti rayos UVA /
Color photography siliconized on Dibond, wooden urn and methacrylate anti UV, 166 x 125 cm., 2009

Serie Regards (Miradas / Glances), "Sonia II", 2003

Serie Urbanos / Urbans Series, "Dan II"
Fotografía en color siliconada bajo metacrilato y marco de madera / 
color photography silicon under acrylic and wooden frame, 100 x 100 cm., 1999

«El sur ha sido, como España y Portugal, el cruce de caminos de muchas influencias. Me siento seducido por el Sur. Me gusta su cultura; quiero homenajearle. No quiero simplemente decir algo; quiero hacer preguntas, que a veces no tienen respuestas. Por eso me gusta la literatura de Faulkner. No hay resputestas. Es la condición humana. Estoy seguro de que no es mi último viaje al sur de los Estados Unidos. He empezado a amar esta región.» [8]

Serie Galicia / Galicia Series, "Magdalena", 2009

"Roland", 2011
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FUENTES / SOURCES:
[1], [2], [3], [4] - Entrevista de Pablo Ruiz publicada en d[x]i Magazine, diciembre, 2012, que puede leerse completa aquí /
Interview by Pablo Ruiz published in d[x]i Magazine, December, 2012, you can fully read (in Spanish) here.
[5] - Entrevista de Marion Mozzi publicada en Visa pour l'image, Perpignan, septiembre, 2008, que puede leerse completa (en inglés), aquí /
Interview by Marion Mozzi published in Visa pour l'image, Perpignan, September, 2008, you can fully read here.
[6] - Transcripción de comentarios del artista en los videos que pueden verse más adelante /
Transcription of artist's comments from the videos you can see below.
[7], [8] - Entrevista de Andrew Alexander publicada en ArtsAtl, noviembre, 2012, que puede leerse completa (en inglés), aquí
Interview by Andrew Alexander published in ArtsAtl, November, 2012, you can fully read here.
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Sobre los artistas mencionados / About the mentioned artists:

Diane Arbus[Aniversarios Fotografía (VI)]
Richard Avedon[Aniversarios (XVI)]
Michelangelo Merisi da Caravaggio[La Colección Bentaberry (II)], [Lost Art (II)], [Fotógrafos japoneses (II)], [Marc Dennis (Pintura)], [Thom Puckey (Escultura)]
Francisco de Goya[Pintando perros (III)], [Pintando perros (XII)], [Pintando perros (XXV)], [Pablo Morales de los Ríos (II), Desvariaciones (Pintura)], [Fotógrafos japoneses (II)], [Aniversarios (VIII)], [Gottfried Helnwein (Pintura)], [Aniversarios (XXXIII)], [Arte y humor (VI) - Anexo]
Hans Memling[Fotógrafos japoneses (II)], [Daria Endresen (Arte digital)]
Irving Penn[Watson, Penn, Shinoyama, Johnsen], [Rufino Tamayo (Litografías, Mixografías)], [Aniversarios fotografía (XXI)]
August Sander[Aniversarios Fotografía (XLIV)]
Más sobre Pierre Gonnord en "El Hurgador" / More about Pierre Gonnord in this blog:
[Davie, Collier, Gonnord]

Más imágenes e información sobre Pierre / More images and information about Pierre:
Website, Galería Juana de Aizpuru

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Pierre!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Pierre!)


Rencontres d'Arles / Encuentros de Arlés
Entrevista al fotógrafo Pierre Gonnord de la gente de Fotovisión Erika Gentry y Melanie Light. Pierre habla sobre sus retratos in situ (en inglés) /
Meetings of Arles
Interview with photographer Pierre Gonnord by Fotovision people Erika Gentry and Melanie Light, 2008. Discusses his portraits in situ (in English).

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Singular Art Magazine entrevista a Pierre Gonnord (en español) / 
Interview with Pierre Gonnord. Singular Art Magazine (in Spanish)



Traducción al inglés / English Translation

[1]
Pierre Gonnord is a french photographer born 1963  in Cholet, France, living in Madrid since 1988.

«The history of the portrait has its hidden part of the iceberg in the long history of portrait painting. My work is photographic, even when I've learned and enjoyed all the great masters of portrait; photographers like Avedon, Penn, Arbus, Sander; or painters like Goya, Zurbaran, Caravaggio, Van Gogh, Memmling ... the list might be too long. A Master, whether painter, photographer, filmmaker or writer, is a master class always present. The literature has influenced me perhaps more than painting, because a portrait is a silent piece to be read more than watch, as a story of Dostoyevsky or Faulkner. The black backgrounds, the hieratic pose, scale and lighting, resemble the pictorial tradition but, once you have these codes overcome, Let's forget about painting!» (these artist in this blog: see above)

[2]
«My photographs do not rely on a "decisive moment" as Cartier Bresson said. Maybe the opposite, as they come, like X-rays, from a long and silent ritual of meeting in private. Time seems abolished, as if we lived a thousand years ago or in another millennium.»

[3]
«I am interested in human dignity as a constant, as world heritage. I think my portraits celebrate it with evidence. My portraits are "aristocrats" independent and with spiritual force, whatever its origin. At the same time, as social commitment, I chose to give visibility to those groups which, in these times, deserve special attention.»

[4]
«I don't believe in these things of the soul, the mirror of the soul ... We are body, thoughts, feelings. The portrait maker throws the bucket into the well to try to draw some questions and see that complexity. The mysterious complexity of the human condition.»

[5]
After the gypsies from Sevilla, Pierre Gonnord started working on the gypsy community of Perpignan. He spent one week in the districts of St Jacques and Haut-Vernet to establish a first contact, show his work, and talk about his project. “In such a strong and marked community, it is hard to arrive and take pictures immediately”. During his second visit there, he set up a small studio in couvent des minimes. “The people I met were extraordinary. There was a real exchange, in silence, trust and intimacy.”  Sometimes, Pierre was invited to take the pictures at his models’ homes. The picture of the adolescent carrying his little brother was taken on his grand father’s bed; the one of the old man was taken in his workshop, in the garden. “Those privileged exchanges are gifts for me. Barriers fall down. We realize we are all approachable”.

[6]
About Salima:
«I met her in the concert. She's a musician. I find that she was so sensual, and at the same time so different because her blindness. Mostly because I saw her playing the piano and she was like in a kind of extasis of grace, and I find this girl so spiritual that I decided to make a portrait.»

About Antonio
«This man is Antonio, is a man for another period... is a man from the nineteen century. For me is more closer to Victor Hugo than a vagabond. Is so elegant.»

[7]
«At first, photographers are not always welcome,” Gonnord says. “You have to spend time. You have to be patient. I’m never in a hurry. I have to connect with 100 people to convince one. I live with people. I try to transmit why I am so fascinated with them. And finally they say, ‘Pierre, let’s try.’ »

[8]
«The South has been, like Spain and Portugal, the crossroads of many influences. I’m very seduced by the South. I like your culture; I want to celebrate it. I don’t want to say something; I want to question, sometimes with no answers. That’s what I like in Faulkner’s literature. There are no answers. It’s the human condition. I’m sure it’s not my last trip to the Southern U.S. I’ve started loving this region.»


Paul Kaptein [Escultura]

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Paul Kaptein

"Flexible / Limber", madera laminada tallada a mano / 
laminated, hand carved wood (Tulípero / Poplar - Liriodendron tulipifera), 83 x 45 x 19, 2013

Las esculturas en madera de Paul Kaptein, artista residente en Perth, Australia, resultan extrañamente inquietantes.
Realizadas con láminas de madera encolada, los paneles se deslizan, creando sus propios agujeros que potencian las lagunas en el tejido del universo.
«Mi obra está ampliamente involucrada con la entidad del momento presente. Mediante el muestreo de diversas trayectorias culturales y temporales, exploro la noción del ahora como una remezcla de potencialidades pasadas y futuras. Esto facilita una renegociación de verdades perceptivas que resultan en la expresión de cosas que no son completamente verdaderas, pero tampoco completamente ficticias.
En esto resulta clave la teoría subyacente de la vacuidad (Shuniata / śūnyatā). A menudo considerada un vacío, el Shuniata ofrece posibilidades ilimitadas.»

"Flexible / Limber" (detalle / detail)

«El punto de vista Zen sostiene que el ahora, el momento presente, es la única parte del tiempo que hay, y encontramos esto difícil de comprender porque vemos porciones de tiempo en incrementos. En el Zen todo está en el momento presente mientras que desde un punto de vista occidental en general estamos pensando en el futuro, o en el pasado - por ejemplo la fiesta a la que fuiste la semana pasada. Así que te estás proyectando hacia el futuro o desde el pasado, pero nunca estás realmente en el momento presente.»

"Flexible / Limber"

"Y en los sonidos infinitos llegó una pausa / And in the endless sounds there came a pause", 
Madera laminada tallada a mano / laminated, hand carved wood, 63 x 61 x 61 cm., 2014

Debido a la falta de madera para tallar que hay en Australia Occidental, Kaptein usa láminas de madera encoladas. Cuando son talladas, la técnica ofrece contornos visibles y la oportunidad de inyectar espacios. Como esos espacios generan una brecha, un silencio o vacío, interrumpiendo el recorrido del ojo alrededor de la obra, también refieren a la pixelación y artefactos de medios digitales.

Progreso de la obra / Progress of the work

"Y en los sonidos infinitos llegó una pausa / And in the endless sounds there came a pause"
(vista lateral / side view)

Kapstein dice que el medio es uno que él conscientemente evitaba, pero que ha probado ser un punto de inflexión en su carrera. «Siendo del campo (Nannup), he resistido la urgencia por incorporar cualquier cosa que pudiera identificarme como "rural", y la madera es la primera cosa a evitar. Las partes de tractor, lo segundo.»
Pero mientras creaba una obra en resina para "Escultura junto al mar", en 2011, frustrado por el tedioso método de hacer el molde y la fundición, comenzó a martillar una pieza de madera con un cincel, y súbitamente los astros se alinearon.

"Ecoplasia / Echoplasia", madera laminada tallada a mano / 
Laminated, hand carved wood (Jelutong - Dyera costulata), 51 x 34 x 19

"Cada respiración, una estrella muerta / Every Breath, a Dying Star"
Madera laminada tallada a mano, grafito / laminated hand carved wood, graphite, 50 x 48 x 28 cm., 2014

«Nunca había intentado tallar madera, y no tenía idea de para qué lo estaba haciendo - dice -. Después de mucho googlear, aprendí más, y esto también es una ironía, que tengas que ir a Internet para averiguar sobre una antigua forma de arte.»

«La talla de madera como proceso es lento, y generalmente está en oposición a la actual necesidad de inmediatez. Es también un arte antiguo, así que yo estoy yuxtaponiendo eso a las preocupaciones contemporáneas de la intervención tecnológica; lo antiguo y lo moderno colisionan de algún modo. El efecto de anomalía también enlaza con la noción de Vacuidad, al socavar la solidez del material.»

"Cada respiración, una estrella muerta / Every Breath, a Dying Star"

"Marsyas", madera laminada tallada a mano / 
Laminated, hand carved wood (Jelutong - Dyera costulata), 15 x 47 x 40, 2013

The wooden sculptures of Paul Kaptein, artist who lives in Perth, Australia, are strangely disturbing.
Made with laminated glued wood, the panels slip and slide, creating their own holes which exasperate the gaps in the fabric of the universe. 
«My work is broadly concerned with the agency of the present moment. By sampling various cultural and temporal trajectories, I’m exploring the notion of the now as a remix of past and future potentialities. This facilitates a renegotiation of perceptual truths resulting in an expression of things not quite truth, yet not quite fiction.
Central to this is the underlying theory of emptiness (Śūnyatā). Often considered a void, Śūnyatā offers endless possibility.»

"Dos formas de tranquilidad / Two Forms Of Stillness", madera laminada tallada a mano, acero /
Laminated, hand carved wood (Jelutong - Dyera costulata), steel, 45 x 34 x 19, 2014

"Idioteca / Idioteque", madera laminada tallada a mano /
Laminated, hand carved wood (Jelutong - Dyera costulata), 33 x 34 x 36,2, 2013

«The Zen view is that the now, the present moment, is the only portion of time there is, and we find that hard to grasp because we see portions of time in increments. In Zen everything is in the present moment whereas from a Western standpoint we're generally thinking about the future, or about the past - say the party you went to last week. So you're projecting forward or from the past but you're never actually in the moment.»

"Problemas de lujuria / Luxury Problems"
Madera laminada tallada a mano / laminated, hand carved wood
(Pino Huon / Huon Pine - Lagarostrobos franklinii), 54 x 51 x 30, 2013

"Una muerte rápida (Supernumeraria) / A Fast Death (Supernumerary)", (vista lateral / side view)
Madera laminada tallada a mano / laminated, hand carved wood, 21 x 17 x 39, 2013
(Jelutong - Dyera costulata, Cedro rojo del Pacífico / Western Red Cedar -  Thuja plicata)

With a lack of wood that can be carved in WA, Kaptein uses strips of wood glued together. When carved, the technique offers visible contours and the opportunity to inject spaces. While these spaces impart a gap, a silence or emptiness, disrupting the flow of the eye across the work, they also reference the pixellations and artefacts of digital media.

"Una muerte rápida (Supernumeraria) / A Fast Death (Supernumerary)", (vista lateral / front view)

"y en las pausas infinitas llegó un sonido / and in the endless pauses there came a sound"
Madera laminada tallada a mano / laminated, hand carved wood, 1860 x 600 x 460 cm., 2012
Escultura junto al mar / Sculpture by the Sea, Cottesloe / Bondi, 2012

Kaptein says the medium is one he consciously avoided but it proved to be a major turning point in his career. «Being from the country (Nannup), I'd resisted the urge to incorporate anything that might identify me as 'rural' and wood was the first thing to avoid. Tractor parts second.»
But while creating a work in resin for Sculpture by the Sea in 2011, and frustrated by the tedious method of mould making and casting, he began hammering a piece of wood with a chisel and suddenly the stars aligned.

"y en las pausas infinitas llegó un sonido / and in the endless pauses there came a sound"

"Sin título / Untitled", madera laminada tallada a mano / 
Laminated, hand carved wood, 58 x 28 x 30, 2014
Ganador del Premio Mandorla Art / Mandorla Art Award, Winner, 2014

"Sin título / Untitled", madera laminada tallada a mano / 
Laminated, hand carved wood, 58 x 28 x 30, 2014
Ganador del Premio Mandorla Art / Mandorla Art Award, Winner, 2014

«I had never attempted woodcarving and had no idea what I was in for," he says. "Lots of googling later, I learnt more - and that's an irony too, that you have to go to the internet to find out about such an old art form.»

"A aquellos que celebran el efecto de la música dionisíaca sobre el alma humana contemporánea... los saludamos / 
For those about to celebrate the effect of Dionysian music on the contemporary human soul...we salute you"
Madera laminada tallada a mano / laminated, hand carved wood, tamaño natural / life size, 2012

"Las boyas de deriva continental Nº 20 - 22 / The Continental Drifters #20 - 22"
Resina, madera, acrílico, arena / resin, wood, acrylic, sand, 130 cm. de altura / high, 2011-12
Strand Ephemera, Townsville, QLD, TRANSART, City of Perth (Australia Occidental / WA)

«Woodcarving as a process is slow and generally in opposition to the current need for immediacy, it is also an ancient craft so I'm juxtaposing that to contemporary concerns of technological intervention—ancient and modern collide in a way. The glitch effect also ties into the notion of Emptiness by undermining the solidity of material.»

"Las boyas de deriva continental Nº 20 - 22 / The Continental Drifters #20 - 22"

Más imágenes e información sobre Paul en / More images and information about Paul in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Paul!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Paul!)


Cómo se hizo "Flexible" / The making of Limber
Más imágenes aquí / More images here.







Aniversarios (LVII) [Febrero / February 8-14]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 8 de Febrero es el cumple de

José Antonio Velásquez, el pintor más importante que ha tenido Honduras, nacido en 1906. Este prestigioso artista hondureño fue, además de pintor, escultor, fotógrafo, comerciante y político.
Luego de la muerte de sus padres, Velásquez abandonó Caridad y se trasladó a la costa norte de Honduras en busca de mejores condiciones de vida, que en aquél tiempo ofrecían las compañías bananeras. Posteriormente se hizo barbero, trabajo que desempeñó alternamente con el de telegrafista. Fue precisamente este oficio el que llevó a Velásquez a trasladarse, en 1931, como empleado a San Antonio de Oriente, un pequeño lugar localizado a unos 30 kilómetros de la capital de Honduras, Tegucigalpa. Llegó a amar tanto a este pueblo que se convirtió en la inspiración de la mayor parte de sus obras. Además fue alcalde del pueblo en tres períodos. En su oportunidad fue considerado el primer pintor primitivista de América.
Como primitivista, "sus cuadros tienen, como es lógico, defectos de perspectiva, pero pintados con atención al detalle, con fidelidad al color y con simpática ingenuidad, la misma que poseen las pinturas que se colocan como fondo en los nacimientos de Navidad en Centroamérica, e incluso sus personajes, y ese perro con el rabo levantado, que es casi su marca de fábrica, tienen mucho de figura de nacimiento".
Murió en 1983.

Óleo / oil, c.1954


El 9 de Febrero es el cumple de

Eugenio Lucas Velázquez, pintor romántico español, llamado en el pasado Eugenio Lucas y Padilla, cuando se le creía natural de Alcalá de Henares.
Nació en 1817 y estudió en la Academia de Bellas Artes de San Fernando. Viajó por Italia y Marruecos, visitando igualmente París.
Abandonó el neoclasicismo de sus maestros al admirar a pintores como Velázquez y Goya, siguiendo sobre todo la línea satírica de este último.
Cultivó la pintura costumbrista, con escenas fantásticas y siniestras, pero también paisajes y retratos. Autor fecundo, entre sus obras cabe citar Condenado por la Inquisición y Los hijos del artista.
Murió en 1870.

"Condenados por la Inquisición / Condemned by the Inquisition"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 77,5 x 91,5 cm., ca. 1833-1866. Museo del Prado (Madrid, España / Spain)


El 10 de Febrero es el cumple de

Martín Tovar y Tovar, uno de los pintores venezolanos más importantes y de alto perfil del s.XIX, nacido en 1827. Su obra más famosa es su conocida representación de la Batalla de Carabobo. Otras obras destacadas son las pinturas sobre las batallas de Junín y la de Ayacucho.
A partir de 1872 la obra del artista estuvo presente en numerosas exposiciones y galerías del país, incluyendo la primera Exposición Anual de Bellas Artes celebrada en Venezuela. De hecho, el presidente venezolano Antonio Guzmán Blanco le encomendó la tarea de pintar los muchos retratos de venezolanos prominentes que se necesitarían para una nueva galería que engrandecería el edificio del Capitolio venezolano. Sus obras se presentan ahora en un gran techo abovedado, así como en las paredes del Capitolio.
Murió en 1902.

"Carlota Blanco de Guzmán", óleo sobre tela / oil on canvas, 160 x 82 cm., 1867
Galería de Arte Nacional (Caracas, Venezuela)


El 11 de Febrero es el cumple de

Carlo Carrà, pintor italiano nacido en 1881, figura líder del movimiento futurista que floreció en Italia durante el comienzo del siglo 20. Además de sus numerosas pinturas, escribió varios libros sobre el arte. Enseñó durante muchos años en la ciudad de Milán.
A los 12 años se fue de casa para trabajar como decorador muralista.
En 1899-1900, Carrà estuvo en París pabellones de decoración en la Exposición Universal, donde se familiarizó con el arte francés contemporáneo. Después pasó unos meses en Londres en contacto con exiliados anarquistas italianos, y regresó a Milán en 1901. En 1906 se matriculó en la Academia de Brera (Accademia di Brera) en la ciudad, y estudió con Cesare Tallone. En 1910 firmó, junto con Umberto Boccioni, Russolo y Luigi Filippo Tommaso Marinetti el Manifiesto de los pintores futuristas, y comenzó una fase de pintura que se convirtió en la más popular e influyente de su carrera.
La fase futurista de Carrà terminó por la época en que comenzaba la Primera Guerra Mundial. Su obra, sin dejar de utilizar algunos conceptos futuristas, comenzó a lidiar de forma más clara con la forma y la quietud, en lugar del movimiento y el sentimiento. Pronto comenzó a crear bodegones en un estilo que él, junto con Giorgio de Chirico, llamaron "pintura metafísica". A lo largo de los años 1920 y 1930, la fase metafísica dio paso a un estilo sombrío similar al de  Masaccio.
Murió en 1966.


