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Aniversarios Fotografía (CXLVIII) [Noviembre / November 1-6]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 1 de Noviembre es el cumple de

Oskar Barnack, ingeniero óptico, mecánico de precisión, diseñador industrial y padre de fotografía de 35 mm alemán nacido en 1879.
En 1911 Barnack estaba a cargo de la investigación de microscopios para Ernst Leitz en Wetzlar, Hesse, Alemania (ahora una compañía separada Leica Microsystems). Era un fotógrafo entusiasta, pero el equipo pesado de la época le era difícil de manejar debido a su mala salud. En 1912 construyó una cámara de cine de 35 mm.

"Wetzlar Eisenmarkt", 1913 © Leica Camera AG. Art Blart

Entre 1913 y 1914 fue jefe de desarrollo en Leitz. Él fue la fuerza impulsora tras la fabricación de la primera cámara 135 comercializada masiva y de la introducción del formato de película de 24 × 36 milímetros que terminó por ser conocido como 35 mm. Barnack sufría de asma, e intentó reducir el tamaño y el peso de las cámaras y equipos de apoyo utilizados para la fotografía al aire libre. Su diseño de 35 mm ayudó a introducir el concepto de exponer una pequeña área de película para crear un negativo, y luego ampliar la imagen en un cuarto oscuro.
El inicio de la Primera Guerra Mundial mantuvo en pausa la fabricación de la primera Leica hasta 1924 y no fue presentada al público hasta 1925, cuando el jefe de Leica, el óptico Ernst Leitz, aceptó el reto y autorizó la producción de 1.000 cámaras.

"Vista de la Catedral de Wetzlar / View of the Cathedral of Wetzlar". Wikimedia Commons

En lugar de las placas de exposición usadas en las cámaras anteriores de Leitz, la Leica utilizó una tira de película estandarizada, adaptada de una película en rollo de Eastman Kodak de 35 mm. Barnack decidió que el marco de película estándar de 18 × 24 mm (relación de aspecto 3:4) no era lo suficientemente grande para una buena calidad fotográfica con las películas de la época y dobló el tamaño del marco a 24 × 36 mm (relación de aspecto 2:3), con la imagen horizontal en lugar de vertical.
Lynow, el lugar de nacimiento de Barnack y actualmente un municipio de Brandenburgo, tiene un museo dedicado a él y su obra.
Barnack murió en 1936.

"Inundación en / Flood in Wetzlar", 1920 © Leica Camera AG. Art Blart
Hacia 1914, Oskar Barnack debió cargar un prototipo de cámara con él, en especial durante sus viajes. La cámara recibió por primera vez el nombre de Leica en 1925. Quizá su secuencia de imágenes más famosa, ya que se ha mostrado continuamente desde entonces, es la sorprendente serie de las inundaciones en Wetzlar, Alemania, en 1920 /
From around the time of 1914, Oskar Barnack must have carried a prototype camera with him, particularly during his travels – the camera first received the name Leica in 1925. Perhaps his most famous sequence of images, because it has been shown continually since, is the striking series of the floods in Wetzlar, Germany, in 1920
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Carla van de Puttelaar (fotógrafa holandesa / Dutch photographer)
Angela Fisher (fotógrafa australiana / Australian photographer)
Paulina Lavista (fotógrafa mexicana / Mexican photographer)


El 2 de Noviembre es el cumple de

Neal Casal, guitarrista, cantante, compositor y fotógrafo estadounidense nacido en 1968. Se dio a conocer como guitarrista líder con Rickey Medlocke's Blackfoot entre 1988-1993 Casal es conocido como miembro de acompañamiento de la banda de Ryan Adams The Cardinals, desde 2005 hasta de 2009, con quienes grabó tres discos de estudio. En la actualidad toca en dos grupos - Chris Robinson Brotherhood y Hard Working Americans - y ha lanzado doce álbumes como solista.

"Rachel Dean", Laurel Canyon, 2007

En 2010 Casal publicó un libro de fotos, Ryan Adams & the Cardinals: A View of Other Windows, documentando su tiempo pasado dentro de la banda.
En 2004 aportó las fotos para el segundo álbum de Tift Merritt Tambourine.
En 2007 Casal tomó las fotos de portada para el álbum de Ryan Adams "Easy Tiger" y el EP de Ryan Adams & The Cardinals Follow the Lights. En 2008 hizo las fotos para el álbum de Ryan Adams and the Cardinals "Cardinology".

"Nagano, Japón / Japan", 2011

Casal proporcionó las fotografías para el último álbum de Ryan Adams & The Cardinals "Cardinals III / IV", que fue lanzado en 2010, y en enero de 2008 presentó sus fotografías en la galería de Bauhaus en Tokio.
Tomó las fotos para la portada del álbum y todas las demás fotos para el álbum "Bright Examples" de Sara Lee Guthrie & Johnny Irion y la portada del álbum de de Courtney Jaye "The Exotic Sounds of Courtney Jaye", lanzado en enero de 2010.

"Su servidora / Yours truly" (Megan McIsaac), Park slope, New York, Oct., 2008

En 2010 Casal proporcionó las fotografías para el album "Streets of Our Time" Danny and the Champions of the World. También aportó fotografías inéditas para el álbum "Class Mythology" de Ryan Adams & The Cardinals, publicado en abril de 2011.
Las fotografías de Casal han aparecido en publicaciones tales como Mojo, Rolling Stone, Spin, Arpa, EE.UU. y USA Today.

"Tift Merritt, Highland-Park, Los Ángeles", 2003
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Titian Ramsay Peale (naturalista, entomólogo y pionero de la fotografía estadounidense /
naturalist, entomologist and American photography pioneer)
Alberto Maria De Agostini (misionero, fotógrafo, documentalista, geógrafo, montañista y geógrafo italiano /
Italian missionary, mountaineer, explorer, geographer, ethnographer, photographer and cinematographer)
Igor Laptev (fotógrafo canadiense / Canadian photographer)


El 3 de Noviembre es el cumple de

Tee Corinne, fotógrafa, autora y editora estadounidense, notable por su representación de la sexualidad en sus obras.
Su madre la introdujo en los principios y técnicas para hacer arte visual.
Corinne pasó su primer año de universidad (1962-3) estudiando arte en Newcomb College en Nueva Orleans, LA, donde estudió pintura con Ida Kohlmeyer. Luego regresó a Florida donde obtuvo una Licenciatura en grabado y pintura de la Universidad del Sur de la Florida. Obtuvo su Máster en Bellas artes (dibujo y escultura) en el Pratt Institute en 1968. Después de algunos años de enseñanza y de mochilera por Europa, se sintió atraída por el movimiento de "regreso a la tierra" y la vida comunal.

"Sabiduría siniestra / Sinister Wisdom"© 1977 Tee A. Corinne
Publicada originalmente como portada de la revista "Sabiduría siniestra", Nº3 /
originally published on the cover of the magazine Sinister Wisdom #3, 1977

Corinne empezó a exhibir y publicar arte y escritos a mediados de los años sesenta. Fue co-facilitadora de Feminist Photography Ovulars (1979-1981) y cofundadora de The Blatant Image, una revista de fotografía feminista (1981-1983). Fue autora de una novela, tres colecciones de cuentos, cuatro libros de poesía y numerosos libros artísticos y pequeñas publicaciones.

Yantra #5, "From Yantras of Womanlove", 1982

A principios de los 80 desarrolló fuertes conexiones personales y artísticas con Oregón después de mudarse al sur. Vivió allí y tuvo actividad en muchas comunidades de mujeres que surgieron en la zona.

“Yantra #41, de la serie / from the series Yantras of Womanlove 

Se volvió adepta a representar la sexualidad lesbiana de una manera que eludiera la mirada masculina. En 1982 produjo una serie de fotografías llamadas "Yantras of Womanlove". Preocupada por proteger la privacidad de sus modelos, utilizó técnicas que incluían impresiones múltiples, solarización, imágenes impresas en negativo y exposiciones múltiples. Consistente y concienzudamente incluía como sujetos a mujeres de color, mujeres grandes, mujeres mayores y mujeres con discapacidades. A veces los impresores se negaban a imprimir sus obras y las galerías de arte se negaban a mostrarla. En 1975 se auto-publicó el Cunt Coloring Book, que aún hoy se imprime.
Murió en 2006.

"Bailarinas de Boko-Maru / Boko-Maru Dancers", 1975
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Aleksandr Mikhailovich Rodchenko (Алекса́ндр Миха́йлович Ро́дченко)
(escultor, pintor, diseñador gráfico y fotógrafo ruso /
Russian sculptor, painter, graphic designer and photographer)
John Fitz-Patrick (fotógrafo inglés / English photographer)
Ikkō Narahara (奈良原一高) (fotógrafo japonés / Japanese photographer)


El 4 de Noviembre es el cumple de

Alvydas Lukys, fotógrafo artístico lituano nacido en 1958 en Šiauliai.
Su abordaje artístico está estrechamente relacionado con los conceptos del recuerdo y la cultura cotidiana.

Cosas en el estudio / Things in the Studio - "Surištas akmuo / Piedra atada / Wrapped Stone", 2001

Cosas en el estudio / Things in the Studio - "Trys vinys / Tres clavos / Three Nails", 2001

En 1984 se graduó del Vilnius Civil Engineering Institute (ahora Vilnius Gediminas Technical University) y fue aceptado en la Unión Lituana de Fotógrafos de Arte. En 1990 se convirtió en jefe del estudio de fotografía del departamento gráfico de la Academia de Bellas Artes de Vilnius, y más tarde en jefe del Estudio de la Imagen de la misma Academia. En 1997 Lukys junto con sus colegas fundaron el Departamento de Fotografía y Video Arte (ahora Departamento de Fotografía y Artes de Medios) y desarrollaron el concepto y programa de fotografía y estudios de medios. Desde 2007 es profesor.

Refugios para la pintura en Kiev / Shelters for painting in Kiev
"Tapybos prieglauda / Refugio para la pintura / Shelter for Painting #1"
Copia de pigmentos / pigment print, 70 x 100 cm., 2008/14

Cosas del mar / Things from the Sea
Izq./ Left: "La silla / The Chair", 50 x 60 cm., 1988/92 - Der./ Right: "Televisor / TV Set", 50 x 55 cm., 2014

Lukys ha presentado más de veinte exposiciones personales en Lituania y el extranjero. También trabaja como supervisor de proyectos de arte y exposiciones. Las obras de Lukys han sido adquiridas por el Museo de Arte Lituano, la Unión Lituana de Fotógrafos de Arte, el Museo de Arte Fotográfico de Odense (Dinamarca), el Centro de Arte Contemporáneo de Vilnius y coleccionistas privados.

"Česnakai, Homage A. Š. / Ajos, Homenaje a A.N. / Garlics, Homage to A.N." (2006/2015)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Robert Mapplethorpe (fotógrafo estadounidense / American photographer)
Pierre Edouard Leopold Verger (Fatumbi or Fátúmbí)
(fotógrafo, etnógrafo y babalawo (sacerdote Yoruba de Ifa) /
photographer, self-taught ethnographer, and babalawo (Yoruba priest of Ifa))
Carl Newland Werntz (pintor, fotógrafo, ilustrador, dibujante y educador estadounidense /
American painter, photographer, illustrator, draftsman and educator)


El 5 de Noviembre es el cumple de

William Christenberry, fotógrafo, pintor y escultor estadounidense nacido en 1936 que trabaja con temas personales y algo míticos extraídos de sus experiencias de la infancia en el condado de Hale, Alabama.
Recibió su Licenciatura (1958) y Maestría (1959) en Bellas Artes de la Universidad de Alabama, estudiando con el expresionista abstracto Melville Price. Desde 1968 ha sido profesor en el Colegio de Arte Corcoran y Diseño en Washington, DC

"Iglesia / Church", Sprott, Alabama, 1977. Rural-C © William Christenberry

Comenzó su carrera artística pintando grandes lienzos expresionistas abstractos, pero poco a poco empezó a sentirse arrastrado hacia formas que hablaran sobre los lugares de su infancia. 
En 1941 se topó con el libro "Let Us Now Praise Famous Men" (Ahora alabemos a los hombres famosos), en el que James Agee relata en prosa y Walker Evans con fotografía, la experiencia de vivir entre las familias de agricultores pobres del condado de Hale durante la Gran Depresión. Algunas de las fotografías de Evans causaron una profunda impresión en Christenberry.

"Casa y coche / House & Car", cerca de / near Akron, Alabama, 1978. 1stdibs © William Christenberry

Poco después de obtener una plaza de profesor en el Colegio Corcoran, Christenberry comenzó a hacer visitas anuales al condado de Hale durante el verano para visitar a su familia, para explorar y hacer fotografías. En una ocasión, en 1973, Walker Evans, que había alentado Christenberry a tomarse en serio sus fotografías, lo acompañó.

"Galpón verde / Green Warehouse", Newbern, Alabama, 1984. Jackson Fine Art © William Christenberry

"Galpón verde / Green Warehouse" (escultura / sculpture)

Uno de los resultados de esta peregrinación fue una serie de fotografías que documentan la desintegración de las estructuras, que fueron fotografían como objetos casi aislados. En 1974 Christenberry comenzó a traducir algunos de estos edificios fotografiados en esculturas detalladas que reproducen con precisión su estado de descomposición y la pátina del tiempo. Aunque detalladas y proporcionalmentes adecuadas, Christenberry no se refiere a estas creaciones como modelos, como él mismo dice, no se basan en mediciones precisas y prefiere llamarlas esculturas. Las bases de estas esculturas a menudo están hechas de tierra recogida de esos mismos lugares. En muchos de estos viajes Christenberry ha recogido viejos carteles de publicidad y otros objetos que lo inspiran. Algunos de estos se incorporan en su trabajo, mientras que otros cuelgan en su estudio.

"Casa / House", cerca de / near Marion, Alabama, 1964. Rural-C© William Christenberry
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Martín Chambi Jimenez (fotógrafo indio / Indian photographer)
M.H. (Machiel Hendricus) Laddé (fotógrafo y director de cine holandés /
Dutch photographer and film director)
Joey Lawrence (fotógrafo residente en Nueva York / New York based photographer)


Hoy, 6 Noviembre, es el cumple de

Youssef Nabil, artista nacido en El Cairo en 1972.
Más imágenes e información en posts previos.

"Yo salvé a mi bailarina de la danza del vientre Nº VIII / I Saved My Belly Dancer #VIII"
Copia a la gelatina de plata coloreada a mano / hand colored gelatin silver print, 2015 © Youssef Nabil

"Shirin Neshat, Nueva York / NY"
Copia a la gelatina de plata coloreada a mano / hand colored gelatin silver print, 2004 © Youssef Nabil

Más sobre Shirin Neshat en "El Hurgador" / More about Shirin Neshat in this blog:

"Louise Bourgeois, Nueva York / NY"
Copia a la gelatina de plata coloreada a mano / hand colored gelatin silver print, 2007 © Youssef Nabil

Más sobre Louise Bourgeois en "El Hurgador" / More about Louise Bourgeois in this blog:

"Autorretrato, Decir adiós, Alejandría / Self Portrait, Say Goodbye, Alexandria"
Copia a la gelatina de plata coloreada a mano / hand colored gelatin silver print, 2009 © Youssef Nabil

"James Rosenquist, Abu Dhabi"
Copia a la gelatina de plata coloreada a mano / hand colored gelatin silver print, 2013 © Youssef Nabil

Más sobre James Rosenquist en "El Hurgador" / More about James Rosenquist in this blog:

"Yo salvé a mi bailarina de la danza del vientre Nº XIX / I Saved My Belly Dancer #XIX"
(Salma Hayek)
Copia a la gelatina de plata coloreada a mano / hand colored gelatin silver print, 2015 © Youssef Nabil

Más sobre Youssef en "El Hurgador" / More about Youssef in this blog:



Esta película del artista y fotógrafo egipcio Youssef Nabil es una representación poética de su fascinación por las bailarinas del vientre y su ansiedad por la desaparición de esta forma de arte única en el Medio Oriente. Este es un fragmento de una instalación de vídeo de 12 minutos visualmente inspirado en los años cincuenta -la edad de oro del cine egipcio- y que tiene que ver con la fuerte relación del artista con su país de origen, elementos ambos que representan una parte importante de su práctica artística. Link

New York-based Egyptian artist and photographer Youssef Nabil’s film is a poetic depiction of his fascination with belly dancers and his anxiety over the disappearance of this art form that is unique to the Middle East. This excerpt of a 12-minute video installation is visually inspired by the 1950s—the golden age of Egyptian cinema—and touches upon the artist’s fraught relationship with his home country, both elements that inform a large aspect of his practice. Link
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Garry Gross (fotógrafo estadounidense / American photographer)
Pierre Fudarylí (fotógrafo mexicano / Mexican photographer)
Massimiliano Sticca (fotógrafo italiano / Italian photographer)


Textos en inglés / English translation

On November 1 is the birthday of

Oskar Barnack, German optical engineer, precision mechanic, industrial designer and the father of 35 mm photography born in 1879.
In 1911, Barnack was in charge of microscope research for Ernst Leitz at Wetzlar, Hesse, Germany (now a separate company Leica Microsystems). He was an enthusiastic photographer, but the heavy equipment of the day was difficult for him to handle due to his poor health. In 1912, he constructed a 35 mm movie camera.
Between 1913 and 1914 he was head of development at Leitz. He was the driving force behind the making of the first mass-marketed 135 camera and the introduction of the 24 × 36 mm film format which came to be known as 35mm. Barnack suffered from asthma, and sought to reduce the size and weight of cameras and supporting equipment used for outdoor photography. His 35 mm design helped introduce the concept of exposing a small area of film to create a negative, then enlarging the image in a darkroom.
The onset of World War I kept the first Leica from being manufactured until 1924, and it was not introduced to the public until 1925, when Leica's chief, the optician Ernst Leitz, took a gamble and authorized the production of 1,000 cameras.
Instead of the exposure plates used in past Leitz cameras, the Leica used a standardized film strip, adapted from 35 mm Eastman Kodak roll-film. Barnack decided that the 18 × 24 mm (3:4 aspect ratio) standard movie frame was not large enough for good still photo quality with the films of the day and doubled the frame size to 24 × 36 mm (2:3 aspect ratio), with the image horizontal instead of vertical.
Barnack died in 1936.
Lynow, Barnack's birthplace and currently a municipality of Brandenburg, has a museum dedicated to him and his work.

On November 2 is the birthday of

Neal Casal, American guitarist, singer, songwriter, and photographer born in 1968. First rising to prominence as lead guitar with Rickey Medlocke's Blackfoot from 1988-1993, Casal is best known as a member of Ryan Adams' backing band the Cardinals from 2005 until 2009, with whom he recorded three studio albums. He currently plays in two groups – the Chris Robinson Brotherhood and Hard Working Americans – and has released twelve albums as a solo artist.
In 2010, Casal released a photo-book, Ryan Adams & the Cardinals: A View of Other Windows, documenting his time spent within the band.
In 2004, Casal provided photos for Tift Merritt’s second record Tambourine.
In 2007, Casal shot the album cover photos for the Ryan Adams album Easy Tiger and the Ryan Adams and the Cardinals EP Follow the Lights. In 2008, he provided photos for the Ryan Adams and the Cardinals album Cardinology.
Casal provided photographs for the final album of Ryan Adams and The Cardinals Cardinals III/IV, which was released in 2010.
In January 2008 Casal exhibited his photography at the Bauhaus Gallery in Tokyo.
He shot the album cover and all photos for the artwork for Sarah Lee Guthrie & Johnny Irion’s 2011 album Bright Examples, and the album cover for Courtney Jaye's The Exotic Sounds of Courtney Jaye, released on January 10, 2010.
In 2010 Casal provided photographs for Danny and the Champions of the World album Streets of Our Time.
Casal provided never before seen photographs for the Ryan Adams and The Cardinals EP Class Mythology, released in April 2011.
Casal’s photographs have appeared in publications such as Mojo, Rolling Stone, Spin, Harp, USA Today.

On November 3 is the birthday of

Tee Corinne, American photographer, author, and editor notable for the portrayal of sexuality in her artwork.
Her mother introduced her to principles and techniques for making visual art.
She studied art at Newcomb College in New Orleans, LA (1962-3), where she studied painting with Ida Kohlmeyer. She then transferred back to Florida, where she earned a B.A. in printmaking and painting from University of South Florida, Corinne went on to get an M.F.A. in drawing and sculpture at Pratt Institute in 1968. After a few years of teaching and backpacking in Europe, she became attracted to the back-to-the-land movement and communal living.
Corinne began exhibiting and publishing art and writing in the mid-1960s. She was a co-facilitator of the Feminist Photography Ovulars (1979–1981) and a co-founder of The Blatant Image, A Magazine of Feminist Photography (1981–1983). She was the author of one novel, three collections of short stories, four books of poetry and numerous artists books and small edition publications.
In the early 1980s, Tee Corinne developed strong personal and artistic connections to Oregon after she moved to southern Oregon and lived and became active in the many women's communities springing up in the area. 
She became adept at representing lesbian sexuality in ways that would elude the male gaze. In 1982, she produced a series of photographs called Yantras of Womanlove. Concerned with protecting the privacy of her models, she used techniques involving multiple prints, solarization, images printed in negative, and multiple exposures. Tee consistently and conscientiously included women of color, large women, older women, and women with disabilities as her subjects. Sometimes printers would refuse to print her works and art galleries would refuse to show it. In 1975, she self-published the Cunt Coloring Book, which is still in print today.
She died in 2006.

On November 4 is the birthday of

Alvydas Lukys, Lithuanian art photographer born in 1958 in Šiauliai.
His artistic approach is closely related with concepts of remembrance and everyday culture. 
In 1984 he graduated from Vilnius Civil Engineering Institute (now Vilnius Gediminas Technical University) and was accepted into the Lithuanian Union of Art Photographers. In 1990, Lukys became the head of Graphic Department Photo Studio of Vilnius Academy of Fine Arts and later – the head of Studio of Image of the same Accademy. In 1997 Lukys together with his colleagues founded the Department of Photography and Video Art (now the Photography and Media Arts Department) and developed the concept and programe of photography and media studies. From 2007 he is a professor. In Lithuania and abroad Lukys held more than twenty personal exhibitions. He also works as a supervisor of art projects and exhibitions. Lukys’s works are acquired by the Lithuanian Art Museum, the Lithuanian Union of Art Photographers, Photographic Art Museum in Odense (Denmark), Contemporary Art Centre in Vilnius, and private collectors.

On November 5 is the birthday of

William Christenberry, American photographer, painter, and sculptor born in 1936 who works with personal and somewhat mythical themes growing out of his childhood experiences in Hale County, Alabama.
He received his bachelor's (1958) and master's (1959) degrees in fine arts from the University of Alabama, studying under noted abstract expressionist Melville Price. Since 1968 he has taught at the Corcoran College of Art and Design in Washington, D.C.
His artistic career began with the painting of large abstract-expressionist canvasses, but gradually he began to be drawn to material that spoke about the place of his childhood. After graduating from the University of Alabama and beginning a promising, if not immediately rewarding, artistic career in New York City, he came across the 1941 book, Let Us Now Praise Famous Men, in which James Agee describes in prose, and Walker Evans in photographs, the experience of living among the dirt-poor farming families of Hale County during the Great Depression. Some of Evans's photographs made a deep impression on Christenberry.
Shortly after beginning a professorship at Corcoran College, Christenberry began making annual visits to Hale County during the summer to visit family and to explore and make photographs. On one occasion in 1973, Walker Evans, who had encouraged Christenberry to take his photographs seriously, accompanied him.
One of the results of this pilgrimage was a series of photographs documenting the decay of individual structures, which are photographed as nearly isolated objects. In 1974, Christenberry began translating some of these photographed buildings into detailed sculptures that accurately reproduce their state of decay and patina. Although detailed and properly proportioned, Christenberry does not refer to these creations as models, as he says they are not based on precise measurements, and he prefers that they be called sculptures. The bases for these sculptures often are set in soil taken from these places. On many of these trips, Christenberry has collected old advertising signs and other found objects that inspire him. Some of these are incorporated into his work, while others hang in his studio.

Today, November 6, is the birthday of

Nabil Youssef, Egyptian artist born in Cairo in 1972.
He started his photography career in 1992, shortly before meeting the American photographer David LaChapelle in Cairo.
During the 1990s he worked as a photographers' assistant in prominent studios in New York and Paris, where he began photographing artists and friends, producing both formal portraits as well as placing his subjects in the realms of dreams and sleep, on the edge of consciousness and far from their public personas.
In 1997, Nabil worked in Paris with the Peruvian fashion photographer Mario Testino till late 1998.
His first exhibition was in Cairo (1999), and in 2003 was awarded the Seydou Keita Prize in the Biennial of African Photography in Bamako.
In 2003 he left Egypt for an artist residency at La Cité internationale des Arts in Paris, and three years later 2006 moved to live and work in New York.


Recolección / Compilation (LXIII)

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Pieter van Bloemen (Standaart)
(Amberes, Holanda / Antwerp, Netherlands, 1657 - 1720)

"Dos caballos / Two Horses", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 27,5 x 38 cm.

Más sobre Standaart en "El Hurgador" / More about Standaart in this blog:
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Vari Caramés
(El Ferrol, A Coruña, España / Spain, 1953-)

"Un cortao! / One cortado coffee!", gelatinobromuro de plata virado sobre papel /
toned gelatin silver print on paper, 20 x 27 cm., 1985
Museo Reina Sofía (Madrid, España / Spain)

"Sin título / Untitled", 2003-04
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Henry Caro-Delvaille (Henri Delvaille)
(Bayona, Francia / France, 1876 - París, 1928)

"La manicure / La manicura / The Manicure", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 136,5 x 232,5 cm., c.1901
Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires, Argentina)
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La copa Warren / The Warren Cup

La copa Warren / The Warren Cup
Un hombre barbado haciendo el amor con un joven imberbe, lado A de la Copa Warren. Plata, arte romano, mediados del siglo I DC. Procedencia presunta: Bittir (antigua Bethther), cerca de Jerusalén./
A bearded man making love with a beardless youth, side A of the so-called Warren Cup. Silver, Roman artwork, middle of the 1st century AD. Said to be from Bittir (ancient Bethther), near Jerusalem.
altura / height 11 cm./ diam, 9 cm.
British Museum (Londres, Reino Unido / London, UK)

La Copa Warren es una copa de plata decorada en relieve con dos imágenes de actos homosexuales masculinos. Fue comprada por el Museo Británico, por 1.8 millones de libras en 1999, la compra indiviual más cara hecha por el museo hasta la fecha. Está datada en la época de la dinastía Julio-Claudia (s.I D.C.)
En 2008, M. T. Marabini Moevs, en un artículo del Bollettino d'Arte, cuestionó su autenticidad y afirmó que se trata de un objeto hecho por orfebres modernos a pedido del arqueólogo y comerciante Fausto Benedetti.
La copa recibe su nombre de su primer dueño moderno, Edward Perry Warren, notable por su colección de arte, que también incluía El Beso de Rodin y Adán y Eva de Cranach. Wikipedia

La copa Warren / The Warren Cup (detalle / detail)

The Warren Cup is a silver drinking cup decorated in relief with two images of male same-sex acts. It was purchased by the British Museum for 1.8 million pounds in 1999, the most expensive single purchase by the museum at that time. It is usually dated to the time of the Julio-Claudian dynasty (1st century AD)
In 2008, M. T. Marabini Moevs, in an article in the Bollettino d'Arte, questioned its authenticity and said that it is an object made by modern goldsmiths at the request of archaeologist and merchant Fausto Benedetti.
The cup is named after its first modern owner, Edward Perry Warren, notable for his art collection, which also included Rodin's The Kiss statue and Cranach's Adam and Eve painting. Wikipedia

La copa Warren / The Warren Cup (detalle / detail)
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Sigfrido Martín Begué
(Madrid, España / Spain, 1959 - 2010)

"Autómata Sinestésico / Synesthetic Automaton", 1996
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Chema Cobo
(Tarifa, Cádiz, España / Spain, 1952-)

"El coleccionista Nº2 / The Collector #2", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 180 x 180 cm., 1978
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Rob Domenech
(EE.UU./ USA)

"El animador / The Entertainer", Modelo / Model: Rob Domenech 

"Kyra", Modelo / Model: Kyra Glenn
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Arthur Garfield Dove
(Canandaigua, Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1880 - 1946)

"La langosta / The Lobster", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65,1 x 81,3 cm., 1908
Amon Carter Museum of American Art (Fort Worth, Texas, EE.UU./ USA)
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Anna Klein
(Nuremberg, Alemania / Germany, 1883 - 
Kaunas Ninth Fort, Lituania / Lithuania, 1941)

"Músicos en la Ciudad Vieja / Musicians in Oldtown, Bamberg"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50 x 70 cm., c.1900-15
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Dariusz Zawadzki
(Szczecin, Polonia / Poland, 1958-)

Legion Series, "El criadero / The Hatchery", óleo sobre masonita / oil on masonite, 100 x 100 cm.
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Adriano Rossoni
(Mozzanica, Bergamo, Italia / Italy, 1952-)

"El sueño de Prometeo / The Dream of Prometeus", lápiz y conté blanco sobre papel gris, sobre panel /
pencil and white conté on gray paper on panel, 120 x 220 cm., 2012
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Chen Zuzhang
陳祖章
(Canton, China)

"Barco tallado en un hueso de aceituna / Boat Carved from an Olive Stone"
Carozo de aceituna / olive pit, 14 x 34 x 16 mm., 1737
Museo Palacio Nacional (Taipei, Taiwan)

En el interior del barco, hay un total de ocho figuras, con el poeta de la dinastía Song Su Tung-po sentado junto a la ventana, a la mesa. La escultura presenta tallas increíblemente detalladas de ventanas por un lado, con los dos paneles centrales móviles. En la parte superior del barco hay una vela enrollada en cuerda.
El texto completo de "Oda tardía en el acantilado rojo" de Su Tung-po, de más de 300 caracteres, está grabada detalladamente en la parte inferior de la embarcación, lo que demuestra la mano experta del artista. El poema describe al poeta disfrutando de un paseo en barco con sus amigos en una noche de luna llena en el sitio de la batalla de los acantilados rojos.


Inside the boat, there are a total of eight figures, with the Song Dynasty poet Su Tung-po sitting beside the window at the table. The sculpture features incredibly detailed carvings of windows on the side, with the center two panels movable. On top of the boat is a rolled up sail in rope.
The full text of Su Tung-po's Latter Ode on the Red Cliff of more than 300 characters is engraved in details on the bottom of the boat, demonstrating the expert craftsmanship of the artist. The poem depicts the poet enjoying a boat ride with his friends on a full moon night at the site of Battle of Red Cliffs.
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Herman Henstenburgh
(Hoorn, Holanda / Netherlands, 1667 - 1726)

"Naturaleza muerta Vanitas / Vanitas Still Life", acuarela, aguada y goma arábiga sobre pergamino /
watercolor, gouache, and gum arabic on parchment, 33 x 27,9 cm.
The Metropolitan Museum of Art (MET) (Nueva York, EE.UU./ USA)

"Memento Mori", acuarela / watercolor, 1698
Robado por un desconocido del Museo Westfries (Holanda, Hoorn) en 2005 / 
stolen by Unknown from Westfries Museum (Netherlands, Hoorn) in 2005

Hiroyuki Masuyama
増山 裕之
(Tsukuba, Japón / Japan, 1968-)

"Naturaleza muerta / Still life, Herman Henstenburgh 01"
Caja de luz LED / LED Light Box, 33,5 x 40 cm., 2013. 1stdibs

"Naturaleza muerta / Still life, Herman Henstenburgh 02"
Caja de luz LED / LED Light Box, 33,5 x 40 cm., 2013. 1stdibs

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Matthias Withoos
(Amersfoort, Holanda / Netherlands, 1627 - Hoorn, 1703)

"Grashaven Hoorn", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 63,5 x 100 cm., c.1675
Robado del Museo Westfries en 2005 / stolen by Unknown fromWestfries Museum in 2005
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Caspar (Gaspar) van Wittel
Gaspare Vanvitelli / Gasparo degli Occhiali
(Amersfoort, Holanda / Netherlands, 1652/1653 - Roma, Italia / Rome, Italy, 1736)

"Castillo de Sant'Angelo desde el sur / Castel Sant'Angelo from the South"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 87 x 115 cm., 1690s. Colección Privada / Private Collection

"La gruta de Posillipo (Nápoles) / The Grotto of Posillipo (Naples)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 32 x 37 cm., 1700-33
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Daniel Vázquez Díaz
(Nerva, Huelva, España / Spain, 1882 - Madrid, 1969)

"El Refectorio o Los monjes blancos / The Refectory or The White Monks"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 229 x 205 cm., 1931
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Jack Hill
(Rochester, Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Serie Vuelve a mirar / Double Take Series
"Sobre ruedas / On a Roll", bronce / bronze, ​25" x 12" x 7", Ed.15

Serie Vuelve a mirar / Double Take Series
"Fruto del vientre / Fruit of the Womb", bronce / bronze, ​8" x 14" x 8"
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Franck Bohbot
(Francia / France, 1980-)

Serie Luces encendidas / Light On Series, "The Italian Food Center, NY"
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Alejandro Ferrant y Fischermans
(Madrid, España / Spain, 1843 - 1917)

"El escribiente de cartas / The Letter Writer"
Acuarela sobre papel agarbanzado / watercolor on chickpea paper, 35 x 25 cm., sXIX
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

Más sobre Ferrant y Fischermans en "El Hurgador" / More about Ferrant y Fischermans in this blog:
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Oskar Gross
(Viena / Vienna, Austria, 1871 - Chicago, EE.UU. / USA, 1983)

"At Thompson's (The Automat)", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 127 x 109,2 cm., 1915. Christie's

"Grandma from the Smokies"
Vanderpoel Museum (Chicago, EE.UU./ USA)
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Vicente Palmaroli y González
(Zarzalejo, Madrid, España / Spain, 1834 - 1896)

"Doña Juana la Loca", óleo sobre tabla / oil on wood, 78 x 109 cm., 1884-5
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

Maleonn (Ma Liang) (I) [Fotografía]

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Primero de un par de posts para un recorrido cronológico por la obra del notable fotógrafo chino Maleonn. Creatividad  e imaginación sin límites para una colección de exquisitas narrativas visuales con una elaborada puesta en escena.

First of a couple of posts for a chronological journey through the work of the remarkable Chinese photographer Maleonn. Creativity and imagination without limits for a collection of exquisite visual narratives with an elaborate staging.
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Maleonn
Ma Liang 马良

Maleonn. Foto / PhotoChad Ingraham

Maleonn, cuyo nombre verdadero es Ma Liang, es un diseñador gráfico, director y fotógrafo chino. Aunque su obra trata una variedad de temas, todos ellos comparten un carácter único y surrealista.
Nació en 1972, en una familia de artistas. Su madre era una conocida actriz, mientras que su padre era el director de la Ópera de Beijing.
Sin embargo, la infancia de Maleonn fue turbulenta, porque después de haber nacido en un campo de re-educación comunista al que habían sido enviados sus padres durante la Revolución Cultural, fue enviado a Shanghai para ser criado por familiares distantes, hasta que sus padres fueran liberados.
Fue animado a dedicarse al arte desde su más temprana infancia, y desde el principio mostró interés en la pintura. Se graduó el Colegio de Bellas Artes de la Universidad de Shanghai.
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2003 - 2008

"生命似梦何必醒 / Si la vida fuera un sueño, te gustaría despertar /
If the Life is a Dream, Would You Like to Wake Up", 2003

"不停舞蹈 / Nunca pares de bailar / Never Stop Dancing", 2003

«Siempre pienso que mis padres son gente con una inocencia infantil. De hecho dieron a su hijo un nombre muy especial: Ma Liang, exactamente como "Ma Liang y el pincel mágico" (ver más abajo) en el cuento de hadas. Mi infancia fue un tiempo en el que todas las palabras y los personajes significaban lucha en las clases. Mi nombre era visto simplemente como el nombre de un loco, casi como si me llamara "Harry Potter", o "Superman" hoy, cosa que no resulta serio en absoluto. Mi nombre era como una enorme broma que me hacía sentir extremadamente avergonzado.»

«Sabía que no tenía ese pincel mágico que mágicamente podía convertir la podredumbre en belleza, pero aún tenía que responder al nombre de "Ma Liang", lo cual me avergonzaba. (...) Afortunadamente el nombre no sólo me trajo dificultades en mi niñez, sino también algún milagroso punto de inflexión en mi vida.
(...)
Hay quienes dicen que un nombre es una maldición que controlará toda la vida de una persona. Por lo tanto, mi nombre de ensueño será mi destino inevitable. El mago en los cuentos antiguos poseía un pincel mágico que podía convertir la imaginación en realidad. Pero lo que yo, como otro Ma Liang, quiero hacer, es moler la realidad en polvo ligero que se disemine con el viento para nublar vuestras miradas.
Por lo tanto, las obras que os presento no manifiestan la realidad, sino sólo una imaginación ilimitada. Espero que las disfruten con placer como lo hacen cuando disfrutan de las flores a través de la niebla, y las tomen como suaves laberintos por donde caminar a través de las paredes en cualquier momento o tomarlas como un rompecabezas que puedan explicar a su manera.»

