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Channel: El Hurgador [Arte en la Red]
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Lee Griggs [Arte digital]

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Lee Griggs

"Limbo"

Lee Griggs en un artista inglés residente en Madrid que trabaja con utilidades digitales creando estas imágenes en 3D. Además de las cabezas que podemos ver en esta selección, realizadas utilizando la herramienta de renderización Arnold para Maya y XGen, también desarrolla interesantes paisajes topológicos con XGen y es autor técnico para Solid Angle, probando y documentando el renderizador Arnold. Trabaja a partir de comentarios de los clientes con el equipo de ingeniería para mejorar los plugins y documentación.

"Retratos con XGen / XGen Portraits"

"Retratos con XGen / XGen Portraits"

«Siempre he visto rostros en objetos y texturas desde que era un niño. Creo que se llama pareidolia. Supongo que disfruto haciendo rostros a partir de otras formas.»

"Limbo"

"Retratos abstractos / Abstract Portraits"

«Lo que más me interesa de trabajar en gráficos por ordenador es que puedes hacer que lo irreal se vea real. Es esa búsqueda para crear algo que no se haya visto antes (y que se vea bonito) lo que me impulsa.»

"Deformaciones / Deformations"

"Limbo"

«Mi trabajo actual es probar software de renderización y ver hasta dónde puedo llegar. Me gusta ver si puedo romper algo yendo más allá de su supuesto uso, o mezclarlo con algo completamente diferente.»

"Retratos abstractos / Abstract Portraits"

"Retratos con XGen / XGen Portraits"

«Yo tan sólo intento hacer algo un poco diferente. Creo que hay muchos trabajos por ahí que son muy "cansinos", y en verdad aprecio la obra que resulta original y poco convencional.»

"Experimentos en modelado de retratos / Portrait Modeling Experiments"

Lee Griggs is a British-born, Madrid-based artist working with digital utilities creating these images in 3D. In addition to the heads that we can see in this selection, created using the Arnold renderer for Maya and XGen, he also develops interesting topologic landscapes with XGen, and is a technical author at Solid Angle where he tests and documents the Arnold renderer. He work from customer feedback with the engineering team to improve the plugins and documentation.

"Retratos con XGen / XGen Portraits"

"Deformaciones / Deformations"

«I've always seen faces in objects and textures since I was a child. I believe it's called pareidolia. I guess I enjoy making faces out of other shapes.» 

"Retratos con XGen / XGen Portraits"

"Retratos con XGen / XGen Portraits"

«The area that interests me most about working with CGI is that you can make the unreal look real. It is this search to create something that hasn't been seen before (and which looks pretty) which drives me.»

"Limbo"

"Deformaciones / Deformations"

«My current job is to test the rendering software and to see how far I can push it. I like to see if I can break something by going beyond its intended use or mixing it with something else entirely different.»

"Retratos abstractos / Abstract Portraits"

"Experimentos en modelado de retratos / Portrait Modeling Experiments"

«I just want to try to do something a bit different. I think there is a lot of work out there that is quite 'samey' and I really appreciate work that is original and unconventional.»

"Retratos con XGen / XGen Portraits"

Los comentarios del artista están tomados de una entrevista de Zach Sokol para The Creators Project publicada (en inglés) en septiembre de 2014, y de otra en AREA, de Julio, 2015.

Artist's comments from and interview by Zach Sokol for The Creators Project, published on September, 2104, and from another one in AREA, July, 2015.

Más imágenes e información sobre Lee en / More images and information about Lee in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Lee!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Lee!)



Un video donde puede verse el proceso de creación de paisajes topológicos de Lee /
A video where you can see the creation process of topological landscapes by Lee




Recolección / Compilation (XIII)

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Nueva York, Puente de Brooklyn / 
New York, Brooklyn Bridge

Vista aérea del Gran Nueva York y puente de Brooklyn, y gran despliegue de fuegos artificiales en la noche de la inauguración... 24 de Mayo de 1883 / 
Bird's-Eye View of the Great New York and Brooklyn Bridge, and Grand Display of Fireworks on Opening Night...May 24, 1883
Litografía a color / color lithograph. 38,9 x 62,4 cm., 1883. 
Metropolitan Museum, Nueva York, Estados Unidos / New York, USA
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Thierry Duval
(París, Francia / France, 1968-)

"Perspective atmosphérique sur les toits de Paris / Perspectiva atmosférica sobre los techos de París /
Atmospheric Perspective over the Rooftops of Paris"
Acuarela sobre papel Arches/Canson 360 gr. / watercolor on Arches/Canson paper 360 gr., 38 x 38 cm.
Colección privada Galería Suiha, Tokyo, Japón / Private Collection Galerie Suiha, Tokyo, Japan

Más sobre Thierry Duval en "El Hurgador" / More about Thierry Duval in this blog:
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Boris Nzebo
(Port-Gentil, Gabon, 1979-) en / at Douala, Camerún / Cameroon

"Calles camerunesas / Cameroonian Streets", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 2014
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India, Deccan, Bijapur

El sultán Mohamed Adil Sha montando un elefante (detalle) / 
Sultan Muhammad 'Adil Shah and Ikhlas Khan Riding an Elephant (detail)
Tinta, acuarela opaca y oro sobre papel / ink, opaque watercolor, and gold on paper, ca. 1645.
The Ashmolean Museum, Oxford, Estados Unidos / USA
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Bulgaria, Tesoro tracio de Borovo

Ritón con cuerpo de caballo, proveniente del tesoro de Borovo, región de Ruse, 400-350 A.C., plata /
Rhyta, figure of a horse, from the Borovo Treasure, Ruse Region, 400-350 b.C., silver
Museo Nacional de Historia (Bulgaria, Sofía)
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Duck Hun Hwa
화덕헌
(Corea del Sur / South Korea, 1965-)

"산복도로 감천동 / Sanbok - 15'", 200 x 160 cm., 2009
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Lola Guerrera
(Córdoba, España / Spain, 1982-)

Serie "Cotidianeidades" / Everyday Facts Series
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Gilles Berquet
(Saint-Mandé, Francia / France, 1956-)

Serie "Sistema Solar" / Solar System Series
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Wiktor Franko
(Polonia / Poland, 1983-)

"El carnaval ha terminado / The Carnival is Over", Modelo / Model: Ewa Żurowska
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Steven Brooks
(Friday Harbor, Washington, Estados Unidos / USA, 1967)

Serie café de gasolinera / Gas Station Coffee Series
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Shuwei Liu
刘树伟
(Tangshan, China) en / at Beijing

Serie Infancia revisitada / Childhood Revisited Series
Modelo / Model: Even Zhao, Vestuario / Outfits: Momo Wang
Jin Zhou, Primavera / Spring 2012
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Giovanni Gastel
(Milán, Italia / Italy, 1955-)

"Tanya Gervasi", Milán / Milano, 2015
Maquillaje y peinado / MakeUp & Hair: Mauro Zorba

Más sobre Giovanni Gastel en "El Hurgador" / More about Giovanni Gastel in this blog:
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Luis Coto
(Toluca, México, 1830-1891)

"La Colegiata de Guadalupe", óleo sobre tela / oil on canvas, 73,5 x 112 cm., 1859
Museo Nacional de Arte, INBA - Ciudad de México, México
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Mathieu Saunier [Khan Nova]
(París, Francia / France)

Collage
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Nickolas Muray [Miklos Mandl]
(Szeged, Hungría / Hungary, 1892-1965)

"Frida con ídolo / Frida with Idol"

Más sobre Frida Kahlo en "El Hurgador" / More about Frida Kahlo in this blog:
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Amaury Da Cunha
(Paris, Francia / France, 1976-)

"Paris – mars", 2013
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Johan Barrios
(Barranquilla, Colombia, 1982-) en / at Medellín, Colombia

Serie Ejercicios de ruptura / Breaking Exercises Series
"Inmediato / Immediate", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 x 100 cm., 2015
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Lernert & Sander
(Holanda / Netherlands)

"El periódico holandés De Volkskrant nos pidió que hiciéramos una fotografía para su documental especial sobre fotografía con el tema de la comida. Transformamos comida sin procesar en cubos perfectos de 2,5 x 2,5 x 2,5 cm."
"Dutch newspaper De Volkskrant asked us to make a photograph for their documentary photography special,
with the theme Food. We transformed unprocessed food into perfect cubes of 2,5 x 2,5 x 2,5 cm."
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Kour Pour
(Exeter, Inglaterra, Reino Unido / England, UK, 1987-)
en / at Los Ángeles, Estados Unidos / USA

"Memorias de un mercader / Memoirs of a Merchant"
Acrílico sobre lienzo, sobre panel / acrylic on canvas over panel, 96" x 72", 2014- 2015
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Wanda Koop
(Vancouver, B.C., Canada, 1951-)

"VISTA desde AQUÍ / VIEW from HERE"
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Mernet Larsen
(Houghton, Michigan, Estados Unidos / USA, 1940-)

"Comité / Committee"
Acrílico, técnica mixta sobre lienzo / acrylic, mixed media on canvas, 36" x 68", 2007

Aniversarios (LXXIX) [Julio / July 12-18]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 12 de Julio es el cumple de

Juan José Gárate y Clavero, pintor español de origen aragonés nacido en 1869, que realizó una obra costumbrista y también pintó retratos y paisajes. Fue conservador del Museo de Zaragoza. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Zaragoza, donde con apenas doce años dibujó a lápiz un retrato de Alfonso XII, cuando éste vino a la inauguración del ferrocarril de Canfranc. Como pintor regionalista, resaltó de forma luminosa y cariñosa los paisajes y rincones así como las costumbres típicas aragonesas.
Gracias a pensiones que le fueron concedidas, estudió en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid y en el Museo Nacional de Pintura. Más tarde estudió en la Academia Española de Bellas Artes de Roma.
A partir de 1895 la carrera de Gárate comienza a ser reconocida internacionalmente obteniendo varias medallas en la Exposición General de Bellas Artes en Berlín y en la Exposición Universal de París (1905). 
Fue también profesor en la Academia de Bellas Artes y en la Escuela Superior de Artes e Industrias de Zaragoza.
A partir de 1911 tras sus numeerosos viajes a Alemania e Italia, se instaló finalmente en Madrid.
Murió en 1939.

"Banquete interrumpido / An Interrupted Banquet", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 49 x 78 cm.
© Colección Carmen Thyssen-Bornemisza


El 13 de Julio es el cumple de

Jeremy Caniglia, pintor figurativo e ilustrador estadounidense, principalmente en los géneros fantástico y de terror, nacido en 1970. Ha ilustrado libros y revistas, obras de arte conceptual, libros y portadas de discos y libros de historietas, y su obra se encuentra en diversas colecciones públicas importantes, incluyendo el Museo de Arte Joslyn y la Universidad Estatal de Iowa. Su arte también se ha mostrado en el Museo de la Ilustración de la Sociedad de Ilustradores.
Fue a la escuela preparatoria de Creighton, donde tuvo su primer contacto con el arte. Estudió pintura tradicional clásica en la Universidad Estatal de Iowa, recibiendo un BFA en el dibujo, la pintura y el grabado en 1993. Después de graduarse, estudió en la Escuela de Arte del Instituto de Maryland en Baltimore, Maryland con la conocida expresionista abstracta Grace Hartigan, donde recibió su Master de Bellas Artes en 1995.
Caniglia fue nominado por primera vez en 2003 para el Premio International Horror Guild al mejor artista en la fantasía oscura y horror, y luego otra vez en 2004, esta vez ganando el prestigioso premio. En 2005 fue nominado para un Premio Mundial de Fantasía al mejor artista de fantasía.

"Sole Morte Return of the Sun", óleo sobre lienzo / oil on canvas


El 14 de Julio es el cumple de

Ossip Zadkine (Yossel Aronovich Tsadkin, Иосель Аронович Цадкин), artista nacido en 1890 en la ciudad de Vitebsk, parte del imperio ruso (ahora Bielorrusia) que vivió en Francia. Se le conoce principalmente como escultor, pero también produjo pinturas y litografías.
Después de asistir a la escuela de arte en Londres, Zadkine se instaló en París en 1910. Estudió en la École des Beaux-Arts durante seis meses. En 1911 vivió y trabajó en La Ruche. Mientras que en París se unió al movimiento cubista, trabajando en un lenguaje cubista de 1914 a 1925. Más tarde desarrolló su propio estilo, que fue fuertemente influenciado por el arte africano y griego.
Zadkine sirvió como camillero en el ejército francés durante la Primera Guerra Mundial, y fue herido en acción. Pasó los años de la Segunda Guerra Mundial en EE.UU.. Su obra más conocida es probablemente la escultura "La Ciudad Destruida" (1951-1953), que representa a un hombre sin corazón, un monumento a la destrucción del centro de la ciudad holandesa de Rotterdam en 1940 por la Luftwaffe alemana.
Murió en 1967.

"De Verwoeste Stad / La ciudad destruida / The Destroyed City", 1951. Rotterdam, Holanda / The Netherlands


El 15 de Julio es el cumple de

Jacek Malczewski, uno de los pintores más venerados de Polonia, asociado con el movimiento patriótico Joven Polonia que siguió al siglo de las Particiones, nacido en 1854. Es considerado el padre del simbolismo polaco. En su producción creativa, Malczewski combina el estilo predominante de su época con los motivos históricos de martirio polaco, los ideales románticos de la independencia, las tradiciones cristianas y griegas, la mitología popular, así como su amor por el medio ambiente natural.
Durante sus años de infancia y temprana adolescencia fue influenciado en gran medida por su padre Julián, un patriota polaco y activista social que le introdujo en el mundo de la literatura romántica inspirada en el levantamiento de noviembre. Del mismo modo, la belleza del paisaje y el folclore polaco fue despertado en él por Félix Karczewski, su tío, un guardia de larga data que invitó al futuro novelista Adolf Dygasiński a su finca, para beneficio cognitivo de Jacek.
Jacek Malczewski murió en 1929.

"Melancolía / Melancholia", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 139 × 240 cm., 1890-94.
Museo Nacional (Poznań, Polonia / Poland)


El 16 de Julio es el cumple de

Joseph Wilton, escultor Inglés nacido en 1722. Fue uno de los miembros fundadores de la Real Academia en 1768, y el tercero encargado de la academia. Sus obras son particularmente numerosas recordando a los británicos famosos de la abadía de Westminster.
Wilton inicialmente se instruyó con Laurent Delvaux en Nivelles, en la actual Bélgica. En 1744 salió de Nivelles y se fue a la Academia en París para estudiar con Jean-Baptiste Pigalle. En 1752 marchó a Italia con su amigo el escultor Louis-François Roubiliac para aprender a esculpir en mármol, y permaneció durante siete años, viviendo primero en Roma y luego en Florencia.
Mientras estuvo en Florencia, Wilton también conoció al pintor florentino Giovanni Battista Cipriani, quien lo acompañó en su regreso a Inglaterra en agosto 1755.
Una vez de vuelta en Londres, Wilton fue nombrado co-director de la galería de Lennox Richmond House, y estableció un taller.
En 1761 se le encargó una estatua del rey Jorge III. Le siguieron otros encargos similares.
Murió en 1803.

"Louis-François Roubiliac", atribuido a / attributed to Joseph Wilton, mármol / marble, 64, 8 cm., 1761.
National Portrait Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)


El 17 de Julio es el cumple de

Lyonel Feininger Charles, pintor alemán nacido en Estados Unidos en 1871, y un destacado exponente del expresionismo. También trabajó como caricaturista y dibujante de cómic. Nació y creció en la ciudad de Nueva York, y viajó a Alemania a los 16 años para estudiar y perfeccionar su arte. Comenzó su carrera como dibujante en 1894 y tuvo un gran éxito en esta área. También fue un caricaturista comercial durante 20 años para revistas y periódicos en los EE.UU. y Alemania. A los 36 años comenzó a trabajar como artista. También produjo una gran cantidad de obras fotográficas entre 1928 y mediados de 1950, pero las mantuvo principalmente dentro de su círculo de amigos. También fue pianista y compositor, creando varias composiciones para piano y fugas para órgano.
Murió en 1956.

"Torturm II", 1925. Staatliche Kunsthalle (Karlsruhe, Alemania / Germany)


Hoy, 18 de Julio, es el cumple de

François Hyacinthe Rigaud, pintor barroco francés de origen catalán nacido en 1659, cuya carrera se desarrolló en París.
Se formó como sastre en el taller de su padre, pero perfeccionó sus habilidades como pintor bajo Antoine Ranc en Montpellier desde 1671 en adelante, antes de trasladarse a Lyon cuatro años más tarde. Fue en estas ciudades que se familiarizó con la pintura flamenca, holandesa e italiana, en particular la de Rubens, Van Dyck, Rembrandt y Tiziano, cuyas obras más tarde coleccionó. Llegó a París en 1681 y un año más tarde ganó el Premio, pero siguiendo el consejo de Charles Le Brun no hizo el viaje a Roma al que este le daba derecho. Recibido en la Real Academia de Pintura y Escultura en 1700, llegó a la cima de esta institución antes de retirarse de ella en 1735.
Como las pinturas de Rigaud capturan con gran exactitud la vestimenta de los sujetos y los detalles del fondo, se las considera registros precisos de las modas contemporáneas.
Fue uno de los retratistas más importantes durante el reinado del rey Luis XIV. Su instinto para las poses impresionantes y grandes presentaciones se adaptaba con precisión a los gustos de los personajes reales, embajadores, clérigos, cortesanos y los hombres de finanzas que posaron para él.
Murió en 1743.

"Autoportrait / Autorretrato / Self Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 81 × 65 cm., c. 1710.
Musée National des châteaux de Versailles et de Trianon
(Palacio de Versalles, Francia / Palais of Versailles, France)


Textos en inglés / English translation

On July 12 is the birthday of

Juan Jose Garate y Clavero, Spanish painter of Aragonese origin born in 1869, who made a customs work and also painted portraits and landscapes. He was curator of the Museum of Zaragoza. He studied at the School of Fine Arts of Zaragoza, with just twelve he draws a pencil portrait of Alfonso XII, when he came to the inauguration of the Canfranc railroad. As a regionalist painter, he noted in a bright and loving landscapes and corners and Aragonese typical customs.
Thanks to pensions which were granted to him, he studied at the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando in Madrid and the National Museum of Painting. Later he studied at the Spanish Academy of Fine Arts in Rome.
From 1895 Garate's career began to be recognized internationally obtaining several medals in the General Exhibition of Fine Arts in Berlin and at the Universal Exhibition in Paris (1905).
He also taught at the Academy of Fine Arts and the College of Arts and Industries of Zaragoza.
From 1911 after his numerous trips to Germany and Italy, he finally settled in Madrid.
He died in 1939.

On July 13 is the birthday of

Jeremy Caniglia, American figurative painter and illustrator, primarily in fantasy and horror genres, born in 1970. He has done book and magazine illustration, conceptual artwork, book and album covers, and comic books, and his work is in several important public collections including the Joslyn Art Museum and Iowa State University. His art has also been shown at the Society of Illustrators' Museum of Illustration.
He went to Creighton Preparatory School, where he was first introduced to art. He studied traditional classical painting at Iowa State University, receiving a BFA in drawing, painting and printmaking in 1993. After graduation he studied at the Maryland Institute College of Art in Baltimore, Maryland under well-known abstract expressionist Grace Hartigan, where he received his MFA in 1995.
Caniglia was nominated first in 2003 for the International Horror Guild Award for best artist in dark fantasy and horror and then again in 2004, this time winning the prestigious award. In 2005 he was nominated for a World Fantasy Award for Best Artist in Fantasy.

On July 14 is the birthday of

Ossip Zadkine (Yossel Aronovich Tsadkin, Иосель Аронович Цадкин), artist born in 1890 in the city of Vitsebsk, part of the Russian Empire (now Belarus) who lived in France. He is primarily known as a sculptor, but also produced paintings and lithographs.
After attending art school in London, Zadkine settled in Paris in 1910. He studied at the Ecole des Beaux-Arts for six months. In 1911 he lived and worked in La Ruche. While in Paris he joined the Cubist movement, working in a Cubist idiom from 1914 to 1925. He later developed his own style, one that was strongly influenced by African and Greek art.
Zadkine served as a stretcher-bearer in the French Army during World War I, and was wounded in action. He spent the World War II years in USA. His best-known work is probably the sculpture "The Destroyed City" (1951-1953), representing a man without a heart, a memorial to the destruction of the center of the Dutch city of Rotterdam in 1940 by the German Luftwaffe.
He died in 1967.

On July 15 is the birthday of

Jacek Malczewski, one of the most revered painters of Poland, associated with the patriotic Young Poland movement following the century of Partitions, born in 1854. He is regarded as father of Polish Symbolism. In his creative output, Malczewski combined the predominant style of his times, with the historical motifs of Polish martyrdom, the Romantic ideals of independence, the Christian and Greek traditions, folk mythology, as well as his love of natural environment.
During his childhood and early teen years he was greatly influenced by his father Julian, a Polish patriot and social activist who introduced him to the world of Romantic literature inspired by the November Uprising. Similarly, the beauty of Polish landscape and folklore had been awakened in him by Feliks Karczewski, his uncle and long-time guardian who invited future novelist Adolf Dygasiński to his estate, for Jacek's cognitive benefit.
Jacek Malczewski died in 1929.

On July 16 is the birthday of

Joseph Wilton, English sculptor born in 1722. He was one of the founding members of the Royal Academy in 1768, and the academy's third keeper. His works are particularly numerous memorialising the famous Britons in Westminster Abbey.
Wilton initially trained under Laurent Delvaux at Nivelles, in present day Belgium. In 1744 he left Nivelles and went to the Academy in Paris to study under Jean-Baptiste Pigalle. In 1752 he went to Italy with his sculptor friend Louis-François Roubiliac to learn to sculpt in marble, and stayed for seven years, living first in Rome and then in Florence.
While in Florence, Wilton also made the acquaintance of Florentine painter Giovanni Battista Cipriani, who accompanied him on his return to England in August 1755.
Once back in London, Wilton was named co-director of Lennox's Richmond House gallery, and established a workshop.
In 1761, he was first commissioned to produce a statue of King George III. Similar commissions followed.
He died in 1803.

On July 17 is the birthday of

Lyonel Charles Feininger, German-American painter born in 1871, and a leading exponent of Expressionism. He also worked as a caricaturist and comic strip artist. He was born and grew up in New York City, traveling to Germany at 16 to study and perfect his art. He started his career as a cartoonist in 1894 and met with much success in this area. He was also a commercial caricaturist for 20 years for magazines and newspapers in the USA and Germany. At the age of 36, he started to work as a fine artist. He also produced a large body of photographic works between 1928 and the mid 1950s, but he kept these primarily within his circle of friends. He was also a pianist and composer, with several piano compositions and fugues for organ extant.
He died in 1956.

Today, July 18, is the birthday of

François Hyacinthe Rigaud, French baroque painter of Catalan origin born in 1659, whose career was based in Paris.
He was trained in tailoring in his father's workshop but perfected his skills as a painter under Antoine Ranc at Montpellier from 1671 onwards, before moving to Lyon four years later. It was in these cities that he became familiar with Flemish, Dutch and Italian painting, particularly that of Rubens, Van Dyck, Rembrandt and Titian, whose works he later collected. Arriving in Paris in 1681, he won the prix de Rome in 1682, but on the advice of Charles Le Brun did not make the trip to Rome to which this entitled him. Received into the Académie royale de peinture et de sculpture in 1700, he rose to the top of this institution before retiring from it in 1735.
Since Rigaud's paintings captured very exact likenesses along with the subject's costumes and background details, his paintings are considered precise records of contemporary fashions.
He was one of the most important portrait painters during the reign of King Louis XIV. His instinct for impressive poses and grand presentations precisely suited the tastes of the royal personages, ambassadors, clerics, courtiers, and financiers who sat for him. 
He died in 1743.

Aniversarios Fotografía (LXXIX) [Julio / July 13-19]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 13 de Julio es el cumple de

Erich Lessing, fotógrafo austríaco asociado con Magnum Photos nacidos en Viena en 1923.
Antes de terminar la escuela secundaria se vio obligado a abandonar Austria en 1939 a causa de la subida de Hitler al poder. Emigró a el Mandato Británico de Palestina (hoy Palestina Ocupada). Su madre permaneció en Viena y más tarde murió en Auschwitz. Mientras estuvo en la Palestina Ocupada, Lessing estudió en la universidad técnica de Haifa y luego realizó trabajos agrícolas en un kibutz. Más tarde se unió al ejército británico como fotógrafo y aviador.
Después de la Segunda Guerra Mundial, Lessing regresó a Austria en 1947 y se unió a la agencia Associated Press. David Seymour invitó a Lessing a unirse a Magnum Photos en 1951 y Lessing se convirtió en miembro de pleno derecho en 1955. Sus fotografías fueron publicadas por revistas como Life, Paris Match, Picture Post, EPOCA y Quick. Documentó la política en la Europa de posguerra, sobre todo en los países comunistas.
En la década de 1960, Lessing se volvió hacia temas más culturales como el arte, la ciencia y la historia, tomando retratos de poetas, músicos, físicos y astrónomos. Con estas fotografías, Lessing ha producido más de 40 libros.
Lessing ha enseñado en Arles, Francia, en la Bienal de Venecia, en la Academia de Verano de Salzburgo, y en la Academia de Artes Aplicadas de Viena. Su obra ha sido expuesta por todo el mundo.

"School of Seeing, Oskar Kokoschka mit Studierenden auf der Festung Hohensalzburg / 
Escuela de la mirada, Oskar Kokoschka con estudiantes en la Fortaleza de Hohensalzburg / 
School of Seeing, Oskar Kokoschka with students at Hohensalzburg Fortress", 1959 © Erich Lessing

Más sobre Erich Lessing en "El Hurgador" / More about Erich Lessing in this blog:
[Manos a la obra (VI)]
Más sobre Kokoschka en "El Hurgador" / More about Kokoschka in this blog:


El 14 de Julio es el cumple de

Leonid Nikolaevich Lazarev (Леонид Николаевич Лазарев), notable fotógrafo ruso y fotoperiodista nacido en 1937.
En 1957 gana el segundo premio del concurso de fotografía del Festival de la Juventud y los Estudiantes de Moscú. A partir de ahí decidió convertirse en un fotógrafo profesional.
Desde entonces ha ganado muchos premios fotografía. En 1964 Leonid trabajó como reportero gráfico en una revista "Krugozor".
En 1974 ganó un premio de un concurso internacional de la revista "Nuevo Tiempo". Desde entonces ha presentado su obra en numerosas exposiciones.

"Девочка рисует / Niña dibujando / Girl drawing", 1965


El 15 de Julio es el cumple de

Virxilio Viéitez Bértolo, fotógrafo español nacido en Forcarey en 1930.
Comenzó a trabajar en la construcción con dieciséis años y emigró a Cataluña. En Palamós conoció a Julio Pallí que le enseñó el oficio de la fotografía.
Con él se inició como fotógrafo en la Costa Brava haciendo retratos a los turistas. En 1955 regresó a Galicia y poco después abrió un estudio fotográfico en su pueblo natal. Allí tuvo ocasión de retratar a muchas generaciones de vecinos de la Tierra de Montes de forma casi anónima.
Sus fotografías son retratos de personas y grupos en actos sociales como comuniones, velatorios o bautizos, pero también en actividades cotidianas. 
La mayoría de sus fotos son en blanco y negro, aunque en los años setenta realizó alguna en color.
Abandonó la actividad fotográfica en los años ochenta, pero en los noventa su obra fue revalorizada protagonizando la representación de la fotografía gallega en la VIII edición de la Fotobienal de Vigo en 1998 y después en el Museo de Arte Contemporánea MARCO, en la Sala de Exposiciones Caixanova de Vigo, en la exposición "150 años de fotografía en España" seleccionada por Publio López Mondéjar que estuvo en La Coruña y Orense, en la muestra Al gust de Cartier-Bresson en Barcelona, en Ámsterdam y en Nueva York.
Murió en 2008.

"La familia / The Family", ca. 1955


El 16 de Julio es el cumple de

Louis Victor Emmanuel Sougez, fotógrafo y crítico fotográfico francés nacido en Burdeos en 1889.
Estudió en la Escuela de Bellas Artes de la ciudad iniciando su actividad profesional como pintor. En torno a 1912 se dedicó en exclusiva a la fotografía y completó su formación en diversas empresas de Alemania y Suiza. En 1920 comenzó a trabajar como fotógrafo independiente y en 1926 fue el fundador del servicio fotográfico del periódico L'Illustration.
Defendió la fotografía artística rechazando la fotografía pictórica y defendiendo los principios de la Nueva Objetividad considerando la fotografía como un arte autónomo. Sus primeras fotografías tenían como tema principal la naturaleza muerta y el desnudo empleando una estética austera y puramente fotográfica.
Murió en 1972.

"Lino / Linen", 1935


El 17 de Julio es el cumple de

Charles Marville, seudónimo de Charles François Bossu, fotógrafo francés nacido en 1813, que fotografió principalmente arquitectura, paisajes y el entorno urbano. Utilizó tanto negativos de papel como vidrio. Es conocido por tomar fotografías de antiguos barrios parisinos antes de que fueran destruidos y reconstruidos bajo la "Haussmannization", el nuevo plan del Barón Haussmann para la modernización de París. En 1862, fue nombrado fotógrafo oficial de la ciudad.
A partir de 1850 Marville comenzó a hacer fotografías. Viajó por toda Francia, Italia y Alemania, utilizando el proceso negativo de papel con gran habilidad para crear hermosos paisajes y fotografías arquitectónicas llamativas. Muchas de estas obras fueron incluidas en álbumes producidos por el editor pionero Louis Désiré Blanquart-Evrard. Alrededor de 1855 Marville emprendió una serie de delicados estudios de nubes, hechos desde la azotea de su estudio parisino utilizando el proceso de negativo de colodión. Más rápido y sensible que el proceso negativo de papel, el negativo de colodión permitió al fotógrafo capturar delicadas y luminosas formaciones de nubes en el horizonte de la ciudad, un logro que fue tenido en cuenta por varios críticos en la Exposición Universal de 1862 en Londres. Al mismo tiempo que exploraba nuevas tecnologías fotográficas, Marville expandió su práctica en dos lucrativas áreas: reproducciones de obras de arte (incluyendo una importante cantidad de obras del pintor y dibujante francés Jean-Dominique Ingres) y fotografías de arquitectura. Sobresalió en ambas y asumió el título y los privilegios relacionados de fotógrafo para el Louvre, mientras documentó también los proyectos de construcción y renovación en París y las provincias de destacados arquitectos franceses, entre ellos Eugène Viollet-le-Duc y Félix Duban.
Murió en 1879.

"Impasse de l’Essai (du marché aux chevaux) (fifth arrondissement) / 
Callejón del Essai, desde el mercado de los caballos, distrito quinto / 
L’Essai Alley from the Horse Market (Fifth District)", 
impresión a la albúmina de un negativo de colodión / albumen print from collodion negative, ca. 1868.
Ville de Paris – Bibliothèque de l’Hôtel de Ville (BHdV)


El 18 de Julio es el cumple de

Joshua Lutz, artista estadounidense que trabaja con fotografía de gran formato y vídeo. Realizó su primera exposición individual en la Galería Gitterman durante el verano de 2004.
En 2008 powerHouse Books publicó el primer libro de Lutz, "Meadowlands". En el otoño de 2008 Lutz presentó una exposición individual para la serie de Meadowlands en ClampArt Gallery, en la ciudad de Nueva York.
2013 vio el lanzamiento de "Hesitating Beauty", una serie de fotografías que revelan un lado diferente de la obra de Lutz, contando la historia muy personal de su madre. La narrativa del libro también acompaña cuidadosa y pensativamente el tema generalmente sensible de la enfermedad mental.

"Océano gritando / Screaming Ocean", del libro / from the book"Hesitating Beauty"


Hoy, 19 de Julio, es el cumple de

Jane Eaton Hamilton, escritora de cuentos, artista plástico, poeta y fotógrafa canadiense nacida en 1954.
Hamilton ha publicado tres libros de poesía, Body Rain (Brick Books 1992) y Steam-Cleaning Love (Brick Books 1993), "Love Will Burst into a Thousand Shapes" (Caitlin Press, 2014), un librito de poesía ("Going Santa Fe", ganador del premio Chapbook de Poesía de la Liga de Poetas canadienses) y dos volúmenes de ficción "July Nights and Other Stories", (Douglas y McIntyre, 1991) y "Hunger", (Oberon, 2001), y otros dos libros (y no ficción de los niños). Ella es también autora, bajo el seudónimo de Ellen Prescott, de las memorias "Hurt No More", que estuvo incluido en la lista Mejor Libro del Año de Guardian y fue un éxito de ventas de Sunday Times.
Pasó varios años como fotógrafa especializada en retratos de Hollywood, viajes y la fotografía del recién nacido, y durante años se ofreció como voluntaria para la organización Now I Lay Me Down to Sleep. Hamilton también es una artista visual cuya obra se puede encontrar en fineartamerica.com.



Textos en inglés / English translation

On July 13 is the birthday of

Erich Lessing, Austrian photographer associated with Magnum Photos born in Viena in 1923.
Before completing high school he was forced to leave Austria in 1939 because of Hitler's rise to power. He immigrated to the British Mandate for Palestine (now Occupied Palestine). His mother remained in Vienna and later died at Auschwitz. While in Occupied Palestine Lessing studied at Haifa's technical college and then worked agricultural jobs on kibbutzim. He then joined the British Army as a photographer and aviator.
After World War II, Lessing returned to Austria in 1947 and joined the Associated Press. David Seymour invited Lessing to join Magnum Photos in 1951 and Lessing became a full member in 1955. His photographs were published by such magazines as Life, Paris Match, Picture Post, EPOCA and Quick. He documented politics in post-war Europe, especially in Communist countries.
In the 1960s, Lessing turned to more cultural subjects such as art, science, and history, by taking portraits of poets, musicians, physicists, and astronomers. With these photographs, Lessing has produced more than 40 books.
Lessing has taught in Arles, France, at the Venice Biennale, at the Salzburg Summer Academy, and at the Academy of Applied Arts in Vienna. His work has been exhibited throughout the world.

On July 14 is the birthday of

Leonid Nikolaevich Lazarev (Леонид Николаевич Лазарев), notable Russian photo artist and photojournalist born in 1937.
In 1957 he wins the second prize of Moscow Festival of Youth and Students photo contest. Then he decided to become a professional photographer.
Since then he won many photograph prizes. In 1964 Leonid worked as a photojournalist in a "Krugozor" magazine.
In 1974 he becomes a prize-winner of an International contest by the "New Time" magazine. Since then he has shown his work in numerous exhibitions.

On July 15 is the birthday of

Virxilio Viéitez Bértolo, Spanish photographer born in 1930 in Forcarey.
He began working in the building at sixteen and moved to Catalonia. At Palamos he met Julio Pallí who taught him the craft of photography.
With him began as a photographer in the Costa Brava doing portraits for tourists. In 1955 he returned to Galicia and soon opened a photographic studio in his hometown. There he had the opportunity to portray many generations of residents of Tierra de Montes almost anonymously.
His photographs are portraits of individuals and groups in social events such as communions, baptisms or funerals, but also in daily activities.
Most of his pictures are in black and white, but in the seventies he made some in color.
He left the photographic activity in the eighties, but in the nineties his work was revalued starring representation of Galician photography in the eighth edition of the Fotobienal of Vigo in 1998 and then at the Museum of Contemporary Art MARCO, in the Exhibition Hall Caixanova of Vigo, in the exhibition "150 Years of Photography in Spain", selected by Publio Lopez Mondejar, held in La Coruña and Orense, in the show Al gust of Cartier-Bresson in Barcelona, ​​Amsterdam and New York.
He died in 2008.

On July 16 is the birthday of

Louis Victor Emmanuel Sougez, French photographer and photography critic born in Bordeaux in 1889.
He studied at the School of Fine Arts in the city starting his career as a painter. Around 1912 he devoted himself exclusively to photography and completed his training at various companies in Germany and Switzerland. In 1920 he began working as a freelance photographer and in 1926 founded the photographic service of the newspaper L'Illustration.
He defended artistic photography rejecting pictorial photography and defending the principles of New Objectivity considering photography as an autonomous art. His first photographs were still life and nude using an austere and purely photographic aesthetic.
He died in 1972.

On July 17 is the birthday of

Charles Marville, the pseudonym of Charles François Bossu, French photographer born in 1813, who mainly photographed architecture, landscapes and the urban environment. He used both paper and glass negatives. He is most well known for taking pictures of ancient Parisian quarters before they were destroyed and rebuilt under "Haussmannization", Baron Haussmann's new plan for modernization of Paris. In 1862, he was named official photographer of Paris.
Starting in 1850, Marville began to make photographs. He traveled throughout France, Italy and Germany, using the paper negative process with great skill to create beautiful landscapes and striking architectural photographs. Many of these works were included in albums produced by the pioneering publisher Louis Désiré Blanquart-Evrard. Around 1855, Marville undertook a series of delicate cloud studies, made from the rooftop of his Parisian studio using the collodion negative process. More rapid and sensitive than the paper negative process, the collodion negative enabled the photographer to capture delicate, luminous cloud formations on the city's horizon—-an achievement that was noted by several critics at the 1862 Universal Exhibition in London. At the same time that he was exploring new photographic technologies, Marville expanded his practice in on two lucrative areas: reproductions of artworks (including a significant body of work by the French painter and draughtsman Jean-Dominique Ingres) and architectural photographs. He excelled at both and assumed the title and related privileges of photographer to the Louvre, while he also documented building and renovation projects in Paris and the provinces for prominent French architects, including Eugène Viollet-le-Duc and Felix Duban.
He died in 1879.