"L'Attesa / La espera / The Wait", óleo sobre tela / oil on canvas, 1926


El 12 de Febrero es el cumple de

Thomas Moran, pintor y grabador de la Escuela del río Hudson en Nueva York, cuyo trabajo a menudo representa las Montañas Rocosas.
Moran nació 1837 en Bolton, Inglaterra, y su familia pasó a residir a Nueva York, donde obtuvo trabajo como artista. Era un hermano menor del conocido artista de marinas Edward Moran, con quien compartió un estudio. Talentoso ilustrador y exquisito colorista, Thomas Moran fue contratado como ilustrador en Scribner's Monthly. Durante la década de 1860 fue nombrado ilustrador jefe para la revista, una posición que le ayudó a lanzar su carrera como uno de los principales pintores del paisaje estadounidense.
A Moran, junto con Albert Bierstadt, Thomas Hill, y William Keith, se les refiere a veces como pertenecientes a la Escuela de las Montañas Rocosas de los pintores paisajistas, debido a los paisajes del oeste realizados por el grupo.
Murió en 1926.

"El Gran Cañón de Yellowstone / The Grand Canyon of the Yellowstone"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 245,1 × 415 cm., 1893-1901. 
Smithsonian American Art Museum (Washington, Estados Unidos / USA)


El 13 de Febrero es el cumple de

Sigmar Polke, pintor y fotógrafo alemán nacido en 1941.
Polke experimentó con una amplia gama de estilos, temas y materiales. En la década de 1970 se concentró en la fotografía, volviendo a pintar en la década de 1980, cuando produjo obras abstractas creadas por el azar a través de reacciones químicas entre la pintura y otros productos. En los últimos 20 años de su vida produjo pinturas que se centraron en los acontecimientos históricos y percepciones de ellos.
En 1963 Polke fundó el movimiento pictórico "Kapitalistischer Realismus" ("Realismo capitalista") con Gerhard Richter y Konrad Fischer (alias Konrad Lueg). Es un anti-estilo de arte que se apropia de la taquigrafía pictórica de la publicidad. Este título también se refirió al estilo realista de arte conocido como "realismo socialista", la doctrina oficial del arte de la Unión Soviética y sus satélites (de uno de ellos había huido con su familia), pero también era un comentario sobre la "doctrina" del arte impulsado por el consumidor en el capitalismo occidental. También participó en "Demostrative Ausstellung", una exposición en Düsseldorf con Manfred Kuttner, Lueg y Richter. Esencialmente un fotógrafo autodidacta, Polke pasó los siguientes tres años pintando, experimentando con el cine y el arte de la performance.
Murió en 2010.

"Figuras de circo / Circus Figures", técnica mixta sobre tela / mixed media on fabric, 300 x 500 cm., 2005


Hoy, 14 de Febrero, es el cumple de 

Kazimierz Ostrowski, pintor polaco nacido en 1917 en Berlín.
En 1920 su familia se trasladó a Poznań. En 1934 Ostrowski fue a Gdynia donde junto con su hermano Zygmunt pintó signos y nombres de buques (entre otros SS Kościuszko y MS Batory). Después de la Segunda Guerra Mundial, en 1945, se reportó junto con su padre y dos hermanos a la oficina de urbanismo en Gdynia, donde se le encomendó la tarea de cambiar los nombres de calles y señales en los edificios de las instituciones del Estado. Ese mismo año comenzó sus estudios de pintura en la Academia de las Bellas Artes en Sopot.
En 1949 recibió una beca del gobierno francés para estudiar en París, donde trabajó de aprendiz del famoso pintor francés Fernand Léger. En 1950 regresó a Gdynia y se casó con Halina Krywald, con quien tuvo dos hijos. De 1964 a 1987 fue profesor en el taller de pintura de la Academia de Bellas Artes de Gdansk. En octubre de 1981 recibió el título de profesor asociado.
Kazimierz Ostrowski presentó sus pinturas en más de 60 exposiciones individuales y colectivas. Fue galardonado con aproximadamente 20 premios.
Murió en 1999.

"Martwa natura z ptakami / Naturaleza muerta con aves / Still Life with Birds"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 122 x 180


Textos en inglés / English translation

On February 8 is the birthday of

José Antonio Velásquez, the most important painter who has had Honduras, born in 1906. This prestigious Honduran artist was also a painter, sculptor, photographer, businessman, and politician.
After the death of his parents, Velasquez abandoned Caridad and moved to the northern coast of Honduras in search of better living conditions, which at that time offered the banana companies. Subsequently, Velasquez become a barber, alternately working as a telegraphist. It was this job that led Velasquez to move as an employee to San Antonio de Oriente in 1931, a small place, located about 30 kilometers from the capital of Honduras, Tegucigalpa. He came to love this town that became the inspiration for most of his works. Moreover he was mayor of the town in three periods. In turn was considered the first primitivist painter of America.
As primitivist, "his paintings have, not surprisingly, defects of perspective, but painted with attention to detail, color fidelity and sympathetic ingenuity, the same who possess the paintings placed as background in Christmas Nativities in Central America and even their characters, and that dog with raised tail, which is almost his brand, have much figure of a Nativity. "
He died in 1983.

On February 9 is the birthday of

Eugenio Lucas Velazquez, Spanish romantic painter named Eugenio Lucas y Padilla in the past, when thought it was from Alcalá de Henares.
He was born in 1817 and studied at the Academia de Bellas Artes de San Fernando. He traveled to Italy and Morocco, also visiting Paris.
He left the neoclassicism of his teachers to admire painters as Velázquez and Goya, following mainly the satirical line of the latter.
He cultivated genre painting, fantastic and sinister scenes, but also landscapes and portraits. Author fruitful among his works include Condemned by the Inquisition and the Sons of the Artist.
He died in 1870.

On February 10 is the birthday of

Martín Tovar y Tovar, one of the most important and high-profile Venezuelan painters of the 19th century, born in 1827. Tovar y Tovar's most famous work is his well-known depiction of the Battle of Carabobo. Other remarkable works are his portrayals of the Battle of Junín and the Battle of Ayacucho.
Beginning in 1872, the artist featured prominently in numerous expositions and galleries in Venezuela, including the very first Exposición Anual de Bellas Artes held in Venezuela. Indeed, the Venezuelan president Antonio Guzmán Blanco himself tasked him with painting the many portraits of prominent Venezuelans that would be needed in a new gallery that would grace the Venezuelan capitol building. His works now feature on a large domed ceiling, as well as the Capitol's walls.
He died in 1902.

On February 11 is the birthday of

Carlo Carrà, Italian painter born in 1881, a leading figure of the Futurist movement that flourished in Italy during the beginning of the 20th century. In addition to his many paintings, he wrote a number of books concerning art. He taught for many years in the city of Milan.
At the age of 12 he left home in order to work as a mural decorator.
In 1899-1900, Carrà was in Paris decorating pavilions at the Exposition Universelle, where he became acquainted with contemporary French art. He then spent a few months in London in contact with exiled Italian anarchists, and returned to Milan in 1901. In 1906, he enrolled at Brera Academy (Accademia di Brera) in the city, and studied under Cesare Tallone. In 1910 he signed, along with Umberto Boccioni, Luigi Russolo and Filippo Tommaso Marinetti the Manifesto of Futurist Painters, and began a phase of painting that became his most popular and influential.
Carrà's Futurist phase ended around the time World War I began. His work, while still using some Futurist concepts, began to deal more clearly with form and stillness, rather than motion and feeling. Carrà soon began creating still lifes in a style he, along with Giorgio de Chirico, called "metaphysical painting". Throughout the 1920s and 1930s, the metaphysical phase gave way to a sombre style akin to Masaccio's.
He died in 1966.

On February 12 is the birthday of

Thomas Moran, American painter and printmaker of the Hudson River School in New York whose work often featured the Rocky Mountains.
Moran was born 1837 in Bolton, England, and his family took residence in New York where he obtained work as an artist. He was a younger brother of the noted marine artist Edward Moran, with whom he shared a studio. A talented illustrator and exquisite colorist, Thomas Moran was hired as an illustrator at Scribner's Monthly. During the late 1860s, he was appointed the chief illustrator for the magazine, a position that helped him launch his career as one of the premier painters of the American landscape.
Moran along with Albert Bierstadt, Thomas Hill, and William Keith are sometimes referred to as belonging to the Rocky Mountain School of landscape painters because of all of the Western landscapes made by this group.
He died in 1926.

On February 13 is the birthday of

Sigmar Polke, German painter and photographer born in 1941.
Polke experimented with a wide range of styles, subject matters and materials. In the 1970s, he concentrated on photography, returning to paint in the 1980s, when he produced abstract works created by chance through chemical reactions between paint and other products. In the last 20 years of his life, he produced paintings focused on historical events and perceptions of them.
In 1963, Polke founded the painting movement "Kapitalistischer Realismus" ("Capitalist realism") with Gerhard Richter and Konrad Fischer (alias Konrad Lueg as artist). It is an anti-style of art, appropriating the pictorial shorthand of advertising. This title also referred to the realist style of art known as "Socialist Realism", then the official art doctrine of the Soviet Union and its satellites (from one which he had fled with his family), but it also commented upon the consumer-driven art "doctrine" of western capitalism. He also participated in "Demonstrative Ausstellung", a store-front exhibition in Düsseldorf with Manfred Kuttner, Lueg, and Richter. Essentially a self-taught photographer, Polke spent the next three years painting, experimenting with filmmaking and performance art.
He died in 2010.

Today, February 14, is the birthday of

Kazimierz Ostrowski, Polish painter born 1917 in Berlin.
In 1920 his family moved to Poznań. In 1934 Ostrowski left for Gdynia where together with his brother Zygmunt he painted signs and names of ships (among others SS Kościuszko and MS Batory). After World War II in 1945 he reported together with his father and two brothers to the Urban Office in Gdynia where he was given the task of changing the street names and signs on the buildings of State institutions. In the same year he began his painting studies at the Academy of the Fine Arts in Sopot. In 1949 he received a scholarship from the French government to study in Paris where he apprenticed to the famous French painter Fernand Léger. In 1950 he came back to Gdynia and married Halina Krywald, with whom he had two children. From 1964 to 1987 he was professor in the painting atelier at the Academy of Fine Arts in Gdańsk. In October 1981 he received the title of associate professor.
Kazimierz Ostrowski presented his paintings on more than 60 individual and collective exhibitions. He was awarded with approximately 20 different awards.
He died in 1999.

Aniversarios Fotografía (LVII) [Febrero / February 9-15]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 9 de Febrero es el cumple de

Sir John Benjamin Stone, político conservador británico y destacado fotógrafo nacido en 1838.
Fue un prolífico fotógrafo documental aficionado que viajó mucho. Hizo 26.000 fotografías y escribió libros mientras viajaba por España, Noruega, Japón y Brasil. Entre sus obras publicadas se cuentan "Unas vacaciones de verano en España" (1873), "Niños de Noruega" (1882), y un cuento de hadas llamado "La alegría del viajero". También hizo un registro invaluable de las costumbres y tradiciones folclóricas de las Islas Británicas, que influyó en fotógrafos posteriores de renombre, incluyendo a Homer Sykes, Daniel Meadows, Anna Fox y Tony Ray-Jones.
Stone escribió que su objetivo era "retratar en beneficio de las generaciones futuras los modos y costumbres, los festivales y desfiles, los sitios históricos y lugares de nuestro tiempo."
Murió en 1914.

"La brigada nocturna de bomberos / The Night Fire Brigade"


El 10 de Febrero es el cumple de

Mattias Klum, fotógrafo freelance y productor de cine sueco de naturaleza y temas culturales. Nació en 1968.
Ha trabajado a tiempo completo como fotógrafo independiente desde 1986, y como director de fotografía y director de numerosos proyectos de cine y televisión desde 1994. Klum describe y retrata animales, plantas y paisajes naturales y culturales en forma de artículos, libros, películas, conferencias y exposiciones.
Se han emitido varios documentales de vida salvaje de Klum en la televisión nacional sueca y su trabajo también se ha presentado en Wildlife Conservation, Audubon, Geo, National Geographic, Terre Sauvage, Stern, Der Spiegel y The New York Times, entre otros.
Sitio web del artista: http://www.mattiasklum.com/

"Mamba de Jameson / Jameson’s mamba", Camerún / Cameroon


El 11 de Febrero es el cumple de

Adolfo Farsari, fotógrafo italiano con sede en Yokohama, Japón, nacido en 1841. Después de una breve carrera militar, incluyendo el servicio en la Guerra Civil estadounmidense, se convirtió en un exitoso empresario y fotógrafo comercial. Su trabajo fotográfico estaba muy bien considerado, particularmente sus retratos y paisajes coloreados a mano, que vendía principalmente a los residentes y visitantes extranjeros al país. Imágenes de Farsari se distribuyeron ampliamente, presentadas o mencionadas en libros y revistas, y a veces recreados por artistas de otros medios de comunicación; dieron forma a las percepciones extranjeras de las personas y lugares de Japón y en cierta medida afectó a cómo los japoneses se veían a sí mismos y a su país. Su estudio, el último estudio notable de propiedad extranjera en Japón, fue una de las firmas fotográficas comerciales más grandes y prolíficas del país. En gran parte debido a las normas técnicas más exigentes de Farsari y sus capacidades empresariales que tuvieron una influencia significativa en el desarrollo de la fotografía en Japón.
Murió en 1898.

"Fabricante de sombrillas / Umbrellas Manufacturer"
Fotografía coloreada a mano / hand colored photograph, fines s.XIX / end 19th century


El 12 de Febrero es el cumple de

Jaralambos Enrique Metinides Tsironides, apodado "El Niño", fotógrafo mexicano nacido en 1934.
Se inició en la fotografía siendo un niño, cuando su padre le regaló una cámara. Pronto comenzó a tomar fotos imitando a las películas de acción más populares y captando accidentes de automóvil cerca del restaurante de su padre. Publicó la primera en un periódico cuando tenía doce años, y ya los trece se convirtió en asistente no remunerado en La Prensa.
Metinides trabajó como fotógrafo de la delincuencia desde 1948 hasta su jubilación forzada en 1979, obteniendo miles de imágenes de cientos de historias en los alrededores de la ciudad de México, como escenarios de crímenes, accidentes automovilísticos y catástrofes naturales. Su trabajo fue publicado principalmente en "Nota roja" (llamado así debido a sus imágenes sangrientas), secciones e incluso revistas enteras que se caracterizan por el texto crudo y fotografía sensacionalista de la violencia y la muerte. Después de su retiro, su obra comenzó a ser apreciada por sus propios méritos y valor artístico, siendo expuesta en México, Estados Unidos y Europa.

"Imágen del terremoto en Ciudad de México / Image of the earthquake in Mexico City", Sept. 19, 1985


El 13 de Febrero es el cumple de

Ryan Obermeyer, artista estadounidense de renombre internacional nacido en 1981, que trabaja en la fotografía, dibujo, escultura y pintura. Es ampliamente reconocido por sus fotografías digitales surrealistas que a menudo han aparecido en arte de álbumes para artistas, cubiertas de libros y campañas publicitarias. Obermeyer practica un estilo único de la fotografía digital utilizando collage y "pintando" partes de muchas de sus fotografías en una amalgama perfecta. Aunque la mayoría de los fotógrafos se preocupan por la obtención de un disparo perfecto, Obermeyer se centra en la post-producción. Cortando y manipulando incluso cabellos individuales o pliegues de tela, no está captando, sino creando. Este proceso conduce a una clasificación fluida de su obra entre la fotografía y la ilustración digital. Es también un consumado pintor y escultor. Dibuja libremente con muchas influencias, incluyendo la literatura, la mitología clásica infantil, procesos biológicos, la vida acuática, la música y el cine. Las piezas de Obermeyer muestran una atención precisa a los detalles y una afinidad desenfrenada por fantasía y el surrealismo.
Sitio web del artista: http://www.ryanobermeyer.com/

"III", cliente / client: Milosh, Warp Records, 2008


El 14 de Febrero es el cumple de

Rie Rasmussen, actriz danesa, directora de cine, escritora, modelo y fotógrafa, nacida en 1978.
Fue descubierta a la edad de quince años durante sus vacaciones en Nueva York.
Después de asistir a la escuela de cine para guión y dirección, Rasmussen hizo su gran avance en la industria del cine, cuando actuó en el thriller erótico de Brian De Palma"Femme Fatale", protagonizado por la ex supermodelo Rebecca Romijn. A Rasmussen se le dio el papel después de que el director quedara impresionado por los cuentos que había escrito sobre sus experiencias vitales. Con su compañero Travis Marshall, escribió y dirigió dos cortometrajes, uno de los cuales, "Adelgazando a la manada", fue parte de la selección oficial de más de 20 festivales de cine alrededor del mundo, incluyendo el Festival de Cine de Quentin Tarantino en Austin y el Festival de Cine de Cannes, donde se proyectó en competición por la Palma de Oro al mejor cortometraje. También aparece en Angel-A, de Luc Besson en el papel protagonista.
Su primer largometraje, "Human Zoo", fue escrito, dirigido y producido por ella misma. Human Zoo fue seleccionado oficialmente en el Festival de Cine de Berlín 2009 y abrió la sección Panorama. Es un drama basado libremente en la historia de su hermana vietnamita adoptada luchando para adquirir la ciudadanía, con el trasfondo del conflicto en Kosovo. La película pone de relieve los problemas de la inmigración y la agresión aprendida. Se desarrolla en una estructura de la narración no lineal con una violencia extrema a lo largo de todo el metraje.
Sitio web del artista: http://rierasmussen.com/

"Mahina Moon"


Hoy, 15 de Febrero. es el cumple de

Paola Ossandón Velásquez, fotógrafa y licenciada en diseño chilena, nacida en 1984.
Su fotografía se caracteriza por una marcada composición y contrastes, tanto en colores como en blanco y negro. Desde paisajes naturales hasta la energía de un concierto o un retrato espontáneo, su objetivo es realizar un registro de lo cotidiano, contar un relato visual, una historia.
Sitio web de la artista: http://www.paolaossandon.com/

"Alturas / Heights", 2014


Textos en inglés / English translation

On February 9 is the birthday of

Sir John Benjamin Stone, British Conservative politician, and noted photographer born in 1838.
He was a prolific amateur documentary photographer who travelled widely. He made 26,000 photographs and wrote books as he travelled to Spain, Norway, Japan and Brazil. Amongst his published works were A Summer Holiday in Spain (1873), Children of Norway (1882), and a fairy tale called The Traveller's Joy. He also made an invaluable record of the folk customs and traditions of the British Isles, which influenced later photographers of note, including Homer Sykes, Daniel Meadows, Anna Fox and Tony Ray-Jones.
Stone wrote of his purpose as being "to portray for the benefit of future generations the manners and customs, the festivals and pageants, the historic places and places of our times."
He died in 1914.

On February 10 is the birthday of

Mattias Klum, Swedish freelance photographer and film producer in natural history and cultural subjects. He was born in 1968.
He has worked full-time as a freelance photographer since 1986, and as a cinematographer and director on numerous film and television projects since 1994. Klum describes and portrays animals, plants, and natural and cultural settings in the form of articles, books, films, lectures and exhibitions.
Klum has had several wildlife documentaries shown on Swedish national TV and has also had his work featured in Wildlife Conservation, Audubon, Geo, National Geographic, Terre Sauvage, Stern, Der Spiegel and the New York Times among others.
Artist's website: http://www.mattiasklum.com/

On February 11 is the birthday of

Adolfo Farsari, Italian photographer based in Yokohama, Japan, born in 1841. Following a brief military career, including service in the American Civil War, he became a successful entrepreneur and commercial photographer. His photographic work was highly regarded, particularly his hand-coloured portraits and landscapes, which he sold mostly to foreign residents and visitors to the country. Farsari's images were widely distributed, presented or mentioned in books and periodicals, and sometimes recreated by artists in other media; they shaped foreign perceptions of the people and places of Japan and to some degree affected how Japanese saw themselves and their country. His studio, the last notable foreign-owned studio in Japan, was one of the country's largest and most prolific commercial photographic firms. Largely due to Farsari's exacting technical standards and his entrepreneurial abilities it had a significant influence on the development of photography in Japan.
He died in 1898.