"上海寓言 / Fábulas de Shangai / Shanghai Fables", 2003

"上海寓言 / Fábulas de Shangai / Shanghai Fables", 2003

En comparación con la generación de sus padres, Maleonn siente que ha tenido mucha más flexibilidad con su obra. Pero querría que los artistas en China fueran más estimulados para expresar sus pensamientos.
"Durante mis 11 años de educación artística, nunca hubo una lección sobre el alma, los pensamientos íntimos, las emociones o el amor - dice. ¿Cómo puede un artista no hablar de esas cosas?"
Maleonn dice que su forma de superar esta barrera fue volver sobre las cosas que había aprendido en casa.
"Cuando tenía 10 años, garabateé una historia sobre la guerra en toda la pared de nuestra casa" dice.
Podría haber sido severamente castigado si hubiera sido cualquier otra familia. "Pero mis padres artistas, especialmente mi padre, pensaron que era bonita, y se lo tomaron a risa."
Y esto, dice Maleonn, le dio el estímulo para perseguir sus sueños.

"我的马戏团 / Mi circo / My Circus", 2004

«Compré mi primera cámara (una digital muy limitada) en abril de 2004. Estaba en el período más aburrido de mi carrera. Repetitivos y escasamente creativos cortos publicitarios me hacían estar frustrado con mi vida. Entonces, para liberarme de la decepción y el vacío, puse mis expectativas en apretar el disparador. Al principio fue tan sólo eso. 
En los dos años siguientes nunca dejé la cámara. Para ser sincero, no comprendo qué me liga a la fotografía. No estoy dispuesto a considerarme como un fotógrafo tradicional, al igual que ninguna de las asociaciones de fotografía ha notado mi existencia. Sin embargo, odio el corset de la fotografía, y lo que representa es la parte más plebeya de la fotografía. Pero tengo que decir que ahora estoy realmente enamorado de tomar fotos.»

"卑小却郁郁葱葱的活着 / Tú y yo / You and I", 2004

«Siempre espero que mi cámara y yo nos volvamos más simples y no llevemos aparejada ninguna sensación de sufrimiento. En esta época ya no hay iconos en pedestales. El así llamado realismo de la fotografía se vuelve sospechoso cuando se contrasta con este mundo irreal. Eso significa que no importa lo pretenciosamente que vea mi propia fotografía, al final mis fotos son sólo pequeñas fábulas, o partes de una performance inexperta. Eso es todo. Lo que deseo son los aplausos y las sonrisas de la audiencia, la ovación final o un bis. Todo eso es simple, tan agradable.»

"草船借箭 / Historia china / Chinese Story", 2005

"衣锦夜行记 / Déjà Vu", 2005

Maleonn, whose real name is Ma Liang, is a Chinese graphic designer, director and photographer. Although his works deal with a variety of themes, all of them share a unique, surreal character.
He was born into an artistic family in 1972. His father was the director of the Shanghai Opera and his mother was a well-known film actress. Nonetheless, Maleonn’s childhood was a turbulent one because, after having been born in a Communist “re-education” camp where his parents had been sent during the Cultural Revolution, he was sent back to Shanghai to be raised by extended family until his parents’ release. 
He was encouraged to pursue art from early childhood, and showed interest in painting early on. Maleonn graduated from the Fine Art College of Shanghai University.

"上海妈妈的好孩子 / Muchachos de Shangai / Shanghai Boys", 2005

"奴隶和主人 / Esclavo y amo / Slave and Master", 2005

«I always think that my parents are people with childlike innocence. They actually gave their son such a special name – Ma Liang, exactly the same as the ‘Ma Liang and the Magic Paintbrush’ in the fairy tale (see below). My childhood was a time when all words and characters meant interclass struggle. My name was simply regarded as a crazy person’s name; just like naming your child ‘Harry Porter’ or ‘Superman’ today as these do not seem serious at all. My name was just like a big joke which made me extremely embarrassed.»

«I knew I did not have that magic brush which could magically turn rot into beauty but I still had to answer to the name ‘Ma Liang’, which made me ashamed. (...)
Fortunately, the name Ma Liang brings me not only difficulties in my childhood but also some miraculous turning points in my life.
(...)
Someone says a name is curse which will control a person’s entire life. Therefore, my dream-like name will be my inevitable destiny. The magician in ancient tales possessed a magical brush which can turn imagination into reality. But what I, as another Ma Liang, want to do is to grind the reality into light dusts that will spread with the wind to cloud your sights.
Therefore, the works I present to you do not manifest reality but only unlimited imagination. I hope you will enjoy them with pleasure as you have when you enjoy flowers through fog, and take them as soft labyrinths where you can walk through the walls at any time, or take them as puzzles which you can explain in your own way.»

"不可饶恕的孩子 / Niños inolvidables Nº 1 / Unforgivable Children #1", 2005

"禁忌之书 / Libro de Tabú / Book of Taboo", 2006

Compared to his parent's generation, Maleonn feels he has a lot more flexibility with his work. But he wants young artists in China to be encouraged more to express their thoughts.
"During my 11 years of art education, there was never a lesson on soul, inner thoughts, emotion or love," he said. "How can an artist not talk about these things?"
Maleonn says his way to overcome this barrier was to fall back on things he learned at home.
"When I was 10 years old, I scribbled a story about a war on the entire wall of our house," he says.
He could have been severely punished had it been any other family home. "But my artist parents, especially my father, thought it was rather cute and laughed it off."
And that, says Maleonn, gave him the encouragement to pursue his dreams.

"棉花糖上的日子 / Días en el algodón de azúcar / Days on the Cotton Candy", 2006

"乡愁 / Nostalgia", 2006

«I bought my first camera–an extremely poor digital one–in Apr 2004. That was the most boring period in my career,. Repetitive and uncreative commercial shorts made me feel frustrated with my life. Then, to extricate myself from disappointment and emptiness, I placed my hopes on pressing the shutter. At the beginning it was only that.
Over the following two years I’ve never put the camera down. To tell the truth I cannot understand what links me to photography. I’m unwilling to consider myself as a traditional photographer, just as none of the photography associations has noticed my existence. Still, I hate the photography vest, and what that represents is the most Plebeian part of photography. But I have to say that now I’m truly falling in love with taking pictures.»

"墨菲斯特的肖像 / Retrato de Mefisto Nº 1 / Portrait of Mephisto #1"
Fotografía en blanco y negro coloreada a mano / hand colored b&w photograph, 2006

En su serie de trabajos titulada Retrato de Mefisto, Maleonn ofrece su representación del cuento de Fausto, con un énfasis especial en el demonio Mefisto, el enviado del diablo. Las habilidades de Maleonn como pintor se ponen de manifiesto en esta serie, ya que se trata de fotografías tomadas en blanco y negro y luego pintadas a mano.

"墨菲斯特的肖像 / Retrato de Mefisto / Portrait of Mephisto"
Fotografía en blanco y negro coloreada a mano / hand colored b&w photograph, 2006

In his series of works entitled Portrait of Mephisto, Maleonn gives his rendering of the tale of Faust, with a special emphasis on the demon Mephisto, the devil’s envoy. Maleonn’s skills as a painter become apparent in this series, seeing as they were taken in black and white and were later hand-painted on.

"琥珀 / Ámbar / Amber", 2008

"草叶集 / Hojas de Hierba / Leaves of Grass", 2008

«I always hope that my camera and me will become simpler and not carry any sense of suffering. In this age, there are no longer any pedestalled icons. The so-called realism of photography becomes suspicious when contrasted with this this unreal world. That means no matter how pretentiously I view my own photography, in the end my pictures are just little fables, or parts of an inexperienced performance. That’s all. What I desire is the applause and the smiles of the audience, the curtain call or an encore. All that is simple, so nice.»

"邮差 / Cartero / Postman", 2008

"邮差 / Cartero / Postman", 2008
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Fuentes / Sources:
Maleonn, "El teatro de la modernidad / The Theatre Of The Modernity", Getxo Foto 2009
2006-09, Palabras sobre Fábulas de Shangai por / Words on Shanghai Fables by Maleonn, 1/2012
2007-03, Mago de la belleza, por / Wizard of Niceness byMaleonn, 1/2012
Entrevista de / Interview by Lorena Reyes. Anormalmag, 4/2011
Asia-Pacific - Artista chino / Chinese artist: Maleonn, 7/2010. BBC News
Artículo sobre / Article about Maleonn. Widewalls
El estudio de fotografía móvil de Maleonn en imágenes / Maleonn's mobile photo studio - in pictures.
The Guardian, 3/2013
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Más imágenes e información sobre Maleonn en / More images and information about Maleonn in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Maleonn!)
Otro estupendo hallazgo fruto de las pesquisas de Shirley Rebuffo. ¡Gracias Shi!

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Maleonn!)
Another great find result of the researches of Shirley Rebuffo. Thank you Shi!


Entrevista de / Interview by Culture Show

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El pincel mágico / The Magic Paintbrush
Cuento animado (en inglés) / Animated Tale


Pintando perros / Painting Dogs (LII)

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David Teniers el Joven, fue un artista flamenco nacido en Amberes en 1610, a quien ya nos referimos en ocasión de su cumpleaños. Ahora un recorrido a su obra con perros, bastante abundante por cierto, y es que aparecen en algunas de sus pinturas más conocidas, que aprovecho para publicar aquí junto con algunos comentarios e información, como siempre.

David Teniers the Younger, was a Flemish artist born in Antwerp in 1610, whom we already referred on the occasion of his birthday. Now a review of his work with dogs, quite abundant by the way. Dogs appear in some of his most famous paintings I publish here along with comments and information, as always.
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Los perros de David Teniers el Joven / 
The dogs of David Teniers The Younger

"Fumadores en una taberna / Smokers in a Tavern" (detalle / detail)

En un interior, un grupo de aldeanos, sentados o en pie, fuman junto a un barril que sirve de mesa. Al fondo otro se calienta junto a una chimenea y una figura entra en la habitación. En primer plano se representan elementos de cocina o taberna, como la garrafa, el caldero y el barril, que muestran la capacidad de Teniers para la naturaleza muerta y para la escena de género. Destaca el sentido naturalista que otorga al perro, que enrollado en sí mismo observa a los protagonistas de la escena.
Como representación de la vida cotidiana, la obra ilustra la expansión del tabaco en Europa. Denostado o alabado por igual, su consumo era una práctica habitual en el momento. Museo del Prado.

"Fumadores en una taberna / Smokers in a Tavern", óleo sobre tabla / oil on wood, 52 x 65 cm., 1631-40
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

A group of villagers sit or stand indoors, smoking around a barrel that serves as their table. In the background, another warms himself beside the fireplace, and a figure enters the room. In the foreground are cooking or tavern utensils, such as a jug, a cauldron and a barrel, which display Teniers' skill at still-life and genre scenes. Outstanding here, is the naturalness of the dog. Huddled up, he contemplates the scene's protagonists. As a representation of everyday life, this work illustrates the expansion of tobacco in Europe. Criticized and praised in equal measure, it was consumed on a customary basis at that time. Museo del Prado.

"Una destilería con un hombre mayor comprando ginebra a una mujer /
A Distillery with an Elderly Man Buying Gin from a Woman"
Óleo sobre panel / oil on panel, 48,4 x 65,4 cm., c.1640-49.
Ashmolean Museum, Univerdidad de Oxford, Reino Unido / Oxford University, UK

"Aldeanos conversando / Villagers conversing", óleo sobre tabla / oil on wood, 41 x 63 cm., 1640-50
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

Izq./ Left: "Un artista en su estudio / An artist at his studio" (detalle / detail)
Óleo sobre panel / oil on panel, 48,2 x 64,1 cm., 1643. Los Angeles County Museum of Art (EE.UU. / USA)
Centro / Center: "Escena en una cocina / A Kitchen Scene" (detalle / detail)
Der./ Right: "Aldeanos conversando / Villagers conversing" (detalle / detail)

"Escena en una cocina / A Kitchen Scene", óleo sobre cobre / oil on copper, 75 x 77,8 cm., c.1644
Mauritshuis Royal Picture Gallery (La Haya, Holanda / The Hague, Netherlands)

"Sala de guardias / A Guard Room", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 72,4 x 55,8 cm., c.1640s
Dulwich Picture Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

"Sala de guardias / A Guard Room" (detalle / detail)

"Sala de guardias / A Guard Room", óleo sobre panel / oil on panel, 69 x 103 cm., 1642.
The State Hermitage Museum (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia)

"Carnicería / Butcher Shop", óleo sobre panel / oil on panel, 68,4 x 98 cm., 1642
Museum of Fine Arts (Boston, EE.UU. / USA)

"El rey bebe / The King Drinks", óleo sobre cobre / oil on copper, 58 x 70 cm., 1650-60
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

Izq./ Left: "El rey bebe / The King Drinks" (detalle / detail)
Der./ Right: "Armida ante Godofredo de Bouillon" (detalle / detail)
Óleo sobre cobre / oil on copper, 27 x 39 cm., 1628-30. Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

"La colección de arte del Archiduque Leopoldo Guillermo en Bruselas / 
The Art Collection of Archduke Leopold Wilhelm in Brussels"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, osl, 123 x 165 cm., 1650-52. Kunsthistorisches Museum (Viena, Austria)

"La colección de arte del Archiduque Leopoldo Guillermo en Bruselas / 
The Art Collection of Archduke Leopold Wilhelm in Brussels" (detalle / detail)

"La galería del Archiduque Leopoldo en Bruselas / The Gallery of Archduke Leopold in Brussels"
Óleo sobre cobre / oil on copper, 104,8 x 130,4 cm., c.1651. Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

Las representaciones de galerías de pintura se popularizaron en los Países Bajos a principios del siglo XVII. La exhibición de pinturas y otros objetos artísticos o naturales fue en sus inicios una manera de evidenciar la elevada situación social de una clase eminentemente burguesa con fuertes deseos de ennoblecimiento. En muchos casos, tales obras no mostraban rigurosamente la colección del comitente, sino que aludían metafóricamente a sus intereses artísticos y su posicionamiento como aficionado al arte. Evidenciaban su compromiso intelectual y cultural, y eran un instrumento de propaganda visual de gran eficacia.
En este caso, personajes y obras convierten a esta pintura en uno de los pocos ejemplos donde se muestra una colección concreta y existente, por lo que puede definirse como un cuadro- catálogo que exhibe las riquezas pictóricas atesoradas por el archiduque en el palacio de Bruselas. 
Teniers realizó para Leopoldo varias obras similares que fueron enviadas a distintas cortes para impresionar por sus virtudes como aficionado artístico y por la magnificencia de sus tesoros pictóricos. En ese sentido, al remitir a Felipe IV esta obra al poco de ser realizada, el archiduque parece que quiso homenajear a su tío como aficionado a la pintura italiana, imitando las colecciones del Alcázar de Madrid, pero quizá también retarle, al mostrar cómo las guardadas en el palacio de Bruselas podían competir con ellas.
(Extractos del texto de Pérez Preciado, J. J. en: El arte del poder. La Real Armería y el retrato de corte, Museo Nacional del Prado, 2010, p. 126).

"La galería del Archiduque Leopoldo en Bruselas / The Gallery of Archduke Leopold in Brussels" (detalle / detail)

Depictions of painting galleries became popular in the Netherlands at the beginning of the 17th century. The exhibition of paintings and other artistic or natural objects was originally a way of manifesting the high social standing of an eminently bourgeois class with a strong desire to ennoble itself. In many cases, the paintings did not rigorously reflect the client’s collection, but served instead as metaphorical allusions to his artistic interests and standing as an art lover. They bore witness to his intellectual and cultural commitment and, in that sense, they were very efficient propaganda tools.
The personages and artworks visible here make this one of the few paintings to depict a concrete, extant collection -a sort of catalog painting of the pictorial wealth built up by the archduke at his palace in Brussels.
Teniers painted several similar works for Leopold that were sent to different courts to impress them with his virtues as an art lover possessed of magnificent pictorial treasures. Thus, by sending this work to Philip IV soon after it was painted, the archduke seems to have wanted to honor his uncle as a lover of Italian painting, imitating the collections at Madrid’s Alcázar Palace. He may also have desired to challenge him by showing that the works at his palace in Brussels were able to compete with the King’s collection in Madrid.
(Excerpts text drawn from Pérez Preciado, J. J.: El arte del poder. La Real Armería y el retrato de corte, Museo Nacional del Prado, 2010, p. 126).

"Fiesta aldeana / Village Feast", óleo sobre cobre / oil on copper, 69 x 86 cm., c.1650
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

Izq. y Centro / Left & Center: "Fiesta aldeana / Village Feast" (detalles / details)
Der./ Right: "Sala de guardias con la liberación de San Pedro / 
Guardroom with the Deliverance of Saint Peter" (detalle / detail)
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 55,2 x 75,9 cm., 1645-47.
Metropolitan Museum (Nueva York, EE. UU. / NY, USA)

"Paisaje con cazadores y perros / Landscape with Huntsmen and Dogs"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 66 x 82,5 cm., c.1630-1660
Kelvingrove Art Gallery and Museum (Glasgow, Reino Unido / UK)

"Kermese del día de San Jorge / Kermis on St George's Day"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, c.1664-67, Royal Collection (Reino Unido / UK)

Izq./ Left: "Kermese del día de San Jorge / Kermis on St George's Day" (detalle / detail)
Centro y Der./ Center & Right: "Fiesta campestre / Country Feast" (detalles / details)
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 75 x 112 cm., 1647. Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

"Escena en una taberna / Tavern Scene", óleo sobre panel / oil on panel, 48,7 x 68,7 cm., 1658.
National Gallery (Washington, EE.UU. / USA)

Izq./ Left: "Las siete obras de caridad / The Seven Corporal Works of Mercy" (detalle / detail)
64,8 x 88,5 cm., s. XVII / 17th century. Dulwich Picture Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)
Centro / Center: "Pastores y ovejas / Shepherds and Sheep" (detalle / detail)
Óleo sobre panel / oil on panel, 16,8 x 22,9 cm.
Metropolitan Museum (Nueva York, EE. UU. / NY, USA)
Der./ Right: "Escena en una taberna / Tavern Scene" (detalle / detail)

"La cocina / The Kitchen", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 171 x 237 cm., 1646
The State Hermitage Museum (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia)

En lo que a simple vista parece una pieza pura de pintura de género, el artista teje una alegoría de los Cuatro elementos. La figura del halconero y su ave representan el aire. Para dotar de significado a esta figura, que pertenece más a la pintura de género en cuanto a su carácter, Teniers la ha situado bajo una ventana, por la que entran el aire y la luz. El fuego está simbolizado por el brasero sobre la mesa, la cámara de combustión de la estufa y la cocina y sus asistentes, que se representan a lo largo. El agua está representada por los pescadores (centro y derecha) con peces y otros seres marinos. En la interpretación de Teniers de los Cuatro elementos, la figura del halconero juega una especie de rol dual. Además del aire, también tiene que ver con el elemento tierra, ya que el halconero es también un cazador: está representado rodeado de perros y piezas de caza, mientras toda suerte de frutos de la tierra (calabaza, manzanas y demás) aparecen a sus pies. Hermitage

In what is at first sight a pure piece of genre painting, the artist wove an allegory of the Four Elements. The figure of the falconer and his bird represent Air. In order to bring out the meaning of this figure that belongs very much to genre painting in terms of its character, Teniers has placed it beneath a window through which air and light stream. Fire is symbolized by the brazier on the table, the firebox of the stove and the cook and his assistants, who are depicted alongside. Water is represented by the fishermen (centre and right) with fish and other marine life. In Teniers's interpretation of the Four Elements, the figure of the falconer performs a sort of dual role. Besides Air, he also stands for the element of Earth, since the falconer is also a huntsman: he is depicted surrounded by dogs and dead game, while all manner of fruits of the earth (cabbage, apples, and so on) lie at his feet. Hermitage

Izq./ Left: "Aldeanos conversando / Peasants Conversing" (detalle / detail)
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130,2 x 177,5 cm., s. XVII / 17th century
Dulwich Picture Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)
Der./ Right: "Tiro con arco / The Archery Contest", óleo sobre tabla / oil on wood, 54 x 88 cm., c.1645
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

"Paisaje con un ermitaño / Landscape with a Hermit"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, s. XVII / 17th Century, 95 x 143 cm., 1652
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

"Paisaje con un ermitaño / Landscape with a Hermit" (detalle / detail)

Más sobre Teniers en "El Hurgador" / More about Teniers in this blog:

Aniversarios (CXLIX) [Noviembre / November 6-12]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 6 de Noviembre es el cumple de

Corneille Henri Theunissen, escultor francés nacido en 1863 en Anzin. Fue el hermano de Paul Ludovic Theunissen (1873-1931), otro renombrado escultor.

"La souris du fond, Retrato de / Portrait of Jules Mousseron"
Musée de Denain (Francia / France). Wikimedia Commons

"Rêverie au champ / Ensueño en el campo / Daydream at the Countryside"
Bronce con pátina marrón / bronze with brown patina, alto / height: 14 1/4"
Fundición / Foundry Susse Frères. Sotheby's

Asistió a la escuela primaria de la calle de la iglesia de Anzín, y fue alumno de Jules Cavelier en la Escuela de Bellas Artes de París. Obtuvo el segundo gran Premio de Roma en 1888 por su "Oreste au tombeau d’Agamemnon / Orestes en la tumba de Agamenón".
En 1902 fue condecorado con la Legión de honor.
Murió en 1931.

"Eugène Motte, industrial y alcalde de Roubaix entre / Industrialist and Major of Roubaix (1902-1912)"
Yeso patinado / patinated plaster, 1893. Wikimedia Commons
Musée d'Art et d'Industrie, "La Piscine" (Roubaix, Francia / France) Foto / Photo: F. Lamiot.

"Eugène Motte, industrial y alcalde de Roubaix entre / Industrialist and Major of Roubaix (1902-1912)"
Vista parcial, perfil / Partial view, profile Wikimedia Commons
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Mikhail Ivánovich Kozlovsky (Михаи́л Ива́нович Козло́вский) (escultor ruso / Russian sculptor)
Seymour Lipton (escultor estadounidense / American sculptor)
Rafael Zabaleta Fuentes (pintor español / Spanish painter)
Milena Pavlović-Barili (Barilli) (Милена Павловић-Барили) (pintora y poetisa serbia /
Serbian painter and poetess)
Jorge Damiani (pintor uruguayo nacido en Italia / Uruguayan painter born in Italy)


El 7 de Noviembre es el cumple de

Àngeles Santos Torroella, pintora catalana nacida en 1911 en Portbou, España. Fue hermana del poeta y crítico de arte Rafael Santos Torroella. Se casó con el pintor Emili Grau Sala. Su hijo es el pintor Julià Grau Santos. En 2005 recibió la Creu de Sant Jordi.

"Autorretrato / Self Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 62 x 44 cm., 1928
Museo Reina Sofía (Madrid, España / Spain)

Se inició en el dibujo y la pintura a los catorce años durante su etapa colegial en el internado de las Esclavas Concepcionistas de Sevilla. Dos años más tarde se trasladó con sus padres a Valladolid, ciudad donde recibió clases del pintor italiano Cellino Perotti.

"Un mundo / A World", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 290 x 310 cm., 1929
Museo Reina Sofía (Madrid, España / Spain)

En 1931 presentó una exposición individual en París. En 1932 participó en el Colectivo de Artistas Ibéricos en Copenhague y París. En 1933 fue invitada a la exposición en el Instituto Carnegie en Pittsburgh, EE.UU., y en 1936 figuró en el pabellón español en la Bienal de Venecia. Fue presentada en Barcelona por primera vez en 1935 en Syra Galleries.

"Tertulia (inicialmente El cabaret / initally The Cabaret)", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 x 193 cm., 1929
Museo Reina Sofía (Madrid, España / Spain)

Sus primeras obras están a caballo entre el surrealismo y el expresionismo, luego se decantó hacia el postimpresionismo con temas de paisaje e interiores. Su pintura más importante es "Un mundo", un óleo de gran formato que representa un extraño mundo surrealista.
Murió en 2013.

"Niños y plantas / Children and Plants", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 141 x 126 cm., 1930
Museo Reina Sofía (Madrid, España / Spain)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Norah McGuinness (pintora e ilustradora irlandesa / Irish painter and illustrator)
Joni Mitchell (cantante, compositora y pintora canadiense / Canadian singer, composer and painter)
Jan Matulka (artista checo-estadounidense / Czech-American artist)
María Freire (pintora uruguaya / Uruguayan painter)
Masayoshi Matsumoto (artista japonés, con globos / Japanese artist, with balloons)


El 8 de Noviembre es el cumple de

Charles Henry Buckius Demuth, acuarelista estadounidense nacido en 1935, que se volvió hacia el óleo a finales de su carrera, desarrollando un estilo de pintura conocido como Precisionismo.
"Busca en la historia del arte estadounidense", escribió Ken Johnson en The New York Times, "y descubrirás algunas acuarelas más bellas que las de Charles Demuth. Combinando observación botánica exigente y abstracción cubista, sus acuarelas de flores, frutas y verduras tienen una vivacidad mágica y una sensualidad casi impactante ".

"Autorretrato / Self-Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 26 1/16" x 18", 1907
The Demuth Museum (Lancaster, Filadelfia, EE.UU./ PA, USA)

Demuth fue un residente de toda la vida de Lancaster, Pennsylvania. El hogar que compartió con su madre es ahora el Museo Demuth, donde se muestra su obra. Se graduó de la Academia Franklin & Marshall antes de estudiar en la Universidad de Drexel y en la Academia de Bellas Artes de Filadelfia (PAFA). Mientras era estudiante en la PAFA, participó en un programa en la Academia y también se reunió con William Carlos Williams en su pensión. Se hicieron amigos rápidamente y se mantuvieron cerca durante el resto de sus vidas.

"Vi la cifra 5 en oro / I Saw the Figure 5 in Gold", óleo, grafito, tinta y pan de oro sobre paperboard /
oil, graphite, ink, and gold leaf on paperboard (Upson board), 90,2 x 76,2 cm., 1928
The Metropolitan Museum of Art (Nueva York, EE.UU./ NYC, USA)

Demuth estudió más tarde en la Academia Colarossi y en la Académie Julian en París, donde se convirtió en parte de la escena artística vanguardista. La comunidad artística parisina aceptó la homosexualidad de Demuth. Después de su regreso a América, Demuth conservó aspectos del cubismo en muchas de sus obras.
Murió en 1935.

"En el vodevil (Bailarina con coro) / In Vaudeville (Dancer with Chorus)"
Acuarela y grafito sobre papel velo blanco / watercolor and graphite on off-white wove paper, 33,5 x 20,6 cm., 1918
Philadelphia Museum of Art (Filadelfia, EE.UU./ PA, USA). Wikimedia Commons
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Claudio Bravo Camus (pintor chileno / Chilean painter)
Clarence Gagnon (pintor canadiense de Quebec / Canadian-Quebecoise painter)
Rolland Harve Golden (artista visual estadounidense / American visual artist)
Morten E. Solberg (acuarelista estadounidense / American watercolorist)


El 9 de Noviembre es el cumple de

Knut Magnus Enckell, pintor simbolista finlandés nacido en 1870. Al principio pintó con una paleta tenue, pero a partir de 1902 utilizó colores cada vez más brillantes. Fue un miembro destacado del grupo de pintores coloristas 'Septem'.

"Fauno despertando / Awakening Faun", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65 × 81 cm., 1914
Ateneumin taidemuseo (Helsinki, Finlandia / Finland). Wikimedia Commons

En 1889, a los 19 años, comenzó sus estudios artísticos en Helsinki, en la Escuela de Dibujo de la Asociación Finlandesa de Arte, pero abandonó y continuó sus estudios en privado con Gunnar Berndtson. Enckell fue el primer artista finlandés que rompió con el naturalismo, que era el estilo establecido durante su educación en Helsinki 1889-1891.

"Lukusali / Sala de lectura / Reading Room", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 125 × 180 cm., 1899
Ateneumin taidemuseo (Helsinki, Finlandia / Finland). Wikimedia Commons

En 1891 fue a París por primera vez, donde se convirtió en estudiante de Jules-Joseph Lefebvre y Jean-Joseph Benjamin-Constant en la Académie Julian. Allí fue atraído por el movimiento simbolista, y fue influenciado por el pintor Pierre Puvis de Chavannes, así como por la literatura simbolista.
Durante una estancia en Bretaña hizo dos pinturas en colores separados: Autorretrato y Mujer Bretona. Se entusiasmó con el Renacimiento y con el idealimo e ideas místicas de Sâr Péladan, de quien tomó el estandarte andrógino de belleza que aplicó en su obra.

"Los oyentes de música / The Listeners of Music", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 93 x 80 cm., 1897    
Ateneumin taidemuseo (Helsinki, Finlandia / Finland). Link

Durante su segunda estancia en París en 1893, pintó El Despertar, en el que utilizó una composición rigurosa y colores transparentes para sugerir una atmósfera espiritual. A través del contacto con los artistas suecos O. Sager-Nelson e I. Agueli, profundizó su interés en el misticismo.
En 1894 y 1895 Enckell viajó a Milán, Florencia, Ravenna, Siena y Venecia, donde sus conflictos interiores se reflejaron en su arte. En 1898 enseñó técnicas de fresco y témpera en Florencia, estudiando la obra de Masaccio y Fra Angelico.
Los años en Italia dieron a su obra una mayor gama de colores y una base más optimista.
Murió en 1925.

"Vista de / View of Porvoo", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 125 × 180 cm., 1899. 
Suomen Kansallisgalleria (Helsinki, Finlandia / Finland). Wikimedia Commons
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Boris Indrikov (pintor, escultor y diseñador gráfico ruso / Russian painter, sculptor and graphic designer)
Cornelis Zitman (escultor y dibujante holandés / Dutch sculptor and draftsman)
Giorgi "Gigo" Gabashvili (გიორგი [გიგო] გაბაშვილი) (pintor y educador georgiano /
Georgian painter and educator)
Osvaldo Peña Muñoz (escultor chileno / Chilean sculptor)


El 10 de Noviembre es el cumple de

Sir Jacob Epstein, escultor británico nacido en 1880 en Estados Unidos, que contribuyó significativamente a la escultura moderna. Se trasladó a Europa en 1902, convirtiéndose en ciudadano británico en 1911. A menudo producía obras polémicas que desafiaban los tabúes sobre lo que era apropiado para las obras de arte públicas. También hizo pinturas y dibujos y expuso su obra con frecuencia.

"Albert Einstein", bronce / bronze, 53,6 x 29,3 x 25,4 cm., 28 kg, 1933
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

"Albert Einstein" (vista lateral / side view)

Más sobre Einstein en "El Hurgador" / More about Einstein in this blog:

De adolescente estudió arte en Nueva York, haciendo bocetos de la ciudad y se unió a la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York en 1900. Para ganarse la vida trabajaba en una fundición de bronce de día, estudiando dibujo y modelado escultórico por la noche.

"Segundo retrato de Pandit Nehru (busto) / Second Portrait of Pandit Nehru (bust)"
Bronce con pátina verde / bronze with a green patina, alto / high 39,4 cm.
Concebido en octubre de 1948 / conceived in October 1948Christie's

En Europa estudió en París en la Académie Julian y en la École des Beaux-Arts. Se estableció en Londres en 1905. Muchas de las obras de Epstein fueron esculpidas en sus dos casitas en Loughton, Essex, donde vivía.

"Joseph Conrad", bronce / bronze. Joe Blogs

"George Bernhard Shaw", bronce / bronzeJoe Blogs

En Londres se involucró con la multitud artística y bohemia. Rebelándose contra el arte adornado, bonito, hizo formas atrevidas, a menudo ásperas y masivas de bronce o de piedra. Su escultura se distingue por su vigoroso y tosco realismo. Vanguardista en concepto y estilo, sus obras a menudo resultaron chocantes al público. Esto no sólo fue resultado de su contenido sexual (a menudo explícito), sino también porque abandonaron deliberadamente las convenciones de la escultura griega clásica favorecidas por los escultores académicos europeos para experimentar en cambio con la estética de tradiciones artísticas tan diversas como las de la India, África Occidental y las Islas del Pacífico.
Murió en 1959.
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"Noche y Día", parte de la fachada de la Estación de la calle St. James, Londres /
"Night and Day", part of the facade at St James Street Station, London
Portland Stone. Descubiertas en / unveiled in 1928. Distorted

"Día / Day", 1928. © TfL from the London Transport Museum collection

"Noche / Night", 1928. © TfL from the London Transport Museum collection. 

Jacob Epstein de pie frente a la escultura "Noche", en 55 Broadway /
standing next to Night sculpture on 55 Broadway
© TfL from the London Transport Museum collection.

Esculpidas para la sede del Metro de Londres en Broadway 55, en Londres, cuando fueron descubiertas la desnudez gráfica de las esculturas resultó demasiado chocante para los londinenses de los años '20. Los periódicos comenzaron una campaña para que las estatuas fueran retiradas, e incluso el director de una compañía se ofreció a pagar los costes.
Frank Pick, el director del Metro de Londres por aquél entonces, asumió toda la responsabilidad y ofreció su dimisión debido al escándalo. Al final, Epstein estuvo de acuerdo en quitar un par de pulgadas del pene de la figura más pequeña del "Día", y finalmente las protestas se desvanecieron.

Carved for London Underground's Headquarters at 55 Broadway, London, when they were unveiled, the graphic nudity of the sculptures was just too shocking for Londoners in the 1920s. Newspapers started a campaign to have the statues removed and one company director even offered to pay the cost.
Frank Pick the managing director of London Underground at the time took overall responsibility and offered his resignation over the scandal. In the end, Epstein agreed to remove a couple of inches from the penis of the smaller figure on Day and ultimately the furore died down.
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Auguste Nicolas Cain (escultor francés / French sculptor)
Louis le Brocquy (pintor irlandés / Irish painter)
Eddie Hara (artista indonesio / Indonesian artist)
William Hogarth (pintor, grabador y escritor inglés / English painter, printmaker and writer)


El 11 de Noviembre es el cumple de

Jean-Édouard Vuillard, pintor y grabador francés nacido en 1868, asociado con los Nabis.

"Deux ouvrières dans l'atelier de couture / Dos obreras en el taller de costura / Two Seamstresses in the Workroom"
Óleo sobre cartón / oil on millboard, 13,3 x 19,4 cm., 1893. National Gallery (Edinburgh, Esocia / Scotland). Wikimedia Commons

En 1885 Vuillard abandonó el liceo Condorcet. Siguiendo el consejo de su amigo más cercano, Roussel, rechazó una carrera militar y se unió a él en el estudio del pintor Diogène Maillart. Allí Roussel y Vuillard recibieron los rudimentos de la formación artística. De 1886 a 1888 estudió en la Académie Julian. En 1887, después de tres intentos fallidos, Vuillard pasó el examen de ingreso para la École des Beaux-Arts.

"Autorretrato con 21 años / Self-Portrait, Aged 21", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 22,2 x 17,4 cm.
National Gallery of Art (Washington, EE.UU./ USA). Wikimedia Commons

En 1890, año en que conoció a Pierre Bonnard y Paul Sérusier, se había unido a los Nabis, un grupo de estudiantes de arte inspirados en el sintetismo de Gauguin. Él contribuyó a sus exposiciones en la galería de Le Barc de Boutteville, y compartió más adelante un estudio con su compañero Nabis Bonnard y Maurice Denis.
En 1898 Vuillard visitó Venecia y Florencia. Al año siguiente hizo un viaje a Londres. Más tarde fue a Milán, Venecia y España. También viajó en Bretaña y Normandía.
Expuso por primera vez en el Salon des Indépendants de 1901, y luego en el Salon d'Automne en 1903.

"Les deux écoiliers / Dos escolares / Two Schoolchildren"
Pintura a la cola sobre lienzo / glue paint on canvas, 214 x 93 cm., 1894
Musées Royaux des Beaux Arts (Bruselas, Bélgica / Brussels, Belgium). Wikimedia Commons

En sus pinturas y piezas decorativas, Vuillard representaba principalmente interiores, calles y jardines. Marcado por un humor apacible, están ejecutadas en una gama delicada de colores suaves, borrosos, característicos de su arte. Viviendo con su madre, una modista, hasta los sesenta años, Vuillard estaba muy familiarizado con los espacios interiores y domésticos. Gran parte de su arte refleja esta influencia, en gran medida decorativa y a menudo representando patrones muy intrincados.
Murió en 1940.

"Théodore Duret", óleo sobre cartón, sobre madera / oil on cardboard on wood, 95,2 x 74,8 cm., 1912
National Gallery of Art (Washington, EE.UU./ USA). Wikimedia Commons
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Frans Snyders (o Snijders) (pintor flamenco / Flemmish painter)
Paul Victor Jules Signac (pintor francés / French painter)
Roberto Matta (Roberto Sebastián Antonio Matta Echaurren) (pintor chileno / Chilean painter)
Marie Bashkirtseff (Mariya Kostyantynovna Bashkyrtseva / Марія Костянтинівна Башкирцева)
(pintora y escultora ucraniana / Ukrainian painter and sculptress)
Richard Lindner (pintor germano-estadounidense / German-American painter)


Hoy, 12 Noviembre, es el cumple de

Martín Rico y Ortega, pintor español de paisajes y paisajes urbanos nacido en 1833.
Rico fue uno de los artistas más importantes de la segunda mitad del siglo XIX en su país natal, y gozó de un amplio reconocimiento internacional, especialmente en Francia y Estados Unidos. Desde sus primeros trabajos pintados en el campo montañoso fuera de Madrid, hasta las obras posteriores que pintó en París y Venecia, a lo largo de su vida Rico se mantuvo fiel a su amor por la pintura al aire libre, a pesar de su estilo artístico en evolución.