On July 18 is the birthday of

Joshua Lutz, American artist working with large-format photography and with video. He was given his first solo exhibition at Gitterman Gallery during the summer of 2004.
In 2008 Lutz's first book, Meadowlands, was published with powerHouse Books. In the fall of 2008 Lutz had a solo exhibition for the Meadowlands series at ClampArt Gallery in New York City.
2013 saw the release of Hesitating Beauty. A series of photographs revealing a different side of Lutz's photography, it tells an extremely personal story of his mother. The book's narrative also carefully and thoughtfully encompassed the generally sensitive topic of mental illness.

Today, July 19, is the birthday of

Jane Eaton Hamilton, Canadian short story writer, visual artist, poet and photographer born in 1954.
Hamilton has published three books of poetry, Body Rain (Brick Books 1992) and Steam-Cleaning Love (Brick Books 1993), "Love Will Burst into a Thousand Shapes" (Caitlin Press,2014), a poetry chapbook (Going Santa Fe, winner of the League of Canadian Poets Poetry Chapbook prize) and two volumes of short fiction July Nights and Other Stories, (Douglas and McIntyre, 1991) and Hunger, (Oberon, 2001), and two other books (children's and nonfiction). She is also the author, under the pseunomymous name of Ellen Prescott, of the memoir No More Hurt which was included on the Guardian's Best Book of the Year list and was a Sunday Times bestseller. 
She spent several years as a photographer specializing in Hollywood portraits, travel and newborn photography, and for years volunteered for the organization Now I Lay Me Down to Sleep. Hamilton is also a visual artist whose work can be found at fineartamerica.com.

Barry X Ball [Escultura]

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Barry X Ball es un escultor estadounidense nacido en 1955 en Pasadena, California, que vive y trabaja en Nueva York. Prestaré atención a dos grupos de trabajos: sus retratos escultóricos, y sus obras creadas a partir de esculturas clásicas.
Acompaño las imágenes con algunos textos traducidos de una serie de escritos que pueden leerse al completo (en inglés) en la sección "Statements" del sitio web de Barry. Me resultan especialmente interesantes para conocer un poco sus objetivos y el proceso mediante el cual Barry consigue estas notables esculturas.
También hay allí disponible una abundante bibliografía, con muchos artículos que profundizan en diversos aspectos de la obra de este artista.
Textos en inglés al final del post, marcados con [*] al final de cada párrafo.

Barry X Ball is an American sculptor born in 1955 in Pasadena, CA, who lives and works in New York. Here I'll focuse en two groups of works: his sculptural portraits, and his works created after classic sculptures.
I accompany the images with texts translated from a series of writings that can be fully readed in the "Statements" section of the Barry's website. I find them especially interesting to learn a little about his objectives and the process by which Barry achieves these remarkable sculptures .
An abundant literature is also available there, with many articles that delve into various aspects of this artist's work.
Text in english at the end of this post, marked with [*] in each paragraph.
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Barry X Ball


"Doble retrato de un galerista / Dual-portrait of a Gallerist"
Un doble retrato de un galerista de Nueva York, realizado a una escala de 65%, en un espécimen excepcional de ónix bifurcado, desde Baja California, cortado así con el fin de diferenciar las imágenes especulares
Ónix mexicano, aluminio, acero inoxidable, madera, acrílico lacado, acero, nylon, plástico, 
Conjunto escultura / base / pedestal: 165,7 x 21,6 x 21,6 cm., 2007-09 / 
A dual-portrait of the artist’s New York gallerist, realized at 65% scale, in an exceptional specimen of medially-bifurcated onyx from Baja California, cut so as 
to differentiate the mirrored images.
Mexican Onyx, aluminum, stainless steel, wood, acrylic lacquer, steel, nylon, plastic
Sculpture / base / pedestal ensemble: 65-1/4 x 8-1/2 x 8-1/2 in

Barry describe así el proceso de creación de sus retratos: 
«Hago un molde de alginato / yeso de las cabezas y cuellos de mis modelos en mi estudio. También tomo una serie de fotografías de referencia en ese momento (tomas de la cabeza, así como "detalles" de las características craneales / faciales). El procedimiento de moldeado / fotografiado toma alrededor de 2 horas.
Durante los 2 o 3 años siguientes (el tiempo promedio para completar un retrato), por lo general casi no tengo interacción con mis modelos.
Inmediatamente después del modelo en vivo, un yeso modificado con polímeros "positivo" se deriva del molde inicial de cabeza / cuello. El modelo positivo suele ser bastante "basto" cuando sale del molde y se requiere una extensivo tallado a mano para transformarlo en un facsímil exacto del sujeto.» [1]

"Laura Mattioli Rossi"
Retrato de la coleccionista, curadora, crítica e historiadora del arte milanesa Laura Mattioli Rossi, tal como se veía en el 2000
(excepto por detalles algo atenuados de la cabeza y el cuello, y sin pelo)
Mármol negro belga, 32,4 x 14,9 x 19 cm., 2000-2006 /
A portrait of the Milanese collector, curator, critic, and art historian, Laura Mattioli Rossi, as she appeared in 2000
(except with somewhat-attenuated head and neck details, and no hair)
Belgian Black Marble, 12-3/4 x 5-7/8 x 7-1/2 in., 2000-2006

"Hermafrodita durmiente / Sleeping Hermaphroditus"
A partir del / after Hermaphrodite Endormi (Ermafrodito Borghese) 
(ver más abajo / see below)
Escultura: mármol negro belga / sculpture: Belgian Black Marble
Base: mármol de Carrara, acero inoxidable, Delrin / Carrara Marble, stainless steel, Delrin
Conjunto escultura-base: 174 x 91 x 80 cm., 2008-10 / sculpture / base assembly: 68-1/2 x 35-13/16 x 31-5/8 in 

"Hermafrodita durmiente / Sleeping Hermaphrodite" (detalle / detail)

"Autorretrato / Self-Portrait"
Un retrato del artista, por el artista, tal como se veía en 1998, gritando, con la cabeza rapada, sin gafas, a una escala de 54%.
Ónix iraní, 16,4 x 9,5 x 12,2 cm., 1998-2005 /
A portrait, by the artist, of the artist as he appeared in 1998, screaming, with shaved head, without glasses, at 54% scale.
Iranian onyx, 6-7/16 x 3-3/4 x 4-13/16 in., 1998-2005

«Para transformar mis modelos terminados en piedra, primero son digitalizados con un escaneado láser cilíndrico tridimensional. Los modelos "virtuales" resultantes pueden ser manipulados digitalmente o dejarse como están.
La forma inicial se le da a la piedra con una fresadora controlada por ordenador (CNC).
Los pases finales del fresado se especifican para que la figura quede rodeada de una densa red diagonal de microfisuras paralelas.
Meses de tallado a mano y pulido siguen al fresado CNC. La piedra es finalmente enmascarada, arenada e impregnada de aceite.» [2]

Izq./ Left: "Jon Kessler"
Retrato estirado verticalmente, con caída excéntrica y un patrón envolvente victoriano del artista Jon Kessler
Mármol italiano "Fantástico", 70,5 x 18,3 x 22,2 cm., 2001-05 /
A vertically-stretched, eccentrically-slumped, Victorian pattern-wrapped portrait of the artist, Jon Kessler.
Italian “Fantastico” marble, 27-3/4 x 7-3/16 x 8-3/4 in., 2001-05
Der./ Right: "Retrato doble / A Dual-Portrait"
Retrato doble, realizado a escala 85%, distendido verticalmente en un factor 2
Ónix de Pakistán, conjunto escultura / base / pedestal: 184,5 x 25,4 x 25,4 cm., 2007-11 /
A dual-portrait, realized at 85% scale, vertically distended by a factor of 2
Pakistani Onyx, sculpture / base / pedestal ensemble: 72-5/8 x 10 x 10 in., 2007-11

"Envidia / Envy"
a partir de / after"La Invidia", Giusto Le Court
(ver más abajo / see below)
Mármol negro belga, acero inoxidable / conjunto escultura / pedestal: 172,7 x 43,8 x 30,5 cm., 2008-09
Belgian Black Marble, stainless steel / sculpture-pedestal assembly: 68 x 17-1/4 x 12 in., 2008-09

En sus trabajos de la serie "Obras maestras", Barry ha tomado como punto de partida algunas piezas clásicas, realizando sobre las mismas un proceso de recreación singular que busca hacerlas "más perfectas" que el original. Estas obras resultan a la vez clásicas y contemporáneas, y están hechas a partir de un escaneado de las obras originales, generando luego un modelo en 3D. El bloque de piedra es luego procesado con maquinaria controlada por ordenador. La obra se finaliza pasando por un meticuloso proceso de pulido y acabado a mano que puede llevar años. [3]

"Envidia / Envy" (mármol negro, detalle / black marble, detail)

"Envidia / Envy"
a partir de / after "La Invidia", Giusto Le Court
(ver más abajo / see below)
Ónix mexicano, acero inoxidable / conjunto escultura / pedestal: 172,7 x 43,8 x 30,5 cm., 2008-11
Mexican Onyx, stainless steel / sculpture-pedestal assembly: 68 x 17-1/4 x 12 in., 2008-11

Mármol italiano "Portoro", 24,6 x 15,2 x 18,7 cm., 2000-04 /
Grizzled erstwhile lightning rod veteran, nape-flayed - Italian “Portoro” marble, 9-11/16 x 6 x 7-3/8 in., 2000-04

«La Dama Velata, Invidia y Hermafrodita son figuras míticas, simbólicas. Necesitaré un esfuerzo hercúleo, pero si se me concede la oportunidad de mostrar mi trabajo en el museo, tengo la intención de crear varias esculturas de piedra completamente nuevas en respuesta a los modelos históricos y acabarlos en el momento de la apertura de la Bienal. Las otras obras que propongo exhibir son principalmente retratos que he creado en los últimos años. (La escultura retrato ha sido mi enfoque casi exclusivo en la última década.) A pesar de que los retratos son representaciones de individuos específicos (todos figuras del mundo del arte), varían en el tratamiento desde representaciones relativamente sencillas a distorsiones extremas. Algunos se han extendido violentamente y empalado, mientras que otros están delicadamente envueltos en follaje. Algunos se han transformado en criaturas fantásticas, otros se presentan con objetividad extrema. Las piedras que empleo abarcan desde la cremosa, exhuberantemente roja y traslúcida figura del Onyx mexicano, al rico azul lapislázuli, el puro y denso Mármol Negro, hasta la Calcita fantasmal. En los renderizados que acompañan, he seleccionado las obras para las distintas salas utilizando una variedad de criterios. Busqué las correspondencias de color, forma y contenido. A veces, en un intento de "activar" una habitación, escogí un enfoque deliberadamente escandaloso.»
De una carta de 2008 a Filippo Pedrocco, director de Ca' Rezzonico en Venecia, agradeciéndole por permitirme digitalizar La Purità y La Invidia. La carta también ofrece detalles sobre la muestra propuesta de mi obra en Ca' Rezzonico durante la Bienal de Venecia. [4]

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"El artista gritando y / Artist Screaming andMatthew Barney"
Emparejados, reflejados, desollados, empalados con jabalinas, colgando de un cable suspendido en embudo, en forma de sepia, priápico / labio-vulval, meta-retrato Janusiano romboidal del artista gritando, y Matthew Barney, en dos formas...
Ónix mexicano, acero inoxidable y otros metales varios, piedras y ejes ensamblados: cada uno 139,7 x 13,3 x 20,3 cm., 2000-09 /
Paired, mirrored, flayed, javelin-impaled, cable-delineated-pendentive-funnel-suspended, squid-like, priapic / labio-vulval, Janusian meta-portrait lozenges of 
the artist, screaming, and Matthew Barney, in two guises...
Mexican Onyx, stainless steel, various other metals, stone / shaft assemblies: each 55 x 5-1/4 x 8 in., 2000-09

"Pureza / Purity"
a partir de / after: "La Puritá", Antonio Corradini 
(ver más abajo / see below)
Escultura: mármol negro belga, acero inoxidable - Pedestal: mármol de Macedonia, acero inoxidable, madera, laca acrílica, acero, nylon, plástico
Conjunto escultura / pedestal: 175.3 x 41.9 x 30.5 cm., 2008-10 /
Sculpture: Belgian Black Marble, stainless steel - Pedestal: Macedonian Marble, stainless steel, wood, acrylic lacquer, steel, nylon, plastic
sculpture-pedestal assembly: 69 x 16-1/2 x 12 in.

«Al seleccionar una de las famosas figuras "veladas" de Corradini como un "modelo", quiero ampliar mi uso de la ofuscación integral hasta el punto en el que el revestimiento de superficie alcanza un estado igual al de la figura oculta. Al mismo tiempo, en una nueva vuelta de tuerca en el nexo Islam / Venecia, voy a traer al frente la mezcla sutil de sexualidad y piedad de esa figura cubierta casi por completo. El velo, el burka, la cruz, la estrella y la medialuna, la forma sensual del cuerpo oculta / revelada estarán todos en juego. Se introducirán distorsiones conmovedoras (por ejemplo, estiramiento y reflejo) y modificaciones sutiles (de materiales, escala y e iconografía).» [5]

"Pureza / Purity"
a partir de / after: "La Puritá", Antonio Corradini 
(ver más abajo / see below)
Escultura: ónix blanco iraní, acero inoxidable - Pedestal: ónix blanco iraní, acero inoxidable, madera, laca acrílica, acero, nylon, plástico
Conjunto escultura / pedestal: 175.3 x 41.9 x 30.5 cm., 2008-09 /
Sculpture: White Iranian Onyx, stainless steel - Pedestal: Macedonian Marble, stainless steel, wood, acrylic lacquer, steel, nylon, plastic
sculpture-pedestal assembly: 69 x 16-1/2 x 12 in., 2008-09

"Formas perfectas / Perfect Forms"
a partir de / after Unique Forms of Continuity in Space, Umberto Boccioni
sobre la obra y el artista ver / about work and artist see [Aniversarios (XL)]
Figura: Oro 24k sobre níquel sobre cobre. Prototipo estereolitografía (SLA) con armazón y accesorios de acero, llenado con resina.
Base: Oro 24k sobre cobre sobre bronce sólido
Escaparate: vidrio bajo en hierro antirreflectante, aluminio lacado y acero, panel de luz LED con difusor de vidrio
Escultura: 53,4 x 41,7 x 17,8 cm. / Escaparate: 260 x 120 x 96 cm., 2010-13
Figure: 24K gold on nickel on copper on SLA rapid prototype model with stainless steel armature / fittings and resin filling
Base plate: 24K gold on copper on solid brass
Display case: laminated anti-reflective low-iron glass, lacquered aluminum and steel, LED light panel with glass diffuser
Sculpture: 21 x 16.4 x 7 in. / Display case: 102.4 x 47.2 x 37.8 in., 2010-13

«Mi escultura está inspirada el trabajo futurista Umberto Boccioni de 1913 "Formas únicas de continuidad en el espacio". El yeso original Boccioni, en gran parte dañado y restaurado, se encuentra en Sao Paulo, Brasil.
Todos los bronces de "Formas únicas..." fueron fundidos muchos años después de la muerte de Boccioni. Y son muy variados. Varias generaciones los han producido con una gama de pátinas, esmaltes y detalles. A menudo tienen una terminación sorprendentemente tosca; todas pruebas evidentes de la velocidad con la que Boccioni y sus asistentes esculpieron el modelo en yeso.
La fundición de bronce es un proceso milenario. El carácter áspero, de tallado a mano de los bronces de "Formas únicas..." se opone de manera poco elegante a su  avanzada génesis conceptual. El hombre moderno de Boccioni se ha realizado hasta ahora con métodos antiguos y en un material antiguo.» [6]

"Formas perfectas / Perfect Forms"

«El reto que me propuse fue transformar una obra muy conocida de Boccioni, un icono modernista, en algo completamente nuevo, mediante la unión de forma, material, técnica y concepto. Empleando un escáner de luz blanca, comencé mi trabajo realizando escaneos digitales en 3D de los bronces de "Formas únicas...". Mi equipo y yo empleamos avanzados ordenadores y software, y luego procedimos a alterar cada curva, línea y borde del modelo virtual. Sólo la escultura 3D digital post-escaneo tomó más de 2 años de trabajo de precisión. Creo que el impacto acumulativo de miles de sutiles cambios efectuados produjo una obra a la vez familiar y fresca. "Formas perfectas" es una reminiscencia de su antecedente histórico, y sin embargo, se vuelve una reescultura profunda, con hiper-refinados contornos y superficies, curvas de barrido suave, con la precisión de una carrocería.» [7]

Más sobre Umberto Boccioni en "El Hurgador" / More about Umberto Boccioni in this blog:
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Ónix mexicano, 25,8 x 13,7 x 16,7 cm., 2000-06 /
torture prevalence compels victim-as-wounded-yet-resolute-iconoclasm-survivor portrait
Mexican Onyx, 10-5/32 x 5-3/8 x 6-9/16 in., 2000-06

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"Un retrato doble / A dual portrait"
Mármol negro belga / Belgian Black Marble, 40 x 22,5 x 21,1 cm., 2007-10

«Estos productos son así a la vez escépticos y optimistas, desafiando la naturaleza sacrosanta de sus antepasados históricos, y simultáneamanete estableciendo una nueva senda para artistas contemporáneos y futuros: en este contexto, obras nuevas basadas en otras antiguas no son tanto copias como modernizaciones.» [8]

"Un retrato doble / A dual portrait" (detalle / detail)

Más imágenes e información sobre Barry en / More info and information about Barry in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Barry!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Barry!)


El proceso / The Process


"Envidia / Envy"
a partir de / after "La Invidia", Giusto Le Court
(ver más abajo / see below)
Escultura: calcita dorada panal de abeja, acero inoxidable - Pedestal: Mármol de Macedonia, acero inoxidable, madera, laca acrílica, acero, nylon, plástico
Conjunto escultura / pedestal: 172,7 x 43,8 x 30,5 cm., 2008-10
Sculpture: Golden Honeycomb Calcite, stainless steel - Pedestal: Macedonian Marble, stainless steel, wood, acrylic lacquer, steel, nylon, plastic
 Sculpture-pedestal assembly: 68 x 17-1/4 x 12 in., 2008-10

En el siguiente video pueden verse imágenes del proceso de creación de esta escultura
(traducción del texto del video más abajo) /
In the following video you can see images of the process to create this sculpture
.

Envy – Golden Honeycomb Calcite from Barry X Ball Studio on Vimeo.

El texto traducido es el siguiente:

«Hay una larga historia de artistas haciendo obras "a partir" de otras de sus antecesores. Aunque empleando un avanzado arsenal, yo también trabajo en esa antigua tradición. Impulsado por el amor, voy atrás hasta un tiempo anterior a la Revolución Modernista, buscando una manera de hacer algo igualmente revolucionario.

Lo nuevo en mi arte, comenzando con Envidia, es la utilización del escaneado digital en 3D de una escultura existente como punto de partida. No contento con que mi trabajo sea una reminiscencia general, o esté inspirado por fuentes históricas, he utilizado el específico e identificable punto final de Giusto Le Court como mi principio. Me propuse la tarea de hacer una escultura que fuera "más perfecta" que la Invidia, una obra maestra del barroco conservada en la colección de Ca' Rezzonico en Venecia.»

Barry X Ball

Proceso:

- Escáner digital con luz blanca de La Invidia.
- Escaneado digital en 3D
- Modelo digital
- Renderizado digital de calcita dorada panal de abeja.
- Cantera de calcita dorada panal de abeja en las Montañas Wasatch, Utah
- Bloques de calcita
- Bloque de calcita para "Envidia", de 12000 libras
- Bloque de "Envidia" en la sierra de cable de diamante
- Corte con sierra circular
- Bloque final listo para fresado
- Bloque de "Envidia" en el torno
- Fresado de desbaste CNC (control numérico computarizado)
- Fresado fino CNC
- Acabado a mano
- "Envidia", calcita dorada panal de abeja, pieza terminada.



Un perfil del artista junto con la muestra "Yéndose de las manos: Materializando lo postdigital" /
A profile of artist in conjunction with the Museum's exhibition, Out of Hand: Materializing the Postdigital.





Las obras maestras / The Masterpieces

"Hermaphrodite Endormi (Ermafrodito Borghese) /
Hermafrodita durmiente / Sleeping Hermaphroditus"
Descubierto cerca de los Baños de Diocleciano en 1608 / discovered near the Baths of Diocletian in 1608
Figura y tela: Período de la Roma Imperial, s.II d.C, a partir de un original griego (s.II a.C) /
figure and drapery Roman Imperial Period (2nd century A.D.) after a Greek original (2nd century B.C.)
Restauraciones de la figura / figure restorations: David Larique (1619)
Añadido de la cama / bed addition: Gianlorenzo Bernini (1619)
Museo del Louvre (París, Francia / France)
Foto / Photo: Javier Fuentes

El Hermafrodita Durmiente es una antigua escultura de mármol que representa a Hermaphroditus a tamaño natural, recostado en un colchón esculpido por el artista italiano Gian Lorenzo Bernini en 1620. La forma deriva en parte de antiguas representaciones de Venus y otros desnudos femeninos, y en parte de las representaciones helenísticas feminizadas contemporáneas de Dionisio / Baco. Representa un tema que fue muy repetido en la época helenística y en la antigua Roma, a juzgar por el número de versiones que han sobrevivido. Descubierto en Santa Maria della Vittoria, Roma, el Hermafrodita Durmiente fue reclamado de inmediato por el cardenal Scipione Borghese y se convirtió en parte de la colección Borghese. El "Hermafrodita Borghese" fue posteriormente vendido a la ocupación francesa, y fue trasladado a El Museo del Louvre, donde se encuentra en exhibición en la actualidad.
El Hermafrodita Durmiente ha sido descrito como una buena copia romana imperial temprana de un original en bronce por el último de los dos escultores helenísticos llamados Polycles (que trabajó ca.155 aC). El bronce original fue mencionado en Historia natural de Plinio. [9]
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Antonio Corradini
"La Purità (Dama Velata) / La pureza (Dama velada) / The Purity (Veiled Lady)"
Mármol / marble, 1720-25
Ca’ Rezzonico (Venecia, Italia / Venice, Italy)

Antonio Corradini fue un escultor rococó veneciano nacido en 1688. Corradini trabajó principalmente en el Véneto, pero también completó comisiones de trabajo fuera de Venecia, incluyendo Viena o Nápoles, donde murió.
Fue aprendiz de escultor Antonio Tarsia (1663 - ca 1739), para quien trabajó probablemente durante cuatro o cinco años a partir de la edad de catorce o quince años (esta era la norma en el momento). Más tarde se convirtió en su yerno.
Los encargos de Corradini en los años siguientes le vinieron de clientes de toda Europa del Este. En 1716-1717, completó dieciocho bustos y dos estatuas para el jardín de verano del zar ruso Pedro el Grande en San Petersburgo, y la primera de sus famosas mujeres veladas; completaría dos más en la ciudad en 1722.
En 1723 Corradini se convirtió supuestamente en la primera persona en separar jurídicamente el arte de escultores de la profesión de los canteros, formando parte de una universidad que se estableció en 1724. Se enfrentó a la tarea de guiar a la nueva profesión artística a través de su infancia. En 1725-1726 fue nombrado curador de las leyes de la institución y se convirtió en su prior en 1727.
Murió en 1752. [10]
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Josse de Corte (Giusto Le Court)
"La Invidia / La envidia / The Envy"
Mármol italiano / Italian marble, ca. 1670
Ca’ Rezzonico (Venecia, Italia / Venice, Italy)

Josse de Corte fue un escultor barroco flamenco, nacido en Ypres en 1627, pero sobre todo activo en Venecia después de 1657.
También se le conoce como Giusto Le Court, Giusto Cort, Josse Lecurt o Josse Cort. Obtuvo algún tipo de formación en Roma con François Duquesnoy.
Su obra maestra es el teatral y dinámico altar mayor, complejo escultórico que representa a la Reina del Cielo expulsando la plaga de la iglesia de Santa Maria della Salute en Venecia. Representa a la Virgen María salvando a figuras suplicantes y dispersando la maldad personificada de la peste.
También completó parte del Monumento Morosini en S. Clemente all'Isola. Entre sus alumnos en Venecia estuvieron Heinrich Meyring (Enrico Merengo), Francesco Cavrioli, Francesco Penso, y Orazio Marinali. Juntos contribuyeron, junto con Tommaso Rues influenciado por Le Court, a la amplia decoración escultórica del exterior de la iglesia de la Salute.
Murió en 1679. [11]


Textos en inglés / English Text

[1]
Barry describes his process to create this portraits:
«An alginate / plaster mold is made of my subjects' heads and necks at my studio. I also take a series of reference photographs at that time (full "head shots" as well as 'details' of cranial / facial features). The casting / photographing procedure takes about 2 hours.
For the next 2-3 years (the average time to complete a portrait) ), I usually have little-to no interaction with my subjects.
Immediately after life-casting, a polymer-modified plaster 'positive' is derived from the initial head / neck mold. The positive cast is typically quite "rough" when it emerges from the mold and requires extensive hand-carving to be transformed into an accurate facsimile of the subject.»

[2]
«To transform my completed models into stone, they are first digitized via cylindrical 3- dimensional laser scanning. The resultant "virtual" models may be digitally manipulated or left as-is.
The initial stone shaping is accomplished on computer-controlled (CNC) milling machines.
The final milling passes were specified so that the figure is encircled with a dense, diagonal web of parallel microflutes.
Months of hand carving / polishing followed the CNC milling. The stone was finally masked, sandblasted, and oil-impregnated.»

[3]
In his work of "Masterpieces" series, Barry has taken as its starting point some classic pieces, performing an unique process that seeks to make recreational "more perfect" than the original. These works are at once classic and contemporary, and are made from a scan of the original works, then generating a 3D model. The stone stables are then processed with computer controlled machinery. The work is completed through a meticulous process of polishing and finished by hand which can take years.

[4]
«The Dama Velata, Invidia, and Hermaphrodite are mythical, symbolic figures. It will take a Herculean effort, but if I am granted the opportunity to show my work at the museum, I plan to create several completely new stone sculptures in response to those historical models and finish them by the time of the opening of the Biennale. The other works that I propose to exhibit are primarily portraits I have created in the last few years. (Portrait sculpture has been my almost-exclusive focus for the last decade.) Even though the portraits are representations of specific individuals (artworld figures all), they vary in treatment from relatively-straightforward depictions to extreme distortions. Some are violently stretched and impaled, while others are delicately wrapped in foliage. Some have been morphed into fantastic creatures, others are rendered with extreme objectivity. The stones I employ range from creamy, exuberantly-red-figured translucent Mexican Onyx, to rich blue Lapis Lazuli, from pure, dense Black Marble, to ghostly Calcite. In the accompanying renderings, I have selected the works for the various rooms utilizing a variety of criteria. I looked for correspondences of color, form, and content. Sometimes, in an attempt to “activate” a room, I took a deliberately obstreperous approach.»
From a 2008 letter to Filippo Pedrocco, director of Ca’ Rezzonico in Venice, thanking him for allowing me to digitize La Purità and La Invidia. The letter also
gives details of a proposed show of my work at Ca’ Rezzonico during the Venice Biennale.

[5]
«By selecting one of Corradini’s famous “veiled” figures as a “model”, I want to expand my use of integral obfuscation to the point where the surface covering achieves coequal status with the figure concealed. At the same time, in a new twist on the Islam/Venezia nexus, I will propel the almost-completely-draped figure’s subtle mix of sexuality and piety to the forefront. The veil, the burkha, the cross, the star-and-crescent, the sensual way the body is concealed / revealed will all be in play. Poignant distortions (e.g. stretching and mirroring) and subtle modifications (of materials, scale, and iconography) will be introduced.

[6]
My sculpture is inspired by Umberto Boccioni's 1913 Futuristic work, Unique Forms of Continuity in Space. The original Boccioni plaster, much damaged and restored, is in Sao Paulo, Brazil.
All the Unique Forms bronzed were cast many years after Boccioni's death. They vary widely. Multiple generations have been produced with a range of patinas, polishes, and details. They are often suprisingly crudely finished - all bear evidence of the speed with which Boccioni and his assistants hand-sculpted the plaster model.
Bronze casting is a millennia-old process. The rough, hand-hewn character of the Unique Forms bronzes stands in inelegant opposition to their advanced conceptual genesis. Boccioni's Modern Man has heretofore been realized with ancient methods in an antique material.

[7]
The challenge I set for myself was to transform Boccioni's extremely familiar artwork, a Modernist icon into something completely new - to bring together form, material, technique, and concept. Employing a state-of-the-art Breuckmann white-light scanner, I began my work by 3D digital scanning one of the Unique Form bronzes. My studio team and I, employing advanced computers and software, then proceeded to alter every curve, line and edge of the virtual model. The post-scanning digital 3D sculpting alone took over 2 years of exacting labor. I believe the cumulative impact of thousands of subtle changes effected yields a work simultaneously familiar and fresh. Unique Form is reminiscent of its historical antecedent, yet it is thoroughly re-sculpte, with hyper-refined edges and surfaces, smoothly sweeping curves, the precision of a car body.

[8]
«These productions are thus at once skeptical and optimistic, challenging the sacrosanct nature of their historic forbears, and simultaneously laying a clear path for contemporary and future artists: within this context, new works based upon older ones are not so much copies as upgrades.»

[9]
The Sleeping Hermaphroditus is an ancient marble sculpture depicting Hermaphroditus life size, reclining on a mattress sculpted by the Italian artist Gian Lorenzo Bernini in 1620. The form is partly derived from ancient portrayals of Venus and other female nudes, and partly from contemporaneous feminised Hellenistic portrayals of Dionysus/Bacchus. It represents a subject that was much repeated in Hellenistic times and in ancient Rome, to judge from the number of versions that have survived. Discovered at Santa Maria della Vittoria, Rome, the Sleeping Hermaphroditus was immediately claimed by Cardinal Scipione Borghese and became part of the Borghese Collection. The "Borghese Hermaphroditus" was later sold to the occupying French and was moved to The Louvre, where it is on display today.
The Sleeping Hermaphroditus has been described as a good early Imperial Roman copy of a bronze original by the later of the two Hellenistic sculptors named Polycles (working ca 155 BC); the original bronze was mentioned in Pliny's Natural History.
Wikipedia

[10]
Antonio Corradini was a Venetian Rococo sculptor born in 1688. Corradini worked mainly in the Veneto, but also completed commissions for work outside Venice, including Vienna or Naples, where he died.
He was apprenticed to the sculptor Antonio Tarsia (1663 - ca 1739), for whom he worked probably for four or five years starting at the age of fourteen or fifteen (this was the norm at the time). He later became his son-in-law.
Corradini's commissions for the next several years came from patrons all over Eastern Europe. In 1716-17, he completed eighteen busts and two statues for the summer garden of the Russian czar Peter the Great in St. Petersburg, and the first of his famous veiled women; he would complete two more in the city in 1722.
In 1723, Corradini reputedly became the first person to legally separate the art of sculptors from the profession of stonemasons, forming part of a college that was established in 1724. He was faced with the task of guiding the new artistic profession through its infancy. In 1725-26 he was appointed curator of the laws of the institution and became its prior in 1727.
He died in 1752.

[11]
Josse de Corte was a Baroque Flemish sculptor, born in Ypres in 1627, but mainly active in Venice after 1657.
He is also known as Giusto Le Court, Giusto Cort, Josse Lecurt or Josse Cort. He obtained some training in Rome by François Duquesnoy.
His masterpiece is the theatrical and dynamic high altar sculptural complex depicting the Queen of Heaven expelling the Plague for the church of Santa Maria della Salute in Venice. It depicts the Virgin Mary saving pleading figures and scattering the personified evil of the plague.
He also completed part of the Morosini Monument in S. Clemente all'Isola. Among his pupils in Venice were Heinrich Meyring (Enrico Merengo), Francesco Cavrioli, Francesco Penso, and Orazio Marinali. Together they all contributed, together with Tommaso Rues influenced by Le Court to the extensive sculptural decoration of the exterior of the church of the Salute.
He died in 1679.



Para finalizar, traduzco una carta de Barry de 2009 a un coleccionista.

Según comenta el artista, «El coleccionista estaba especialmente interesado en saber cómo encajaban mis nuevas esculturas en relación a la "apropiación", y qué es lo que hace a mis obras algo más que "copias"»

Izq./ Left: "La Purità (Dama Velata) / La pureza (Dama velada) / The Purity (Veiled Lady)"
de / by Antonio Corradini
Der./ Right: "Pureza / Purity" de / by Barry X Ball

«En general, me he propuesto la difícil tarea de hacer nuevas esculturas que sean "más perfectas" el la "perfecta" obra maestra de la escultura barroca de Corradini. He aquí una lista parcial de los caminos que he seguido para alcanzar esta meta:

1. Las adiciones sustanciales que he realizado y la forma como he esculpido / pulido mis obras han hecho de las mías auténticas esculturas en redondo, no retratos frontales concebidos para ser ubicados en nichos contra las paredes.

2. He empleado para esculpir mis obras piedras no tradicionales, en lugar del estereotípico mármol italiano. Mis piedras traslúcidas (por ejemplo el ónix y la calcita) representan el velo, chal y tejidos de manera diáfana. La veta exhuberante de la calcita establece una red superficial paralela, que alternamente camufla y revela la red de pliegues de la escultura y la barre al tiempo que añade una complejidad vertiginosa. El patrón más sutil del ónix funciona de manera similar, aunque de una forma menos asertiva. Las piedras traslúcidas, cuando se las ilumina cuidadosamente, parecen brillar desde dentro, con una luz interior que irradia hacia fuera, atravesando el velo. Esto no es posible con mármol opaco. Corradini utilizó el material con el que estaba familiarizado, la piedra para esculpir más rápidamente disponible en Italia, la que respondía bien a las técnicas escultóricas tradicionales. Debido a mis tecnologías de punta y mi acceso y conocimiento de fuentes de piedra de todo el mundo, tengo más opciones. Hice un intento concertado para seleccionar las piedras que mejor encajan con la forma, para crear algo rico y nuevo.

3. Mis esculturas son imágenes especulares de sus fuentes. El reflejo, una característica de muchos de mis retratos, es intencional. Es la idea de que el sujeto se "ve" en un espejo. Hacer esto es extremadamente difícil (casi imposible) de llevar a cabo a través de los medios tradicionales de reproducción escultórica (por ejemplo la "pointing up"). Es posible a través de mi uso de tecnologías avanzadas, y según creo, añade un elemento significativo de extrañeza, de desconocimiento o novedad de mis esculturas (especialmente de aquellos que están familiarizados con las de Corradini)

4. He eliminado la cruz cristiana latina del área del corpiño del velo. Al hacerlo, pretendo hacer el velo más universal. El velo es ampliamente utilizado como para cubrir la cabeza: cristianos, islámicos, indios, para duelo (piensen en Jackie Kennedy en el funeral), etc. El velo universal es especialmente apropiado en Venecia (lugar original de la escultura de Corradini utilizada como fuente), debido al papel de esa ciudad como encrucijada entre el Islam y la Cristiandad. Espero que al eliminar esa cruz, he hecho del velo algo de un rico misterio, no sólo una reliquia de devoción religiosa, duelo, penitencia o modestia. El ónix blanco iraní de una de las versiones de mi escultura, añade a su vez otra capa de significado y contraposición al velo y su sexualidad mejorada (ver más abajo) de la mujer. Compré el último bloque de este material disponible en el mercado mundial el año pasado. El gobierno iraní ha requisado la totalidad de la cantera para la construcción de la tumba del Ayatollah Khomeini, el mojigato patriarca de la Revolución Iraní.

5. Eliminé el encaje del borde del velo para refrescar su apariencia y mejorar su liquidez suave y sensual.

6. Mi tratamiento escultórico del velo es intencionalmente más blanda, más fluida, menos afilada que el de Corradini. En mis obras, el velo se ha vuelto algo más que una cobertura; es la forma en sí misma. La diferencia es sutil, pero importante. La mujer de Corradini parece estar cubierta por una pila de tela de un improbable aspecto húmedo, relativamente quebradizo. En mis esculturas, el cuerpo del velo está más unificado. Casi parece que el cuerpo ha partido y dejado atrás un sustituto de tejido brumoso, arremolinado y desmaterializado.

7. He corregido varios errores escultóricos de Corradini. Él no sólo no finalizó la parte de abajo, los lados y la parte trasera de la escultura. Ciertas partes de su obra son confusas. En particular las capas de tela a veces no tienen sentido o no están completamente resueltas. He corregido esos problemas en mis obras.

8. He agrandado sutilmente los senos. Para una escultura con una devota "pureza" ostensible como su modelo, la mujer de Corradini es muy sexy. Al resaltar los senos, he tratado inclinar ligeramente el equilibrio piadoso / sensual un poco más hacia lo segundo.

9. He pulido el pequeño parche de piel expuesta para diferenciarla del acabado áspero de la ropa. Toda la parte trasera inferior de mi escultura está también pulida como un espejo. La de Corradini tiene un acabado de superficie torpe por todas partes. He trabajado duro para darle a las partes de tela de mis trabajos un acabado satinado ultra-fino y uniforme en el que la superficie "desaparece" suavemente.