On February 12 is the birthday of

Jaralambos Enrique Metinides Tsironides, nicknamed "El Niño", Mexican photographer born in 1934.
He began working with photography as a child when his father gave him a camera. Soon he began taking photos imitating popular action movies and car crashes near his father’s restaurant. He published his first photo in a newspaper when he was twelve and at age thirteen, became an unpaid assistant at La Prensa.
Metinides worked as a crime photographer from 1948 to his forced retirement in 1979, taking thousands of images and following hundreds of stories in and around Mexico City such as crime scenes, car crashes and natural catastrophes. His work was principally published in the “nota roja” (literally “red news” because of bloody images), sections and event whole journals characterized by crude text and sensationalist photography dealing with violence and death. After his retirement, his work began to be appreciated on their own merit and artistic value, being exhibited in Mexico, the United States and Europe.

On February 13 is the birthday of

Ryan Obermeyer, internationally acclaimed American artist born in 1981, who works in photography, drawing, sculpting, and painting. He is most widely recognized for his surreal digital photographs that have often appeared on album packaging for recording artists, book jackets, and ad campaigns. Obermeyer practices a unique style of digital photography by collaging and "painting" parts of many of his photographs into one seamless amalgam. While most photographers are concerned with obtaining a perfect shot, Obermeyer is focused on post-production. By digitally cutting and manipulating even single strands of hair or folds in fabric, he is not capturing but creating. This process leads to a fluid classification of his work between photography and digital illustration. He is also an accomplished painter and sculptor. He draws freely from many influences including classic children's literature, mythology, biological processes, aquatic life, music, and film. Obermeyer's pieces display a precise attention to detail and an unrestrained affinity for fantasy and surrealism.

On February 14 is the birthday of

Rie Rasmussen, Danish actress, film director, writer, model, and photographer, born in 1978.
She was discovered at the age of fifteen while on holiday in New York.
After attending film school as a writer-director, Rasmussen made her breakthrough in the film industry when she acted in Brian De Palma's erotic thriller Femme Fatale, which starred former supermodel Rebecca Romijn. Rasmussen was given the role after the director was impressed by short stories she had written about her life experiences. With her partner Travis Marshall, she wrote and directed two short films, one of which, Thinning the Herd, was part of the official selection of more than 20 film festivals around the world, including the Quentin Tarantino Film Festival in Austin and the Cannes Film Festival, where it was screened in competition for the Palme d'Or du court métrage. She also appears in Luc Besson's Angel-A in the title role.
Her first feature film, Human Zoo, she wrote, directed and produced. Human Zoo was officially selected at the 2009 Berlin Film Festival and opened the Panorama section. It is a drama loosely based on the story of her adopted Vietnamese sister struggling to acquire citizenship, set against the backdrop of the conflict in Kosovo. The film highlights the problems with immigration and learned aggression. It unfolds in a non-linear storytelling structure with extreme violence throughout.
Artist's website: http://rierasmussen.com/

Today, February 15, is the birthday of

Paola Ossandón Velásquez, chilean photographer and designer born in 1984.
Her photography is characterized by a strong composition and contrast, in color or black and white. From natural landscapes to the energy of a music concert or spontaneous portrait, her goal is to make a record of the everyday, telling a visual story.

Karen Knorr [Fotografía]

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En la obra reciente de Karen Knorr, los animales se pasean libremente por espacios arquitectónicos de gran riqueza y colorido, fotografiados con cámaras de gran formato y exquisito detalle.
Traducción al inglés al final del post, señalada con [*] en cada párrafo.

In the recent work of Karen Knorr, animals freely roam architectural spaces of great richness and colorful, photographed with large format cameras and exquisite detail.
English translation at the end of the post, marked with [*] in each paragraph.
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Karen Knorr


Karen Knorr nació en Frankfurt am Main, Alemania, y se crió en San Juan, Puerto Rico, en los '60s. Terminó sus estudios en París y Londres. 
Karen ha enseñado, exhibido y dado conferencias a nivel internacional, en lugares que incluyen Tate Britain, Tate Modern, la Universidad de Westminster, Goldsmiths, Harvard y el Art Institute of Chicago.
Actualmente es profesora de fotografía en la Universidad de Artes Creativas de Farnham, Surrey. [1]

La canción de la India / India Song
"La alegría de Ahimsa / The Joy of Ahimsa", Takhat Vilas, Fuerte de Mehrangarh Fort, Jodhpur, India

«La fotografía, para mí, es una metodología visual que me permite comprender y aprender acerca del mundo que me rodea. Toda la obra que he hecho tiene en cuenta la cultura de las bellas artes y sus relaciones con el poder. Hay efectos positivos y negativos en la forma como el poder se entrelaza con el arte, y usa la estética para legitimar su narrativa.» [2]

Monogatari / Historia / Tale
"Cultivando la felicidad / Cultivating Happiness", Templo Chishaku-in Temple, (Kyoto, Japón / Japan)

La canción de la India / India Song
"El regreso del cazador / The Return of the Hunter", Palacio de Jaipur Palace (Jaipur, India)

«Si las obras desafían o no al poder, es algo que está en el ojo del que mira, ya que muestran la ambigüedad y belleza de lo que el poder puede construir, diseñar y comprar. Hay una cierta ambivalencia acerca del poder en esas imágenes, porque celebran claramente la arquitectura y artesanía Rajpuy y Rajastaní. Este esplendor arquitectónico es el resultado del poder económico de los Maharajás. Famosos artistas de la época, miniaturistas y músicos, se nutrieron del patronazgo de los Maharajás, Nawabs y Nissams desde tiempos antiguos hasta nuestros días. Las diferentes escuelas de pintura en miniatura tienen estilos distintivos, y esos estilos continúan desarrollándose en la India. Mi obra refiere, y rinde homenaje, al exquisito detalle que se encuentra en las miniaturas indias y persas. 

Las aves y mamíferos insertados en las fotografías enlazan la cultura Ramayana del norte de la India con representaciones alegóricas de la femineidad y masculinidad que buscan perturbar las expectativas del espectador creando disturbios "visuales" en salas privadas de palacios, algunos de los cuales son hoy en día museos privados. Un ejemplo es Vuelo a la Libertad, donde una elegante grulla blanca va dando gráciles zancadas a través de la Sala Durbar de un antiguo palacio familiar privado en Dungarpur. El Palacio de Dungarpur es uno de los sitios más mágicos que he visitado y podría pasarme horas sentada mirando la luz moverse a través de los cristales coloreados de las ventanas, reflejándose en los espejos incrustados en las paredes.» [3]

Fábulas / Fables
"Corredor / Corridor", Carnavalet (París, Francia / France)

La canción de la India / India Song
"El apartamento del Maharaja / The Maharaja's Apartment"
Palacio de Udaipur City Palace (Udaipur, India)

La canción de la India / India Song
Los Palaiyakkarars, Templo Hazarama Temple (Hampi, India)

Karen Knorr celebra la rica cultura visual, los mitos fundacionales e historias del norte de la India, centrándose en el Rajastán y utilizando sitios sagrados y seculares para considerar la casta, la femineidad y sus relaciones con el mundo animal. Los interiores son laboriosamente fotografiados con una cámara Sinar P3 analógica de gran formato, y escaneados en una resolución muy alta. Los animales vivos son insertados en los sitios arquitectónicos fusionando alta resolución digital con fotografía analógica. Animales fotografiados en santuarios, zoos y ciudades, habitan palacios, mausoleos, templos y lugares sagrados, interrogando al patrimonio cultural de la India y la rigidez de las jerarquías. Grullas, cebúes, langures, tigres y elefantes mutan desde mascotas principescas a avatares de personajes femeninos históricos del pasado, desdibujando las fronteras entre realidad e ilusión, y reinventando el Panchatantra para el s.XXI. [4]

Monogatari / Historia / Tale
Guardián del templo / Guardian of the Temple", Templo Nazen-ji Temple (Kyoto, Japón)

La grulla de Manchuria, que reside en China, Corea y Japón, es a menudo representada en mitos y leyendas del Taoísmo. Es un símbolo de la longevidad y aparece a menudo en biombos y pinturas en rollos. Más recientemente, es el emblema de las aerolíneas japonesas. [5]

La canción de la India / India Song
"Bhakti, El camino de Sants / The Path of Sants", Templo de Shiva Temple (Hampi, India)

Fábulas / Fables
"La cámara de la Reina / The Queen's Bedchamber"
Château de / Castillo de Chambord (Región del Loira, Francia / Loir-et-Cher, France)

Fábulas / Fables
"Galería de la Batalla / The Battle Gallery", Château / Palacio Chantilly (Francia / France)

El objetivo usual de una fábula es ofrecer una enseñanza o lección, llamando la atención sobre la conducta animal y sus relaciones con las acciones humanas y sus defectos. Los animales en las fábulas hablan metafóricamente de la locura humana, criticando la naturaleza humana. Aunque parece que la naturaleza de la obra de Karen Knorr tiene otro objetivo. En las "Fábulas" de Knorr los animales no están vestidos emulando humanos, ni tampoco ilustran una moral explícita. Liberados, vagan libremente por territorios humanos, llamando la atención sobre la brecha sin puentes entre la naturaleza y la cultura. Ellos invaden los dominios de los museos y otros santuarios culturales en los cuales tienen estrictamente prohibido el acceso. [6]

La canción de la India / India Song
"Vuelo a la Libertad / The Flight to Freedom", Durbar Hall, Juna Mahal (Dungarpur, India)

La canción de la India / India Song
"El sonido de la lluvia / The Sound of the Rain", Fuerte Junagarh Fort (Bikaner, India)

Monogatari / Historia / Tale
"Viaje al Gran Sabio / Journey to the Great Sage", Templo Hosen-in Temple (Ohara, Japón / Japan)

Una serie iniciada en 2012 que imagina la vida animal y el patrimonio cultural japonés en referencia a los cuentos budistas Jataka y las historias del Japón.

Fotografiados en templos, pagodas, ryokans y jardines en Kyoto, Nara, Ise y Tokyo, animales y mujeres con kimonos tradicionales evocan el arte de pantallas del período Edo. Knorr, inspirada en el arte japonés (ukiyo-e, pintura de biombos) ha producido una serie de fotografías de animales japoneses que aparecen en templos y pagodas, en referencia a los cuentos populares de lo sobrenatural, como Kaidan y Shinto Kami (espíritus). [7]

La canción de la India / India Song
"El portero / The Gatekeeper", Palacio de Samode Palace (Samode, India)

Fábulas / Fables
"Recepción de los reyes / The Kings Reception"
Château de / Castillo de Chambord (Región del Loira, Francia / Loir-et-Cher, France)

Indiferente, el animal parece "otro", un extraño en el contexto en el que está inserto. El animal no es el tema de la obra, y tampoco lo es la arquitectura. La obra de Karen Knorr nos muestra la inconmensurable distancia entre ambos mundos: la naturaleza salvaje por un lado, y por el otro un sitio cultural en el cual a la naturaleza sólo le está permitido entrar en forma de representación. Aunque pacífica, la intrusión de la presencia animal subvierte la institución. La obra resalta el caracter contra-natura del museo en sí mismo.

La obra de Karen asume completamente esta paradoja y juega con la puesta en escena de la percepción de la naturaleza dentro del dominio de la representación y el artificio. Los animales expuestos no están aquí como en casa, y ocupan las salas libremente. Al escoger trabajar con las salas de los museos, Karen actúa como el Flautista de Hamelin, trayendo otros animales a unirse a los residentes en el Museo Carnavalet, el Castillo de Chambord, el Castillo Chantilly y la Villa Savoye. Luego de esta forma de turismo cultural, los animales retornan a su hogar en el museo. [8]

La canción de la India / India Song
"Los Avatares de Devi / Avatars of Devi", Palacio de Samode Palace (Samode, India)

Fábulas / Fables
"La sala de música 1 / The Music Room 1", Château / Palacio Chantilly (Francia / France)

La extrañeza de esta nueva serie de Fábulas no sólo reside en la disyunción entre naturaleza y cultura. Karen Knorr utiliza juguetonamente la tecnología digital para mezclar lo digital con lo analógico. 
Los intrincados detalles de las sombras dibujadas en un cojín, las sombras del fino plumaje o el contorno de un muslo humano, desdibujan los límites entre la realidad y la ilusión. Más allá de la inmediata seducción de las imágenes fotográficas en sí mismas, es esta ambigüedad lo que les confiere una fuerza particular. [9]

La canción de la India / India Song
"Discussions concerning Rasa / Discusiones relativas a Rasa"
The Phool Mahal, Mehrangarh Fort (Jodhpur, India)

La canción de la India / India Song
"Un lugar como Amravati / A Place like Amravati", Palacio de la Ciudad / City Palace (Udaipur, India)
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Los textos están tomados del sitio web de la artista, y de dos extensas entrevistas que también pueden leerse completas allí en la sección "Writings":
Karen Knorr entrevistada por Niccolo Fano para la revista italiana online Fotografía: Punks, Elites y cultura secular de la India, 2014 y 
Karen Knorr entrevistada por Nirita Agrawal, publicado en la revista Cultural Documentor Marwa, Mumbai, India, 2012

Texts from artist's website, and two extensive interviews you can also read there, in "Writings" section:
Karen Knorr interviewed by Niccolo Fano for Italian online magazine Fotografia : Punks, Elites and India’s Secular Culture 2014
Karen Knorr interviewed by Nirita Agrawal published as the Cultural Documentor Marwar Magazine, Mumbai , India 2012
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Más imágenes e información sobre Karen en / More images and information about Karen in

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Karen!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Karen!)


Algunas imágenes tomadas por Anabel Pérez y yo mismo de los sitios fotografiados por Karen. Juntos recorrimos el Rajasthan indio en 2009 /
Some pictures taken by Anabel Pérez and myself of some places also photographed by Karen. Together we traveled through the Indian Rajasthan in 2009.

Fuerte de Mehrangarh / Mehrangarh Fort, Jodhpur. Foto / Photo: Anabel Pérez

Fuerte de Mehrangarh / Mehrangarh Fort, Jodhpur. Foto / Photo: Javier Fuentes

Fuerte de Mehrangarh / Mehrangarh Fort, Jodhpur. Foto / Photo: Anabel Pérez

Palacio de Jaipur / Jaipur Palace, Jaipur. Foto / Photo: Javier Fuentes

Palacio de Jaipur / Jaipur Palace, Jaipur. Foto / Photo: Javier Fuentes

Palacio de la Ciudad / City Palace, Udaipur. Foto / Photo: Javier Fuentes

Palacio de la Ciudad / City Palace, Udaipur. Foto / Photo: Javier Fuentes

Fuerte de Junagarh / Junagarh Fort, Bikaner. Foto / Photo: Javier Fuentes

Fuerte de Junagarh / Junagarh Fort, Bikaner. Foto / Photo: Javier Fuentes


Los Ángeles, Reseñas de libros / LA Review of Books
Fotógrafa en el foco (en inglés) / Photographer Spotlight: Karen Knorr

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Festival del Fotografía de Delhi / Delhi Photo Festival, 2013 (en inglés)
Charla de la artista / Artist Talk: Karen Knorr



Traducción al inglés / English Translation

[1]
Karen Knorr was born in Frankfurt am Main, Germany and was raised in San Juan, Puerto Rico in the 1960s. She finished her education in Paris and London. Karen has taught, exhibited and lectured internationally, including at Tate Britain, Tate Modern, The University of Westminster, Goldsmiths, Harvard and The Art Institute of Chicago.
She is currently Professor of Photography at the University for the Creative Arts in Farnham, Surrey.

[2]
«Photography, for me, is a visual methodology which allows me to understand and learn about the world that surrounds me. All the work I have made considers fine art culture and its relationship to power. There are negative and positive effects to the way power intertwines with art, and uses aesthetics to legitimize its narrative.»

[3]
«Whether the work actually challenges power is in the mind of the beholder, since it shows the ambiguity and beauty of what power can build, design and purchase. There is a certain ambivalence about power in these images because clearly they celebrate Rajput and Rajasthani architecture and craft. This architectural splendor is the result of the Maharaja’s economic power. Famous artists of the time, miniaturists and musicians, were nurtured and patronised by the Maharajas, Nawabs and Nissams of long ago as they are today. The different schools of miniature painting have their distinctive styles, and these styles continue to develop in India. My work refers, and pays homage, to the exquisite detail found in Indian and Persian miniatures.

The birds and mammals inserted in the photographs link the Ramayana culture of Northern India to allegorical representations of femininity and masculinity that aim to disturb the spectator’s expectations by creating ‘visual’ disturbances in private rooms in palaces, some of which are now private museums. An example is The Flight To Freedom, where an elegant white egret strides gracefully through the Durbar Room of an old private family palace in Dungarpur. Dungarpur palace is one of the most magical sites I have ever visited and I could sit for hours watching the light move through the coloured glass windows, reflected off the mirrors embedded in the walls.»

[4]
Karen Knorr celebrates the rich visual culture, the foundation myths and stories of northern India, focusing on Rajasthan and using sacred and secular sites to consider caste, femininity and its relationship to the animal world. Interiors are painstakingly photographed with a large format Sinar P3 analogue camera and scanned to very high resolution. Live animals are inserted into the architectural sites, fusing high resolution digital with analogue photography. Animals photographed in sanctuaries, zoos and cities inhabit palaces, mausoleums , temples and holy sites, interrogating Indian cultural heritage and rigid hierarchies. Cranes, zebus, langurs, tigers and elephants mutate from princely pets to avatars of past feminine historic characters, blurring boundaries between reality and illusion and reinventing the Panchatantra for the 21st century.

[5]
The red crowned crane which resides in China, Korea and Japan is often featured in myths and legends in Taoism, it is a symbol of longevity and appears often in screens and scroll paintings. More recently it is the emblem of Japanese airlines. 

[6]
The usual aim of the fable is to teach a lesson by drawing attention to animal behaviour and its relationship to human actions and shortcomings. Animals in fables speak metaphorically of human folly, criticizing human nature. Yet it seems that the nature of Karen Knorr’s work has another aim. In  Knorr’s  “Fables”  the animals are not dressed up to resemble humans nor do they illustrate any explicit moral. Liberated, they roam freely in human territory drawing attention to the unbridged gap between nature and culture. They encroach into the  domain of the museum and other cultural sanctuaries which resolutely forbids their entry.

[7]
A series started in 2012, imagines animal life and Japanese cultural heritage referencing buddhist Jataka tales and Japanese stories.

Photographed in temples, shrines, ryokans and gardens in Kyoto, Nara, Ise and Tokyo, animals and women in traditional kimonos evoke screen art of the Edo period. Knorr, inspired by Japanese art (ukijo-e, screen painting) has produced a series of photographs of Japanese animals which appear in temples and shrines referencing the folktales of the supernatural such as Kaidan and Shinto kami (spirits).

[8]
Indifferent, the animal remains “other”, a stranger to the context in which it is inserted. The animal is not the real subject of the work nor is architecture. Karen Knorr’s work shows us the incommensurable distance between two worlds: raw nature on the one hand and on the other the cultural site which allows nature entry only in the form of a representation. Although peaceful, the intrusion of the animals’ presence subverts the institution. The work highlights the “against nature” character of the museum itself.

Karen Knorr’s work assumes this paradox fully and plays with staging the perception of nature within the domain of representation and artifice. The animals displayed are at home here and occupy the rooms freely. In choosing to work with the rooms of museums Karen Knorr acts like the Pied Piper of Hamelin bringing other animals to join the existing animal residents in the Carnavalet Museum, Chambord Castle, Chantilly Castle and Villa Savoye. After this form of cultural tourism, the animals arrive back home to the museum.

[9]
The strangeness of this new series of Fables does not reside only in the disjunction between nature and culture.  Karen Knorr playfully uses digital  technology to mix the digital with the analogical. 
The intricate details of a shadow cast on a pillow, the shade of fine plumage, or the contour of a human thigh blur the boundaries between reality and illusion. Beyond the immediate seduction of the photographic images themselves, it is this ambiguity that gives them a particular force.

Arte y humor (VII) - Pawel Kuczynski [Humor gráfico]

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Supongo que todos los que paseamos por la Red hemos visto en algún momento las viñetas de este artista polaco. Una crítica satírica de la sociedad actual, con una admirable capacidad de síntesis conceptual a través de estupendas ilustraciones a la acuarela y lápiz de color sobre papel. Aquí mi propia selección y un poco de información sobre el artista.