"La Torre de las Damas / Tower of the Ladies, Alhambra de Granada"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 62,5 x 39 cm., 1871-72
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

"Un Paisaje del Guadarrama / A Guadarrama Landscape", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 69 × 100 cm., 1858.
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

Recibió su primera instrucción formal en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde estudió con Jenaro Pérez Villaamil, el primer profesor de pintura de paisaje de la Academia. Bajo la tutela de éste, las primeras obras de Rico lo muestran influenciado por el romanticismo, estilo por el que su maestro era conocido.
En 1860, después de haber recibido una beca patrocinada por el gobierno, Rico se trasladó a París para continuar sus estudios.

Lavanderas de la Varenne / Washerwomen of La Varenne", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 85 x 160 cm., 1865
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

Una vez en Francia, Rico buscó inspiración en los artistas de la escuela de Barbizon, y Charles-François Daubigny en particular. Sus paisajes de esta década representan así el campo francés y suizo, realizados en un estilo completamente realista. A invitación de su buen amigo y colega Marià Fortuny, Rico se trasladó a la ciudad sureña de Granada, uniéndose a Fortuny y a su esposa Cecilia, así como al pintor Ricardo de Madrazo. Su época en Andalucía fue, según sus memorias, uno de sus períodos más felices, y también uno de sus más productivos artísticamente.

"Sierra del Guadarrama", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1870. Wikimedia Commons
Pintado probablemente desde la vertiente sur de los Montes Carpetanos, en el interior del Valle del río Lozoya /
Probably painted from the southern slope of Carpetanos Mounts, inside the Valley of Lozoya River.
Newark Museum (New Jersey, EE.UU./ NJ, USA)

Sin embargo el descubrimiento de Venecia por parte de Rico en 1873 condujo a la perfección de su estilo artístico y a la creación de muchas de sus obras más emblemáticas. Desde este primer viaje hasta su muerte treinta y seis años más tarde, Rico pasó cada verano, con la excepción de uno, trabajando en la "Ciudad de la Luz" italiana.
Murió en 1908.

"Patio del palacio de los Dux de Venecia / Courtyard of the Palace of the Dux of Venice"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 141 x 81 cm., 1883
Fundación / Foundation Banco Santander (España / Spain). Wikimedia Commons
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

René François Auguste Rodin (escultor francés / French sculptor)
Mattia Moreni (pintor y escultor italiano / Italian painter and sculptor)
Brynjulf ​​Larsen Bergslien (escultor noruego / Norwegian sculptor)


Textos en inglés / English translation

On November 6 is the birthday of

Corneille Henri Theunissen, French sculptor born in 1863 in Anzin. He was the brother of Ludovic Paul Theunissen (1873-1931), another renowned sculptor.
He attended primary school in Church Street Anzin, and was a student of Jules Cavelier at the School of Fine Arts in Paris. He won second Grand Prix de Rome in 1888 for his "Oreste au tombeau d'Agamemnon / Orestes at the tomb of Agamemnon".
In 1902 he was awarded the Legion of honor.
He died in 1931.

On November 7 is the birthday of

Àngeles Santos Torroella, Catalan painter born in 1911 Portbou, Spain. She was the sister of the poet and art critic Rafael Santos Torroella. She married the painter Emili Grau Sala. Her son is the painter Julià Grau Santos. In 2005 she received the Creu de Sant Jordi.
She started drawing and painting at fourteen during his collegiate stage in the boarding of the Handmaids Concepcionistas of Seville. Two years later she moved with her parents to Valladolid, where she was taught by Italian painter Cellino Perotti.
In 1931 she presented a solo exhibition in Paris. In 1932 she participated in the Iberian Artists Collective in Copenhagen and Paris. In 1933 she was invited to the exhibition at the Carnegie Institute in Pittsburgh (US) and on 1936 she figured of the Spanish Pavilion at the Venice Biennale. She was presented in Barcelona for the first time in 1935 at Syra Galleries.
Her early works are halfway between surrealism and expressionism, then she decided to post-impressionism themed landscape and interiors. Her most important painting is "A world", a large format oil represents a strange surreal world (Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia).
She died in 2013.

On November 8 is the birthday of

Charles Henry Buckius Demuth, American watercolorist born in 1935, who turned to oils late in his career, developing a style of painting known as Precisionism.
"Search the history of American art," wrote Ken Johnson in The New York Times, "and you will discover few watercolors more beautiful than those of Charles Demuth. Combining exacting botanical observation and loosely Cubist abstraction, his watercolors of flowers, fruit and vegetables have a magical liveliness and an almost shocking sensuousness."
Demuth was a lifelong resident of Lancaster, Pennsylvania. The home he shared with his mother is now the Demuth Museum, which showcases his work. He graduated from Franklin & Marshall Academy before studying at Drexel University and at Philadelphia's Pennsylvania Academy of Fine Arts. While he was a student at PAFA, he participated in a show at the Academy, and also met William Carlos Williams at his boarding house. The two were fast friends and remained close for the rest of their lives.
He later studied at Académie Colarossi and Académie Julian in Paris, where he became a part of the avant garde art scene. The Parisian artistic community was accepting of Demuth's homosexuality. After his return to America, Demuth retained aspects of Cubism in many of his works.
He died in 1935.

On November 9 is the birthday of

Knut Magnus Enckell, Finnish symbolist painter born in 1870. At first he painted with a subdued palette, but from 1902 onwards used increasingly bright colors. He was a leading member of the 'Septem' group of colorist painters.
In 1889, at the age of 19, he began his artistic studies in Helsinki, at the Drawing School of the Finnish Art Association, but he dropped out and continued his studies privately under Gunnar Berndtson. Enckell was the first Finnish artist to break with Naturalism, which was the established style during his education in Helsinki 1889-1891.
In 1891 he went to Paris for the first time, where he became a student of Jules-Joseph Lefebvre and Jean-Joseph Benjamin-Constant at the Académie Julian. There he was drawn to the Symbolist movement, and was influenced by the painter Pierre Puvis de Chavannes as well as Symbolist literature.
During a stay in Brittany he made two paintings in spare colors: Self-Portrait and Breton Woman. He was enthusiastic about the Renaissance and about the idealistic and mystical ideas Sâr Péladan, from whom he took the androgynous standard of beauty which he applied in his work.
During his second stay in Paris in 1893, he painted The Awakening, in which he used a rigorous composition and transparent colors to suggest a spiritual atmosphere; and, through contact with the Swedish artists, O. Sager-Nelson and I. Agueli, he deepened his interest in mysticism.
In 1894 and 1895 Enckell traveled to Milan, Florence, Ravenna, Siena and Venice, where his inner conflicts were reflected in his art. In 1898 he taught himself fresco and tempera techniques in Florence, by studying the work of Masaccio and Fra Angelico.
The years in Italy gave his work a greater range of colors and a more optimistic foundation. 
He died in 1925.

On November 10 is the birthday of

Sir Jacob Epstein, British sculptor born in 1880, who helped pioneer modern sculpture. He was born in the United States, and moved to Europe in 1902, becoming a British citizen in 1911. He often produced controversial works which challenged taboos on what was appropriate subject matter for public artworks. He also made paintings and drawings, and often exhibited his work.
He studied art in his native New York as a teenager, sketching the city, and joined the Art Students League of New York in 1900. For his livelihood, he worked in a bronze foundry by day, studying drawing and sculptural modelling at night.
In Europe he studied in Paris at the Académie Julian and the École des Beaux-Arts. He settled in London in 1905. Many of Epstein's works were sculpted at his two cottages in Loughton, Essex, where he lived.
In London, Epstein involved himself with a bohemian and artistic crowd. Revolting against ornate, pretty art, he made bold, often harsh and massive forms of bronze or stone. His sculpture is distinguished by its vigorous rough-hewn realism. Avant-garde in concept and style, his works often shocked his audience. This was not only a result of their (often explicit) sexual content, but also because they deliberately abandoned the conventions of classical Greek sculpture favoured by European Academic sculptors to experiment instead with the aesthetics of art traditions as diverse as those of India, West Africa, and the Pacific Islands.
He died in 1959.

On November 11 is the birthday of

Jean-Édouard Vuillard, French painter and printmaker born in 1868, associated with the Nabis.
In 1885, Vuillard left the Lycée Condorcet. On the advice of his closest friend, Roussel, he refused a military career and joined Roussel at the studio of painter Diogène Maillart. There, Roussel and Vuillard received the rudiments of artistic training. From 1886 to 1888, he studied at the Académie Julian. In 1887, after three unsuccessful attempts, Vuillard passed the entrance examination for the École des Beaux-Arts
By 1890, the year in which Vuillard met Pierre Bonnard and Paul Sérusier, he had joined the Nabis, a group of art students inspired by the synthetism of Gauguin. He contributed to their exhibitions at the Gallery of Le Barc de Boutteville, and later shared a studio with fellow Nabis Bonnard and Maurice Denis.
In 1898 Vuillard visited Venice and Florence. The following year he made a trip to London. Later he went to Milan, Venice and Spain. Vuillard also traveled in Brittany and Normandy.
Vuillard first exhibited at the Salon des Indépendants of 1901 and at the Salon d'Automne in 1903.
In his paintings and decorative pieces, Vuillard depicted mostly interiors, streets, and gardens. Marked by a gentle humor, they are executed in the delicate range of soft, blurred colors characteristic of his art. Living with his mother, a dressmaker, until the age of sixty, Vuillard was very familiar with interior and domestic spaces. Much of his art reflected this influence, largely decorative and often depicting very intricate patterns.
He died in 1940.

Today, November 12, is the birthday of

Martín Rico y Ortega, Spanish painter of landscapes and cityscapes born in 1833.
Rico was one of the most important artists of the second half of the nineteenth century in his native country, and enjoyed wide international recognition as well, especially in France and the United States. From his earliest works painted in the mountainous countryside outside of Madrid to the later works he painted in Paris and Venice, throughout his life Rico stayed true to his love of painting en plein-air, despite his evolving artistic style.
He received his earliest formal training at the city’s Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, where he studied under Jenaro Pérez Villaamil, the Academy’s first professor of landscape painting. Under the tutelage of Pérez Villaamil, Rico’s earliest works show him influenced by Romanticism, the style for which his teacher was known.
In 1860, having been awarded a government-sponsored scholarship, Rico moved to Paris to continue his studies.
Once in France, Rico looked to the artists of the Barbizon school for inspiration, and Charles-François Daubigny in particular. His landscapes from this decade thus depict the French and Swiss countryside in a fully accomplished Realist style. At the invitation of his good friend and colleague Marià Fortuny, Rico moved to the southern city of Granada, joining Fortuny and his wife Cecilia, as well as the painter Ricardo de Madrazo. His time in Andalucía was, according to his memoirs, one of his happiest, and also one of his most artistically productive periods.
It was Rico’s discovery of Venice in 1873, however, that led to the perfection of his artistic style and the creation of many of his most emblematic works. From this first trip until his death thirty-six years later, Rico spent every summer with the exception of one working in the Italian "City of Light".
He died in 1908.

Aniversarios Fotografía (CXLIX) [Noviembre / November 7-13]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 7 de Noviembre es el cumple de

Tao Ruspoli, cineasta, fotógrafo y músico italiano nacido en Bangkok en 1975 y criado en Roma y Los Ángeles. Estudió filosofía en la Universidad de California en Berkeley.

"Joe's Jeans, 10º Aniversario / 10th Anniversary", Paz de la Huerta

"Recién llegado a Cadaqués / Just arrived in Cadaques"

El largometraje de Ruspoli "Fix" fue uno de los 10 en concurso en el Festival de Cine Slamdance de 2008 y poco después en el Festival Internacional de Cine de Santa Bárbara, donde Ruspoli fue galardonado con el premio Heineken Red Star al "cineasta más innovador y progresista". "Fix" también ganó el Premio del Festival de Mejor Película en el Festival de Cine de Brooklyn de 2008, el Festival de Cine de Vail y el Festival de Medios de Comunicación de Twin Rivers de 2008, así como otros premios en varios festivales internacionales.

"Revista Malibú / Malibu Magazine", Olivia Wilde

"The Salton Sea"

Sus documentales más conocidos son "Being in the World", una exploración de las implicaciones reales del trabajo filosófico de Martin Heidegger y "Just Say Know", una discusión personal sobre la adicción a las drogas de su familia. Sus otras películas incluyen "Flamenco: A Personal Journey / Un viaje personal", un largometraje documental sobre el estilo de vida flamenco de los gitanos en el sur de España. Ha dirigido otros varios cortos documentales.

"El muelle de Ginostra / The pier of Ginostra; Stromboli"
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Louis Stettner (fotógrafo estadounidense / American photographer)
Birgit Püve (fotógrafa estonia / Estonian photographer)
Philippe Grollier (fotógrafo francés / French photographer)


El 8 de Noviembre es el cumple de

Juan Manuel Díaz Burgos, fotógrafo español nacido en Cartagena (Murcia) en 1951.
Realizó estudios de Maestro Industrial y es profesor técnico en el Instituto Politécnico de Cartagena. En 1979 inició sus estudios de fotografía en la Universidad Popular. Entre 2001 y 2007 coordinó la puesta en marcha del Centro Histórico Fotográfico de la Región.

Raíz de los Sueños / Dreams Root - Higueral, R. Dominicana / Dominican Republic, 1994

Bienvenidos a / Welcome to La Boca - La Boca, Cuba, 2006

Es un enamorado de Latinoamérica y ha viajado por países como Santo Domingo, Perú, Jamaica, Costa Rica o Panamá, entre otros. Pero sin duda alguna, Cuba y Santo Domingo han sido lugares clave en su relación con América Latina, lugares donde ha recogido imágenes cargadas de realismo, fotografías de lo cotidiano, del día a día, de la vida, narrativas de la historia de sus gentes, paisajes y culturas, y retratos de gran intensidad.

Historias de la playa / Beach Stories - Rota, Cádiz, 1989

Izq./ Left: Circo Olimpia. Cartagena. 1991 - Der./ Right: El Manchego, Campo de Criptana, 1983

Ha expuesto en Francia, Argentina, EE UU, Japón, Cuba, Alemania y República Dominicana, entre otros países.

Chapa, Madera y Block / Sheet, Wood and Block - Bello Costero, R. Dominicana, 2010
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Aurelio Escobar Castellanos (fotógrafo y sindicalista mexicano / Mexican photographer and trade unionist)
Robert Häusser (fotógrafo alemán / German photographer)
Simon Procter (fotógrafo y artista británico expatriado / expatriate British artist and photographer)


El 9 de Noviembre es el cumple de

André Liohn, fotoperiodista freelance nacido en Botucatu, Brasil, en 1974, colaborador frecuente de las publicaciones Der Spiegel, L'Espresso, Time, Newsweek, Le Monde, Veja y otras.
A los 20 años se mudó a Trondheim, Noruega, donde vivió durante 15 años. Comenzó a fotografiar a los 30.

"Rebeldes en combate contra fuerzas pro-gubernamentales en la calle Trípoli de Misratah, Libia /
Rebel Fighters in a Dispute with Pro-Government Soldiers in Tripoli street Misratah, Libya"

"Rebeldes posando frente al cadáver de un soldado leal al Coronel Muamar Gaddafi muerto durante el combate con los rebeldes en el centro de Sirte/
Rebels posing in front the body of a soldier, loyal to Col. Muamar Gaddafi killed in Sirte down town in confrontation with rebels."

En sus primeros años en la carrera conoció al fotógrafo checo Antonín Kratochvíl, quien se convirtió en su amigo y mentor personal, influenciando su trabajo y sus puntos de vista sobre la fotografía.
En 2011 se convirtió en el primer fotoperiodista latinoamericano en recibir la prestigiosa Medalla de Oro Robert Capa del Overseas Press Club, por su trabajo en la Guerra Civil Libia, y fue nominado para el Prix Bayeux-Calvados de Corresponsales de Guerra. Su trabajo documentando los retos que enfrenta el personal de salud que trabaja en zonas de conflicto ha sido utilizado por el proyecto de Atención a la Salud en Peligro del CICR, denunciando casos de violencia contra personal de la salud en todo el mundo.

"En Trípoli, en 32a sede de la Brigada Khamis, las fuerzas rebeldes encontraron 53 cuerpos carbonizados dentro de un almacén utilizado como centro de detención por soldados leales al coronel Muammar Gaddafi. Algunos cuerpos presentaban signos de ejecución. Los rebeldes llegan al almacén./
In Tripoli, at the 32th Khamis Brigade headquarters, rebel forces found 53 carbonized bodies inside a warehouse used as a detention facility by soldiers loyal to Col. Muammar Gaddafi. Some bodies showed signs of execution. Rebels arrive at the warehouse."

"El soldado rebelde Shwaili pide ayuda tras ser mortalmente herido en combate contra los soldados leales al gobierno de Muamar Gaddafi. La batalla tuvo lugar en una de las últimas partes de la calle Tripoli controladas por los pro gubernamentales, en Misratah /
Rebel fighter Hamid Shwaili calls for help after being mortally wounded in a battle against soldiers loyal to the government of Muammar Gaddafi. The battle took place in one of the last pro government controlled parts of Tripoli Street in Misratah."

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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Robert Frank (fotógrafo y cineasta estadounidense nacido en Suiza /
Swiss-born American photographer and filmmaker)
Louise Emma Augusta Dahl (Louise Dahl-Wolfe) (fotógrafa estadounidense / American photographer)
Carlos Perez Morales (fotógrafo español / Spanish photographer)


El 10 de Noviembre es el cumple de

Joseph-Philippe Bevillard, fotógrafo estadounidense nacido en Boston, Massachusetts, en 1964, de padres franceses.

"Elizabeth con caballo / with Horse", Ballinasloe, Galway, Irlanda / Ireland, 2011

"Fuck", Ballinasloe, Galway, Irlanda / Ireland, 2014

Comenzó a dibujar a los 3 años, después de perder la audición en ambos oídos como resultado de altas fiebres. En sus primeros años estudió cerámica, serigrafía, dibujo, escultura, grabado y pintura antes de llegar a la fotografía en Brooks School en North Andover, Massachusetts. Después de su graduación en 1985, estudió fotografía en el Rochester Institute of Technology en Rochester, Nueva York. En 1990 estudió fotografía creativa en el Instituto de Arte de Boston y permaneció allí hasta 1995.

"Mainey y galgo, campamento / Mainey and greyhound, halting site", Limerick, Irlanda / Ireland, 2016

Ha hecho fotografía comercial y trabajado para revistas y periódicos, así como imprimiendo para conocidos fotógrafos. Sus trabajos han sido expuestas en galerías y museos de todo el mundo, y están presentes en muchas colecciones privadas y corporativas. En 2000, se trasladó a Irlanda para trabajar en proyectos de libros sobre paisajes, retratos y resúmenes utilizando películas en blanco y negro.

"Martina Quilligan", Ballinasloe, Galway, Irlanda / Ireland, 2014
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Robert John (fotógrafo estadounidense / American photographer)
Lisette Model (fotógrafo estadounidense nacido en Austria / Austrian-born American photographer)
Manuello Paganelli (fotógrafo estadounidense / American photographer)


El 11 de Noviembre es el cumple de

Reynolds Mark "Rennie" Ellis, fotógrafo australiano de sociedad y documental, nacido en 1940, que también trabajó, en varias etapas de su vida, como redactor publicitario, marinero, conferenciante y presentador de televisión.


"Bon Scott & Angus Young (AC/DC)", Atlanta, Georgia, 1978

Más sobre AC/DC en "El Hurgador" / More about AC/DC in this blog:

Educado en la Brighton Grammar School, Ellis ganó una beca a la Universidad de Melbourne en 1959. Se fue durante su primer año a trabajar como empleado de oficina en Orr Skate & Associates, una agencia de publicidad de Melbourne. Posteriormente estudió publicidad en el Royal Melbourne Institute of Technology, pero antes de obtener su diploma pasó dos años viajando por el mundo, después de haber comprado su primera cámara para grabar sus viajes, y por el camino trabajó como marinero. En 1967 fue director creativo en Monahan Dayman Advertising en Melbourne. Se le ofreció el puesto de editor de Melbourne para Gareth Powell y la revista Jack de Lissa Chance International. Dejó Monahan Dayman Advertising en 1969 para convertirse en fotógrafo independiente.

Izq./ Left: "Sarah, Prahran", 1999 - Der./ Right: "Teresa pensativa / Pensive", 1995

Su primera exposición y libro, creados a partir de su trabajo en Kings Cross, Sydney, llegaron en 1971. Un año más tarde estableció la Galería de Fotografía Brummels, sobre un restaurante de ese nombre en Toorak Road, South Yarra, y en 1974 pasó a formar Scoopix Photo Library en Prahran, que más tarde se convirtió en el agente australiano exclusivo para las fotos de Black Star de Nueva York. En 1975 abrió su estudio, Rennie Ellis & Associates, en las mismas instalaciones, y operó desde allí por el resto de su vida.

"Fitzroy Extrovert", 1974

Una vez establecido como fotógrafo, Ellis trabajó, exhibió y publicó continuamente. Las revistas a las que contribuyó fueron tan variadas como Playboy y The Bulletin. Sus libros y exposiciones trataban temas como la playa, la cerveza, el graffiti, estaciones de tren australianas y el carnaval de Río.
Murió después de sufrir una hemorragia cerebral en 2003.

"Drag Queens y guardia de seguridad / Drag Queens & Security Guard", 1973
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Carleton E. Watkins (fotógrafo estadounidense / California photographer)
Denis O'Regan (fotógrafo inglés / English photographer)
Elizabeth Etienne (fotógrafo franco-estadounidense / French-American photographer)


El 12 de Noviembre es el cumple de

Franck Bohbot, fotógrafo francés nacido en 1980 con sede en Nueva York.

Chinatown Series
"Broadway Este Nº 1 / East Broadway #1", 2014. © Franck Bohbot

Comenzó su carrera como fotógrafo de escenarios, y desde 2008 el artista ha dedicado su investigación artística a los paisajes urbanos. Sus temas incluyen teatros, bibliotecas, recintos feriales y piscinas. Mientras que Bernd y Hilla Becher dedican su obra a la fotografía frontal de instalaciones industriales, el fotógrafo francés desarrolla un protocolo con la misma precisión que le permite realizar un inventario de sitios públicos, culturales o deportivos parisinos, libres de presencia humana. El artista adopta un punto de vista frontal, resaltando una simetría casi perfecta. La mirada intrusa otorga así al lugar una nueva dimensión, más monumental y estilizada. Estos sitios se transforman en espacios únicos y cautivadores, tanto en lo que tiene que ver con sus aspectos históricos y sociológicos, como en sus implicaciones estéticas.

Serie Soy un actor / I am an Actor Series
Retratos de actrices y actores en sus lugares de trabajo cotidianos /
Portraits of actress & actors in their places of daily work.
"Tia Link, actriz y abogada en Shazam / Actress & Lawyer at Shazam"
Manhattan, Nueva York / NY, 2015 © FranckBohbot

"Wim Wenders". © Franck Bohbot

«Adoro desarrollar nuevas series fotográficas tanto intemporales como originales con una estética singular, capturando la poesía de los lugares cotidianos y la gente cotidiana, con una atención única a los juegos de luz y color. Intento crear una narrativa visual potente y poco común. Mi inspiración artística procede de realizadores, directores, arquitectos, pintores, fotógrafos, novelistas y músicos.»

"Murmullos de Tokio, Japón / Tokyo Murmurings, Japan", 2015. © Franck Bohbot

Más sobre Franck Bohbot en "El Hurgador" / More about Franck Bohbot in this blog:
[Recolección (LXIII)]
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Hans-Ludwig Blohm (fotógrafo y autor alemán / German photographer and author)
Carol Beckwith (fotógrafo, autor y artista estadounidense / American photographer, author, and artist)
Walter Hege (fotógrafo, cineasta, pintor y director alemán /
German photographer, filmmaker, painter and director)


Hoy, 13 Noviembre, es el cumple de

Roger Parry, fotógrafo e ilustrador francés nacido en 1905, que participó en el movimiento surrealista.
Estudió artes decorativas entre 1923 y 1925 y trabajó como asistente de Maurice Tabard realizando sus primeras fotografías en 1929. Uno de sus trabajos más conocidos lo realizó en 1930 al ilustrar los poemas de Léon-Paul Fargue en su libro Banalité.

"Retrato de / Portrait of Maurice Tabard", copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 18,8 x 25,8 cm., 1928 
The Art Institute of Chicago (EE.UU./ USA)

Más sobre Maurice Tabard en "El Hurgador" / More about Maurice Tabard in this blog:
[Aniversarios Fotografía (CXXXII)]

"Desnudo / Nude", 1930

Su obra fotográfica en esos años es experimental y entre otros recursos emplea la deformación de la imagen de partes del cuerpo humano.
Poco después realizó varios viajes a África y Tahití realizando un trabajo más documental y que tiene como ejemplo el libro "Tahiti: 106 photos de R. Parry" publicado por Éditions Gallimard en 1934. También realizó algunos trabajos de fotoperiodismo en Moscú, Nueva York y Londres para la agencia France Press.

"Jean-Paul Sartre", copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 23,7 x 18 cm., c. 1942

Desde 1948 colaboró con las editoriales en la ilustración de libros, especialmente con la Nouvelle Revue Française entre los que se encuentran textos como «La condición humana» de André Malraux.
Murió en 1977.

"Autorretrato / Self-Portrait", copia a la gelatina de plata solarizada / solarized gelatin silver print, 21,1 x 16,5 cm., 1936
Los Angeles County Museum of Art (California, EE.UU./ CA, USA)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Lynsey Addario (fotoperiodista estadounidense / American photojournalist)
John Phillips (fotógrafo francés / French photographer)
Henry Peter Bosse (fotógrafo, cartógrafo e ingeniero civil germano-estadounidense /
German-American photographer, cartographer and civil engineer)
Sylwia Makris (fotógrafa y fotomanipuladora polaca / Polish photographer and photomanipulator)


Textos en inglés / English translation

On November 7 is the birthday of

Tao Ruspoli, Italian American filmmaker, photographer, and musician born in Bangkok in 1975 and raised in Rome and Los Angeles. He studied philosophy at the University of California, Berkeley.
Ruspoli's feature narrative début, Fix, was one of 10 feature films to screen in competition at the 2008 Slamdance Film Festival and soon afterward at the Santa Barbara International Film Festival where Ruspoli was awarded the Heineken Red Star Award for "most innovative and progressive filmmaker". Fix also won the Festival Award for Best Film at the 2008 Brooklyn Film Festival, Vail Film Festival and the 2008 Twin Rivers Media Festival, as well as other prizes at several international festivals.
His most well-known documentaries are Being in the World, an exploration of the real world implications of the philosophical work of Martin Heidegger, and Just Say Know, a personal discussion of his family's drug addiction. His other films include Flamenco: A Personal Journey, a feature-length documentary about the flamenco way of life as it is lived by Gypsies in the south of Spain. He has directed a number of other short documentaries.

On November 8 is the birthday of

Juan Manuel Díaz Burgos, Spanish photographer born in Cartagena (Murcia) in 1951.
He studied Industrial Master and is a technical professor at the Polytechnic Institute of Cartagena. In 1979 he began his studies in photography at the Popular University. Between 2001 and 2007 he coordinated the launching of the Photographic Historical Center of the Region.
He is a lover of Latin America and has traveled through countries like Santo Domingo, Peru, Jamaica, Costa Rica or Panama, among others. But undoubtedly, Cuba and Santo Domingo have been key places in his relationship with Latin America, places where he has collected images loaded with realism, photographs of daily life, narratives of the history of its people, landscapes and cultures, and portraits of great intensity.
He has exhibited in France, Argentina, USA, Japan, Cuba, Germany and Dominican Republic, among other countries.

On November 9 is the birthday of

André Liohn, freelance photojournalist born in Botucatu, Brazil, in 1974, frequently contributing to the publications Der Spiegel, L'Espresso, Time, Newsweek, Le Monde, Veja and others.
In his early 20s he moved to Trondheim, Norway where he lived for 15 years. He started photographing at the age of 30.
In his first years in photography, he met the Czech photographer Antonín Kratochvíl who became his personal friend and mentor, influencing his work and his views about photography.
In 2011 he became the first Latin American photojournalist to receive the prestigious Robert Capa Gold Medal by the Overseas Press Club for his work on the Libyan Civil War and nominated by the Prix Bayeux-Calvados des Correspondants de Guerre. His work documenting the challenges faced by health care personal working in conflict areas, has been used by the ICRC's Health Care in Danger project, denouncing cases violence against health care personal around the world.

On November 10 is the birthday of

Joseph-Philippe Bevillard, American photographer born in Boston, Massachusetts, in 1964, to a French parents.
Started drawing at age of 3 after he lost hearing in both ears as a result of high fever. In early years, Joseph-Philippe studied pottery, silk-screening, drawing, sculpting, etching and painting before taking up photography at Brooks School in North Andover, Massachusetts. Following graduation from Brooks in 1985, he studied photography briefly at Rochester Institute of Technology in Rochester, New York. In 1990 he studied creative photography at the Art Institute of Boston and remain there until 1995. He has done commercial photography and worked for magazines and newspapers as well as printing for well-known photographers. His photographs has been exhibited in galleries and museums worldwide and in many private and corporate collections. In 2000, he moved to Ireland to work on book projects on landscapes, portraits and abstracts using b&w films. 

On November 11 is the birthday of

Reynolds Mark "Rennie" Ellis, Australian social and social documentary photographer born in 1940, who also worked, at various stages of his life, as an advertising copywriter, seaman, lecturer, and television presenter.
educated at Brighton Grammar School, Ellis won a scholarship to Melbourne University in 1959. He left during his first year to work as an office boy at Orr Skate & Associates, a Melbourne advertising agency. He subsequently studied advertising at the Royal Melbourne Institute of Technology, but before obtaining his diploma he spent two years travelling the world, having bought his first camera to record his travels, and worked as a seaman en route. By 1967 Ellis was creative director at Monahan Dayman Advertising in Melbourne. He was offered the position as Melbourne editor for Gareth Powell's and Jack de Lissa's Chance International magazine. He left Monahan Dayman Advertising in 1969 to become a freelance photographer.
His first exhibition and book, formed from work in Kings Cross, Sydney, followed in 1971. A year later he established Brummels Gallery of Photography above a restaurant of that name in Toorak Road, South Yarra, and in 1974 Ellis went on to form Scoopix Photo Library in Prahran, which later became the exclusive Australian agent for New York's Black Star photos. In 1975 he opened his studio, Rennie Ellis & Associates, at the same premises, and operated from there for the rest of his life.
Once established as a photographer, Ellis worked, exhibited and published continuously. Magazines that he contributed to were as varied as Playboy and The Bulletin; his books and exhibitions were on subjects including the beach, beer, graffiti, Australian railway stations and the Rio carnival.
He died after suffering a cerebral haemorrhage in 2003.

On November 12 is the birthday of

Franck Bohbot, French photographer born in 1980 based in New York.
He began his career as a set photographer, producing a number of photographic series dedicated to urban architecture, from 2008 onwards. His subjects include theatres, libraries, fair grounds, and swimming pools. While Bernd and Hilla Becher dedicate their works to the frontal photography of industrial installations, the French photographer develops a protocol with the same precision that allows him to draw up an inventory of Parisian public, cultural, or sporting sites, devoid of any human presence. The artist adopts a frontal point of view each time, highlighting an almost perfect symmetry. The photographer's outsider's eye thus lends the sites a new dimension: one that is more monumental and stylised. These places are transformed into unique and captivating spaces, both in terms of their historical and sociological aspects, as well as aesthetic concerns. 
«I love to develop new series of photographs both timeless and original with a singular aesthetic, capturing the poetry of everyday places and everyday people, with a unique attentiveness to the interplay of light, color. I am trying to create uncommon and powerful visual storytelling. My artistic inspiration comes from cinematographers, directors, architects, painters, photographers, novelists and musicians.»

Today, November 13, is the birthday of

Roger Parry, French photographer and illustrator born in 1905, who participated in the surrealist movement.
He studied decorative arts between 1923 and 1925 and worked as an assistant to Maurice Tabard making his first photographs in 1929. One of his best known works was in 1930 to illustrate the poems of Leon-Paul Fargue in his book Banalité.
His photographic work in those years is experimental and among other resources uses in the image the deformation of parts of the human body.
Shortly afterwards he made several trips to Africa and Tahiti doing a more documentary work. An example of this is his book "Tahiti: 106 photos by R. Parry" published by Éditions Gallimard in 1934. He also did some photojournalism work in Moscow, New York and London for The agency France Press.
From 1948 he collaborated with the publishers in the illustration of books, especially with the Nouvelle Revue Française among which are texts like "The human condition" of André Malraux.
He died in 1977.

Marc Burckhardt [Pintura, Ilustración]

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Les invito a disfrutar del exquisito sabor de las obras creadas por Marc Burckhardt, un pintor, ilustrador y docente alemán criado en Estados Unidos que utilizando técnicas de los antiguos Maestros puebla sus imágenes con monstruos de pesadilla, equinos con piel de leopardo, anacrónicos jinetes de dinosaurios y personajes mitológicos, ya sea en ilustraciones para libros, revistas o álbumes de música, o en lienzos con ese aspecto cuarteado por el paso de los siglos que acentúan su magia de cosa intemporal y venerable.
Texto en inglés al final del post, marcado con [*] en cada párrafo.