10. El Corradini de la época barroca ha sufrido en algunas partes a través del tiempo. Su superficie tallada también tiene varias partes ásperas, astilladas, sin terminar. Esto pudo deberse a que Corradini no sintió la necesidad de terminar esas áreas, porque no tenía tiempo suficiente para terminar el trabajo, o porque esas secciones han sido objeto de abrasión. Mis esculturas están completamente acabadas y libres de daños. He tratado la parte trasera, lados, frente y parte superior con la misma meticulosidad. La parte inferior de mi obra está también meticulosamente acabada, y he fijado de forma permanente una inserción personalizada de acero y una base de ABS para asegurar la exposición / transporte.
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Here you have part of a 2009 letter to a Collector. «The Collector was particularly interested in where I thought my new sculptures stand in relationship to
"Appropriation" and what makes my works more than "copies".»

In general, I have set for myself the difficult task of making new sculptures that are "more perfect" than the "perfect" Corradini, a "Masterpiece" of Baroque sculpture. Here is a partial list of the ways I have gone about attaining that goal:

1. The substantial additions I have effected and the way I have carved / polished my works have made mine true sculptures-in-the-round, not frontal portraits intended for placement in niches or against walls.

2. I have employed non-traditional (for sculpture) stones for my works, not stereotypical white Italian Marble. My translucent stones (e.g. onyx and calcite) render the veil, shawl, and drapery diaphanous. The calcite's exuberant veination establishes a parallel surface network, one that alternately camouflages and reveals the sculpture's network of folds and sweeps while adding a dizzying complexity. The more subtle onyx patterning works in a similar, yet less-assertive way. The translucent stones, when carefully lit, appear to glow from within, to have an inner light that radiates outward, that penetrates the veil. This is not possible with opaque marble. Corradini used the material that he was familiar with, the most readily available carving stone in Italy, the one that responded well to traditional hand-carving techniques. Because of my hightech techniques and my access to and knowledge of worldwide stone sources, I have many more options. I made a concerted attempt to select stones that work with the form to create something rich and new.

3. My sculptures are mirror images of their sources. The mirroring, a feature of many of my portraits, is intentional. It is the view that the subject "sees" in a mirror. This feat is extremely difficult (i.e. near-impossible) to accomplish through traditional means of sculptural reproduction (e.g. "pointing up"). It is possible through my use of advanced technology, and I hope, adds a significant element of strangeness, of unfamiliarity, of newness to my sculptures (especially for those who are familiar with the Corradini).

4. I eliminated the Christian Latin cross from the bodice area of the veil. By so doing, I intend to make the veil more universal. The veil is a widely used head covering - Christian, Islamic, Indian, mourning (think Jackie Kennedy at the funeral), etc. The universal veil is especially appropriate for Venice (location of the Corradini source sculpture) because of that city's role as crossroads of Islam and Christianity. I hope that by removing the cross, I have made the veil one of rich mystery, not just a relic of religious devotion, mourning, penitence, or modesty. The white Iranian Onyx of one version of my sculpture adds yet another layer of meaning and counterpoint to the veil and the enhanced sexuality (see below) of the woman. I purchased the last block of this material available on the world market last year. The Iranian government has requisitioned the entire quarry for the construction of the tomb of the Ayatollah Khomeini, that prudish patriarch of the Iranian Revolution.

5. I eliminated the lace border from the veil to freshen its appearance and enhance its smooth, sensual liquidity.

6. My sculptural treatment of the veil and drapery is intentionally softer, more flowing, less sharp than that of the Corradini. In my works, the veil has become more than a covering - it is the form itself. This difference is subtle, but important. The Corradini woman appears to be covered by an improbable, wet-look, relatively crisp pile of cloth. In my sculptures, the body and veil are more unified. It almost appears that the body has departed and left behind a misty, swirling, dematerialized fabric surrogate.

7. I have corrected several of Corradini's sculptural errors. Corradini not only didn't finish the bottom, sides, and back of his sculpture, certain passages of his work are confused. In particular, the layers of his drapery sometimes don't make sense or were not completely resolved. I fixed those problems in my works.

8. I subtly enlarged the breasts. For a sculpture ostensibly with devout "purity" as its subject, the Corradini woman is quite sexy. By my breast enhancement, I have tried to gently tip the pious / sensual balance a bit farther toward the latter.

9. I have polished the small patch of exposed flesh to differentiate it from the matte finish of the cloth. The entire lower back of my sculpture is also mirror-polished. The Corradini has a dull surface finish throughout. I have worked hard to give the cloth passages of my works a fine, ultra-uniform satin finish so that the surface softly "disappears".

10. The Baroque-era Corradini has suffered damage in some areas over time. Its carved surface also has several rough, chipped, unfinished passages. This could be because Corradini didn't feel the need to finish those areas, because he didn't have sufficient time to complete the work, or because those sections have been subject to abrasion. My sculptures are completely finished and damage-free. I have treated backs, sides, fronts, and tops with equal fastidiousness. The bottom of my work is also scrupulously finished, and I have permanently affixed a custom stainless steel insert and ABS base plate to ensure display / transport.

Cinta Vidal [Pintura]

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Cinta Vidal


Cinta Vidal Agulló es una artista catalana nacida en Barcelona en 1982 que trabaja tanto las pinturas acrílicas sobre madera a pequeña y media escala, como los grandes telones para fondos de teatro y ópera, que pinta de pie, con un pincel largo como una escoba, caminando sobre la obra.
Me han encantado sus trabajos de la serie "Gravitando", que selecciono aquí intercalándolos con imágenes de la artista trabajando en sus grandes telones.

"Cupula / Dome", pintura plástica sobre madera / plastic painting on wood, 115 x 95 cm.

«Desde bien pequeña no he parado de dibujar y pintar. Estudié un Ciclo Formativo de Grado Superior de Ilustración en la Escuela Massana de Barcelona. A los 16 años entré como aprendiz esporádica en el Taller de Escenografía Castells Planas de St. Agnès de Malanyanes donde, a lo largo de los años, Josep Castells y Jordi Castells me han enseñado el oficio de pintar telones y amar la escenografía. En el mundo de los decorados también he trabajado en la Ópera de Sabadell pintando todo tipo de escenografías.
En cuanto a la ilustración, nunca he dejado de experimentar. Por mi cuenta pinto cuadros ilustrados (que vendo en la tienda de juguetes El gat Corneli o expongo en cafés).»

"Mudança / Mudanza / Move"


«No recuerdo la última vez que salí de casa sin una libreta para dibujar aquello que observo, libretas en las que recojo nuevas perspectivas que me ayuden a intentar explicar lo complejo de las relaciones humanas. 
Lo habitual es justo lo contrario, pero nunca he querido casarme con un solo estilo: cada proyecto, cada pintura, cada ilustración, cada cliente, cada idea... es sometido a un análisis del que no solo surge que voy a contar, sino cómo, de que manera se va a plasmar.»

"Empordà / Ampurdán"

"Barri / Barrio / Neighborhood", serie previa a Gravitando / previous series to Graviting

«Compartimos espacios pero los vivimos de forma diferente. Puedes tener un vecino con el que te cruzas cada día pero él puede vivir el edificio de otra manera». Esa inconexión con el mundo, que Cinta concibe como una realidad y no como una protesta, se plasma suprimiendo la dimensión gravitatoria. Gravitan los objetos, los mundos y las ideas. Gravitan las palabras y los sueños. Gravitamos y hacemos gravitar. Su obra es una reflexión borgiana entre el orden y el desorden. «Es un desafío a entender este equilibrio desequilibrante”. Es la paradoja de la vida misma, cuerda en su locura.»

Sèrie Gravitant 1 / Serie Gravitando 1 / Gratitating 1 Series, (obra y detalle / work and detail) 40 x 65 cm.

"Escales 1 / Escaleras 1 / Stairs 1"

«He tenido grandes maestros pintores que pacientemente me enseñaron y ayudaron tanto a mejorar mis habilidades pictóricas como a ser capaz de trabajar en muchos estilos diferentes. Me siento afortunada siendo capaz de ganar me la vida con lo que me gusta hacer; dibujar y pintar, ya sea trabajando en talleres de escenografía, proyectos freelance para publicidad o trabajos por encargo. Hasta el momento, mi propia obra me ocupaba una pequeña parte de mi tiempo, pero se está incrementando gradualmente.»


«Con estas construcciones ingrávidas, pretendo mostrar que vivimos en un único mundo (aunque lo vivimos de maneras difenrentes), jugando con objetos cotidianos y los espacios, situándolos de formas imposibles para expresar que muchas veces la dimensión interna de cada uno no encaja con las estructuras mentales de quienes nos rodean. Los espacios arquitectónicos y los objetos cotidianos son parte de la metáfora de cuán difícil es encajar todo lo que constituye nuestro espacio diario: nuestras relaciones, trabajo, ambiciones y sueños.»

"Mudança 3 / Mudanza 3 / Move 3"

«La pintura de telones de fondo es mi especialidad. Hay escultores, carpinteros, etc., en cada ópera. El trabajo en equipo es realmente muy importante (hay que tener en cuenta que cualquier proyecto para una opera puede consistir en 5 telones de fondo, de 10 x 18 metros cada uno). Es una pena que haya cada vez menos proyectos de este tipo; hoy en día puedes imprimir esos telones en inmensos plotters. El proceso es conceptualmente simple: primero, el escenógrafo o tú mismo pintan el fondo a escala pequeña (que es una obra de arte en sí misma). Luego fijas la tela en un suelo de madera, dibujas guías tanto en la tela como en la copia de la pintura original, y comienzas a caminar sobre ella, pintando con pinceles muy largos. Tienes que aprender a comprender la pintura viéndola desde esta extraña perspectiva (de pie sobre ella), para poder trabajar, pero tenemos escaleras y balcones para trepar y ver cómo se ve antes de hacer que la instalen.»

"Mudança 3 / Mudanza 3 / Move 3" (detalle / detail)

Cinta Vidal Agulló is a Catalonian artist born in Barcelona in 1982. She works both small and medium scale acrylic paintings on wood, and huge backdrops for operas and theatre she paints stand up, with a large, broomstick-sized brush, walking on the work.
I fell in love with his "Gravitating" Series, so here you have a selection, alternating with images of the artist at work in her huge backdrops paintings.


«I have been drawing since I was a kid. I studied at Escola Massana in Barcelona and when I was 16, I started working as an apprentice in Taller de Escenografia Castells Planas in St. Agnès de Malasanyes where I learnt from Josep and Jordi Castells to love scenography and the backdrop trade. I have also been working in the Opera de Sabadell painting all kinds of scenography elements.
I have never stopped experimenting with illustration and painting. I sell some of my works in the toys store El gat Corneli and I exhibit my work in some cafés in Barcelona.»

Sèrie Gravitant 1 / Serie Gravitando 1 / Gratitating 1 Series
"Poble / Pueblo / Village", pintura plástica sobre madera / plastic painting on wood, 50 x 50 cm.

"Escales 2 / Escaleras 2 / Stairs 2"

«I don't remember the last time I left home without a notebook to draw what I observe, notebooks in which I gather new perspectives to help me try to explain the complexity of human relationships.
Typically, just the opposite, but I never wanted to assign myself to a single style: every project, every painting, every illustration, every customer, every idea ... is subjected to an analysis from which arises not only what I'm going to tell, but how, in which way it'll be embodied.»



«We share spaces but live it differently. You may have a neighbor with whom you come across every day but he can live the building in a different way.» That disconnectedness with the world, conceived by Cinta as a reality and not as a protest, is expressed by removing the gravitational dimension. Gravitating objects, worlds and ideas. Gravitating words and dreams. We gravitate and we make gravitate. Her work is a Borgian reflection between order and disorder. "It is a challenge to understand this dominating unbalance." It is the paradox of life itself, sane in its madness.»

«I had great master painters who patiently taught me and helped both to improve my painting skills and be able to work in many different styles. I feel fortunate to be able to make a living out of what I like to do, drawing and painting, whether working at the scenography workshop, freelance projects for advertising, or commissioned works. Until this moment, my own work used to take a small amount of all my time, but that time should gradually increase.»

Inspirat en Colera (poble de costa del nord de Catalunya) / Inspirado en Colera (villa costera en el norte de Cataluña)
Inspired in Colera (coastal village in northern Catalonia)

«With these un-gravity constructions, I want to show that we live in one world, but we live in it in very different ways – playing with everyday objects and spaces, placed in impossible ways to express that many times, the inner dimension of each one of us does not match the mental structures of those around us. The architectural spaces and day-to-day objects are part of a metaphor of how difficult it is to fit everything that shapes our daily space: our relationships, work, ambitions, and dreams.»


"Vacances / Vacaciones / Holidays"

«Backdrop painting is my speciality. There are sculptors, carpenters, etc. in any opera. Teamwork here is really important (bear in mind that any project for an opera can consist in something like 5 backdrops, 10×18 meters each one / 30 x 54 feet). It’s a pity that each time there are less and less projects of this kind: nowadays you can print any of these backdrops in huge plotters. The process is conceptually simple: first, either the scenographer or you paint the final backdrop to a smaller scale (which is a work of art by itself), then you pin the fabric to the wooden floor, draw guides both in the fabric and a copy of the original painting and then you start walking over it, painting it with very-long-brushes. You have to learn to understand the painting by seeing it in this strange perspective (standing on it) to be able to work, but we have ladders and balconies to climb to see how it looks before sending it to install.»

"Vacances / Vacaciones / Holidays" (detalle / detail)

"Veïns / Vecinos / Neighbours", 64 x 64 cm.
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Los textos están tomados del sitio web de la artista, de un artículo sobre un encuentro con Cinta publicado en La Columna.cat por Gabriel Castelló García en mayo de 2015, y de una entrevista de Nathan Spoor publicada por Hi-Fructose en abril de 2015.

Texts from artist's website, from an article on a meeting with Cinta published in La Columna.cat by Gabriel Castelló García (May, 2015), and from an interview by Nathan Spoor published in Hi-Fructose, April, 2015.

Más imágenes e información sobre Cinta en / More images and information about Cinta in:

(al momento de realizar este post, Cinta está trabajando en su nuevo sitio web /
at the time of this post, Cinta is working on her new website)

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Cinta!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Cinta!)



Pintura de un telón de fondo para / Painting of a backdrop for Mumusic Circus
Espectáculo callejero / Street show"Roda,món"
Escenografía / Scenography: Lluc Castells
Realización / Realization: Cinta Vidal



Dan Hillier [Dibujo, Collage, Arte digital]

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Dan Hillier


Dan Hillier es un artista inglés nacido en 1973 en Oxford, que actualmente vive y trabaja en Stoke Newington, Londres.
Estudió Ilustración y Artes Gráficas en la Universidad Anglia Ruskin en Cambridge, en 1995. Desde 2006, después de viajar unos cuantos años, ha estado creando y vendiendo sus trabajos, que ha presentado en varias muestras colectivas y en solitario, en espacios tales como ArtDog London, la Galería Saatchi, MuTate Britain, Victor Wynd Fine Arts, el Festival Glastonbury y el Instituto de Artes Contemporáneas. 
La mayoría de su obra es producto de collages con imágenes victorianas, que luego procesa en Photoshop montando y completando con sus propios dibujos a tinta. El resultado es una curiosa mezcla de elementos clásicos, donde predomina la simetría y las fusiones de humanos y animales.

"El coleccionista / The Collector", 2010 © Dan Hillier

"Corona / Crown", 2015 © Dan Hillier

«Tengo un montón de grabados y páginas de antiguos Illustrated London News, libros y varios trozos y recortes por todas partes a partir de los que dibujo. Generalmente comienzo con una idea de lo que quiero hacer, que puede surgir de otra pieza de mis trabajos propios o de alguien más, una idea súbita, música o cualquier cosa, y entonces comienzo a conjuntar lo básico mediante el proceso de buscar otros elementos para acoplar las cosas, intentado llevar adelante la idea original con lo que encuentro, y esa idea original va cambiando de forma a medida que avanzo. Escaneo partes de antiguos grabados con Photoshop, juego con ellos y dibujo sobre ellos utilizando un lápiz digital, o algunos escaneos de dibujo a lápiz o tinta. Cuando dibujo, como por ejemplo en "Al borde del bosque", utilizo plumilla y tinta.» 

"Corona / Crown" (detalle / detail) © Dan Hillier

"Embaucador / Trickster", 2011 © Dan Hillier

Grabados alterados / Altered Engravings © Dan Hillier
"Un final / An ending", 2008 - "Anansi Boys", 2006 © Dan Hillier

«La música es una gran inspiración para mí (Swans, Loscil, Philip Glass, Radiohead y Liars especialmente, en este momento). Max Ernst fue obviamente una gran influencia para mí visualmente, y fui a ver una muestra de Matisse que hubo hace poco en la Tate, que me me impactó y selló completamente el plan que tengo desde hace mucho tiempo para trabajar en color de aquí en adelante. La iconografía budista y cristiana siempre me ha fascinado e inspirado, y me ha llevado más y más cerca de hacer algo que se parezca a eso, creo. La psicodelia y la meditación también han sido también una influencia para mí, y recientemente me he atascado con un montón de grabaciones Terence McKenna; él fue un supertipo, y ha sido para mí unas inspiradora llamda a las armas en lo que tiene que ver con la creatividad y cuestionando lo que creemos saber. Me voy a la Amazonía peruana en un mes y espero tendrá todo un efecto hacia donde iré en lo sucesivo, si alguna vez vuelvo.»

"Valle / Valley", 2011 © Dan Hillier

Grabados alterados / Altered Engravings
"Madre / Mother", 2006 © Dan Hillier

"Meta", 2014 © Dan Hillier

«El arte que me gusta es muy diferente de lo que yo hago; me gustan artistas como Mark Rothko, Giacometti y Louise Bourgeois, gente como esta, que hacen esas grandes imágenes o instalaciones o esculturas, que definitivamente tienen una gran atmósfera emocional, y la atmósfera es algo en lo que estoy realmente interesado. Mucha de mi obra involucra imágenes de épocas victorianas, y muchas de ellas incluyen dibujos, grabados, aguafuertes o lo que sea, que tienen un contenido dramático de eso... y me gusta jugar con eso. Quiero hacer imágenes que tengan un impacto en la gente, algo que haga que la gente se detenga y conecte con la gente. Me gusta la idea de que pueden transportar a la gente a algún lugar un poco más misterioso.»

"Pachamama", 2014 © Dan Hillier

Izq./Left: "Trono / Throne", 2014 - Der./Right: "Hijo del padre / Son of the Father", 2011 © Dan Hillier

Dan Hillier in an English artist born in 1973 in Oxford, based in Stoke Newington, London. 
He studied Illustration and Graphic Arts at Anglia Ruskin University in Cambridge in 1995.  Since 2006, after traveling for a number of years, he has been creating and selling his work through solo and group shows in various galleries and spaces such as ArtDog London, Saatchi Gallery, MuTate Britain, Victor Wynd Fine Arts, Glastonbury Festival and the Institute of Contemporary Arts.
Most of his work is the product of collages with Victorian images procesed in Photohop, mounted and completed with his own ink drawings. The result is a very curious mix of classic elements where symmetry and mergers of humans and animals predominates.

"Bosque / Forest", 2010 © Dan Hillier

"Al borde del bosque / At the Edge of the Woods", 2009 © Dan Hillier

"Cráneos / Skulls", 2006 © Dan Hillier

«I do have a large amount of prints and pages from old Illustrated London News, source books and various bits and pieces from all over the place that I draw from.  I generally start with an idea of what I want to make, which can be set off by another piece of work of my own or someone else’s, a sudden thought, music or anything, and then start to put the basics together, and by the process of seeking out other elements to put the thing together I tend to get led along by what I find and the original idea changes shape as I go.  I scan bits of old prints into photoshop and then play around with them and draw into them using a digital pen, or sometimes scans of pen and ink drawings.  When I draw, such as with At the Edge of the Woods, I use a dip nib pen and ink.»

"Aviador / Aviator", 2011 © Dan Hillier

"Hechicera / Sorceress", 2011 © Dan Hillier

"Alondra / Lark", 2013 © Dan Hillier

«Music is a big inspiration for me – Swans, Loscil, Philip Glass, Radiohead and Liars at the moment especially.  Max Ernst was obviously a big influence on me visually and I went to see the Matisse show lately a the Tate which blew me away and completely sealed my long held plan to make colour work from here on in. Buddhist and Christian iconography has always fascinated and inspired me and I’m moving closer and closer to making something resembling these I think.  Psychedelics and meditation have been an influence on me too, and recently I’ve been getting stuck into a lot of Terence McKenna recordings – he was a megadude and he makes for an inspiring call to arms when it comes to creativity and questioning what we think we know.  I’m off to the Peruvian Amazon in a month which I expect will have quite an effect on where I go next, if I ever come back.»

"Punto medio / Midpoint", 2014 © Dan Hillier

"¿Qué queda? / What remains?" (detalle / detail), 2015 © Dan Hillier

«The art I like is usually dissimilar to what I do; I like artists like Mark Rothko, Giacometti and Louise Bourgeois, people like that, who make these big pictures or installations of sculptures which definitely have quite an emotional atmosphere to them - and atmosphere is something that I’m really interested in.
A lot of the (my) work involves pictures from Victorian times and a lot of these involve drawings, engraving, etchings or whatever, and have quite a dramatic edge to them... and I like playing with that. I want to make pictures that have an impact on people – something that stops people and connects with people. I like the idea that they might transport people to somewhere a little bit mysterious.»

"Encandilado por los faros / Caught in the Headlights", 2009 © Dan Hillier

Los textos están tomados del sitio web del artista, de una entrevista publicada en Creative Mapping, y de otra publicada por Liz en Blank Space Blog en agosto de 2014.

Texts from artist's website, from an interview published in Creative Mapping, and another one published by Liz in Blank Space Blog, August, 2014.
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Sobre los artistas mencionados por Dan, en este blog / About the artist mentioned by Dan, in this blog:

Louise Joséphine Bourgueois[Aniversarios (XLIX)]
Max Ernst: [Yousuf Karsh (Fotografía)], [Aniversarios (IX)]
Alberto Giacometti[Aniversarios (XXXVIII)]
Henri Matisse[Manos a la obra (V)], [Arte & Humor (II)], [Arte perdido (VI)], [Aniversarios (L)], [Sucedió en el museo (I)], [Sucedió en el museo (I, Anexo)]
Mark Rothko[Loretta Lux (Fotografía, Fotomanipulación)]
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Más imágenes e información sobre Dan en / More images and information abou Dan in:
Website, Instagramfacebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Dan!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Dan!)



Dan habla sobre su obra (en inglés) / Dan speaks about his work

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Video oficial del grupo Losers / Official video of Losers: "Flush" feat Riz MC & Envy
Dirigido y animado por Tom Werber, con la obra de Dan Hilliars /
Directed and animated by Tom Werber, featuring the artwork of Dan Hillier
Animación adicional de / Additional animation by David Gray, Yasmin Moktarzadeh and Sarah Harris


«Se me acercó Eddy, de Losers, para hablar sobre la posibilidad de animar algo de mi obra para su single debut. Un amigo mutuo puso a Tom (director y animador) en contacto conmigo, y pasamos el tiempo siguiente trabajando en el vídeo.
Tom me trajo un storyboard y yo le suministré mi obra, y también creé algunos personajes nuevos. A partir de ahí lo dejé junto con su equipo de animadores para que le dieran vida cuidadosamente, enviándole intermitentemente nuevos trozos para que él los agregara a lo que fuera surgiendo por el camino. La historia fue una idea de Tom, e hicimos juntos algunos cambios para producir una mayor diversión y extrañeza. Ambos estuvimos muy contentos con los resultados, y desde entonces hemos recibido encargos para hacer otros 3 cortos de animación para rellenar un enorme zootropo en la primera sala de la muestra de Marc Jacobs & Louis Vuitton en Marzo en el Louvre.»

«I was approached by Eddy from Losers to talk about the possibility of animating some of my work for their debut single. A mutual friend put Tom (director and animator) and I in touch and we spent the next little while working on the video.
Tom came up with a storyboard and I supplied him with my artwork, as well as creating some new characters. From there I left him and his team of animators to painstakingly bring it alive, intermittently sending over new bits and pieces for him to add in to whatever he had come up with along the way. The story was Tom's idea and we brought in a few changes together to allow further playfulness and strangeness to occur. We were both well pleased with the results and have since been commissioned to make 3 short animations that will fill a huge zoetrope in the first room of the Marc Jacobs & Louis Vuitton show in the Louvre in March.»

Alan Magee [Pintura, Textiles]

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Tal vez la obra de Magee sea uno de los ejemplos más claros de la diferencia entre el hiperrealismo y la fotografía. A la vista de una de sus herramientas o conjuntos de piedras, no es difícil dejarse llevar por la idea de que se está ante objetos que uno podría coger con sólo estirar la mano. Y sin embargo no se tiene la impresión de estar mirando una fotografía. Este hecho distintivo es clave en la obra de Alan, por cuanto es una invitación al espectador a tomarse su tiempo para involucrarse con la pintura, hacerla suya mediante una contemplación detenida para descubrir el misterio y la belleza intrínseca de objetos tan prosaicos como una llave inglesa o un pincel sucio.
Textos en inglés al final de este post, marcados con [*] al final de cada párrafo.

Perhaps the work of Magee is one of the clearest examples of the difference between hyperrealism and photography. Looking at of one of his tools or stones is not difficult to go with the idea that one could pick it just by reach out. And yet you do not have the impression of looking at a photograph. This distinctiveness is key in the work of Alan, because it is an invitation to the viewer to take time to get involved with painting, to appropriated it by a careful contemplation to discover the mystery and intrinsic beauty of that kind of prosaic items such as a wrench or a dirty brush.
English text at the end of this post, marked with [*] in each paragraph.
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Alan Magee

Alan Magee, San Francisco Art Galleries

Nacido en 1974 en Newton, Pennsylvania, Alan Magee asisitió a la escuela de arte en Filadelfia y, en 1969, comenzó a trabajar como ilustrador de libros y editorial en Nueva York.
A fines de los '70 comenzó a concentrarse en sus pinturas personales, y en 1980 presentó su primera exposición en solitario en la Galería Staempfli de Nueva York. [1]

"Campo / Field", acrílico y óleo sobre panel / acrylic and oil on panel, 16" x 22", 2006

"Tesoro / Treasury", acrílico sobre panel / acrylic on panel, 23 3/4" x 17 3/4", 2009

Tres espacios de estudio sustentan las diversas visiones de Alan Magee: sus rápidos bocetos a lápiz hechos en dos minutos, pinturas realistas, monotipos inquietantes, tapices de pared, collages y esculturas hechas de materiales encontrados y objetos "embrutecidos". Su estudio principal es abierto y enorme, y se despliega a lo largo del segundo piso de su casa, con múltiples caballetes en activo, grupos de figuras en proceso, materiales dispares por todas partes, y una luz de la costa que es para morirse. Los otros dos estudios son edificios independientes al otro lado de la calle; uno para la impresión de sus monotipos y colgar los tapices que diseña cuidadosamente, y otro para todo el trabajo duro y sucio, como aserrado de viejos trozos de madera, reconfiguración de tuberías oxidadas, láminas de metal. Magee se crió en un pequeño pueblo de Pennsylvania en el que a los 5 años de edad tenía vía libre para pasear por los pequeños arroyos que atravesaban el centro de la ciudad, para explorar un montón y gorronear detrás de las estaciones de servicio. Fue entonces cuando aprendió a "tomar un par de palos y hacer algo con ellos", cosa que, amablemente dice, sigue haciendo hasta hoy. [2]

"Oficina de lo no reclamado / Bureau of the Unclaimed", tapiz de jacquard / jacquard tapestry, 55" x 24", 2003

"Cadena / Chain", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 58" x 84", 2008

Probablemente su obra más reconocible es la pintura de piedras de la playa y herramientas solitarias que pueden llenar un enorme lienzo. Son tan realistas que uno podría desear alcanzar y tocarlas, sentir el calor del sol en la superficie. Durante años Magee trabajó día y noche, horas interminables, pero ahora está "en paz  con el hecho de que hay otras cosas que hay que hacer." Y utilizar medio día, tres cuartas partes de un día, es suficiente. [3]

"Aforismo / Aphorism", acrylic on canvas / acrylic on canvas, 49" x 69", 2010

"Rima / Rhyme", tapiz de jacquard / jacquard tapestry, 52 1/4" x 22 1/2", 2005

«Mi madre me dice que andaría por los 2 años cuando empecé a dibujar. Ella era a la vez una dibujante apasionada, pero se crió en una familia religiosa que utlizaba sus dibujos para empezar el fuego. Y por ello se aseguraba (nunca de manera dramática o abierta) de que se me respetara por hacerlo. Se aseguraba de que siempre tuviera lo que necesitaba. un pequeño escritorio, lápices de color, papel de máquina de escribir y cartulinas.» [4]

"Historia natural / Natural History", acrílico y óleo sobre panel / acrylic and oil on panel, 16" x 22", 1997

"Arreglo para cello y arpa / Arrangement for Cello and Harp"
 Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 40 1/4" x 42", 2014

"Herencia / Inheritance", tapiz de jacquard / jacquard tapestry, 100" x 33", 2004

Sobre los tapices, Alan cuenta: 
«Los inventores de este proceso (una especie de interfaz entre un telar de Jacquard y una moderna Macintosh actualizada) son amigos míos. En 2002 llegaron a mi muestra en Los Angeles y se ofrecieron a enseñarme cómo hacer tapices de mi trabajo. Inmediatamente me di cuenta de la intensidad de estas piezas hechas en grande (a menudo 11 pies de alto por 8 pies de ancho) y cómo el tapiz permitía una visión diferente, no desviada por la técnica del artista, por las cualidades de la pintura. Desde el principio parecía irresistiblemente fascinante.
Lleva mucho tiempo trasladar cada pieza a un diseño tejible. Tengo que mirar píxel a píxel, y trabajar en pequeños charcos de color. Luego están tejidas en Bélgica.» [5]

"Theatrum Mundi", acrílico sobre panel / acrylic on panel, 24" x 32", 2010

"Pincel / Brush", tapiz de jacquard / jacquard tapestry, 75" x 60", 2005

Sobre la idea de "enlentecer" la atención propia y del observador sobre el tema de la obra:
«Creo es una parte muy importante de lo que intento hacer, y está asociada a una creencia por mi parte (tal vez aquí es donde radica el acto de fe) de que hay un valor en la atención sostenida durante un largo tiempo, y eso implica que la complejidad de algo no es inmediatamente evidente. Se esconde de nosotros hasta que la invitamos a salir. Si te tomas el tiempo con algo, a menudo hace que se revele como increíble, pero debes sobrepasar ese umbral de familiaridad. Y para mí no comienza preguntándome cómo podría hacer una buena imagen, sino reconociendo, por ejemplo, la complejidad increíble en la red de rasguños en una llave inglesa de metal, y pensando que nunca podría conseguir hacerlo bien. Abordándolo de esa manera, a través de una verdadera fascinación, el proceso comienza a trabajar. Y a medida que te sumerges cada vez más en ello, se convierte en algo cada vez más maravilloso.»

«Creo que entonces nos encontramos con la necesidad de hacer una comparación entre una fotografía de alta resolución, y una pintura que yo podría hacer durante un período sostenido. En la pintura, algo de esa lucha por conseguir lo correcto, sigue estando, y está disponible permanentemente para quien mira el cuadro. La foto ofrece algo diferente. No tengo nada en contra de la fotografía; tiene grandes fortalezas. Pero la fotografía no es un medio tranquilo. No hace enlentecer la mirada del espectador. El tiempo y la lucha inevitable del trabajo se adhieren a la pintura y le otorgan una suerte de fricción. Así que, cuando oigo a alguien decir de la pintura realista "¿por qué no tomar una fotografía?" pienso, "bueno, no debe haber mirado pinturas y fotografías." La pregunta, por supuesto, no es real y no pretende ser contestada, pero sí parece indicar que la persona que la formula no ha experimentado esa sensación de fricción que he mencionado. Y la obtienes cuando sientes que tu propia receptividad va en aumento, y eso sólo se consigue por la experiencia.» [6]

"Cicerone", acrílico y óleo sobre panel / acrylic and oil on panel, 24" x 18", 2010

Alan con su "Montón de piedras" / with his "Cairn"

"Montón de piedras / Cairn", tapiz de jacquard / jacquard tapestry, 110" x 82", 2004

«Es difícil poner un principio [a mi interés por la cultura alemana]; ciertamente se remonta a alrededor de 1980. Mi esposa, Monika, que es alemana, tuvo algo que ver en ello. Hablar de cómo, en lugar de cuándo, podría ser un punto mejor para empezar. Creo que todas estas cualidades inhumanas y frías del arte estadounidense contemporáneo de las que hemos estado hablando (el cinismo e ironía autoconsciente del minimalismo, el embrutecimiento de la escuela del expresionismo abstracto)... Encontré las cualidades exactamente opuestas en el arte alemán. A menudo es tan emocional ... Käthe Kollowitz, Otto Dix [ver más abajo], las películas expresionistas, las películas más recientes de Wim Wenders o Hans Jurgen Siberberg; este arte nunca rehuyó los sentimientos, las emociones humanas, a menudo manejados con gran belleza. Piensa, por ejemplo, en los dibujos de Kollowitz. ¿Quién en la historia del arte ha mostrado más empatía que Kollwitz? Hay aquí, un artista tras otro, haciendo pinturas y esculturas con vida y con sentimiento. Sé que Alemania tiene sus movimientos frescos, modernos y posmodernos, pero incluso sus artistas contemporáneos, como (Anselm) Keifer ... no puedes negar que se siente algo en la presencia de esas pinturas. Cine, literatura ... en su mayoría alemanes, pero eso también se ramifica a mirar también el arte y la literatura de Europa Central.

En un viaje, allá por la década de 1980, Monika y yo visitamos el Instituto Goethe en Londres. Descubrimos su biblioteca y volvimos día tras día a mirar películas y su gran colección de libros de arte. Una gran cantidad de este material era nuevo para mí, al igual que Hannah Höch y sus maravillosos collages de la década de 1920. Para mí, la extrañeza y la emoción en ese trabajo, y tal vez llegar a la mayoría de edad con películas como Nosferatu y El gabinete del Dr. Caligari, me preparó para ello...

Pensé que este tipo de arte era algo que yo podía hacer. Puedo recordar mirar un libro de Otto Dix, cada nueva página mejor que el anterior ... cada retrato expresando su maravillosa, diversa, perversa, psicología humana.» [7]

"Cartas recolectadas / Collected Letters", litografía en 10 colores / 10 color lithograph, 13 1/4" x 9 3/4", 1984

"Constelación con ladrillo / Constellation with Brick"
Acuarela y lápiz sobre papel / watercolor and pencil on paper, 30" x 40", 1983

«Un dibujo anatómico que hice cuando era un niño de 6 años, contiene un dibujo del lápiz que utilicé para hacer ese dibujo. ¿Cómo sabía yo que era significativo dibujar ese lápiz? Pensaba que la idea de dibujar mis herramientas, mis lápices, tubos de pintura y pinceles, era una idea reciente; la auto-conciencia, el gesto levemente irónico de un hombre viejo. Pero tengo que reconocerlo, ya desde un niño preescolar, parecía saber (reconocer) qué era lo mío.» [8]

"Hélice / Helix", tapiz de jacquard / jacquard tapestry, 100" x 33", 2004

"Caja de pinturas / Paintbox", impresión de inyección de tinta / archival inkjet print, 19" x 13"

«Veo muchas correspondencias entre mis experiencias de la infancia y mi obra de hoy. El hilo de continuidad es tan fuerte que he aprendido a confiar en él y seguirlo. Tengo la sensación de que este trabajo es una sola pieza de tela que se va plegando y replegando en configuraciones nuevas e inesperadas. Mirando los dibujos de mi infancia que mi madre había guardado, puedo ver las correspondencias directas con mi trabajo actual. El director de un documental de PBS sobre mi obra encontró un cuadro de un pequeño montón de huesos, un dibujo lineal rudimentario que había hecho cuando tenía cinco años, y un dibujo reciente que era prácticamente la misma pieza que el anterior. Trabajó con estas dos imágenes, pasadas y presentes, en una disolución en su película. Cuando mi esposa Monika y yo vimos este clip por primera vez, nos reímos a carcajadas. Ninguno de nosotros tenía la menor idea de que yo había dibujado esta imagen unos cuarenta años antes, cuando era un niño de cinco años de edad.» [9]

"Los otros / The Others", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 60" x 70", 1989

"Pieza del tiempo / Time Piece", acrílico sobre panel / acrylic on panel, 14" x 16", 2006

«Mi esposa Monika ha observado cuán ricos eran la mayor parte de los escritos sobre arte hace veinte años. No necesitabas explicar un punto sutil a nadie; se esperaba que los lectores lo entendieran, y así era. Las grandes instituciones de arte de hoy parecen ser inmunes a la sutileza. Cuando el arte disiente de este crudo status quo cae lejos de la visibilidad; los actos de disidencia hoy se ven en gran parte como fracasos al intentar adaptarse a los mandatos de la moda. Trabajar dentro de esta condición cultural es el reto. Mi esperanza es que el arte pueda seguir haciendo la diferencia en las vidas individuales, cuando no en cultura en general, y que el trabajo realizado de buena fe continuará encontrando su camino hacia las personas que lo necesitan.» [10]

**Izq./ Left: "Oda / Ode", acrílico sobre panel / acrylic on panel, 30" x 22", 2004
Der./ Right: "Cosapoema / Thingpoem", tapiz de jacquard / jacquard tapestry, 100" x 33", 2004

"Anillos / Rings", acrílico y óleo sobre panel / acrylic and oil on panel, 16" x 22", 2010
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Los textos están tomados del sitio web del artista, de un perfil y entrevista de Annaliese Jakimides publicado en la revista Bangor Metro, Mayo de 2009, de una conversación con Alan Magee por Ronald Bernier, y de una entrevista de Helen Ferulli en el estudio del artista en Maine, 19 de Agosto de 2002.