I guess everyone who surf the net has seen at some point cartoons of this Polish artist. A satirical critique of modern society, with an admirable capacity for conceptual synthesis through great illustrations in watercolor and pencil on paper. Here my own selection and a little information about the artist.
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Pawel Kuczynski


Pawel Kuczynski nació en Szczecin, Polonia, en 1976.
Se graduó en la Academia de Bellas Artes de Poznan en 2001, especializándose en artes gráficas. Desde 2004 se dedica a las ilustraciones satíricas, y hasta la fecha ha recibido más de 100 premios y distinciones.

"Boda / Wedding", 2008

2008

«Creo que los artistas pueden cambiarlo todo», dice el ilustrador polaco, que sabe que sus dibujos repletos de contenido, de denuncia y de mordacidad pueden sacudir conciencias, pero sobre todo pueden formar parte de la crónica del hoy que llegará a futuras generaciones. «Yo trato de convertir en dibujos mis observaciones sobre la condición humana», indica.

"Armisticio / Armistice", 2014

"Limpieza / Cleaning", 2013

«La realidad es tan agitada, loca y absurda, que es difícil competir con ella... y esta realidad es lo que en realidad me inspira.»

«Si ya tengo algo en mente (y es una buena idea), necesito alrededor de dos días para dibujarlo.»

2008

"Prensa / Press", 2013

«Me gusta observar a la gente y como se relacionan.
Vivimos todos juntos, durante muchos años, pero seguimos cometiendo los mismos errores.
Guerra, pobreza, hambre, divisiones raciales, ecología, diner... me gusta dibujar sobre esos temas, porque son inmortales e intemporales como el arte.»

Izq./Left: "Dólar / Dollar", 2007 - Der./ Right: 2008

"Loop". 2012

2013

2012

Pawel Kuczynski was born in Szczecin, Poland, in 1976.
He graduated in the Fine Arts Academy in Poznan (2001) with specialization in graphics. Since 2004 he deal with satirical illustration, and so far has been rewarded with more than 100 prizes and distinctions.

"Libro / Book", 2006

"Apple"

"I think artists can change everything," says the Polish illustrator, who knows his drawings full of content, of denunciation, and sarcasm can shake consciences, but mostly can be part of the chronicle of today that will come to future generations. "I try to convert in drawings my observations on the human condition," he says.

"Barco / Boat", 2011

«Me gusta Caravaggio y otros pintores barrocos. Adoro esa luz teatral. Es muy útil en la organización de la composición y en la narración de historias en mis trabajos. »

«Nuestra realidad es triste. Como consecuencia, mi sentido del humor es negro.»

"Perros que juegan / Dogs Play", 2015

«The reality is so twisted, crazy and absurd, that it is rather hard to compete with it.. and this reality gives me inspiration.»

«If I already have something in my head (.. and it is a good idea) I need about two days to draw.»

"Lavado de cerebro / Brainwashing", 2013

2009

«I like to observe  people and their relationships.
We all live together on this world, for so many years but we keep doing the same mistakes.
War, poverty, hunger, racial division, ecology, money… I like draw about these themes, because they are immortal and timeless as the art.»

2007

2009

«I like Carravaggio and other baroque painting. I love this theatrical light. It’s very helpful in arranging the composition and in storytelling in my works.»

«Our reality is sad and, as a consequence,  my sense of humor is black.»

"Discurso / Speech", 2007

"Votando / Voting", 2013

Los textos están tomados del sitio web del artista, de un artículo publicado en "El Comercio.es" con motivo de la presencia del artista en el Salón del Cómic de Bilbao, del 6/2012, que puede leerse completo aquí, y de una entrevista realizada por Fluster Magazine publicada el 3/2012, que puede leerse completa (en inglés) aquí.

The texts are taken from artist's website, from an article published in "The Comercio.es" on the occasion of the artist's presence at Comic Hall Bilbao, 6/2012, you can fully read (in Spanish) here, and from an interview by Fluster Magazine, 3/2012, you can fully read here.
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Aliza Razell [Fotografía]

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Aliza Razell

195/365 - "Una salida / A Way Out"

Aliza Razell es una jovencísima fotógrafa estadounidense de Massachusetts.
Con tan sólo 19 años, lleva adelante un proyecto 365 (una foto al día durante un año), en un proceso de experimentación en el que juega con la fotografía, la pintura y la fotomanipulación para crear estas bellísimas imágenes, en la mayoría de las cuales es ella misma la modelo.

"Anesidora VI"

«Remitiendo a la mitología griega, la serie de Aliza "Anesidora" explora la historia de la caja de Pandora en seis imágenes inspiradas por la magia de la confrontación, y en última instancia colaboración, con algo extraño y de otro mundo. "Anesidora" es de hecho el segundo nombre dado a Pandora, y está inscrito en su figura en el Museo Británico de Londres.»

254/365 - "Diana"

«Inspirada por la diosa romana Diana (la Artemisa griega), diosa de la caza, la luna y la fertilidad, a menudo representada con su arco y su flecha, una diadema de luna en creciente y acompañada por ciervos.»

«Inspired by the Roman goddess Diana (or Greek Artemis), goddess of the hunt, the moon, and fertility, often depicted with her bow and arrow, a crescent moon diadem, and accompanied by deer.»

10/365 - "Cuento de invierno / Winter's Tale"

119/365 - "Todo en verde / All in Green"

«He estado pensando mucho últimamente sobre la idea del eterno retorno: que cada alma se ha quedado atascado en una vida, y cuando la vida termina, el alma comienza de nuevo al inicio de esa vida. Tú puedes estar viviendo en este momento para la centésima, la milésima, millonésima vez, pero no importa lo que pase, vas a vivirlo infinitas veces más.
Tal vez todos somos tan sólo antiguas almas, girando a través de las mismas vidas una y otra vez. Tal vez con cada círculo, ganamos y perdemos otra vida de conocimiento y llevamos con nosotros el hastío acumulado de otra vida.»

165/365 - "Sondeo / Probe"

«El experimento de hoy llega hasta ustedes en forma de anatomía interpretativa.»

«Today's experimentation comes to you in the form of interpretive anatomy.»

231/365 - "Caballito del diablo / Damselfly"

«A veces pienso que hay pocas cosas que me gustarían más que tener un par de alas para volar. Y las alas de insecto me fascinan infinitamente: lo intrincadas y multifacetadas que son, y el infinito control que ofrecen.
Encontré un caballito del diablo muerto en el camino ayer, y supe que tenía que hacer esta foto con él.»

«I sometimes think there is little i would like more than a pair of wings to fly on. And insect wings just fascinate me to no end--the multi-faceted intricacy of them, and the infinite control that they give.
I found a dead dragonfly in the road yesterday and knew i'd have to make this picture with it.»

84/365 - Serie Ikävä, "Ausencia" - Ikävä Series, "Absence"

«Hay una palabra en finlandés: Ikävä (nostalgia). Se utiliza para describir el sentimiento de pérdida de un lugar, persona o cosa. Tuve esta idea hace algunos días, inspirada por esta palabra.»
En esta serie de fotografías Razell reune dos medios muy diferentes, la fotografía y la acuarela, utilizando Photoshop. 

239/365 - "El círculo; parte 4 de 7 / The Circle; part 4 of 7"

252/365 - "Anochecer y escalofrío / Dusk and Shiver" - Modelo / Model: Madeleine Bonn

Aliza Razell is a very young American photographer from Massachusetts.
With only 19 years old Aliza has an ongoing project 365 (a photo a day for a year), in a process of experimentation playing with photography, painting and photomanipulation to create these beautiful images, in most of which she's the model.

"Anesidora IV"

136/365

234/365 - "Mer / Mar / Sea" - Modelo / Model: Caitlyn

«Hace poco recibí una bolsa sumergible, y la probé hoy por primera vez. Fue divertidísimo, y algo así como una curva de aprendizaje. Tengo tantas ganas de jugar más con esto y sentirme más cómoda haciendo tomas submarinas.»

«I recently got an underwater bag, and tried it out for the first time today. It was a ton of fun and such a learning curve. I am so excited to play more with this and get more comfortable shooting underwater.»

228/365 - "Lulu" - Modelo / Model: Lulu Lovering

192/365 - "Autorretrato con tomates envasados / Self Portrait With Canned Tomatoes"

200/365 - "Borrado / Erase"

275/365 - "Mañana de Halloween / Hallowmorn" Modelo / Model: Louise Spence

«I've been thinking a lot lately about the idea of eternal recurrence: that each soul is stuck in one life, and when that life ends the soul starts over again at that life's start. you may be living this moment for the hundredth, the thousandth, the millionth time, but no matter what you will live it infinite times more.
Maybe we're all just ancient souls, whirling through the same lives again and again. Maybe with each circle, we gain and lose another lifetime of knowledge and carry with us another lifetime's worth of weariness.»

86/365 - Serie Ikävä "Escurriéndose" - Ikävä Series "Slip"

«There's a word in Finnish, Ikävä (yearning). It is used to mean the feeling of missing someone/-where/-thing. I had this idea a few days ago, inspired by that word.»
In this series of photographs Razell bring together the two very diverse mediums - photography and watercolor - using Photoshop. 

"Anesidora III"

«Referencing Greek mythology, Aliza's series 'Anesidora' explores the story of Pandora's box in six images inspired by the magic of confronting and ultimately collaborating with something foreign and otherworldly. 'Anesidora' is in fact the second name given to Pandora and is inscribed against her figure at the British Museum in London.»

282/365 - "El ave está en el nido / Bird's in the Nest"

«Casi una toma de descarte de la aventura de hoy, porque no tuve tiempo de editar nada a lo grande, pero estoy decidida a ponerme un poco al día con este 365.
El título viene de una canción de cuna de Northumberland de la que me enamoré"

«A little outtakish thing from today's adventure because i didn't have time to edit anything big but i am determined to catch up a little on this 365.
Title is from this northumberland lullaby i've fallen in love with.»

100/365 - Serie Ikävä "Reflexionar" - Ikävä Series, "Reflect"

Más imágenes e información en / More images and information in:

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Aliza!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Aliza!)

Arkadiusz Branicki [Fotografía]

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Arkadiusz Branicki


Arkadiusz Branicki es un interesante fotógrafo polaco, cuyo trabajo se centra en la belleza femenina utilizando un enfoque sobrio y minimalista de la fotografía de estudio en blanco y negro.
Para el artista no hay personas no fotogénicas, sino fotógrafos haraganes. Él busca captar y ofrecer al espectador la auténtica belleza: "toda persona es hermosa, sólo hace falta que aprendamos a verlo."

"Arte corporal / Body Art"© Arkadiusz Branicki

"Parejas / Couples"© Arkadiusz Branicki

«Admiro a los autores antiguos, su sentido de la belleza basado en la proporción y la armonía del cuerpo humano. Eso me habla. Más aún, no es como una moda temporal, y no cambiará en un año o dos.»

"Arte corporal / Body Art" © Arkadiusz Branicki

"Un gato en mi casa / Cat in my Home"© Arkadiusz Branicki
Modelo / Model: Miriam Pierzak, Atuendo / Outfit: Pawel Tumilowicz

"Plata / Silver"© Arkadiusz Branicki

«Mi objetivo es mostrar la belleza y armonía que se esconde en el cuerpo humano. No quiero que el espectador se distraiga con nada. Nada debe interponerse en el camino de la percepción.»

"Arte corporal / Body Art". Modelo / Model: Anna Roman © Arkadiusz Branicki

"Parejas / Couples" © Arkadiusz Branicki

"Zodíaco, Piscis / Zodiac, Piscis"© Arkadiusz Branicki

"Arte corporal / Body Art" © Arkadiusz Branicki

«No creo que todo el mundo sea a la vez marinero y timonel. Somos la suma de todo, y de las personas que están en contacto con nosotros. Así que cada fotógrafo y modelo a quien he tenido el placer de conocer, sin duda dejó una huella en mí. La primera foto, que para me produjo una gran impresión, era de Saudek. Al día de hoy, me encanta. También la obra de W. Wantuch, A. Brito, T. Jankowski y A. Bitesnich. Su trabajo es siempre un placer para mí. Ellos tuvieron un impacto en la dirección que he elegido.» [ver al final del post]

"Parejas / Couples" © Arkadiusz Branicki

"Zodíaco, Escorpio / Zodiac, Scorpio" © Arkadiusz Branicki


Arkadiusz Branicki is an interesting Polish photographer, whose work focuses on female beauty using a sober and minimalist approach to studio photography in black and white.
For the artists there are no unphotogenic people, only lazy photographers. He pursue to capture and offer to the viewer the real beauty: "each person is beautiful, we just need to learn to see it."

"Plata / Silver" © Arkadiusz Branicki
Modelos / ModelsMiriam Miri y Małgorzata Krumpholz

"Con algo más / With Something More". Modelo / Model: Alexcasar© Arkadiusz Branicki

«I admire the ancient authors, their sense of beauty based on proportion and harmony of the human body. It speaks to me. Moreover, it is not as temporary and will not change in a year or two.»

"Parejas / Couples" © Arkadiusz Branicki

"Arte corporal / Body Art" © Arkadiusz Branicki

"Homo chorus", Modelo / ModelMiriam Pierzak © Arkadiusz Branicki

«My goal is to show the beauty and harmony that is hidden in the human body. I don't want the viewer to be distracted by anything. Nothing should stand in the way of perception.» 

"Con algo más / With Something More" © Arkadiusz Branicki

"Plata / Silver", Modelo / ModelMiriam Pierzak  © Arkadiusz Branicki

«I don't think everyone is a sailor and helmsman at the same time. We are the sum of everything, and people who are in touch with us. So every photographer and model who've had the pleasure of meeting definitely left a mark on me. The first photo which for me was a big impression, was taken by Saudek. Today, I love him. Also the work of W. Wantuch, A. Brito, T. Jankowski and A. Bitesnich. Their work is always a pleasure for me. They had an impact on the direction I've chosen.» [check out at the end of this post]

"Arte corporal / Body Art" © Arkadiusz Branicki

"Arte corporal / Body Art", Modelo / Model: Enigma © Arkadiusz Branicki

Textos traducidos libremente de una entrevista al artista, en polaco, que puede leerse completa aquí /
Free translation of an interview with the artist (in Polish) you can fully read here.

Más imágenes e información en / More images and information in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Arkadiusz!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Arkadiusz!)


En este video podemos ver a Arkadiusz en acción con una de sus modelos. No hay subtítulos en español, pero al menos permite ver al artista en plena faena /
In this video we can see Arkadiusz at work with one of his models. There's no English subs, but at least we can see the artist in action.



Algunas referencias / Some References

Wacław Wantuch


Wacław Wantuch es un fotógrafo polaco nacido en 1965 en Tuchów.
Se graduó en la Academia de Bellas Artes de Cracovia. Wacław es el autor del libro "Kamień Wawelski?" (La piedra de Wawel?) - Castor, Cracovia 1992, y director de la puesta en escena "Kamień, światło, dzwięk" (Piedra, Luz, Sonido), Juliusz Slowacki Teatro de Cracovia, 1992.
Publicó los siguientes álbumes fotográficos: Cracovia (Sepia Collection, Cracovia, 2001), Akt (Bosz, Olszanica 2003), Cracovia (Art Partner, Cracovia, 2003); Akt2 (Bosz, Olszanica 2006), y akty (Bosz, Olszanica 2010).



Wacław Wantuch is a Polish photographer born 1965 in Tuchów.
He graduated in the Cracow Academy of Fine Arts. Wacław is the author of the book "Kamień Wawelski?" (The Wawel stone?) - Castor, Cracow 1992; director of the stage performance "Kamień, światło, dzwięk" (Stone, Light, Sound) Juliusz Słowacki Theatre in Cracow, 1992.
He published the following photographic albums: Kraków (Sepia Collection, Cracow 2001), Akt (Bosz, Olszanica 2003), Kraków (Art Partner, Cracow 2003); Akt2 (Bosz, Olszanica 2006), and Akty (Bosz, Olszanica 2010).


Más sobre Wacław Wantuch en / More about Wacław Wantuch in:
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Andreas H. Bitesnich

Andreas Bitesnich. Foto / Photo: Till Brönner

Andreas H. Bitesnich es un fotógrafo y músico austriaco nacido en 1964 en Viena. Se especializa en la fotografía de desnudo y retrato. Su trabajo aparece regularmente en revistas internacionales.
Habiendo trabajado originalmente como minorista, Bitesnich encontró su pasión por la fotografía cuando su amigo, un fotógrafo asistente, le mostró su carpeta de fotografías en blanco y negro. Al no tener formación en fotografía, comenzó a enseñarse a sí mismo todas las técnicas de la fotografía pertinentes. Finalmente en 1989 decidió dejar su trabajo como minorista y comenzó a trabajar como fotógrafo profesional.



Andreas H. Bitesnich is an Austrian photographer and musician born 1964 in Vienna. He specializes in nude and portrait photography. His work appears regularly in international magazines.
Originally working as a retailer, Bitesnich found his passion for photography when his friend, an assistant photographer, showed him his portfolio of black-and-white photographs. Having no education in photography, he started to teach himself all the relevant photography techniques. In 1989, he finally decided to quit his job as a retailer and started working as a professional photographer.


Más sobre Andreas H. Bitesnich en / More about Andreas H. Bitesnich in:


Pintando perros (XXXVIII) - China (II)

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La mayoría de las obras, así como la información sobre las mismas, proviene, como es lógico, de fuentes chinas, por lo cual agradezco cualquier puntualización, corrección o información adicional sobre las pinturas y/o los artistas.

Most of the works, as well as information about them, comes, not surprisingly, from Chinese sources, so I appreciate any clarification, correction or additional information about the paintings and/or artists.
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 Ai Xuan
艾轩

Ai Xuan, en un fotograma del video que puede verse al final del post / 
in a still of the video you can see at the end of this post.

Ai Xuan (艾 軒) es un pintor chino nacido en 1947 en Jinhua, Zhejiang.
En 1967 se graduó en la Academia Central de la Escuela de Bellas Artes. Desde 1980, Ai ha presentado seis de sus pinturas en la exposición nacional. También ha ganado varios premios, entre ellos, en 1981 el Premio Nacional de Artes de la Juventud de segunda clase por su óleo "Al por mayor"; un Premio Sichuan a una obra excepcional, y en 1986 un segundo premio de arte asiático por su óleo "Nieve".
En 1987 Ai pasó un año en los Estados Unidos, visitando académicos en la Universidad de Oklahoma City. Mientras estuvo allí, conoció a varios artistas famosos y organizó su propia exposición personal. Ai también viajó a Gran Bretaña para participar en una subasta organizada por recaudar fondos para la renovación de la Gran Muralla de China.
Es profesor en el Instituto de Pintura de Beijing. Ai reside actualmente en Beijing y es miembro de la Asociación de Artistas de China.

"荒原寒寂, Desierto frío y solitario / Cold and Solitary Wasteland"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100,2 × 100,2 cm., 2010

"极远的歌声, Canción lejana / Distant Song", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 110 × 110 cm., 2006

Es hijo del poeta chino Ai Qing, así como medio hermano del destacado artista chino Ai Weiwei. Ai Xuan, también conocido como GuiGui por sus familiares cercanos, actualmente reside en Beijing con su esposa Jin Tao y su hija Ai Jiayi.

"Un frío invierno / A Cold Winter", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 80 cm., 2001

"Un frío invierno / A Cold Winter" (detalle / detail)

Evocando sus estudios artísticos en los '60, Ai dijo: "Por esa época, los pasos eran: asistir a una escuela secundaria afiliada a una academia de arte, ir al colegio y luego estudiar en la Unión Soviética. Eso es lo que todos querían". Sin embargo, después de graduarse en la secundaria afiliada a la Academia Central de Bellas Artes en 1967, Ai no tuvo la oportunidad de continuar sus estudios o realizar sus sueños artísticos. Ese año, Mao Zedong comenzó la Revolución Cultural, que esencialmente interrumpió la vida normal en China.
"Muchos pintores no perdieron su tiempo en la guerra; en cambio, lo emplearon en movimientos políticos - dice Ai -. Era difícil descubrir por tí mismo lo que querías pintar, porque no estaba permitido."