I invite you to enjoy the exquisite taste of the works created by Marc Burckhardt, a German painter, illustrator and teacher grew up in the United States who uses techniques of the Old Masters to populate his images with nightmare monsters, leopard-skinned horses, anachronistic horsemen of Dinosaurs and mythological characters, either in illustrations for books, magazines or music albums, or in canvases with that aspect cracked by the passage of centuries that accentuate their magic of timeless and venerable thing.
Text in English at the end of this post, marked with [*] in each paragraph.
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Marc Burckhardt


Marc Burckhardt nació en Alemania en 1962 y se crió en Waco, Texas. Asistió a la Universidad Baylor, donde obtuvo un título en historia del arte y grabado, antes de pasar al Art Center College of Design en Pasadena, donde consiguió una licenciatura en 1989. Actualmente Marc divide su tiempo entre la ilustración comercial y las bellas artes. Sus lista de clientes comerciales es impresionante, y ha ganado numerosos premios, entre los que se cuentan un Grammy por Mejor Diseño de Embalaje para Edición Limitada de "La Leyenda: Johnny Cash" (ver más abajo), y sus pinturas integran prestigiosas colecciones por todo el mundo.» [1]

"Descanso en el vuelo / Rest on the Flight", acrílico y óleo sobre papel / acrylic and oil on paper, 39” x 22,5”

"Proxy", acrílico y óleo sobre panel de madera / acrylic and oil on wood panel, 18,5" x 16"

«Las ideas me llegan de los lugares más misteriosos, por ende mi proceso tiende a ser no lineal. Digiero el material (o mis ensoñaciones, dependiendo del contexto de la pieza) a través de miniaturas en bruto, y una vez que he encontrado una dirección que tiene resonancia, trabajo un boceto más definido, generalmente monocromático. Si es para una muestra en una galería, el próximo paso es considerar la escala, y luego pasar directamente a la pintura. Para los encargos generalmente envío el boceto, o a veces varios, para revisión y aprobación.
Me gusta trabajar sin referencias siempre que puedo, pero obviamente para los retratos, objetos o lugares específicos, busco tantas imágenes y tan variadas como pueda, y no sólo desde un único punto de vista, sin preferiblemente una sensación tridimensional del rostro o localización. Entonces puedo desarrollar mi propia, y espero que única, perspectiva del tema. Tengo que admitir mi adicción a los libros, que inspiran el ánimo, composición y temas en que más me centro.» [2]

"Himmelblick (Visión del cielo / Vision of the Sky)"
Acrílico y óleo sobre panel de madera / acrylic and oil on wood panel, 10" x 10"

Izq./ Left: "Icelus", acrílico y óleo sobre panel de madera / acrylic and oil on wood panel, diám 18"
Der./ Right: "Hermes", acrílico y óleo sobre panel de madera / acrylic and oil on wood panel, diám 12"

«Enseñar te fuerza a poner en palabras procesos que normalmente son intuitivos, o al menos de naturaleza no verbal. Intentar comunicar cómo funciona tu propio método creativo es muy difícil, pero es una herramienta esencial cuando trabajas en entornos colaborativos, como el trabajo por encargo, así que las técnicas que practico en clase con los estudiantes también me hacen mejor en mi interacción verbal con los coleccionistas y clientes. También mi experiencia observando ese proceso en otros artistas, especialmente en la fase de desarrollo en que ocurren cambios a un nivel exponencial, es una gran educación para el educador, y excitante ver cómo sucede. No hay nada tan gratificante como ver cuando a un estudiante se le encienden las luces.» [3]

"Monstrum Marinum", acrílico y óleo sobre panel de madera / acrylic and oil on wood panel, 11 7/8" x 23 7/8"

"Sr. Urraca / Mr. Magpie", acrílico y óleo sobre panel de madera / acrylic and oil on wood panel, 7,8" x 7,8"

«Creo que todos estamos parados sobre los hombros de gigantes, y esa historia nos muestra dónde hemos estado como humanos y como cultura. ¿Cómo podría un artista no conocer a sus ancestros visuales? Hoy la comunicación es más visual que nunca antes, y desarrollar la habilidad de expresar tus ideas a otros requiere también comprender su lenguaje. Después de todo, tentar a alguien a que ingrese en tu mundo a menudo requiere una invitación.
Entre mis mayores influencias están los pintores de género del Renacimiento nórdico y holandés: es en este período que el arte comienza a tratar lo material y lo secular, en muchos sentidos la raíz de la pintura comercial moderna. Es también donde el lenguaje artístico simbólico occidental comienza a estar menos atado a la traducción literal, y en cambio desarrolla su propia tradición más lírica. Bosch, Brueghel, Rembrandt y Rubens, todos ellos empujaron los límites del simbolismo y los temas. Esta tradición nórdica también ejerce otra atracción sobre mí: las figuras son sorprendentemente individuales. Cuando veo a Cranach o Van Eyck, a menudo siento como si hubiera visto esos personajes en las calles. Esa conexión insufla vida en obras de hace cientos de años.» [4]

"El descanso del mártir / Martyr's Rest", acrílico y óleo sobre papel / acrylic & oil on paper, 13" x 6,75"

"Encalado / Whitewash", acrílico y óleo sobre panel de madera / acrylic and oil on wood panel, 20" x 16,25"

"El infierno de Dante / Dante's Inferno", Easton Press
Canto 17, "Gerión / Geryon"

«He tenido el honor de llegar a conocer a muchos grandes talentos en este campo, pero entre los más impresionantes han estado el difunto Paul Bacon, un auténtico genio creador del estilo gráfico "Big Book Look", y Ed Lindlof, un destacado ilustrador que volvió su foco hacia la escultura en años recientes, creando una obra ingeniosa e impresionante. Lo que creo que tienen en común es una ética del trabajo asombrosa, combinada con un sentido de equilibrio en la vida. Como muchos de los antiguos Maestros, crearon su obra sin pretensiones, con un nivel de dedicación a su arte que es raro en el mundo moderno.» [5]

"El infierno de Dante / Dante's Inferno", Easton Press
Izq./ Left: Canto 12, "Nesus y el río de sangre / Nessus and the River of Blood"
Der./ Right: Canto 22, "Carcabrina & Alinchino"

"Scheideweg (Encrucijada / Crossroads)"
Acrílico y óleo sobre panel de madera / acrylic and oil on wood panel, 96" x 48"

«Tengo una biblioteca llena de libros de simbolismo visual, y creo que mucho del significado tras las imágenes ha llegado hasta nuestro inconsciente contemporáneo a través de la repetición. Aún así, a muchos espectadores a menudo les cuesta mucho traspasar la belleza superficial de las imágenes históricas y conectar con temas más etéreos enterrados en un bodegón o un paisaje. Intento utilizar símbolos clásicos y "reinventarlos" a través del contexto, utilizando lo inesperado para despertar al espectador.» [6]

"Generosidad / Bounty", acrílico y óleo sobre panel de madera / acrylic and oil on wood panel, 28" x 22"

"Krampus", acrílico y óleo sobre panel de madera / acrylic and oil on wood panel, 24" x 16"

«Creo mis obras [ilustraciones] a la antigua, con lápiz y pintura. Utilizo una versión modificada de la técnica de los antiguos Maestros, comenzando con una pintura de base sobre un panel de madera imprimado, y luego una serie de capas básicamente monocromáticas y opacas de acrílico para modelar la imagen, añadiendo color, primero con veladuras y finalizando con capas de óleo. Me gusta tener algo tangible al finalizar el proceso de hacer una imagen, y no puedo imaginarme que un proceso más moderno (¡o eficiente!) pueda resultar satisfactorio para mí. Aún así, envío mis encargos de manera digital, utilizando un escáner de gran formato y las herramientas que hagan falta para hacer llegar el trabajo a mis clientes, algo que me permite la libertad de continuar viajando y trabajando con gente por todo el mundo.» [7]

"Troya / Troy", acrílico y óleo sobre panel de madera / acrylic and oil on wood panel, 13,5" x 20"

"Leda", acrílico y óleo sobre papel / acrylic and oil on paper, 37" x 24"

«Una de mis partes favoritas de la pintura es el diálogo con la imagen, ajustando colores y tonos, y viendo cómo responde la obra. Saber cuándo esa conversación ha llegado a su fin es mayormente instintivo.» [8]

"Ábaco / Abacus", acrílico y óleo sobre panel de madera / acrylic and oil on wood panel, 60" x 36"

"Dorado / Gilded", acrílico y óleo sobre panel de madera / acrylic and oil on wood panel, 96" x 40"

"El demiurgo / The Demiurge", acrílico y óleo sobre papel / acrylic and oil on paper, 37" x 27,5"

«Los libros de arte son mi talón de Aquiles: tengo una gran colección y sigue creciendo. En cuanto a blogs, adoro Muddy Colors, y por supuesto he sido parte de Drawger durante años. Pero para mí los museos son los lugares más inspiradores de la Tierra. Nada me motiva tanto como estar frente a una gran obra. Si pudieran construirme un apartamento en el Museo Histórico de Viena...» [9]

"Bergotte", lápiz, acrílico y óleo sobre papel / pencil, acrylic & oil on paper, 19,5" x 11,5"

"Brida / Bridle", acrílico y óleo sobre panel de madera / acrylic and oil on wood panel, 30" x 22"
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Fuentes / Sources:
* Website
* Entrevista / Interview, 12/2015. WowXWow
* Perfil del ilustrador - MB por / Illustrator Profile - MB by Robert Newman, 10/2015. AI-AP
* Preguntas y respuestas a MB por / The Q&A: MB by Peggy Roalf, 6/2015. AI-AP

Más imágenes e información sobre Marc en / More images and information about Marc in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Marc!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Marc!)



Marc y la música / Marc and Music

"Johnny Cash", Sony Records
Acrílico y óleo sobre madera con trabajo de metal / acrylic & oil on wood with metal work
Grammy para Mejor Diseño de Embalaje para Edición Limitada / for Best Limited Edition Box Set

Johnny Cash en "El Hurgador" / in this blog[Jason Seiler (Ilustración, Caricatura)]

Marc tiene una especial afinidad por los retratos de músicos. Como leíamos más arriba, ganó un Grammy por sus pinturas para la caja de edición limitada "La Leyenda: Johnny Cash"

«La música es una pasión y he recibido muchos encargos relacionados con ella a lo largo de los años, pero uno que nunca he logrado (¡sé que suena extraño!) es un retrato de un músico para un sello postal de Estados Unidos. Hay algo a la vez efímero y con un significado histórico en los sellos, y creo que lo mismo puede decirse de la música popular.»

"it'll come to you", Las canciones de / The Songs ofJohn Hiatt, 2003

"Neil Young", acrílico y óleo sobre papel / acrylic and oil on paper, Rolling Stone

Marc has a particular affinity for portraits of musicians. As we read above, he won a Grammy for his paintings in The Legend: Johnny Cash CD set.

«Music is a passion and I’ve had many dream assignments related to that love over the years, but one I’ve never achieved—I know this sounds weird!—is a portrait of a musician for a US stamp. There’s something at once ephemeral and of historical significance about stamps, and I guess the same could be said for popular music.»

Acrílico y óleo con pan de oro sobre panel / acrylic and oil with goldleaf on panel
Rolling Stone

Paul McCartney en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios, fotografía (XVII)]
Mick Jagger en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (XCV)], [Asonancias (VIII)]

"Creedence Clearwater Revival"
Acrílico y óleo sobre panel de madera / acrylic and oil on wood panel, Rolling Stone



Texto en inglés / English translation

[1]
Marc Burckhardt was born in Germany in 1962 and was raised in Waco, Texas. He attended Baylor University where he received an undergraduate degree in art history and printmaking, before proceeding to The Art Center College of Design in Pasadena, where he graduated with a BFA in 1989. Marc currently splits his time between commercial illustration and fine art. His commercial client list is hugely impressive, he has won numerous awards, among which include, a Grammy for Best Limited Edition Box Set Packaging for ‘The Legend: Johnny Cash‘, and his paintings are part of prestigious collections around the world.

[2]
For me, ideas come from the most mysterious of places, so my process tends to be nonlinear. I digest the material—or my daydreams, depending on the context of the piece—through small rough thumbnails, and once I’ve found a direction that resonates I work a tighter sketch up, usually monochromatically. If it’s for a gallery exhibition, my next step is to consider scale, then move directly to painting. For commissions, I typically send the sketch, or sometimes a few, for review and approval.
I like to work without reference whenever I can, but obviously for portraits or specific objects/places I search for as many and as varied images as I can, looking not for a single vantage point or source but rather a 3-dimensional sense of a face or location. I can then develop my own, hopefully unique perspective on the subject. I will admit an addiction to art books, which inspire the mood, composition, and themes I focus on most.

[3]
Teaching forces you to put into words processes that are normally intuitive, or at least not verbal in nature. Trying to communicate how your own creative method works is very difficult, but it’s an essential skill when working in collaborative environments like commissioned work, so the techniques I practice in class with students also make me better at verbal interaction with collectors and clients. It’s also been my experience that watching that process in other artists, particularly at a stage in their development where changes happen at an exponential level, is a great education for the educator, too, and exciting to see happen. Nothing quite as gratifying as watching the lights go on in a student.

[4]
I think we all stand on the shoulders of giants, and that history shows us where we’ve been as humans and as a culture. How could an artist not want to know their visual ancestors? Communication today is more visual than ever before, and developing the ability to express your ideas to others requires understanding their language as well. After all, enticing someone in to your world often requires an invitation.
Among my biggest influences are Northern Renaissance and Dutch genre painters; it’s in this period that art begins to be about the material and the secular—the roots of modern commercial painting, in many ways. Its also where the symbolic language of Western art began to be less tied to literal translation and instead developed its own, more lyrical tradition. Bosch, Brueghel, Rembrandt, and Rubens all pushed the boundaries of symbolism and subject matter. This Northern tradition also has another draw for me: the figures are surprisingly individual. When I look at a Cranach or Van Eyck, I often feel like I just saw those characters on the street. That connection breathes life into work that’s hundreds of years old.

[5]
I have a library full of books on visual symbolism, and believe much of the meaning behind images has carried into our contemporary unconscious through repetition. Still, many viewers often have a hard time getting past the surface beauty of historical images and connecting with the more ethereal themes buried in a still life or landscape. I try to use classical symbols and ‘reinvent’ them through context, using the unexpected to shake the viewer out of their slumber.

[6]
I create my work [illustrations]the old-fashioned way: pencil and paint.  I use a modified version of the Old Masters technique, starting with an underdrawing on a primed wood panel, then a series of largely monochromatic and opaque layers of acrylic to model the image, adding color primarily through glazing and finish layers of oil. I like having something tangible at the end of the process of making an image, and couldn’t imagine a more modern (or efficient!) process that would be satisfying for me. Still, I deliver my commissions digitally, using a large format scanner and the tools required to get the work to my clients—something that allows me the freedom to continue traveling and working with people all over the world.

[7]
I’ve had the honor of getting to know many great talents in this field, but among the most impressive were the late Paul Bacon, a true genius who created the “Big Book Look,” and Ed Lindlof, an accomplished illustrator who has turned his focus to sculpture in recent years and creates stunning and witty work. What I believe they have in common is a staggering work ethic combined with a sense of balance in life. Like many of the Old Masters, they create their work without pretension, yet with a level of dedication to their craft that’s rare in the modern world.

[8]
One of my favorite parts of painting is the dialogue with the image, adjusting color and tone and seeing how the work responds. Knowing when that conversation is complete is mostly instinct.

[9]
Art books are my Achille’s Heel; I have a big collection and it keeps growing. As for blogs, I love Muddy Colors, and of course I’ve been a part of Drawger for years. But I find museums to be the most inspiring places on earth: nothing motivates like standing in front of great work. If they could build an apartment for me in the Kunsthistorisches Museum in Vienna…

Recolección / Compilation (LXIV) - Exlibris / Bookplates (IV)

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Nueva selección de exlibris (también ex libris o ex-libris, locución latina que significa literalmente "de entre los libros de"), esas marcas de propiedad que normalmente consisten en una estampa, etiqueta o sello que suele colocarse en el reverso de la cubierta o tapa de un libro, y que contienen el nombre del dueño del ejemplar o de la biblioteca propietaria.
Los exlibris suelen ser grabados realizados con diferentes técnicas (la lista de técnicas utilizadas con sus símbolos normalizados aquí) y hay infinidad de artistas que son especialistas en estas imágenes de contenido generalmente alegórico o relacionadas con la profesión, actividad, gremio o afición del dueño. También se encuentran muchos de contenido erótico, de tema "macabro" (con esqueletos o calaveras alusivos al paso del tiempo y a la muerte), monogramas, etc. Son frecuentes también los motivos relacionados con el mundo del libro y las bibliotecas.
Para los interesados, les recomiendo visitar estos sitios web:

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New selection of bookplates (also known as ex-librīs, Latin, "from the books of..."), those small print or decorative labels pasted into a book, often on the inside front cover, to indicate its owner, containing the name of the copy owner or the owning library.
The bookplates are usually prints made with different techniques (list of thechniques and symbols here), and there are many artists who are specialists in these images generally allegorical or related to the profession, activity, guild or hobbies of the owner. There are also many with erotic content, "macabre" theme (with skeletons or skulls alluding to the passage of time and death), monograms, etc. They are also frequent motifs related to the world of books and libraries.
For those interested, I recommend visiting these websites:
Frederikshavn Kunstmuseum og exlibrissamling (The Digital Exlibris Museum)

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Petr Hampl
(Checoslovaquia / Czechoslovakia, 1943-)

Exlibris para / Bookplate for Geert Van Der Zee, C3, 6,5 x 9,1 cm. Link

Exlibris para / Bookplate for Dr. Vaclav Herman, C3, 11,6 x 7,6 cm. Link

Exlibris para / Bookplate for Daniel de Bruin, C3, 8,2 x 9,4 cm., 1985. Link

Exlibris para / Bookplate for Erika & Andreas Selle, C3, 11,7 x 8,5 cm., 1991. Link
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Hristo Naidenov
(Gorna Oriahovitza, Bulgaria, 1971-)

"Susanna im Bade / Susana en el baño / Suzanne in the Bath"
Exlibris para / Bookplate for Dr. Wolfgang Pungs, C3, 13,9 x 8,6 cm., 2010. Link

Hristo Naidenov es un artista búlgaro nacido en 1971. 
Entre 1994 y 1999 estudió un Máster en Bellas Artes en la Universidad Veliko Tarnovo "St. Ciryl and Methodius". Se graduó en Artes Gráficas en las clases del Profesor Nicola Hadjitanev.
Desde 2000 es profesor asistente de Artes Gráficas en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad St. Ciryl and Methodius.
La mayoría de sus trabajos son miniaturas, ilustraciones y exlibris. Sus temas preferidos son la mitología, las culturas antiguas y la poesía. Sus técnicas más utilizadas son el aguafuerte, punta seca y media tinta.
Ha presentado exposiciones individuales en Bulgaria y China, y participado en muchas muestras y concursos de exlibris, ganando varios premios y reconocimientos.

"Celene" - Exlibris para / Bookplate for Agaath van Waterschoot, C3, C5, 11,5 x 7,5 cm., 2006

"Leda y el cisne / Leda and the Swan" - Exlibris para / Bookplate for Ing. J. Mardecin

Hristo Naidenov is a Bulgarian artist born in 1971.
From 1994 to 1999 studied in the Veliko Tarnovo University "St. Ciryl and Methodius" - Master Of Fine Arts. Graduated in the class of Prof. Nicola Hadjitanev - subject graphic arts.
From 2000 he is an assistant professor of Graphic Arts in "St. Ciryl and Methodius University”, in Fine Arts Faculty.
Most of all he works in the realm of miniature, illustrations and ex libris. Favorite themes: mythology, ancient cultures and poetry. Use the following techniques: etching, dry point, mezzotint, aquatint and soft ground.
He has several solo exhibtions in Bulgaria and China. He has participated in many exlibris competitions and exhibitions.
He won many awards and prizes.

"Centauros / Centaurs" - Exlibris para / Bookplate for Peter Rath, C3, 11,0 x 9,5 cm., 2003
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Thomas Arnel
(Copenhague, Dinamarca / Copenhagen, Denmark, 1922 - Århus, 2010)

Exlibris para / Bookplate for Thomas Arnel, P1, 8,3 x 6,6 cm., 1956. Link

Thomas Arnel fue un artista danés nacido en 1922.
Su debut fue en 1949 y tuvo su despegue artístico en la Exposición de Pascua del artista de 1953, donde él durante muchos años participó.
Desde su infancia le encantaron los comics y ha hecho muchos a través de los años. Comenzó con tiras pequeñas en revistas, ilustrando "La isla del tesoro" y en años posteriores ha hecho novelas gráficas sobre su héroe Ofil, cuyas aventuras transcurren en un entorno profundamente surrealista.
Fue uno de los surrealistas daneses más destacados y creador de un universo especial de poesía, mujeres y criaturas muy inquietantes.
Su obra está representada en los principales museos de arte de Dinamarca y el extranjero. Ha expuesto en Estados Unidos, Gran Bretaña y en toda Europa.
Murió el 2010.

Exlibris para / Bookplate for Thomas Arnel, P1, 8,5 x 6,9 cm., 1956. Link

Exlibris para / Bookplate for Johnny Köhler, X2, 6,8 x 12 cm., 1958. Link

Thomas Arnel was a Danish artist born in 1922. 
His debut was in 1949 and he got his breakthrough at the 1953 Artist's Easter Exhibition, where he for many years participated. 
From early childhood he loved cartoons and has made a lot through the years. Started with small strips in magazines, illustrated "Treasure Island" and in later years he has made graphic novels about his hero Ofil, who has his adventures in deeply surreal surroundings.
He was on of the most outstanding danish surrealists and creator of a special universe of poetry, women and very disturbing creatures.
His work is represented in the major art museums in Denmark and abroad. He has exhibited in the USA and Britain and throughout Europe.
He died ni 2010.

Exlibris para / Bookplate for Knud Andersen, 8,8 x 6,2 cm. Link
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Johannes "Jan" Battermann
(Ámsterdam, Holanda / Netherlands, 1909 - 1999)

Exlibris para / Bookplate for Frits Haans, 11,5 x 8,6 cm. Link

Johannes "Jan" Battermann fue un artista gráfico, pintor, ilustrador, acuarelista y dibujante holandés nacido en 1909.
Vivió y trabajó en Ámsterdam, donde fue estudiante de Artes Aplicadas en la Escuela de Quellinus entre 1939-40, la Rijksnormaalschool en 1940-41 y la 
Rijksakademie en 1941-1943 y 1946-1950. También fue alumno de Willem van den Berg, Jaap Lüttge y Gerard Westermann.
Además de realizar pinturas expresionistas y obras no figurativas al óleo y aguada, creó un gran número de exlibris.
A lo largo de su carrera recibió varios premios.
Murió en 1999.

"Mann mit Buch, zwei Frauen / Hombre con libro, dos mujeres / Man With Book, Two Women"
Exlibris para / Bookplate for Gerrit H. ter Hennepe, X2, X3, 12,1 x 9,9 cm., 1978. Link

"Pferd und Porträt vom / Caballo y retrato de / Horse and portrait of Emil Kotrba"
Exlibris para / Bookplate for Aube Mermann, X2, 12,8 x 9 cm., 1965. Link

Johannes "Jan" Battermann was a Dutch graphic artist, painter, watercolorist and artist born in 1909.
He lived and worked in Amsterdam, where he was student of Applied Arts at the School of Quellinus between 1939-40, the Rijksnormaalschool in 1940-41 and the Rijksakademie in 1941-1943 and 1946-1950. He also studied under Willem van den Berg, Jaap Lüttge and Gerard Westermann.
In addition to create non-figurative and expressionist paintings in oil and watercolor, he created a large number of bookplates.
Throughout his career he received several awards.
He died in 1999.

Exlibris para / Bookplate for Roland Roveda, X2, 8,1 x 5,6 cm., 1968. Link
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Konstantin Stepanovich Kozlovsky
Константин Степанович Козловский
(Rusia / Russia, 1905 - 1975)

Exlibris para / Bookplate for Б. Левых / B. Levykh, X2, 6,8 x 5,9 cm., 1957. Link

Konstantin Stepanovich Kozlovsky fue un artista gráfico soviético nacido en 1905.
En sus grabados en madera supo utilizar la belleza decorativa del arte antiguo. 
Creo cientos de exlibris, y sus obras se encuentran en el Museo Estatal de Historia de la Literatura, el Arte y la Cultura de Altai.
Murió en 1975.

Exlibris para / Bookplate for К. А. ШОПОТОВА / K. A. Bogdanova, X2, 6,9 x 5,1 cm., 1974. Link

Exlibris para / Bookplate for И.Н. Рундквист / I.N. Rundquist, X2, 7,6 x 5,7 cm., 1974. Link

Konstantin Stepanovich Kozlovsky was a Soviet graphic artist born in 1905.
In his woodcuts he knew how to use the decorative beauty of ancient art.
He created hundreds of bookplates, and their works are in the State Museum of History of Literature, Art and Culture of Altai.
He died in 1975.

Exlibris para / Bookplate for Б. Левых / B. Levykh, X2, 5,5 x 7,9 cm., 1972. Link
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Josef Liesler
(Checoslovaquia / Czechoslovakia)

Exlibris para / Bookplate for Gianni Mantero, 9,7 x 64 cm., 1960. Link

Josef Liesler fue un pintor surrealista, diseñador gráfico, ilustrador, exlibris y diseñador de sellos postales checo nacido en 1912.
Estudió arte en la Universidad de Arquitectura e Ingeniería Estructural de Praga en 1934-38 con los profesores Cyril Bouda, Oldřich Blažíček y Josef Sejpka. Se convirtió en miembro de la Unión de Bellas Artes de Mánes (1942) y SČUG Hollar (1945). Ilustró más de cien libros y creó muchos dibujos de sellos postales y exlibris. Recibió el premio de la UNESCO por el mejor diseño de sellos (década hidrológica). Su producción está representada en muchas destacadas colecciones checas e internacionales, incluida la Galleria degli Uffizi en Florencia.
Murió en 2005.

Exlibris para / Bookplate for Vladimir Bujárek, 6,6 x 8,3 cm., 1959. Link

Exlibris para / Bookplate for Vérusky Vomastkove, 7,2 x 116 cm. Link

Josef Liesler was a Czech surrealist painter, graphic designer, illustrator, exlibris and postage stamp designer born in 1912.
He studied art at University of the Architecture and Structural Engineering, Prague in 1934-38 under professors Cyril Bouda, Oldřich Blažíček, and Josef Sejpka. He became a member of the Mánes Union of Fine Arts (1942) and SČUG Hollar (1945). He illustrated over one hundred book titles and he created many drawings of postage stamps and exlibris. He received a UNESCO award for the finest stamp design (Hydrologic decade). His production is represented in many prominent Czech and international collections, including the Galleria degli Uffizi in Florence.
He died in 2005.

Exlibris para propietario desconocido / Bookplate for Unknown owner, 9,4 x 6,7 cm., 1959. Link


Shelley Muzylowski Allen (I) [Arte con vidrio]

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Otra vez un post en dos partes (la segunda en un par de semanas) para echar un vistazo a la obra de esta estupenda artista del vidrio canadiense. Shelley realiza sus obras mediante las técnicas del soplado, escultura en caliente y grabado, dotando a sus figuras animales de una variedad de colores, formas y texturas sumamente armoniosas.
Les dejo una selección de obras con las cuales disfrutar de la calidad de su trabajo, y vídeos para conocerla un poco más y verla en acción.

Again a post in two parts (the second one in a couple of weeks) to take a look at the work of this great Canadian glass artist. Shelley creates her works through the techniques of glass blowing, hot sculpture and engraving, giving to her animal figures a variety of colors, forms and textures extremely harmonious.
Here you have a selection of images to enjoy the quality of her pieces, and videos to know a little more about her, and see her at work.
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Shelley Muzylowski Allen


Shelley Muzylowski Allen nació en Manitoba, Canadá, y tiene una licenciatura en Pintura e Intaglio del Instituto Emily Carr de Arte y Diseño (Vancouver). En 1998, Shelley trabajó con el equipo de escultura de William Morris en Washington como asistente en escultura de vidrio hasta 2004.
En 2005 Shelley montó un estudio de vidrio y escultura con su marido, el artista Rik Allen, en su propiedad de Skagit County, Washington. Además de trabajar como artistas, Shelley y Rik han enseñado internacionalmente en el Instituto del Vidrio Toyama, en Japón, Nuutajarvii Lasikyla, en Finlandia, y en el Festival Internacional del Vidrio en Stourbridge, en Inglaterra. También lo han hecho a nivel nacional en varios centros y escuelas.
Shelley ha obtenido varias becas, y su obra se encuentra en instituciones públicas y colecciones privadas a nivel nacional e internacional. En 2008 realizó una exposición individual titulada "Casa de fieras moderna / Modern Menagerie" en el Museo de Arte del Noroeste en La Conner, Washington.

"En el azul / In the Blue"
Vidrio soplado, esculpido en caliente, técnica mixta / blown, hot sculpted glass mixed media, 25" x 22" x 8", 2015

"Convirtiéndose en toro / Becoming the Bull"
Vidrio soplado y esculpido a mano, pelo humano, técnica mixta, acero / 
blown and hand-sculpted glass, human hair, mixed media, steel, 13" x 20" x 8d", 2011

"Alce en dos patas / Standing Elk", vidrio soplado y esculpido a mano, acero, roca de Tres Ríos /
blown and hand-sculpted glass, steel, Three Rivers rock, 35" x 17" x 12", 2014

Shelley se dedicaba a la pintura, pero no estaba del todo satisfecha. Una amiga le sugirió la idea de trabajar en vidrio. Lo que al principio le pareció una locura, cambió radicalmente cuando comenzó a asistir a la Escuela de Vidrio Pilchuk.

"Alce en dos patas / Standing Elk" (detalle / detail)

"Caballitos de mar / Hippokampi", vidrio soplado y esculpido a mano, acero /
blown and hand-sculpted glass, steel, 23" x 17,5" x 6"& 18" x 22" x 5,5d", 2013
Foto / Photo: KP-Studios.com

«Estoy interesada en la iconografía universal de los animales, y lo que es más importante, en cómo nosotros, como humanos, respondemos esencialmente a sus formas y rasgos inherentes. Los animales han jugado un rol omnipresente en la historia de la humanidad, y han sido observados, representados, interpretados, utilizados e imbuidos con inferencias culturales y psicológicas. Les asignamos nuestras supersticiones e ideología, y pueden asociarse con la mitología e incluso la divinidad.»

Haciendo un hipocampo durante la residencia Gaffer Olympics Pilchuk, en 2015 (con Julia) /
Making a Hippokampus during the Gaffer Olympics Pilchuck Residency, 2015 (with Julia)

"Largo viaje / Long Journey", vidrio soplado, esculpido a mano y grabado, acero /
blown, hand-sculpted and engraved glass, steel, 30" x 47" x 10", 2014

«Mi obra es una meditación sobre esas formas animales arquetípicas que han estado presentes a través de la historia humana, y pueden encarnar las necesidades básicas de nuestra psique. Inspirada por los netsuke, funcionales esculturas en miniatura japonesas, me centro en las formas animales que habitan el entorno rural próximo a mi estudio de Nothwest. Utilizo el vidrio negro para acentuar el detalle y cultivar la reverencia hacia los animales comunes.»

"Largo viaje / Long Journey" (otra vista / another view)

"Toro cretense (encargo) / Cretan Bull (Commission)", vidrio soplado y esculpido a mano /
blown and hand sculpted glass, 16" x 30" x 6", 2015

"Sabana / Savannah", vidrio soplado, esculpido a mano y grabado, acero, roca de Isla Ciprés /
blown, hand-sculpted & engraved glass, steel, Cypress Island rock, 23,5" x 24" x 15", 2015
Foto / Photo: Russell Johnson

Shelley Muzylowski Allen was born in Manitoba, Canada, and has a B.F.A. in Painting and Intaglio from the Emily Carr Institute of Art & Design (Vancouver, B.C.). In 1998, Shelley worked with the William Morris sculpture team in Washington State as a glass-sculpting assistant through 2004.
In 2005, Shelley established a glass and sculpture studio with her husband, artist Rik Allen at their property in Skagit County, Washington. In addition to being an artists, Shelley and Rik and have taught internationally at the Toyama Institute of Glass in Japan, Nuutajarvii Lasikyla, Finland and the International Glass Festival in Stourbridge, England. They have also taught nationally in several centers and schools.
Shelley has been awarded Provincial and Canada Council grants, and her work is held nationally and internationally in public institutions and private collections. In 2008, Shelley had a solo exhibition at the Museum of Northwest Art in La Conner, Washington, titled Modern Menagerie.

"Un bonito día / One Fine Day", vidrio soplado y esculpido a mano, acero, pelo de caballo, arenisca /
blown and hand-sculpted glass, steel, horsehair, sandstone, 26" x 21" x 7", 2014
Foto / Photo: Russell Johnson

"Trovador / Minstrel", vidrio soplado y esculpido a mano, acero, pelo de caballo /
blown and hand-sculpted glass, steel, horsehair, 25" x 23" x 17", 2014
Foto / Photo: Russell Johnson

"Trovador / Minstrel" (detalle / detail)

Shelley was devoted to painting, but she was not entirely satisfied. A friend suggested the idea of working in glass. What at first seemed crazy, changed radically when she began attending the Pilchuk Glass School.

"De memoria / By Heart", vidrio soplado y esculpido a mano, acero, roca de Isla Ciprés /
blown and hand-sculpted glass, steel, Cypress Island rock, 21" x 12" x 10", 2014

"De memoria / By Heart" (detalle)

«I am interested in universal iconography of animals, and more importantly in how we as humans essentially respond to their form and inherent traits. Animals have played an all-pervasive role in the history of human kind, and have been observed, depicted, interpreted, utilized, and imbued with cultural and psychological inferences. We attach to them our superstition and ideology and can associate them with mythology and even divinity.»

"Máscara / Masque"
Vidrio soplado, esculpido a mano y grabado, pelo de caballo, acero, roca de Blue Mountain /
blown, hand-sculpted and engraved glass, horsehair, steel, Blue Mountain rock, 21" x 22" x 9", 2014

"Brio", vidrio soplado, esculpido a mano y grabado, roca de Arizona /
blown, hand-sculpted and engraved glass, steel, Arizona rock, 26" x 25" x 12", 2014

"Brio" (detalle / detail)

«My work is a meditation on these archetypical animal forms who have had presence throughout human history and can embody the basic needs of the human psyche. Inspired by Netsuke, functional miniature Japanese sculptures, I focus on the forms of animals that reside around my rural Nothwest studio. I use the black glass to accentuate gesture and to cultivate reverence for commonplace animals.»

Vasijas Netsuke / Netsuke Pots
Izq./ Left: "Kudu de marfil / Ivory Kudu", 36" x 13" x 12", 2012
Centro / Center: "Vasija azul claro / Cerulean Paint Pot", 25" x 13" x 10", 2012
Der./ Right: "Caballo dorado / Gilded Horse", 35" x 15" x 11", 2012
Todos de vidrio soplado y esculpido a mano, pelo de caballo, cuero / 
All blown and hand-sculpted glass, horsehair, leather, Fotos / Photos: KP-Studios.com

"Piedra angular / Capstone", vidrio soplado y esculpido a mano, piedra, pelo de caballo, acero / 
blown and hand-sculpted glass, stone, horse hair, steel, 27" x 24" x 7d", 2013
Foto / Photo: KP-Studios.com
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Fuentes / Sources:
* Website
* 3 preguntas para / 3 Questions For... Shelley Muzylowski Allen, 2009. Urban Glass
* Artículo, Gracia en vidrio - El arte de Shelley Muzylowski Allen /
Article, Grace in Glass – the Art of Shelley Muzylowski Allen. Schantz Galleries
* Shelley Muzylowski Allen, Perfil / Profile. Habatat Galleries
* Shelley Muzylowski Allen, Perfil / Profile. Traver Gallery

Más imágenes e información sobre Shelley en / More images and information about Shelley in:

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Shelley!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Shelley!)



Galerías Schantz presenta a / Schantz Galleries presents Shelley Muzylowski
Fin de semana de coleccionistas de Junio, 2015 / June Collectors Weekend 2015

Una demostración de soplado de vidrio del estudio Hoogs and Crawford Modern presentando a SMA /
A glass blowing demo taken from Hoogs and Crawford Modern studio featuring SMA.

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Shelley Muzylowski Allen: Trouvaille
Una película de / A Film by Peter West




Rinocerontes (LXXIX) - Adrian Steirn

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Descubrí a Adrian Steirn gracias a un video sobre Hope (Esperanza), un rinoceronte hembra que fue atacada por cazadores furtivos en mayo de 2015. Les invito a conocer su historia, la de otro rinoceronte, Thandi, y algo del interesante trabajo fotográfico de Adrian relacionado con estos animales. Veremos más sobre su obra próximamente en el blog.

I discovered Adrian Steirn thanks to a video about Hope, a female rhino that was attacked by poachers in May of 2015. I invite you to know its history, the one of another rhinoceros, Thandi, and some of the interesting photographic work of Adrian related with these animals. We'll see more about his work soon in this blog.
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Adrian Steirn


Adrian Steirn es fotógrafo y cineasta nacido en Sydney y educado en la Sydney Grammar School y la Universidad de Tecnología de Sydney.
Es el fundador y director de 21 Iconos, una celebración visual de la gente que ha influenciado el mundo para mejor. Es también fundador de la agencia Ginkgo, una agencia de contenidos y estrategias creativas con sede en Ciudad del Cabo, Sudáfrica.
La afinidad de Adrian por África comenzó de niño, cuando estuvo de visita con su familia. Regresó luego varias veces, antes de establecerse en Sudáfrica en 2008.

"Rinoceronte / Rhino" © Adrian Steirn

Adrian trabaja para promover e involucrarse en la conservación y causas humanitarias, utilizando las imágenes como medio para estimular la discusión y acción sobre temas clave. Sus películas y fotografías han sido utilizadas como base para campañas para WWF, el Global Fund y Dementia Campaign, cuyo objetivo es despertar conciencias y crear cambios.
Adrian es embajador de Nikon, Mercedes Benz, Lowepro y Gitzo, así como también Fotógrafos en Residencia de WWF Sudáfrica.
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* Hope *

"Hope"© Adrian Steirn

«Esta es Hope, un rinoceronte hembra de 4 años que fue atacada por cazadores furtivos en la primera semana de mayo de 2015. La drogaron con dardos tranquilizantes y le arrancaron su cuerno, dándola por muerta. Contra todo pronóstico, sobrevivió. Su historia define el precipicio al borde de cual nos hallamos. Es algo que no puedo dejar pasar.» A.S.

«This is Hope, a four-year-old female rhino who was attacked by poachers in the first week of May 2015. They darted her with tranquillising drugs and hacked off her horn, leaving her for dead. Against all odds, she survived. Her story defines the precipice we all stand on. This is one I can't let go.» Adrian Steirn

"Hope"© Adrian Steirn

Los voluntarios y veterinarios de la asociacion Saving the Survivors (Salvar a los supervivientes) localizaron a Hope la segunda semana de mayo en Lombardini (Provincia Oriental del Cabo, Sudáfrica). La primera observación confirmó que se trataba de una hembra de rinoceronte blanco (Ceratotherium simum) de unos cuatro años de edad con muy pocas esperanzas de sobrevivir. Un grupo de cazadores furtivos habían inmovilizado al animal con un dardo anestésico y después le habían amputado los cuernos de forma radical.
Hope se despertó con una herida abierta que le afectaba toda la parte frontal, dejando al descubierto las fosas nasales. El animal fue descubierto unos dos días después de la agresión, cuando ya había perdido mucha sangre y la herida -de unos 50 por 28 centímetros- presentaba signos evidentes de infección.
Pese a la gravedad del pronóstico, Hope fue operada y los veterinarios consiguieron aplicar en el hueco de los cuernos un molde de fibra de vidrio con tornillos de acero.
"Si podemos salvar a Hope, ella podrá tener descendencia y habremos contribuido a la supervivencia de la especie", ha explicado Gerhard Steenkamp, veterinario de la Universidad de Pretoria que participó en la operación.
Noticia en La Vanguardia, 26/5/2015

 "Hope" © Adrian Steirn

The volunteers and veterinarians of the Saving the Survivors association located Hope the second week of May in Lombardini (Eastern Cape Province, South Africa). The first observation confirmed that it was a female of white rhinoceros (Ceratotherium simum) of about four years of age with very little hope of surviving. A group of poachers had immobilized the animal with an anesthetic dart and then had severed the horns severely.
Hope woke up with an open wound that affected the whole front, exposing the nostrils. The animal was discovered about two days after the attack, when it had already lost a lot of blood and the wound - about 50 by 28 centimeters - showed obvious signs of infection.
Despite the severity of the prognosis, Hope was operated on and the veterinarians were able to apply a fiberglass mold with steel screws covering the hole of the horns.
"If we can save Hope, she can have offspring and we will have contributed to the survival of the species," said Gerhard Steenkamp, ​​a veterinarian at the University of Pretoria who participated in the operation.
News in USA Today, May 16, 2016


"Hope" © Adrian Steirn

Desafortunadamente, hace un par de días podíamos leer este post en el muro de facebook de Adrian:
«Noticias devastadoras. Hope ha muerto. Soportó tantas operaciones y tanto dolor que una parte de mi se siente liberada al ver que su dolor por fin ha terminado. Fue encontrada muerta ayer en la empalizada con una infección bacterial en su intestino. Para mí su muerte es tan sólo otro recordatorio de que si no comprendemos lo que les estamos haciendo a estas criaturas, finalmente destruiremos un planeta que ha estado bien sin humanos durante 4500 millones de años.»