Texts from artist's website, from a profile and interview by Annaliese Jakimides, published in Bangor Metro magazine, May 2009, from a conversation with Alan Magee, by Ronald Bernier, and from an interview by Helen Ferulli: Alan Magee, in his studio in Cushing Maine August 19, 2002
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Más imágenes e información sobre Alan en / More images and information about Alan in:
Website, Forum Gallery

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Una charla entre Alan Magee y Carolyn Anthony
Dirigida por Biblioteca Pública Skokie

A Discussion with Artist, Alan Magee and Carolyn Anthony
Director: Skokie Public Library





Algunas referencias / Some References

Hannah Höch


Hannah Höch, artista dadaísta alemana nacida en 1889. Es conocida por su trabajo del período de Weimar, cuando fue una de los creadoras del fotomontaje.
En 1912 empezó las clases en la Escuela de Artes Aplicadas de Berlín bajo la dirección del diseñador de cristal Harold Bergen. Eligió el diseño de cristal y artes gráficas, en lugar de bellas artes, para complacer a su padre. En 1914, al comienzo de la Primera Guerra Mundial, dejó la escuela y regresó a su casa de Gotha a trabajar con la Cruz Roja. En 1915 regresó a la escuela, entrando en la clase de gráficos de Emil Orlik en el Instituto Nacional del Museo de Artes y Oficios. También en 1915 comenzó una influyente amistad con Raoul Hausmann, miembro del movimiento dadaísta de Berlín. La participación de Höch con los dadaístas de Berlín comenzó en serio en 1917. Después de sus estudios trabajó en el departamento de artesanías para Ullstein Verlag (El Ullstein Press), diseño de vestidos y patrones de bordado para Die Dame (La Señora) y Die Praktische Berlinerin (La Mujer Práctica de Berlín). La influencia de este trabajo inicial y su formación se puede ver en su obra posterior, involucrando referencias a los patrones para vestidos y textiles. De 1926 a 1929 vivió y trabajó en los Países Bajos. Höch hizo muchas amistades influyentes en los últimos años, con Kurt Schwitters y Piet Mondrian, entre otros. Höch, junto con Hausmann, fue una de las pioneras de la forma de arte que se conocería más tarde como fotomontaje.
Murió en 1978.

"Amor en el bosque / Love in the Bush", 1925

"Amor / Love", 1931

Hannah Höch, German Dada artist born in 1889. She is best known for her work of the Weimar period, when she was one of the originators of photomontage.
In 1912 she began classes at the School of Applied Arts in Berlin under the guidance of glass designer Harold Bergen. She chose the curriculum glass design and graphic arts, rather than fine arts, to please her father. In 1914, at the start of World War I, she left the school and returned home to Gotha to work with the Red Cross. In 1915 she returned to school, entering the graphics class of Emil Orlik at the National Institute of the Museum of Arts and Crafts. Also in 1915, Höch began an influential friendship with Raoul Hausmann, a member of the Berlin Dada movement. Höch's involvement with the Berlin Dadaists began in earnest in 1917. After her schooling, she worked in the handicrafts department for Ullstein Verlag (The Ullstein Press), designing dress and embroidery patterns for Die Dame (The Lady) and Die Praktische Berlinerin (The Practical Berlin Woman). The influence of this early work and training can be seen in her later work involving references to dress patterns and textiles. From 1926 to 1929 she lived and worked in the Netherlands. Höch made many influential friendships over the years, with Kurt Schwitters and Piet Mondrian among others. Höch, along with Hausmann, was one of the first pioneers of the art form that would come to be known as photomontage.
She died in 1978.

"El padre / The Father", 1920
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Anselm Kiefer


Anselm Kiefer, pintor y escultor alemán nacido en 1945. Estudió con Joseph Beuys y Peter Dreher durante la década de 1970. Sus obras incorporan materiales como la paja, ceniza, arcilla, plomo y goma laca.
En toda su obra, Kiefer discute con el pasado y aborda temas tabú y polémicos de la historia reciente. Su obra refleja temas del gobierno nazi, por ejemplo, la pintura "Margarethe" (aceite y paja sobre lona) fue inspirada por el poema conocido de Paul Celan "Todesfuge" ("Fuga de la Muerte").
Sus obras se caracterizan por una voluntad inquebrantable para enfrentar el oscuro pasado de su cultura, y el potencial no realizado, en obras que a menudo se hacen en una gran escala de confrontación muy adecuada para los sujetos. También es característico de su trabajo encontrar las firmas y/o nombres de personas de importancia histórica, personajes legendarios o lugares especialmente preñados de historia. Todos estos son sellos codificados a través de los cuales Kiefer pretende procesar el pasado; esto se ha traducido en que su trabajo se vincule con un estilo llamado Nuevo Simbolismo.
Kiefer ha vivido y trabajado en Francia desde 1991. Desde 2008 ha vivido y trabajado principalmente en París y en Alcácer do Sal, Portugal.

"der Morgenthau-Plan / El plan Morgenthau", 2012.
© Anselm Kiefer, foto de / photo by Charles Duprat

"laßt tausend Blumen blühen / Que florezcan mil flores / Let a Thousand Flowers Bloom"
© Anselm Kiefer, foto de / photo by Charles Duprat

Anselm Kiefer, German painter and sculptor born in 1945. He studied with Joseph Beuys and Peter Dreher during the 1970s. His works incorporate materials such as straw, ash, clay, lead, and shellac. 
In his entire body of work, Kiefer argues with the past and addresses taboo and controversial issues from recent history. Themes from Nazi rule are particularly reflected in his work; for instance, the painting "Margarethe" (oil and straw on canvas) was inspired by Paul Celan's well-known poem "Todesfuge" ("Death Fugue").
His works are characterised by an unflinching willingness to confront his culture's dark past, and unrealized potential, in works that are often done on a large, confrontational scale well suited to the subjects. It is also characteristic of his work to find signatures and/or names of people of historical importance, legendary figures or places particularly pregnant with history. All of these are encoded sigils through which Kiefer seeks to process the past; this has resulted in his work being linked with a style called New Symbolism.
Kiefer has lived and worked in France since 1991. Since 2008, he has lived and worked primarily in Paris and in Alcácer do Sal, Portugal.

"Tempelhof", óleo, acrílico, terracota y sal sobre lienzo / oil, acrylic, terracotta and salt on canvas, 380 x 760 cm., 2010-11
 © Anselm Kiefer, Foto / Photo: Ben Westoby
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Sobre los otros artistas mencionados / About the other mentioned artists:

Otto Dix[Arte perdido (III)]
Käte Kollwitz[Aniversarios (XXIV)], [Max Ginsburg (Pintura)]



Textos en inglés / English Text

[1]
Born in 1947 in Newtown, Pennsylvania, Alan Magee attended art school in Philadelphia and, in 1969, began working as an editorial and book illustrator in New York.
In the late 1970s Magee began to concentrate on his personal paintings and in 1980 presented his first solo exhibition at Staempfli Gallery in New York.

[2]
Three studio spaces support the varied visions of Alan Magee—quick two-minute pencil sketches, realist paintings, haunting monotypes, wall-sized tapestries, collages, and sculptures made from found materials and “brutalized” objects. His primary studio is open and huge, running along the second floor of his house, with multiple easels in action, clusters of figures in process, disparate materials everywhere, and that coastal light that is to die for. The other two studios are freestanding buildings across and up the road a bit—one for printing his monotypes and hanging the tapestries he meticulously designs, and one for all the rough and dirty work, like sawing up old hunks of wood, reconfiguring rusty pipes, sheets of metal.  Magee grew up in a small Pennsylvania town in which 5-year-olds had free reign to wander the little creeks that ran through the town center, to explore back lots and scrounge behind gas stations. That’s when he learned “to take a couple of sticks and make something of them,” which he will gladly tell you he is still doing to this day.

[3]
Probably his most recognizable work is the paintings of beach stones and solitary tools that can fill a huge canvas. They are so realistic you might want to reach out and touch them, feel the sun’s heat on the surface. For years Magee worked day and night, ferocious hours, but he is now “peaceful about the fact there are other things that need doing.” And if he gets half a day, three-quarters of a day, it’s enough.

[4]
«My mother tells me I was about 2 when I started to draw. She was a passionate drawer herself, but she grew up in a religious family that used her drawings for kindling in the fire. And so she made sure—never in a dramatic or outspoken way—that I was respected for doing that.  She made sure that I had everything I needed—a little desk, colored pencils, typewriter paper or shirt cardboards.»

[5]
About tapestries, Alan tells:
«The inventors of this process—kind of an interface between a Jacquard loom and a modern, up-to-date Macintosh—are friends of mine. In 2002 they came to my show in Los Angeles and they offered to teach me how to make tapestries of my work. Immediately I realized the intensity of these pieces made large [often 11 feet high by 8 feet across] and how the tapestry allowed a different viewing, not sidetracked by the artist’s technique, by the paint qualities. From the beginning it seemed irresistibly fascinating.
It takes me quite a long time to translate each piece into a weavable design. I have to look at it pixel by pixel, and work in little pools of color.  Then they’re woven in Belgium.»

[6]
About the idea of slowness in artist's and the viewer’s attention to the subject matter:
«I think that’s an extremely important part of what I’m trying to do, and it’s attached to a belief on my own part – maybe this is where the act of faith comes in – that there’s a value to sustained attention over a long time, and that implies that the complexity of something isn’t immediately apparent. It hides from us until invited out. If you take time with something, it often does reveal itself to be amazing, but you have to get past that threshold of familiarity. And for me it doesn’t begin by asking myself what might make a good picture, but by recognizing, for example, the incredible complexity in a network of scratches on a metal wrench, and thinking that I could never get that right. Approaching it that way, through a genuine fascination, the process begins to work. And as you get further into it it becomes increasingly marvelous.»

«I think then we run into the necessity of making a comparison between a high-resolution photograph, and a painting that I might make over sustained period. In painting, something of that struggle in getting the thing right, remains, and it is perennially available to somebody looking at the picture. The photo gives something different. I have nothing against photography; it has great strengths. But photography is not a still medium. It does not slow a viewer down. Time and the inevitable struggle of work adhere to the painting and give it a kind of friction. So, when I hear someone say of realist painting “why not just take a photograph?” I think, “well, you must not have really looked at either photographs or paintings.” The question is, of course, not a real one and is not meant to be answered, but it does seem to indicate that the person asking it has not experienced that sensation of friction that I mentioned. And you get that at times when you feel your own receptivity growing, and you only get it experientially.»

[7]
«It’s difficult to put a beginning on [my interest in German culture], certainly travels there since about 1980, with my wife, Monika, who is German, had something to do with it. To say why rather than when might be a better place to start. I think all of these cold, inhuman qualities of contemporary American art we’ve been talking about –the cynicism and self-conscious irony of Minimalism, the brutishness of the Abstract Expressionist school…I found just the opposite qualities in German art. It’s often so emotional…Käthe Kollowitz, Otto Dix [see above], the expressionist films, the more recent films of Wim Wenders or Hans Jurgen Siberberg—this art never shied away from feelings, from human emotions, often handled with great beauty. Think, for instance, about Kollowitz’s drawings. Who in the history of art has shown more empathy than Kollwitz? Here, one artist after another, making paintings and sculpture alive with feeling. I know Germany has its cool, modern and postmodern movements, but even their contemporary artists, like (Anselm) Keifer…you can’t deny that you feel something in the presence of those paintings. Film, literature…mostly German, but that’s branched off into looking at the art and literature of Central Europe too.

On a trip, back in the early 1980s, Monika and I visited the Goethe Institut in London. We discovered their library and went back day after day looking at films and through their collection of great art books. A lot of this stuff was new to me, like Hannah Höch and her marvelous collages from the 1920s. For me, the strangeness and the emotion in that work—and maybe coming of age with films like Nosferatu and The Cabinet of Dr. Caligari prepared me for it…

I thought this kind of art was something I could do myself. I can remember looking through an Otto Dix book, each new page better than the last…each portrait expressing his wonderfully, diverse, perverse, human psychology.»

[8]
«An anatomical drawing that I made as a child of six contains a drawing of the pencil which I used to make that drawing. How did I know that it was significant to draw that pencil? I thought the idea of drawing my tools, my pencils, paint tubes, and brushes, was a recent thought—the self-aware, slightly ironic gesture of an older man. So I have to recognize that, even as a preschool child, I seemed to know—to recognize—what was my own.»

[9]
«I see many correspondences between my childhood experiences and my work today. The thread of continuity is so strong that I have learned to trust it and to follow it. I have the sense that this work is one single sheet of fabric and it keeps folding and refolding in new and unexpected configurations. Looking through the childhood drawings my mother had saved I can see direct correspondences to my current work. The editor of a PBS documentary about my work found a picture of a little pile of bones—a rudimentary line drawing that I had made when I was five—and a recent drawing that was virtually the same piece as the earlier one. She worked these two images, past and present, into a lap dissolve in her film. When my wife, Monika, and I saw this clip for the first time we just laughed out loud. Neither of us had any idea that I had drawn this picture some forty years earlier, as a five-year-old.»

[10]
«My wife Monika has observed how rich much of the art writing was twenty years ago. You didn’t need to explain a subtle point to anyone, readers were expected to understand, and they did. The large art institutions of today seem to be immune to subtlety. When art dissents from this crude status quo it falls away from visibility; acts of dissent today are largely seen as failures to adapt to the mandates of fashion. Working within this cultural condition is the challenge. My hope is that art can continue to make a difference to individual lives, if not to the culture at large—and that work made in good faith will continue to find its way to people who need it.»


Recolección / Compilation (XIV)

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Glenn Brown
(Hexham, Northumberland, Inglaterra / England, 1966-)

"La felicidad en el bolsillo propio / The Happiness in One’s Pocket"
Óleo sobre panel / oil on panel, 225 x 180 cm., 2012. Colección privada / Private collection
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Shamekh Bluwi
شامخ
(Amman, Jordania / Jordan)

"Centro de Amman / Downtown Amman", papel recortado sobre fondo urbano / cut paper on urban background
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Cultura asiria / Assyrian Culture

Placa calada asiria con esfinge con cabeza de cordero / 
Assyrian openwork plaque with ram-headed sphinx"
Marfil / ivory, 7,8 x 8 x 0,8 cm., ca. siglos IX-VII a.C / 9th–8th century B.C.
Mesopotamia, Nimrud (antigua / ancient Kalhu)
Metropolitan Museum (Nueva York, Estados Unidos / NY, USA)
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Egbert van der Poel
(Delft, Holanda / Netherlands, 1621-1664)

"Fuego en un pueblo / Fire in a Village"
Óleo sobre panel / oil on panel, 26 x 35 cm., 2ª mital s.XVII / 2nd. half of 17th century.
Museo Hermitage (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia)
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Jonathan Borofsky
(Boston, Massachusetts, Estados Unidos / USA, 1942-)
en / at Ogunquit, Maine

"Caminando hacia el cielo / Walking to the Sky", Rockefeller Center, Nueva York, Estados Unidos / NY, USA

Más sobre Borofsky en "El Hurgador" / More about Borofsky in this blog:
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Dorota Górecka
(Polonia / Poland) en / atŁódź

"Ofelia / Ophelia", de un taller con / from workshop withMarta Voodica Ciosek 
Modelo / Model: Kaja Tworek - Academia de maquillaje / Mua: Agnieszka Szumska 
Diseño / Designer: Waleria Tokarzewska
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Gustav Klimt
(Baumgarten, Austria, 1862-1918)

"Schubert am Klavier / al piano / at the piano", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 150 x 200 cm., 1899
Destruida en 1945 cuando en su retirada los Nazis incendiaron el castillo Immendorf / 
destroyed in 1945 when retreating Nazis set Schloss Immendorf on fire.

Más sobre Klimt en "El Hurgador" / More about Klimt in this blog:
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Mike Winkelmann (Beeple)
(Appleton, Wisconsin, Estados Unidos / USA)

"Descubrimiento de Formación Tinct / Tinct Formation Discovery"
Una imagen al día / a picture a day, Junio / June, 2015
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Yuko Shimizu 
清水裕子
(Japón / Japan) en / at Nueva York, Estados Unidos / NY, USA

Ilustración para la revista Men's Health, ed. agosto, 2014 / for Men’s Health Magazine July/August 2014 issue
1 de 3 ilustraciones para un artículo sobre ahogamientos en el océano / 
1 of 3 illustrations for a feature article on drowning in ocean.
artículo escrito por / article written by Jim Thornton.
dirección artística / art direction by Mike Schnaidt

Más sobre Yuko Shimizu en "El Hurgador" / More about Yuko Shimizu in this blog:
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May von Krogh
(Noruega / Norway)

"La trompeta de los ángeles y el violín de la luna lechosa / 
Angels Trumpet and the Milky Moon Violin"
Parte de una instalación / part of an installation, carámica / ceramic, 145 x 40 x 35 cm.
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Sir William Russell Flint
(Edinburgo, Escocia / Edinburgh, Scottland, 1880-1969)

"Séptima de las ilustraciones de 'Princesa Ida' de William Russell, en el libro Savoy Operas / 
Seventh of William Russell Flint's Princess Ida illustrations in the book Savoy Operas", 1909
"Aunque no soy más que una niña, Me lanzo al desafío / 
Though I am but a girl, Defiance thus I hurl."
Gilbert, W. S. (1909). Savoy Operas. Flint, W. Russell (illus.) (1st ed.). London: George Bell & Sons.
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Koo Sung Soo
구성수
(Corea del Sur / South Korea, 1970-)

"Autobús de tour / Tour Bus", 150 x 200 cm., 2005
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Francis Towne
(Exeter, Reino Unido / UK, 1739/40-1816)

"El puente moderno de Narni / The Modern Bridge at Narni"
Acuarela y tinta marrón sobre papel crema levemente texturizado / 
watercolor and brown ink over graphite on medium slightly textured cream laid paper, 21 x 29,8 cm., 1795. 
Yale Center for British Art (Universidad de Yale, New Haven, Connecticut, Estados Unidos / USA)
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Margaret Bowland
(Burlington, Carolina del Norte, Estados Unidos / NC, USA, 1953-)

"Retrato de / Portrait of Kenyetta and Brianna", óleo sobre lino / oil on linen, 203 x 183 cm., 2008
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Alexandros Panagopoulos (begemott)
(Grecia / Greece
en Nueva York, Estados Unidos / at New York City, USA

"El intercambio de flores (versión en color) / The Exchange of Flowers (colored version)"
Arte digital / digital art, 2009
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Ignacio Iturria
(Montevideo, Uruguay, 1949-)

"Catarata / Fall", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 2008.
Museo Nacional de Artes Visuales (Montevideo, Uruguay)

Más sobre Iturria en "El Hurgador" / More about Iturria in this blog:
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George Christakis
(Creta, Grecia / Crete, Greece, 1988-)

"El pionero / The Pioneer", v1, arte digital / digital art
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Jeremy Farris
(1969-) en / at Australia

Una modelo nadando con un tiburón ballena / A model swimming with a Whale Shark", Cancun, México
© Copyright Jeremy Ferris
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Douglas Hale

"Sin aliento / Breathless", collage
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Joyce Polance
(Nueva York, Estados Unidos / NY, USA, 1965-)
en / at Chicago, Estados Unidos / USA

"Propuesta / Proffer", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 72" x 60"© j. polance, 2008
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Zak Smith
(Siracusa, Nueva York, Estados Unidos / Syracuse, NY, USA)
en / at Brooklyn, Nueva York, Estados Unidos / NY, USA

"Chicas haciendo de chica desnuda: Gia / Girls in the Naked Girl Business: Gia"
Acrílico y tinta sobre papel / acrylic and ink on paper, 40" x 30", Jordan, 2012

Aniversarios (LXXX) [Julio / July 19-25]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 19 de Julio es el cumple de

Josep de Togores i Llach, pintor español nacido en Cerdanyola del Vallés en 1893.
A los 13 años Togores sufrió una meningitis y se queda sordo, lo que le llevó a interesarse por la pintura. Comenzó su formación artística con Joan Llaverias y Fèlix Mestres.
Gracias a una beca del Ayuntamiento de Barcelona, en 1907 marcha a París, donde entra en contacto con la obra de Paul Cézanne. En Bruselas pinta un cuadro (El loco de Cerdanyola) que es premiado en la Exposición Internacional que celebra la ciudad. Más tarde comienza una etapa impresionista en su obra.
De vuelta en Cataluña, Togores entra a formar parte de la Agrupación Courbet de Barcelona, y una vez finalizada la Primera Guerra Mundial vuelve a París, donde entra en contacto con el surrealismo gracias a su relación con artistas como Georges Braque, Arístides Maillol, Max Jacob o Picasso, llegando a firmar un contrato de exclusividad con el marchante de éste, Daniel-Henri Kahnweiler, hasta 1931. Este fue su período más surrealista y experimental.
Durante los años 1920 comienza a ser conocido en Europa, y durante los años siguientes explora diferentes estilos como el cubismo o el academicismo, dejándose influir por las vanguardias de la época y llegando a tener influencias del clasicismo.
Murió en 1970.

"Joven durmiendo / Young Girl Sleeping", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 73 cm., 1923. Museo Nacional de Arte de Cataluña (Barcelona, España / Spain)


El 20 de Julio es el cumple de

Gustavo "Ciruelo" Cabral, artista de fantasía argentino nacido en 1963, cuyo trabajo se centra especialmente en dragones.
Nació con daltonismo. A los 13 años Cabral se inscribió en el Instituto Fernando Fader, una escuela de arte donde empezó sus estudios formales. Comenzó a trabajar como ilustrador a los 18 años para una empresa de publicidad gráfica, y poco después comenzó a hacer portadas de cómics. En 1987 se trasladó a Barcelona, ​​España, donde dibujó portadas de libros de fantasía y dibujos para Timun Mas, una editorial que se especializa en el género.
Luego amplió sus horizontes y trabajó para empresas de todo el mundo; Estados Unidos, Alemania y España. Sacó las portadas de las Crónicas de la Guerra de las Sombras, una trilogía Bantam escrita por George Lucas. También ha realizado portadas de discos de música, como el de Steve Vai "The Seventh Song", y de revistas, entre otras Playboy y Heavy Metal. Su obra también se puede ver en algunas cartas de Magic: The Gathering.
Cabral utiliza principalmente el acrílico y el óleo, pero también una serie de otras técnicas, incluyendo sus cuadros famosas y distintivas pinturas en rocas, que él creó y llamó 'Petropictos' (literalmente, 'pinturas de piedra'). Ha publicado cuatro libros con sus dibujos: El Libro del Dragón (1990), Ciruelo (1990), Luz, el arte de Ciruelo (1997) y la Magia, el libro de bocetos de Ciruelo(2000).

"Hobsyllwin, El guardián blanco / The White Guardian", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 70 x 50 cm., 2003
Hobsyllwin es el personaje principal en la historia del libro "Hadas y dragones" / 
is the main character in the story of the book Fairies and Dragons


El 21 de Julio es el cumple de

Lasar Segall, pintor, grabador y escultor brasileño nacido en Lituania en 1891. La obra de Segall se deriva del impresionismo, el expresionismo y el modernismo. Sus temas más importantes son representaciones de sufrimiento humano, la guerra, la persecución y la prostitución.
Segall se trasladó a Berlín a los 15 años y estudió por primera vez en la Berlín Königliche Akademie der Künste de 1906 a 1910. A finales de 1910 se trasladó a Dresde para continuar sus estudios en la Kunstakademie de Dresde como "Meisterschüler".
A continuación comenzó a expresarse con mayor libertad y desarrolló su propio estilo, que incorpora aspectos del cubismo. Sus pinturas anteriores, a lo largo de 1910 a principios de 1920, representan figuras con problemas rodeadas de entornos claustrofóbicos, con rasgos exagerados y audaces, influenciado por figuras tribales africanas.
Mientras estuvo en Brasil sus pinturas fueron influenciados en gran medida por el Barrio Rojo, en Río de Janeiro. Muchos artistas brasileños influenciaron los temas de Segall y fortalecieron su forma cubista. Se aclimató a su país recién descubierto y pintó temas del campo, mulatos, favelas, las prostitutas y las plantaciones de Brasil. Debido a la naturaleza dura y extrema de la representación de Segall de las prostitutas y del sufrimiento humano, su obra fue bastante polémica.
Murió en 1957.

"Retrato de / Portrait of Mário de Andrade", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 72 x 60 cm., 1927. Coleção de artes visuais do IEB-USP


El 22 de Julio es el cumple de

Alfredo Helsby Hazell, pintor chileno nacido en 1862, considerado el paisajista del sur de Chile y uno de los más grandes maestros de la pintura chilena del siglo XIX por su radicalización de la percepción visual y el acomodo de los medios plásticos a la sintonía dinámica de la naturaleza.
Heredero de una sensibilidad inglesa para el color, diferente a la visión afrancesada de sus pares chilenos, admiraba a los paisajistas Whistler y Turner y de esa manera interpretó los paisajes cordilleranos, campo, marinas, escenas de Valparaíso y el Sur de Chile. Alfredo Helsby comenzó con un período paisajista patente en obras como Orilla del Aconcagua, al que prosiguió la temática urbana por el influjo de su amigo Juan Francisco González. En las casi 800 obras de su autoría destaca la revelación de los grandiosos panoramas naturales de las montañas, campos y valles australes de Chile, a través de una cierta técnica impresionista de profusión de colores al servicio de delicados planos como en Tarde en Providencia, Arco iris en los canales de Chiloé y Cordillera.
Murió en 1933.

"El Paseo Atkinson", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 136 x 116 cm., 1896. 
Museo Municipal de Bellas Artes (Valparaíso, Chile)


El 23 de Julio es el cumple de

Rudolf Rudolfovich Frentz (Рудольф Рудольфович Френц), pintor ruso soviético, acuarelista, artista gráfico, ilustrador y profesor de arte nacido en 1888. Frentz, que vivió y trabajó en Leningrado y fue miembro de la Unión de Artistas de Leningrado, fue considerado como uno de los fundadores y representantes de la escuela de Leningrado de pintura, famosa por sus pinturas monumentales y de batallas.
En 1918 se graduó en la Escuela Superior de Arte de la Academia Imperial de las Artes de San Petersburgo, donde estudió de destacados pintores de batalla como Vasily Savinsky y Nikolai Samokysh.
Desde 1904 Rudolf Frentz ha participado en exposiciones de arte. Pintó escenas de batalla, de género y pinturas históricas, retratos, paisajes y paisajes urbanos. Rudolf Frentz fue famoso como pintor de batallas y animales.
Sus exposiciones personales tuvieron lugar en Leningrado (1928, 1970) y San Petersburgo (2006).
Fue miembro de la Unión de Artistas de Leningrado desde su fundación en 1932.
Murió en 1956.

"El gran Gran Duque Vladimir Alexandrovich en una cacería de lobos / 
Grand Duke Vladimir Alexandrovich on a Wolf Hunt", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 102 x 181 cm.


El 24 de Julio es el cumple de

Raimundo Madrazo y Garreta, pintor realista español nacido en Roma en 1841.
Era el hijo y alumno de Federico Madrazo, el cuñado del gran Mariano Fortuny y nieto de José de Madrazo. Algunas de sus obras se encuentran en exhibición en algunos de los mayores y más prestigiosos museos de Europa.
Estudió pintura con su padre y en la Escuela de las Bellas Artes en Madrid. Después de 1860 vivió principalmente en París, donde estudió en la École des Beaux-Arts con Léon Cogniet, y finalmente estableció un estudio. Su notable habilidad técnica hizo de él un retratista y pintor de género de gran éxito en un estilo de salón.
Murió en 1920.

"La actriz María Guerrero como "Doña Inés" / 
The Actress Maria Guerrero as Dona Ines", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 115,5 x 74 cm., 1891
Museo del Prado (España / Spain)


Hoy, 25 de Julio, es el cumple de

Alexander Joseph Rummler, pintor estadounidense nacido en 1867 en Dubuque, Iowa.
En 1888 Rummler viajó a Nueva York para estudiar arte en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York. En 1905 se trasladó con su esposa, María, y sus hijos a Europa para estudiar pintura más a fondo en la Académie Julian en París con Jean-Paul Laurens.
Rummler se hizo conocido en todo el país a finales de la Primera Guerra Mundial, cuando su pintura de la firma del armisticio fue exhibido en las carteleras.
Se mudó a South Norwalk, Connecticut en 1907. En 1926 fue elegido para representar a Connecticut en la Exposición de Filadelfia de 1926, donde sus pinturas tomaron el primer lugar.
En 1936 comenzó a trabajar para los murales de pintura de la WPA (Administración del progreso de los trabajos) para la entonces todavía en construcción secundaria de Norwalk High. Rummler pintó dieciséis murales y ocho paneles más pequeños que representan la vida de Norwalk. Durante este tiempo también se desempeñó como tesorero de la ciudad de Norwalk.
En 1942 se trasladó a Stamford, Connecticut.
Murió en 1959.

"Mopping for Starfish", WPA mural, 9’9″ x 6’4″.
Norwalk City Hall. Norwalk, Connecticut, Estados Unidos / CT, USA


Textos en inglés / English translation

On July 19 is the birthday of

Josep de Togores i Llach, Spanish painter born in Cerdanyola del Valles in 1893.
At 13 Togores suffered a meningitis and remains deaf, which led him to become interested in painting. He began his artistic training with Joan Llaverias and Fèlix Mestres.
Thanks to a grant from the City of Barcelona, ​​in 1907 moved to Paris, where it comes into contact with the work of Paul Cézanne. In Brussels paints The Madman of Cerdanyola which was awarded at the International Exhibition celebrated in the city. Then began an impressionist stage in his work.
Back in Catalonia, Togores he joined the Courbet Group in Barcelona, ​​and finishing World War I returned to Paris, where contact with surrealism thanks to his relationship with artists such as Georges Braque, Aristide Maillol, Max Jacob and Picasso, signing an exclusive contract with his dealer Daniel-Henry Kahnweiler, until 1931. This was his most surreal and experimental period.
During the 1920s began to be known in Europe, and during the following years explores different styles such as Cubism or academicism, allowing himself to be influenced by the avant-garde of the time and getting to have influences of classicism.
He died in 1970.

On July 20 is the birthday of

Gustavo "Ciruelo" Cabral, Argentine fantasy artist born in 1963, whose work focuses especially on dragons.
He was born with color blindness. At age 13 Cabral enrolled in Instituto Fernando Fader, an art school, where he began his formal studies. He started working as illustrator at age 18 for a graphic advertising company, and soon after began doing comic covers. In 1987 he moved to Barcelona, Spain where he drew fantasy books' covers and inside drawings for Timun Mas, a publisher that specializes in the genre.
Cabral then widened his horizons and did work for companies around the world, including companies in the United States, Germany and Spain. He drew the covers of the Chronicles of the Shadow War, a Bantam trilogy written by George Lucas. He has also done music album covers, such as Steve Vai's The Seventh Song, and magazine covers for, among others, Playboy and Heavy Metal. His artwork can also be seen in some Magic: The Gathering cards.
Cabral uses mainly acrylic and oil painting, but also a number of other techniques, including his famous and distinctive paintings on rocks, which he created and calls 'petropictos' (literally, 'stone paintings'). He has published four books with his drawings: The Book of the Dragon (1990), Ciruelo (1990), Luz, the Art of Ciruelo (1997) and Magia, the Ciruelo Sketchbook (2000).

On July 21 is the birthday of

Lasar Segall, Brazilian painter, engraver and sculptor born in Lithuania in 1891. Segall's work is derived from impressionism, expressionism and modernism. His most significant themes were depictions of human suffering, war, persecution and prostitution.
Segall moved to Berlin at the age of 15 and studied first at Berlin Königliche Akademie der Künste from 1906 to 1910. At the end of 1910 he moved to Dresden to continue his studies at the Kunstakademie Dresden as a "Meisterschüler".
He then began to express himself more freely and developed his own style, which incorporated aspects of Cubism. His earlier paintings throughout 1910 to the early 1920s depicted troubled figures surrounded in claustrophobic surroundings with exaggerated and bold features, influenced by African tribal figures.
While in Brazil, his paintings were influenced heavily by the Red Light District in Rio de Janeiro. Many Brazilian artists influenced Segall's subject matter and strengthened his Cubist form. He became acclimated within his newfound country and painted themes contributing to Brazil's countryside, mulattoes, favelas, prostitutes and plantations. Due to the harsh and extreme nature of Segall's portrayal of prostitutes and his depiction of human suffering, his artwork became controversial.
He died in 1957.

On July 22 is the birthday of

Alfredo Helsby Hazell, Chilean painter born in 1862, considered the landscape painter of southern Chile and one of the greatest masters of Chilean painting of the nineteenth century by the radicalization of visual perception and the arrangement of the plastic means to the dynamic of nature.
Heir to a British sensibility for color, different from the vision of its Frenchified Chilean peers, he admired the Whistler and Turner landscape painters and thus interpreted the Andean landscapes, fields, marinas, scenes of Valparaiso and southern Chile. Alfredo Helsby period began with patent landscape in works such as Shore Aconcagua, followed by urban issues under the influence of his friend Juan Francisco Gonzalez. In the nearly 800 works of his authorship, he highlights the revelation of the great natural landscapes of mountains, fields and valleys of southern Chile, through a certain technique impressionist richly colored serving  delicate scenes as in Afternoon in Providencia, Rainbow in Chiloe Channels and Cordillera.
He died in 1933.

On July 23 is the birthday of

Rudolf Rudolfovich Frentz (Рудо́льф Рудо́льфович Фре́нц), Soviet and Russian painter, watercolorist, graphic artist, illustrator, and art teacher born in 1888. Frentz, who lived and worked in Leningrad and was a member of the Leningrad Union of Artists, was regarded as one of the founders and representatives of the Leningrad school of painting, most famous for his battle and monumental painting.
In 1918 Rudolf Frentz graduated from Higher Art School at the Imperial Academy of Arts in Saint Petersburg, where he studied of noted battle painters Vasily Savinsky and Nikolai Samokysh.
Since 1904 Rudolf Frentz has participated in Art Exhibitions. He painted battle scenes, genre and historical paintings, portraits, landscapes, and cityscapes. Rudolf Frentz most famous as battle and animal painter.
His personal exhibitions were in Leningrad (1928, 1970) and Saint Petersburg (2006).
Rudolf Frentz was a member of the Leningrad Union of Artists since foundation in 1932.
Murió en 1956.

On July 24 is the birthday of

Raimundo de Madrazo y Garreta, Spanish realist painter born in Rome in 1841. 
He was the son and student Federico Madrazo, brother-in-law of the great Mariano Fortuny and grandson José de Madrazo. Some of his works are on display at some of Europe's greatest and most prestigious museums.
He studied painting under his father and at the School of the Beaux Arts in Madrid. After 1860 he lived mostly in Paris, where he studied at the École des Beaux-Arts under Léon Cogniet, and eventually established a studio. His remarkable technical ability made him a highly successful portrait and genre painter in a Salon style.
He died in 1920.

Today, July 25, is the birthday of

Alexander Joseph Rummler, American painter born in 1867 in Dubuque, Iowa.
In 1888 Rummler traveled to New York to study art at the Art Students League of New York. In 1905 Rummler moved with his wife, Maria, and their children to Europe to further study painting at the Académie Julian in Paris with Jean-Paul Laurens.
Rummler became known nationwide at the end of World War I when his painting of the signing of the armistice was displayed on billboards.
He moved to South Norwalk, Connecticut in 1907. In 1926 he was chosen to represent Connecticut in the Philadelphia Exposition of 1926, where his paintings took first place.
In 1936 Rummler began working for the Works Progress Administration painting murals for the then still under construction Norwalk High School. Rummler painted sixteen murals and eight smaller panels depicting Norwalk life. During this time he also served as town treasurer of Norwalk.
In 1942 Rummler moved to Stamford, Connecticut.
He died in 1959.

Aniversarios Fotografía (LXXX) [Julio / July 20-26]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 20 de Julio es el cumple de

Edmond Joseph Marie Fierlants, fotógrafo pionero belga nacido en 1819, conocido por sus fotografías de arquitectura belga y sus reproducciones de obras de arte.
Estudió fotografía con Hippolythe Bayard y fue miembro fundador en la Société Héliographique y de la Société française de photographie. En 1855 fue co-inventor del proceso conocido como Taupenot.
En 1858 regresó a Bruselas y recibió el encargo de fotografiar parte del patrimonio del estado belga, creado en 1930; entre sus encargos figuraba la reproducción de pinturas de los maestros flamencos primitivos de San Juan de Brujas con las que obtuvo una excelente calidad que le hizo muy conocido. También hizo una serie de fotografías de la arquitectura de las ciudades de Amberes, Lovaina, Brujas y Bruselas.
En 1862 fundó la Société Belge de Photographie y en 1867 abrió un estudio fotográfico por lo que se dedicó a hacer fotografías de retratos pero no alcanzó gran éxito y murió arruinado.
Murió en 1869.