"Día de otoño / Autumn Day", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90,5 x 103 cm., 2001

"Día de otoño / Autumn Day" (detalle / detail)

A pesar de la aparición de nuevos estilos artísticos, Ai Xuan siempre siguió su propio camino; él valora el esfuerzo y sabiduría que debe vertirse en una pintura, y es indiferente a meros cambios de forma. Ai ha viajado al Tibet docenas de veces para hacer bocetos de su obra. Utiliza métodos de investigación sociológica y una perspectiva realista para representar a las gentes, desiertos y montañas del Tibet, permeando estos elementos con resonancias emocionales.

"冻土带 / Tierra Congelada / Frozen Tundra", tinta y aguada / ink and wash

"藏族少女 / Chica tibetana / Tibetan Girl", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120 × 99 cm., 2011

Ai Xuan (艾軒) is a Chinese painter born 1947 in Jinhua, Zhejiang.
In 1967 he graduated from the Central Academy of Fine Arts School. Since 1980, Ai has had six of his paintings featured in the national exhibition. He has also won several awards including: in 1981, a second-class National Youth Arts Award for his oil painting "wholesale"; a Sichuan outstanding works Prize; and, in 1986, a second Asian art award for his oil painting "snow" .
In 1987, Ai spent a year in the United States, visiting academics at Oklahoma City University. While there he was able to meet with several famous artists, and hosted his own personal exhibition. Ai also travelled to Great Britain to participate in the auction organised by to raise funds for renovation of the Great Wall of China.
He teaches at Beijing Painting Institute. Ai is currently based in Beijing and is a member of the China Artists Association.

"Tundra fría / Cold Tundra"

"若尔盖的早春 / Primavera temprana en Zoige / Early Spring in Zoige"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 2014

He is the son of the late Chinese poet Ai Qing, as well as the half-brother of renowned Chinese Artist Ai Weiwei. Ai Xuan (also known as GuiGui by his closer family members) currently resides in Beijing with his wife Jin Tao and daughter Ai Jiayi.

"静静的冻土带, Tundra tranquila / Quiet Tundra", tinta y aguada / ink and wash, 2013

"远方飘来陌生的歌 / Música extraña flotaba desde lejos / Strange music wafted from afar"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 110 × 110 cm., 2005

Recalling his artistic studies in the 1960s, Ai said, “At that time, the steps were: attend a middle school affiliated with an art academy, go to college, and then study in the Soviet Union. That was what everyone wanted.” However, after graduating from the Middle School Affiliated with the Central Academy of Fine Arts in 1967, Ai didn’t have the opportunity to continue his studies or realize his artistic dreams. That year, Mao Zedong started the Cultural Revolution, which essentially stopped normal life in China.
“Many painters didn’t waste their time on war; instead, they wasted their time on political movements,” Ai said. “It was difficult to discover for yourself what you wanted to paint, because this wasn’t permitted.”

"静静的安曲荒原, La tranquila canción de Ann en el desierto / 
Ann's Quietly Song in the Wilderness", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 2013

"La tranquila canción de Ann en el desierto / Ann's Quietly Song in the Wilderness" (detalle / detail)

Despite the appearance of new artistic styles, Ai Xuan always followed his own path; he values the effort and wisdom that must be poured into a painting, and is rather indifferent to mere changes in form. Ai has traveled to Tibet dozens of times to make sketches for his work. He uses sociological research methods and a realist perspective to represent the people, wilderness, and mountains of Tibet, while permeating these elements with emotional resonance.

"秋风掠过荒原 / Viento de Otoño / Autumn Wind", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 x 130 cm.

"Nube distante / Distant Cloud"
Tinta y color sobre papel / ink and colour on paper, 90 x 97 cm., 2013
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Los textos están tomados de Wikipedia, y de un artículo sobre el artista en Blouin Artinfo que puede leerse completo (en inglés) aquí.
Texts from Wikipedia, and from an article about the artist in Blouin Artinfo you can fully read here.
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Más imágenes e información en / More images and information in:


Zhu Zhanzi / Xuanzong / Xuande
 宣德帝

Zhu Zhanzi, Museo del Palacio Nacional de Taiwan / Taiwan National Palace Museum

Esta pintura es obra del quinto emperador Ming, Zhu Zhanzi, conocido habitualmente por su nombre de templo, Xuanzong, o por el nombre de su reino, Xuande. Una inscripción indica que la hoja del álbum fue "graciosamente pintada [por el] pincel imperial" en 1427. En los años siguientes, otros caballeros cultos que la coleccionaron o vieron añadieron la profusión de sellos reales. Algunos de ellos revelan que la pintura estuvo en las colecciones reales en el s.XVIII.
Xuanzong fue "el único emperador Ming que desplegó un genuino talento e interés artísticos", dice Mowry. "Se especializó en pintura de animales, especialmente perros. A menudo se lo agrupa con los artistas de la escuela Zhe, ya que éstos estuvieron muy activos en la corte durante su reino, pero sus representaciones a tinta de bambú y orquídeas como marco para sus animales, hacen de su obra algo así como un híbrido entre los Zhe y las escuelas académico-amateurs."
Xuanzong nació en 1399 y reinó desde 1426 hasta su muerte en 1435.
Información traducida de aquí.

"Sabuesos Saluki / Saluki Hounds"
tinta y colores claros sobre hoja de papel de álbum / ink and light colors on a paper album leaf
Año 丁未 de la era Xuande (宣德); 1427-28 del calendario Gregoriano / 
year 丁未 of the Xuande (宣德) era, i.e. 1427 or early 1428 in Gregorian calendar.
Arthur M. Sackler Museum (una división del / a division of Harvard Art Museum)

This painting is the work of the fifth Ming emperor, Zhu Zhanzi, who is usually known by his temple name, Xuanzong, or by the name of his reign, Xuande. An inscription indicates that the album leaf was “playfully painted [by the] imperial brush” in 1427. In later years, other cultured gentlemen who collected or viewed it added the profusion of their red seals. Some of these reveal that the painting was in the imperial collection in the eighteenth century.
Xuanzong was “the only Ming emperor who displayed genuine artistic talent and interest,” says Mowry. “He specialized in paintings of animals, especially dogs. He is often grouped with artists of the Zhe school, since they were active at court during his reign, but his ink depictions of bamboo and orchids as settings for his animals make his works something of a hybrid between the Zhe and the scholar-amateur schools.”
Xuanzong was born in 1399 and reigned from 1426 until his death in 1435. 
Info from here.

Más información en / More info in: Wikipedia (español)Wikipedia (English)


Wang Youzheng
王有政


Wang Youzheng nació en el condado Wanrong, provincia de Shaanxi, en 1941. Se graduó en el Departamento de Pintura china del Instituto de Bellas Artes  Xi'an en 1970. En la actualidad es miembro de la Asociación de Artistas de China, master de Bellas Artes en primer grado y director de la Sección de Investigación de la Creación del Instituto Shaanxi de pintura china.
Simple y natural, la pintura de Wang se caracteriza por un sabor local suave típico de la meseta de Loess. Su lenguaje artístico es riguroso y preciso, revelando la belleza pastoral de la naturaleza humana de los agricultores del norte de China, en representaciones planas aunque cariñosas. Su obra "Susurrando" fue galardonada con el segundo premio en la Quinta Exposición Nacional de Bellas Artes; "Haciendo masa para pasteles", ganó la medalla de bronce en la Sexta Exposición Nacional de Bellas Artes; a "Cuicui, Lili y Jiaojiao" se le concedió el Premio a la Excelencia en el mismo evento; "Viajeros cansados" obtuvo la Medalla de Bronce en la Séptima Exposición Nacional de Bellas Artes.

"祖孙情 镜心", tinta y color sobre papel / ink and color on paper,  96 × 120 cm.

Sus obras se han expuesto en el extranjero con algunas exposiciones de arte a gran escala en países y regiones como Japón, Francia, Rusia, Australia, Dinamarca, Islandia, Birmania, Singapur, Taiwán y Hong Kong. Sus obras y artículos con que se acompañan han sido publicados en docenas de publicaciones de arte en el país y en el extranjero. La editorial Shaanxi People's Fine Arts ha publicado un álbum de imágenes titulado "Pintura por Wang Youzheng"
Información de aquí.

"Hombre, niño y perro / Man, Child and Dog"
Tinta y color sobre papel / ink and color on paper, 136 X 68 cm., 2005

"爷孙 镜心", Tinta y color sobre papel / ink and color on paper, 115 × 96 cm., 2005

Wang Youzheng was born in Wanrong County, Shaanxi Province, in 1941. He graduated from the Chinese Painting Department of Xi'an Institute of Fine Arts in 1970. He is presently member of Chinese Artists'Association, first-grade fine arts master and director of the Creation Research Section of Shaanxi Institute of Chinese Painting.
Simple and natural, Wang's painting is characterised with a mellow local flavour typical of the Loess Plateau. His artistic language is rigorous and precise, revealing the pastoral beauty of human nature of North China farmers in plain yet affectionate depictions. His work "Whispering" was awarded the Second Prize at the Fifth National Exhibition of Fine Arts; "Making Dough Cakes" won the Bronze Medal at the Sixth National Exhibition of Fine Arts; "Cuicui, Lili and Jiaojiao" was granted the Excellence Prize at the same event; "Tired Travellers" was awarded the Bronze Medal at the Seventh National Exhibition of Fine Arts.

"清晨 / Temprano en la mañana / Early in the Morning", 1988

"人物 立轴", tinta y color sobre papel / ink and color on paper, 170 × 96 cm.

His works have been displayed abroad with some large-scale art exhibitions in countries and regions such as Japan, France, Russia, Australia, Denmark, Iceland, Burma, Singapore, Taiwan and Hong Kong. His works and accompanying commentary articles have been published in dozens of art publications at home and abroad. Shaanxi People's Fine Arts Publishing House has published a picture album entitled "Painting by Wang Youzheng"
Info from here.

"爷孙亲", tinta y color sobre papel / ink and color on paper, 96,5 × 179,5 cm.


En el estudio de Ai Xuan. El mismo video subtitulado en inglés aquí /
In the Studio of Ai Xuan. The same video with english subs here.


Aniversarios (LVIII) [Febrero / February 15-21]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 15 de Febrero es el cumple de

Príncipe Pablo o Paul Troubetzkoy (Павел Петрович Трубецкой), artista y escultor que fue descrito por GB Shaw como "el más asombroso escultor de los tiempos modernos".
Nació en 1866 y trabajó en Rusia, Estados Unidos, Inglaterra e Italia. Fue un artista autodidacta, aunque aprendió escultura de Giuseppe Grandi. Está asociado con el impresionismo, debido a su capacidad para captar los movimientos espontáneos en sus obras de bronce. Estuvo fuertemente influenciado por la obra de Auguste Rodin y Medardo Rosso. Representó la sociedad de la Belle Époque. Pocos de sus bronces están todavía disponibles en el mercado. Muy famoso es el retrato de 35 cm de alto de Constanza Stewart-Richardson llamdo "La Bailarina".
La mayor y más conocida de sus obras es la estatua ecuestre monumental del zar ruso Alexander III en San Petersburgo, Rusia.
Murió en 1938.

"Signora con cappello / Dama con sombrero / A Lady Wearing a Hat"
Yeso / plaster, Gipsoteca Troubezkoy, Museo del Paesaggio, Verbania-Pallanza (Italia / Italy).
Foto / Photo: Giovanni Dall'Orto, Wikimedia Commons


El 16 de Febrero es el cumple de

John Bainbridge Copnall, artista inglés nacido en 1928, conocido por su pintura expresionista abstracta, a menudo a gran escala. También fue maestro de pintura durante veinte años en la Escuela Central de Arte y Diseño de Londres.
Copnall mostró inclinación temprana por el dibujo y sus marcadas habilidades como dibujante estarían en el corazón de su obra durante toda su vida de pintor. A los dieciocho años comenzó sus estudios en la Architectural Association de Londres. Esto resultó ser una mala elección de carrera ya que Copnall carecía de la habilidad matemática requerida.
En 1954 él y su amigo Bert Flugelman visitaron España, para la que en principio sería una visita corta. El efecto fue casi instantáneo y se enamoró del paisaje ibérico, permaneciendo allí durante catorce años.
La intensa luz de España y la naturaleza visceral de sus personas cambiaron su arte de manera fundamental. Comenzó a experimentar con intensos colores terrosos, mientras se movía cada vez más hacia la abstracción. A lo largo de su carrera Copnall estuvo interesado en el uso de intenso color y la luz española, lo que sin duda mejoró su sentido artístico.
En 1968 regresó a Inglaterra y al año siguiente realizó una exposición individual en el Lane Gallery, en Oxford. Su trabajo fue claramente influenciado por el de los expresionistas abstractos americanos como Barnett Newman, Morris Louis y Mark Rothko.
Durante los últimos años de su vida Copnall pintó con escasa frecuencia y lo dejó definitivamente después de una apoplejía.
Murió en 2007.

"Bodegón español / Spanish Still Life", óleo sobre panel / oil on board, 100,3 x 129,5 cm.
Colección privada / Private Collection


El 17 de Febrero es el cumple de

Hung Liu (刘虹), artista contemporánea estadounidense de origen chino.
Nació en Changchun, República Popular China en 1948 y emigró a los Estados Unidos en 1984. Asistió al Beijing Teachers College en 1975 y estudió pintura mural como estudiante de posgrado en la Academia Central de Bellas Artes de Beijing. Ingresó en 1986 en la Universidad de California, San Diego. Sus pinturas y grabados a menudo hacen uso de fotografías anónimas chinas históricas, especialmente de mujeres, niños, refugiados y soldados. Las pinturas de Liu - a menudo grandes, salpicadas y en lavados con capas de aceite de linaza - pueden ser vistas como críticas al academicismo rígido del estilo del realista de la China socialista en la que se formó, así como metáforas de la pérdida de la memoria histórica. Una de las primeras artistas chinas en estudiar en los Estados Unidos, las obras de Liu representan la tensión permanente entre la emigración y la inmigración. Liu ha recibido numerosos premios, entre ellos dos becas de pintura de la Fundación Nacional para las Artes, y su obra está representada en las colecciones permanentes de museos y colecciones privadas de los Estados Unidos y Asia. Actualmente es profesora emérita de la Pintura en el Mills College de Oakland, California.

"Buena oración II / Good Prayer II", técnica mixta / mixed media, 20,5" x 20,5", 2012


El 18 de Febrero es el cumple de

Gabriel Morcillo Raya, pintor academicista español nacido en 1837.
Inició su formación artística en el ámbito familiar y en la Escuela de Bellas Artes de Granada. En 1907 se trasladó temporalmente a Madrid para continuar sus estudios, pero por motivos económicos debió regresar a Granada. En 1910 se le concedió una beca que le permitió continuar su interrumpida formación en Madrid, donde permaneció hasta 1914.
Tras su regreso a Granada, ingresó como académico numerario en las academias de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), Granada y Málaga. En 1918 obtuvo una beca para la Academia de Pintura de Roma a la que renunció, iniciando entonces una etapa de aislamiento atípica en otros pintores de su clase. En 1927 accedió a una plaza de profesor de Pintura Decorativa y Figura del Natural en la Escuela de Artes y Oficios de Granada que ya venía ejerciendo como interino desde 1922.
Su obra está compuesta principalmente por paisajes y retratos en los que tiene gran influencia el orientalismo y la sensualidad. Alcanzó gran éxito en exposiciones realizadas en Nueva York, Buenos Aires o Venecia.
Murió en 1973.

"Oriental con Turbante / A Turbaned Oriental", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 106,7 x 92,7 cm., 1912


El 19 de Febrero es el cumple de

Elimar Ulrich Bruno Piglhein, escultor y pintor alemán nacido en 1848. Fue fundador y primer presidente de la Secesión de Munich.
Al graduarse del Gymnasium, estudió con el escultor Julio Lippelt (1829-1864). Tras la muerte de Lippelt de tuberculosis, Piglhein fue a la Academia de Bellas Artes de Dresde, pero tuvo que abandonar después de dos años por una supuesta falta de talento. Sin embargo, el escultor Johannes Schilling vio que tenía un cierto potencial y lo llevó a su estudio.
En 1871 se trasladó a Munich. A sugerencia de su agente, se volvió a los retratos de mujeres al pastel: bailarinas españolas, Pierrots y bellezas del baile con escote bajo. Luego se puso de moda, pero también se vio criticado como una mala influencia moral y "pintor cortesano".
En 1885 se encontró con una oportunidad para restaurar una reputación seria. Joseph Halder, un hombre de negocios de Munich, tenía planes para una pintura circular, panorámica que representara la crucifixión de Cristo y, recordando la Cricifixión de Piglhein en la Exposición de Múnich, el encargo se le hizo a él. De 1885 a 1886 hizo un viaje a Jerusalén, donde realizó bocetos de lo que sería su obra magna.
Murió en 1894.

"Portrait eines Mädchens aus den Albaner Bergen mit zwei Chiantiflaschen / 
Retrato de una muchacha de las colinas de Alban con dos botellas de Chianti / 
Portrait of a girl from the Alban hills with two bottles of Chianti", pastel, 78 x 58 cm., c.1894


El 20 de Febrero es el cumple de

Jan de Baen, retratista holandés nacido en 1633 que vivió durante el Siglo de Oro. Fue alumno del pintor Jacob Adriaensz Backer en Amsterdam desde 1645 a 1648. Trabajó para Carlos II de Inglaterra en su exilio holandés, y desde 1660 hasta su muerte vivió en La Haya, donde trabajó como pintor de retratos. Estos eran populares en su día, y pintó a los más distinguidos hombres de su tiempo.
Jan de Baen recibió sus primeras lecciones de pintura de su tío, que también era pintor.
El elector de Brandeburgo le pidió que trabajara en su corte de Berlín, pero él rechazó la invitación. Fue el maestro de su hijo, el pintor Jacobo de Baen.
Murió en 1702.

"Los síndicos / The syndics", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 152 x 315 cm., 1675, 
Museum de Lakenhal (Leiden, Holanda / Netherlands)


Hoy, 21 de Febrero, es el cumple de 

Pyotr Konchalovsky (Пётр Петрович Кончаловский), pintor nacido en Rusia en 1876.
En 1889 los Konchalovsky se trasladaron a Moscú y su casa se convirtió en una parte de la escena del arte de Moscú de la década de 1890. Eran visitados a menudo por Valentin Serov, Mijail Vrubel, Vasily Surikov.
Durante sus años en el gymnasium, Konchalovsky asistió a las clases de la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú. En 1896-1898 viajó a París y estudió en la Académie Julian. En 1899 regresó a Rusia y entró en la Academia Imperial de las Artes de San Petersburgo, graduándose en 1907.
Fue miembro fundador de la sociedad Sota de Diamantes en 1909. A partir de 1918 fue profesor de arte. En 1922 realizó su primera exposición individual en la Galería Tretyakov.
Durante ese período pintó sobre todo bodegones y paisajes. Sus pinturas - como las de todos los demás de la Sota de Diamantes - fueron fuertemente influenciados por Paul Cézanne. Más tarde comenzó a pintar retratos (a menudo Retratos Ceremoniales) que fueron considerados como los ejemplos de estilo del realismo socialista.
Pyotr Konchalovsky fue un pintor muy prolífico, y se sabe que creó más de cinco mil obras.
Murió en 1956.

"Окно поэта / La ventana del poeta / The Window of the Poet", 122 x 134 cm., 1935. 
Tretyakov Gallery (Moscú, Rusia / Moscow, Russia)


Textos en inglés / English translation

On February 15 is the birthday of

Prince Paolo or Paul Troubetzkoy (Павел Петрович Трубецкой), artist and a sculptor who was described by G.B. Shaw as "the most astonishing sculptor of modern times".
He was born in 1866 and worked in Russia, America, England and Italy. He was a self-taught artist, although he learned sculpture from Giuseppe Grandi. He is associated with impressionism, due to his ability to grasp sketchy movements in his bronze works. He was heavily influenced by the work of Auguste Rodin and Medardo Rosso. He depicted the society of the Belle Époque. Few of his bronzes are still available in the market. Quite famous is the 35 cm high portrait of Constance Stewart-Richardson called "The Dancer".
The largest and best known of his works is the monumental equestrian statue of the Russian Tsar Alexander III in St. Petersburg, Russia. 
He died in 1938.