"Hope" © Adrian Steirn

Unfortunately, a couple of days ago we read this post in Adrian's facebook wall:
«Devastating news. Hope has died. She endured so many operations and so much pain that part of me is relieved that her pain is finally over. She was found dead in the boma yesterday with a bacterial infection in her small intestine. For me her passing is just another reminder that if we don't address what we are doing to these creatures then we will ultimately destroy a planet that was doing just fine without humans for 4.5 billion years.»
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Adrian Steirn is a photographer and filmmaker born in Sydney and educated at Sydney Grammar School and the University of Technology, Sydney.
He is the founder and director of 21 Icons, a visual celebration of people who have influenced the world for the better. He is also the founder of Ginkgo Agency, a creative content and strategy agency based in Cape Town, South Africa.
Adrian's affinity for Africa began as a child when he visited on a family trip. He later returned a number of times before settling in South Africa in 2008.

"Choque de rinocerontes / Rhino Crash", Kruger National Park, 2010 © Adrian Steirn

Adrian works to promote and engage with humanitarian and wildlife conservation, using visual images as a means to stimulate discussion and action around key issues. His films and photographs have been used as the basis for campaigns aimed at raising awareness and creating change for WWF, the Global Fund and the Dementia Campaign.
Adrian is an ambassador for Nikon, Mercedes-Benz, Lowepro and Gitzo as well as being WWF South Africa’s Photographer-in-Residence.

Izq./ Left: "Rinoceronte corriendo / Rhino Running", 2011 © Adrian Steirn
Der./ Right: "Caleidoscopio africano / African Kaleidoscope", 2012 © Adrian Steirn
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* Thandi *

En marzo de 2012, los furtivos sedaron con dardos y arrancaron brutalmente los cuernos a tres rinocerontes, dejándolos para que murieran. Dos fueron hallados con vida. Los guardabosques los llamaron Themba y Thandi. El macho Themba murió días después. Thandi comenzó a recuperarse.

"Thandi", fotograma del vídeo / still of the video

In March 2012, poachers darted and brutally hacked three rhinos, leaving them to die. Two were found alive. Rangers named them Themba and Thandi. Themba died a few days after. Thandi began a journey of recovery.


Dos años después de sobrevivir al brutal ataque de los furtivos, Thandi dio a luz una cría en la Reserva de Kariega en Sudáfrica. Este corto y la serie de fotografías documentan el periplo de Thandi desde el ataque y su lucha por la supervivencia hasta el nacimiento de la cría. Esta es la historia de un rinoceronte que no debía haber nacido.

Adrian fotografiando a Thandi y su cría / taking pictures of Thandi and her calf

Two years after surviving the brutal poaching attack, Thandi gave birth to a calf in Kariega Game Reserve in South Africa. This short film and series of photographs documents Thandi’s journey from the attack & her fight for survival to the birth of her calf. This is the story of the rhino that should never have been born.

"Thandi y su cría / and her calf"© Adrian Steirn

«En un mundo cínico, la historia de Thandi me hizo pensar por primera vez que podemos acabar con la caza furtiva, que las especies pueden salvarse. Ha brillado una luz entre la brutalidad de la humanidad y la increíble resiliencia de este hermoso animal mientras luchaba por la vida. Su historia puede inspirar cambios.» Adrian Steirn.

"Thandi y su cría / and her calf"© Adrian Steirn

«In a cynical world, Thandi’s story made me think for the first time that we could stop the poaching – that the species could be saved. It shone a spotlight on the brutality of humanity and the incredible resilience of this beautiful animal as she fought for life. Her story should inspire change.» Adrian Steirn

"Thembi"© Adrian Steirn

«El bebé de Thandi. Hermosa visión, sano y salvo. Uno de los sonidos más bonitos del mundo debe ser el de una cría de rinoceronte a su madre /
Thandi's baby. Beautiful sight to see him safe and sound. Cutest noise in the world has to be a baby rhino to its mother.»
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Una buena fotografía es aquella que cuenta una historia. Adrian Steirn se mueve por esta creencia. Es un ethos que le ha permitido utilizar la fotografía y la cinematografía como medio para generar un cambio significativo, mediante el uso de la narrativa para inspirar acciones en los demás.
Ha colaborado en varios proyectos filantrópicos con personas como Bono, Thandie Newton, Shaquille O'Neal, Bill Gates y Anna Friel en países tan diversos como Ghana, Tanzania, Uganda, Azerbaiyán, Suiza y Nepal.

"Rinocerontes / Rhinos" © Adrian Steirn

A good photograph is one that tells a story. Adrian Steirn is driven by this belief. It’s an ethos that has enabled him to use photography and filmmaking as a means to generate meaningful change – by using narrative to inspire action in others.
He has collaborated on various philanthropic projects with individuals such as Bono, Thandie Newton, Shaquille O’Neal, Bill Gates and Anna Friel in countries as diverse as Ghana, Tanzania, Uganda, Azerbaijan, Switzerland and Nepal.

"Rinoceronte / Rhino" © Adrian Steirn

Más imágenes e información sobre Adrian en / More images and information about Adrian in:
Website, Wikipedia, Instagramfacebook

Imágenes publicadas con autorización (¡Muchas gracias, Harriet y Adrian!)
Images published here with permission (Thanks a lot, Harriet and Adrian!)


Thandi & Thembi

"Thandi y su cría / and her calf Thembi". Foto / Photo: Kariega / Angie Goody

"Thembi cumple 1 año / Turns One Year Old". Foto / Photo: Daniel Haesslich

Aniversarios (CL) [Noviembre / November 13-19]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 13 de Noviembre es el cumple de

John Byam Liston Shaw, conocido comúnmente como Byam Shaw, pintor, ilustrador, diseñador y profesor nacido en Madras, India británica, en 1872.

"La bendita / The Blessed Damozel", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 94 x 180 cm., 1895
Collection / Collection Guildhall Art Gallery

Su padre John era el secretario del Tribunal Superior de Madras. La familia regresó a Inglaterra en 1878 y se instalaron en Kensington. Pronto demostró ser una promesa artística, y en 1887 su trabajo fue demostrado a John Everett Millais, que recomendó que el 15-year-old debía entrar en la escuela del arte de St John's Wood. Allí conoció a otros artistas, Gerald Fenwick Metcalfe (también nacido en India) y Rex Vicat Cole. También conoció a Evelyn Pyke-Nott, su futura esposa. A partir de 1890, Shaw estudió en las escuelas reales de la academia donde ganó el Premio Armitage en 1892 por su obra "El juicio de Solomon".

"Mercado de duendes / Goblin Market", 29 x 24, 1899
Una de las 11 pinturas basadas en la poesía de Cristina Rossetti /
one of 11 paintings based on Christina Rossetti's poetry

"Now is Pilgrim Year Fair Autumn's Charge", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 85 x 119,5 cm.

A lo largo de su carrera Byam Shaw trabajó con competencia en una amplia variedad de medios incluyendo óleos, acuarelas, pasteles, pluma, tinta, y desplegó técnicas tales como el teñido y el dorado. Fue influenciado por los prerrafaelitas y tomó muchos de sus temas de los poemas de Rossetti. Exhibió con frecuencia en la galería Dowdeswell y Dowdeswell en New Bond Street, donde realizó al menos cinco exposiciones individuales entre 1896 y 1916.

"Mediodía tranquilo / Silent Noon", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1894

"Retrato de / Portrait of John Ernest Paul M.D (1867-1914)", pastel, 29,4 x 24,6 cm., 1909

Más tarde en su vida su popularidad como un artista se desvaneció, y se volvió a la enseñanza para ganarse la vida. Enseñó en el departamento de la mujer del King's College de Londres a partir de 1904 y en 1910, con Rex Vicat Cole, fundó la escuela del arte Byam Shaw y Vicat Cole, más adelante renombrada simplemente "Escuela de arte Byam Shaw". Evelyn Shaw, su esposa, tuvo un papel activo en la nueva escuela, enseñando en la clase de miniaturas, que era su especialidad. Shaw había tenido una larga asociación con la artista e ilustradora Eleanor Fortescue-Brickdale, que enseñó en la nueva escuela.
Shaw Murió en 1919.

"La mujer, el hombre y la serpiente / The Woman, The Man and The Serpent"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 182,3 x 121,3 cm.

Más sobre Byam Shaw en "El Hurgador" / More about Byam Shaw in this blog:
[Recolección (LVIII)]
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Oda Jaune (pintora búlgara / Bulgarian painter)
Roger Somville (pintor belga / Belgian painter)
Paul Giudicelli Palmieri (pintor dominicano / Dominican painter)


El 14 de Noviembre es el cumple de

Elisabeth Jean Frink, escultora y grabadora inglesa nacida en 1930.

"In memoriam I & II", bronce / bronze, modeladas en yeso / modelled in plaster, 127 cm., Ed. 6, 1981
En el jardín del Museo de Bellas Artes, Avenida del Museo /
in the garden of Museum of Fine Arts, Du Musée Avenue, west side, Montreal. Wikimdia Commons

Frink estudió en la Escuela de Arte de Guildford (ahora Universidad para las Artes Creativas) (1946-1949), con Willi Soukop, en la Chelsea School of Art (1949-1953). Parte de un grupo de escultores británicos de posguerra, llamado la escuela Geometría del Miedo / Geometry of Fear School, que incluía a Reg Butler, Bernard Meadows, Kenneth Armitage y Eduardo Paolozzi. Los temas de Frink incluían hombres, pájaros, perros, caballos y motivos religiosos, pero muy raramente la forma femenina. Bird (1952; Londres, Tate), una de sus varias esculturas de pájaros, y sus primeras piezas exitosas (también "Tres cabezas" y "Tradición figurativa"), con su postura alerta y amenazadora, caracteriza sus primeras obras.

"Búfalo echado / Lying Down Buffalo", bronce / bronze, a / h: 87,6 cm., Ed. 2, 1987
"Búfalo de pie / Standing Buffalo", bronce / bronze, a / h: 147 cm., Ed. 2, 1988
Parque de esculturas Yorkwhire / Yorkshire Sculpture Park (Wakefield, Reino Unido / UK)

"Cuarteto del desierto / Desert Quartet I"
Bronce / bronze, modelado en yeso / modelled in plaster, 130,8 x 124,5 x 87,6 cm., Ed. 6, 1989
Frink tituló esta serie monumental de 4 cabezas "Cuarteto del desierto" porque sentía que estaban relacionadas con sus sentimientos por la fuerza dinámica entre el espacio y la contención que experimentó cuando estuvo en el desierto de Túnez /
Frink entitled these monumenal series of 4 heads, Desert Quartet, because she felt they related to her feeling for the dynamic force between space and containment that she felt when in the Tunisian desert.

Aunque hizo muchos dibujos y grabados, es más conocida por sus esculturas al aire libre de bronce, que tiene un corte distintivo y una superficie trabajada. Estas se crean mediante la adición de yeso a una armadura, sobre la cual ella volvía a trabajar con un cincel y superposición. Este proceso contradice la esencia misma del "modelado de la forma" establecida en la tradición del modelado y definida por el manejo de la arcilla de Rodin.

"Gran perro / Large Dog", bronce / bronze, modelado en yeso / modelled in plaster, 90,2 cm., 1986

En la década de 1960 la continua fascinación de Frink con la forma humana se hizo evidente en una serie de figuras que caían y hombres alados. Mientras vivió en Francia (1967 a 1970), comenzó una serie de amenazantes, monumentales cabezas masculinas, conocidas como las "Cabezas de ojos desorbitados". Al regresar a Inglaterra, se centró en el desnudo masculino, de pecho de barril, con rasgos de máscara, miembros atenuados y una superficie picada, por ejemplo Running Man (1976, Pittsburgh, PA, Carnegie Musseum). Las esculturas de Frink, sus litografías y aguafuertes, creados como ilustraciones para libros, se basaban en arquetipos que expresaban la fuerza masculina, la lucha y la agresión.
Murió en 1993.

"Caballo / Horse", bronce / bronze, modelado en yeso / modelled in plaster, a / h: 274,3 cm., Ed. 3, 1980
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Louis Marcoussis (Ludwig Casimir Ladislas Markus) (pintor y grabador polaco /
Polish painter and printmaker)
Johann Ludwig Aberli (pintor y grabador suizo / Swiss painter and printmaker)
Sonia Delaunay (artista francesa / French artist)
Claude Monet (pintor francés / French painter)
Carlos Federico Sáez (pintor uruguayo / Uruguayan painter)
Heidi Taillefer (pintora canadiense / Canadian painter)


El 15 de Noviembre es el cumple de

James Edward Kelsey, escultor expresionista abstracto estadounidense nacido en 1964, conocido por crear grandes esculturas curvilíneas de acero inoxidable.
En 1977 su padre fue contratado por Bell Helicopter y se trasladó con su familia a Teherán, Irán. James se expuso por primera vez al concepto de arte abstracto mientras vivía en el Oriente Medio y experimentaba la naturaleza abstracta del arte islámico. Su familia abandonó el país en 1979 debido al inicio de la revolución iraní.

"Maqueta para escultura pública Nº 2/ Maquette for Public Sculpture #2"
Acero inoxidable / stainless steel, 18" x 18" x 6". Foto / Photo: James Kelsey

James descubrió su amor por crear arte en la escuela secundaria y experimentó con fotografía, taller de madera, cerámica y un curso corto en fundición de metales.
A los 18 años se convirtió en bombero en la Fuerza Aérea de los Estados Unidos y fue estacionado en Aviano, Italia. Mientras vivía allí, exploró gran parte del arte y la arquitectura del norte de Italia, Venecia y Pisa. Esta fue la primera vez que se reunió con pintores y escultores que trabajaban como artistas a tiempo completo.
En 1987 fue despedido honorablemente de la Fuerza Aérea. En lugar de producir arte, se inscribió en el Big Bend Community College en Moses Lake, Washington llevado por su amor por el vuelo.
Después de la universidad volvió a Seattle, Washington, con su socio y quien pronto sería su esposa, Misty Devin, a quien había conocido en la universidad y realizó una variedad de trabajos. Se divorció en 2006. En 1996 se trasladaron a Everett, Washington, por un trabajo de su compañera. Mientras estuvo allí escribía su novela no publicada "El último Icono". En 1998 volvieron a mudarse, esta vez a Bremerton, Washington.

Izq./ Left: "Corazón del Delta / Heart of the Delta", Colección privada / Private Collection
Der./ Right: "El ojo del que mira II / Eye of the Beholder II", 183 x 84 x 37 cm.

Al llegar a Bremerton, James decidió finalmente ignorar gran parte de los consejos que había escuchado a lo largo de su vida y perseguir su amor por el arte con el objetivo de convertirlo en una carrera. Se inscribió en el programa de soldadura del Colegio Olímpico. Al final del curso de dos años, había creado cuatro esculturas significativas incluyendo "Y ofreció la luna al cielo", su primera obra de arte público que se puede ver actualmente en el campus del Colegio Olímpico.
Mientras seguía tomando clases, consiguió un trabajo con una compañía local de fabricación de metales como su único soldador y perfeccionó sus habilidades mientras continuaba sus clases.
En 2002, James construyó su propio estudio en su propiedad en Port Orchard, Washington.

"Tsunami de acero / Tsunami in Steel", 2009. Richmond, British Columbia (Karat Townhomes), Canadá
Foto / Photo: James Kelsey
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Enrique Carbajal (Sebastián) (escultor mexicano / Mexican sculptor)
Hermann Ottomar Herzog (artista alemán / German artist)
Balthasar Denner (pintor alemán / German painter)


El 16 de Noviembre es el cumple de

Stephen Pearce, retratista y pintor de temas ecuestres británico nacido en 1819.
Fue instruido en la Academia de Sass en Charlotte Street, y en las escuelas de la Royal Academy, 1840.

"Autorretrato / Self-portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60,8 × 50,8 cm., principio de / early 1860s
National Portrait Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

En 1841 se convirtió en alumno de Sir Martin Archer Shee. De 1842 a 1846 se desempeñó como amanuense de Charles Lever, y luego visitó Italia. En 1839 y 1841 se expusieron pinturas suyas de caballos favoritos en las caballerizas reales (transferidas en 1825 al Palacio de Buckingham), y desde 1849, a su regreso de Italia, hasta 1885, aportó numerosos retratos y pinturas ecuestres a la Casa Burlington.

"Retrato de / Portrait of Joseph René Bellot", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 38,7 × 31,8 cm., 1851
National Portrait Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

"Sir Francis Beaufort", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50,5 x 40,6 cm., 1850
National Portrait Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

Su temprana amistad con el coronel John Barrow, guardián de los registros del almirantazgo, llevó a Pearce a un encargo para pintar "El Consejo Ártico discutiendo un plan de búsqueda de Sir John Franklin".
Pearce también fue ampliamente conocido como pintor de retratos de presentación ecuestre y grupos, el más importante de los cuales es el gran paisaje "Caza de liebres en Ashdown Park", completado en 1869.
Pearce se retiró del trabajo activo en 1888. Murió en 1904.

"El Consejo Ártico discutiendo un plan de búsqueda de Sir John Franklin
The Arctic Council planning a search for Sir John Franklin"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 117,5 x 183,3 cm., 1851
National Portrait Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

La expedición perdida de Franklin fue un viaje fallido de exploración británica del Ártico, dirigido por el capitán sir John Franklin, que partió de Inglaterra en 1845. Franklin y los 128 miembros de la tripulación murieron al quedar sus barcos atrapados en el hielo en el estrecho Victoria, cerca de la Isla del Rey Guillermo, en el ártico canadiense.
Presionado por la esposa de Franklin y por los familiares de los desaparecidos, el Almirantazgo inició en 1848 la búsqueda de la expedición perdida. Animadas en parte por la fama de Franklin - y en parte por la recompensa ofrecida por el Almirantazgo - muchas expediciones se lanzaron a su búsqueda, siendo así que durante cierto período de 1850 participaban en la búsqueda once buques británicos y dos norteamericanos. Varios de estos buques convergieron en la costa este de la isla Beechey, donde se encontraron los primeros vestigios de la expedición, incluyendo las tumbas de tres tripulantes. Wikipedia.

Franklin's lost expedition was a British voyage of Arctic exploration led by Captain Sir John Franklin that departed England in 1845. After a few early fatalities, the two ships became icebound in Victoria Strait near King William Island in the Canadian Arctic. The entire expedition, 129 men including Franklin, was lost.
Pressed by Franklin's wife, Jane, Lady Franklin, and others, the Admiralty launched a search for the missing expedition in 1848. Prompted in part by Franklin's fame and the Admiralty's offer of a finder's reward, many subsequent expeditions joined the hunt, which at one point in 1850 involved eleven British and two American ships. Several of these ships converged off the east coast of Beechey Island, where the first relics of the expedition were found, including the graves of three crewmen. Wikipedia.
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Gerardo Chávez López (artista peruano / Peruvian artist)
Charles M. Wysocki Jr. (pintor estadounidense / American painter)
Agustín de Riancho Gómez de la Mora (pintor español / Spanish painter)


El 17 de Noviembre es el cumple de

Pierre Mignard, llamado "Le Romain" para distinguirlo de su hermano Nicolás Mignard, fue un pintor francés nacido en 1612 en Troyes.
Provenía de una familia de artistas; también debe distinguirse de su sobrino Pierre (1640-1725), a menudo llamado "Pierre II" o "Le Chevalier".

"Autorretrato / Self-portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 235 × 188 cm., entre / between 1670 - 1690
Musée du Louvre (París, Francia / France). Wikimedia Commons

"La vierge aux raisins / La Vírgen de las uvas / The virgin of the Grapes"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 121 x 94 cm., s.XVII / 17th century
Musée du Louvre (París, Francia / France). Wikimedia Commons

En 1630 dejó el estudio de Simon Vouet por Italia, donde pasó veintidós años, y se hizo una reputación que le trajo una convocatoria a París. Habiendo conseguido el favor del rey Luis XIV, Mignard se enfrentó a Charles Le Brun y se negó a entrar en la Academia de la que Le Brun era la cabeza. También se opuso a la autoridad de la Academia.

"La muerte de Cleopatra / The Death of Cleopatra", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 97,8 × 134 cm., c.1635
National Trust, Knole. Wikimedia Commons

Pasaba la mayor parte de su tiempo pintando retratos. Entre sus modelos estaban Turenne, Molière, Bossuet, Maintenon (en el Louvre), La Vallière, Sévigné, Montespan, Descartes (en el castillo Howard).
Con la muerte de Le Brun en 1690, la situación cambió. Mignard tuvo éxito en todos los puestos ocupados por su oponente. Murió en 1695 en París cuando estaba a punto de comenzar a trabajar en la cúpula de los Inválidos. Sus mejores composiciones han sido grabadas por Audran, Edelinck, Masson, Poilly y otros.

"San Juan Bautista / St. John the Baptist", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 147 x 109 cm., 1688
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

"La Delivrance d'Andromede / La liberación de Andrómeda / The Deliverance of Andromeda"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 150 x 198 cm., 1679
Musée du Louvre (París, Francia / France)

Hay una buena selección de obras de Pierre, Nicolas y Pierre II en Avignon en el Musée Calvet. El Museo Courtauld de Arte (Londres), los Museos de Arte de la Universidad de Harvard, el Museo Hermitage, el Museo de Arte de Honolulu, Kunst Indeks Danmark, el Louvre, el Musée d'Art et d'Histoire (Ginebra), Musée des Augustins Museo de Bellas Artes, Houston, Galería Nacional, Londres, Galería Nacional de Retratos, Londres, Museo de Arte de Carolina del Norte, Museo de Arte de Portland (Museo de Arte de Portland), Museo Ingres (Montauban, Francia) Y Versalles están entre las colecciones públicas que sostienen las obras de Pierre Mignard.
Murió en 1695.

"Portrait de / Retrato de / Portrait of Jean-Baptiste Poquelin (Molière)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 55 x 48,5 cm., c.1658
Retrato pintado en Aviñón, después del cual ambos artistas mantuvieron una duradera amistad /
Portrait of Molière painted at Avignon, after which the two artists formed a lasting friendship.
Musée Condé (Château Chantilly, Francia / France)

Más sobre Mignard en "El Hurgador" / More about Mignard in this blog:
[Recolección (VII)]
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Albert Bertelsen (pintor danés / Danish painter)
Lola Mora (Dolores Candelaria Mora Vega de Hernández) (escultora argentina / Argentine painter)
Arman (Armand Fernández) (artista estadounidense / American artist)
Agnolo di Cosimo (Il Bronzino) (pintor italiano / Italian painter)


El 18 de Noviembre es el cumple de

Percy Wyndham Lewis, pintor y autor inglés nacido en 1882.
Fue co-fundador del movimiento artístico llamado Vorticismo, editó la revista literaria de los vorticistas, BLAST.

"Ezra Pound", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76,2 x 101,6 cm., 1939
© Wyndham Lewis and the estate of Mrs G A Wyndham Lewis
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

Residiendo sobre todo en Londres a partir de 1908, Lewis publicó su primer trabajo (historias de sus viajes por Bretaña) en Ford Madox Ford's The English Review, en 1909. Fue miembro fundador del Camden Town Group en 1911. En 1912 exhibió sus ilustraciones Cubo -Futuristas para Timón de Atenas (más tarde publicado como portafolio; la propuesta edición de la obra de Shakespeare nunca se materializó) y tres pinturas al óleo importantes en la segunda exposición Post-impresionista. Esto lo puso en contacto cercano con el Grupo Bloomsbury, en particular con Roger Fry y Clive Bell, con quienes pronto se apartó. En 1912 fue encargado de producir un mural decorativo, una cortina de gotas y más diseños para "La cueva del becerro de oro", un cabaret de vanguardia y discoteca en la calle Heddon de Londres.

"La rendición de Barcelona / The Surrender of Barcelona", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 83,8 x 59,7 cm., 1934-7
© Wyndham Lewis and the estate of Mrs G A Wyndham Lewis
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

Fue en los años 1913-15 que desarrolló el estilo de abstracción geométrica por el que es más conocido hoy en día, un estilo que su amigo Ezra Pound llamó "vorticismo".
Después de ser mejor conocido por su escritura que por su pintura en los años '20 y principios de los años '30, volvió a un trabajo más concentrado en artes visuales, y las pinturas de los años '30 y los años '40 constituyen algunas de sus obras más conocidas. "La rendición de Barcelona" (1936-37) hace una declaración significativa sobre la guerra civil española.
Lewis escribió 40 libros. Murió en 1957.

"Edith Sitwell", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 86,4 x 111,8 cm., 104,1 x 130 x 8,5 cm., 1923-35
© Wyndham Lewis and the estate of Mrs G A Wyndham Lewis
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Walter Seymour Allward (escultor canadiense / Canadian sculptor)
Endre Rozsda (pintor húngaro-francés / Hungarian-French painter)
Jean Paul Lemieux (pintor canadiense de Quebec / Canadian Quebecoise painter)
David Wilkie (pintor escocés / Scottish painter)
Louis Daguerre (fotógrafo y pintor francés / French photographer and painter)
Bruce Conner (pintor, fotógrafo y director estadounidense / American painter, photographer and director)


Hoy, 19 Noviembre, es el cumple de

Knut Steen, escultor noruego nacido en 1924.
Steen nació en Oslo pero vivió en Italia desde 1973 hasta su muerte.

"Espiral / Spiral", mármol / marble

Steen es quizás mejor conocido por su trabajo en la Academia Nacional Noruega de Bellas Artes junto con el escultor danés Per Palle Storm. En 2000 fue encargado de crear una estatua del rey Olav V de Noruega, que se convirtió en el tema de gran controversia. Con un coste de NOK 2 millones (US $ 317.000), Steen basó su estatua en una foto del rey en traje militar y lo representó en una actitud seria con su brazo derecho levantado. Esto provocó la ira de los críticos, que la compararon con estatuas similares de dictadores. Eventualmente, el Ayuntamiento de Oslo rechazó el trabajo, y la estatua fue instalada más tarde en Gulen.

"Diana", mármol / marble

"Hvalfangstmonumentet / Monumento a los Balleneros / Whaling Monument", Sandefjord.
Inaugurado / Inaugurated 1960. Foto / Photo: 2006. Wikimedia Commons

Un museo dedicado a su obra se inauguró en Sandefjord en 2009. La manager e hija de Steen, Hege Steen, dijo: "Nos alegramos de haber podido reunir varias obras de Knut en un lugar de su país natal".
Murió en 2011.
Website, Wikipedia (en inglés)

"Elg / Alce / Moose", hormigón / concrete, Ammerud, 1967

"Rudolf Nilsen", bronce / bronze, Oslo, 1953. Oslo Daily Photo Blog
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Juan Carlos Castagnino (pintor, arquitecto y dibujante argentino /
Argentine painter, architact and draftsman)
Karl Albert Bertel Thorvaldsen (escultor danés / Danish sculptor)
Eustache Le Sueur o Lesueur (pintor francés / French painter)


Textos en inglés / English translation

On November 13 is the birthday of

John Byam Liston Shaw, commonly known as Byam Shaw, British painter, illustrator, designer and teacher born in Madras, British India, in 1872.
Byam Shaw's father John was the registrar of the High Court at Madras. The family returned to England in 1878 where they settled in Kensington. He showed early artistic promise, and in 1887 his work was shown to John Everett Millais, who recommended that the 15-year-old should enter the St John's Wood Art School. There, he first met fellow artists Gerald Fenwick Metcalfe (also born in India) and Rex Vicat Cole. He also met Evelyn Pyke-Nott, his future wife, there. From 1890, Shaw studied at the Royal Academy Schools where he won the Armitage Prize in 1892 for his work The Judgement of Solomon.
Throughout his career Byam Shaw worked competently in a wide variety of media including oils, watercolour, pastels, pen and ink and deployed techniques such as dyeing and gilding. He was influenced by the Pre-Raphaelites and took many of his subjects from the poems of Rossetti. He exhibited frequently at Dowdeswell and Dowdeswell's gallery in New Bond Street, where he had at least five solo exhibitions between 1896 and 1916.
Later in his life his popularity as an artist waned,and he turned to teaching for his living. He taught at the Women's Department of King's College London from 1904 and in 1910, with Rex Vicat Cole, he founded the Byam Shaw and Vicat Cole School of Art later renamed simply the "Byam Shaw School of Art". Evelyn Shaw, his wife, had an active role in the new school, teaching the miniatures class, her area of expertise. Shaw had had a long association with the artist and illustrator Eleanor Fortescue-Brickdale, who taught at the new school.
Shaw died in 1919.

On November 14 is the birthday of

Dame Elisabeth Jean Frink, English sculptor and printmaker born in 1930.
Frink studied at the Guildford School of Art (now the University for the Creative Arts) (1946–1949), under Willi Soukop, at the Chelsea School of Art (1949–1953). Part of a post war group of British sculptors, dubbed the Geometry of Fear school - that included Reg Butler, Bernard Meadows, Kenneth Armitage and Eduardo Paolozzi. Frink’s subject matter included men, birds, dogs, horses and religious motifs, but very seldom any female forms. Bird (1952; London, Tate), one of a number of bird sculptures, and her first successful pieces (also Three Heads and the Figurative Tradition) with its alert, menacing stance, characterizes her early work.
Although she made many drawings and prints, she is best known for her bronze outdoor sculpture, which has a distinctive cut and worked surface. This is created by her adding plaster to an armature, which she then worked back into with a chisel and surform. This process contradicts the very essence of "modeling form" established in the modeling tradition and defined by Rodin's handling of clay.
In the 1960s Frink’s continuing fascination with the human form was evident in a series of falling figures and winged men. While living in France from 1967 to 1970, she began a series of threatening, monumental male heads, known as the goggled heads. On returning to England, she focused on the male nude, barrel-chested, with mask-like features, attenuated limbs and a pitted surface, for example Running Man (1976; Pittsburgh, PA, Carnegie Mus. A.). Frink’s sculpture, and her lithographs and etchings created as book illustrations, drew on archetypes expressing masculine strength, struggle and aggression.
She died in 1993.

On November 15 is the birthday of

James Edward Kelsey, American Abstract Expressionist sculptor born in 1964, best known for creating large stainless steel abstract curvilinear sculptures.
In 1977 his father was hired by Bell Helicopter and moved his family to Tehran, Iran. James was first exposed to the concept of abstract art while living in the Middle East and experiencing the abstract nature of Islamic art.
His family left Iran in 1979 due to the onset of the Iranian revolution.
James discovered his love of creating art in junior high school and experimented with photography, wood shop, ceramics, and a short course in metal casting. 
At 18 years old, he became a firefighter in the United States Air Force and was stationed in Aviano, Italy. While living there, he explored much of the art and architecture of Northern Italy, Venice, and Pisa. This is also the first time he met men and women working as full-time artists both has painters and sculptors.
In 1987, he was honorably discharged from the Air Force. Instead of producing art, he enrolled at Big Bend Community College in Moses Lake, Washington to pursue his love of flying.
After College, James moved back to Seattle, Washington with his partner and soon-to-be wife, Misty Devin whom he had met in College and took a variety of jobs (divorced in 2006). In 1996 they moved to Everett, Washington for his partner’s job and while there wrote his yet-unpublished novel, The Last Icon. In 1998 they again moved, this time to Bremerton, Washington.
Upon arriving in Bremerton, James decided to finally ignore much of the advice he had heard throughout his life and pursue his love of art with the goal of making it a career. He enrolled in the welding program at Olympic College. By the end of the two-year program, he had created four significant sculptures including “And He Offered the Moon To the Sky”, his first piece of public art which can currently be seen on the Olympic College campus.
While still taking classes, he secured a job with a local metal fabrication company as their sole welder and honed his skills while continuing his classes.
In 2002, James built his own studio on his property in Port Orchard, Washington.

On November 16 is the birthday of

Stephen Pearce, British portrait and equestrian painter born in 1819.
He was trained at Sass's Academy in Charlotte Street, and at the Royal Academy schools, 1840, and in 1841 became a pupil of Sir Martin Archer Shee. From 1842 to 1846, he acted as amanuensis to Charles Lever, and he afterwards visited Italy. Paintings by him of favourite horses in the royal mews (transferred in 1825 to Buckingham Palace) were exhibited at the Royal Academy in 1839 and 1841, and from 1849, on his return from Italy, till 1885 he contributed numerous portraits and equestrian paintings to Burlington House.
Early friendship with Colonel John Barrow, keeper of the admiralty records, brought Pearce a commission to paint 'The Arctic Council discussing a plan of search for Sir John Franklin.'
Pearce was also widely known as a painter of equestrian presentation portraits and groups, the most important of which is the large landscape 'Coursing at Ashdown Park,' completed in 1869.
Pearce retired from active work in 1888. He died in 1904.

On November 17 is the birthday of

Pierre Mignard, called "Le Romain" to distinguish him from his brother Nicolas Mignard, was a French painter born in 1612 at Troyes.
He came of a family of artists; he also needs to be distinguished from his nephew Pierre (1640–1725), often called "Pierre II" or "Le Chevalier".
In 1630 he left the studio of Simon Vouet for Italy, where he spent twenty-two years, and made a reputation which brought him a summons to Paris. Having found favor with the king, Louis XIV, Mignard pitted himself against Charles Le Brun and declined to enter the Academy of which Le Brun was the head. Mignard also opposed the authority of the Academy.
Mignard spent most of his time painting portraits. Among his models were Turenne, Molière, Bossuet, Maintenon (in the Louvre), La Vallière, Sévigné, Montespan, Descartes (in Castle Howard).
With the death of Le Brun in 1690, the situation changed. Mignard succeeded to all the posts held by his opponent. He died in 1695 at Paris as he was about to begin work on the cupola of the Invalides. His best compositions have been engraved by Audran, Edelinck, Masson, Poilly and others.
There is a good selection of works by Pierre, Nicolas, and Pierre II in Avignon at the Musée Calvet. The Courtauld Institute of Art (London), Harvard University Art Museums, the Hermitage Museum, the Honolulu Museum of Art, Kunst Indeks Danmark, the Louvre, Musée d'Art et d'Histoire (Geneva), Musée des Augustins (Toulouse, France), Musée Ingres (Montauban, France), Museo Lombardi (Parma, Italy), the Museum of Fine Arts, Houston, the National Gallery, London, the National Portrait Gallery, London, the North Carolina Museum of Art, the Portland Art Museum and Versailles are among the public collections holding works by Pierre Mignard.
He died in 1695.

On November 18 is the birthday of

Percy Wyndham Lewis, English painter and author born in 1882.
He was a co-founder of the Vorticist movement in art, and edited the literary magazine of the Vorticists, BLAST.
Mainly residing in London from 1908, Lewis published his first work (accounts of his travels in Brittany) in Ford Madox Ford's The English Review in 1909. He was a founder-member of the Camden Town Group in 1911. In 1912 he exhibited his Cubo-Futurist illustrations to Timon of Athens (later issued as a portfolio, the proposed edition of Shakespeare's play never materialising) and three major oil paintings at the second Post-Impressionist exhibition. This brought him into close contact with the Bloomsbury Group, particularly Roger Fry and Clive Bell, with whom he soon fell out. In 1912 he was commissioned to produce a decorative mural, a drop curtain, and more designs for The Cave of the Golden Calf, an avant-garde cabaret and nightclub on London's Heddon Street.
It was in the years 1913-15 that he developed the style of geometric abstraction for which he is best known today, a style which his friend Ezra Pound dubbed "Vorticism."
After becoming better known for his writing than his painting in the 1920s and early 1930s, he returned to more concentrated work on visual art, and paintings from the 1930s and 1940s constitute some of his best-known work. The Surrender of Barcelona (1936-37) makes a significant statement about the Spanish Civil War.
Lewis wrote 40 books. He died in 1957.

Today, November 19, is the birthday of

Knut Steen, Norwegian sculptor born in 1924.
Steen was born in Oslo but lived in Italy from 1973 until his death.
Steen is perhaps best known for his work on the Norwegian National Academy of Fine Arts in conjunction with the Danish sculptor Per Palle Storm. In 2000, he was commissioned to create a statue of King Olav V of Norway, which became the subject of great controversy. At a cost of NOK 2 million (US$317,000), Steen based his statue on a photo of the king in military garb and depicted him in a serious pose with his right arm raised. This drew the ire of critics, who compared it with similar statues of dictators. Eventually, the Oslo City Council rejected the work, and the statue was later installed in Gulen.
A museum dedicated to his work opened in Sandefjord in 2009. Steen's manager and daughter, Hege Steen, said "We are glad that it has been possible to bring several of Knut’s works together at one place in his native country".
He died in 2011.