"Vue à Vol d'oiseau de l'église Sainte-Gudule, prise de la Grand-Place / 
Vista aérea de la iglesia Santa Gudula, desde la Gran Plaza / 
Aerial view of Sainte-Gudule church, from the Big Square", Bruselas / Brussels, 1861


El 21 de Julio es el cumple de

Henri Victor Regnault, químico y físico francés nacido en 1810, conocido por sus cuidadosas mediciones de las propiedades térmicas de los gases. Fue un termodinámico temprano y el mentor de William Thomson a finales de los años 1840.
Se trasladó a París a la edad de ocho años, tras la muerte de sus padres. Allí trabajó para una empresa de tapicería hasta los dieciocho años. En 1830, fue admitido en la École Polytechnique, y en 1832 se graduó en la Escuela de las minas.
Regnault se distinguió en el naciente campo de la química orgánica mediante la síntesis de varios hidrocarburos clorados, y fue nombrado profesor de química en la Universidad de Lyon.
Fue también un ávido fotógrafo aficionado. Introdujo el uso de ácido pirogálico como agente de desarrollo, y fue uno de los primeros fotógrafos de utilizar negativos de papel. En 1854 se convirtió en el presidente fundador de la Société française de photographie.
Murió en 1878.

"La escalera, fábrica de porcelana de Sevres / The Ladder, Sèvres Porcelain Manufactory", c. 1852


El 22 de Julio es el cumple de

Rodney Lough Jr., fotógrafo de paisajes y galerista estadounidense nacido en 1960.
Después de graduarse de la Universidad Brigham Young en 1988, Lough trabajó como estadístico y matemático. Siete años después, en 1995, se pasó a la fotografía a tiempo completo. En 1999 recibió el Premio A.B. Jackson.
En 2000-2001, mientras vivía en Happy Valley, Oregon, Lough se centra en la fotografía de paisajes y obtuvo todos sus ingresos vendiendo obras de arte en el circuito de festivales. En 2000 pasó seis meses conduciendo y participó en 32 muestras en todo los Estados Unidos, y los otros seis fotografiando paisajes.
Reconocido por los colores vibrantes y ricas texturas de su fotografía de paisajes, Rodney es un purista que capta lo que crea la naturaleza, sin utilizar filtros de color o el engaños de cuarto oscuro.

"Árbol de la verdad / Tree of Truth", Jardín japonés de Portland / Portland Japanese Garden
Oregón, Estados Unidos / USA


El 23 de Julio es el cumple de

Sabine Weiss, fotógrafa de origen suizo naturalizada francesa nacida en 1924, que se puede encuadrar en la corriente de la fotografía humanista.
Atraída desde muy joven por la fotografía, comenzó a hacer fotos a los doce años. Su padre la apoyó en su afición y aprendió más tarde la técnica fotográfica, entre 1942 y 1945, al lado de un fotógrafo de estudio de Ginebra: Frédéric Boissonnas.
Obtuvo su diploma de fotografía y abrió su estudio personal antes de marcharse definitivamente a París en 1946. Se convirtió entonces, a los 22 años y por recomendación de un amigo, en la asistente del célebre fotógrafo de moda Willy Maywald; con él trabajó en unas condiciones inmejorables pero, al tiempo, entendió la importancia de la luz natural como fuente de emoción.
Trabajó entonces distintos estilos fotográficos: apasionada de la música, hizo retratos de las grandes figuras de la música (Ígor Stravinski, Benjamin Britten, Pablo Casals, Stan Getz…), pero también de la literatura y el arte en general (Francis Scott Fitzgerald, Fernand Léger, Pougny, Alberto Giacometti, Robert Rauschenberg, Jan Voss, Jean Dubuffet…); colaboró también en varias revistas y periódicos conocidos en América y Europa por su relevancia publicitaria e informativa (Vogue, Match, Life, Time, Town and Country, Holiday, Newsweek, etc.). Recorrió además el mundo como fotógrafa de prensa.

"Je Suis un Cheval / Soy un caballo / I'm a Horse", 1952


El 24 de Julio es el cumple de

Domingo Leiva, director creativo y fotógrafo andaluz nacido en 1957.
Hijo de campesinos humildes, a los 15 comenzó a militar en organizaciones de izquierda radical, como tanta gente en el franquismo tardío.
Durante su época de estudiante se forjó un sólido currículo como inmigrante ilegal de estío, en países como Suecia, Alemania o Francia.
En 1983 redactó su primera cuña radiofónica, para echarle una mano a un amigo agobiado de trabajo y en 1985 era ya él el director creativo de la agencia de publicidad Plataforma.
En 2007 dijo adiós para siempre a la mercadotecnia y desde entonces ha investigado sobre la creatividad en la enseñanza, imparte masters y cursos de formación sobre estrategias de comunicación para la Universidad de Granada y la AECID,… y sobre todo ha explorado nuevos caminos en lo que fue siempre su pasión favorita, la fotografía.
Lo que aparece en sus imágenes estaba presente en el momento de la toma (habitualmente toma de 30 a 50 disparos) . Pero lo que se ve en la obra final no podía ser percibido por el ojo humano. El procesado digital extrae una dimensión panorámica y textural inalcanzable para nuestra retina. Todo nos parece habitual y familiar en sus imágenes, y sin embargo tenemos la sensación de que lo vemos así por primera vez.
Domingo Leiva es uno de los 6 fotógrafos de todo el mundo seleccionados como referencia de trabajo creativo utilizando el HDR (Alto Rango Dinámico)

"Plaza del Campidoglio, en la Colina Capitolina, Roma, Italia / 
Piazza del Campidoglio, on the top of Capitoline Hill, Rome. Italy


El 25 de Julio es el cumple de

la fotografía tomada por el Orbitador Vikingo 1, conocida comúnmente como "La Cara de Marte".
Cydonia es una región en el planeta Marte que ha atraído el interés tanto científico como popular. El nombre se refería originalmente a la función de albedo (el área de color distintivo) que era visible desde telescopios terrestres. La zona limita con las llanuras de Acidalia Planitia y las tierras altas Arabia Terra. Al igual que con otras características de albedo en Marte, el nombre de Cydonia fue extraída de la antigüedad clásica, en este caso de Kydonia, una polis histórica (o "ciudad-estado") en la isla de Creta. Cydonia contiene la "Cara de Marte", ubicada a medio camino entre los cráteres Arandas y Bamberg.
Una de las imágenes tomadas por el Viking 1 el 25 de julio de 1976, a 2 km (1,2 millas) a lo largo de la meseta de Cydonia, situada a 40,75º de latitud norte y 9,46 ° de longitud oeste, tenía la apariencia de un rostro humanoide. Cuando la imagen fue tomada originalmente, el científico jefe de Vikingo Gerry Soffen desestimó la "Cara de Marte" en la imagen 035A72 como un "truco de la luz y de las sombras". Sin embargo, una segunda imagen, 070A13, también muestra la "cara", y fue tomada 35 órbitas del Vikingo más tarde, con el sol en un ángulo diferente de la imagen de la 035A72. Este último descubrimiento fue realizado de forma independiente por Vincent DiPietro y Gregory Molenaar, dos ingenieros informáticos en el Centro de Vuelo Espacial Goddard de la NASA. DiPietro y Molenaar descubrieron las dos imágenes mal archivadas, Viking tomas 035A72 y 070A13, mientras realizaban una búsqueda en los archivos de la NASA.

"La cara de Marte / Face on Mars". El orbitador Vikingo 1 toma esta fotografía, lanzando incontables teorías sobre la vida inteligente en Marte. Resultó ser una meseta (o colina) en la región de Cydonia / 
Viking 1 Orbiter photographed this face on Mars, launching countless theories of intelligent life on Mars. It turned out to be a mesa (or hill) in the Cydonia region (NASA)


Hoy, 26 de Julio, es el cumple de

Norberto Julio Puzzolo, artista plástico y fotógrafo argentino nacido en 1948 in Rosario.
Estudió dibujo y pintura en el taller del maestro Juan Grela. El pintor Anselmo Piccoli fue otro de sus maestros.
Ha expuesto en forma individual y colectiva desde 1966 en diversas galerías, instituciones y museos, dentro y fuera del país.
Sus obras figuran en diversas instituciones y colecciones privadas del país y del exterior. Entre otras se destacan: Art Institute of Chicago, EEUU - Colección Gabriel Cuallado, Valencia, España - Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina - Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino, Rosario, Argentina.
Fue uno de los realizadores de Tucumán Arde, obra emblemática de los años 1960s que ha merecido numerosos comentarios de críticos e historiadores nacionales y extranjeros y que aún sigue generando particular interés e importantes trabajos de investigación.
Ha trabajado en periodismo gráfico y para editoriales ilustrando libros y carpetas de arte.
En el año 2002 recibió el premio Konex, diploma al mérito en fotografía.
En el año 2009 la asociación de críticos de arte le entregó el premio a la trayectoria de un fotógrafo.
Por una decisión personal nunca ha enviado sus obras para concursar en premios ni salones.

"Retrato de / Portrait of Barbara", 1986


Textos en inglés / English translation

On July 20 is the birthday of

Edmond Joseph Marie Fierlants, Belgian pioneer photographer born in 1819, known for his photographs of Belgian architecture and fine art reproductions.
He studied photography with Hippolyte Bayard and was a founding member of the Société Héliographique and Société française de Photographie. In 1855 he was co-inventor of the process known as Taupenot.
In 1858 he returned to Brussels and was commissioned to photograph part of the heritage of the Belgian state, created in 1930; among his commissions it was included the reproduction of paintings of the early Flemish masters of San Juan de Bruges with which he earned an excellent quality that made him well known. He also made a series of photographs of architecture in the cities of Antwerp, Leuven, Bruges and Brussels.
In 1862 he founded the Société Belge de Photographie and in 1867 and opened a photo studio so he dedicated himself to make portraits but not achieved great success and died ruined.
He died in 1869.

On July 21 is the birthday of

Henri Victor Regnault, French chemist and physicist born in 1810, best known for his careful measurements of the thermal properties of gases. He was an early thermodynamicist and was mentor to William Thomson in the late 1840s.
He moved to Paris at the age of eight, following the death of his parents. There, he worked for an upholstery firm until he was eighteen. In 1830, he was admitted to the École Polytechnique, and in 1832 he graduated from the École des mines.
Regnault distinguished himself in the nascent field of organic chemistry by synthesizing several chlorinated hydrocarbons, and he was appointed professor of chemistry at the University of Lyon.
Regnault was also an avid amateur photographer. He introduced the use of pyrogallic acid as a developing agent, and was one of the first photographers to use paper negatives. In 1854, he became the founding president of the Société française de photographie.
He died in 1878.

On July 22 is the birthday of

Rodney Lough Jr., American landscape photographer and gallery owner born in 1960.
After graduating from Brigham Young University in 1988, Lough worked as a statistician and mathematician. Seven years later in 1995, he became a full-time photographer. In 1999, Lough received the A.B. Jackson Award.
In 2000-2001, while living in Happy Valley, Oregon, Lough focused on landscape photography and drew his entire income from art festival circuit artwork sales. In 2000, he spent six months out of the year driving to and participated in 32 shows around the United States and spent the other six months photographing landscape scenes.
Renowned for the vibrant colors and rich textures of his wilderness landscape photography, Rodney is a purist who captures what nature creates, using no color filters or darkroom deception.

On July 23 is the birthday of

Sabine Weiss, a photographer of French naturalized Swiss origin born in 1924, which can be framed in the current of humanistic photography.
Attracted very young for photography began taking pictures at age twelve. Her father leaned on her hobby and later learned photographic technique between 1942 and 1945, next to a studio photographer in Geneva: Frédéric Boissonnas.
She received her degree in photography and opened her personal study before finally leaving for Paris in 1946. She then became, at age 22 and on the recommendation of a friend, in the famous assistant of fashion photographer Willy Maywald. She worked with him in excellent conditions, but at the time, understood the importance of natural light as a source of emotion.
She then worked various photographic styles: passionate of music, she made portraits of the great figures of music (Igor Stravinsky, Benjamin Britten, Pablo Casals, Stan Getz ...) but also of literature and art in general (Francis Scott Fitzgerald, Fernand Léger, Pougny, Alberto Giacometti, Robert Rauschenberg, Jan Voss, Jean Dubuffet ...); also she collaborated in several magazines and newspapers known in America and Europe for its advertising and informative relevance (Vogue, Match, Life, Time, Town and Country, Holiday, Newsweek, etc.). She also toured the world as a press photographer.

On July 24 is the birthday of

Domingo Leiva, Andalusian creative director and photographer born in 1957.
Son of humble peasants, at 15 he began militate in organizations of the radical left, as many people in the late Franco regime.
During his student period, a solid curriculum as an illegal immigrant in summer was forged in countries like Sweden, Germany or France.
In 1983 he wrote his first radio spot, to lend a hand to a friend burdened work and in 1985 he was already creative director of advertising agency Plataforma.
In 2007 said goodbye to marketing and has since investigated about creativity in teaching, taught masters and training courses on communication strategies for the University of Granada and the AECID, ... and above all he has explored new ground in that was always his favorite passion, photography.
What appears in his images was present at the time of shooting (usually takes 30 to 50 shots). But what you see in the final work it could not be perceived by the human eye. The digital processing extracts a panoramic size and textural unattainable for our retina. Everything seems normal and familiar in his images, yet we feel that we are seeing it for the first time.
Domingo Leiva is one of 6 photographers from around the world selected as a reference for creative work using the HDR (High Dynamic Range)

On July 25 is the birthday of

the photograph taken by the Orbiter Viking 1 commonly known as "The Face on Mars".
Cydonia is a region on the planet Mars that has attracted both scientific and popular interest. The name originally referred to the albedo feature (distinctively coloured area) that was visible from Earthbound telescopes. As with other albedo features on Mars, the name Cydonia was drawn from classical antiquity, in this case from Kydonia, a historic polis (or "city-state") on the island of Crete. Cydonia contains the "Face on Mars" feature—located about half-way between Arandas Crater and Bamberg Crater.
In one of the images taken by Viking 1 on July 25, 1976, a 2 km (1.2 miles) long Cydonian mesa, situated at 40.75° north latitude and 9.46° west longitude, had the appearance of a humanoid face. When the image was originally acquired, Viking chief scientist Gerry Soffen dismissed the "Face on Mars" in image 035A72 as a "trick of light and shadow". However, a second image, 070A13, also shows the "face", and was acquired 35 Viking orbits later at a different sun-angle from the 035A72 image. This latter discovery was made independently by Vincent DiPietro and Gregory Molenaar, two computer engineers at NASA's Goddard Space Flight Center. DiPietro and Molenaar discovered the two misfiled images, Viking frames 035A72 and 070A13, while searching through NASA archives.

Today, July 26, is the birthday of

Norberto Julio Puzzolo, Argentine artist and photographer born in 1948 in Rosario.
He studied drawing and painting in the workshop of Master Juan Grela. The painter Anselmo Piccoli was another of his teachers.
He has exhibited individually and collectively since 1966 in galleries, museums and institutions within and outside the country.
His works are in various institutions and private collections in the country and abroad. Among other highlights: Art Institute of Chicago, USA - Collection Gabriel Cuallado, Valencia, Spain - Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina - Juan B. Castagnino Fine Arts Museum, Rosario, Argentina.
He was one of the makers of Tucumán Arde, emblematic work of the 1960s that has received numerous comments from critics and national and foreign historians, and that still continues generating particular interest and important research.
He has worked in photojournalism and illustrating books for publishers and art folders.
In 2002 he received the Konex prize, diploma of merit in photography. In 2009 the association of art critics gave the lifetime achievement award for a photographer.
On a personal decision he has never sent his works to compete in awards or salons.

Julia Fullerton-Batten (I, Series) [Fotografía]

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Les presento un vistazo sobre la obra de la excelente fotógrafa inglesa de origen alemán Julia Fullerton-Batten. En este primer post, una selección de sus series temáticas, y dejo para el próximo un repaso a sus encargos y trabajos personales.

Here you have a view on the work of the excellent German-born, English photographer Julia Fullerton-Batten. In this first post, a selection of her thematic series. In the second one will see an overview of her commisions and personal works.
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Julia Fullerton-Batten


Julia Fullerton-Batten es una fotógrafa artística reconocida en todo el mundo. La base de su éxito fue "Historias de adolescentes" (2005), un relato evocador de la transición de una adolescente a la condición de mujer, mientras se enfrenta con la vulnerabilidad de sus problemas / ajustes adolescentes a un nuevo cuerpo, su desarrollo emocional y cambios en su posicion social. Su libro "Historias de adolescentes" se publicó en 2007.
Fullerton-Batten admite libremente que existe un elemento semi-autobiográfico en gran parte de sus primeras obras. Ella relata volver a caer a menudo en los recuerdos de su propia adolescencia, viviendo con su familia en Alemania, EE.UU. y el Reino Unido, el divorcio de sus padres y su propias relaciones tempranas. Nació en Alemania, de madre alemana, padre inglés inglés, y ella y sus hermanos experimentaron plenamente las diferencias culturales y temperamentales de sus padres.
Tras el divorcio de sus padres, ella y sus hermanos se trasladaron a Inglaterra en 1984, donde completó su educación. Luego escogió la fotografía como carrera y estudió en la universidad durante dos años, después de lo cual asistió a fotógrafos profesionales durante cinco años. Un primer encargo comercial lanzó su carrera como fotógrafa profesional en 1995.

"Corea / Korea", 2013 © Julia Fullerton-Batten

«En esta serie de imágenes, he hecho posar mujeres coreanas seleccionadas en las calles, vestidas con el tradicional Hanbok, usando como fondo la austera arquitectura moderna de Seúl. Los escenarios ilustran la historia del país, sus tradiciones culturales y las tensiones polítcas entre Corea del Sur y del Norte.»

«In this series of images, I have posed street-cast young Korean women dressed in the traditional Hanbok against a backdrop of Soul's modern austere architecture. The settings illustrate the country's history, its cultural traditions, and the political tensions between South and North Korea.»

"Al servicio / In Service", 2014 © Julia Fullerton-Batten

«Después de que "Historias adolescentes" fue bien en algunas competiciones, me acerqué por una galería de arte y una vez que te acercaste a una galería de arte puedes mostrar tu trabajo en París Photo y algunas de las grandes exposiciones de arte, como en Miami. A partir de ahí la bola está girando, pero puede ser un proceso lento. Yo diría que es un poco más fácil de comenzar al revés; un fotógrafo de arte tratando de entrar en la fotografía comercial, porque a las agencias de hoy les encanta si eres un apasionado de su fotografía y les gusta utilizar tus imágenes personales en sus campañas. Sin embargo, existe un mayor nivel de competencia entre estos fotógrafos, y hay muchas personas con talento por ahí.»

"Entre / In Between", 2009-10 © Julia Fullerton-Batten

"Madres e hijas / Mothers and Daughters", 2012 © Julia Fullerton-Batten

«La preparación para una toma me lleva algún tiempo, pero el día de la misma estoy completamente preparada para saber qué y cómo voy a fotografiar la escena. El tiempo para la creación de una escena particular puede tomar algunos minutos u horas, dependiendo de los cambios necesarios. En la mayoría de los casos hago muy poco trabajo digital, ya que trabajar digitalmente me permite tener la mayoría de los aspectos de la toma ajustados en la cámara, así que el retoque es mínimo.»

"Un testimonio de amor / A Testament to Love", 2013 © Julia Fullerton-Batten

«"Un testimonio de amor" es una narrativa sobre las fuerzas de la vida cuando el amor va mal. Las mujeres en mis imágenes luchan en la búsqueda eterna de un final feliz, pero se encuentran a sí mismas con sentimientos de soledad, miedo, pesar y resignación. Están buscando un significado a sus vidas, o simplemente esperando que algo ocurra.»

«'A Testament to Love' is a narrative about the struggles of life when love goes wrong. The women in my images wrestle with the eternal search for a happy ending, but find themselves left with feelings of solitude, loneliness, fear, regret and resignation. Are they searching for a meaning to their lives or just waiting for something to happen.»

"Torpe / Awkward", 2011 © Julia Fullerton-Batten

«Personalmente, me beneficio mucho de mi participación tanto en las bellas artes como en la fotografía comercial. Me encanta la fotografía artística, ya que es mi creación, de principio a fin, pero me da una gran emoción haber participado en una sesión de éxito comercial. También me parece que hay una fertilización cruzada de los conocimientos técnicos y la inspiración creativa de una a la otra que beneficia mi participación en ambos géneros. Dicho esto, muy a menudo tengo la sensación, y es sólo una sensación, de que los coleccionistas de mi trabajo artístico preferirían que no estuviera involucrada en el área comercial. Y que los directores artísticos piensan que mi participación en la fotografía artística va en detrimento de fotografiar comerciales con éxito. Habiendo sido seleccionada para fotografiar el Calendario Campari de 2015, ciertamente tendré que revisar mi segundo prejuicio, ya que creo que el hecho de que soy una fotógrafa artística sin duda jugó un papel en que yo obtuviera la asignación. Al final, creo que mi estilo fotográfico penetra a través del resultado final. El espectador - artístico o del público - lo apreciará como lo que es, ya sea artístico o publicitario.»

"Ciego / Blind", 2012 © Julia Fullerton-Batten

"Historias de adolescentes / Teenage Stories", 2005 © Julia Fullerton-Batten

«Mis obras anteriores - "Historias de adolescentes", 2005, "Entre", 2009/2010,  "Torpe, 2011", "Madres e hijas", 2012 y "Un testimonio de amor", 2013, todas contienen algún elemento de carácter autobiográfico. Episodios y experiencias en mi propia transición de una niña pre-adolescente a mujer constituyeron la base de estos proyectos, que van desde el malestar de una joven con sus cambios corporales y emocionales, hasta las desilusiones del amor no correspondido. En su momento fue muy catártico fotografiar estos proyectos, pero ahora he sido capaz de pasar a temas diferentes, especialmente el tratamiento reciente de aspectos sociales que afectan a la población en general: "Sin adornos", 2012 ,"Ciego", 2013 y "En servicio", 2014. El primero de ellos examinó la preocupación actual de la sociedad día con una figura ultra delgada, utilizando el aprecio de los Viejos Maestros por la figura más llena como contraste. El segundo tema tuvo que ver con fotografiar y entrevistar a personas ciegas. Como fotógrafa yo, naturalmente, atesoro mi vista y con frecuencia me había preguntado cómo sería perderla, para mí, el más importante de los cinco sentidos de la humanidad. "En Servicio" examina el papel y el tratamiento de los funcionarios durante la era eduardiana en la historia de Gran Bretaña, cuando la explotación y el abuso de la clase más pobre por parte de los ricos era aparentemente bastante generalizado.»

"Al servicio / In Service", 2014 © Julia Fullerton-Batten

"Corea / Korea", 2013 © Julia Fullerton-Batten

Julia Fullerton-Batten is a world-wide acclaimed an exhibited fine-art photographer. The foundation of her success was "Teenage Stories" (2005), an evocative narrative of the transition of a teenage girl to womanhood as she grapples with the vulnerability of her teenage predicament- adjustments to a new body, her emotional development and changes in her social standing. Her book "Teenage Stories" was published in 2007.
Fullerton-Batten freely admits to there being a semi-autobiographical element in much of her earlier works. She recounts often falling back on recollections of her own teenage years, living as the family did in Germany, the USA and the UK, her parent's divorce, and her own early relationship. She was born in Germany, her mother in German, her father English, and she and her siblings experienced fully the cultural and temperamental differences of their parents.
Upon her parent's divorce she and her siblings moved to England in 1984, where she completed her education. She then chose photography as a career, and studied at college for two years, after which she assisted professional photographers for five years. A first commercial assignment kickstarted her career as a professional photographer in 1995.

"Sin adornos / Unadorned", 2012 © Julia Fullerton-Batten

"Madres e hijas / Mothers and Daughters", 2012 © Julia Fullerton-Batten

«After Teenage Stories did well in a few competitions, I got approached by an art gallery and once you get approached by one art gallery, you can show your work at Paris Photo and some of the big art shows, like Miami. The ball is rolling then, but it can be a slow process. I would say it's slightly easier starting the other way around; an art photographer trying to get into commercial photography, because agencies today love it if you're passionate about your photography and like to use your personal images in their campaigns. However, there is a higher level of competition between these photographers, and there are many talented people out there.»

"Al servicio / In Service", 2014 © Julia Fullerton-Batten

"Galería Nacional del Retrato / National Portrait Gallery"
Sheila Kitzinger, en casa, en su cama con dosel / at home on her four poster bed, 2006
 © Julia Fullerton-Batten

«The preparation for a shoot takes quite some time, but on the day of the shoot I am fully prepared to know what and how I am going to shoot a scene. The time for setting up a particular scene may take a few minutes or hours depending on the changes that are needed. In most cases I do very little digital reworking as working digitally enables me to get most aspects of the shot fixed in the camera so that retouching is fairly minimal.»

"School Play", 2007 © Julia Fullerton-Batten

"Entre / In Between", 2009-10 © Julia Fullerton-Batten

«Personally, I benefit very much from my involvement in both fine art and commercial photography. I love the fine art photography because it is my creation from start to finish, but I get a great thrill from being involved in a successful commercial shoot. I also find that there is a cross-fertilisation of technical knowledge and creative inspiration from one to the other that benefits my involvement in both genres. Having said that, I quite often have a sense of feeling, and it is only a sense, that collectors of my fine art work would prefer that I were not involved in commercial work. And that art directors think that my involvement with fine art photography would be of detriment to shooting commercials successfully. Having just been selected to shoot the 2015 Campari Calendar, I will certainly have to revise the second prejudice that I may feel, as I think the fact that I am a fine art photographer definitely played a part in me winning the assignment. In the end, I think that my photographic style penetrates through in the final result. The viewer - fine art or the public - will appreciate it for what it is, whether fine art or an advertisement.»

"Madres e hijas / Mothers and Daughters", 2012 © Julia Fullerton-Batten

"Historias de adolescentes / Teenage Stories", 2005 © Julia Fullerton-Batten

«My earlier work – ‘Teenage Stories, 2005 ‘; ‘In Between, 2009/2010‘; ‘Awkward, 2011‘; Mothers and Daughters, 2012‘ and a ‘Testament to Love, 2013‘ - all contain some element of an auto-biographical nature. Episodes and experiences in my own transition from a pre-pubescent girl to womanhood formed the basis for these projects, ranging from the unease of a young girl to her bodily and emotional changes, right up to the disappointments of unrequited love. It was on occasion very cathartic shooting these projects but I’ve now been able to move on to different themes, especially recently treating social aspects affecting the population at large – ‘Unadorned, 2012’, ‘Blind, 2013’ and ‘In Service, 2014’. The first of these examined present day society’s pre-occupation with the ultra-thin figure using the Old Masters’ appreciation of the fuller figure as a contrast. The second theme involved photographing and interviewing blind people. As a photographer I naturally treasure my sight and I’d frequently wondered what it would be like to lose this, for me, very important one of mankind’s five senses. ‘In Service’ looks at the role and treatment of servants during the Edwardian era in Britain’s history, when exploitation and abuse of the poorer class by the rich was apparently quite widespread.»

"Historias de adolescentes / Teenage Stories", 2005 © Julia Fullerton-Batten

"School Play", 2007 © Julia Fullerton-Batten
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Los textos están tomados del sitio web de la artista, de varias entrevistas (en inglés): una publicada en Eclectix en Septiembre de 2014, otra publicada en Professional Photographer en Enero de 2015, y una más en World Photography, de Septiembre, 2014

Texts from artist's website and from several interviews: one published in Eclectix, Sept., 2014, another one in Professional Photographer, Jan., 2015, and one more in World Photography, Sept., 2014

Más imágenes e información sobre Julia en / More images and information about Julia in:

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Julia!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Julia!)



En este video (en inglés), Julia nos lleva a un viaje a través de siete proyectos. A veces inspirada en la historia de su propia vida, "Historias de adolescentes", "Entre", y "Madres e hijas", estos proyectos se centran en las relaciones entre mujeres. Esta charla fascinante ilustra la profundidad y oficio en la imaginería de Julia, desde su obra temprana hasta sus últimos proyectos con gente ciega y exploraciones en Tokyo y Corea del Sur.

In this video, Julia takes us on a journey through seven projects. Sometimes inspired by her own life story, like "Teenage Stories", "In Between" and "Mothers and Daughters" these projects focus on women's relationships. This fascinating talk illustrates the depth and craft in Julia's imagery, from her early work to later projects of blind people and explorations in Tokyo and South Korea.



Kikyz1313 [Dibujo, Pintura]

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Kikyz1313


Bajo el apodo de Kikyz1313 trabaja la interesantísima artista mexicana Lucía Ferrer Zamudio, nacida en 1988 en Querétaro, cuya obra gira en torno a la muerte y lo macabro. La mayoría de sus trabajos muestran animales y niños de pieles pálidas, con sus cuerpos y rostros a veces diseccionados exhibiendo sus órganos internos.
Para sus trabajos utiliza básicamente grafito, tinta, pasteles y acuarelas sobre papel.
Estudió en la Universidad Autónoma de Querétaro y presentó su primera exposición individual titulada “Cadáveres Esquicio” en el Museo de Querétaro, obteniendo su primer premio a nivel estatal: una residencia artística en el Museo de la Acuarela en Skärhamn, Suecia.

"Inopia", tinta y acuarela sobre papel / ink, watercolor on paper
Tinta, grafito y acuarela sobre papel / ink, graphite and watercolor on paper, 36 x 36 cm., 2014

"Heredera del desastre / The Disaster's Heiress"
grafito, pastel blanco y acuarela sobre papel / graphite, white pastel and watercolor on paper, 20 x 20 cm., 2014

No es raro que los artistas mexicanos aborden el tema de la muerte. Según comenta Kikyz: 
«Mi trabajo se apoya principalmente en el estudio de lo abyecto… Sin embargo, al representarse con tan intrincado detalle y al envolverse dentro de un cosmos infantil y agradable, otorga seguridad y confort en el espectador; forzando a que de forma inconsciente se reconozca al cadáver como un símbolo que procurará una re-estructuración estética dentro y fuera de la obra.»

"Palidez entumecida / Numbed Pallor"
Tinta, acuarela y grafito sobre papel / ink, watercolor and graphite on paper, 2015

"Palidez entumecida / Numbed Pallor" (detalle / detail)

«Es a través de mi trabajo donde intento construir una experiencia plástica completa, donde el espectador, por medio del ejercicio intelectual se logre cuestionar sobre sus propias percepciones de la realidad. Al estar frente a los escenarios que aquí dispongo, el público experimentará una serie de sensaciones y pensamientos absolutamente contrarios, por un lado se sentirán arrebatadamente atraídos por el obsesivo desarrollo técnico de la obra, junto con la armónica composición y una paleta de color complaciente, pero a medida que el ejercicio de interpretación se da a lugar, el espectador entenderá la violenta naturaleza de los temas aquí reiterados provocando rechazo y abyección.
Sin embargo, ésta le generará una nueva claridad, conduciéndole a re-involucrarse con la obra de manera que la estructura perceptual inicial será replanteada hasta que de alguna forma u otra la apreciación estética del espectador se expandirá hasta incluir dentro de la misma elementos de anterior oprobio y censura como la enfermedad, la deformidad o la muerte.»

"Una extraña propagación / An Odd Spread", tinta y acuarela sobre papel / ink and watercolor on paper, 2014

"La caricia del sueño / A Slumber Embrace"
Grafito, acuarela y pastel blanco sobre papel / graphite, watercolor and white pastel on paper, 2014

«Sería poco adecuado enumerar una lista donde mencione todas las influencias que han trascendido en mi trabajo ya que predomina un poco de cada uno de ellos en mi obra, sin embargo si he de mencionar algunos nombres estos irían desde las intrincadas pinturas de Hyeronimus Bosch, el prerrafaelismo, el denominado “entartete kunst”, el cine ultragore alemán, hasta el arte contemporáneo con Joel Peter Witkin o Daikichi Amano.» [ver más abajo]

"Mirada etérea / Ethereal Gaze"
Tinta y acuarela sobre papel / ink and watercolor on paper, 45 x 45  cm., 2012

«La belleza es algo realmente subjetivo, creo que si el trabajo de estos grandes artistas (Hans Bellmer, Takato Yamamoto, Vania Zouravliov) [ver más abajo] despertó en mi tal interés, fue quizás por tener afinidad al mismo tipo de estética que manejamos, el uso de objetos grotescos, violentos, carnales -muy lejos de ser bellos- nos enfrenta con todo aquello que nos es difícil de asimilar en nuestra propia naturaleza.»

"Mirada etérea / Ethereal Gaze" (obra en proceso / work in progress)

«Mi proceso empieza con bocetos a lápiz que después construyo gracias a fotografías que tomo y después edito en la computadora para tener un idea más sólida de lo que va a ser mi dibujo. Ya después es con base a este collage digital que comienzo el trazo a lápiz, para después aplicar el color en las figuras y proseguir con los achurados en tinta china, dando por terminado el proceso de mi dibujo, el cual me toma al rededor de 20 a 30 días.»

"El trino del miasma / Miasma´s Trill", tinta, grafito y acuarela sobre papel / 
Ink, graphite and watercolor on paper, 2013. Colección privada / Private Collection

Under the nickname of Kikyz1313 works the interesting Mexican artist Lucia Zamudio Ferrer, born in 1988 in Queretaro, whose work revolves around death and the macabre. Most of her works have animals and pale skin children, their bodies and faces sometimes dissected presenting their internal organs.
For her works she basically uses graphite, ink, pastels and watercolors on paper.
She studied at the Autonomous University of Queretaro and had her first solo exhibition entitled "Cadáveres Esquicio" at the Museum of Queretaro, winning her first prize at the State level: an artist residency at the Watercolour Museum in Skärhamn, Sweden.

"Refugio de los muertos / Where the Dead Conceal"

It is not unusual Mexican artists address the issue of death. As Kikyz says:
«My work is based primarily on the study of the abject ... However, as represented by intricate detail and to be involved in a child and friendly cosmos, gives security and comfort in the viewer; forcing unconsciously recognize the body as a symbol that seek an aesthetic restructuring within and outside the work.»

"Leda y el cisne / Leda and the Swan", tinta y acuarela sobre papel / ink and watercolor on paper

"Defección poética / Poetic Defection", tinta sobre papel / ink on paper, 2011

«Through my work I am trying to build an emotional momentum, one that rouses the intellectual exercise of questioning one's vision of reality. While looking at my artwork, the viewer will begin to experience a series of diametrically opposed thoughts and emotions. Initially they may feel overwhelmed by the obsessively intricate and highly detailed forms, the composition, the technical skill and the pleasant color vibrations but as an analytical shift in perception slowly overtakes them, the viewer unwittingly grasps the artwork’s inescapably wretched and subversive subject matter.
This new clarity forces the observer to reengage with the work and rethink their initial opinions until, in some way or another, the shift takes place and the observer's perception of natural things expands to include elements such as disease and death itself.»

"Nekomata”, tinta, grafito y acuarela sobre papel pegado en panel / 
ink, graphite and watercolor on paper adhered to board, 29 x 29 cm., 2013

“Sol mirón (Remembranza Lovecraftiana) / Sun Lurker (Lovecraftian Remembrance)
Tinta, acuarela y grafito sobre papel / ink, watercolor and graphite on paper, 25 x 32 cm., 2014

«It would be inappropriate to enumerate a list where mention all the influences that have trascended in my work because it dominates a little of each of them in it, but if I have to mention some names these would range from the intricate paintings of Hieronymus Bosch, the Pre-Raphaelism, the so called "Entartete Kunst", the German ultragore cinema, to contemporary art with Joel Peter Witkin or Daikichi Amano.» [see below]

"Sepulcro / Sepulchre"
Tinta y acuarela sobre papel, sobre panel / ink and watercolor on paper, on board, 20 x 40 cm., 2012

“Zephyr Nestling”, grafito, acuarela y pastel blanco sobre papel / 
graphite, watercolor and white pastel on paper, 21 x 47 cm., 2014
¡¡Gracias a Cyril Helnwein por dejarme utilizar una de sus fotos como referencia para este dibujo!! /
Thank you Cyril Helnwein for letting me use one of your photos as a reference for this drawing!!

«Beauty is really subjective, I think if the work of these great artists (Hans Bellmer, Takato Yamamoto, Vania Zouravliov) [see below] awoke in me such interest was because the affinity to the same type of aesthetics we handle, using grotesque, violent, flesh  objects - very far from beautiful - confronts us with everything that it is difficult to assimilate in our nature.»

“Estudio de retratos / Portrait Study”, grafito y pastel blanco sobre papel Moleskine / 
Graphite and white pastel on Moleskin paper, 26 x 20 cm., 2013

"El río de Lethe / Lethe's River", tinta, acuarela y grafito sobre papel / 
Ink, watercolor and graphite on paper, 2015

«My process begins with pencil sketches which later built through pictures I took and then edited on the computer to have a solid idea of what will be my drawing. Then based on this digital collage I begin the pencil strokes, then apply the color in the figures and continue with ink, ending the process of my drawing, which takes me around 20 to 30 days.»