On February 16 is the birthday of

John Bainbridge Copnall, English artist born in 1928, best known for his abstract expressionist painting, often on a grand scale. He was also a teacher of painting for twenty years at the Central School of Art and Design in London.
Copnall showed early promise in drawing and his strong draughtsman skills would be at the heart of his work throughout his painting life. At the age of eighteen he began studies at the Architectural Association in London. This proved a poor choice of a career as Copnall lacked the required mathematical ability
In 1954 he and his friend Bert Flugelman visited Spain for what was intended to be a short visit. The effect was almost instant and he fell in love with the Iberian landscape staying for fourteen years.
The intense light of Spain and the visceral nature of its people changed his art fundamentally as he experimented with intense earthy colours whilst increasingly moving towards abstraction. Throughout his career Copnall was interested in using intense colour and the Spanish light undoubtedly enhanced his artistic senses.
In 1968 John Copnall returned to England and the following year held a solo exhibition at the Bear Lane Gallery in Oxford. His work was clearly influenced by that of American abstract expressionists such as Barnett Newman, Morris Louis and Mark Rothko.
During the final years of his life Copnall painted infrequently and ceased all together following a stroke
He died in 2007.

On February 17 is the birthday of

Hung Liu (刘虹), Chinese-born American contemporary artist.
She was born in Changchun, People's Republic, China, in 1948, and immigrated to the United States in 1984. She attended Beijing Teachers College in 1975 and studied mural painting as a graduate student at the Central Academy of Fine Arts in Beijing. She is a class of '86 alumna of UC, San Diego. Her paintings and prints often make use of anonymous Chinese historical photographs, particularly those of women, children, refugees, and soldiers as subject matter. Liu's paintings - often large, drippy, and washed with layers of linseed oil - can be seen as critiques of the rigid academicism of the Chinese Socialist Realist style in which she was trained, as well as metaphors for the loss of historical memory. One of the first Chinese artists to study in the U.S., Liu's works represent the ongoing tension between emigration and immigration. Liu has received numerous awards, including two painting fellowships from the National Endowment for the Arts, and her work is represented in the permanent collections of major museums and private collections throughout the United States and Asia. She is currently the Professor Emerita of Painting at Mills College in Oakland, California.

On February 18 is the birthday of

Gabriel Morcillo Raya, Spanish academic painter born in 1837.
He began his artistic training at home and at the School of Fine Arts in Granada. In 1907 he temporarily moved to Madrid to continue his studies, but for economic reasons had to return to Granada. In 1910 he was awarded with a scholarship that allowed him to continue his interrupted training in Madrid, where he remained until 1914.
After his return to Granada, he became a tenured academic in the academies of Fine Arts of San Fernando (Madrid), Granada and Malaga. In 1918 he won a scholarship to the Academy of Painting in Rome at which he resigned, then started a period of isolation atypical in other painters of his class. In 1927 he agreed to a professorship of Decorative Painting and Natural figure in the School of Arts and Crafts in Granada which was already serving as interim since 1922.
His work consists mostly in landscapes and portraits with great influence Orientalism and sensuality. He achieved great success in exhibitions in New York, Buenos Aires or Venice.
He died in 1973.

On February 19 is the birthday of

Elimar Ulrich Bruno Piglhein, German sculptor and painter born in 1848. He was a founder and first President of the Munich Secession.
Upon graduating from the Gymnasium, he studied with the sculptor Julius Lippelt (1829-1864). After Lippelt's death from tuberculosis, Piglhein went to the Dresden Academy of Fine Arts, but had to leave after two years for an alleged lack of talent. The sculptor Johannes Schilling saw that he had some potential, however, and took him into his studio. 
In 1871 he moved to Munich. At the suggestion of his agent, he turned to pastel portraits of women; favoring Spanish dancers, pierrettes and belles-of-the-ball with low décolletage. He then came into fashion, but also found himself being criticized as a bad moral influence and a "courtesan painter".
In 1885, he found an opportunity to restore his serious reputation. Joseph Halder, a businessman from Munich, conceived plans for a circular, panoramic painting depicting the Crucifixion of Christ and, recalling Piglhein's work at the Munich Exhibition, the commission was given to him. From 1885 to 1886, he made a trip to Jerusalem, where he made sketches for what would become his magnum opus. 
He died in 1894.

On February 20 is the birthday of

Jan de Baen, Dutch portrait painter born in 1633 who lived during the Golden Age. He was a pupil of the painter Jacob Adriaensz Backer in Amsterdam from 1645 to 1648. He worked for Charles II of England in his Dutch exile, and from 1660 until his death he lived and worked in The Hague , where he worked as a portrait painter. His portraits were popular in his day, and he painted the most distinguished people of his time.
Jan de Baen received his first painting lessons from his uncle, who was a painter himself.
The Elector of Brandenburg asked him to work at his court in Berlin, but he refused this invitation. He was the teacher of his son, the painter Jacobus de Baen.
He died in 1702.

Today, February 21, is the birthday of

Pyotr Konchalovsky (Пётр Петро́вич Кончало́вский),  Russian painter born in 1876.
In 1889, the Konchalovskys moved to Moscow and their house became a part of the Moscow art scene of the 1890s. They was often visited by Valentin Serov, Mikhail Vrubel, Vasily Surikov.
During his gymnasium years Konchalovsky attended classes of Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture. In 1896-1898 he traveled to Paris and studied at the Académie Julian. In 1899, he returned to Russia and entered the Imperial Academy of Arts in Saint Petersburg, graduating in 1907.
He was a founding member of the society Jack of Diamonds in 1909. Beginning in 1918 he taught art. In 1922, he had his first solo exhibition at the Tretyakov Gallery.
During that period, he mostly drew still lifes and landscapes. His paintings—as of all other Jacks of Diamond—were strongly influenced by Paul Cézanne. Later he started to paint portraits (often Ceremonial Portraits) that were considered as the examples of Socialist Realism style.
Pyotr Konchalovsky was a very prolific painter, and is known to have created more than five thousand works.
He died in 1956.

Aniversarios Fotografía (LVIII) [Febrero / February 16-22]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 16 de Febrero es el cumple de

Eduardo Gageiro, fotógrafo portugués nacido en 1935, considerado el más importante fotoperiodista del país.
Gageiro se interesó en la fotografía a una edad muy temprana. Mientras trabajaba en la Fábrica de Sacavém, la vida de los trabajadores le suministró el tema para sus primeros trabajos. La primera foto en ser publicada apareció en la primera plana del periódico nacional "Diário de Notícias" cuando tenía doce años de edad.
Gageiro es en gran medida un fotógrafo en el estilo de los humanistas franceses de la posguerra como Henri Cartier-Bresson, Robert Doisneau y Willy Ronis. Las vicisitudes de la vida cotidiana en todo lo que tiene de monótona e histórica son el tema recurrente en su amplia obra. Esto no significa que las imágenes de Gageiro son meramente instantáneas precisas. El momento decisivo que captura presenta a menudo una coposición amable y bien equilibrada. Fiel a esta tradición, Gageiro trabaja exclusivamente en blanco y negro.
Comenzó en el fotoperiodismo trabajando para "Vida Ribatejana", antes de pasar a unirse a "O Século" en 1957 Más tarde trabajó para "Eva" y también editó "Sábado". Actualmente continúa trabajando con diversas publicaciones y agencias de prensa, principalmente Associated Press Portugal.
Además de su labor periodística, Gageiro ha producido varios álbumes de fotos, a menudo en colaboración con importantes escritores portugueses.

"Feira da Ladra / Mercado de Pulgas / Fleas Market", Lisboa / Lisbon, 1966


El 17 de Febrero es el cumple de

Horace Walter Nicholls, fotógrafo inglés nacido en 1867.
Nicholls fue aprendiz de su padre, también fotógrafo, en la Isla de Wight y en Huddersfield, antes de establecerse como profesional en Johannesburgo. Durante la Segunda Guerra Boer trabajó para el periódico "Sudáfrica" con sede en Londres.
A continuación regresó a Inglaterra como freelance, especializandose en fotos de eventos sociales y deportivos para revistas como The Tatler, The Illustrated London News y Blanco y Negro.
Durante la Primera Guerra Mundial trabajó inicialmente como fotógrafo independiente. En 1917, fue nombrado fotógrafo oficial del Frente por su predecesor en el Ministerio de Información. Su nombramiento coincidió con la muerte en acción de su hijo mayor en el frente occidental. Sin embargo, Nicholls, junto con GP Lewis, pasó el resto de la guerra fotografiando su impacto en el pueblo británico.
Su obra de este período incluye numerosas fotografías de la contribución de las mujeres a la guerra. Al final de esta, Nicholls se unió al Museo Imperial de la Guerra, de reciente creación, como su primer jefe de fotografía.
Murió en 1941.

"Prótesis para reconstrucción facial de soldados heridos en la 1ª Guerra Mundial /
Facial reconstruction prosthesis for soldiers wounded in World War 1"


El 18 de Febrero es el cumple de

Duane Michals, fotógrafo estadounidense nacido en 1932. El trabajo de Michals hace un uso innovador de las foto-secuencias, a menudo incorporando textos para examinar las emociones y la filosofía.
El interés de Michals en el arte "comenzó a los 14 años mientras asistía a clases en la universidad de la acuarela en el Instituto Carnegie de Pittsburgh." En 1953 recibió una licenciatura de la Universidad de Denver. Después de dos años en el ejército, en 1956 ingresó en la Escuela de Diseño Parsons con idea de convertirse en diseñador gráfico, pero no completó sus estudios.
Él describe sus habilidades fotográficas como "completamente autodidactas". En 1958, durante unas vacaciones en la URSS descubrió su interés por la fotografía. Con las que hizo durante este viaje realizó su primera exposición celebrada en 1963 en la Galería Underground, en la ciudad de Nueva York.
Michals cita a Balthus, William Blake, Lewis Carroll, Thomas Eakins, René Magritte y Walt Whitman como influencias en su arte. A su vez, ha influido en fotógrafos como David Levinthal y Francesca Woodman.
Es conocido por dos innovaciones en la fotografía artística desarrolladas en los años 1960 y 1970. En primer lugar, "[contar] una historia a través de una serie de fotos", como en su libro de 1970 "Secuencias". En segundo lugar escribió a mano texto junto a sus fotografías, lo que proporciona la información que la imagen en sí no puede transmitir.

"Las cosas son raras / Things are Queer", 1973


El 19 de Febrero es el cumple de

Hugh MacRae Morton, fotógrafo y conservacionista estadounidense nacido en 1921, que desarrolló la Grandfather Mountain (Montaña de Abuelo) en Carolina del Norte.
Ingresó en la Universidad de Carolina del Norte en 1940 y tomó fotografías para el periódico estudiantil, The Daily Tar Heel. Dejó la escuela en 1942 para luchar en la Segunda Guerra Mundial. En 1942 ingresó en el Cuerpo de Señales del ejército estadounidense como fotógrafo y fue enviado al teatro del Pacífico.
En 1952 Morton heredó de su abuelo más de 4.000 hectáreas en la Grandfather Mountain, Hugh MacRae, e inmediatamente se dispuso a hacer que la propiedad fuera más accesible a los turistas. En 1952 Morton amplió y mejoró un camino para vehículos hasta la cima de la montaña, y erigió el puente original Mile High Swinging para proporcionar acceso de los visitantes a una de las más espectaculares vistas panorámicas en el sureste de Estados Unidos.
Murió en 2006.

"Las nubes se congelan en lo alto de las montañas, y cubren el Swinging Bridge con escarcha /
Clouds freeze on top of the Mountain and cover the Swinging Bridge with rime ice", 
(Linville, Carolina del Norte, Estados Unidos / NC, USA)


El 20 de Febrero es el cumple de

Esther Haase, fotógrafa y directora de cine alemana, nacida en 1966. En la actualidad mantiene residencias en Hamburgo y Londres.
Esther Haase nació en Bremen, siendo la primera hija de la ilustradora Sibylle Haase-Knels y Fritz Haase, profesor de Diseño de la Comunicación en la Universidad de Bellas Artes de Bremen. En 1963 sus padres fundaron un estudio de diseño.
Esther pasó su infancia en Bremen. Después de la formación profesional en danza moderna en Colonia, pasó dos años (1986-1989) en el escenario, uniéndose al grupo de danza del Teatro Goethe de Bremen. Entre 1988 y 1993 estudió diseño gráfico enfocado a la fotografía en la Universidad de Bellas Artes de Bremen.
Obtuvo sus dos primeros premios en fotografía en 1992, un año antes de su graduación. Después de graduarse se mudó a Berlín y comenzó a trabajar internacionalmente como fotógrafa independiente. Ha fotografiado moda y editoriales para Elle, Vanity Fair, Madame Figaro, Vogue India y otros.



El 21 de Febrero es el cumple de

Ryszard Wasko (Waśko), artista nacido en Polonia en 1947, que ha trabajado en multimedia, incluyendo fotografía, cine, video, instalación, pintura y dibujo. También se le conoce como curador y organizador de eventos artísticos. Vive y trabaja en Berlín.
De niño que tomó clases de pintura para convertirse en un pintor y estudiar en la Academia de Bellas Artes de Cracovia. Pero en vez de hacer realidad su sueño de infancia, tomó la decisión de irse a Lodz, donde estudió cinematografía en la Escuela de Cine entre 1970 y 1975. Durante ese tiempo se convirtió en miembro del Workshop of the Film Form, uno de los grupos artísticos más importantes en la Polonia en los años 70.
Después de lidiar con el cine experimental y la fotografía, Wasko comenzó a desarrollar nuevamente sus habilidades para la pintura.
En los años 90 trabajó esencialmente con materiales de pintura primarios como el hollín. Exploró también el campo de la performance y la instalación. Alrededor de 2000 Wasko volvió otra vez sus pasos al cine y la fotografía.

"Extraño evento / Strange Event", fotografía color / color photograph, 2006


Hoy, 22 de Febrero. es el cumple de

Edward Burtynsky, fotógrafo y artista canadiense nacido en 1955, conocido por sus fotografías de gran formato de paisajes industriales. Su obra se encuentra en más de 50 museos, como el Museo Guggenheim, la Galería Nacional de Canadá, y la Bibliothèque Nationale, París.
Cuando tenía 11 años, su padre compró un cuarto oscuro, incluyendo cámaras y manuales de instrucciones, de una viuda cuyo último marido había practicado la fotografía como aficionado. Con su padre, Burtynsky aprendió a hacer impresiones fotográficas en blanco y negro, y junto con su hermana mayor estableció un pequeño negocio para tomar retratos en el centro local de Ucrania. A principios de los años 70, Burtynsky encontró trabajo en impresión y empezó a clases nocturnas de fotografía, después de inscribirse en el Instituto Politécnico Ryerson.
Desde mediados de la década de 1970 hasta principios de 1980, Burtynsky estudió formalmente artes gráficas y fotografía. Obtuvo un diploma en artes gráficas desde Niagara College en Welland, Ontario, en 1976, y una licenciatura en Artes Fotográficas (Programa de Ciencias de la Información) del Instituto Politécnico Ryerson en Toronto, Ontario, en 1982.
Las fotografías más famosas de Burtynsky son vistas de paisajes alterados por la industria: relaves de las minas, canteras, montones de chatarra. La grandiosa, imponente belleza de sus imágenes, radica a menudo en la tensión con los ambientes comprometidos que representan. Ha realizado varias excursiones a China para fotografiar la emergencia de ese país industrial, y la construcción de uno de los proyectos de ingeniería más grandes del mundo, la presa de las Tres Gargantas.
Sitio web del artista: http://www.edwardburtynsky.com/

"Rocas de siglos #7, Sección activa, E.L., Cantera Smith / 
Rock of Ages #7, Active Section, E.L. Smith Quarry" (Barre, Vermont, Estados Unidos / USA), 1991


Textos en inglés / English translation

On February 16 is the birthday of

Eduardo Gageiro, Portuguese photographer born in 1935, widely considered the country's foremost photojournalist.
Gageiro became interested in photography at a very early age whilst working at the Fábrica de Sacavém, the life of its workers providing the theme to the photographer's early work. The first photograph of his to be published appeared on the front page of the national newspaper Diário de Notícias when he was twelve years old.
Gageiro is very much a photographer in the style of the postwar French humanists such as Henri Cartier-Bresson, Robert Doisneau and Willy Ronis. The vicissitudes of everyday life in all that it has of the monotonous and of the historic are the recurring theme in his wide-ranging body of work. This does not mean that Gageiro's images are merely accurate snapshots. The decisive moment he often captures is often gently composed and finely balanced. True to this tradition, Gageiro works exclusively in black and white.
He began in photojournalism working for Vida Ribatejana, before going on to join O Século in 1957 He later worked for Eva and also edited Sábado. He continues to work with various publications and press agencies, principally Portuguese Associated Press.
As well as his journalistic work, Gageiro has produced several photobooks, often in collaboration with important Portuguese writers. 

On February 17 is the birthday of

Horace Walter Nicholls, English photographer born in 1867.
Nicholls was apprenticed to his photographer father on the Isle of Wight and in Huddersfield before setting up as a professional photographer in Johannesburg. During the Second Boer War he worked for the London-based periodical South Africa.
He then returned to England as a freelance, specialising in pictures of social and sporting events for magazines such as The Tatler, The Illustrated London News and Black and White.
During World War I he worked initially as a freelance photographer. In 1917, he was appointed Home Front Official Photographer by the forerunner of the Ministry of Information. His appointment coincided with the death in action of his eldest son on the Western Front. Nevertheless, Nicholls, together with G P Lewis, spent the rest of the war photographing its impact on the British people.
His work of this period includes numerous photographs of women's contribution to the war effort. At the end of the war, Nicholls joined the newly established Imperial War Museum as its first chief photographer.
He died in 1941.

On February 18 is the birthday of

Duane Michals, American photographer born in 1932. Michals's work makes innovative use of photo-sequences, often incorporating text to examine emotion and philosophy.
Michals's interest in art "began at age 14 while attending watercolor university classes at the Carnegie Institute in Pittsburgh." In 1953 he received a B.A. from the University of Denver. After two years in the Army, in 1956 he went on to study at the Parsons School of Design with a plan to become a graphic designer; however, he did not complete his studies.
He describes his photographic skills as "completely self-taught." In 1958 while on a holiday in the USSR he discovered an interest in photography. The photographs he made during this trip became his first exhibition held in 1963 at the Underground Gallery in New York City.
Michals cites Balthus, William Blake, Lewis Carroll, Thomas Eakins, René Magritte, and Walt Whitman as influences on his art. In turn, he has influenced photographers such as David Levinthal and Francesca Woodman.
He is noted for two innovations in artistic photography developed in the 1960s and 1970s. First, he "[told] a story through a series of photos" as in his 1970 book Sequences. Second, he handwrote text near his photographs, thereby giving information that the image itself could not convey.

On February 19 is the birthday of

Hugh MacRae Morton, American photographer and nature conservationist born in 1921, who developed Grandfather Mountain in North Carolina.
He entered the University of North Carolina in 1940 and took photographs for the student newspaper, The Daily Tar Heel. He left school in 1942 to fight in World War II. In 1942, he joined the Signal Corps (United States Army) as a photographer and was sent to the Pacific Theater.
In 1952 Morton inherited more than 4,000 acres on Grandfather Mountain from his grandfather, Hugh MacRae, and immediately set out on making the property more accessible to tourists. In 1952 Morton extended and improved a vehicle road to the top of the mountain, and erected the original Mile High Swinging Bridge to provide visitor access to one of the most spectacular scenic vistas in the southeastern United States.
He died in 2006.

On February 20 is the birthday of

Esther Haase, German photographer and film director, born on February 20, 1966 in Bremen, Germany. She currently maintains residences in Hamburg and London.
Esther Haase was born in Bremen, the first Daughter of Illustrator Sibylle Haase-Knels and Prof. Fritz Haase. Her father worked as a professor of Communication Design at the University of the Arts Bremen. In 1963 her parents founded a studio for design.
Esther Haase spent her childhood in Bremen. After professional training in modern dance in Cologne, Esther Haase spent two years (1986–1989) on-stage, joining the dance group of the Goethe Theatre, Bremen. From 1988 to 1993, she studied graphic design with a focus on photography at the University of the Arts Bremen.
Esther Haase landed her first two awards in photography in 1992 one year before graduation. After graduation she moved to Berlin and started working internationally as a freelance photographer. She has shot fashion stories and editorials for Elle, Vanity Fair, Madame Figaro, Vogue India and others.