Aniversarios Fotografía (CL) [Noviembre / November 14-20]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 14 de Noviembre es el cumple de

Benjamin Von Wong, personalidad online y fotógrafo conceptual canadiense nacido en 1986 en Toronto, conocido por su estilo de arte hiperrealista.
Actualmente es embajador de Wacom, embajador de Broncolor GenNext y fotógrafo de Fujifilm X. También es notable por la creación de varias campañas en medios sociales, incluyendo la más financiada GoFundMe campaña que recaudó más de USD $ 2M para Eliza O'Neill, una víctima del síndrome de Sanfilippo.

"Retratos de lava / Lava Portraits" - Modelo / Model: Tau Samuels. Blog

Wong es hijo de Sing Wong y Jeanette Kho, ambos inmigrantes chinos de Malasia en Canadá. Estudió ingeniería y se graduó en la Universidad McGill en 2008, con un título en Ingeniería de Minas.
Comenzó su carrera trabajando para Golder Associates como ingeniero de planificación y diseñador de minas subterráneas. En 2012 dejó la ingeniería para convertir su pasión por la fotografía en una carrera a tiempo completo.
En 2013 colaboró ​​con Nikon y el músico Andrew Kesler para producir la Sinfonía de Nikon. En 2014 fue uno de los artistas presentados semanales en Flickr por su fotografía submarina tomada en el naufragio de Tulamben en Bali, Indonesia.
Actualmente se centra en trabajos de conservación y el impacto de la agricultura en el cambio climático.

"Pastora de tiburones / Sharkshepherd" - Modelo / Model: Amber Bourke. Blog

Wong fue contratado por el fabricante de teléfonos celulares Huawei para demostrar las capacidades de su cámara de teléfono celular P8. El resumen creativo incluyó tomar una imagen de un modelo en vivo rodeado de fuego, y no se utilizó Photoshop u otro software de edición de imágenes. En este proyecto Wong combinó las artes visuales con la pirotecnia a partir de su experiencia en ingeniería de minería.

"Superhéroes de la vida real / Real Life Superheroes". Blog
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Michael Busselle (fotógrafo y escritor inglés / English photographer and writer)
Fritz Gunter Sachs (fotógrafo, autor, industrial e investigador alemán /
German photographer, author, industrialist and researcher)
Jack Smith (cineasta, actor y pionero del cine subterráneo /
American filmmaker, actor, and pioneer of underground cinema)


El 15 de Noviembre es el cumple de

François Benveniste, fotógrafo francés especializado en desnudo femenino.

"Amigas / Friends", modelos / models: Anwen & Trixie Ds

"Regeneración / Regeneration", modelo / model: Trixie Ds

En su sitio web se puede disfrutar de una galería inmensa con cientos de fotografías de excelente calidad. Su pasión por la fotografía comenzó cuando tenía unos 55 años, y comenzó fotografiando piedras viejas, iglesias y monumentos.

"Filtro de luz / Light Filter", modelo / model: Ziggy

"Diálogo de una mujer con la luz / Dialog of a Woman With Light"

François vive y trabaja en Boulogne y ha publicado varios libros con su obra. El último, "Nus Exquis & Salade de Mots / Desnudos exquisitos y ensalada de palabras", presenta 240 fotografías de 12 modelos tomadas a lo largo de 10 años de trabajo.

"Sin título / Untitled", modelo / model: Jodie

Más sobre Benveniste en "El Hurgador" / More about Benveniste in this blog:
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Joan Vilatobà i Fígols (fotógrafo español (catalán) / Spanish (Catalan) photographer)
Indalecio Ojanguren Arrillaga (fotógrafo español / Spanish photographer)
Mamuka Kikalishvili (fotógrafo georgiano / Georgian photographer)


El 16 de Noviembre es el cumple de

Fiona Margaret Hall, fotógrafa artística y escultora australiana nacida en 1953, que se crió en Oatley, Sydney. Hall representó a Australia en la 56ª Exposición Internacional de Arte en la Bienal de Venecia en 2015.

Libro I: Prefacio / Book I: Preface, de / from Historia Non-Naturalis, Polaroid, 53 x 68 cm., 1991

Fiona fue llevada a ver la exposición "Dos décadas de pintura estadounidense / Two Decades of American Painting" en la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur a los 14 años, y allí desarrolló su interés por el arte.
Se abrió paso en la escena del arte experimental de principios de los años setenta en Sydney, una época en que las convenciones del arte moderno estaban siendo radicalmente desafiadas. Esto incluía objeciones a las formas clásicas de pintura y escultura que conducían al uso de artículos cotidianos y otras expresiones del arte, por ejemplo la fotografía. Tras obtener un Diploma de Pintura en la East Sydney Technical School (ESTS), Hall se centró en la fotografía.

Libro IV: Geografía / Book IV: Geography, de / from Historia Non-Naturalis, Polaroid , 68 x 53 cm., 1991

La Escuela Nacional de Arte no ofrecía cursos de fotografía en ese momento, pero Hall se convirtió en una fotógrafa competente gracias a la tutoría de su profesor de pintura en ESTS. Exhibió fotografías como parte de la exposición colectiva "Pensamientos e Imágenes: Una exposición exploratoria de la fotografía de estudiantes australianos" en 1974. Hall se graduó de ESTS en 1975.
Viajó a Europa, residiendo en Inglaterra durante dos años, y montó su primera exposición individual en 1977 en la London's Creative Camera Gallery. Regresó fugazmente a Australia en 1978 para visitar a su madre enferma. Exhibió su primera exposición individual australiana en el Church Street Photography Centre, Melbourne, y luego se mudó a Estados Unidos.

Divina Comedia, Paraíso, canto VIII: La esfera de Venus /
Divine Comedy, Paradise, canto VIII, The Sphere of Venus, Polaroid, 1988

Divina Comedia, Purgatorio, canto XI: El orgullo /
Divine Comedy Purgatory, canto XI: The Proud, Polaroid, 1988

En la década de 1990 la Galería Nacional de Australia mostró gran interés en su obra, adquiriendo varias piezas y celebrando una exposición titulada "El Jardín de las Delicias Terrenales: El arte de Fiona Hall", que duró cuatro meses durante 1992-1993. Para completar la transición de Hall de fotógrafa a escultora, la fotografía de tamaño mayor al natural de su padre en "Give a Dog a Bone" fue la última que exhibió.

Siete pecados capitales, Gula / Seven Deadly Sins, Gluttony, Polaroid, 1985

"Dale un hueso a un perro / Give a Dog a Bone"
fotografía, jabón moldeado y tallado, cajas de cartón de supermercados, lata de Coca Cola, bolsa de la compra, botella de perfume "Eau Savage" de Christian Dior /
photograph, carved and moulded soap, cardboard supermarket carton, Coca-Cola can, shopping bag, Christian Dior ‘Eau Sauvage’ perfume bottle
dimensiones variables / dimensions variable

"Dale un hueso a un perro / Give a Dog a Bone" (foto del padre de Fiona / Fiona's father picture)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Walter Boje (fotógrafo alemán / German photographer)
Alfonso Sánchez Portela (fotógrafo español / Spanish photographer)
Horace Bristol (fotógrafo estadounidense / American photographer)


El 17 de Noviembre es el cumple de

Sarah Moon, anteriormente conocida como Marielle Warin, fotógrafa francesa nacida en 1941.
Más imágenes e información en el post previo.

"El reloj / The Clock", copia tonal a la gelatina de plata / toned gelatin silver print, 32,4 x 26,7 cm., 1999. Phillips
© Sarah Moon

"Homage à / Homenaje a / Tribute to Rackham"
Copia tonal a la gelatina de plata / toned gelatin silver print, 50 x 60 cm., 2001. Ed. 20 © Sarah Moon

"Le bain de pied / Baño de pies / The Foot Bath"
Copia de pigmentos a color / colour pigment print, 57 x 74 cm., 1998. Ed. 15 © Sarah Moon

Más sobre Sarah Moon en "El Hurgador" / More about Sarah Moon in this blog:
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

August Sander (fotógrafo alemán / German photographer)
Robert Stivers (fotógrafo estadounidense / American photographer)
Geoff Moore (fotógrafo y director estadounidense / American photographer and director)


El 18 de Noviembre es el cumple de

Grigory Demchenko (Григорий Демченко), fotógrafo ruso nacido en 1967, que trabaja desde San Petersburgo. 
Más imágenes e información en el post previo.

"Стрела / Flecha / Arrow"

"Музыка грез. Флажолет / La música de los sueños / Music of dreams. Flageolet"

"Irina 1"

"Katya"

Más sobre Demchenko en "El Hurgador" / More about Demchenko in this blog:
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Louis-Jacques-Mande Daguerre (fotógrafo, daguerrotipista, pintor y decorador teatral francés /
French photographer, daguerrotypist, painter and theatre decorator)
Linda Connor (fotógrafa estadounidense / American photographer)
Bruce Conner (artista estadounidense / American artist)


El 19 de Noviembre es el cumple de

Antoine d'Agata, fotógrafo y director de cine francés nacido en Marsella en 1961.
Dejó Francia en 1983 para iniciar una serie de viajes. Estudió fotografía en el Centro Internacional de Fotografía de la Ciudad de Nueva York en 1990, bajo la tutela de Larry Clark y Nan Goldin.

Alemania, Hamburgo / Germany, Hamburg, 1998 © Antoine d' Agata/Magnum Photos

Guatemala, Puerto Nuevo © Antoine d' Agata/Magnum Photos

En 2001 ganó el Premio Niépce para jóvenes fotógrafos. Ha sido miembro de Magnum Photos desde 2008. Ha publicado más de una docena de libros y tres películas.
En 2009 Tommaso Lusena y Giuseppe Schillaci lanzaron una película documental sobre D'Agata llamada "La habitación camboyana: Situaciones con Antoine D'Agata".

México, 2000 © Antoine d' Agata/Magnum Photos

México, Nuevo Laredo, 1991 © Antoine d' Agata/Magnum Photos

El trabajo de D'Agata se refiere a la adicción, el sexo, las obsesiones personales, la oscuridad, la prostitución y otros temas ampliamente considerados tabú. A menudo utiliza sus propias experiencias vitales como fuente. "Mi intimidad está muy vinculada a mi trabajo, y mi trabajo depende mucho de mis experiencias íntimas del mundo. Todo está entrelazado".

México, Nuevo Laredo © Antoine d' Agata/Magnum Photos

Nijni Novgorod, Rusia / Russia, 2002 © Antoine d' Agata/Magnum Photos
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Irving Klaw (fotógrafo y cineasta estadounidense / American photographer and filmmaker)
Emory Kristof (fotógrafo estadounidense / American photographer)
Manfred W. Jürgens (pintor y fotógrafo / painter and photographer)


Hoy, 20 Noviembre, es el cumple de

Jim Lee, fotógrafo y director de cine británico nacido en Londres en 1945.

"Chaise Longue", 1971

Fotógrafo de moda para revistas durante fines de los años sesenta y los setenta, trabajó estrechamente con Anna Wintour, redactora en jefe de Vogue, en Londres y Nueva York, fotografiando moda y publicidad. Pasó a dirigir películas a finales de los setenta, creando cientos de anuncios de televisión y trabajando en varios largometrajes. Sus fotografías tempranas forman parte de la colección permanente del Museo Victoria y Albert y de los archivos del Museo de Arte Multimedia de Moscú.

"Pluma. Satisfecha / Feather. Satisfied", 2002

"Playa de Kenya / Kenya Beach", 1970

Un libro sobre la obra de su vida titulado "Jim Lee / Arrested" fue lanzado en mayo de 2012 junto con una exposición de fotografías del libro en Somerset House, Londres. La obra de Lee se exhibe regularmente en galerías de arte de todo el mundo y continúa colaborando en campañas imaginativas, además de desarrollar sus propios proyectos creativos.

"Lilly", 1977

En septiembre de 2015, el nuevo libro autobiográfico de Lee, "La vida en blanco y negro / Life in B&W", fue lanzado por Quartet en el Groucho Club de Londres.

"Regreso / Return", 1975
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Miroslav Tichý (fotógrafo checo / Czech photographer)
David Seymour (Szymin) (conocido como / known as 'Chim') (fotógrafo polaco / Polish photographer)
Ricky Powell (fotógrafo estadounidense / American photographer)


Textos en inglés / English translation

On November 14 is the birthday of

François Benveniste, French photographer specialized in female nude.
In his website you can enjoy an immense gallery with hundreds of excellent quality photographs. His passion for photography began when he was about 55 years old, and began photographing old stones, churches and monuments.
François lives and works in Boulogne and has published several books with his work. The latter, "Nus Exquis & Salade de Mots / Exquisite Nudes and Word Salad", presents 240 photographs of 12 models taken over 10 years of work.

On November 15 is the birthday of

Benjamin Von Wong, online personality and conceptual photographer born in 1986 in Toronto, Canada, known for his hyper-realist art style.
He is currently a Wacom Ambassador, Broncolor GenNext Ambassador and Fujifilm X photographer. He is also notable for creating several viral Social Media campaigns, including the most funded GoFundMe campaign which raised over USD $2M for Eliza O'Neill, a sufferer of Sanfilippo syndrome.
Wong is the son of Sing Wong and Jeanette Kho, both Malaysian Chinese immigrants to Canada. He studied engineering and graduated from McGill University in 2008, with a degree in Mining Engineering.
He began his career working for Golder Associates as an underground mine planning and design engineer. In 2012, he left engineering to turn his passion for photography into a full-time career.
In 2013, he collaborated with Nikon and musician Andrew Kesler to produce the Nikon Symphony. In 2014, he was one of Flickr's weekly featured artists for his underwater photography taken in the Tulamben shipwreck in Bali, Indonesia.
Currently, he is focused on conservation work and the impact of agriculture on climate change.
Wong was hired by cell phone manufacturer Huawei to demonstrate the capabilities of its P8 cell phone camera. The creative brief included taking an image of a live model surrounded by fire, and no use of Photoshop or other image editing software was allowed. In this project Wong combined visual arts with pyrotechnics from his mining engineering experience.

On November 16 is the birthday of

Fiona Margaret Hall, Australian artistic photographer and sculptor born in 1953, who grew up in Oatley, Sydney. Hall represented Australia in the 56th International Art Exhibition at the Venice Biennale in 2015.
She Fiona was taken to see the exhibition Two Decades of American Painting at the Art Gallery of New South Wales at age 14, which developed her interest in art.
She wound her way into the experimental art scene of early seventies Sydney, a time when the conventions of modern art were being radically challenged. This included objections to the classical forms of painting and sculpture leading to the use of everyday items and other expressions of art e.g. photography. During a stint with a Diploma of Painting at the East Sydney Technical School (ESTS), Hall settled into photography.
The National Art School did not offer a course in photography at this time, but Hall became a competent photographer thanks to mentoring from her painting teacher at ESTS. Hall exhibited photographs as part of the Thoughts and Images: An Exploratory Exhibition of Australian Student Photography group exhibition in 1974. Hall graduated from ESTS in 1975.
She journeyed to Europe, residing in England for two years, and mounted her first solo exhibition in 1977 at London's Creative Camera Gallery. Hall briefly returned to Australia in 1978 to visit her mother and to cure her mother's illness. She displayed her first Australian solo exhibition at Church Street Photography Centre, Melbourne then moved to the United States.
In the 1990s, the National Gallery of Australia took a keen interest in Halls work, buying several pieces and hosting an exhibition titled The Garden of Earthly Delights: The Art of Fiona Hall which ran for four months over 1992–1993. To complete Hall's transition from photographer to sculptor, the larger than life photograph of her father in Give a Dog a Bone is the last photograph she exhibited.

On November 17 is the birthday of

Sarah Moon, previously known as Marielle Warin, French photographer born in 1941.
More images and information in previous post.

On November 18 is the birthday of

Grigory Demchenko (Григорий Демченко), Russian photographer born in 1967, based in St. Petersburg.
More images and information in previous post.

On November 19 is the birthday of

Antoine d'Agata, French photographer and film director born in Marseille in 1961.
He left France in 1983 to start a series of travels. He studied photography at the International Center of Photography of New York City in 1990, under the tutelage of Larry Clark and Nan Goldin.
In 2001 D'Agata won the Niépce Prize for young photographers. He has been a full member of Magnum Photos since 2008. He has published more than a dozen books and three films.
In 2009 Tommaso Lusena and Giuseppe Schillaci released a documentary film about D'Agata called The Cambodian Room: Situations with Antoine D'Agata.
D'Agata's work deals with addiction, sex, personal obsessions, darkness, prostitution, and other topics widely considered taboo. He often uses his own life experiences as source material. "My intimacy is linked so much to my work, and my work depends so much on my intimate experiences of the world. It’s all intermingled."

Today, November 20, is the birthday of

Jim Lee, British photographer and film director born in London in 1945.
A fashion photographer for magazines during the late sixties and seventies, he worked closely with Vogue editor-in-chief Anna Wintour in London and New York on fashion and advertising shoots. He switched to film directing in the late seventies, creating hundreds of television commercials as well as working on several full-length feature films. His earlier photographs form part of the permanent collection at the Victoria and Albert Museum, with additional photographs in the archives of The Multimedia Art Museum, Moscow. A book of his life's work entitled Jim Lee / Arrested was launched in May 2012 alongside an exhibition of photographs from the book at Somerset House, London. Lee's work is regularly exhibited at art galleries around the world, and he continues to collaborate on imaginative campaigns, in addition to developing his own creative projects.
In September 2015, Lee's new autobiographical book LIFE IN B&W was released by Quartet at the Groucho Club in London.

Anders Petersen (II) [Fotografía]

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Las fotografías de Anders Petersen detienen al espectador gracias a una rara intensidad. Ya sea por los personajes singulares, situaciones incómodas, encuadres insólitos, en un blanco y negro denso y contrastado que plantea más preguntas de las que responde. 
Me ha interesado mucho la presencia de animales (perros y gatos), algunos de esos personajes con los que Anders se identifica, y que en definitiva son lo crucial de sus imágenes, más allá de técnicas y estilos.
Después de 40 años fotografiando, el motor de su obra sigue siendo el mismo. "Soy un tipo curioso, eso es todo", dice , y esa curiosidad no ha decaído con el paso de los años, sino al contrario. "Cuando te vas volviendo viejo, crees que sabes. Pero no es así. Tienes que tener cuidado con eso. No sabes nada. Sabes menos. Cuanto más viejo eres, menos sabes."
Segundo de un par de posts con una selección de la obra de Anders, y una serie de textos extraidos de varias entrevistas más o menos recientes. El primero aquí.

The photographs of Anders Petersen stop the viewer thanks to a rare intensity. Whether by its unique characters, uncomfortable situations, unusual points of view, in a dense and contrasted black and white that raises more questions than it answers.
I am very interested in the presence of animals (dogs and cats), some of those beings with which Anders feels identified, characters that ultimately are the key of his images, beyond techniques and styles.
After 40 years taking pictures, the driving force is still the same. "I'm a curious man, that's it", he says, and that curiosity has not waned over the years, rather the opposite. "When you're getting older you think you know. That's not the case. You have to be careful with that. You don't know anything. You know less. The older you get, the less you know."
Second of a couple of posts with a selection of Ander's work with some excerpts from several more or less recent interviews. The first one here.
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Anders Petersen


Anders Petersen es un artista sueco nacido en Solna en 1944. Más imágenes e información en el post previo.

«Cuánto más hablas de fotografía, menos se trata de la fotografía. Es más una cuestión de condiciones de vida, gente, y es más interesante que hablar de técnicas, lentes y cámaras. No se supone que debas ser un esclavo de las herramientas mecánicas. Se supone que éstas deben ayudarte y ser tan pequeñas y poco importantes como sea posible para no entorpecer la comunicación. Esto es lo que siento cuando tomo mis fotos.»

De Regreso a casa / From Back Home, 2009 © Anders Petersen

«Hogar, en un nivel muy concreto, es donde tengo mis libros. Los libros significan mucho para mí.
A un nivel mental, no importa cuál sea el lugar, mi casa es donde encuentro la gente con la cual puedo identificarme. Puede ser en Japón, Estocolmo, Helsinki o Moscú. El lugar no importa; es donde pueda identificarme con la gente. Mi hogar está en todas partes.»

Distancias cortas / Close Distance, 2002 © Anders Petersen

De regreso a casa / From Back Home, 2009 © Anders Petersen

«Cuando estuve fotografiando en la prisión durante tres años, fue difícil. A veces incluso dormía en mi coche por fuera del muro de la prisión. Era muy duro. No tenía dinero e intentaba mantenerme como buenamente podía. Algunos coleccionistas en Francia y Alemania comenzaron a comprarme fotos. Completamente inesperado, y comprendí que existía un mercado, no en Suecia, pero sí en el extranjero.»

París, 2006 © Anders Petersen

Izq./ Left: SoHo, 2011 - Der./ Right: Fotos sueltas / Single photos © Anders Petersen

«Había un tipo en la prisión que utilizaba la expresión "afilar una pirámide". Esto me impresionó mucho, en parte por lo poético de la expresión... Él decía que al principio estás en la base de la pirámide en la que están todas tus "seguridades": comida, televisión, radio, amigos, novias si es el caso, drogas, alcohol y todo eso. En mi caso, los libros. Pero no se crea una obra maestra en la base de la pirámide.
Entonces tienes que ir subiendo para encontrar una posible apertura: comienzas a cuestionarte qué quieres lograr. Te despegas de todo. Es un proceso mental. Te despegas y piensas todo el tiempo. Miras hacia el frente, a lo que quieres hacer, cómo hacerlo, cómo será el resultado final, y cuanto más piensas en ello, más proyectas, y más peligroso te haces. Cuanto más lejos estás de la base, cuanto más lejos estás de todas las seguridades, te sientes completamente inseguro y más peligroso, y aquí arriba existe una aceptación de la inseguridad, del riesgo que asumes, y cuando llegas aquí arriba, eres plenamente implacable, peligroso y también extremadamente afilado. Eres tan afilado como el más afilado de los escalpelos que un cirujano pueda utilizar. Para alcanzar lo más oculto, los nervios secretos, el escalpelo debe estar lo más afilado posible, y cuando estás allí, hay fiebre y ataque. He trabajado a mi aire y he llegado hoy en 10 minutos. Debe hacerse con disciplina.
Puedes ser muy talentoso y nada ocurre, debe hacerse con disciplina. Centrarse. Centrarte en tus objetivos. La única manera de alcanzarlos es ser tan rápido y afilado como sea posible, así podrás abrirlo, así la fotografía no acabará siendo ilustrativa, pero te cambiará a otro tipo de realidad que tiene más que ver con la tuya propia. Una realidad interna que trata con tus recuerdos, sueños, secretos, vulnerabilidades y miedos. Y anhelos... mucho de anhelos. No hay fotos sin anhelos.»

Hueco / Gap, 2010 © Anders Petersen

Hospital mental / Mental Hospital, 1995 © Anders Petersen

«Creo que siempre habrá gente que aprecie la antigua técnica clásica tradicional analógica. Siempre, siempre. Porque es fantástica. Pero por otra parte, la técnica que desarrollaremos, que alcanzará nuevos niveles, será la técnica digital, por supuesto. En verdad no se estila revelar película, utilizar papel especial hoy en día, porque no tiene mucho futuro. Pero siempre habrá algunos entusiastas apasionados que irán por su cuenta al cuarto oscuro buscando la magia. Porque es mágico. Oyes el sonido del agua. Y todo está un poco amarillo, un poquito rojo, y tienes tu revelador allí, y pones el papel, y paso a paso, poco a poco, ves cómo va creciendo, así... Y eso es mágico. La luz y el sonido del agua añaden algo a ese sentimiento mágico. Y es especial. Y estás absolutamente sólo. Es algo meditativo.»

Groningen, 2004 © Anders Petersen

Respecto a su "estilo", ha dicho Anders:
«No es en realidad un estilo. Para mí es un abordaje. Es más distintivo para mí. No funciona tanto con anécdotas y atmósferas. Trabaja más bien con la luz y las sombras. Estoy interesado en un ataque agudo y distintivo, que no explica nada, que no tiene respuestas, pero sí muchas preguntas. Y cuantas más preguntas y anhelos puedo encontrar en un corte, mejor. Si eres curioso y lo bastante paciente, te ofrece mucho. Puedes abrir la puerta, y la cámara es como una llave.»

Roma / Rome, 2012 © Anders Petersen

Anders Petersen is a Swedish artist born in Solna in 1944. More images and information in previous post.

«The more you talk about photography, the less it is about photography. It’s more about the conditions of life, people and it is more interesting than talking about technics, lenses and cameras. You are not supposed to be a slave of mechanical tools, they are supposed to help you and be as small and as unimportant as possible not to disturb the communication. That is what I feel when I shoot my pictures.»

Roma / Rome, 2005 © Anders Petersen

Hueco / Gap, 2010 © Anders Petersen

«Home, on a very concrete level, is where I have my books. Books mean a lot to me. 
On a mental level, no matter where the place is, my home is where I meet people that I can identify with, it can be in Japan or Stockholm, Helsinki or Moscow. The place doesn’t matter, it’s where I can identify myself with people. My home is everywhere.»

SoHo, 2011 © Anders Petersen

SoHo, 2011 © Anders Petersen

«When I was in the prison photographing for three years, it was difficult. Sometimes I even slept in my car outside the prison wall, it was really rough, I had no money at all and I tried to support myself as best as I could. Some collectors in France and Germany started to buy pictures from me, entirely unexpected, and I understood that a market existed, not in Sweden but abroad.»

Hueco / Gap, 2010 © Anders Petersen

Hospital mental / Mental Hospital, 1995 © Anders Petersen

«There  was a guy in the prison who used the expression “to sharpen a pyramid”. This had a big impression on me, partly due to the poetic expression... He said that in the beginning you are at the bottom of the pyramid with all your so-called securities, food, television, radio, friends, girlfriends in his case, the drugs, the alcohol and all this, in my case the books. But no masterwork is done on the bottom of the pyramid. 
Therefore you must go up in order to find a possible opening; you begin by questioning what you want to achieve. You peel it all away. It is a mental process. You peel and think all the time, you look in front of you, of what you want to do, how you do it, how the completed result will be, and the more you think about it, the more you project, the more dangerous you become. The further away from the bottom, the further away from all the securities and you become entirely unsecured and more dangerous, and up here exists an acceptance of insecurity, of risk taking and when you come up here, you are directly ruthless, dangerous and also extremely sharp. You are as sharp as the sharpest scalpel a surgeon can use. In order to reach the most hidden, the secret nerves, the scalpel must be as sharp as possible, and when you are there, there is fever and attack. I have worked my way and can come up in ten minutes today. It has to do with discipline.
Creativity has to do with discipline. 
You can be very talented and nothing happens, it has to do with discipline. Focus. To focus on your objectives. The only way to reach them is to be as fast and sharp as possible so that you can open up, so that the photography doesn’t end up as illustrative but turns into another type of reality that has more to do about your own reality. An internal reality that deals with your memories, dreams, secrets, vulnerability and fear. And longing…very much about longing, no pictures without longing.»

Roma / Rome, 2005 © Anders Petersen

SoHo, 2011 © Anders Petersen

«I think there always be people appreciating the old traditional classical analog technique. Always, always. Because its fantastic. But on the other hand, the technique that will develop, reach new levels, it will be the digital technique off course. Is no really used to learn to develop films, use special paper nowadays beacuse there is no so much future. But there will always be some passionated enthusiasts going your own in the dark rooms looking for the magic. The magic in the dark room. Because is magic. You hear the sound of the ringing water. And is absolutely low yellow, little bit red, and you have your developer here, and you put in a paper, and step by step, little by little you can see how is growing, like that. And that is magic. The light and the sound of the ringing water just adding something to these magic feeling. And is special. And you're absolutely alone. Is a kind of meditative thing.»

Roma / Rome, 2012 © Anders Petersen

St Etienne, 2005 © Anders Petersen

About his "style", Anders said:
«It’s not really a style, for me it is an approach. It is more distinct for me, it doesn’t work that much with anecdotes and atmospheres. It works more with light and shadows. I’m interested in a distinct, sharp attack. That is not explaining anything, that has no answers, but has many questions. And the more questions and longings I can find in one cut, the better. If you are curious and patient enough, it brings a lot. You can open the door and the camera is like a key.»

Distancias cortas / Close Distance, 2002 © Anders Petersen

Sète, 2005 © Anders Petersen
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Fuentes / Sources:
* Website
* Vídeo que puede verse en el post anterior / video you can see in previos post.
* "Diez cosas que Anders Petersen puede enseñarte sobre fotografía callejera /
10 Things Anders Petersen can teach you about street photograpy", Eric Kim Photography, 8/2012
* Entrevista de / Interview by Arnis Balčus, FK Magazine, 1/2012
* Anders Petersen, conversación con / in conversation with Arja Hyytiäinen. Gomma

Más sobre Anders en "El Hurgador" / More about Anders in this blog:
[Anders Petersen (I) (Fotografía)]

Más imágenes e información sobre Anders en / More images and information about Anders in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Anders!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Anders!)



Exposición en la Galería Vu' y retrospectiva en la Biblioteca Nacional Francesa /
Exposition at VU' Gallery and retrospective at French National Library



Recolección / Compilation (LXV)

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William Eugene Smith
(Wichita, Kansas, EE.UU./ USA, 1918 - Tucson, Arizona, 1978)

"Guardia Civil", España / Spain, copia a la gelantina de plata / gelatin silver print, 25,1 x 32,1 cm., 1950
La imagen Guardia Civil es también un símbolo de una España arrogante y atrasada bajo el control de Franco. Durante dos meses, W. Eugene Smit estuvo en un pueblo y lo fotografió con el consentimiento de los residentes. Lo que nos muestra es un mundo extraño: rural, arcaico, como si fuera de otro planeta /
W. Eugene Smith’s image of Guardia Civil is also a symbol of an imperious, backward Spain under the rule of Franco. For two months, W. Eugene Smith went scouting for a village and photographed it with the residents’ consent. What he shows us is a strange world: rural, archaic, as if on another planet. 

Más sobre Eugene Smith en "El Hurgador" / More about Eugene Smith in this blog:
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Julia Baier
(Augsburg, Alemania / Germany, 1971-)

De la serie / From the series Geschwebe, 2014 © Julia Baier
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Alfred Eisenstaedt
(Tczew, Polonia / Poland, 1898 - Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1995)

"Mujer taxista con us perro / Woman Taxi Driver with Her Pet Dog", París,  1963
https://es.wikipedia.org/wiki/Alfred_Eisenstaedt

Más sobre Eisenstaedt en "El Hurgador" / More about Eisenstaedt in this blog:
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Hans Silvester
(Lörrach, Alemania / Germany, 1938-)

"Ensamblaje de un andamio de acero / Steel Frame Assembly", hacia fines de 1950s / about the end of the 1950s
Copia a la gelantina de plata / gelatin silver print, © Hans Silvester / Leica AG

 Más sobre Silvester en "El Hurgador" / More about Silvester in this blog:
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Claude-Raimond Dityvon
(La Rochelle, Francia / France, 1937 - París, 2008)

"L’homme à la chaise / El hombre en la silla /
The Man in the Chair, Bd St. Michel", 21 May. 1968 © Chris Dityvon, Paris

Más sobre Dityvon en "El Hurgador" / More about Dityvon in this blog:
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Aleksander Mikhailovich Rodchenko
Алекса́ндр Миха́йлович Ро́дченко
(San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia, 1891 - Moscú / Moscow, 1956)

"Chica con Leica / Girl with Leica", 1934
Jewgenija Lemberg, la chica que aparece aquí, fue la amante de Alexander Rodchenko durante algún tiempo. En 1992, una copia de esta foto fue adquirida por la considerable suma de 115.000 Libras en una subasta de Christie's, en Londres. Rodchenko fotografió constantemente a Jewgenija en poses nuevas, audaces y sorprendentes hasta su muerte en un accidente de tren./
Jewgenija Lemberg, shown here, was a lover of the photographer Alexander Rodchenko for quite some time. In 1992, a print of this photo brought in a tremendous 115,000 British pounds at a Christie’s auction in London. Alexander Rodchenko was continually capturing Jewgenija Lemberg in new, surprising and bold poses – until her death in a train accident. 

Más sobre Rodchenko en "El Hurgador" / More about Rodchenko in this blog
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Friedrich Seidenstücker
(Unna, Alemania / Germany, 1882 - Berlín occidental / West Berlin, 1966)

"Sin título / Untitled", copia antigua / vintage print, 17,6 x 12,9 cm., c.1930
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Anthony Friedkin
(Los Ángeles, California, EE.UU./ LA, CA, USA, 1949-)

"Bobbie y Linda, Venecia / Bobbie and Linda, Venice", 1970
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Gvido Kajons
(Riga, Letonia / Latvia, 1955-)

"Portretai aikštėje", 1987-1988
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Inta Ruka
 (Riga, Letonia / Latvia, 1958-)

"Rihards Stibelis", Riga, Latvija, 2006
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Laura Aguilar
(EE.UU./ USA, 1959-)

"Centro / Center 78", 2001 © Laura Aguilar
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Steven F. Arnold
(Oakland, California, EE.UU./ CA, USA, 1943 - 1994)

"Sueños de transformación / Dreams of Transformation"© Steven Arnold
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Hans Finsler
(Heilbronn, Alemania / Germany, 1891 - Zürich, Suiza / Switzerland, 1972)

"Eier auf Teller / Huevos en un plato / Eggs on a Plate"
Copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 24,3 x 17,3 cm., 1929
© 2015 Finsler Estate, Stiftung Moritzburg Halle (Saale), Kunstmuseum des Landes Sachsen-Anhalt

"Elektrische Birne mit Teilen der Fassung / Bombilla eléctrica con partes del portalámparas /
Electric Bulb with Parts of the Socket"
Copia antigua / vintage print, 21,9 x 14,9 cm., 1928
© 2015 Finsler Estate, Stiftung Moritzburg Halle (Saale), Kunstmuseum des Landes Sachsen-Anhalt
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Ree Ja Kim
(EE.UU. / USA, 1973-)

"Equilibrismo / Balancing Act"
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Dietrich Wegner
(Adelaide, Australia, 1978-)

Cúmulo de marca / Cumulous Brand, "Sebastián como la Abuela Sue / Sebastian as Grandma Sue"
Fotografía / photography, 30" x 45"
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Antonio Quintana
(Valparaíso, Chile, 1904-)

"El Volantín / The Kite", 1945. Colección / Collection Museo de Arte Contemporáneo (Santiago de Chile)

"Niños preparando al Judas / Children preparing the Judas"
Mediados del Siglo XX / mid twentieth century (Valparaíso, Chile)
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Francisco Rojas Fariña "Fachico"
(Santa Cruz de Tenerife, España / Spain, 1926 - 
Las Palmas de Gran Canaria, 2007)

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Ignacio Hochhäusler Silverberger
(Viena / Vienna, Austria, 1892 - Santiago de Chile, 1983)

"Calle Huérfanos / Orphans Street", 1940

"Niña trabajadora de Lota / Worker Girl of Lota"
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Jack Garofalo
(Francia / France, 1923 - 2004)

El terremoto de junio de 1960 en Valdivia, en el sur de Chile, de magnitud superior a 8, generó un tsunami en la costa del Pacífico que devastó la zona de Puerto Montt. Una mujer reza frente a la tumba de sus parientes./
The June 1960 earthquake in Valdivia, in southern Chile, of magnitude higher than 8, generated a tsunami in the Pacific that devastated the area of Puerto Montt. A woman prays at the grave of their relatives.
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Wynn Bullock
(Chicago, EE.UU./ USA, 1902 - Monterrey, 1975)

"Bajo el muelle de Monterrey / Under Monterey Wharf"
Copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 1969 © Bullock Family Photography LLC

"Desnudo en la ventana de Sandy / Nude by Sandy's Window", copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 17,8 x 24,1 cm., 1956 © Bullock Family Photography LLC

Más sobre Bullock en "El Hurgador" / More about Bullock in this blog:
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Agustín Víctor Casasola
(Ciudad de México / Mexico City, 1874 - 1938)

"Niño Soldado / Child Soldier", Jun., 1914

Más sobre Casasola en "El Hurgador" / More about Casasola in this blog:

Aniversarios (CLI) [Noviembre / November 20-26]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 20 de Noviembre es el cumple de 

Guy Anderson, pintor estadounidense nacido en 1906.
Junto con Kenneth Callahan, Morris Graves y Mark Tobey, Anderson fue identificado en un artículo de Life Magazine como uno de los "místicos del noroeste", también conocido como la Escuela Noroeste.

"En la luz y la oscuridad de la siembra / In the Dark and Light of Seeding", óleo sobre papel / oil on paper, 1970

Algunas de sus primeras pinturas retrataron la casa familiar. Un piano era una presencia importante en su casa. Su padre, Irving Anderson, era un carpintero-constructor y también músico. Desde temprana edad Guy estuvo intrigado por otras culturas. Le fascinaban particularmente las tallas de madera de tribus nativas de la costa norteña, y la colección de grabados japoneses que poseía su profesor de piano. Tan pronto como fue lo bastante mayor para hacerlo por su cuenta, comenzó a viajar a la Biblioteca Pública de Seattle en autobús para estudiar libros de arte.