“El Colmo de un Sordo (Homenaje a "Soplones" de Goya / Tribute to Goya’s Soplones)”
Tinta, grafito y acuarela sobre papel pegado en panel / 
Ink, graphite and watercolor on paper adhered to board, 29 x 29 cm., 2013 [ver más abajo / see below]

"Elegía / Elegy", grafito, acuarela y pastel blanco sobre papel / 
graphite, watercolor and white pastel on paper, 2014

Más imágenes e información sobre Kikyz 1313 en / More images and information about Kikyz 1313 in:

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Lucía!)
Images published here with artist's permission (¡Thanks a lot, Lucia!)



Algunas referencias / Some References

Vania Zouravliov
Ваня Журавлев


Nacido en Rusia, Vania Zouravliov se inspiró desde una edad temprana en influencias tan diversas como La Biblia, la Divina Comedia de Dante, los principios de la animación de Disney y los indios de América del Norte. Algo así como un niño prodigio en su tierra natal, que fue defendido por muchos músicos clásicos influyentes incluyendo Ashkenazi, Spivakov y Menuhin. Incluso hubo programas de televisión sobre él, y era presentado por artistas comunistas famosos, padrinos de realismo social, que le dijeron que su obra era del demonio.
A la edad de 13 años Vania Zouravliov estaba exhibiendo internacionalmente. Visitó Canterbury varias veces, así como París, Colmar y Berlín. Posteriormente estudió en el Reino Unido, y durante este tiempo comenzó a crear ilustraciones para The Scotsman y cómics para Fantagraphics y Dark Horse en los EE.UU..

"El señor de los anillos / The Lord of the Rings", serigrafía / screenprint, 36" x 21"

"Sueño / Sleep"

Russian-born Vania Zouravliov was inspired from an early age by influences as diverse as The Bible, Dante’s Divine Comedy, early Disney animation and North American Indians. Something of a child prodigy in his homeland, he was championed by many influential classical musicians including Ashkenazi, Spivakov and Menuhin. He even had television programs made about him and was introduced to famous communist artists, godfathers of social realism, who told him that his work was from the Devil.
By the age of 13, Vania Zouravliov was exhibiting internationally, visited Canterbury several times as well as Paris, Colmar and Berlin. He subsequently studied in the UK, and during this time began creating illustrations for The Scotsman and comics for Fantagraphics and Dark Horse in the US.

"Sabueso y Jabalí / Hound and Boar", 2007

“Karelia”, serigrafía / screenprint, 18" x 18"
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Daikichi Amano
天野大吉

© Daikichi Amano

Daikichi Amano es un fotógrafo japonés cuya obra se encuentra a medio camino entre la expresión artística y la más bizarra transgresión visual. Nacido en Tokio, donde vive y trabaja actualmente, en 1973, se ha convertido en uno de los más excitantes nuevos artistas visuales que trabajan en el Japón de hoy, ganándose un reconocimiento de culto internacionalmente. Basándose en la iconografía y la mitología, Amano crea guerreros salvajes, monstruos marinos y sirenas devoradoras, que evoca dramáticos temores y deseos oscuros, dando vida a los personajes de las imágenes impresas en madera de los Shunga (erotismo japonés) tradicionales.

© Daikichi Amano

Daikichi Amano is a Japanese photographer whose work is located halfway between artistic expression and the most bizarre visual transgression. Born in Tokyo, where he lives and works, in 1973, he has become one of the most exciting new visual artists working in Japan today, earning a cult recognition internationally. Based on the iconography and mythology, Amano creates savage warriors, devouring sea monsters and mermaids, evoking dramatic dark fears and desires, giving life to the characters of images printed on wood from traditional Shunga (Japanese eroticism).

© Daikichi Amano
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Joel-Peter Witkin


Joel-Peter Witkin, fotógrafo estadounidense nacido en 1939, que vive en Albuquerque, Nuevo México. Su obra a menudo se ocupa de temas como la muerte, cadáveres (y a veces porciones desmembrados de los mismos), y personajes marginales tales como enanos, transexuales, intersexuales y personas físicamente deformes. Los retablos de Witkin a menudo recuerdan episodios religiosos o pinturas clásicas.
Witkin afirma que su visión y fuente de su sensibilidad fue un episodio que presenció siendo un niño pequeño, un accidente de automóvil frente a su casa en el que una niña fue decapitada.
Dice que las dificultades de su familia también influyeron en su obra. Su artista favorito es Giotto. Sus técnicas fotográficas se basan en los primeros daguerrotipos y en el trabajo de E. J. Bellocq.

"Le Basier / El Beso / The Kiss", New Mexico, 1982

"Las Meninas (Autorretrato según Velázquez / Self Portrait after Velazquez)", 1987
Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, España / Spain)

Joel-Peter Witkin, American photographer born in 1939, who lives in Albuquerque, New Mexico. His work often deals with such themes as death, corpses (and sometimes dismembered portions thereof), and various outsiders such as dwarves, transsexuals, intersex persons, and physically deformed people. Witkin's complex tableaux often recall religious episodes or classical paintings.
Witkin claims that his vision and sensibility spring from an episode he witnessed as a young child, an automobile accident in front of his house in which a little girl was decapitated.
He says his family's difficulties also influenced his work. His favorite artist is Giotto. His photographic techniques draw on early Daguerreotypes and on the work of E. J. Bellocq.

"Mujer sobre una mesa / Woman on a Table", 1987
Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, España / Spain)
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Francisco de Goya y Lucientes

Los Caprichos, Nº 48
"Soplones / Big Gusts", aguafuerte y aguatinta bruñida sobre papel verjurado /
Etching and burnished aquatint on laid paper, 205 x 149 cm., 1797-99
Museo del Prado, Wikipedia

Más sobre Goya en "El Hurgador" / More about Goya in this blog:
[Pintando perros (III)], [Pintando perros (XII)], [Pintando perros (XXV)], [Pablo Morales de los Ríos (II), Desvariaciones (Pintura)], [Fotógrafos japoneses (II)], [Aniversarios (VIII)], [Gottfried Helnwein (Pintura)], [Aniversarios (XXXIII)], [Arte y humor (VI) - Anexo]
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Sobre el resto de los artistas mencionados / About the other mentioned artists:

Hans Bellmer[Aniversarios Fotografía (VI)]
Hyeronimous Bosch (El Bosco)[Sergey Tyukanov II (Pintura)]
Takato Yamamoto[Lauren Marx (Dibujo, Pintura)]
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Si te gustó la obra de Kikyz1313, tal vez te guste / If you liked Kikyz1313, maybe you'll like

Travis Bedel (Bedelgeuse)[Travis Bedel (Bedelgeuse) (Collages anatómicos)]
Gottfried Helnwein[Te Recomiendo (II)], [Gottfried Helnwein (Pintura)], [Gottfried Helnwein (II) (Fotografía)]
Lauren Marx[Lauren Marx (Dibujo, Pintura)]
Nunzio Paci[Nunzio Paci (Pintura)]
Michael Reedy[Michael Reedy (Pintura)]

Edouard Martinet [Escultura]

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Con exquisita delicadeza e infinita paciencia, Edouard Martinet confecciona, sin soldaduras, animales con restos de mecánica y carrocería, y diversos objetos recuperados en mercadillos y desguaces. Un trabajo minucioso, preciosista y de un notable buen gusto.

With exquisite delicacy and infinite patience, Edouard Martinet manufactures, without welding, animals with scrap of mechanical and bodywork, and several stuff recovered in markets and scrapyards. A thorough work, precious and with a very good taste.
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Edouard Martinet


Edouard Martinet nació en Le Mans, Francia, en 1963. Estudió arte en la ESAG, París, y se graduó en 1988.
Entre 1988 y 1992 vivió y trabajó en París como diseñador gráfico, y en 1990 comenzó a esculpir y presentar exposiciones. Entre 1992 y 1995 vivió en Charente, antes de desplazarse a su actual residencia en Rennes, donde enseña en el Instituto de Artes Aplicadas. 

"Saltamontes / Grasshopper"
Alas: cubrecadenas de ciclomotor / Alas Wings: Moped chain guards
Abdomen: guardabarros de bicicleta, guardabarros Dolex y juguetes viejos / bike fender, dolex fender and old toys
Patas traseras: frenos de bicicleta / Rear legs: bike forks - Patas delanteras: frenos de bicicleta / Forelegs: bike brakes
Extremos de las patas: tapones para paredes de yeso / Ends of legs: plugs for plaster walls
Tórax y Cabeza: piezas de coches y bicicletas / Thorax and head: pieces of cars and bikes - Antenas: radios de bicicleta / Antennae: bike spokes

"Espinocho / Three-spined stickleback", 86 x 13 x 34 cm. 
Cuerpo: defensas de ciclomotores y cubrecadenas / Body: moped fenders and chain guards
Huesos: cucharas / Bones: tablespoons - Branquias: piezas de puerta de coche / Gills: car door parts
Aletas: moldes de pastelería, rodajas de pescado, brújulas / Fins: cake tins, fish slices, compasses
Cola: silenciador de moto, rodajas de pescado / Tail: motorbike silencer, fish slices
Ojos: linternas / Eyes: flashlights - Cabeza: guardabarros delanteros Solex / Head: Solex front fenders

"Sapo 2 / Toad 2", 12 x 20 x 22 cm.
Cuerpo: Dos grandes faros de coches viejos / Body: Two big headlights taken from old cars
Patas: Frenos, luces traseras y mangos de espejo de coche / Legs: Brakes, rear lights and car mirror handles
Boca: Cucharón / Mouth: Ladle - Ojos: Luces de coche / Eyes: Car lights

"Mariposa / Moth", 78 x 42 x 17 cm.
Alas: cubrecadenas de ciclomotor (oxidadas y patinadas) / Wings : moped chain guards (rusted and patinated) 
Abdomen: faros de moto / motorbike headlights - Tórax: faros de coche muy viejo / Thorax: very old car headlamp
Patas: grandes clavos de tapicería, bisagras de cargador de coche, piezas de limpiaparabrisas, partes de frenos de bicicleta, cubrecadenas /
Legs: large upholstery tacks, car boot hinges, pieces of windshield wipers, bike brake parts, chain guards 
Cabeza: luces de posición traseras viejas, piezas de bicicleta, piezas de una rueda de margarita /
Head: old rear position lamps, bike parts, pieces of a daisy wheel 
Tronco de la mariposa: muelles de reloj / Butterfly trunk: clock springs - Antenas: resistencia de aluminio / Antennae: aluminium heating resistor

"Gamba de la bahía de Dublín / Dublin Bay Prawn"
Tórax y cabeza: adorno de coche, viejas cubiertas de alerones de coche (aluminio) / Thorax and head: car mascot, old car wing covers (aluminium)
Antenas: cables de freno de bicicleta / Antennae: bike brake cables - Abdomen: guardabarros Solex, horquillas para el cabello / Solex fender, hair pins
Cola: ventiladores eléctricos / Tail: electrical fans - Patas: frenos de bicicleta y tenedores de caracol / Legs: bike brakes and snail forks
Garras: tijeras de aves de corral, cubiertas cromadas en tanques de ciclomotores de los '50, rebanadoras /
Claws: poultry scissors, chromium-plated covers on 50’s moped tanks, slicers
Ojos: mangos de Peugeot de los '40 / Eyes: inside handles of 40s Peugeot

Cuando Edouard Martinet tenía 10 años, uno de sus profesores introdujo a sus alumnos en el mundo de los insectos, pero de manera obsesiva. Subliminalmente, la fascinación caló en el joven francés. Pasaron 40 años, y Martinet se ha convertido en el más virtuoso insectófilo del mundo del arte, transformando partes y piezas de descarte recuperadas de mercados de pulgas y desguaces de automóviles en insectos exquisitamente ejecutados, peces y otros animales. Lo que diferencia la obra de Martinet es la brillante claridad formal de sus esculturas, y su extraordinaria elegancia de articulación. Su grado de virtuosismo es único: no suelda las partes. Sus esculturas están atornilladas. Esto da a sus formas un nivel extra de riqueza visual, pero no de modo que meramente transmita la seca precisión de, digamos, un relojero. Hay un factor extra aquí, una ingeniosa gracia, una re-imaginación de lo obvio en la cual un objeto hermosamente acabado brilla, no con perfección, sino con carácter, con una nueva vida. A Martinet le lleva casi un mes hacer una escultura, y a menudo trabaja en dos o tres piezas a la vez.

"Mantis religiosa / Praying Mantis", 90 x 90 x 43 cm.
Alas: faros traseros de un Peugeot 404 / Wings: Rear lights of a Peugeot 404 
Tórax: parachoques de coche de 1950 / Thorax: 1950's car bumper - Cabeza: Dos indicadores / Head: Two indicators 
Miembros anteriores: prensas de ajo y deshuesadoras de oliva / Top Forelegs: Garlic presses and olive pitters 
Abdomen: guardabarros de bicicletas y el ventilador del coche / Bike fender and car ventilator 
Patas: Partes de limpiaparabrisas y tapones utilizados para paredes de yeso / Legs: Pieces of windshield wipers and plugs used for plaster walls

"Mariposa / Butterfly", 63 x 36 x 57 cm.
Alas: guardacadenas de ciclomotor / Wings: moped chain guards
Patas: partes de frenos de bicicletas, piezas de limpiaparabrisas, cadenas de bicicleta / Legs: bike brake parts, pieces of winshield wipers, bike chains
Abdomen: viejo tanque de acetileno ligero / old acetylene light tank
Tórax: pieza de la suspensión del coche, piezas pequeñas de cuchara, cargadores de crema / Thorax: car suspension part, small spoon parts, cream chargers
Cabeza: faros, partes de bicicleta / Head: headlights, bike parts - Tronco de la mariposa: muelles de reloj / Butterfly trunk: clock springs 
Pelos: piezas de una rueda de margarita / Hair: pieces of a daisy wheel
Antenas: cables de freno, arriba perillas de cajón / Antennae: brake cables, on the top: drawer knobs

Izq./ Left: "Escarabajo tortuga / Tortoise Beetle"
Caparazón: filtro de latón/bronce de piscina pintada en azul y oxidado / 
Shell: swimming pool bronze/brass filter painted in blue and oxidised
Bajo: guardabarros Solex / Under: Solex fender - Tórax: luz trasera del coche / Thorax: rear car light
Cabeza: bici piece La lámpara de acetileno / Head: bike acetylene lamp piece - Ojos: reflectores del tractor / Eyes: tractor reflectors
Antenas: cadenas de bicicletas, partes cascanueces / Antennae: bike chains, nutcracker parts
Patas: partes de frenos de bicicleta, cubrecables de bicicletas / Legs: bike brake parts, bike cable guards

Centro / Center: "Longicornio rojo / Red Longicorn Insect"
Cuerpo: casco del barco de juguete de los '50 / Body: hull of a 50’s toy boat
Tórax: juguete de la cabina de una locomotora de los '50 / Thorax: a 50’s toy locomotive cab
Ojos: grandes tachuelas de tapicería / Eyes: big upholstry tacks - Garras: alicates / Claws: pliers - Antenas: brújulas / Antennae: compasses
Patas: compases, herramientas para rellenar cartuchos de escopetas, cadenas de bicicleta, horquillas caracol /
Legs: compasses, tools to fill cartridges of shotguns, bike chains, snail forks

"Gorgojo / Weevil"
Cuerpo: pantalla de la lámpara de luz de una máquina de coser / Body: lamp shade for a lamp used on a sewing machine
Tórax: faros moto / Thorax: bike headlight
Ojos: ojales de metal de una cubierta de lona, malla de alambre / Eyes: metal eyelets off a canvas cover, wire mesh
Cabeza, Nariz: lata de aceite / Head, Nose: oil can
Antenas: cadenas de bicicletas, partes de cascanueces / Antennae: bike chains, nutcracker parts
Bajo el cuerpo: faro de coche / Under the boy: car light
Patas: manijas de coche, limpiaparabrisas, guardacadena de la bici, tuercas de mariposa, tenedores de marisco /
Legs: handles of a car, windscreen wipers, bike chain guards, wing nuts, seafood forks

"Hormiga roja / Red Ant", 65 x 42 x 22 cm.
Tórax y cabeza: cucharas de salsa, partes de coche / Thorax and head: sauce spoons, car parts 
Ojos: mármoles / Eyes: marbles - Abdomen: faros de bicicleta o moto / bike or motorbike headlights
Antenas: pequeñas cadenas de bicicleta / Antennae: small bike chains
Patas: cargadores de crema, partes de frenos, cadenas, pies de reloj despertador, mangos de cuchara / 
Legs: cream chargers, brake parts, chains, alarm clock feet, spoon handles

"Cuando encuentro un objeto, no siempre veo un uso para él, pero generalmente lo cojo y lo dejo para más adelante. Aunque a veces encuentro algo y veo su potencial instantáneamente. Ocasionalmente, un objeto puede darme una idea para hacer un insecto en particular. Pero puede ser un largo proceso obtener todas las partes, porque no sólo es necesario que todas las partes encajen bien; es necesario que representen fielmente la parte de la escultura que están destinadas a ser. Y no es raro comenzar algo y tener que dejarlo de lado hasta que encuentro la pieza adecuada para completarlo. Una vez me llevó 15 años hacer una libélula."

"Peces / Fishes"

El lugar de trabajo de Edouart / Edouard's workplace

"Toad / Rana", 25 x 33 x 19 cm.
Ojos: pequeños faros de bicicleta / Eyes: small bike headlights - Cuerpo: frasco de aluminio / Body: aluminium flask
Boca: parte de un bolso, parte de un carburador / Mouth: part of a purse, part of a carburettor
Parte superior de la cabeza: guardabarros Solex / On the top of the head: Solex fender
Patas traseras: topes de paragolpes de coche / Rear Legs: car bumper stops
Patas delanteras: dos faros, parte de una trompeta / Fore Legs: two headlights, part of a trumpet - Dedos: azada de jardinería / Fingers: gardening hoe

Edouard Martinet was born in Le Mans, France in 1963 he studied art at ESAG, Paris and graduated in 1988.
From 1988 to 1992 he lived and worked in Paris as a graphic designer, and in 1990 started sculpting and staging exhibitions. From 1992 to 1995 he lived in Charente before moving to his current location in Rennes where he teaches art at L'Institut des Arts Appliques

"Escarabajo rinoceronte / Rhinoceros beetle", 33 x 28 cm, alto / height: 15 cm
Patas: partes de frenos de bicicleta, desviador de cadena de bicicleta, anillo de la cadena de la bicicleta / 
Legs: bike brake parts, bike derailleur chain, bike chain ring 
Cabeza y cuerno: pequeño freno de bicicleta, piesas de una rueda dentada / Head and horn: small bike brake, pieces of a daisy wheel 
Antenas: pequeñas partes de bicicleta / Antennae: small bike parts - Tórax: horma, faro de bicicleta Luxor / Thorax: shoe tree, bike Luxor headlight 
Abdomen: luz de motocicleta,  las manijas del cajón en forma de concha / motorbike light, shell-shaped drawer handles

"Avispa / Wasp", 28 x 16 x 40 cm.,
(Vidrio / Glass only: 21 cm diam. x 49 cm. alto / high) (Total: 23 x 33 x 78 cm.) 
Abdomen: puntas de acero para botas, faros de bicicleta / steel tips for boots, bike headlights 
Tórax y cabeza: piezas de acero y campanas de bicicletas y máquinas de escribir / Thorax and head : steel tips and bells from bikes and typewriters 
Ojos: caja de reloj antigua / Eyes: vintage watch case - Antenas: patillas de anteojos / Antennae: spectacles arms 
Patas: frenos de bicicleta, cadena de bicicleta, mangos de cuchara / Legs: bike brakes , bike chain , spoon handles 
Alas: vidrio / Wings: glass

"Libélula / Dragonfly", 95 x 125 x 38 cm.
Abdomen: bomba de bicicleta patinada de cobre/latón, parte de la bocina de un coche, viejas piezas de luces de acetileno para bicicletas (en los extremos) / 
Abdomen: patinated copper/brass bicycle pump, car horn part, parts of old acetylene bike lights ( at the ends)
Tórax: dos luces traseras de motos, manijas de cajón en forma de concha, grandes tachuelas de tapicería /
Thorax : two motorbike rear lights, shell-shaped drawer handles, big upholstery tacks
Cabeza: luces de freno de automóviles o camiones viejos, piezas de luces de acetileno de bicicleta, partes de una rueda de margarita de máquina de escribir (el pelo de la boca) /
Head: car or lorry old stop lights, parts of acetylene bike lights, parts of a daisy wheel for typewriter (hair from the mouth)
Patas: tubos, cable de guía de bicicletas, tuercas de mariposa, alambre / 
Legs: tubes, bike cable guide, wing nuts, wire
Alas: Costillas de paraguas, alambre, malla de alambre para gallineros /
Wings: umbrella ribs, wire, wire netting for hen coops

"Libélula / Dragonfly" (detalle / detail)

"Escarabajo Dorcus macho / Dorcus beetle (stag beetle)", 46 x 34 cm., altura / high: 21 cm.
Cabeza: montura de gafas de metal, luces traseras de coche, partes gafas / Head: metal glasses box , rear car lights , glasses parts 
Ojos: piezas de luces de bicicletas / Eyes: bike light parts - Garras: alicates universales / Claws: universal pliers
Antenas: retractores quirúrgicos / Antennae: surgical retractors
Tórax: metal y caja de cuero de gafas, luces del coche traseras / Thorax: metal and leather glasses box, rear car lights
Abdomen: mango de tracción de arranque de Citroen / Citroen Traction boot handle
Bajo el abdomen: manijas de cajones en forma de concha, guardabarros delantero Solex / Under the abdomen: shell-shaped drawer handles, Solex front fender 
Patas delanteras: horquillas caracol, cadena de bicicleta, partes de frenos, limpiaparabrisas /
Legs: snail forks, bike chain, brake parts, windscreen wipers

When Edouard Martinet was 10, one of his teachers introduced his pupils to insects, but in a rather obsessive way. Subliminally, the fascination sunk in to the young French boy. Fast-forward 40 years, and Martinet has become the art world's virtuoso insectophile, transforming bits and pieces of cast-off junk culled from flea markets and car boot sales into exquisitely executed insect, fish and animal forms. What sets Martinet's work apart is the brilliant formal clarity of his sculptures, and their extraordinary elegance of articulation. His degree of virtuosity is unique: he does not solder or weld parts. His sculptures are screwed together. This gives his forms an extra level of visual richness - but not in a way that merely conveys the dry precision of, say, a watchmaker. There is an X-Factor here, a graceful wit, a re-imagining of the obvious in which a beautifully finished object glows not with perfection, but with character, with new life. Martinet takes about a month to make a sculpture and will often work on two or three pieces at the same time. 

"Libélula / Dragon Fly", 33 x 110 x 70 cm.
Ojos: faros para bicicletas viejas, malla de alambre en el interior, trozos de antiguas de faros de principios del siglo 20 /
Eyes: old bike headlights, wire mesh inside, old bits of headlights dated back from the early 20th century
Patas: tubos, guía de cable de bicicletas, tuercas de mariposa / Legs: tubes, bike cable guide, wing nuts 
Cuerpo: luces de alerón de coche, luces traseras de bicicletas / Body: car wing lights, bike rear lights
Alas: alambre de púas, varillas de paraguas / Wings: fencing wire, umbrella ribs
Abdomen: bomba de bicicleta de latón/cobre patinada, bomba de bicicleta de aluminio / patinated copper/brass bicycle pump, aluminium bicycle pump

"Cuervo / Raven", 63 x 30 cm., altura / high: 33 cm.
Patas: muelles secateur / Legs: secateur springs
Cuerpo y plumas: cubrecadenas de bicicleta, guardabarros de moto / Body and feather: bike chain guards, motorbike fender
Cuello: pedazo de un viejo altavoz de radio, guardabarros Solex / Neck: piece of an old radio loudspeaker, Solex fender 
Cabeza: luz trasera de moto / Head: motorbike rear light
Ojos: mirillas / Eyes: spyholes - Pico: luz trasera de bicicleta / Beak (bill): bike rear lights

"Pez II / Fish II", 30 x 68 x 16 cm.
Cuerpo: guardabarros de ciclomotor y cubrecadenas / Body: Moped fenders and chain guards 
Huesos: cucharas pequeñas / Bones: Small spoons - Tripas: cuernos trompeta / Guts: Trumpet horns 
Ojos: Linternas / Eyes: Flashlights - Aletas: rodajas de pescado / Fins: Fish slices

"When I find an object, I don't always see a use for it, but I usually keep it and put it away for later. Yet sometimes I'll find something and see its potential instantly. Occasionally, an object will even give me an idea to make a particular insect. But it can be a very long process to get all the right parts because they not only need to fit together really well, they need to accurately represent whatever part of the sculpture it is that they are intended to be - and it's not unusual to start something and then have to put it to one side until I find just the right piece to finish it. It once took me 15 years to make a dragonfly."

Izq./ Left: "Escarabajo egipcio / Egyptian Beetle", 13 x 38 x 16 cm.
Abdomen: Faro tomado de un coche conducido durante la Segunda Guerra Mundial / Headlight taken from a car driven during the Second World War 
Tórax: Faro Luxor utilizado de moto / Thorax: Luxor headlight used for a motorbike
Alas: Adorno de capó de un Citroen / Wings: Hood ornament of a Citroen
Cabeza, patas y antenas: Repuestos para bicicletas / Head, legs and antennae: Bike parts

"Mariquita / Ladybug",18 x 26 x 19 cm.
Caparazón: lámpara de aceite usado para obras viales / Shell: Oil lamp used for road works
Abdomen: faro / Headlight - Tórax: faro / Thorax: Headlight
Ojos: Linternas / Eyes: Flashlights - Garras: frenos de la bicicleta / Claws: Bike brakes
Antenas: cadenas de freno Brike / Antennae: Brike brake chains - Extremos de las patas: cadenas de bicicletas / End of legs: Bicycle chains

Más imágenes e información sobre Edouard en / More images and information about Edouard in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Edouard!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Edouard!)



Edouard habla sobre su obra / talks about his work, Euromaxx, DW (Deutsche Welle) /



Recolección / Compilation (XV)

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Gabriel Cornelius Ritter von Max
(Praga / Prague, 1840-1915)

"Affen als Kunstrichter / Monos como críticos de arte / Monkeys as Critics of Art"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 85 × 107 cm., 1889. Neue Pinakothek (Múnich, Alemania / Germany)
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Ann Mary Newton (nacida / born Severn)
(Inglaterra / England, 1832-1866)

"Ann Mary Newton", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 61 x 52,1 cm.
National Portrait Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)
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Øystein Sture Aspelund
(Noruega / Norway) en / at Trondheim

"Villa Epecuen Series"
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Carlo Crivelli
(Venecia, Italia / Venice, Italy, 1430? - 1495)

"La anunciación con San Emidio / The Annunciation, with Saint Emidius"
Huevo y óleo sobre lienzo / egg and oil on canvas, 207 x 146,7 cm., 1486.
National Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)
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Harumi Nakashima
(Gifu Ena, Japón / Japan, 1950-)

"反転しながら増殖する形態―1106 / Forma 1106: Retorcida hacia atrás, multiplicada / 
Form-1106:Twisting Back ,Multiplying", 48 × 69 × 35 cm., 2011
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Takahiro Kimura
(Tokyo, Japón / Japan, 1965-)

"Lenguaje corporal / Body Language", collage
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Lee Guk Hyun
(Seúl, Corea del Sur / Seoul, South Korea, 1983-)

"Package+ism #1", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 97 x 145,5 cm., 2010
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Nick Sheehy
(Australia) en Londres, Inglaterra / at London, England

"El bosque / The Forest", grafito sobre papel / graphite on paper
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Josip Kelava
(Croacia / Croatia) en / at Melbourne, Australia

Héroes y Villanos 2 / Heroes and Villains 2, "Depredador / Predator"
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Tadao Cern (Tadas Cerniauskas)
(Vilnius, Lituania / Lithuania)

"Blow Job" Series, 2012
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Edward Hopper
(Upper Nyack, Nueva York, Estados Unidos / NY, USA, 1882-1967)

"Noche en el tren / Night on the El Train", aguafuerte / etching, 18,3 x 20,1 cm., 1918

Más sobre Edward Hopper en "El Hurgador" / More about Edward Hopper in this blog:
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Carol Cosh-Harrison
(Flemington, Nueva Jersey, Estados Unidos / NJ, USA, 1951-)

"Sin vapor / Out Of Steam", acrílico / acrylic, 141,5" x 181,5"
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Pasqual Pere Moles i Coronas
(Valencia, España / Spain, 1741-1797)

"La caça del cocodril / La caza del cocodrilo / Crocodile Hunt"
Aguafuerte y buril sobre papel / etching and burin on paper, 63 x 46 cm., 1774
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Craig Cossey
(Michigan, Estados Unidos / USA)

"Padre e hijo / Father and Son", acrílico / acrylic, 24″ x 47″
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Emily Ennulat-Lustine
(Nueva York, Estados Unidos / NY, USA, 1965-)

"Admiración compartida / Shared Admiration"
Collagraph en papel Rives BFK / collagraph print on Rives BFK tan paper, 41″ x 29″
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Valeriano Fatica
(Italia / Italy)

Cabeza de dragón tallada en una sandía / Dragon head carved from a watermelon

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Arte Celta / Celtic Art

"El caldero de Gundestrup / The Gundestrup Cauldron", plata / silver, ca. s.II a.C / 2nd. Century b.C.,
Norte de Dinamarca / Northern Denmark
Se trata de la mayor pieza arqueológica en plata de la Edad del Hierro europea / 
Is the biggest archaeological silver piece from the European Iron Age.
Foto / Photo: John Lee/The National Museum (Copenhague, Dinamarca / Denmark)
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Matt Molloy
(Frankford, Ontario, Canadá) en / at Bath, Ontario, Canadá

"Espectro del crepúsculo / Sunset Spectrum"
396 fotos unidas en una imagen, utilizando el modo "lighten blending" en Photoshop / 
396 photos merged into one image using the lighten blending mode in photoshop, 2013
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Ted Pim
(Belfast, Irlanda / Ireland)

Antigua fábrica de Ford / Old Ford Factory, Belfast, 2014
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Lauren Brevner
(Vancouver, Columbia Británica / BC, Canadá)

Wabi-sabi (侘寂), óleo, acrílico, técnica mixta y resina sobre panel de madera / 
oil, acrylic, mixed media and resin on wood panel, 4' x 3'
Esta pieza fue presentada como parte de la muestra "Encuentro entre Oriente y Occidente", en Junio de 2015 /
This piece was shown as apart of the "East meets west" exhibition in June 2015.
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Ernesto Artillo
(Málaga, España / Spain, 1987-)

Reelaborado de una campaña de 2006 / 2006 campaign reworked, Izzue Capaign Archives Exhibition


Aniversarios (LXXXI) [Julio / July 26-31]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 26 de Julio es el cumple de

Adriano Cecioni, artista, caricaturista, y crítico italiano asociado con el grupo Macchiaioli, nacido en 1836.
Inició su formación artística en 1859 en la Academia de Florencia bajo el escultor Aristodemo Costoli. Ese mismo año luchó junto a Telemaco Signorini en la Segunda Guerra italiana de la Independencia. En 1860 participó en un concurso para proveer obras militares para el gobierno de la Toscana. Su presentación, una maqueta de la estatua de Carlos Alberto de Saboya, ganó un premio, pero se consideró insatisfactoria por académicos y no se le encargó.
En 1863 Cecioni recibió una beca y se fue a Nápoles, donde jugó un papel decisivo en la formación del grupo de artistas Scuola di Resina, que incluía a Giuseppe De Nittis, Marco de Gregorio, y Federico Rossano. Una obra importante de este período fue su escultura El Suicidio, que expuso en la Academia de Florencia en 1867. En 1872 Cecioni pasó seis meses en Londres, donde contribuyó con una serie de caricaturas para la revista Vanity Fair. Después de su regreso a Italia, las esculturas que produjo durante el resto de su carrera fueron principalmente obras de género, a menudo de carácter humorístico. También pintó escenas domésticas. En 1884 se convirtió en profesor de Dibujo en el Istituto di Magisterio Femminile.
Las actividades de Cecioni como crítico de arte, que comenzaron en la década de 1870, consumieron una cantidad cada vez mayor de su tiempo en sus últimos años.
Murió en 1886.

"La madre / The Mother", yeso / plaster, 1878.
Galleria d'Arte Moderna, Palazzo Pitti (Firenze / Florencia, Italia / Florence, Italy)


El 27 de Julio es el cumple de

Oscar Rojas, artista colombiano nacido en 1930.
En 1970 recibió una beca de Icetex para estudiar en Europa durante un año. Vivió su mayor experiencia como escultor con la exposición de sus obras en Italia. A su regreso a Colombia fundó su primer taller.
Fue el fundador de la Asociación del Artista Colombiano en las Artes Plásticas "ACAP".
Alumno y seguidor de Jose Horacio Betancur, ha incursionado en varios estilos en su obra, y muchas de sus esculturas pueblan las calles de Medellín.

"Bust of / Busto de Jorge Eliecer Gaitán", Av. Jorge Eliecer Gaitán (Av. Oriental), Medellín, Colombia


El 28 de Julio es el cumple de

Giuseppe Pellizza da Volpedo, pintor neo-impresionista italiano nacido en 1868. Nació y murió en Volpedo, en la región de Piamonte, al norte de Italia.
Pellizza fue discípulo de Pío Sanquirico. Utilizó una técnica divisionista en el que una pintura es creado por la yuxtaposición de pequeños puntos de pintura de acuerdo con la teoría del color específico.
Su obra más famosa, Il Quarto Stato ("El cuarto poder") (1901), se ha convertido en un símbolo bien conocido por causas progresistas y socialistas en Italia y en toda Europa. La pintura se muestra en los créditos de apertura de la película de Bernardo Bertolucci 1900 y se encuentra actualmente en el Museo del Novecento en Milán. Una versión anterior se lleva a cabo en la Pinacoteca di Brera.
Pellizza ahorcó en 1907, tras la muerte de su esposa e hijo.

"Il Quarto Stato / El cuarto estado / The Fourth Estate", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 293 × 545 cm., 1901
Museo del Novecento / Museum of Twentieth Century (Milán, Italia / Italy)


El 29 de Julio es el cumple de

John Waguespack, artista y empresario nacido en Estados Unidos en 1971.
Asistió a la Universidad de Boston, donde obtuvo una licenciatura en negocios. Luego trabajó en el ámbito financiero en Filadelfia y luego para una incipiente tecnológica en el Área de la Bahía de San Francisco. Después de que la compañía se declaró en quiebra en 1998, Waguespack regresó a Atlanta, y luego a San Francisco para trabajar para una agencia de publicidad 2000-2005, antes de decidirse a convertirse en un artista de tiempo completo.
John experimenta de forma continua en una variedad de medios que utilizan el medio ambiente como fuente de inspiración, así como la influencia de la construcción de la obra misma. Crea obras que cubren un amplio espectro de estilos, entre ellos el expresionismo abstracto, el pop surrealista, deconstrucción lineal, así como la serie con su propia firma de la reencarnación.

"1974"


El 30 de Julio es el cumple de

Cal Henrik Max Magnus Norman, artista, pintor y escultor sueco nacido en 1973.
Norman nació en Sundsvall, Medelpad. Actualmente vive y trabaja en Ekerö, Estocolmo. Pinta visiones e imágenes oníricas con la mayor precisión posible, lo que se traduce en pinturas con una calidad fotográfica. Sus obras están destinadas a ser difundidas viralmente entre las redes sociales en Internet.; su arte y acrobacias a menudo tratan acontecimientos cotidianos aderezados con un toque de absurdo.
Algunos ejemplos de este tipo de obras creadas para Internet son el ensayo "El LED (menor de edad) Artcrime Tutorial" y el graffiti del alce, donde el artista sorprende a un alce salvaje y pinta un graffiti sobre él. Sus proyectos de escultura y artes plásticas han recibido alguna exposición en Suecia, como su proyecto de arte que consistía en un pájaro carpintero colocado en una cámara de tráfico en la E4 cerca Stockvik. En otro de sus proyectos de arte, el artista creó un número desconocido (pero enorme) de monos de plástico, de 1 metro de longitud. Una noche a principios de mayo de 2009 puso estos monos en diferentes escenarios por toda la pequeña ciudad de Sundsvall.

"Hola otra vez, Tierra / Hello Again, Earth"
Pintura miniatura sobre madera / miniature painting on wood, 20 X 16 cm., 2013


Hoy, 31 de Julio, es el cumple de

Maurice Boitel, pintor francés nacido en 1919.
Boitel pertenecía al movimiento de arte llamado "La Jeune Peinture" ("Pintura joven") de la Escuela de París, con pintores como Bernard Buffet, Yves Brayer, Jansem, Louis Vuillermoz, Pierre-Henry, Daniel du Janerand, Gaston Sébire, Paul Collomb, Jean Monneret, Jean Joyet y Gaëtan de Rosnay.
Hasta los doce años, Maurice Boitel vivió en Borgoña, en Gevrey-Chambertin. En esta hermosa provincia su arte refleja su gran amor por la naturaleza, y también el sentimiento de alegría de vivir se expresa en sus obras. Comenzó a dibujar a los cinco años.
Estudió en las escuelas de Bellas Artes de Boulogne-sur-Mer y de Amiens, y más tarde en la Academia de Bellas Artes de Dijon antes de luchar en un pelotón de infantería ligera de montaña en el comienzo de la Segunda Guerra Mundial.
Aprobó con éxito el concurso de oposición para entrar en la Academia Nacional de Bellas Artes Escuela Nacional Superior de Bellas Artes (París).
Murió en 2007.