On February 21 is the birthday of

Ryszard Wasko (Waśko), Polish artist born in 1947, who has worked in multimedia, including photography, film, video, installation, painting, and drawing. He is also known as a curator and organizer of art events. He lives and works in Berlin.
As a child he took painting-classes planning to become a painter and wanting to study at the Art Academy in Kraków. But instead of making his childhood dream come true, he made up his mind and went to Łódź, where he studied cinematography at the Film School between 1970 and 1975. During that time he became a member of Workshop of the Film Form, one of the most important artistic groups in Poland in the 70s.
After dealing with experimental film and photography, Wasko started to develop his painting skills again.
In the 90s he worked mostly with primary painting materials like soot. He explored also the field of performance and installation. Around 2000 Wasko made his turn back to film and photography.

Today, February 22, is the birthday of

Edward Burtynsky, Canadian photographer and artist born in 1955, known for his large-format photographs of industrial landscapes. His work is housed in more than 50 museums including the Guggenheim Museum, the National Gallery of Canada, and the Bibliothèque Nationale, Paris.
When he was 11, his father purchased a darkroom, including cameras and instruction manuals, from a widow whose late husband practiced amateur photography. With his father, Burtynsky learned how to make black-and-white photographic prints and together with his older sister established a small business taking portraits at the local Ukrainian center. In the early '70s, Burtynsky found work in printing and he started night classes in photography, later enrolling at the Ryerson Polytechnical Institute.
From the mid-1970s to early 1980s, Burtynsky formally studied graphic arts and photography. He obtained a diploma in graphic arts from Niagara College in Welland, Ontario, in 1976, and a BAA in Photographic Arts (Media Studies Program) from Ryerson Polytechnical Institute in Toronto, Ontario, in 1982.
Burtynsky's most famous photographs are sweeping views of landscapes altered by industry: mine tailings, quarries, scrap piles. The grand, awe-inspiring beauty of his images is often in tension with the compromised environments they depict. He has made several excursions to China to photograph that country's industrial emergence, and construction of one of the world's largest engineering projects, the Three Gorges Dam.

Howard Schatz [Fotografía]

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Un gran artista con más de un cuarto de siglo fotografiando. La obra de Howard abarca un amplio abanico temático. Ha enfocado su cámara sobre el mundo del deporte, la danza, el embarazo, los recién nacidos, la botánica, los sin techo, el retrato de personalidades, artistas actuando, fotografía submarina y más. Un vistazo a sus creaciones, centrado en sus estudios del cuerpo humano.

A great artist with more than a quarter century photographing. Howard's work covers a wide range of subjects. He has focused his camera on the world of sports, dance, pregnancy, newborns, botany, homeless, portraits of personalities, artists performing, underwater photography and more. A look at his creations, focusing on his studies of the human body.
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Howard Schatz


Howard Schatz es un maestro de la fotografía nacido en Chicago en 1940, que se formó como especialista en retina en la Universidad John Hopkins. 
Ha publicado más de 20 libros y su obra está presente en las colecciones permanentes del Centro Internacional de Fotografía, el Musee de L'Elysee, el Museo de Arte de la Universidad de California, el Museo de Oakland y en colecciones privadas de todo el mundo.
Howard vive en Nueva York con su esposa y socia en los negocios Bevery Ornstein. [1]

"Estudio / Study 1415", Adolf Wittenberg © Schatz / Ornstein

"Estudio / Study 1415, Adolf Wittenberg" (detalle / detail) © Schatz / Ornstein

«Todos los médicos tenemos hobbies, y yo he tenido una cámara desde que estaba estudiando medicina; hacía fotografías todo el tiempo.
En 1987, después de trabajar 14 años a tiempo completo como especialista en la retina, decidí dedicar un día a la semana a la fotografía. Y me puse a ello de una manera muy centrada y con mucha determinación. Convertí el comedor de nuestra casa de San Francisco en un estudio. Compré cámaras de medio formato, luces estroboscópicas y otros accesorios de iluminación de alta gama, usados. Estudié muy duro, comenzando con una colección de libros de fotografía (ahora tengo una biblioteca con más de 2.500), y estudié fotografía en múltiples fuentes y lugares.
Durante los 8 años siguientes, entre 1987 y 1995, fotografiando un día a la semana, comencé a recibir gran atención por mi trabajo. Se publicaron cinco libros y hubo numerosas muestras en galerías y museos. Comenzamos a recibir llamadas de teléfono con encargos de revistas, así como de agencias de publicidad para hacer trabajos publicitarios.
Obviamente esto no era posible. Mi esposa, Bevery Ornstein, sugirió: "¿Por qué no nos tomamos un año sabático para ir a Nueva York y fotografiar a tiempo completo, para ver cómo va?» [2]

"NBN #528", Amy Bailey& Anthony Gordon © Schatz / Ornstein

«Alquilamos un estudio de 5000 m2 en SoHo, en Nueva York. Inmediatamente comencé un proyecto fotografiando bailarinas, que se convirtió en un libro llamado "Pasión y Línea". Estaba fotografiando casi a diario; era desafiante y excitante desde el punto de vista creativo. Nos ibamos a la cama cada noche riéndonos de la aventura. Tuvimos un año grande, divertido y rico. Cuando el año finalizaba, pregunté a mis asociados sobre tomarme un segundo año sabático. Cada año después de ese, renovaba el sabático. Después de un tiempo, estaba claro que no iba a regresar a la medicina. No fue como decir de un día para otro "Soy un doctor", y al día siguiente, "Soy un fotógrafo". Lo hice a un ritmo muy, muy gradual, en el cual tenía un cierto nivel de confianza en el éxito. Nos fuimos ganando la vida y tuvimos una maravillosa experiencia.» [3]

"Estudio del cuerpo / Body Study", Corey Wheir © Schatz / Ornstein

"Estudio submarino / Underwater Study # 1335 © Schatz / Ornstein

Hablando sobre sus fotografías submarinas:
«Tenemos una ultra-filtración - está filtrada como si hubiera cinco veces más agua. Tenemos un intercambio de agua que ocurre en muy poco tiempo, en lugar de ocho horas. Nuestra agua es cristalina. Nos ocupamos de todo: la química, el pH, los químicos. Cuando hago las tomas, no hay cloro en el agua. Las chicas tienen los ojos abiertos; no sienten nada. Cuando la modelo abre sus ojos bajo el agua, es una experiencia totalmente diferente a cualquiera que haya tenido.
No todas las modelos pueden hacerlo. (...) Tengo algo así como una docena de modelos, 20 tal vez, que pueden hacerlo bien. E hice un casting de 1000. Las mejores son las bailarinas. La gravedad es su adversario, y bajo el agua no hay gravedad. Súbitamente pueden dar un salto que dura un minuto.» [4]

Talking about his underwater photographs:
«We have ultra-filtration - it's filtered as if there were five times the amount of water. We have an exchange of water that occurs in no time versus eight hours. Our water is crystal-clear; we deal with everything - the chemistry, the pH, the chemicals. When I shoot, there´s no chlorine in the water. The girls have their eyes open; they don't feel anything. When the model opens her eyes underwater, it's totally different experience than she has ever had in her life.
Not all models can do this. (...) I have a dozen or so models, 20 maybe, who can do this well. And I've cast 1.000. The best people are dancers. Gravity is their adversary, and underwater there's no gravity. All of a sudden they can make a leap that last a minute.» [4]

"Estudio submarino / Underwater Study # 3244  © Schatz / Ornstein

Izq./ Left: "Parejas / Pairs 4659"© Schatz / Ornstein
Der./ Right: "Estudio de danza / Dance Study"Bernard Gaddis& Krisha Marcano © Schatz / Ornstein

«He aprendido que la gente tiene que estar abierta y libre frente a una cámara, así que la entrevista es muy importante. Los dejo ser el centro de atención, porque si los sujetos sienten que tú estás interesado, confiarán en tí frente a la cámara.» [5]


"Askia Swift #1 © Schatz / Ornstein
Ballet de San Francisco, fotografiada en San Francisco en septiembre de 1995 /
San Francisco Ballet, photographed in San Francisco, September 1995"

"Estudio del cuerpo humano / Human Body Study 1413", Adolf Wittenberg © Schatz / Ornstein

«Extraño a mis pacientes, y la investigación. Casi todo sobre ello. Pero en mi mente, la oftalmología y la fotografía son dos caras de la misma moneda. Excepto por una diferencia crucial: en la cirugía de retina, no hay errores: ¡tú cometes un error, tu paciente pierde un ojo! Imagina la presión que hay ahí. En fotografía puedes cometer todos los errores que quieras; tú buscas los errores. Puedes ser travieso, intentar cosas. La libertad de intentar cosas te cambia.» [6]

"Estudio del cuerpo humano / Human Body Study 1413" (detalle / detail) © Schatz / Ornstein

«Estoy interesado en la estructura física y el movimiento. Poco después de llegar a Nueva York, trabajé sobre la danza durante uno o dos años. Luego fotografié danza submarina. Y atletas. Actualmente (Feb., 2014) trabajo en un proyecto sobre el movimiento. Dejo la cámara abierta y le suministro luz; hay infinitas posibilidades. Adoro ver; nunca es bastante lo que puedes ver.» [7]

"NBN #264"© Schatz / Ornstein

Howard Schatz is a Master of photography born in Chicago (1940), who trained as a retina specialist at Johns Hopkins University.
He has published more than 20 books and his work is in the permanent collections of the International Center of Photography, the Musee de L'Elysee, the University of California Museum of Art, the Oakland Museum and in private collections worldwide. 
He lives in New York City with his wife and business partner, Beverly Ornstein. [1]

"NBN #539", Linda Caceres & Glenn Sims © Schatz / Ornstein

"Estudio del polvo / Powder Study" 1017 © Schatz / Ornstein

«All physicians have hobbies, and I’ve had a camera since I was in medical school; I made pictures all the time.
In 1987, after working 14 years full-time as a retina specialist, I decided to devote one day a week, Saturday, to photography. I went about it in a very focused and determined manner. I converted the dining room in our San Francisco house into a studio. I purchased used, high-end, medium-format cameras, strobes, and other lighting accessories. I studied very hard, beginning a collection of photography books (now a library of more than 2500), and studied photography in multiple sources and venues.
Over the next 8 years from 1987 to 1995, doing photography one day each week, I began to receive a great deal of attention for my work. Five books were published and there were numerous gallery and museum shows. We began to get phone calls for commissions from magazines as well as from advertising agencies to do commercial advertising work.
Obviously, that was not possible. My wife, Beverly Ornstein, suggested, “Why don’t we take a one-year sabbatical, go to New York, and do photography full-time; see how it goes?”» [2]

"Shannon Chain #16"© Schatz / Ornstein
Ballet Estadounidense, fotografiada en Nueva York en enero de 1997 /
American Ballet Theater, photographed in New York City, January 1997

«We rented a 5000 sq-ft studio in SoHo, in New York City. I immediately started a project photographing dancers, which became a book called Passion and Line. I was shooting almost every day; it was creatively challenging and thrilling. We went to bed each night giggling over the adventure. We had a great, fun, rich year. As the year was coming to an end, I asked my associates about taking a second one-year sabbatical. Each year thereafter, I re-upped the sabbatical. After a time, it was clear that I was not going to return to medicine. I didn’t just say one day, “I’m a doctor,” and the next, “I’m a photographer.” I did it at a very, very gradual pace in which I had a certain level of confidence of success. We were making a living and we were having a wonderful experience.» [3]

"Luchador de Sumo / Sumo Wrestler", Emanuel Yarbrough© Schatz / Ornstein

"Estudio de espaldas / Back Study", Eva Ndochi © Schatz / Ornstein

«I’ve learned that people have to be open and be free in front of the camera, so the interview is very important. I let them be the center of attention because if the subjects feel that you are interested, they will trust you in front of the camera.» [5]

"Estudio del cuerpo / Body Study #1255"Bryan Scott, NFL (Buffalo Bills) © Schatz / Ornstein

«I miss the patients, and the research. Almost everything about it. But in my mind, ophthalmology and photography are two sides of a coin. Except for one crucial difference: in retinal surgery, there are no mistakes – you make a mistake, your patient loses an eye! Imagine the force of that. In photography you can make all the mistakes you like – you look for mistakes. You can be playful, you try things. The freedom to try things changes you.» [6]

"Estudio de desnudo / Nude Study", Shernita Anderson & Victor Shoyelu
Popular Science Magazine Editorial © Schatz / Ornstein

«I’m interested in physical structure and movement. Soon after I came to New York, I worked on dance for a year or two. Then I photographed dance under water. And athletes. I’m currently (Feb., 2014) working on a project about motion. We leave the camera open and provide light – there are infinite possibilities. I love seeing; there’s never enough that you can see.» [7]

"Estudo de desnudo / Nude Study", Uri Sands © Schatz / Ornstein
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FUENTES / SOURCES

[1] - Staley-Wise Gallery Website
[2], [3] - Qué hay de nuevo, Charla con H.S. Retina Times Nº 57, invierno 2014
What's News, chat with H.S., Retina Times Issue 57, Winter 2014.
http://www.howardschatz.com/newsite/about/press/RetinaTimesWinter2014RetinaTimes.pdf
[4] - Digital Photo Pro, Masters Special, Dec., 2007
"Maestro de la serenidad submarina, por  William Sawalich /
Master of Underwater Serenity by William Sawalich"
http://www.howardschatz.com/about.php?pressID=1022
[5] - Litchfield Magazine, Jul./Aug., 2013
"Naturaleza Muerta: Un fotógrafo y su esposa centrados en el minimalismo / 
Still Life: A Photographer and his Wife Focus on Minimalism", por / by Wendy Carlson
[6], [7] - American Photo, Feb., 2014
Entrevista: La obra versátil de Howard Schatz / Interview: The Versatile Work of Howard Schatz
por / by Marc Erwin Babej
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Todas estas imágenes pertenecen a la nueva publicación SCHATZ IMAGES: 25 YEARS. Es una colección de más de 1000 imágenes en una edición limitada y numerda de sólo 500 ejemplares, disponible exclusivamente a través del sitio web del editor: schatzimages25years-glitterati.com

All these images are from the new publication: SCHATZ IMAGES: 25 YEARS. It is a collection of over 1000 images in a signed, numbered limited edition of only 500 sets, available exclusively through the publisher's website: schatzimages25years-glitterati.com


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Más imágenes e información sobre Schatz en / More images and information about Schatz in:

Imágenes publicadas con autorización (¡Muchas gracias Beverly y Howard!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Beverly and Howard!)


Una charla de Howard Schatz en la Escuela de Artes Visuales / 
A lecture by Howard in the School of Visual Arts

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Howard Schatz revela algunos elementos de su obra sobre los embarazos, persentada por primera vez en la Galería Breuer en Múnich, Alemania, el 21 de octubre de 2009 /
Howard Schatz gives some insight about his work on the 'pregnancy series', first presented at Galerie Breuer in Munich Germany oct 21 2009.


Arte perdido (VII)

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Textos en inglés al final del post, marcados con [*] en cada párrafo /
English text at the end of this post marked with [*] in each paragraph
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Bruno Piglhein
"Jerusalem und die Kreuzigung Christi / Jerusalén y la Crucifixión de Cristo / 
Jerusalem and the Crucifixion of Christ"

Fotografía Nº 5, la Crucifixión / Photo # 5, The Crucifixion

Recientemente celebrábamos el aniversario de Bruno Piglheim, escultor y pintor alemán de la escuela de Múnich, creador de la obra que trataré a continuación.

El último tercio del s.XIX fue testigo de un gran interés mundial en panoramas que representaban temas de identidad nacional, en particular batallas.
Con la expectativa de lucrativos ingresos gracias a las entradas, se fundaron compañías de panoramas para financiar los edificios y la producción de gigantescas pinturas circulares que medían hasta 15 metros de altura y 120 de circunferencia. A finales del s.XIX, muchas grandes ciudades tenían una rotonda en la cual los panoramas eran exhibidos y cambiados por otros nuevos de tanto en tanto. Fue en este período que surgió la idea de representar el evento histórico de la crucifixión de Cristo en un panorama. [1]

Fotos Nº 1 y 2 / Photos # 1 and 2

Para representar un tema religioso, los centros de peregrinación proveían las ubicaciones ideales. El primer panorama representando la crucifixión de Cristo fue exhibido en el sitio de peregrinación belga de Montaigu en 1884. Fue pintado por el artista belga Juliaan de Vriendt (1842-1935). Un año más tarde, una compañía de panoramas de Múnich encomendó al renombrado pintor alemán Bruno Piglhein que pintara uno con el mismo tema. [2]

Fotos Nº 3 y 4 / Photos # 3 and 4

Fotos Nº 5 y 6 / Photos # 5 and 6

Piglhein, como Vriendt antes que él, viajó a Jerusalén para hacer los bocetos preparatorios del panorama. Fue acompañado por Karl Hubert Frosch, cuya tarea era pintar los detalles arquitectónicos de la pintura, y por Joseph Krieger, quien pintaría el paisaje. El mismo Piglhein fue responsable del diseño general y la composición de figuras. Tras seis meses en Palestina y otros nueve meses ejecutando la pintura, el panorama, de 120 metros de largo y 15 de alto, estaba terminado. Entre junio de 1886 y marzo de 1889, fue exhibido en Múnich con gran éxito. Fue entonces a Berlín para ser exhibido entre 1889 y fines de 1891. En marzo de 1892 se inauguró en Viena, donde fue destruido por el fuego tan sólo un mes más tarde. [3]

Fotos Nº 7 y 8 / Photos # 7 and 8

Fotos Nº 9 y 10 / Photos # 9 and 10

Las imágenes corresponden a una serie de 10 fotografías que se tomaron el día de la inauguración.
Sobre el panorama de Piglhein se trata en profundidad (en alemán) en el sitio web dedicado a su obra. Allí también se apunta la existencia de al menos 12 o 13 "plagios" de esta obra a manos de Frosch y Krieger en diversos lugares del mundo, sin el conocimiento del artista. [4]

Sector de uno de los "plagios" de la obra / Sector of one of the "plagiarism" of the work
Se puede ver el panorama completo aquí / You can see the full panorama here.

Boceto preparatorio / Preparatory Sketch

Joseph Halder, quien encargó el panorama, con Piglhein en el edificio construído para la obra /
Joseph Halder, who commisioned the panorama, with Piglhein in the building built to house the work.
Goethe-Straße 45 (Múnich, Alemania / Munich, Germany)

Recreación del sector correspondiente a la crucifixión. Vista general aquí. (Necesario Quick Time Player) / 
Recreation sector corresponding to the crucifixion. General view here (need Quick Time Player)

En la década de 1890, Karl Hubert Frosch y Joseph Krieger eran experimentados artistas de panoramas, especializados en los de temática religiosa. En 1892, los empresarios de panoramas Eckstein & Esenwein, de Backnang, cerca de Stuttgart, contrataron a ambos artistas para la producción de un panorama de la crucifixión de Cristo.
La gigantesca pintura circular, de 10 metros de alto y 100 de largo, se pintó en seis meses en el edificio para panorama Theresienhöhe 2a, uno de los tres edificios de estas características en Múnich por aquél entonces. Como en el panorama de Piglhein, Frosch fue responsable de pintar la arquitectura y Krieger del paisaje. Las figuras corrieron a cargo del pintor estadounidense William Robinson Leigh, quien por aquél entonces estaba activo en Múnich, colaborando en la producción de otros panoramas. [5]

Parte del panorama de la crucifixión de Einsiedeln tal como puede verse hoy / 
A part of the Einsiedeln's Crucifixion Panorama as can be seen today.

La primera vida del panorama de Einsiedeln terminó trágicamente el 17 de marzo de 1960, cuando durante tareas de renovación llevadas a cabo en el frente y las habitaciones interiores, se desató un incencio y tanto el edificio como la pintura fueron completamente destruidos. La segunda vida del panorama comenzó rápidamente. Se tomó la decisión de reerigir el edificio y recrear la pintura a partir de fotografías a color existentes de la obra original. [6]

Los textos están tomados de Wikipedia y de un artículo que puede leerse completo (en inglés) aquí./
Texts from Wikipedia and an article you can fully read here.