"Hombre y mujer con tres cuartos de luna / Man and Woman and Three Quarter Moon"
Óleo sobre papel / oil on paper, 94" x 144", 1984

En 1929 Anderson montó un estudio en una dependencia en la propiedad de sus padres, y había pinturas suyas incluidas en un grupo de espectáculos en la Galería Quinta Avenida en el centro de Seattle. Con la apertura del Museo de Arte de Seattle en 1933, Anderson hizo amistad con su fundador, el Dr. Richard Eugene Fuller, y trabajó allí durante varios años alternativamente, como instalador y maestro de arte para niños.
Como muchos artistas durante la Gran Depresión trabajó para el Proyecto de Arte Federal de la Administración de Progreso de Obras. A lo largo de los años 40 y 50 estuvo muy involucrado en la bulliciosa comunidad artística de Seattle.

"Fragmentos que caen / Falling Fragments", óleo sobre papel / oil on paper, 96" x 72", 1984

En 1959 dejó Seattle para siempre. Alquiló una casa en el borde de La Conner, donde encontró la inspiración de los cielos vastos y de los escenarios naturales del área circundante. A lo largo de los años su arte varió desde imágenes figurativas densamente trabajadas y firmemente compuestas de paisajes del Noroeste hasta grandes y radicales pinceladas con formas fluidas, simbólicas e iconográficas.
En 1966 viajó a Europa por primera vez con sus amigos y compañeros artistas Clayton y Barbara James. En 1975 fue galardonado con una beca Guggenheim.
Murió en 1998.

"Borde del mar / Edge of the Sea"
Óleo sobre papel montado sobre panel / oil on paper mounted on board, 49" x 97", 1986

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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Cornelis Bernardus "Kees" Bastiaans (pintor holandés / Dutch painter)
Tótila Albert Schneider (escultor chileno / Chilean sculptor)
Christian Wilberg (pintor alemán / German painter)
Paulus Potter (pintor holandés / Dutch painter)


El 21 de Noviembre es el cumple de

Jeanne Mammen, pintora e ilustradora alemana del período de Weimar. Nació en 1890 y su trabajo se asocia con los movimientos de la Nueva Objetividad y el Simbolismo. Es conocida por sus representaciones de mujeres fuertes y sensuales, y la vida en la ciudad de Berlín.
Fue educada en París y estudió pintura en Bruselas y Roma. Sus primeros trabajos, influenciados por el simbolismo, el Art Nouveau y el movimiento decadente, se exhibieron en Bruselas y París en 1912 y 1913.

"Langweilige Puppen / Muñecas aburridas / Boring Dolls"
Acuarela y lápiz sobre papel velo ligeramente nacarado, montado sobre cartón /
watercolour and pencil on slightly nacreous wove paper, mounted on cardboard, 151,8" x 111,4"

En 1916 ella y su familia huyeron de París para evitar el internamiento. Mientras sus padres se mudaban a Ámsterdam, Mammen eligió volver a Berlín. Estaba financieramente sola por primera vez, ya que el gobierno francés había confiscado todas las propiedades de su familia. Durante varios años, Mammen luchó por sobrevivir, con cualquier trabajo que pudiera encontrar y pasando el tiempo con gente de diferentes orígenes. Estas experiencias y nuevas simpatías se reflejan en su obra de la época.
A lo largo de la década de 1920 y principios de 1930 trabajó principalmente en lápiz con aguadas de acuarela, y en pluma y tinta.

"Frente a la Comedia en Ku'damm, Noche / Before the Komödie on Ku’damm, Night"
Acuarela y lápiz sobre papel velo / watercolour and pencil on wove paper, 35,6 x 48,6 cm., c. 1930. E&R Cyzer

En 1930 realizó una gran exposición en la galería Fritz Gurlitt. Durante los dos años siguientes, a propuesta de Gurlitt, creó una de sus obras más importantes: una serie de ocho litografías que ilustran Les Chansons de Bilitis, una colección de poemas amorosos lesbianos de Pierre Louÿs.
Al parecer, sus retratos de mujeres eran inquietantes para los nazis. En 1933, después de su inclusión en una exposición de artistas femeninas en Berlín, las autoridades denunciaron sus motivos y temas como "judíos", y prohibieron sus litografías para Les Chansons de Bilitis. Los nazis cerraron la mayoría de las revistas para las que había trabajado y ella se negó a trabajar para aquellas que cumplían con sus políticas culturales. Hasta el final de la guerra practicó una especie de "emigración interior". Dejó de exponer su trabajo y se centró en la publicidad. Durante un tiempo también vendió libros de segunda mano con un carro.


"La Garçonne", 30,5 x 23,5 cm., 1931

En los años cuarenta comenzó a experimentar con el cubismo, un movimiento arriesgado dado la condena nazi del arte abstracto como "degenerado". Después de la guerra se dedicó a recoger alambres, cuerdas y otros materiales de las calles de Berlín bombardeada para crear relieves. A finales de la década de 1940 comenzó a exponer su obra nuevamente, así como a diseñar sets para el cabaret Die Badewanne. Creó collages abstractos de diversos materiales, incluyendo envolturas de caramelo. En la década de 1950 adoptó un nuevo estilo, combinando capas gruesas de pintura al óleo con unas cuantas marcas finas en la superficie.
Murió en 1976.
"Sie repraesentiert / Ella representa / She represents"
Acuarela y lápiz sobre papel / watercolour and pencil on paper, c.1928

Más sobre Mammen en "El Hurgador" / More about Mammen in this blog:
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Tosa Mitsuoki (土佐 光起) (pintor japonés / Japanese painter)
Anna Maria Elisabeth Jerichau Lisinska-Baumann (Elisabeth Jerichau-Baumann)
(pintora danesa / Danish painter)
Evelyn Beatrice Longman (escultora estadounidense / American sculptress)
René Magritte (pintor belga / Belgian painter)


El 22 de Noviembre es el cumple de

Consuelo Fould, pintora francesa nacida en 1862 en Colonia, Alemania.

"Una joven belleza / A Young Beauty", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 28 5/8" x 23 1/2"

Fould fue hija de la actriz Josephine Wilhelmine Valérie Simonin, más conocida bajo sus seudónimos Gustave Haller y Gustave Fould. Fue adoptada junto con su hermana, la pintora Georges Achille Fould, por el príncipe Stirbey

"Las salamandras / Les Salamanders", 1899
Musée Roybet Fould (Courbevoie, París, Francia / France)

Fue alumna de Antoine Vollon y Léon Comerre y expuso en el Salón de París. Consuelo Fould se casó con el marqués de Grasse. Fue fundadora del Museo Roybet Fould en Courbevoie.
Murió en París en 1927.

"¿Compras? / Will You Buy?", impresión original semitono / original halftone print, 14 x 22 cm., 1905
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Christian Rohlfs (pintor alemán / German painter)
Henry Nkole Tayali (escultor, grabador, narrador y profesor de Zambia /
Zambian sculptor, printmaker, narrator and professor)
Cecilio Plá y Gallardo (pintor e ilustrador español / Spanish painter and illustrator)


El 23 de Noviembre es el cumple de

Rafael Soriano, pintor cubano nacido en 1920 que vivió en los Estados Unidos.
Después de completar siete años de estudios en la prestigiosa Escuela Nacional de Bellas Artes San Alejandro, se graduó en 1943 como Profesor de Pintura, Dibujo y Escultura. Luego regresó a Matanzas donde enseñó artes visuales durante cerca de dos décadas. Fue uno de los fundadores y más tarde Director de la Escuela de Bellas Artes de Matanzas, la escuela de arte más importante de Cuba, fuera de La Habana. Es uno de los principales artistas latinoamericanos de su generación y uno de los principales pintores de Cuba.

"Flor a contraluz / Flower against Backlight", óleo sobre tabla / oil on wood, 6' x 4', 1943 

"Músicos Tocando un Organo / Musicians Playing an Organ", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 6' x 8', 1949
Colección / Collection John Amat y Fernando Martínez

En 1962 Soriano se exilió, estableciéndose en Miami con su esposa Milagros y su hija Hortensia hasta su muerte en 2015. Trabajó como diseñador gráfico y ocasionalmente enseñó.
Soriano evitó los temas vernáculos que dominaron el arte cubano desde su aparición con las primeras vanguardias a mediados de los años veinte.

"Luciérnaga / Firefly", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50 x 33 cm., 1955

"Un Lugar Distante / A Distant Place", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 40 x 50 cm., 1972

Su obra se desarrollo a lo largo de los caminos de la abstracción geométrica en el curso de los años '50 y era uno de los diez pintores geométricos concretos. Pero a finales de los años '60, la obra de Soriano dió un giro radical. Su pincel empezó a crear formas asombrosas, expresiones abstractas relacionadas con las emociones, los sentimientos, las meditaciones y las introspecciones místicas. Un nuevo tratamiento de la luz y el color, las transparencias y las formas colocaron a Soriano en una nueva dimensión estética y lo liberaron de sus primeros apegos a escuelas y tendencias.
Murió en 2015.

"Quimera de Luz / Chimaera of Light", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30 x 40 cm., 1999 
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

José Clemente Orozco (muralista y litógrafo mexicano / Mexican muralist and lithographer)
Konstantin Alekseyevich Korovin (Константин Алексеевич Коровин) (pintor ruso / Russian painter)
Jerry Harris (escultor, collagista y escritor estadounidense /
American sculptor, collage artist and writer)
Diego Dayer (pintor argentino / Argentine painter)


El 24 de Noviembre es el cumple de

Francisco Antonio Cano Cardona, pintor, escultor, escritor y grabador colombiano nacido en Antioquía en 1865, famoso por sus obras en las que retrata la identidad cultural del país y de la región.

"Desnudo de hombre de cuerpo entero / Nude Man, Full Body", óleo sobre tela / oil on canvas, 80,8 x 49 cm., 1898
Colección / Collection Banco República (Bogotá, Colombia)

Una de sus obras más conocidas es Horizontes (ya publicada en el blog aquí), que representa el inicio de la colonización de Antioquia (1913) que tuvo lugar durante la segunda mitad del siglo XIX y principios del XX. En sus últimos años fue también profesor y más tarde director de la Escuela de Bellas Artes de Bogotá. También fue mentor de otros famosos artistas colombianos, como Pedro Nel Gómez y Marco Tobón Mejía.

"La niña de las rosas / The Girl With the Roses", óleo sobre tela / oil on canvas, 1904
Museo de Antioquía (Medellín, Colombia)

"Confidencias / Confidences", óleo sobre tela / oil on canvas, 49 x 65 cm., 1901
Museo de Antioquía (Medellín, Colombia)

Recibió clases de pintura de Angel María Palomino, y con Horacio Rodríguez Marino aprendió técnicas de dibujo. También participó en varias exposiciones de arte.
De 1898 a 1901, recibió una beca para estudiar en Francia, donde asistió a cursos de Bellas Artes en la Académie Julian y de Claude Monet. Cuando regresó a Colombia, abrió su propio taller.
Fue miembro de la Academia Colombiana de Bellas Artes.
Murió en 1935.

"Modelo de la Academia Julian / Model of the Julian Academy", óleo sobre tela / oil on canvas, 61 x 51 cm., c.1898
Colección / CollectionBanco República (Bogotá, Colombia)

Más sobre Cano en "El Hurgador" / More about Cano in this blog:
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Henri de Toulouse-Lautrec (pintor y cartelista francés / French painter and poster artist)
John Bacon (escultor británico / British sculptor)
Ángel Lizcano Monedero y Esteban (pintor e ilustrador español / Spanish painter and illustrator)
Marie Bashkirtseff (Марія Костянтинівна Башкирцева) (pintora ucraniana / Ukrainian painter)


El 25 de Noviembre es el cumple de

John Christen Johansen, retratista danés-estadounidense, nacido en Copenhague en 1876.
Llegó a Estados Unidos siendo un bebé. Estudió en Cincinnati con Frank Duveneck y más adelante en la escuela del instituto del arte de Chicago en donde enseñó a partir de 1901 a 1911. Mientras era miembro de la facultad del instituto del arte conoció, y más tarde se casó con la conocida retratista M. Jean McLane 1878-1964). Antes de centrarse principalmente en el retrato Johansen pintó paisajes. En 1915 fue elegido para la Academia Nacional de Diseño.

"El recital (Sala de estar, Casa del pueblo) / The Recital (Drawing Room, Town House)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas,  75,2 x 101 cm., 1924. Sotheby's

En 1919 dejó Chicago por París. Estudió en la Académie Julian donde aprendió técnica académica mientras recibía las ideas del modernismo. Mantuvo amistades con otros artistas incluyendo James Abbott McNeill Whistler y John Singer Sargent.

"Mujer cosiendo / Woman Sewing", 1971
The Vanderpoel Museum (Chicago, Illinois, EE.UU./ IL, USA)

"Henry Clay Frick", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 142,6 x 91,3 cm., 1947
The Frick Collection (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Al finalizar la Primera Guerra Mundial, el Gobierno de los EE.UU. le encargó documentar la firma del tratado de Versalles. La obra cuelga hoy en la galería nacional del retrato, en el Smithsonian. También pintó el retrato presidencial original del presidente Herbert Hoover, un retrato oficial para el Departamento de Justicia estadounidense del Procurador General Robert H. Jackson, el retrato oficial del gobernador Percival Clement para la Vermont State House, dos obras para el Capitolio de los Estados Unidos y obras en las colecciones del Museo de Arte de Dallas, Galería Nacional, Academia de Bellas Artes de Pensilvania, Museo Metropolitano de Arte, la Academia Nacional de Diseño, El Instituto de Arte de Chicago y el Museo de Arte de Richmond.
Murió en New Canaan, Connecticut, en 1964.

"El pequeño trío / The Little Trio", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 81 x 116,7 cm. Sotheby's

"Interiores / Interiors", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 75,9 x 76,2 cm.
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Roelof Frankot (pintor holandés / Dutch painter)
José Maria Fernandes Marques (José de Guimarães) (artista plástico portugués / Portuguese plastic artist)
Maurice Denis (pintor y escritor francés / French painter and writer)


Hoy, 26 Noviembre, es el cumple de

Kara Elizabeth Walker, artista y pintora afroamericana nacida en 1969, que explora en su obra la raza, el género, la sexualidad, la violencia y la identidad. Es conocida para sus retablos de gran tamaño hechos con siluetas negras de papel recortado. Walker vive en la ciudad de Nueva York y ha enseñado durante largo tiempo en la Universidad de Columbia.

"Conjunto de pueblo africano ardiendo con casa grande y linchamiento /
Burning African Village Play Set with Big House and Lynching"
acero cortado a láser pintado / painted laser cut steel, 2006
The Broad (Los Ángeles, California, EE.UU./ LA, CA, USA)

Walker recibió su Bachiller en Bellas Artes del Colegio de Arte de Atlanta en 1991 y su Máster en Bellas Artes de la Escuela de Rhode Island de Diseño en 1994. Se encontraba incómoda y temerosa de abordar la raza dentro de su arte durante sus primeros años de universidad. Sin embargo encontró su voz en este tema mientras asistía a la Rhode Island School of Design para su Maestría, donde comenzó a introducir temas raciales en su obra. Le preocupaba que el hecho de introducir la raza como núcleo del contenido de su obra hiciera que fuera recibido como "típico" u "obvio".

"African't", papel recortado sobre pared / cut paper on wall, 365,76 x 2011,68 cm., 1996
The Broad (Los Ángeles, California, EE.UU./ LA, CA, USA)

En la obra de Walker destacan sus frisos panorámicos de siluetas de papel recortado, generalmente figuras negras contra una pared blanca, que tratan la historia de la esclavitud y el racismo estadounidenses a través de imágenes violentas e inquietantes. También ha producido obras en aguada, acuarela, animación en video, títeres de sombra, proyecciones de "linterna mágica", así como grandes instalaciones escultóricas como su ambiciosa exposición pública con Creative Time, llamada "Una sutileza" (2014). Las siluetas en blanco y negro se enfrentan a las realidades de la historia, al mismo tiempo que utilizan los estereotipos de la era de la esclavitud para relacionarse con las persistentes preocupaciones modernas. Su exploración del racismo estadounidense puede ser aplicada a otros países y culturas con respecto a las relaciones entre raza y género, y nos recuerda el poder del arte para desafiar las convenciones.

"Una sutileza, o la maravillosa chica de azúcar, un homenaje a los no pagados y sobreexplotados artesanos que han refinado nuestros dulces sabores desde los campos de caña hasta las cocinas del Nuevo Mundo, en ocasión de la demolición de la refinería de azúcar Domino /
A Subtlety, or the Marvelous Sugar Baby, an Homage to the unpaid and overworked Artisans who have refined our Sweet tastes from the cane fields to the Kitchens of the New World on the Occasion of the demolition of the Domino Sugar Refining Plant"
bloques de poliestireno cortado a máquina recubiertos con azúcar /
machine-cut blocks of polystyrene covered with sugar, 2014. Foto / Photo

Foto / Photo: Jason Wyche

En mayo de 2014, Walker debutó con su primera escultura, una pieza monumental. La masiva obra fue instalada en la abandonada refinería Domino, en Brooklyn, y fue un encargo de Creative Time. La instalación consistió en una colosal esfinge femenina, de aproximadamente 75 pies de largo por 35 de alto, precedida por quince figuras masculinas jóvenes de tamaño natural, llamadas asistentes. La esfinge, que llevaba la cabeza y las características del arquetipo de la mamita (nodriza negra), se hizo cubriendo un núcleo de bloques de poliestireno cortados a máquina con una lechada de azúcar blanco. Domino donó 80 toneladas de azúcar para la pieza de Walker.

Foto / Photo: Jason Wyche

In May 2014, Walker debuted her first sculpture, a monumental piece. The massive work was installed in the derelict Domino Sugar Refinery in Brooklyn and commissioned by Creative Time. The installation consisted of a colossal female sphinx, measuring approximately 75-feet long by 35-feet high, preceded by an arrangement of fifteen life-size young male figures, dubbed attendants. The sphinx, which bore the head and features of the Mammy archetype, was made by covering a core of machine-cut blocks of polystyrene with a slurry of white sugar; Domino donated 80 tons of sugar for Walker's piece.
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Kai Nielsen (escultor danés / Danish sculptor)
George Segal (pintor y escultor estadounidense / American painter and sculptor)
Peter Martensen (artista danés / Danish artist)
Clever Lara (artista uruguayo / Uruguayan artist)
Michihiro Matsuoka (松岡ミチヒロ) (escultor japonés / Japanese sculptor)


Textos en inglés / English translation

On November 20 is the birthday of

Guy Anderson, American painter born in 1906.
Along with Kenneth Callahan, Morris Graves, and Mark Tobey, Anderson was identified in a Life Magazine article as one of the "northwest mystics," also known as the Northwest School.
Some of his early paintings portrayed his family home. A piano was an important presence in his house. His father, Irving Anderson, was a carpenter-builder and also a musician. From an early age Guy was intrigued by other cultures; he was particularly fascinated by the woodcarvings of Northern Coastal native tribes, and by the collection of Japanese prints owned by his piano teacher. As soon as he was old enough to do so on his own, he began commuting to the Seattle Public Library by bus to study art books.
In 1929 Anderson set up a studio in an outbuilding on his parents' property, and had paintings included in a group show at the Fifth Avenue Gallery in downtown Seattle. With the opening of the Seattle Art Museum in 1933, Anderson befriended its founder, Dr. Richard Eugene Fuller, and worked there for several years, off-and-on, as an installer and children's art teacher. 
Like many artists during the Great Depression, Anderson worked for the Works Progress Administration's Federal Art Project. Throughout the 1940s and 50s Anderson was very much involved in Seattle's bustling art community. 
In 1959 Anderson left Seattle for good. He rented a house on the edge of La Conner, where he found inspiration from the vast skies and natural settings of the surrounding area. Over the years his art ranged from densely worked and tightly composed figurative images of Northwest landscapes to large, sweeping brushstrokes with flowing, symbolic and iconographic forms. 
In 1966 Anderson traveled to Europe for the first time with friends and fellow artists Clayton and Barbara James. In 1975 he was awarded a Guggenheim Fellowship.
He died in 1998.

On November 21 is the birthday of

Jeanne Mammen, German painter and illustrator of the Weimar period. She was born in 1890, and her work is associated with the New Objectivity and Symbolism movements. She is best known for her depictions of strong, sensual women and Berlin city life.
She was raised and educated in Paris, and studied painting in Brussels and Rome. Her early work, influenced by Symbolism, Art Nouveau, and the Decadent movement, was exhibited in Brussels and Paris in 1912 and 1913.
In 1916 she and her family fled Paris to avoid internment. While her parents moved to Amsterdam, Mammen chose instead to return to Berlin. She was now financially on her own for the first time, as the French government had confiscated all of her family's property. For several years Mammen struggled to make ends meet, taking any work she could find, and spending time with people from different class backgrounds. These experiences and newfound sympathies are reflected in her artwork from the period.
Throughout the late 1920s and early 1930s she worked mainly in pencil with watercolor washes, and in pen and ink.
In 1930 she had a major exhibition in the Fritz Gurlitt gallery. Over the next two years, at Gurlitt's suggestion, she created one of her most important works: a series of eight lithographs illustrating Les Chansons de Bilitis, a collection of lesbian love poems by Pierre Louÿs.
Apparently her portrayals of women were disturbing to the Nazis. In 1933, following her inclusion in an exhibition of female artists in Berlin, the authorities denounced her motifs and subjects as "Jewish", and banned her lithographs for Les Chansons de Bilitis. The Nazis shut down most of the journals she had worked for, and she refused to work for those that complied with their cultural policies. Until the end of the war she practiced a kind of "inner emigration". She stopped exhibiting her work and focused on advertising. For a time she also peddled second-hand books from a handcart.
In the 1940s she began experimenting with Cubism, a risky move given the Nazis' condemnation of abstract art as "degenerate". After the war she took to collecting wires, string, and other materials from the streets of bombed-out Berlin to create reliefs. In the late 1940s she began exhibiting her work again, as well as designing sets for the Die Badewanne cabaret. She created abstract collages from various materials, including candy wrappers. In the 1950s she adopted a new style, combining thick layers of oil paint with a few fine marks on the surface.
She died in 1976.

On November 22 is the birthday of

Consuelo Fould, French painter born in 1862 in Cologne, Germany.
Fould was the daughter of the actress Josephine Wilhelmine Valérie Simonin, better known under her pseudonym Gustave Haller, and Gustave Fould. She was adopted along with her sister, the painter Georges Achille Fould, by the Prince Stirbey.
She was a pupil of Antoine Vollon and Léon Comerre and exhibited at the Paris Salon. Consuelo Fould married the Marquis de Grasse. She was the founder of the Museum Roybet Fould in Courbevoie.
She died in Paris in 1927.

On November 23 is the birthday of

Rafael Soriano, Cuban painter born in 1920 who lived in the United States.
After completing seven years of study at Havana’s prestigious Escuela Nacional de Bellas Artes San Alejandro, he graduated in 1943 as Professor of Painting, Drawing and Sculpture. He then returned to Matanzas where he taught visual arts for close to two decades. He was one of the founders, and later Director, of the Escuela de Bellas Artes de Matanzas, the most important art school in Cuba outside of Havana. He is one of the major Latin American artists of his generation and one of the premier painters of Cuba.
In 1962 Soriano went into exile, settling in Miami with his wife Milagros and his daughter Hortensia until his death in 2015. He worked as a graphic designer and occasionally taught.
Soriano avoided vernacular themes which dominated Cuban art from its emergence with the first Vanguard in the mid-twenties. His work proceeded along the paths of geometric abstraction in the course of 1950's and was part of the Ten Concrete Geometric painters but by the late 1960s, Soriano’s work took a radical turn. His brush began to create amazing shapes; abstract expressions related to the emotions, feelings, meditations and mystical introspections. A novel treatment of light and color, transparencies and forms placed Soriano in a new aesthetic dimension and freed him from his earlier attachments to schools and tendencies. 
He died in 2015.

On November 24 is the birthday of

Francisco Antonio Cano Cardona, Colombian painter, sculptor, writer, and engraver from Antioquia born in 1865, who is famous for his works in which he portrays the cultural identity of the country and region. One of his best known works is Horizons (already published in this blog here), which depicts the beginning of the colonization of Antioquia (1913) that took place during the second half of the nineteenth and early twentieth centuries. In his later years he was also a professor and late director of the School of Fine Arts in Bogotá. He was also a mentor to other famous Colombian artists, such as Pedro Nel Gomez and Marco Tobon Mejia.
He received painting classes by Angel Maria Palomino and with Horacio Rodríguez Marino, he learned drawing techniques. He also took part in various art exhibitions.
From 1898 to 1901, he received a scholarship to study in France, where he attended courses in Fine Arts at the Académie Julian and by Claude Monet. When he returned to Colombia, he opened his own workshop.
He was a member of the Colombian Academy of Fine Arts.
He died in 1935.

On November 25 is the birthday of

John Christen Johansen, Danish-American portraitist, born in Copenhagen in 1876.
He came to America as an infant. He studied in Cincinnati under Frank Duveneck and later at the School of the Art Institute of Chicago where he taught from 1901 to 1911. While a member of the faculty of the Art Institute he met, and later wed, recognized portraitist M. Jean McLane (1878–1964). Before focusing primarily on portraiture Johansen painted landscapes. In 1915 he was elected to the National Academy of Design.
Leaving Chicago in 1919, Johansen moved to Paris where he studied at the Académie Julian where he learned academic technique while being exposed to the ideas of modernism. He maintained friendships with other artists including James Abbott McNeill Whistler and John Singer Sargent.
At the conclusion of World War I, Johansen was commissioned by the U.S. government to document the signing of the Treaty of Versailles which today hangs in the National Portrait Gallery, Smithsonian Institution. Other portraits include the original Presidential portrait of President Herbert Hoover[a], official U.S. Department of Justice portrait of Attorney General Robert H. Jackson, official Vermont State House portrait of Governor Percival Clement, two works in the United States Capitol, and works in the collections of the Dallas Museum of Art, National Gallery, Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Metropolitan Museum of Art, the National Academy of Design, the Art Institute of Chicago and the Richmond Art Museum.
He died in New Canaan, Connecticut, in 1964.

Today, November 26, is the birthday of

Kara Elizabeth Walker, African American artist and painter born in 1969, who explores race, gender, sexuality, violence and identity in her work. She is best known for her room-size tableaux of black cut-paper silhouettes. Walker lives in New York City and has taught extensively at Columbia University
Walker received her BFA from the Atlanta College of Art in 1991 and her MFA from the Rhode Island School of Design in 1994. Walker found herself uncomfortable and afraid to address race within her art during her early college years. However, she found her voice on this topic while attending Rhode Island School of Design for her Master's, where she began introducing race into her art. She had a distinct worry that having race as the nucleus of her content would be received as "typical" or "obvious."
Walker is best known for her panoramic friezes of cut-paper silhouettes, usually black figures against a white wall, which address the history of American slavery and racism through violent and unsettling imagery. She has also produced works in gouache, watercolor, video animation, shadow puppets, "magic-lantern" projections, as well as large-scale sculptural installations like her ambitious public exhibition with Creative Time called A Subtlety (2014). The black and white silhouettes confront the realities of history, while also using the stereotypes from the era of slavery to relate to persistent modern-day concerns. Her exploration of American racism can be applied to other countries and cultures regarding relations between race and gender, and reminds us of the power of art to defy conventions.


Aniversarios Fotografía (CLI) [Noviembre / November 21-27]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 21 de Noviembre es el cumple de

Ruud van Empel, fotógrafo holandés y artista visual nacido en Breda en 1958.
Estudió en la Academie voor Beeldende Kunst St. Joost (Academia de Arte St. Joost) en Breda en la década de 1970, y comenzó a hacer videocintas de producción independiente en los años ochenta. Se trasladó a Ámsterdam a finales de los ochenta para seguir una carrera como artista visual. Sus primeras series fotográficas fueron "La oficina" (1995-2001), "Estudio para mujeres" (1999-2002) y "Estudio en verde" (2003).

"Mundo Nº 1 / World #1", cibachrome, 150 x 105 cm., 2005

Hasta mediados de 1995, el arte de Van Empel fue generado principalmente por un proceso de montaje de imágenes fotográficas analógicas. En ese momento cambió esta técnica de collage tradicional - cortar, pegar y retocar en el cuarto oscuro - por el procesamiento de imágenes por ordenador, trabajando de una manera impulsada por la idea. La primera serie creada con este método fue The Office (1995). En un sentido técnico, "La oficina" muestra una cualidad artesanal en la que falta el carácter perfeccionista de su obra posterior.

"Hermanos y hermanas Nº 4 / Brothers & Sisters #4", cibachrome, 120 x 120 cm., 2010

Sin embargo Van Empel demostró claramente que su enfoque difería de otras disciplinas como la fotografía escenificada. En ciertos aspectos, "La oficina" ofreció un carácter algo surrealista y se refirió a los fotomontajes de los años veinte en términos de estilo y diseño. Sobre la base de esta referencia histórica del arte, Van Empel creó un nuevo género dentro de la fotografía - sin una etiqueta de "listo para usar". El propio artista habla de la «construcción de una imagen fotográfica». A pesar de que hace uso del fotomontaje puro - nunca aplica las llamadas técnicas de morphing - el resultado final se esfuerza en un contenido alineado con la realidad natural más que con el surrealismo. La artificialidad es visible, pero la imagen final es una realidad convincente y autónoma. Como consecuencia, el trabajo no parece grotesco o absurdo, sino que teóricamente podría de hecho suceder en la realidad.

"Mundo Nº 7 / World #7", cibachrome, 105 x 150 cm., 2005

En este sentido, las imágenes de Van Empel son independientes. No se manifiestan como "simbólicas" y han sido despojadas de todas las asociaciones "pictóricas". No despliega la fotografía como un sustituto de la pintura, sino que la usa como una forma independiente de representación. Cada imagen consiste en fuentes fotográficas que se montan digitalmente en la computadora. La obra de Ruud van Empel existe por obra y gracia de la cámara, por medio de la cual registra sus bloques de construcción.

"Generación Nº 2 / Generation #2", cibachrome, 124 x 330 cm., 2010

Ruud van Empel en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (III)]
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Marc Lafia (artista, cineasta, fotógrafo, curador, educador, escritor y arquitecto de la información estadounidense /
American artist, filmmaker, photographer, curator, educator, writer and information architect)
Ali Akbar (artista indonesio / Indonesian artist)
Denis Roche (escritor, poeta y fotógrafo francés / French writer, poet and photographer)


El 22 de Noviembre es el cumple de

Ronald "Charlie" Phillips, también conocido por el apodo de "Smokey", es un restaurador, fotógrafo y documentarista del Londres negro nacido en Jamaica en 1944.
A los 11 años Phillips viajó de Jamaica a Inglaterra, navegando en la Reina del Pacífico, una nave de pasajeros de la Pacific Steam Navigation Company.

"Escolares / Schoolchildren", Lancaster Road, 1970. © Charlie Phillips

Comenzó su carrera fotográfica por accidente cuando, siendo aún muy joven, recibió un Kodak Brownie de un soldado negro estadounidense. Phillips se enseñó a usarla ("Compré un libro de Boots sobre cómo tomar fotos y aprendí de mis errores") y comenzó a fotografiar la vida en Notting Hill, haciendo sus copias en el baño de la familia después de que sus padres se iban a dormir.
Es conocido por sus fotografías de Notting Hill durante el período de la migración de las Indias Occidentales a Londres, sin embargo entre sus temas también ha incluido estrellas de cine y protestas estudiantiles, y sus fotografías han aparecido en Stern, Harper's Bazaar, Life, Vogue y en revistas italianas y suizas.

"Pareja de Notting Hill / Notting Hill Couple", 1967 © Charlie Phillips

Su obra ha sido expuesta en galerías como Tate Britain, el Museo de Londres, Nottingham New Art Exchange, el Museo de Arte Contemporáneo de Detroit y el Museo de la Ciudad de Nueva York. También está en las colecciones en The Wedge, Victoria & Albert Museum de Londres y la Tate Gallery.
Phillips ha sido sido llamado: "Posiblemente el más importante (aunque menos elogiado) fotógrafo negro británico de su generación", y un artículo de enero de 2015 en Time Out London se refirió a él como "el más grande fotógrafo de Londres que nunca has oído hablar, algunas de cuyas mejores obras están siendo descubiertas recién ahora".

"Silchester Road, una de las muchas zonas de demolición en Notting Hill a fines de los '60 /
one of the many demolition sites in Notting Hill in the late ’60s
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Henriette Theodora Markovitch (Dora Maar) (pintora, fotógrafa y escultora francesa /
French painter, photographer and sculptor)
Santos Moreno Villar (fotógrafo español / Spanish photographer)
Hrvoje Slovenc (fotógrafo croata / Croatian photographer)


El 23 de Noviembre es el cumple de

Zhang Xiao (张晓), fotógrafo chino nacido en 1981 en Yantai, que ha publicado varias series de fotografías de China.
Se graduó en arquitectura de la Universidad de Yantai en 2005. De 2006 a 2009, trabajó en Chongqing como fotógrafo para el Chongqing Morning Post (重庆晨报). Desde el principio llevó dos cámaras: una para el trabajo y otra barata de formato medio para uso personal.
Zhang se ha inspirado en la fotografía de Diane Arbus, Alec Soth y Boris Mikhailov.

Serie "Ellos", Nº 3 / They Series # 3

"Ellos" es una serie de fotografías tomadas principalmente mientras Zhang estaba trabajando en Chongqing. Son de escenas de la propia Chongqing, pero también cerca en el Yangtze y los ríos Jialing y otras partes. Las fotografías son en color, de formato cuadrado y las hizo empleando una cámara Holga. Un libro con estas fotografías fue publicado en China en 2012. Dos años más tarde se publicó una selección más pequeña en París.

Seríe "Línea costera", Nº 7 / Coastline Series # 7

Seríe "Línea costera", Nº 2 / Coastline Series # 2

Para "Línea costera", Zhang "visitó cada pueblo y ciudad a lo largo de la costa china" entre 2009 y 2013. Las fotografías son nuevamente en color, pero esta vez Zhang utilizó una cámara Mamiya 7 II. Zhang ha descrito la costa como "el primer área de China de impacto de la cultura externa y el rápido desarrollo económico". La serie "registra momentos sutiles y surrealistas de la vida cerca del mar ".

Serie "Shanxi", Nº 2 / Shanxi Series # 2

Volvió a utilizar una Holga para fotografíar en color y en formato cuadrado los rituales tradicionales que se realizan durante el año nuevo lunar en Shaanxi. El libro "Shanxi" fue publicado por primera vez por Little Big Man en los Estados Unidos. Sean O'Hagan lo describe como "un libro seductor, un vistazo sobre un mundo de costumbre paganas que de alguna manera resiste contra todas las probabilidades, de ensueño y fascinante".

Serie "Tres Gargantas", Nº 1 / Three Gorges Series # 1
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Martin "Marty" Lederhandler (fotógrafo estadounidense / American photographer)
Lazar Markovich Lissitzky (Ла́зарь Ма́ркович Лиси́цкий) (El Lissitzky - Эль Лиси́цкий)
(artista, diseñador, fotógrafo, tipógrafo, polemista y arquitecto ruso /
Russian artist, designer, photographer, typographer, polemicist and architect)
Peter Lindbergh (fotógrafo y director alemán / German photographer and director)


El 24 de Noviembre es el cumple de

Arthur Tress, fotógrafo estadounidense nacido en 1940 en Brooklyn, Nueva York. Es conocido por sus escenificaciones surrealistas y exposición del cuerpo humano.
El menor de cuatro hijos de una familia divorciada, Tress pasó mucho tiempo en su juventud con su padre, que se volvió a casar y vivió en un barrio de clase alta, y su madre, que permaneció sola después del divorcio y cuya vida no era tan lujoso. A los 12 años comenzó a fotografiar monstruos de circo y edificios en ruinas alrededor de Coney Island en Nueva York, donde creció.

"Hombre en la escalera / Man on stairs", 1979 © Arthur Tress

"Chico en TV / Boy in TV Set", Boston, 1972 © Arthur Tress

Tress estudió en Abraham Lincoln High School en Coney Island, y obtuvo una Licenciatura en Bellas Artes en el Bard College en Annandale-on-Hudson, Nueva York. Después de graduarse de Bard College en 1962, se mudó a París, Francia, para asistir a la escuela de cine. En esta época viajó a Japón, África, México y por toda Europa. Observó muchas tribus y culturas aisladas y quedó fascinado por el papel desempeñado por el chamán de los diferentes grupos de personas. Las culturas que conoció jugarían un papel en su trabajo posterior.

"Policía a caballo / Policeman on Horse", San Francisco, 1964 © Arthur Tress

"Mujer con gafas de sol y telescopios de monedas, Torre Coit /
Woman With Sunglasses with Coin Operated Telescopes, Coit Tower", San Francisco, 1964 © Arthur Tress

Tress pasó la primavera y el verano de 1964 en San Francisco, documentando la Convención Republicana que nombró a Barry Goldwater, manifestaciones de derechos civiles en los concesionarios de automóviles segregados en Van Ness Avenue y los Beatles lanzando su gira de 1964. Tomó más de 900 fotografías que fueron guardadas y redescubiertas en 2009, y presentadas en una muestra en el Museo deYoung de San Francisco.
Actualmente reside en Cambria, California.