"Jetée à Port-Joinville / El muelle de Port-Joinville / Pier in Port-Joinville (Ile d'Yeu)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 66 x 81 cm., 1960


Textos en inglés / English translation

On July 26 is the birthday of

Adriano Cecioni, Italian artist, caricaturist, and critic associated with the Macchiaioli group, born in 1836.
He began his artistic training in 1859 at the Florentine Academy under the sculptor Aristodemo Costoli. In that same year he fought alongside Telemaco Signorini in the Second Italian War of Independence. In 1860 he participated in a competition to provide military artworks for the Tuscan government. His submission, a maquette for a statue of Charles Albert of Savoy, won a prize but was deemed unsatisfactory by academicians and was not commissioned.
In 1863 Cecioni received a grant and went to Naples, where he was instrumental in the formation of the artists' group Scuola di Resina, which included Giuseppe De Nittis, Marco de Gregorio, and Federico Rossano. A major work of this period was his sculpture The Suicide, which he exhibited at the Florence Academy in 1867. In 1872 Cecioni spent six months in London, where he contributed a series of caricatures to Vanity Fair magazine. After he returned to Italy, the sculptures he produced for the rest of his career were mainly genre works, often humorous in nature. He also painted domestic scenes. In 1884 he became Professor of Drawing at the Istituto di Magistero Femminile.
Cecioni's activities as an art critic, which began in the 1870s, consumed an increasing amount of his time in his later years. 
He died in 1886.

On July 27 is the birthday of

Oscar Rojas, a Colombian artist born in 1930.
In 1970 he received a scholarship by Icetex to study in Europe for a year. He lived his greater experience as a sculptor with the exhibition of his works in Italy. On his return to Colombia he founded his first workshop.
He was the founder of the Association of Colombian Artist in Visual Arts "ACAP".
Student and follower of Jose Horacio Betancur, has dabbled in various styles in his work, and many of his sculptures populate the streets of Medellin.

On July 28 is the birthday of

Giuseppe Pellizza da Volpedo, Italian neo-impressionist painter born in 1868. He was born and died in Volpedo, in the Piedmont region of northern Italy.
Pellizza was a pupil of Pio Sanquirico. He used a divisionist technique in which a painting is created by juxtaposing small dots of paint according to specific color theory.
His most famous work, Il Quarto Stato ("The Fourth Estate") (1901), has become a well-known symbol for progressive and socialist causes in Italy, and throughout Europe. The painting is shown during the opening credits of Bernardo Bertolucci's film 1900 and is currently housed at the Museo del Novecento in Milan. An earlier version is held in the Pinacoteca di Brera.
Pellizza hanged himself in 1907, after the deaths of his wife and son.

On July 29 is the birthday of

John Waguespack, American artist and entrepreneur born in 1971.
He attended Boston College, where he earned a BS in Business. He then worked in the financial field in Philadelphia and then for a technology start-up in the San Francisco Bay Area. After that company went bankrupt in 1998, Waguespack returned to Atlanta to attend the Portfolio Center and changed careers. He came back to San Francisco to work for an advertising agency from 2000 to 2005, before deciding to become a full-time artist.
John experiments continuously in a variety of mediums using the environment as inspiration as well as an influence on the construction of the work itself. He creates works covering a broad spectrum of styles, including abstract expressionism, surreal pop, linear deconstruction, as well as his own signature reincarnation series.

On July 30 is the birthday of

Cal Henrik Max Magnus Norman, Swedish artist, painter, and sculptor born in 1973.
Norman was born in Sundsvall, Medelpad. He currently lives and works in Ekerö, Stockholm. He paints visions and dreamlike images as accurately as possible, which results in paintings with a photorealistic quality. His works are intended to spread virally among social networks on the Internet; his art and stunts often deal with everyday events spiced up with a touch of the absurd.
A few examples of such works created for the Internet are the illustrated essay "The LED (minor) Artcrime Tutorial" and the Moose graffiti stunt, where the artist sneaks up on a wild moose and paints graffiti on it. His sculpture and plastic arts projects have received some exposure in Sweden, such as his art project that consisted of a woodpecker placed on a traffic camera on the E4 near Stockvik. In another of Max Magnus Norman's art projects the artist created an unknown (but huge) number of plastic monkeys, about 1 metres in length. One night in early May 2009 he put up these monkeys in different settings all over the small city Sundsvall.

Today, July 31, is the birthday of

Maurice Boitel, French painter born in 1919.
Boitel belonged to the art movement called "La Jeune Peinture" ("Young Picture") of the School of Paris, with painters like Bernard Buffet, Yves Brayer, Jansem, Louis Vuillermoz, Pierre-Henry, Daniel du Janerand, Gaston Sébire, Paul Collomb, Jean Monneret, Jean Joyet and Gaëtan de Rosnay.
Until the age of twelve Maurice Boitel lived in Burgundy at Gevrey-Chambertin. In this beautiful province his art reflected his major love of nature, and also the feeling of joie de vivre expressed in his works. He began drawing at the age of five.
He studied at the Fine Arts schools of Boulogne-sur-Mer and of Amiens, and later at the Fine Arts Academy of Dijon before fighting in a mountain light infantry platoon at the beginning of World War II.
He successfully sat the competitive examination to enter the National Academy of Fine Arts École nationale supérieure des Beaux-Arts (Paris).
He died in 2007.

Aniversarios Fotografía (LXXXI) [Julio / July 27-31]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 27 de Julio es el cumple de

Joe McNally, fotógrafo estadounidense nacido en 1952, que ha estado fotografiando para la National Geographic Society desde 1987.
McNally nació en Montclair, Nueva Jersey. Recibió su grado de licenciatura y posgrado de la Newhouse School SI de Comunicación Pública de la Universidad de Syracuse. Trabaja en la ciudad de Nueva York y reside en Ridgefield, Connecticut.
McNally ha contribuido para la revista National Geographic durante 20 años. Uno de sus proyectos fotográficos para la revista fue "The Future of Flying", una historia de portada de 32 páginas, publicada en diciembre de 2003, en conmemoración de la celebración del centenario del vuelo de los hermanos Wright. Esta historia fue la primera completamente digital de la revista. Esa edición fue finalista de los premios National Magazine, y una de las portadas más populares de la revista.
Ha fotografiado historias de portada para Sports Illustrated, Time, Newsweek, Geo, Fortune, New York, Business Week, LIFE y Men’s Journal, entre otras.

"Pareja desnuda tatuada / Naked Tattoo Couple"


El 28 de Julio es el cumple de

Christopher Horace Steele-Perkins, fotógrafo británico y miembro de Magnum Photos nacido en 1947, conocido por sus imágenes de África, Afganistán, Inglaterra y Japón.
Steele-Perkins nació en Rangún, Birmania en 1947, de padre británico y madre Birmana; pero su padre dejó a su madre y se llevó al niño a Inglaterra a los dos años. Durante un año estudió química en la Universidad de York antes de salir para una estancia en Canadá. De regreso a Gran Bretaña, se incorporó a la Universidad de Newcastle upon Tyne, donde se desempeñó como fotógrafo y editor de imagen para una revista estudiantil. Después de graduarse en psicología en 1970 comenzó a trabajar como fotógrafo independiente, especializado en el teatro, mientras también daba conferencias de psicología.
En 1971, Steele-Perkins se había trasladado a Londres y se convirtió en fotógrafo de tiempo completo, con especial interés en las cuestiones urbanas, como la pobreza. Se fue a Bangladesh en 1973 para tomar fotografías de las organizaciones de socorro; parte de este trabajo se exhibió en 1974 en la Galería Camerawork (Londres).
Steele-Perkins fotografió guerras y desastres en el tercer mundo, dejando la Agencia Viva en 1979 para unirse a Magnum Photos como un candidato (estimulado por Josef Koudelka). Se convirtió en miembro asociado en 1981 y miembro de pleno derecho en 1983.

"Combatientes talibanes contra las fuerzas de Masood / Taliban fighters against the forces of Masood"
Afganistán, 1996. 


El 29 de Julio es el cumple de

Chris Buck, fotógrafo canadiense nacido en 1964, que trabaja en Nueva York, conocido por sus retratos no convencionales.
Su padre, George Buck trabajó para Kodak Canadá, dándole una conexión temprana con la fotografía. Asistió a la Universidad de Ryerson donde se especializó en Artes Fotográficas. Durante este tiempo fue editor de fotos para Nerve, un periódico de música mensual de Toronto. Buck estudió con el destacado fotógrafo David Heath y con el crítico de medios Murray Pomerance, ambos de los cuales continuaron siendo sus mentores en los años después de su graduación. Se mudó a Nueva York en 1990 y desde entonces ha fotografiado para muchas revistas importantes y publicidad.
Sus retratos más reconocidos incluyen los de Steve Martin, Andy Samberg, Chris Farley, Chloe Sevigny, y Nick Offerman. Buck también ha fotografiado a muchos políticos estadounidenses, entre ellos los presidentes Barack Obama, George W. Bush, y George HW Bush.

"Retratos reales, Bill Bruford / Bill Buford, Real Portraits"


El 30 de Julio es el cumple de

Ken Bell, fotógrafo canadiense que sirvió con las fuerzas armadas canadienses durante la Segunda Guerra Mundial. Como teniente en la Unidad de Cine y Fotos del ejército canadiense, participó en el desembarco de Normandía, fotografiando y grabando la liberación de Francia, Bélgica y Holanda, y finalmente documentando la ocupación de Alemania. Después de la guerra tuvo una exitosa carrera como fotógrafo profesional, y publicó varios libros, entre ellos "No en vano", una colección de fotografías que muestran los cambios que habían tenido lugar en Europa desde el final de la guerra.
Murió en 2000.

"Prisioneros alemanes en la Playa Juno / German Prisioners at Juno Beach"
Bernières-sur-Mer (Calvados, Francia / France), Jun. 6, 1944


Hoy, 31 de Julio, es el cumple de

Eugene Von Bruenchenhein, artista estadounidense autodidacta de Milwaukee, Wisconsin, nacido en 1910.
A lo largo de cincuenta años a partir de la década de 1930 hasta su muerte en 1983, Von Bruenchenhein produjo una obra extensa en poesía, fotografía, pintura, dibujo y escultura. Su obra incluye más de mil coloridas pinturas de paisajes apocalípticos; cientos de esculturas hechas de huesos de pollo, cemento cerámica y yeso; fotos de estilo pin-up de su esposa, Marie, además de docenas de cuadernos llenos de reflexiones poéticas y científicas. Nunca confinado a un método o medio en particular, Von Bruenchenhein utilizaba continuamente objetos cotidianos, de descarte, para explorar visualmente un pasado imaginado y realidades futuras.
Murió en 1983.

"Marie, esposa del artista / the Wife of the Artist"
Fotografía coloreada a mano / hand-colored photograph, c. 1945-1951


Textos en inglés / English translation

On July 27 is the birthday of

Joe McNally, American photographer born in 1952, who has been shooting for the National Geographic Society since 1987.
McNally was born in Montclair, New Jersey. He received his bachelor's and graduate degrees from the S. I. Newhouse School of Public Communications at Syracuse University. He is based out of New York City and resides in Ridgefield, Connecticut.
McNally has contributed for the National Geographic magazine for 20 years. One of his photographic projects for the magazine was "The Future of Flying," a 32-page cover story, published in December 2003, commemorating the centennial observance of the Wright brothers' flight. This story was the first all digital shoot for the magazine. This issue was a National Magazine Award Finalist, and one of the magazine’s most popular covers.
He has shot cover stories for Sports Illustrated, Time, Newsweek, Geo, Fortune, New York, Business Week, LIFE and Men’s Journal, among others.

On July 28 is the birthday of

Christopher Horace Steele-Perkins, British photographer and member of Magnum Photos born in 1947, best known for his depiction of Africa, Afghanistan, England, and Japan.
Steele-Perkins was born in Rangoon, Burma in 1947 to a British father and a Burmese mother; but his father left his mother and took the boy to England at the age of two. For one year studied chemistry at the University of York before leaving for a stay in Canada. Returning to Britain, he joined the University of Newcastle upon Tyne, where he served as photographer and picture editor for a student magazine. After graduating in psychology in 1970 he started to work as a freelance photographer, specializing in the theatre, while he also lectured in psychology.
By 1971, Steele-Perkins had moved to London and become a full-time photographer, with particular interest in urban issues, including poverty. He went to Bangladesh in 1973 to take photographs for relief organizations; some of this work was exhibited in 1974 at the Camerawork Gallery (London).
Steele-Perkins photographed wars and disasters in the third world, leaving Viva Agency in 1979 to join Magnum Photos as a nominee (on encouragement by Josef Koudelka), and becoming an associate member in 1981 and a full member in 1983.

On July 29 is the birthday of

Chris Buck, Canadian born (1964), New York-based photographer known for his unconventional portraits.
His father, George Buck worked for Kodak Canada, giving him an early connection to photography. He attended Ryerson University where he majored in Photographic Arts. During this time he was a photo editor for Nerve, a Toronto monthly music paper. Buck studied under noted street photographer Dave Heath and media critic Murray Pomerance, both of whom continued as mentors in the years after his graduation. He moved to New York in 1990 and has since shot many important magazine and advertising photographs.
His most recognized portraits include those of Steve Martin, Andy Samberg, Chris Farley, Chloe Sevigny, and Nick Offerman. Buck has also photographed many American politicians, including Presidents Barack Obama, George W. Bush, and George H. W. Bush.

On July 30 is the birthday of

Ken Bell, Canadian photographer who served with the Canadian armed forces during the Second World War. As a Lieutenant in the Canadian Army Film and Photo Unit, he participated in the Normandy Landings, photographing and recording the liberation of France, Belgium and Holland, and finally documenting the occupation of Germany. After the war he had a successful career as a professional photographer, and published a number of books including Not in Vain, a collection of photographs showing the changes which had taken place in Europe since the end of the war.
He died in 2000.

Today, July 31, is the birthday of

Eugene Von Bruenchenhein, American self-taught artist from Milwaukee, Wisconsin, born in 1910.
Over the course of fifty years, from the 1930s until his death in 1983, Von Bruenchenhein produced an expansive oeuvre of poetry, photography, painting, drawing and sculpture. His body of work includes over one thousand colorful, apocalyptic landscape paintings; hundreds of sculptures made from chicken bones, ceramic and cast cement; pin-up style photos of his wife, Marie; plus dozens of notebooks filled with poetic and scientific musings. Never confined to one particular method or medium, Von Bruenchenhein continually used everyday, discarded objects to visually explore imagined past and future realities.
He died in 1983.

Barry X Ball [Escultura]

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Barry X Ball es un escultor estadounidense nacido en 1955 en Pasadena, California, que vive y trabaja en Nueva York. Prestaré atención a dos grupos de trabajos: sus retratos escultóricos, y sus obras creadas a partir de esculturas clásicas.
Acompaño las imágenes con algunos textos traducidos de una serie de escritos que pueden leerse al completo (en inglés) en la sección "Statements" del sitio web de Barry. Me resultan especialmente interesantes para conocer un poco sus objetivos y el proceso mediante el cual Barry consigue estas notables esculturas.
También hay allí disponible una abundante bibliografía, con muchos artículos que profundizan en diversos aspectos de la obra de este artista.
Textos en inglés al final del post, marcados con [*] al final de cada párrafo.

Barry X Ball is an American sculptor born in 1955 in Pasadena, CA, who lives and works in New York. Here I'll focuse en two groups of works: his sculptural portraits, and his works created after classic sculptures.
I accompany the images with texts translated from a series of writings that can be fully readed in the "Statements" section of the Barry's website. I find them especially interesting to learn a little about his objectives and the process by which Barry achieves these remarkable sculptures .
An abundant literature is also available there, with many articles that delve into various aspects of this artist's work.
Text in english at the end of this post, marked with [*] in each paragraph.
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Barry X Ball


"Doble retrato de un galerista / Dual-portrait of a Gallerist"
Un doble retrato de un galerista de Nueva York, realizado a una escala de 65%, en un espécimen excepcional de ónix bifurcado, desde Baja California, cortado así con el fin de diferenciar las imágenes especulares
Ónix mexicano, aluminio, acero inoxidable, madera, acrílico lacado, acero, nylon, plástico, 
Conjunto escultura / base / pedestal: 165,7 x 21,6 x 21,6 cm., 2007-09 / 
A dual-portrait of the artist’s New York gallerist, realized at 65% scale, in an exceptional specimen of medially-bifurcated onyx from Baja California, cut so as 
to differentiate the mirrored images.
Mexican Onyx, aluminum, stainless steel, wood, acrylic lacquer, steel, nylon, plastic
Sculpture / base / pedestal ensemble: 65-1/4 x 8-1/2 x 8-1/2 in

Barry describe así el proceso de creación de sus retratos: 
«Hago un molde de alginato / yeso de las cabezas y cuellos de mis modelos en mi estudio. También tomo una serie de fotografías de referencia en ese momento (tomas de la cabeza, así como "detalles" de las características craneales / faciales). El procedimiento de moldeado / fotografiado toma alrededor de 2 horas.
Durante los 2 o 3 años siguientes (el tiempo promedio para completar un retrato), por lo general casi no tengo interacción con mis modelos.
Inmediatamente después del modelo en vivo, un yeso modificado con polímeros "positivo" se deriva del molde inicial de cabeza / cuello. El modelo positivo suele ser bastante "basto" cuando sale del molde y se requiere una extensivo tallado a mano para transformarlo en un facsímil exacto del sujeto.» [1]

"Laura Mattioli Rossi"
Retrato de la coleccionista, curadora, crítica e historiadora del arte milanesa Laura Mattioli Rossi, tal como se veía en el 2000
(excepto por detalles algo atenuados de la cabeza y el cuello, y sin pelo)
Mármol negro belga, 32,4 x 14,9 x 19 cm., 2000-2006 /
A portrait of the Milanese collector, curator, critic, and art historian, Laura Mattioli Rossi, as she appeared in 2000
(except with somewhat-attenuated head and neck details, and no hair)
Belgian Black Marble, 12-3/4 x 5-7/8 x 7-1/2 in., 2000-2006

"Hermafrodita durmiente / Sleeping Hermaphroditus"
A partir del / after Hermaphrodite Endormi (Ermafrodito Borghese) 
(ver más abajo / see below)
Escultura: mármol negro belga / sculpture: Belgian Black Marble
Base: mármol de Carrara, acero inoxidable, Delrin / Carrara Marble, stainless steel, Delrin
Conjunto escultura-base: 174 x 91 x 80 cm., 2008-10 / sculpture / base assembly: 68-1/2 x 35-13/16 x 31-5/8 in 

"Hermafrodita durmiente / Sleeping Hermaphrodite" (detalle / detail)

"Autorretrato / Self-Portrait"
Un retrato del artista, por el artista, tal como se veía en 1998, gritando, con la cabeza rapada, sin gafas, a una escala de 54%.
Ónix iraní, 16,4 x 9,5 x 12,2 cm., 1998-2005 /
A portrait, by the artist, of the artist as he appeared in 1998, screaming, with shaved head, without glasses, at 54% scale.
Iranian onyx, 6-7/16 x 3-3/4 x 4-13/16 in., 1998-2005

«Para transformar mis modelos terminados en piedra, primero son digitalizados con un escaneado láser cilíndrico tridimensional. Los modelos "virtuales" resultantes pueden ser manipulados digitalmente o dejarse como están.
La forma inicial se le da a la piedra con una fresadora controlada por ordenador (CNC).
Los pases finales del fresado se especifican para que la figura quede rodeada de una densa red diagonal de microfisuras paralelas.
Meses de tallado a mano y pulido siguen al fresado CNC. La piedra es finalmente enmascarada, arenada e impregnada de aceite.» [2]

Izq./ Left: "Jon Kessler"
Retrato estirado verticalmente, con caída excéntrica y un patrón envolvente victoriano del artista Jon Kessler
Mármol italiano "Fantástico", 70,5 x 18,3 x 22,2 cm., 2001-05 /
A vertically-stretched, eccentrically-slumped, Victorian pattern-wrapped portrait of the artist, Jon Kessler.
Italian “Fantastico” marble, 27-3/4 x 7-3/16 x 8-3/4 in., 2001-05
Der./ Right: "Retrato doble / A Dual-Portrait"
Retrato doble, realizado a escala 85%, distendido verticalmente en un factor 2
Ónix de Pakistán, conjunto escultura / base / pedestal: 184,5 x 25,4 x 25,4 cm., 2007-11 /
A dual-portrait, realized at 85% scale, vertically distended by a factor of 2
Pakistani Onyx, sculpture / base / pedestal ensemble: 72-5/8 x 10 x 10 in., 2007-11

"Envidia / Envy"
a partir de / after"La Invidia", Giusto Le Court
(ver más abajo / see below)
Mármol negro belga, acero inoxidable / conjunto escultura / pedestal: 172,7 x 43,8 x 30,5 cm., 2008-09
Belgian Black Marble, stainless steel / sculpture-pedestal assembly: 68 x 17-1/4 x 12 in., 2008-09

En sus trabajos de la serie "Obras maestras", Barry ha tomado como punto de partida algunas piezas clásicas, realizando sobre las mismas un proceso de recreación singular que busca hacerlas "más perfectas" que el original. Estas obras resultan a la vez clásicas y contemporáneas, y están hechas a partir de un escaneado de las obras originales, generando luego un modelo en 3D. El bloque de piedra es luego procesado con maquinaria controlada por ordenador. La obra se finaliza pasando por un meticuloso proceso de pulido y acabado a mano que puede llevar años. [3]

"Envidia / Envy" (mármol negro, detalle / black marble, detail)

"Envidia / Envy"
a partir de / after "La Invidia", Giusto Le Court
(ver más abajo / see below)
Ónix mexicano, acero inoxidable / conjunto escultura / pedestal: 172,7 x 43,8 x 30,5 cm., 2008-11
Mexican Onyx, stainless steel / sculpture-pedestal assembly: 68 x 17-1/4 x 12 in., 2008-11

Mármol italiano "Portoro", 24,6 x 15,2 x 18,7 cm., 2000-04 /
Grizzled erstwhile lightning rod veteran, nape-flayed - Italian “Portoro” marble, 9-11/16 x 6 x 7-3/8 in., 2000-04

«La Dama Velata, Invidia y Hermafrodita son figuras míticas, simbólicas. Necesitaré un esfuerzo hercúleo, pero si se me concede la oportunidad de mostrar mi trabajo en el museo, tengo la intención de crear varias esculturas de piedra completamente nuevas en respuesta a los modelos históricos y acabarlos en el momento de la apertura de la Bienal. Las otras obras que propongo exhibir son principalmente retratos que he creado en los últimos años. (La escultura retrato ha sido mi enfoque casi exclusivo en la última década.) A pesar de que los retratos son representaciones de individuos específicos (todos figuras del mundo del arte), varían en el tratamiento desde representaciones relativamente sencillas a distorsiones extremas. Algunos se han extendido violentamente y empalado, mientras que otros están delicadamente envueltos en follaje. Algunos se han transformado en criaturas fantásticas, otros se presentan con objetividad extrema. Las piedras que empleo abarcan desde la cremosa, exhuberantemente roja y traslúcida figura del Onyx mexicano, al rico azul lapislázuli, el puro y denso Mármol Negro, hasta la Calcita fantasmal. En los renderizados que acompañan, he seleccionado las obras para las distintas salas utilizando una variedad de criterios. Busqué las correspondencias de color, forma y contenido. A veces, en un intento de "activar" una habitación, escogí un enfoque deliberadamente escandaloso.»
De una carta de 2008 a Filippo Pedrocco, director de Ca' Rezzonico en Venecia, agradeciéndole por permitirme digitalizar La Purità y La Invidia. La carta también ofrece detalles sobre la muestra propuesta de mi obra en Ca' Rezzonico durante la Bienal de Venecia. [4]

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"El artista gritando y / Artist Screaming andMatthew Barney"
Emparejados, reflejados, desollados, empalados con jabalinas, colgando de un cable suspendido en embudo, en forma de sepia, priápico / labio-vulval, meta-retrato Janusiano romboidal del artista gritando, y Matthew Barney, en dos formas...
Ónix mexicano, acero inoxidable y otros metales varios, piedras y ejes ensamblados: cada uno 139,7 x 13,3 x 20,3 cm., 2000-09 /
Paired, mirrored, flayed, javelin-impaled, cable-delineated-pendentive-funnel-suspended, squid-like, priapic / labio-vulval, Janusian meta-portrait lozenges of 
the artist, screaming, and Matthew Barney, in two guises...
Mexican Onyx, stainless steel, various other metals, stone / shaft assemblies: each 55 x 5-1/4 x 8 in., 2000-09

"Pureza / Purity"
a partir de / after: "La Puritá", Antonio Corradini 
(ver más abajo / see below)
Escultura: mármol negro belga, acero inoxidable - Pedestal: mármol de Macedonia, acero inoxidable, madera, laca acrílica, acero, nylon, plástico
Conjunto escultura / pedestal: 175.3 x 41.9 x 30.5 cm., 2008-10 /
Sculpture: Belgian Black Marble, stainless steel - Pedestal: Macedonian Marble, stainless steel, wood, acrylic lacquer, steel, nylon, plastic
sculpture-pedestal assembly: 69 x 16-1/2 x 12 in.

«Al seleccionar una de las famosas figuras "veladas" de Corradini como un "modelo", quiero ampliar mi uso de la ofuscación integral hasta el punto en el que el revestimiento de superficie alcanza un estado igual al de la figura oculta. Al mismo tiempo, en una nueva vuelta de tuerca en el nexo Islam / Venecia, voy a traer al frente la mezcla sutil de sexualidad y piedad de esa figura cubierta casi por completo. El velo, el burka, la cruz, la estrella y la medialuna, la forma sensual del cuerpo oculta / revelada estarán todos en juego. Se introducirán distorsiones conmovedoras (por ejemplo, estiramiento y reflejo) y modificaciones sutiles (de materiales, escala y e iconografía).» [5]

"Pureza / Purity"
a partir de / after: "La Puritá", Antonio Corradini 
(ver más abajo / see below)
Escultura: ónix blanco iraní, acero inoxidable - Pedestal: ónix blanco iraní, acero inoxidable, madera, laca acrílica, acero, nylon, plástico
Conjunto escultura / pedestal: 175.3 x 41.9 x 30.5 cm., 2008-09 /
Sculpture: White Iranian Onyx, stainless steel - Pedestal: Macedonian Marble, stainless steel, wood, acrylic lacquer, steel, nylon, plastic
sculpture-pedestal assembly: 69 x 16-1/2 x 12 in., 2008-09

"Formas perfectas / Perfect Forms"
a partir de / after Unique Forms of Continuity in Space, Umberto Boccioni
sobre la obra y el artista ver / about work and artist see [Aniversarios (XL)]
Figura: Oro 24k sobre níquel sobre cobre. Prototipo estereolitografía (SLA) con armazón y accesorios de acero, llenado con resina.
Base: Oro 24k sobre cobre sobre bronce sólido
Escaparate: vidrio bajo en hierro antirreflectante, aluminio lacado y acero, panel de luz LED con difusor de vidrio
Escultura: 53,4 x 41,7 x 17,8 cm. / Escaparate: 260 x 120 x 96 cm., 2010-13
Figure: 24K gold on nickel on copper on SLA rapid prototype model with stainless steel armature / fittings and resin filling
Base plate: 24K gold on copper on solid brass
Display case: laminated anti-reflective low-iron glass, lacquered aluminum and steel, LED light panel with glass diffuser
Sculpture: 21 x 16.4 x 7 in. / Display case: 102.4 x 47.2 x 37.8 in., 2010-13

«Mi escultura está inspirada el trabajo futurista Umberto Boccioni de 1913 "Formas únicas de continuidad en el espacio". El yeso original Boccioni, en gran parte dañado y restaurado, se encuentra en Sao Paulo, Brasil.
Todos los bronces de "Formas únicas..." fueron fundidos muchos años después de la muerte de Boccioni. Y son muy variados. Varias generaciones los han producido con una gama de pátinas, esmaltes y detalles. A menudo tienen una terminación sorprendentemente tosca; todas pruebas evidentes de la velocidad con la que Boccioni y sus asistentes esculpieron el modelo en yeso.
La fundición de bronce es un proceso milenario. El carácter áspero, de tallado a mano de los bronces de "Formas únicas..." se opone de manera poco elegante a su  avanzada génesis conceptual. El hombre moderno de Boccioni se ha realizado hasta ahora con métodos antiguos y en un material antiguo.» [6]

"Formas perfectas / Perfect Forms"

«El reto que me propuse fue transformar una obra muy conocida de Boccioni, un icono modernista, en algo completamente nuevo, mediante la unión de forma, material, técnica y concepto. Empleando un escáner de luz blanca, comencé mi trabajo realizando escaneos digitales en 3D de los bronces de "Formas únicas...". Mi equipo y yo empleamos avanzados ordenadores y software, y luego procedimos a alterar cada curva, línea y borde del modelo virtual. Sólo la escultura 3D digital post-escaneo tomó más de 2 años de trabajo de precisión. Creo que el impacto acumulativo de miles de sutiles cambios efectuados produjo una obra a la vez familiar y fresca. "Formas perfectas" es una reminiscencia de su antecedente histórico, y sin embargo, se vuelve una reescultura profunda, con hiper-refinados contornos y superficies, curvas de barrido suave, con la precisión de una carrocería.» [7]

Más sobre Umberto Boccioni en "El Hurgador" / More about Umberto Boccioni in this blog:
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Ónix mexicano, 25,8 x 13,7 x 16,7 cm., 2000-06 /
torture prevalence compels victim-as-wounded-yet-resolute-iconoclasm-survivor portrait
Mexican Onyx, 10-5/32 x 5-3/8 x 6-9/16 in., 2000-06

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"Un retrato doble / A dual portrait"
Mármol negro belga / Belgian Black Marble, 40 x 22,5 x 21,1 cm., 2007-10

«Estos productos son así a la vez escépticos y optimistas, desafiando la naturaleza sacrosanta de sus antepasados históricos, y simultáneamanete estableciendo una nueva senda para artistas contemporáneos y futuros: en este contexto, obras nuevas basadas en otras antiguas no son tanto copias como modernizaciones.» [8]

"Un retrato doble / A dual portrait" (detalle / detail)

Más imágenes e información sobre Barry en / More info and information about Barry in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Barry!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Barry!)


El proceso / The Process


"Envidia / Envy"
a partir de / after "La Invidia", Giusto Le Court
(ver más abajo / see below)
Escultura: calcita dorada panal de abeja, acero inoxidable - Pedestal: Mármol de Macedonia, acero inoxidable, madera, laca acrílica, acero, nylon, plástico
Conjunto escultura / pedestal: 172,7 x 43,8 x 30,5 cm., 2008-10
Sculpture: Golden Honeycomb Calcite, stainless steel - Pedestal: Macedonian Marble, stainless steel, wood, acrylic lacquer, steel, nylon, plastic
 Sculpture-pedestal assembly: 68 x 17-1/4 x 12 in., 2008-10

En el siguiente video pueden verse imágenes del proceso de creación de esta escultura
(traducción del texto del video más abajo) /
In the following video you can see images of the process to create this sculpture
.

Envy – Golden Honeycomb Calcite from Barry X Ball Studio on Vimeo.

El texto traducido es el siguiente:

«Hay una larga historia de artistas haciendo obras "a partir" de otras de sus antecesores. Aunque empleando un avanzado arsenal, yo también trabajo en esa antigua tradición. Impulsado por el amor, voy atrás hasta un tiempo anterior a la Revolución Modernista, buscando una manera de hacer algo igualmente revolucionario.

Lo nuevo en mi arte, comenzando con Envidia, es la utilización del escaneado digital en 3D de una escultura existente como punto de partida. No contento con que mi trabajo sea una reminiscencia general, o esté inspirado por fuentes históricas, he utilizado el específico e identificable punto final de Giusto Le Court como mi principio. Me propuse la tarea de hacer una escultura que fuera "más perfecta" que la Invidia, una obra maestra del barroco conservada en la colección de Ca' Rezzonico en Venecia.»

Barry X Ball

Proceso:

- Escáner digital con luz blanca de La Invidia.
- Escaneado digital en 3D
- Modelo digital
- Renderizado digital de calcita dorada panal de abeja.
- Cantera de calcita dorada panal de abeja en las Montañas Wasatch, Utah
- Bloques de calcita
- Bloque de calcita para "Envidia", de 12000 libras
- Bloque de "Envidia" en la sierra de cable de diamante
- Corte con sierra circular
- Bloque final listo para fresado
- Bloque de "Envidia" en el torno
- Fresado de desbaste CNC (control numérico computarizado)
- Fresado fino CNC
- Acabado a mano
- "Envidia", calcita dorada panal de abeja, pieza terminada.



Un perfil del artista junto con la muestra "Yéndose de las manos: Materializando lo postdigital" /
A profile of artist in conjunction with the Museum's exhibition, Out of Hand: Materializing the Postdigital.





Las obras maestras / The Masterpieces

"Hermaphrodite Endormi (Ermafrodito Borghese) /
Hermafrodita durmiente / Sleeping Hermaphroditus"
Descubierto cerca de los Baños de Diocleciano en 1608 / discovered near the Baths of Diocletian in 1608
Figura y tela: Período de la Roma Imperial, s.II d.C, a partir de un original griego (s.II a.C) /
figure and drapery Roman Imperial Period (2nd century A.D.) after a Greek original (2nd century B.C.)
Restauraciones de la figura / figure restorations: David Larique (1619)
Añadido de la cama / bed addition: Gianlorenzo Bernini (1619)
Museo del Louvre (París, Francia / France)
Foto / Photo: Javier Fuentes

El Hermafrodita Durmiente es una antigua escultura de mármol que representa a Hermaphroditus a tamaño natural, recostado en un colchón esculpido por el artista italiano Gian Lorenzo Bernini en 1620. La forma deriva en parte de antiguas representaciones de Venus y otros desnudos femeninos, y en parte de las representaciones helenísticas feminizadas contemporáneas de Dionisio / Baco. Representa un tema que fue muy repetido en la época helenística y en la antigua Roma, a juzgar por el número de versiones que han sobrevivido. Descubierto en Santa Maria della Vittoria, Roma, el Hermafrodita Durmiente fue reclamado de inmediato por el cardenal Scipione Borghese y se convirtió en parte de la colección Borghese. El "Hermafrodita Borghese" fue posteriormente vendido a la ocupación francesa, y fue trasladado a El Museo del Louvre, donde se encuentra en exhibición en la actualidad.
El Hermafrodita Durmiente ha sido descrito como una buena copia romana imperial temprana de un original en bronce por el último de los dos escultores helenísticos llamados Polycles (que trabajó ca.155 aC). El bronce original fue mencionado en Historia natural de Plinio. [9]
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Antonio Corradini
"La Purità (Dama Velata) / La pureza (Dama velada) / The Purity (Veiled Lady)"
Mármol / marble, 1720-25
Ca’ Rezzonico (Venecia, Italia / Venice, Italy)

Antonio Corradini fue un escultor rococó veneciano nacido en 1688. Corradini trabajó principalmente en el Véneto, pero también completó comisiones de trabajo fuera de Venecia, incluyendo Viena o Nápoles, donde murió.
Fue aprendiz de escultor Antonio Tarsia (1663 - ca 1739), para quien trabajó probablemente durante cuatro o cinco años a partir de la edad de catorce o quince años (esta era la norma en el momento). Más tarde se convirtió en su yerno.
Los encargos de Corradini en los años siguientes le vinieron de clientes de toda Europa del Este. En 1716-1717, completó dieciocho bustos y dos estatuas para el jardín de verano del zar ruso Pedro el Grande en San Petersburgo, y la primera de sus famosas mujeres veladas; completaría dos más en la ciudad en 1722.
En 1723 Corradini se convirtió supuestamente en la primera persona en separar jurídicamente el arte de escultores de la profesión de los canteros, formando parte de una universidad que se estableció en 1724. Se enfrentó a la tarea de guiar a la nueva profesión artística a través de su infancia. En 1725-1726 fue nombrado curador de las leyes de la institución y se convirtió en su prior en 1727.
Murió en 1752. [10]
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Josse de Corte (Giusto Le Court)
"La Invidia / La envidia / The Envy"
Mármol italiano / Italian marble, ca. 1670
Ca’ Rezzonico (Venecia, Italia / Venice, Italy)

Josse de Corte fue un escultor barroco flamenco, nacido en Ypres en 1627, pero sobre todo activo en Venecia después de 1657.
También se le conoce como Giusto Le Court, Giusto Cort, Josse Lecurt o Josse Cort. Obtuvo algún tipo de formación en Roma con François Duquesnoy.
Su obra maestra es el teatral y dinámico altar mayor, complejo escultórico que representa a la Reina del Cielo expulsando la plaga de la iglesia de Santa Maria della Salute en Venecia. Representa a la Virgen María salvando a figuras suplicantes y dispersando la maldad personificada de la peste.
También completó parte del Monumento Morosini en S. Clemente all'Isola. Entre sus alumnos en Venecia estuvieron Heinrich Meyring (Enrico Merengo), Francesco Cavrioli, Francesco Penso, y Orazio Marinali. Juntos contribuyeron, junto con Tommaso Rues influenciado por Le Court, a la amplia decoración escultórica del exterior de la iglesia de la Salute.
Murió en 1679. [11]


Textos en inglés / English Text

[1]
Barry describes his process to create this portraits:
«An alginate / plaster mold is made of my subjects' heads and necks at my studio. I also take a series of reference photographs at that time (full "head shots" as well as 'details' of cranial / facial features). The casting / photographing procedure takes about 2 hours.
For the next 2-3 years (the average time to complete a portrait) ), I usually have little-to no interaction with my subjects.
Immediately after life-casting, a polymer-modified plaster 'positive' is derived from the initial head / neck mold. The positive cast is typically quite "rough" when it emerges from the mold and requires extensive hand-carving to be transformed into an accurate facsimile of the subject.»