Más sobre Bruno Piglhein en "El Hurgador" / More about Bruno Piglhein in this blog:
[Aniversarios (LVIII)]

Más información sobre el artista / More info about the artist:
Wikipedia (español), Wikipedia (English)Prof. Bruno Piglhein (Alemán / German)


Arte perdido en el 11-S / Art lost in 11-S

Fritz Koenig
"Esfera / Sphere", en su situación original, en la plaza Austin Tobin, entre las dos torres /
in its original location on the Austin Tobin Square, between the two towers

Con el colapso de las torres gemelas del World Trade Center, el 11 de Septiembre de 2001, un número indeterminado de obras de arte fueron destruidas.

The Heritage Emergency Nacional Task Force, publicó un informe de 26 páginas titulado Cataclysm and Challenge que estimaba la pérdida de colecciones de arte particulares valoradas en cien millones de dólares.

- Cantor Fitzgerald era la propietaria de una extensa colección de dibujos y esculturas de Rodin.

- Citygroup, Silvester Properties, Marriot Hotel, Fred Alger Management y Nomura Securities también poseían colecciones importantes que incluían obras de Picasso, Roy Lichtenstein y David Hockney.

 - El Concejo Cultural del Bajo Manhattan, cedia a 27 artistas espacio en las plantas 91 y 92 de la Torre 1, quienes acabarían perdiendo un total de 400 obras propias.

- En los sótanos también se custodiaban los restos provenientes de un cementerio indio de finales del siglo XVIII, así como archivos que documentaban las excavaciones arqueológicas en la zona de Five Points, barrio que Scorsese popularizaría mundialmente en su film Gangs of New York.
Fotografías y cartas originales de Helen Keller, así como primeras ediciones de sus libros de un valor incalculable.

- Fue destruida igualmente una parte importante del Archivo de los Teatros de Broadway con un fondo de 35.000 fotografías que capturaban momentos irrepetibles de la historia escénica norteamericana. 

- También desaparecieron aproximadamente 40.000 negativos de fotografías documentando la presidencia de JFK tomadas por Jacques Lowe, almacenadas en una caja fuerte. [7]

La esfera después del atentado / The Sphere after the attack

La Esfera es una gran escultura metálica del escultor alemán Fritz Koenig, que una vez estuvo en el centro de la Plaza Austin J. Tobin, el área entre las torres gemelas del World Trade Center, en Manhattan. Después de ser recuperada entre los escombros de las torres gemelas después de los ataques del 11-S, la obra se enfrentaba a un destino incierto, y fue desmantelada en sus partes componentes. Aunque permanecía estructuralmente intacta, estaba visiblemente dañada por los restos de los aviones que chocaron contra los edificios y por el colapso de los mismos rascacielos.
Seis meses después de los ataques fue reubicada temporalmente en el Battery Park, sin ser reparada, y formalmente fue rededicada, con una llama eterna, a memorial a las víctimas del 9/11. Hoy se ha convertido en una atracción turística, debido en parte al hecho de que haya sobrevivido a los ataques con sólo abolladuras y agujeros. [8]

 La esfera en su ubicación actual / The sphere in its current location

Más sobre Fritz Koenig en "El Hurgador" / More about Fritz Koenig in this blog:
[Aniversarios (XXI)]
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Joan Miró
"El tapiz del World Trade Center / The World Trade Center Tapestry"
Lana y cáñamo / wool and hemp, 6,1 x 10,67 m., 1974
Estaba en el lobby de la torre 2 / It was in the lobby of tower 2


Más sobre Joan Miró en "El Hurgador" / More about Joan Miro in this blog:
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Alexander Calder
"Hélice doblada / Bent Propeller (World Trade Center Stabile)", metal pintado / painted metal, 7.6 m., 1970

La escultura fue un encargo de la autoridad del puerto de Nueva York en 1969, y se instaló en 1970 en el World Trade Center.
Los elementos principales de la escultura eran tres hojas de metal curvado, unidas para formar una obra estática que descansaba sobre su propio peso, y recordaba a una hélice de barco. Como muchas otras obras públicas de Calder, estaba pintada de rojo. Primero estuvo instalada cerca de la entrada de la torre 1 (torre norte). Fue movida luego a una plaza en la esquina noroeste de la plaza del WTC.
Cerca del 40 % de la escultura fue recuperada de los escombros en los meses siguientes. No habiendo suficiente como para una restauración, los elementos recuperados permanecen en la Fundación Calder. [9]

Fragmento de la escultura de Calder / fragment of Calder's sculpture

Alexander Calder fue un escultor estadounidense nacido en 1898, conocido como el creador de los móviles, un tipo de escultura cinética hecha con componentes delicadamente equilibrados o suspendidos que se mueven en respuesta a la alimentación de un motor o las corrientes de aire. Las esculturas fijas de Calder se llaman stabiles. También produjo numerosas figuras de alambre, sobre todo para un circo en miniatura.
En 1926, por sugerencia de un vendedor de juguetes de Serbia en Paris, Calder comenzó a hacer juguetes. Ante la insistencia de su compañero escultor José de Creeft, los presentó al Salón de los Humoristes. Más tarde ese mismo otoño, Calder comenzó a crear su Circo Calder, un circo en miniatura formado de alambre, hilo, caucho, tela y otros objetos encontrados. Diseñado para caber en maletas (eventualmente creció hasta llenar cinco), el circo era portátil, y permitió a Calder celebrar actuaciones en ambos lados del Atlántico.
Fue la mezcla de sus experimentos para desarrollar esculturas puramente abstractas tras su visita a Mondrian lo que llevó a sus primeras esculturas verdaderamente cinéticas, manipuladas mediante manivelas y poleas, que se convertirían en sus obras características. Las esculturas cinéticas de Calder pueden verse como las primeras manifestaciones de un arte que conscientemente se apartó de la noción tradicional de la obra de arte como objeto estático e integró las ideas de movimiento y cambio como factores estéticos.
Murió en 1976. [10]
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Louise Nevelson
"Puerta del cielo / Sky Gate", madera / wood, 1977-78

Louise Nevelson fue una escultora estadounidense nacida en 1988, conocida por sus monumentales piezas monocromáticas de madera para paredes y esculturas al aire libre. Nacida en la Rusia zarista, emigró con su familia a los Estados Unidos a principios del siglo 20. Nevelson aprendió Inglés en la escuela. A principios de 1930 asistía a clases de arte en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York, y en 1941 tuvo su primera exposición individual. Alumna de Hans Hofmann y Chaim Gross, Nevelson experimentó pronto con el arte conceptual utilizando objetos encontrados, e incursionó en la pintura y la impresión antes de dedicar su vida y obra a la escultura. Creadas por lo general en madera, sus esculturas parecen un tipo de puzzle, con múltiples piezas de intrincado corte, dispuestas como esculturas de pared o de forma independiente como piezas de pie, a menudo tridimensionales. Una característica única de su trabajo es que sus figuras están pintadas a menudo en monocromático negro o blanco. Una figura en la escena artística internacional, la obra de Nevelson se expuso en la 31ª Bienal de Venecia. Su obra está presente en las principales colecciones de museos y corporaciones. Louise Nevelson sigue siendo una de las figuras más importantes de la escultura americana del siglo 20.
Murió en 1988. [11]
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Romare Bearden
"Estanque de recogimiento / Recollection Pond", tapestry / tapiz

Más sobre Romare Bearden en "El Hurgador" / More about Romare Bearden in this blog:
[Aniversarios (XXXII)]
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James Rosati
"Ideograma / Ideogram", acero inoxidable / stainless steel, 23' 6" x 19' 6" x 28' 6", 1967

James Rosati fue un escultor abstracto estadounidense nacido en 1911 cerca de Pittsburgh.
Rosati se mudó a Nueva York en 1944, donde trabó amistad con su colega escultor Philip Pavia. Fue un miembro fundador del Club de la Calle Octava (el Club) y la Escuela de expresionistas abstractos de Nueva York. Rosati fue uno de los participantes en la Exposición de Arte de la calle 9 y las posteriores muestras en la Galería Stable. Conoció y se hizo amigo de los pintores Willem de Kooning y Franz Kline, y del escultor David Smith. Fue galardonado con el premio de escultura del Instituto Sr. y Sra. Frank G. Logan en 1962 y una beca John Simon Guggenheim en 1964. Una muestra en 1969, en la Universidad de Brandeis elevó su carrera a nuevas alturas. Tuvo otras exposiciones individuales y participó en numerosas muestras colectivas.
Rosati es conocido por sus esculturas en piedra de la década de 1960, y su "Ideograma" de acero inoxidable, que se elevaba más de 23 metros de altura en la plaza entre las torres 1 y 2 del World Trade Center en la ciudad de Nueva York. Alrededor de cuarenta de sus piezas monumentales de escultura se encuentran en los Estados Unidos y alrededor del mundo.
Murió en 1988. [12]

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Masayuki Nagare [流 政之]
"Fortaleza de nubes / Cloud Fotress", granito negro / black granite, 1975

Masayuki Nagare (流政之) es un escultor japonés modernista nacido en 1923 en Nagasaki.
Cuando era adolescente, vivió en varios templos en Kyoto, donde estudió los patrones de rocas, plantas y agua creados por artistas del paisaje tradicional. En 1942 pasó a la Universidad de Ritsumeikan donde estudió el sintoísmo y el arte de hacer espadas, pero se fue antes de la graduación. Posteriormente ingresó en la escuela preliminar de las fuerzas navales, y experimentó el final de la Guerra del Pacífico como piloto de Zero Fighter. Después de la guerra aprendió escultura de forma autodidacta mientras vagaba por el mundo. 
Entre sus obras se incluyen "Sakimori" (Guardia de frontera) instalado en el Museo de Honolulu de Arte, "Jardín Hamaritsurin" en el parque conmemorativo Seto Ohashi, Prefectura de Kagawa, Japón, "Ju" (受) almacenado en el Museum of Modern Art de Nueva York, y "Trascendencia" (informalmente llamado "Corazón del banquero" por los lugareños) instalado en AP Giannini Plaza en 555 California Street (antes el edificio del Banco de América) en San Francisco, California. [13]
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Auguste Rodin
Restos de la escultura "Las tres sombras", de la Colección Cantor Fitzgerald / 
Remains of the sculpture "The Three Shadows", Cantor Fitzgerald Collection

"Las tres sombras / The Three Shades", 97 x 91,3 x 54,3 cm., antes / before 1886
Fundición hecha por / Cast made by Fonderie Alexis Rudier, 1928
© Musée Rodin - Foto / Photo: Adam Rzepka

Más sobre Auguste Rodin en "El Hurgador" / More about Auguste Rodin in this blog:
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La información está tomada de los siguientes sitios / Information from the following sites:

Panorama, "Jerusalem and the Crucifixion of Christ as Subject of a Panorama – a Story of Success /
Jerusalén y la crucifixión de Cristo como tema de un Panorama - una historia de éxito": Link
Blog Historias de Nueva York, "Arte en la Zona Cero / 
Blog Stories of New York (Spanish), "Art on the Zero Zone": Link
Eclectix (English), "Artitectura: Arte perdido en el World Trade Ceenter / 
Artitechture: Lost Art of the World Trade Center": Link


Traducción al inglés / English Translation

[1]
Recently we celebrated the anniversary of Bruno Piglheim, German sculptor and painter of the Munich school, creator of the work discussed below.

The last third of the 19th century witnessed a great interest worldwide in panoramas that represented subjects of national identity, battles in particular. Hoping for a lucrative income from entrance fees, panorama companies were founded to finance the buildings and the production of the gigantic circular paintings which measured up to 15 metres in height and up to 120 metres in circumference. At the end of the 19th century many big cities had a rotunda in which panoramas were exhibited and exchanged for new ones from time to time. It was in this period that the idea came up of representing the historic event of the Crucifixion of Christ in a panorama.

[2]
For a panorama depicting a religious subject pilgrimage centres provided ideal locations. The first panorama depicting the Crucifixion of Christ was exhibited in the Belgian pilgrimage site of Montaigu in 1884. It was painted by the Belgian artist Juliaan de Vriendt (1842-1935). One year later, a Munich panorama company commissioned the renowned German painter, Bruno Piglhein (1848-1894), to paint a panorama of the same subject.

[3]
Piglhein, like de Vriendt before him, travelled to Jerusalem in order to make preparatory sketches for his panorama. He was accompanied by Karl Hubert Frosch, whose role was to paint the architectural detail in the painting, and by Joseph Krieger, who would paint the landscape. Piglhein himself was responsible for the overall design and the figural composition of the panorama. After six months in Palestine and another nine months of executing the painting, the panorama, 120 metres long and 15 metres high, was finished. From June 1886 to March 1889 it was exhibited in Munich with great success. It was then on exhibition in Berlin, from spring 1889 to the end of 1891. In March 1892 it opened in Vienna, where it was unfortunately destroyed by fire just one month later.

[4]
The images correspond to a series of 10 photographs taken on the opening day.
The Piglhein's Panorama is covered in depth (in German) in the website dedicated to his work. There are also indications of the existence of at least 12 or 13 "plagiarism" of this work done by Frosch and Krieger in various sites of the world, without the knowledge of the artist.

[5]
In the 1890s, Karl Hubert Frosch (1846-1931) and Joseph Krieger (1848-1914), now experienced panorama artists, specialised in panoramas of religious subjects. In 1892, the panorama entrepreneurs, Eckstein & Esenwein from Backnang near Stuttgart, made contract with the two artists about the production of a panorama of the Crucifixion of Christ. 
The giant circular painting, 10 metres high and 100 metres long, was painted in six months in the panorama building Theresienhöhe 2a, one out of three panorama exhibition buildings in Munich at that time. As with Piglhein’s panorama, Frosch was responsible for the painting’s architecture and Krieger for the landscape. The figural part was executed by the American painter William Robinson Leigh (1865-1955) who at that time was active in Munich, collaborating in the production of other panoramas. 

[6]
The first life of the panorama in Einsiedeln ended most tragically on 17 March 1960 when during renovation works carried out on the front and in the interior rooms fire broke out and both building and painting were completely destroyed. The panorama’s second life began immediately. The decision was taken to re-erect the building and to re-create the painting after existing colour photographs of the original picture.

[7]
The Heritage Emergency National Task Force published a 26-page report titled Cataclysm and Challenge which estimated the loss of private art collections valued at one hundred million dollars.

These collections include the following:

- Cantor Fitzgerald was the owner of an extensive collection of drawings and sculptures by Rodin.
- Citigroup, Silvester Properties, Marriot Hotel, Fred Alger Management and Nomura Securities also had important collections including works by Picasso, Roy Lichtenstein and David Hockney.
- The Lower Manhattan Cultural Council, ceded to 27 artists space on floors 91 and 92 of Tower 1, who end up losing a total of 400 own works.
- In the basement the remains from an Indian burial of the late eighteenth century was also guarding and files documenting archaeological excavations near Five Points neighborhood Scorsese popularized worldwide in the film Gangs of New York.
- Photographs and original letters from Helen Keller, as well as invaluable first editions of his books.
- It was also destroyed a large part of the archive of Broadway Theater with a background of 35,000 photographs that captured unique moments in American history stage.
- They also disappeared approximately 40,000 negatives of photographs documenting JFK's presidency taken by Jacques Lowe, stored in a safe.

[8]
The Sphere is a large metallic sculpture by German sculptor Fritz Koenig, that once stood in the middle of Austin J. Tobin Plaza, the area between the World Trade Center towers in Manhattan. After being recovered from the rubble of the Twin Towers after the September 11 attacks in 2001, the artwork faced an uncertain fate, and it was dismantled into its components. Although it remained structurally intact, it had been visibly damaged by debris from the airliners that were crashed into the buildings and from the collapsing skyscrapers themselves.
Six months after the attacks it was relocated to Battery Park on a temporary basis—without any repairs—and formally rededicated with an eternal flame as a memorial to the victims of 9/11. It has become a major tourist attraction, due partly to the fact that it survived the attacks with only dents and holes.

[9]
The sculpture was commissioned by the Port of New York Authority in 1969 and installed in 1970 at the World Trade Center in New York.
The main elements of the sculpture were three sheets of curved metal, linked together to form a static work resting under its own weight (or stabile) reminiscent of a ship's propeller. Like many of Calder's public sculptures, it was painted red. It was first installed near the entrance to WTC1 (the North Tower). It was moved in 1970 to a plaza in front of 7 World Trade Center, on the northeast corner of the World Trade Center Plaza.
About 40 per cent of the sculpture was recovered from the debris in the following months. With not enough of the original remaining for a restoration, the recovered elements are stored by the Calder Foundation.

[10]
Alexander Calder, American sculptor born in 1898, known as the originator of the mobile, a type of kinetic sculpture made with delicately balanced or suspended components which move in response to motor power or air currents. Calder’s stationary sculptures are called stabiles. He also produced numerous wire figures, notably for a miniature circus.
In 1926, at the suggestion of a Serbian toy merchant in Paris, Calder began to make toys. At the urging of fellow sculptor Jose de Creeft, he submitted them to the Salon des Humoristes. Later that fall, Calder began to create his Cirque Calder, a miniature circus fashioned from wire, string, rubber, cloth, and other found objects. Designed to fit into suitcases (it eventually grew to fill five), the circus was portable, and allowed Calder to hold performances on both sides of the Atlantic.
It was the mixture of his experiments to develop purely abstract sculpture following his visit with Mondrian that led to his first truly kinetic sculptures, manipulated by means of cranks and pulleys, that would become his signature artworks. Calder’s kinetic sculptures are regarded as being amongst the earliest manifestations of an art that consciously departed from the traditional notion of the art work as a static object and integrated the ideas of motion and change as aesthetic factors.
He died in 1976.

[11]
Louise Nevelson was an American sculptor born in 1899, known for her monumental, monochromatic, wooden wall pieces and outdoor sculptures. Born in Czarist Russia, she emigrated with her family to the United States in the early 20th century. Nevelson learned English at school. By the early 1930s she was attending art classes at the Art Students League of New York, and in 1941 she had her first solo exhibition. A student of Hans Hofmann and Chaim Gross, Nevelson experimented with early conceptual art using found objects, and dabbled in painting and printing before dedicating her lifework to sculpture. Usually created out of wood, her sculptures appear puzzle-like, with multiple intricately cut pieces placed into wall sculptures or independently standing pieces, often 3-D. A unique feature of her work is that her figures are often painted in monochromatic black or white. A figure in the international art scene, Nevelson was showcased at the 31st Venice Biennale. Her work is seen in major collections in museums and corporations. Louise Nevelson remains one of the most important figures in 20th-century American sculpture.
She died in 1988.

[12]
James Rosati was an American abstract sculptor born in 1911 near Pittsburgh.
Rosati moved to New York in 1944, where he befriended fellow sculptor Philip Pavia. He was a charter member of the Eighth Street Club (the Club) and the New York School of abstract expressionists. Rosati was among the participants in the 9th Street Art Exhibition and the subsequent Stable Gallery shows. He met and became friends with painters Willem de Kooning and Franz Kline, and sculptor David Smith. He was awarded the Mr and Mrs Frank G. Logan Art Institute Prize for sculpture in 1962 and a John Simon Guggenheim Fellowship in 1964. A 1969 show at Brandeis University lifted his career to new heights. He had other solo exhibitions and was in numerous group shows.
Rosati is perhaps best known for his sculptures in stone from the 1960s, and the stainless steel Ideogram that stood over 23 feet tall on the plaza between Towers 1 and 2 of the World Trade Center in New York City. About forty monumental pieces of sculpture are located in the United States and around the world.
He died in 1988.

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Masayuki Nagare (流 政之) is a modernist Japanese sculptor born in 1923 in Nagasaki.
As a teenager, he lived in several temples in Kyoto where he studied the patterns of rocks, plants and water created by traditional landscape artists. In 1942, he went on to Ritsumeikan University where he studied Shintoism and sword-making, but he left before graduation. Afterwards, he entered the naval forces preliminary school, and experienced the end of the Pacific War as Zero Fighter pilot. After the War, he learned sculpture by self-study while roaming the world. Nagare's works include "Cloud Fortress" which was destroyed at the World Trade Center (New York City), "Sakimori" (Frontier Guardian) installed in the Honolulu Museum of Art, “Hamaritsurin Garden” in Seto Ohashi Commemorative Park, Kagawa Prefecture, Japan and "Ju"(受) stored to Museum of Modern Art in New York City, and "Transcendence" (informally called "The Banker's Heart" by locals) installed in A.P. Giannini Plaza at 555 California Street (formerly the Bank of America building) in San Francisco, California.

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