[2]
«To transform my completed models into stone, they are first digitized via cylindrical 3- dimensional laser scanning. The resultant "virtual" models may be digitally manipulated or left as-is.
The initial stone shaping is accomplished on computer-controlled (CNC) milling machines.
The final milling passes were specified so that the figure is encircled with a dense, diagonal web of parallel microflutes.
Months of hand carving / polishing followed the CNC milling. The stone was finally masked, sandblasted, and oil-impregnated.»

[3]
In his work of "Masterpieces" series, Barry has taken as its starting point some classic pieces, performing an unique process that seeks to make recreational "more perfect" than the original. These works are at once classic and contemporary, and are made from a scan of the original works, then generating a 3D model. The stone stables are then processed with computer controlled machinery. The work is completed through a meticulous process of polishing and finished by hand which can take years.

[4]
«The Dama Velata, Invidia, and Hermaphrodite are mythical, symbolic figures. It will take a Herculean effort, but if I am granted the opportunity to show my work at the museum, I plan to create several completely new stone sculptures in response to those historical models and finish them by the time of the opening of the Biennale. The other works that I propose to exhibit are primarily portraits I have created in the last few years. (Portrait sculpture has been my almost-exclusive focus for the last decade.) Even though the portraits are representations of specific individuals (artworld figures all), they vary in treatment from relatively-straightforward depictions to extreme distortions. Some are violently stretched and impaled, while others are delicately wrapped in foliage. Some have been morphed into fantastic creatures, others are rendered with extreme objectivity. The stones I employ range from creamy, exuberantly-red-figured translucent Mexican Onyx, to rich blue Lapis Lazuli, from pure, dense Black Marble, to ghostly Calcite. In the accompanying renderings, I have selected the works for the various rooms utilizing a variety of criteria. I looked for correspondences of color, form, and content. Sometimes, in an attempt to “activate” a room, I took a deliberately obstreperous approach.»
From a 2008 letter to Filippo Pedrocco, director of Ca’ Rezzonico in Venice, thanking him for allowing me to digitize La Purità and La Invidia. The letter also
gives details of a proposed show of my work at Ca’ Rezzonico during the Venice Biennale.

[5]
«By selecting one of Corradini’s famous “veiled” figures as a “model”, I want to expand my use of integral obfuscation to the point where the surface covering achieves coequal status with the figure concealed. At the same time, in a new twist on the Islam/Venezia nexus, I will propel the almost-completely-draped figure’s subtle mix of sexuality and piety to the forefront. The veil, the burkha, the cross, the star-and-crescent, the sensual way the body is concealed / revealed will all be in play. Poignant distortions (e.g. stretching and mirroring) and subtle modifications (of materials, scale, and iconography) will be introduced.

[6]
My sculpture is inspired by Umberto Boccioni's 1913 Futuristic work, Unique Forms of Continuity in Space. The original Boccioni plaster, much damaged and restored, is in Sao Paulo, Brazil.
All the Unique Forms bronzed were cast many years after Boccioni's death. They vary widely. Multiple generations have been produced with a range of patinas, polishes, and details. They are often suprisingly crudely finished - all bear evidence of the speed with which Boccioni and his assistants hand-sculpted the plaster model.
Bronze casting is a millennia-old process. The rough, hand-hewn character of the Unique Forms bronzes stands in inelegant opposition to their advanced conceptual genesis. Boccioni's Modern Man has heretofore been realized with ancient methods in an antique material.

[7]
The challenge I set for myself was to transform Boccioni's extremely familiar artwork, a Modernist icon into something completely new - to bring together form, material, technique, and concept. Employing a state-of-the-art Breuckmann white-light scanner, I began my work by 3D digital scanning one of the Unique Form bronzes. My studio team and I, employing advanced computers and software, then proceeded to alter every curve, line and edge of the virtual model. The post-scanning digital 3D sculpting alone took over 2 years of exacting labor. I believe the cumulative impact of thousands of subtle changes effected yields a work simultaneously familiar and fresh. Unique Form is reminiscent of its historical antecedent, yet it is thoroughly re-sculpte, with hyper-refined edges and surfaces, smoothly sweeping curves, the precision of a car body.

[8]
«These productions are thus at once skeptical and optimistic, challenging the sacrosanct nature of their historic forbears, and simultaneously laying a clear path for contemporary and future artists: within this context, new works based upon older ones are not so much copies as upgrades.»

[9]
The Sleeping Hermaphroditus is an ancient marble sculpture depicting Hermaphroditus life size, reclining on a mattress sculpted by the Italian artist Gian Lorenzo Bernini in 1620. The form is partly derived from ancient portrayals of Venus and other female nudes, and partly from contemporaneous feminised Hellenistic portrayals of Dionysus/Bacchus. It represents a subject that was much repeated in Hellenistic times and in ancient Rome, to judge from the number of versions that have survived. Discovered at Santa Maria della Vittoria, Rome, the Sleeping Hermaphroditus was immediately claimed by Cardinal Scipione Borghese and became part of the Borghese Collection. The "Borghese Hermaphroditus" was later sold to the occupying French and was moved to The Louvre, where it is on display today.
The Sleeping Hermaphroditus has been described as a good early Imperial Roman copy of a bronze original by the later of the two Hellenistic sculptors named Polycles (working ca 155 BC); the original bronze was mentioned in Pliny's Natural History.
Wikipedia

[10]
Antonio Corradini was a Venetian Rococo sculptor born in 1688. Corradini worked mainly in the Veneto, but also completed commissions for work outside Venice, including Vienna or Naples, where he died.
He was apprenticed to the sculptor Antonio Tarsia (1663 - ca 1739), for whom he worked probably for four or five years starting at the age of fourteen or fifteen (this was the norm at the time). He later became his son-in-law.
Corradini's commissions for the next several years came from patrons all over Eastern Europe. In 1716-17, he completed eighteen busts and two statues for the summer garden of the Russian czar Peter the Great in St. Petersburg, and the first of his famous veiled women; he would complete two more in the city in 1722.
In 1723, Corradini reputedly became the first person to legally separate the art of sculptors from the profession of stonemasons, forming part of a college that was established in 1724. He was faced with the task of guiding the new artistic profession through its infancy. In 1725-26 he was appointed curator of the laws of the institution and became its prior in 1727.
He died in 1752.

[11]
Josse de Corte was a Baroque Flemish sculptor, born in Ypres in 1627, but mainly active in Venice after 1657.
He is also known as Giusto Le Court, Giusto Cort, Josse Lecurt or Josse Cort. He obtained some training in Rome by François Duquesnoy.
His masterpiece is the theatrical and dynamic high altar sculptural complex depicting the Queen of Heaven expelling the Plague for the church of Santa Maria della Salute in Venice. It depicts the Virgin Mary saving pleading figures and scattering the personified evil of the plague.
He also completed part of the Morosini Monument in S. Clemente all'Isola. Among his pupils in Venice were Heinrich Meyring (Enrico Merengo), Francesco Cavrioli, Francesco Penso, and Orazio Marinali. Together they all contributed, together with Tommaso Rues influenced by Le Court to the extensive sculptural decoration of the exterior of the church of the Salute.
He died in 1679.



Para finalizar, traduzco una carta de Barry de 2009 a un coleccionista.

Según comenta el artista, «El coleccionista estaba especialmente interesado en saber cómo encajaban mis nuevas esculturas en relación a la "apropiación", y qué es lo que hace a mis obras algo más que "copias"»

Izq./ Left: "La Purità (Dama Velata) / La pureza (Dama velada) / The Purity (Veiled Lady)"
de / by Antonio Corradini
Der./ Right: "Pureza / Purity" de / by Barry X Ball

«En general, me he propuesto la difícil tarea de hacer nuevas esculturas que sean "más perfectas" el la "perfecta" obra maestra de la escultura barroca de Corradini. He aquí una lista parcial de los caminos que he seguido para alcanzar esta meta:

1. Las adiciones sustanciales que he realizado y la forma como he esculpido / pulido mis obras han hecho de las mías auténticas esculturas en redondo, no retratos frontales concebidos para ser ubicados en nichos contra las paredes.

2. He empleado para esculpir mis obras piedras no tradicionales, en lugar del estereotípico mármol italiano. Mis piedras traslúcidas (por ejemplo el ónix y la calcita) representan el velo, chal y tejidos de manera diáfana. La veta exhuberante de la calcita establece una red superficial paralela, que alternamente camufla y revela la red de pliegues de la escultura y la barre al tiempo que añade una complejidad vertiginosa. El patrón más sutil del ónix funciona de manera similar, aunque de una forma menos asertiva. Las piedras traslúcidas, cuando se las ilumina cuidadosamente, parecen brillar desde dentro, con una luz interior que irradia hacia fuera, atravesando el velo. Esto no es posible con mármol opaco. Corradini utilizó el material con el que estaba familiarizado, la piedra para esculpir más rápidamente disponible en Italia, la que respondía bien a las técnicas escultóricas tradicionales. Debido a mis tecnologías de punta y mi acceso y conocimiento de fuentes de piedra de todo el mundo, tengo más opciones. Hice un intento concertado para seleccionar las piedras que mejor encajan con la forma, para crear algo rico y nuevo.

3. Mis esculturas son imágenes especulares de sus fuentes. El reflejo, una característica de muchos de mis retratos, es intencional. Es la idea de que el sujeto se "ve" en un espejo. Hacer esto es extremadamente difícil (casi imposible) de llevar a cabo a través de los medios tradicionales de reproducción escultórica (por ejemplo la "pointing up"). Es posible a través de mi uso de tecnologías avanzadas, y según creo, añade un elemento significativo de extrañeza, de desconocimiento o novedad de mis esculturas (especialmente de aquellos que están familiarizados con las de Corradini)

4. He eliminado la cruz cristiana latina del área del corpiño del velo. Al hacerlo, pretendo hacer el velo más universal. El velo es ampliamente utilizado como para cubrir la cabeza: cristianos, islámicos, indios, para duelo (piensen en Jackie Kennedy en el funeral), etc. El velo universal es especialmente apropiado en Venecia (lugar original de la escultura de Corradini utilizada como fuente), debido al papel de esa ciudad como encrucijada entre el Islam y la Cristiandad. Espero que al eliminar esa cruz, he hecho del velo algo de un rico misterio, no sólo una reliquia de devoción religiosa, duelo, penitencia o modestia. El ónix blanco iraní de una de las versiones de mi escultura, añade a su vez otra capa de significado y contraposición al velo y su sexualidad mejorada (ver más abajo) de la mujer. Compré el último bloque de este material disponible en el mercado mundial el año pasado. El gobierno iraní ha requisado la totalidad de la cantera para la construcción de la tumba del Ayatollah Khomeini, el mojigato patriarca de la Revolución Iraní.

5. Eliminé el encaje del borde del velo para refrescar su apariencia y mejorar su liquidez suave y sensual.

6. Mi tratamiento escultórico del velo es intencionalmente más blanda, más fluida, menos afilada que el de Corradini. En mis obras, el velo se ha vuelto algo más que una cobertura; es la forma en sí misma. La diferencia es sutil, pero importante. La mujer de Corradini parece estar cubierta por una pila de tela de un improbable aspecto húmedo, relativamente quebradizo. En mis esculturas, el cuerpo del velo está más unificado. Casi parece que el cuerpo ha partido y dejado atrás un sustituto de tejido brumoso, arremolinado y desmaterializado.

7. He corregido varios errores escultóricos de Corradini. Él no sólo no finalizó la parte de abajo, los lados y la parte trasera de la escultura. Ciertas partes de su obra son confusas. En particular las capas de tela a veces no tienen sentido o no están completamente resueltas. He corregido esos problemas en mis obras.

8. He agrandado sutilmente los senos. Para una escultura con una devota "pureza" ostensible como su modelo, la mujer de Corradini es muy sexy. Al resaltar los senos, he tratado inclinar ligeramente el equilibrio piadoso / sensual un poco más hacia lo segundo.

9. He pulido el pequeño parche de piel expuesta para diferenciarla del acabado áspero de la ropa. Toda la parte trasera inferior de mi escultura está también pulida como un espejo. La de Corradini tiene un acabado de superficie torpe por todas partes. He trabajado duro para darle a las partes de tela de mis trabajos un acabado satinado ultra-fino y uniforme en el que la superficie "desaparece" suavemente.

10. El Corradini de la época barroca ha sufrido en algunas partes a través del tiempo. Su superficie tallada también tiene varias partes ásperas, astilladas, sin terminar. Esto pudo deberse a que Corradini no sintió la necesidad de terminar esas áreas, porque no tenía tiempo suficiente para terminar el trabajo, o porque esas secciones han sido objeto de abrasión. Mis esculturas están completamente acabadas y libres de daños. He tratado la parte trasera, lados, frente y parte superior con la misma meticulosidad. La parte inferior de mi obra está también meticulosamente acabada, y he fijado de forma permanente una inserción personalizada de acero y una base de ABS para asegurar la exposición / transporte.
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Here you have part of a 2009 letter to a Collector. «The Collector was particularly interested in where I thought my new sculptures stand in relationship to
"Appropriation" and what makes my works more than "copies".»

In general, I have set for myself the difficult task of making new sculptures that are "more perfect" than the "perfect" Corradini, a "Masterpiece" of Baroque sculpture. Here is a partial list of the ways I have gone about attaining that goal:

1. The substantial additions I have effected and the way I have carved / polished my works have made mine true sculptures-in-the-round, not frontal portraits intended for placement in niches or against walls.

2. I have employed non-traditional (for sculpture) stones for my works, not stereotypical white Italian Marble. My translucent stones (e.g. onyx and calcite) render the veil, shawl, and drapery diaphanous. The calcite's exuberant veination establishes a parallel surface network, one that alternately camouflages and reveals the sculpture's network of folds and sweeps while adding a dizzying complexity. The more subtle onyx patterning works in a similar, yet less-assertive way. The translucent stones, when carefully lit, appear to glow from within, to have an inner light that radiates outward, that penetrates the veil. This is not possible with opaque marble. Corradini used the material that he was familiar with, the most readily available carving stone in Italy, the one that responded well to traditional hand-carving techniques. Because of my hightech techniques and my access to and knowledge of worldwide stone sources, I have many more options. I made a concerted attempt to select stones that work with the form to create something rich and new.

3. My sculptures are mirror images of their sources. The mirroring, a feature of many of my portraits, is intentional. It is the view that the subject "sees" in a mirror. This feat is extremely difficult (i.e. near-impossible) to accomplish through traditional means of sculptural reproduction (e.g. "pointing up"). It is possible through my use of advanced technology, and I hope, adds a significant element of strangeness, of unfamiliarity, of newness to my sculptures (especially for those who are familiar with the Corradini).

4. I eliminated the Christian Latin cross from the bodice area of the veil. By so doing, I intend to make the veil more universal. The veil is a widely used head covering - Christian, Islamic, Indian, mourning (think Jackie Kennedy at the funeral), etc. The universal veil is especially appropriate for Venice (location of the Corradini source sculpture) because of that city's role as crossroads of Islam and Christianity. I hope that by removing the cross, I have made the veil one of rich mystery, not just a relic of religious devotion, mourning, penitence, or modesty. The white Iranian Onyx of one version of my sculpture adds yet another layer of meaning and counterpoint to the veil and the enhanced sexuality (see below) of the woman. I purchased the last block of this material available on the world market last year. The Iranian government has requisitioned the entire quarry for the construction of the tomb of the Ayatollah Khomeini, that prudish patriarch of the Iranian Revolution.

5. I eliminated the lace border from the veil to freshen its appearance and enhance its smooth, sensual liquidity.

6. My sculptural treatment of the veil and drapery is intentionally softer, more flowing, less sharp than that of the Corradini. In my works, the veil has become more than a covering - it is the form itself. This difference is subtle, but important. The Corradini woman appears to be covered by an improbable, wet-look, relatively crisp pile of cloth. In my sculptures, the body and veil are more unified. It almost appears that the body has departed and left behind a misty, swirling, dematerialized fabric surrogate.

7. I have corrected several of Corradini's sculptural errors. Corradini not only didn't finish the bottom, sides, and back of his sculpture, certain passages of his work are confused. In particular, the layers of his drapery sometimes don't make sense or were not completely resolved. I fixed those problems in my works.

8. I subtly enlarged the breasts. For a sculpture ostensibly with devout "purity" as its subject, the Corradini woman is quite sexy. By my breast enhancement, I have tried to gently tip the pious / sensual balance a bit farther toward the latter.

9. I have polished the small patch of exposed flesh to differentiate it from the matte finish of the cloth. The entire lower back of my sculpture is also mirror-polished. The Corradini has a dull surface finish throughout. I have worked hard to give the cloth passages of my works a fine, ultra-uniform satin finish so that the surface softly "disappears".

10. The Baroque-era Corradini has suffered damage in some areas over time. Its carved surface also has several rough, chipped, unfinished passages. This could be because Corradini didn't feel the need to finish those areas, because he didn't have sufficient time to complete the work, or because those sections have been subject to abrasion. My sculptures are completely finished and damage-free. I have treated backs, sides, fronts, and tops with equal fastidiousness. The bottom of my work is also scrupulously finished, and I have permanently affixed a custom stainless steel insert and ABS base plate to ensure display / transport.

Cinta Vidal [Pintura]

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Cinta Vidal


Cinta Vidal Agulló es una artista catalana nacida en Barcelona en 1982 que trabaja tanto las pinturas acrílicas sobre madera a pequeña y media escala, como los grandes telones para fondos de teatro y ópera, que pinta de pie, con un pincel largo como una escoba, caminando sobre la obra.
Me han encantado sus trabajos de la serie "Gravitando", que selecciono aquí intercalándolos con imágenes de la artista trabajando en sus grandes telones.

"Cupula / Dome", pintura plástica sobre madera / plastic painting on wood, 115 x 95 cm.

«Desde bien pequeña no he parado de dibujar y pintar. Estudié un Ciclo Formativo de Grado Superior de Ilustración en la Escuela Massana de Barcelona. A los 16 años entré como aprendiz esporádica en el Taller de Escenografía Castells Planas de St. Agnès de Malanyanes donde, a lo largo de los años, Josep Castells y Jordi Castells me han enseñado el oficio de pintar telones y amar la escenografía. En el mundo de los decorados también he trabajado en la Ópera de Sabadell pintando todo tipo de escenografías.
En cuanto a la ilustración, nunca he dejado de experimentar. Por mi cuenta pinto cuadros ilustrados (que vendo en la tienda de juguetes El gat Corneli o expongo en cafés).»

"Mudança / Mudanza / Move"


«No recuerdo la última vez que salí de casa sin una libreta para dibujar aquello que observo, libretas en las que recojo nuevas perspectivas que me ayuden a intentar explicar lo complejo de las relaciones humanas. 
Lo habitual es justo lo contrario, pero nunca he querido casarme con un solo estilo: cada proyecto, cada pintura, cada ilustración, cada cliente, cada idea... es sometido a un análisis del que no sólo surge que voy a contar, sino cómo, de qué manera se va a plasmar.»

"Empordà / Ampurdán"

"Barri / Barrio / Neighborhood", serie previa a Gravitando / previous series to Graviting

«Compartimos espacios pero los vivimos de forma diferente. Puedes tener un vecino con el que te cruzas cada día pero él puede vivir el edificio de otra manera». Esa inconexión con el mundo, que Cinta concibe como una realidad y no como una protesta, se plasma suprimiendo la dimensión gravitatoria. Gravitan los objetos, los mundos y las ideas. Gravitan las palabras y los sueños. Gravitamos y hacemos gravitar. Su obra es una reflexión borgiana entre el orden y el desorden. «Es un desafío a entender este equilibrio desequilibrante”. Es la paradoja de la vida misma, cuerda en su locura.»

Sèrie Gravitant 1 / Serie Gravitando 1 / Gratitating 1 Series, (obra y detalle / work and detail) 40 x 65 cm.

"Escales 1 / Escaleras 1 / Stairs 1"

«He tenido grandes maestros pintores que pacientemente me enseñaron y ayudaron tanto a mejorar mis habilidades pictóricas como a ser capaz de trabajar en muchos estilos diferentes. Me siento afortunada siendo capaz de ganar me la vida con lo que me gusta hacer; dibujar y pintar, ya sea trabajando en talleres de escenografía, proyectos freelance para publicidad o trabajos por encargo. Hasta el momento, mi propia obra me ocupaba una pequeña parte de mi tiempo, pero se está incrementando gradualmente.»


«Con estas construcciones ingrávidas, pretendo mostrar que vivimos en un único mundo (aunque lo vivimos de maneras difenrentes), jugando con objetos cotidianos y los espacios, situándolos de formas imposibles para expresar que muchas veces la dimensión interna de cada uno no encaja con las estructuras mentales de quienes nos rodean. Los espacios arquitectónicos y los objetos cotidianos son parte de la metáfora de cuán difícil es encajar todo lo que constituye nuestro espacio diario: nuestras relaciones, trabajo, ambiciones y sueños.»

"Mudança 3 / Mudanza 3 / Move 3"

«La pintura de telones de fondo es mi especialidad. Hay escultores, carpinteros, etc., en cada ópera. El trabajo en equipo es realmente muy importante (hay que tener en cuenta que cualquier proyecto para una ópera puede consistir en 5 telones de fondo, de 10 x 18 metros cada uno). Es una pena que haya cada vez menos proyectos de este tipo; hoy en día puedes imprimir esos telones en inmensos plotters. El proceso es conceptualmente simple: primero, el escenógrafo o tú mismo pintan el fondo a escala pequeña (que es una obra de arte en sí misma). Luego fijas la tela en un suelo de madera, dibujas guías tanto en la tela como en la copia de la pintura original, y comienzas a caminar sobre ella, pintando con pinceles muy largos. Tienes que aprender a comprender la pintura viéndola desde esta extraña perspectiva (de pie sobre ella), para poder trabajar, pero tenemos escaleras y balcones para trepar y ver cómo se ve antes de hacer que la instalen.»

"Mudança 3 / Mudanza 3 / Move 3" (detalle / detail)

Cinta Vidal Agulló is a Catalonian artist born in Barcelona in 1982. She works both small and medium scale acrylic paintings on wood, and huge backdrops for operas and theatre she paints stand up, with a large, broomstick-sized brush, walking on the work.
I fell in love with his "Gravitating" Series, so here you have a selection, alternating with images of the artist at work in her huge backdrops paintings.


«I have been drawing since I was a kid. I studied at Escola Massana in Barcelona and when I was 16, I started working as an apprentice in Taller de Escenografia Castells Planas in St. Agnès de Malasanyes where I learnt from Josep and Jordi Castells to love scenography and the backdrop trade. I have also been working in the Opera de Sabadell painting all kinds of scenography elements.
I have never stopped experimenting with illustration and painting. I sell some of my works in the toys store El gat Corneli and I exhibit my work in some cafés in Barcelona.»

Sèrie Gravitant 1 / Serie Gravitando 1 / Gratitating 1 Series
"Poble / Pueblo / Village", pintura plástica sobre madera / plastic painting on wood, 50 x 50 cm.

"Escales 2 / Escaleras 2 / Stairs 2"

«I don't remember the last time I left home without a notebook to draw what I observe, notebooks in which I gather new perspectives to help me try to explain the complexity of human relationships.
Typically, just the opposite, but I never wanted to assign myself to a single style: every project, every painting, every illustration, every customer, every idea ... is subjected to an analysis from which arises not only what I'm going to tell, but how, in which way it'll be embodied.»



«We share spaces but live it differently. You may have a neighbor with whom you come across every day but he can live the building in a different way.» That disconnectedness with the world, conceived by Cinta as a reality and not as a protest, is expressed by removing the gravitational dimension. Gravitating objects, worlds and ideas. Gravitating words and dreams. We gravitate and we make gravitate. Her work is a Borgian reflection between order and disorder. "It is a challenge to understand this dominating unbalance." It is the paradox of life itself, sane in its madness.»

«I had great master painters who patiently taught me and helped both to improve my painting skills and be able to work in many different styles. I feel fortunate to be able to make a living out of what I like to do, drawing and painting, whether working at the scenography workshop, freelance projects for advertising, or commissioned works. Until this moment, my own work used to take a small amount of all my time, but that time should gradually increase.»

Inspirat en Colera (poble de costa del nord de Catalunya) / Inspirado en Colera (villa costera en el norte de Cataluña)
Inspired in Colera (coastal village in northern Catalonia)

«With these un-gravity constructions, I want to show that we live in one world, but we live in it in very different ways – playing with everyday objects and spaces, placed in impossible ways to express that many times, the inner dimension of each one of us does not match the mental structures of those around us. The architectural spaces and day-to-day objects are part of a metaphor of how difficult it is to fit everything that shapes our daily space: our relationships, work, ambitions, and dreams.»


"Vacances / Vacaciones / Holidays"

«Backdrop painting is my speciality. There are sculptors, carpenters, etc. in any opera. Teamwork here is really important (bear in mind that any project for an opera can consist in something like 5 backdrops, 10×18 meters each one / 30 x 54 feet). It’s a pity that each time there are less and less projects of this kind: nowadays you can print any of these backdrops in huge plotters. The process is conceptually simple: first, either the scenographer or you paint the final backdrop to a smaller scale (which is a work of art by itself), then you pin the fabric to the wooden floor, draw guides both in the fabric and a copy of the original painting and then you start walking over it, painting it with very-long-brushes. You have to learn to understand the painting by seeing it in this strange perspective (standing on it) to be able to work, but we have ladders and balconies to climb to see how it looks before sending it to install.»

"Vacances / Vacaciones / Holidays" (detalle / detail)

"Veïns / Vecinos / Neighbours", 64 x 64 cm.
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Los textos están tomados del sitio web de la artista, de un artículo sobre un encuentro con Cinta publicado en La Columna.cat por Gabriel Castelló García en mayo de 2015, y de una entrevista de Nathan Spoor publicada por Hi-Fructose en abril de 2015.

Texts from artist's website, from an article on a meeting with Cinta published in La Columna.cat by Gabriel Castelló García (May, 2015), and from an interview by Nathan Spoor published in Hi-Fructose, April, 2015.

Más imágenes e información sobre Cinta en / More images and information about Cinta in:

(al momento de realizar este post, Cinta está trabajando en su nuevo sitio web /
at the time of this post, Cinta is working on her new website)

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Cinta!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Cinta!)



Pintura de un telón de fondo para / Painting of a backdrop for Mumusic Circus
Espectáculo callejero / Street show"Roda,món"
Escenografía / Scenography: Lluc Castells
Realización / Realization: Cinta Vidal



Dan Hillier [Dibujo, Collage, Arte digital]

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Dan Hillier


Dan Hillier es un artista inglés nacido en 1973 en Oxford, que actualmente vive y trabaja en Stoke Newington, Londres.
Estudió Ilustración y Artes Gráficas en la Universidad Anglia Ruskin en Cambridge, en 1995. Desde 2006, después de viajar unos cuantos años, ha estado creando y vendiendo sus trabajos, que ha presentado en varias muestras colectivas y en solitario, en espacios tales como ArtDog London, la Galería Saatchi, MuTate Britain, Victor Wynd Fine Arts, el Festival Glastonbury y el Instituto de Artes Contemporáneas. 
La mayoría de su obra es producto de collages con imágenes victorianas, que luego procesa en Photoshop montando y completando con sus propios dibujos a tinta. El resultado es una curiosa mezcla de elementos clásicos, donde predomina la simetría y las fusiones de humanos y animales.

"El coleccionista / The Collector", 2010 © Dan Hillier

"Corona / Crown", 2015 © Dan Hillier

«Tengo un montón de grabados y páginas de antiguos Illustrated London News, libros y varios trozos y recortes por todas partes a partir de los que dibujo. Generalmente comienzo con una idea de lo que quiero hacer, que puede surgir de otra pieza de mis trabajos propios o de alguien más, una idea súbita, música o cualquier cosa, y entonces comienzo a conjuntar lo básico mediante el proceso de buscar otros elementos para acoplar las cosas, intentado llevar adelante la idea original con lo que encuentro, y esa idea original va cambiando de forma a medida que avanzo. Escaneo partes de antiguos grabados con Photoshop, juego con ellos y dibujo sobre ellos utilizando un lápiz digital, o algunos escaneos de dibujo a lápiz o tinta. Cuando dibujo, como por ejemplo en "Al borde del bosque", utilizo plumilla y tinta.» 

"Corona / Crown" (detalle / detail) © Dan Hillier

"Embaucador / Trickster", 2011 © Dan Hillier

Grabados alterados / Altered Engravings © Dan Hillier
"Un final / An ending", 2008 - "Anansi Boys", 2006 © Dan Hillier

«La música es una gran inspiración para mí (Swans, Loscil, Philip Glass, Radiohead y Liars especialmente, en este momento). Max Ernst fue obviamente una gran influencia para mí visualmente, y fui a ver una muestra de Matisse que hubo hace poco en la Tate, que me me impactó y selló completamente el plan que tengo desde hace mucho tiempo para trabajar en color de aquí en adelante. La iconografía budista y cristiana siempre me ha fascinado e inspirado, y me ha llevado más y más cerca de hacer algo que se parezca a eso, creo. La psicodelia y la meditación también han sido también una influencia para mí, y recientemente me he atascado con un montón de grabaciones Terence McKenna; él fue un supertipo, y ha sido para mí unas inspiradora llamda a las armas en lo que tiene que ver con la creatividad y cuestionando lo que creemos saber. Me voy a la Amazonía peruana en un mes y espero tendrá todo un efecto hacia donde iré en lo sucesivo, si alguna vez vuelvo.»

"Valle / Valley", 2011 © Dan Hillier

Grabados alterados / Altered Engravings
"Madre / Mother", 2006 © Dan Hillier

"Meta", 2014 © Dan Hillier

«El arte que me gusta es muy diferente de lo que yo hago; me gustan artistas como Mark Rothko, Giacometti y Louise Bourgeois, gente como esta, que hacen esas grandes imágenes o instalaciones o esculturas, que definitivamente tienen una gran atmósfera emocional, y la atmósfera es algo en lo que estoy realmente interesado. Mucha de mi obra involucra imágenes de épocas victorianas, y muchas de ellas incluyen dibujos, grabados, aguafuertes o lo que sea, que tienen un contenido dramático de eso... y me gusta jugar con eso. Quiero hacer imágenes que tengan un impacto en la gente, algo que haga que la gente se detenga y conecte con la gente. Me gusta la idea de que pueden transportar a la gente a algún lugar un poco más misterioso.»

"Pachamama", 2014 © Dan Hillier

Izq./Left: "Trono / Throne", 2014 - Der./Right: "Hijo del padre / Son of the Father", 2011 © Dan Hillier

Dan Hillier in an English artist born in 1973 in Oxford, based in Stoke Newington, London. 
He studied Illustration and Graphic Arts at Anglia Ruskin University in Cambridge in 1995.  Since 2006, after traveling for a number of years, he has been creating and selling his work through solo and group shows in various galleries and spaces such as ArtDog London, Saatchi Gallery, MuTate Britain, Victor Wynd Fine Arts, Glastonbury Festival and the Institute of Contemporary Arts.
Most of his work is the product of collages with Victorian images procesed in Photohop, mounted and completed with his own ink drawings. The result is a very curious mix of classic elements where symmetry and mergers of humans and animals predominates.

"Bosque / Forest", 2010 © Dan Hillier

"Al borde del bosque / At the Edge of the Woods", 2009 © Dan Hillier

"Cráneos / Skulls", 2006 © Dan Hillier

«I do have a large amount of prints and pages from old Illustrated London News, source books and various bits and pieces from all over the place that I draw from.  I generally start with an idea of what I want to make, which can be set off by another piece of work of my own or someone else’s, a sudden thought, music or anything, and then start to put the basics together, and by the process of seeking out other elements to put the thing together I tend to get led along by what I find and the original idea changes shape as I go.  I scan bits of old prints into photoshop and then play around with them and draw into them using a digital pen, or sometimes scans of pen and ink drawings.  When I draw, such as with At the Edge of the Woods, I use a dip nib pen and ink.»

"Aviador / Aviator", 2011 © Dan Hillier

"Hechicera / Sorceress", 2011 © Dan Hillier

"Alondra / Lark", 2013 © Dan Hillier

«Music is a big inspiration for me – Swans, Loscil, Philip Glass, Radiohead and Liars at the moment especially.  Max Ernst was obviously a big influence on me visually and I went to see the Matisse show lately a the Tate which blew me away and completely sealed my long held plan to make colour work from here on in. Buddhist and Christian iconography has always fascinated and inspired me and I’m moving closer and closer to making something resembling these I think.  Psychedelics and meditation have been an influence on me too, and recently I’ve been getting stuck into a lot of Terence McKenna recordings – he was a megadude and he makes for an inspiring call to arms when it comes to creativity and questioning what we think we know.  I’m off to the Peruvian Amazon in a month which I expect will have quite an effect on where I go next, if I ever come back.»

"Punto medio / Midpoint", 2014 © Dan Hillier

"¿Qué queda? / What remains?" (detalle / detail), 2015 © Dan Hillier

«The art I like is usually dissimilar to what I do; I like artists like Mark Rothko, Giacometti and Louise Bourgeois, people like that, who make these big pictures or installations of sculptures which definitely have quite an emotional atmosphere to them - and atmosphere is something that I’m really interested in.
A lot of the (my) work involves pictures from Victorian times and a lot of these involve drawings, engraving, etchings or whatever, and have quite a dramatic edge to them... and I like playing with that. I want to make pictures that have an impact on people – something that stops people and connects with people. I like the idea that they might transport people to somewhere a little bit mysterious.»

"Encandilado por los faros / Caught in the Headlights", 2009 © Dan Hillier

Los textos están tomados del sitio web del artista, de una entrevista publicada en Creative Mapping, y de otra publicada por Liz en Blank Space Blog en agosto de 2014.

Texts from artist's website, from an interview published in Creative Mapping, and another one published by Liz in Blank Space Blog, August, 2014.
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Sobre los artistas mencionados por Dan, en este blog / About the artist mentioned by Dan, in this blog:

Louise Joséphine Bourgueois[Aniversarios (XLIX)]
Max Ernst: [Yousuf Karsh (Fotografía)], [Aniversarios (IX)]
Alberto Giacometti[Aniversarios (XXXVIII)]
Henri Matisse[Manos a la obra (V)], [Arte & Humor (II)], [Arte perdido (VI)], [Aniversarios (L)], [Sucedió en el museo (I)], [Sucedió en el museo (I, Anexo)]
Mark Rothko[Loretta Lux (Fotografía, Fotomanipulación)]
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Más imágenes e información sobre Dan en / More images and information abou Dan in:
Website, Instagramfacebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Dan!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Dan!)



Dan habla sobre su obra (en inglés) / Dan speaks about his work

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Video oficial del grupo Losers / Official video of Losers: "Flush" feat Riz MC & Envy
Dirigido y animado por Tom Werber, con la obra de Dan Hilliars /
Directed and animated by Tom Werber, featuring the artwork of Dan Hillier
Animación adicional de / Additional animation by David Gray, Yasmin Moktarzadeh and Sarah Harris


«Se me acercó Eddy, de Losers, para hablar sobre la posibilidad de animar algo de mi obra para su single debut. Un amigo mutuo puso a Tom (director y animador) en contacto conmigo, y pasamos el tiempo siguiente trabajando en el vídeo.
Tom me trajo un storyboard y yo le suministré mi obra, y también creé algunos personajes nuevos. A partir de ahí lo dejé junto con su equipo de animadores para que le dieran vida cuidadosamente, enviándole intermitentemente nuevos trozos para que él los agregara a lo que fuera surgiendo por el camino. La historia fue una idea de Tom, e hicimos juntos algunos cambios para producir una mayor diversión y extrañeza. Ambos estuvimos muy contentos con los resultados, y desde entonces hemos recibido encargos para hacer otros 3 cortos de animación para rellenar un enorme zootropo en la primera sala de la muestra de Marc Jacobs & Louis Vuitton en Marzo en el Louvre.»

«I was approached by Eddy from Losers to talk about the possibility of animating some of my work for their debut single. A mutual friend put Tom (director and animator) and I in touch and we spent the next little while working on the video.
Tom came up with a storyboard and I supplied him with my artwork, as well as creating some new characters. From there I left him and his team of animators to painstakingly bring it alive, intermittently sending over new bits and pieces for him to add in to whatever he had come up with along the way. The story was Tom's idea and we brought in a few changes together to allow further playfulness and strangeness to occur. We were both well pleased with the results and have since been commissioned to make 3 short animations that will fill a huge zoetrope in the first room of the Marc Jacobs & Louis Vuitton show in the Louvre in March.»

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