"Sin título / Untitled, Union Square", San Francisco, 1964 © Arthur Tress
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Fernando Ruiz Tomé (fotógrafo español / Spanish photographer)
Inge Schönthal Feltrinelli (fotógrafo y director italiano nacido en Alemania /
German-born (1930) Italian photographer and director)


El 25 de Noviembre es el cumple de

Matthew Pillsbury, fotógrafo estadounidense nacido en Neuilly, Francia, en 1973.
Mientras estuvo en Francia asistió a la Escuela Alsacienne y se graduó en 1991 en Historia y Economía. En 1991 se mudó a los Estados Unidos para cursar un Bachillerato de Bellas Artes. Se graduó en 1995. También estudió en Yale, donde recibió el premio Ethel Child Walker Prize para el estudiante de artes sobresaliente. Obtuvo un Máster en Bellas Artes en la Escuela de artes visuales de Nueva York en 2004.

Tokyo - Hanami #15 - Chidorifugachi, 2014

Fases de la ciudad / City Stages
Cima del Standard, Hotel Standard / Top of the Standard, The Standard Hotel, 2011

Desde 2004 Pillsbury ha realizado más de 25 muestras individuales y 35 exposiciones colectivas en los EE.UU., Canadá y en toda Europa. Su obra forma parte de más de 25 colecciones permanentes en los Estados Unidos, Canadá y Europa.

Período de tiempo / Time Frame
Instituto del mundo árabe / Institute du Monde Arabe, París, 2008

Dos de las principales influencias de Pillsbury incluyen el fotógrafo japonés Hiroshi Sugimoto y el fotógrafo cubano Abelardo Morell, también un ex-alumno de Yale.
En abril de 2014, Pillsbury fue uno de los 11 fotógrafos galardonados con la Beca Guggenheim.
Vive y trabaja en Nueva York.

Período de tiempo / Time Frame
Dinosaurio cobrando vida, Museo estadounidense de Historia Natural /
Dinosaur Coming to Life, American Museum of Natural History, 2004
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Lewis Morris Rutherfurd (abogado y astrónomo estadounidense, pionero de la astrofotografía /
American lawyer and astronomer, pioneer of astrophotography)
Alexey Viktorovich Titarenko (Алексей Викторович Титаренко) (fotógrafo ruso / Russian photographer)
Sonya Noskowiak (fotógrafa estadounidense / American photographer)


El 26 de Noviembre es el cumple de

Luigi Gariglio, fotógrafo y sociólogo italiano nacido en 1968. 
Es profesor de Estudios Visuales en la Universidad de Turín y Profesor Visitante de Fotografía en la Academia de Arte Naba de Milán. Al mismo tiempo es investigador visitante en el Centro de Criminología de la Universidad de Oxford.

"Mazynek" de / from: "Lap Dancer", Londres / London (GB)
Lambda c-print, 81 × 63,5cm. enmarcada / framed, 2005

"Sólo tres palabras (voces desde la cárcel) / Only Three Words (Voices From Prison)"

Sus principales áreas de investigación son la fotografía, métodos visuales en etnografía, sociología de prisiones, sociología médica, género y sociología de la comunicación.
Un contexto social, o un papel específico en la sociedad, suelen ser el punto de partida de la obra de Luigi Gariglio. El resultado final de sus proyectos consiste en imágenes a color, y con frecuencia textos. La estética es, sin embargo, fundamental para él; en su obra el proceso está a menudo inextricablemente entrelazado con el contenido.

"Naomi" de / from: "Lap Dancer", Torino (I), lambda c-print, 81 × 63,5 cm. enmarcada / framed, 2005

Dentro de las cárceles europeas / Inside European Prisons
"Cárcel de Bucarest. Celda de castigo / Bucharest Prison. Punishment cell", 2005

Por lo general trabaja empleando mucho tiempo y su obra se plasma siempre en series y proyectos (por encargo de instituciones culturales o editoriales) que lleva a cabo durante períodos muy largos, a veces años.

"Bella durmiente Nº 11 / Sleeping Beauty #11", 2011

Luigi Gariglio en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (XXXV)]
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Cristina Goettsch Mittermeier (bióloga marina, fotógrafa e ingeniera bioquímica mexicana /
Mexican marine biologist, photographer and biochemical engineer)
Ethan Allen Russell (fotógrafo, autor y director de video estadounidense /
American photographer, author and video director)
Charles Breijer (fotógrafo holandés / Dutch photographer)


Hoy, 27 Noviembre, es el cumple de

Michele Palazzi, fotógrafo documental italiano nacido en Roma en 1984.
En 2007 obtuvo una maestría de tres años en fotografía en la Scuola Romana di Fotografia. En 2013 recibió el Primer Premio del Premio Anual al Fotógrafo Ambiental del Año por la Chartered Institution of Water and Environmental Management. Entre 2012 y 2013 empezó a trabajar en Hotel Oro Negro, un proyecto a largo plazo sobre el impacto de la modernización en Mongolia, que ha sido galardonado con el Primer Premio 2015 en la categoría de Vida Cotidiana - Historias de World Press Photo.
Vive en Roma y está representado por la agencia Contrasto.

"Campamento gitano de Via Gordiani / Via Gordiani Gypsy Camp"
Hoy en Italia hay algunas decenas de miles de gitanos, y más de 30000 de ellos vivien en campamentos gitanos cerca o dentro de las grandes ciudades.
Esta situación ha llevado al gobierno de derechas italiano a responder a esta profunda división dentro de la sociedad forzando un control policial más fuerte, creando una base de datos obligatoria de huellas digitales para todos los gitanos, incluso los menores. Esta iniciativa "Gran hermano", podría infringir los derechos civiles de miles de personas /
Today in Italy there are some dozen of thousands gypsies, more than 30 thousand of them lives in Gypsy camps near or inside the big town.
This situation brought the actual right wing Italian government to answer to this deep division within the society to push towards a stronger policy of control – creating a database of compulsory finger-prints of all of Gipsy people,including minors. This Big Brother-like initiative would infringe on the civil rights of thousands of people.

"Hotel Oro Negro / Black Gold Hotel"
Para esta serie, Palazzi viajó a Mongolia para fotografiar a los nómadas del Gobi. Estas familias "utilizan paneles solares para cargar sus iPhones y conducir sus motocicletas, en lugar de caballos, para rastrear y agrupar el ganado". Utilizando una Hasselblad analógica, ya que las cámaras digitales son demasiado sensibles para el entorno, Palazzi muestra cómo estas familias continúan viviendo sin tecnología moderna.

"Hotel Oro Negro / Black Gold Hotel"
For this series Palazzi travels to Mongolia to photograph the Gobi Nomads. These families “use solar panels to power iPhones and ride motorcycles instead of horses to quickly track down and round up livestock”. Using an analog Hasselbad due to digital cameras being too sensitive for the environment, Palazzi shows us how these families continue to live on without modern technology. 

"El viaje de los trabajadores migrantes / Migrant Workers Journey"
El proyecto describe e intenta documentar el trabajo social y condiciones humanas de los trabajadores estacionales migrantes, en un período que marca estrictamente su vida. Hay alrededor de 3000 migrantes trabajando hasta 12 horas al día por 25 euros. Viven, o mejor dicho sobreviven, en casas vacías sin electricidad ni agua, en condiciones de pobreza extrema. No tienen derechos ni forma alguna de asistencia. Están a merced de una suerte de corporaciones, en su mayoría italianas, que se disputan el control no sólo de sus empleos, sino de su vida / 
The project describes and tries to document the working social and human conditions of migrant seasonal workers; in a period that strictly marks their life. There are about 3.000 migrants willing to work even 12 hours per day for only 25 euros. They live, or better they survive, in empty houses without electricity and water and in extreme poverty conditions.They have no rights, and any form of assistance. They are at the mercy of a sort of corporals, mostly Italian, deputies to control not only their jobs but also their life.
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Mitsuaki Iwago (岩合光昭) (fotógrafo japonés / Japanese photographer)
Laurent Elie Badessi (artista y fotógrafo francés / French photographer and artist)
George Bradford Brainerd (ingeniero civil y fotógrafo amateur estadounidense /
American civil engineer, an amateur photographer)


Textos en inglés / English translation

On November 21 is the birthday of

Ruud van Empel, Dutch photographer and visual artist born in Breda in 1958.
He studied at the Academie voor Beeldende Kunst St. Joost (St Joost Academy of Art) in Breda in the 1970s, and began making independently produced videotapes in the eighties. He moved to Amsterdam in the late eighties to work on his career as a visual artist. His first photographic series were The Office (1995-2001), Study for Women (1999-2002) and Study in Green (2003).
Until mid-1995, Van Empel’s art was primarily generated by a process of assembling analogue photographic images. At that point, he exchanged this traditional collage technique – cutting, pasting and retouching in the darkroom – for image processing on the computer, working in an idea-driven manner. The first series created with this method was The Office (1995). In a technical sense, The Office displays a handicraft-like quality, missing the perfectionist character of his later work.
Nevertheless, Van Empel clearly demonstrated that his approach differed from other disciplines such as staged photography. In certain aspects, The Office offered a somewhat surrealistic character and referred to photomontages from the 1920s in terms of style and design. On the basis of this art-historical reference, Van Empel created a new genre within photography – without a ready-to-wear label. The artist himself speaks of the ‘construction of a photographic image’. Although he does make use of pure photomontage – he never applies so-called morphing techniques – the final result strives for content aligned to natural reality rather than to surrealism. The artificiality is visible but the final image is a convincing, autonomous reality. As a consequence, the work does not seem grotesque or absurd but could theoretically actually appear in reality.
In that respect, Van Empel’s images are independent. They do not manifest themselves as ‘symbolic’ and have been stripped of all ‘pictorial’ associations. He does not deploy photography as a substitute for painting but rather uses it as an independent form of depiction. Every image consists of photographic sources that are digitally assembled on the computer. The work of Ruud van Empel exists by grace of the camera by means of which he records his building blocks.

On November 22 is the birthday of

Ronald "Charlie" Phillips, also known by the nickname "Smokey", is a Jamaican-born (1944) restaurateur, photographer, and documenter of black London. 
At the age of 11, Phillips made the journey from Jamaica to England, sailing on the Reina del Pacifico, a Pacific Steam Navigation Company passenger ship.
He began his photographic career by accident when, while still very young, he was given a Kodak Brownie by a black American serviceman. Phillips taught himself to use it ("I bought a book from Boots on how to take photos and learnt from my mistakes") and began to photograph life in Notting Hill, making his prints in the family bathroom after his parents had retired to bed.
He is best known for his photographs of Notting Hill during the period of West Indian migration to London; however, his subject matter has also included film stars and student protests, with his photographs having appeared in Stern, Harper’s Bazaar, Life and Vogue and in Italian and Swiss journals.
His work has been exhibited at galleries including Tate Britain, Museum of London, Nottingham New Art Exchange, Museum of Contemporary Art Detroit and Museum of the City of New York, and is also in collections at The Wedge, London's Victoria & Albert Museum (V&A), as well as the Tate.
Phillips has been called: "Arguably the most important (yet least lauded) black British photographer of his generation", and a January 2015 feature in Time Out London referred to him as "the greatest London photographer you've never heard of - and some of his best works are only just being discovered".

On November 23 is the birthday of

Zhang Xiao (张晓), Chinese photographer born in 1981 in Yantai, who has published several series of photographs of China.
He graduated in architecture from Yantai University in 2005. From 2006 to 2009, he worked in Chongqing as a photographer for the Chongqing Morning Post (《重庆晨报》). From the start, he carried two cameras: one for work, and a cheap medium format camera for personal use.
Zhang has been inspired by the photography of Diane Arbus, Alec Soth and Boris Mikhailov.
They is a series of photographs mostly taken while Zhang was working in Chongqing; they are of scenes in Chongqing itself but also nearby on the Yangtze and Jialing rivers and elsewhere. The colour photographs are square format, and employed a Holga camera. A book of the photographs was published in China in 2012; two years later a smaller selection was published in Paris.
For Coastline, Zhang "visited every town and city along the Chinese coastline", from 2009 to 2013. The photographs are colour again, but this time Zhang used a Mamiya 7 II camera. Zhang has described the coastline as "[China's] first area of impact from external culture and the rapid economic development; the series "records subtle and surreal moments of life by the sea".
Zhang used a Holga again for the square, colour photographs of traditional rituals surrounding the lunar new year in Shaanxi. The book Shanxi was first published by Little Big Man in the United States; Sean O'Hagan describes it as "a seductive book, a glimpse of a world of pagan custom that somehow endures against the odds, dreamlike and entrancing".

On November 24 is the birthday of

Arthur Tress, American photographer born in 1940 in Brooklyn, NY. He is known for his staged surrealism and exposition of the human body.
The youngest of four children in a divorced family, Tress spent time in his early life with both his father, who remarried and lived in an upper-class neighborhood, and his mother, who remained single after the divorce and whose life was not nearly so luxurious. At age 12 he began to photograph circus freaks and dilapidated buildings around Coney Island in New York City, where he grew up.
Tress studied at Abraham Lincoln High School in Coney Island, and gained a Bachelor of Fine Arts at Bard College in Annandale-on-Hudson, New York. After graduating from Bard College in 1962, Tress moved to Paris, France to attend film school. While living in France, he traveled to Japan, Africa, Mexico, and throughout Europe. He observed many secluded tribes and cultures and was fascinated by the roles played by the shaman of the different groups of people. The cultures to which he was introduced would play a role in his later work. Tress spent the spring and summer of 1964 in San Francisco, documenting the Republican Convention that nominated Barry Goldwater, civil rights demonstrations at segregated car dealerships on Van Ness Avenue, and the Beatles launching their 1964 tour. Tress took over 900 photographs that were put away and re-discovered in 2009, and featured in a show at San Francisco's deYoung Museum.
He currently resides in Cambria, California.

On November 25 is the birthday of

Matthew Pillsbury, American photographer born in Neuilly, France, in 1973.
While in France, Pillsbury attended the École Alsacienne and graduated in 1991 in History and Economics. Pillsbury then moved to the U.S. in 1991 to pursue a Bachelor of Arts in Fine Art where he graduated in 1995. Also at Yale, he received the Ethel Child Walker Prize for outstanding undergraduate artist. He went on to complete his M.F.A at the School of Visual Arts in New York City in 2004.
Since 2004, Pillsbury has had over 25 solo and 35 group exhibitions in the US, Canada and throughout Europe. His work is part of over 25 permanent collections throughout the U.S, Canada and Europe.
Two of Pillsbury’s major influences include Japanese photographer Hiroshi Sugimoto and Cuban-born photographer Abelardo Morell, also a Yale alumni.
In April 2014, Pillsbury was one of 11 photographers awarded the John Simon Guggenheim Memorial Foundation Fellowship.
He lives and works in New York.

On November 26 is the birthday of

Luigi Gariglio, Italian photographer and sociologist born in 1968.
He is a lecturer in Visual Studies at the University of Turin and Visiting Professor of Photography at the Naba Art Academy in Milan. Concurrently he is Visiting researcher at the Centre for Criminology, University of Oxford.
His major research areas are Photography, Visual Methods in Ethnography, Sociology of Prisons, Medical Sociology, Gender,  Sociology of Communication.
A social context, or a specific role in society, are often the starting point of Luigi Gariglio's work. The end result of his projects consists of color images, and often texts. Aesthetics, however, is fundamental to him; in his work the process is often inextricably intertwined with the content.
He usually works on a long-term basis and his work is always embodied in series and projects (commissioned by cultural institutions or publishing houses) which he carries out for very long periods, sometimes years.

Today, November 27, is the birthday of

Michele Palazzi, Italian documentary photographer born in Rome in 1984.
In 2007 he gained a three-year master's degree in Photography at the Scuola Romana di Fotografia. In 2013 he received the First Prize of Environmental Photographer of the Year Award by the Chartered Institution of Water and Environmental Management. Between 2012 and 2013 he started working on Black Gold Hotel a long term project about the modernization impact in Mongolia, which has been awarded with the First Prize in the Daily Life category - Stories of the World Press Photo 2015.
He lives in Rome and he is represented by the Contrasto agency.

César Santos (I) [Pintura]

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Primera parte de un repaso a la obra y biografía del artista realista cubano residente en Estados Unidos César Santos, con comentarios e información de diversas fuentes.

First part of a review of the work and biography of Cuban artist based in the United States César Santos, with comments and information from several sources.
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César Santos

"Auto-Sincretismo / Self-Syncretism", óleo sobre lino / oil on linen, 53,34 x 40,64 cm.
Colección privada / Private Collection

César Santos es un artista cubano nacido en Santa Clara, Villa Clara, en 1982. Llegó a los Estados Unidos en 1995.
Se graduó en la Academia de Arte Ángel en Florencia, Italia, donde se instruyó en las técnicas y métodos desarrollados en el s.XIX en los ateliers franceses. También estudió en la Escuela de Artes Nuevo Mundo en Miami, Florida, tras recibir su grado en el Miami Dade College.
Es conocido por su "Sincretismo", un término que utiliza desde 2011 para describir pinturas en las que presenta dos o más tendencias en equilibrio estético.

"Secuelas / Aftermath", óleo sobre lino / oil on linen, 37" x 54"

"La vecina de al lado / Next Door Neighbor", óleo sobre lino / oil on linen, 36" x 28"

«Mi tío (Raúl Santos Zerpa - Santoserpa, ver más abajo) es un pintor famoso en Cuba, y él estaba exponiendo en los tiempos en que yo estaba creciendo, así que pude asistir a algunas de sus muestras, y comprendí que me gustaba esa atmósfera, ser el centro de atención, tener mis pinturas allí colgadas, y la gente mirándolas, adoraba esa idea. Así que creo que eso me ha hecho sentirme más inspirado, interesado en el arte.»

"Figura Re-Kline-Ada / Figure Re-Kline-Ing", óleo sobre lino / oil on linen, 43" x 40"

Izq./ Left: "Jay", óleo y carboncillo sobre lino / oil and charcoal on linen, 39" x 28"
Der./ Right: "Mostrador / Front Desk", óleo y crayones sobre lino / oil and crayon on linen, 34" x 28"

«Como somos inmigrantes, mi padre es mecánico y trabajaba todo el tiempo para cuidar de nosotros cuatro: my hermana, mi madre... y yo veía ese esfuerzo, y creo que aprendí de ello. También, como no teníamos mucho dinero y me lo dieron todo cuando tuve que ir a estudiar a Europa, porque yo tenía una beca en mi colegio, porque no tenía préstamos, tuve la suerte de tener buenas notas poder acceder a una beca de cobertura completa en el colegio. Y ellos vieron mi pasión y dijeron: Bien, este chico necesita estudiar esas artes. Así que vendieron la casa, mi madre tenía dos trabajos, y comenzaron a apoyarme hasta que me gradué.»

"Restauradores / Restorers", óleo sobre lino / oil on linen, 29" x 39"

"Servicio de canguro / Babysitting", óleo sobre lino / oil on linen, 36" x 39"

Mientras estudiaba artes visuales en la Escuela de Arte Nuevo Mundo, Santos también estudió actuación entre 2000 y 2004 con Teresa María Rojas, la fundadora de Prometeo, un programa de teatro en el Dade College Wolfson Campus de Miami. Durante este período intentó actuar profesionalmente, trabajando en varias producciones teatrales y programas de televisión. Sin embargo, insatisfecho con el abordaje modernista del colegio, lo dejó y viajó a Italia buscando instrucción en pintura artistica.

Izq./ Left: "Ángel rosa / Pink Angel", óleo sobre lino / oil on linen, 55" x 30"

"Templanza / Temperance", óleo / oil, 18" x 14", 2009. Colección privada / Private Collection

«Mi objetivo con la pintura Temperance era presentar a una jovencita del mundo de hoy y darle un poder pictórico, una cualidad común de las pinturas del pasado. Busqué crear una imagen atemporal, con una pose aparentemente simple pero profunda y reflexiva .
La parte más difícil de esta pintura era retratar a una muchacha joven y natural en una actitud simple, vestida humildemente, su pelo simplemente peinado, dotándola al mismo tiempo de un profundo sentimiento que muestra su carácter fuerte y tal vez sus pensamientos.
Con el fin de provocar estos sentimientos, tuve que utilizar un fuerte efecto de iluminación para enfatizar el drama.»
American Artist Cover Competition, 2011

"My goal with the painting Temperance was to present a young girl of today's world and give her a pictorial power, a common quality of the paintings of the past. I aimed to create a timeless image, with a seemingly simple pose yet profound and thoughtful.
The most difficult part of this painting was to portray a natural young girl in a simple pose, humbly dressed, her hair simply combed; at the same time giving it a profound feeling showing her strong character and perhaps her thoughts.
In order to provoke these feelings, I had to have a strong lighting effect to emphasize the drama."

"Assoluta", óleo sobre lino / oil on linen, 34" x 48"

En 2006, Santos completó su instrucción en Florencia y regresó a Miami. Inicialmente pintaba bodegoes, pero sentía que estaba faltando algo en su obra, y comenzó a incorporar la figura en sus composiciones. 
«Tan pronto como incorporé la figura la pintura ganó mayor poder - dice. Después de todo, somos humanos. Inmediatamente ví que puedes expresar mucho con la figura. Comencé a explorarla y descubrí que amo la forma femenina, con esa dimensión lírica que fluye a través de ella.»

"La dicotomía de Basquiat / Basquiat Dichotomy", óleo sobre lino / oil on linen, 24" x 24"

"Arcoiris / Rainbow", carboncillo y gesso negro sobre papel / charcoal and black gesso on paper, 44" 

Cesar Santos is a Cuban artist, born in Santa Clara, Villa Clara, en 1982. He arrived in USA in 1995.
He's a graduate of the Angel Academy of Art in Florence, Italy, where he was trained in techniques and methods developed in the 19th Century French ateliers. He also studied at the New World School of the Arts in Miami, Florida, after receiving his Associate of Arts Degree from Miami Dade College.
He is better known for his Syncretism, a term he used since 2011 to describe paintings where he presents two or more art tendencies in aesthetic balance.x 55"

"Bailando con el Sr. Bacon / Dancing with Mr. Bacon", óleo sobre lino / oil on linen, 30" x 23"

"El estudio del Maestro / The Master's Studio", óleo sobre lino / oil on linen, 36" x 36"

«My uncle (Raúl Santos Zerpa - Santoserpa, see below) is a famous painter in Cuba, and he was having exhibitions by the time I was growing up so I was able to attend some of the shows, and I realized that I liked that atmosphear, to be the center of attention, and having the paintings hanging, and people looking at them, I loved that idea. So that's I think I became more inspired, interested in the art.»

Izq./ Left: "Ranked", carboncillo sobre papel / charcoal on paper, 41" x 30"
Der./ Right: "Criollo", carboncillo sobre papel / charcoal on paper, 50" x 38"

"Re-Creación / Re-Creation", óleo sobre lino / oil on linen, 53" x 34"

«Since we're immigrants, my father is a mechanic and he was working full time to take care of four of us: my sister, my mom... and I saw that effort, and I think I learn from that. And also by don't having much money, and giving me all they had by the time I had to go to Europe to study, because I got a scholarship on my college, I didn't have a loan, I was lucky enough to get good grades to be able to get my scholarship to have a full covered college. And then I saw them seen my passion and said: Ok, this guy needs and study this art. So they sold house, my mom had two jobs and they started supporting me until I was fullfilled and graduated.»

"Primer tatuaje / First Tattoo", óleo sobre lino / oil on linen, 28" x 39"

Izq./ Left: "James", óleo y crayón sobre lino / oil and crayon on linen, 36" x 28"
Der./ Right: "Sin título / Untitled", óleo y carboncillo sobre papel / oil and charcoal on paper, 25,5" x 19,5"

While studying visual arts at the New World School of the Arts, Santos was also studying acting from the year 2000 to 2004 under Teresa Maria Rojas the founder of Prometeo, a theater program at the Miami Dade College Wolfson Campus. During this time, he pursued acting professionally and acted in a number of theatre productions and television shows. However, dissatisfied by the modernist approach of the school, he dropped out and travelled to Italy in search of training in the art of painting.

"Juliet", óleo sobre lino / oil on linen, 53" x 36"

"Reina YM / YM Queen", óleo sobre lino / oil on linen, 47" x 36"

In 2006, Santos completed his training in Florence and returned to Miami. Initially he started painting still life pieces, but he felt that something was missing from his work and began incorporating the figure into his compositions.
«As soon as I incorporated the figure the painting got more power», he says. «After all, we are human. Immediately, I saw you can express so much with the figure. I started exploring it and found that I love the female form with the lyrical lenght that flows through it.»

Izq./ Left: "La sobrina de Matisse / Matisse's Niece", óleo sobre lino / oil on linen, 39" x 27"
Der./ Right: "Mente subconsciente / Subconscious Mind", óleo sobre lino / oil on linen, 39" x 26"

"Psique y yo / Psyche And I", óleo sobre lino / oil on linen, 56" x 56"

"Autorretrato / Self Portrait"
Grafito y carboncillo blanco sobre papel / graphite and white charcoal on paper, 12" x 19"
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Fuentes / Sources:
* Website - * Wikipedia
* Artículo / article, Western Art And Architecture, Oct., 2013
* Artículo / article, Miami Herald, 2013
* Artículo / article, Miami International Ballet Festival, 2007
* Entrevista de / Interview by Marcin Migdal. Mad Artists Interview (video)
* Artículo de / article by Bonnie Gangelhoff, 21 Under 31, Sept., 2010

Más imágenes e información sobre César en / More images and information about Cesar in:

Más sobre César en "El Hurgador" proximamente... / More about Cesar in this blog coming soon...

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, César!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Cesar!)



Una charla (en inglés) en la que César habla de su vida, su obra y su concepto del sincretismo /
A talk in which Caesar talks about his life, his work and his concept of syncretism.















Referencias / References

Raúl Santos Zerpa (Santoserpa)


Raul Santos Zerpa (Santoserpa) es un artista cubano nacido en 1939 en Las Villas, especializado en pintura y grabado. Es el tío de César.
Entre 1960 y 1962 estudió Pintura en la Escuela Provincial de Artes Plásticas "Leopoldo Romañach". Junto con su desarrollo artístico fue profesor de diferentes escuelas de arte. Desde 1966 es miembro de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC). Ha sido jurado en varias ferias y concursos.
En 1962 presentó "Rostros y expressiones, dibujos de Raúl Santos Zerpa" en el Círculo de Cultura de Santa Clara. En 1971 presentó una exposición en la Galería de la Unión de Artistas Plásticos en Varsovia, Polonia. En 1995 realizó una exposición individual para celebrar el 306 aniversario de la fundación de la ciudad, Casa de la Ciudad, Santa Clara, Villa Clara, Cuba. Sus trabajos han sido presentados también en diferentes muestras colectivas.
Ha obtenido varios premios y reconocimientos durante su vida.

"Gozo con tu presencia, aunque estés indiferente / I Enjoy your precence Even if you are indifferent"
Acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 98 x 130 cm., 2002
Colección del autor / Artist's Collection

"Piruetas que hagas no retienes mi interés / Pirouettes you make do not hold my interest"
Acuarela y tinta sobre cartulina / watercolor and ink on cardboard, 76 x 56 cm., 2002
Colección del autor / Artist's Collection

Raul Santos Zerpa (Santoserpa) is a Cuban artist born in 1939 in Las Villas, specializing in painting and engraving. He's Cesar's uncle.
Between 1960- 1962 he studied Painting in the Escuela Provincial de Artes Plásticas “Leopoldo Romañach.” Together with his artistic development he was professor of different art schools. Since 1966 is Member of the Unión de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC). He has been a juror in several fairs and contests.
In 1962 he presented Rostros y Expressiones, Dibujos de Raúl Santos Zerpa at the Círculo de Cultura, Santa Clara, Cuba. In 1971 he presented an exhibition at the Gallery of the Union of Fine Artists in Warsaw, Poland. In 1995 he did a solo show to celebrate the 306 anniversary of the foundation of the city, Casa de la Ciudad, Santa Clara, Villa Clara, Cuba. His works has been presented in collectives shows too.
He had obtained various prizes and recognitions during his life.

"En este entorno cambiante, será difícil para mí encontrar mi lugar /
In this turning environment, will be difficult for me to find my place"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas 170 x 256 cm.
Colección / Collection Museo Nacional de Bellas Artes (La Habana / Havana, Cuba)

Recolección / Compilation (LXVI)

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Pieter (Peter) van der Borcht (I) o El Viejo / or The Elder
(Mechelen, Flandes / Flanders, c.1540 - 1608)

"Allegorie op de moeilijkheid van het besturen / Alegoría de la dificultad de gobernar una nación diversa /
Allegory on the difficulty to govern a diverse nation", aguafuerte / etching, 21 × 29,8 cm., 1578
publicada por / published by Philips Galle & Cornelis Kilaan
Rijksmuseum (Ámsterdam, Holanda / Netherlands)

"Praalwagen met zeemonster / Flotando con el monstruo marino / Float with Sea Monster"
Aguafuerte sobre papel / etching on paper, 19,9 × 32,7 cm., 1594
Ilustración en / Illustratie in: Joannes Bochius, Descriptio publicae gratulationis, spectaculorum et ludorum, in adventu Sereniss. Principis Ernesti Archiducis Austriae, Ex Officina Plantiniana, Antwerpen 1595, p. 123.
Rijksmuseum (Ámsterdam, Holanda / Netherlands)
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Lilia Mazurkievich
Лилия Мазуркевич
(Bielorrusia / Belarus, 1967-)

"Éxtasis de Leah / Ecstasy of Leah", óleo sobre lino / oil on linen, 135 x 105 cm., 2012

"Mi amigo libidinoso / My Lustful Friend", óleo sobre lino / oil on linen, 166 x 96 cm., 2006
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Nikita Kaun
(San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia, 1993-)

"Dulce lobotomía - póster para la película Brazil / Sweet Lobotomy - poster for a movie BRAZIL"
arte digital, ilustración / digital art, illustration
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Jeanna Bauck
(Estocolmo, Suecia / Stockholm, Sweden, 1840 -
Múnich, Alemania / Munich, Germany, 1926)

"Den danska Konstnärinnan Bertha Wegmann målande ett Porträtt /
La artista danesa Berta Wegmann pintando un retrato / 
The Danish Artist Bertha Wegmann Painting a Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 110 x 100 cm., 1870s
National Museum (Estocolmo, Suecia / Stockholm, Sweden) Wikimedia Commons

Bertha Wegmann
(Soglio, Suiza / Switzerland, 1846 -
Copenhague, Dinamarca / Copenhagen, Denmark, 1926)

"Målarinnan / La pintora / The painter Jeanna Bauck", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 106 × 85 cm., 1881
National Museum (Estocolmo, Suecia / Stockholm, Sweden) Wikimedia Commons
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Simon Stålenhag
(Suecia / Sweden)

"Incidente al borde del pueblo / Incident On The Edge of Town"

"Tenemos ancho de banda", del libro "Cosas de la inundación" /
We’ve Got Bandwidth, from the book Things from the Flood

"Fiestas del pueblo / Town Festivities"
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Ivan Alifan Jdanov
(Rostov on Don, Rusia / Russia, 1989-)

"Cereza / Cherry", óleo / oil, 72" x 48"

"Cumpleaños / Birthday", óleo / oil, 60" x 48"
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Fernando Cobo
(Madrid, España / Spain)

"Foro de Roma / Rome Forum", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 165 x 250 cm.
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François Fontaine
(París, Francia / France, 1968-)

"Vértigo", de la serie ¡Silencio! / "Vertigo", from the Silenzio! series, 2012
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Heikki Kaski
(Kantvik, Finlandia / Finland, 1987-)
en Copenhague / at Copenhagen

de la serie "Tranquilidad" / from the series “Tranquillity”
Tranquillity es un pueblecito de 800 habitantes en el Valle Central de California. Las imágenes de Heikki ponen de manifiesto la inquietud dentro de la vida cotidiana del pueblo de una manera sorprendentemente precisa, lo que facilita al espectador relacionarse con su sensación de angustia./
Tranquillity is a small town of 800 people in California’s Central Valley. Heikki’s images bring out the uneasiness within the everyday life of the town in a strikingly precise manner, making it very easy for the viewer to relate with his sense of anguish.
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Jen Davis
(Akron, Ohio, EE.UU./ USA, 1978-)

Sin título Nº 29 / Untitled #29, impresión de pigmentos / archival pigment print, 20" x 24", 2008
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Kang Kang-Hoon
강 강 훈
(Corea del Sur / South Korea, 1979-)

"Mujer furiosa moderna embarazada / Modern Lady-Angry pregnant woman"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 193,9 × 130,3 cm., 2012 © Kang Kang Hoon
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Duarte Vitoria
(Panafiel, Portugal, 1973-)

"Toque de manos / Hands Touch
"Atrapada / Caught", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 146 x 200 cm., 2011 © Duarte Vitoria
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Eric Fortune
(EE.UU./ USA?)
en / at Columbus, Ohio

"Partida exquisita / Exquisite Departure", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 22" x 34", 2010

"Diosa de la antigüedad / Goddess of Antiquity"
Acrílico sobre papel de acuarela / acrylic on watercolor paper, 15" x 19"
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Félix Valloton
(Lausana, Suiza / Lausanne, Switzerland, 1865 - París, Francia / France, 1925)

"Cinq peintres / Cinco pintores / Five Painters"
De izq. a der. / from left to right: el autor / the author (Félix Vallotton), sentados / seated, Pierre Bonnard, Édouard Vuillard y Charles Cottet, de pie / stand upKer-Xavier Roussel.
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 145 x 187 cm., 1902-03
Kunstmuseum (Winterthur, Suiza / Switzerland)

Jean-Édouard Vuillard en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (CXLIX)]

"Die Ruhepause der Modelle / El descanso de las modelos / The Rest of the Models"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 x 195,5 cm., 1905
Kunstmuseum (Winterthur, Suiza / Switzerland)
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David Hornback
(Los Ángeles, EE.UU./ LA, USA, 1968-)

"Wichita, Kansas", 1977 © David Hornback

"Mujer con perro en la bolsa de la compra / Woman With Dog in Her Shopping Bag"© David Hornback
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Stefan Marcu
(Rumania / Romania)

"Gato egipcio / Sphinx Cat", deviantART

"Gato / Cat", deviantART
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Randy James Owen
(EE.UU./ USA)

"Sir Sean", grafito / graphite 2H, 2B, 3B, 5B - 11" x 14" smooth bristol. deviantART 

Randy Owen en "El Hurgador" / in this blog[Jeffries, Owen, Oleg Dou, Verner]
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Martijn Versteeg
(Holanda / Netherlands, 1989-)

"Audrey Hepburn 3", grafito y carboncillo / graphite and charcoal, 42 x 56 cm. deviantART

Audrey Hepburn en "El Hurgador" / in this blog[Yousuf Karsh (Fotografía)], [Aniversarios (XXXIV)]
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Jaroslaw Datta
(Katowice, Silesia, Polonia / Poland)

"Melancolía / Wistfulness", copia de pigmentos / archival pigment print, 48 x 48 cm., Ed.25. Saatchi
 © Jarosław Datta

"Adiós / Farewell", copia de pigmentos / archival pigment print, 19,7" x 19,7" x 0.1",  Ed.10. Saatchi
© Jarosław Datta

Senaka Senanayake (I) [Pintura]

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En este primer post, una mirada cronológica a la dilatada carrera de Senaka Senanayake, niño prodigio y uno de las más destacados artistas de Sri Lanka, que a los 10 años ya había presentado su primera exposición en Nueva York.

In this first post, a chronological look at the long career of Senaka Senanayake, a child prodigy and one of the most outstanding artists of Sri Lanka, who at 10 years had already presented his first show in New York.
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Senaka Senanayake


Senaka Senanayake es un artista nacido en Colombo, Sri Lanka, en 1951.
Niño prodigio, alcanzó la fama muy pronto y realizó su primera muestra en solitario a los 8 años. Expuso en otros continentes antes de graduarse de la Universidad de Yale en Arte y Arquitectura en 1972. A su regreso a Sri Lanka, se estableció como una fuerza formidable en el arte del sur de Asia. Hoy en día su nombre es sinónimo de naturaleza en su mayor gloria. En 2005, al visitar los bosques de Sri Lanka, Senaka descubrió su belleza y aprietos al enfrentarse a la extinción a manos de un desarrollo desenfrenado. La selva amenazada con sus plantas, animales e insectos se convirtieron en su centro de atención. Tomó la decisión de pintar la auténtica belleza de esos elementos.

"Jirafas / Giraffes", 110 x 80 cm., 1958

"Tigres / Tigers", 165 x 102 cm., 1962

Su obra ha sido documentada por Metro Goldwyn, British Movieton News, BBC TV (Londres),  Yeo Soo TV (Corea del Sur), TV Austria y Star TV (India). También ha sido publicado por varios periódicos y revistas tales como The New York Sunday Times, Washington Post, London Times, Weser Kurier (Alemania), UNESCO Features (Paris), National Geographic Magazine, Asia Week y muchas otras.

"Ciervos / Deers", 90 x 100 cm., 1972

«No tengo ningún artista individual que me impresione. Fueron obras especiales hechas por los artistas de las escuelas impresionista, cubista, surrealista y expresionista las que realmente me inspiraron. Los artistas podrían ser Monet, Van Gogh, Gaugin, Picasso, Salvador Dalí, etc.»

"Ganado pastando / Cattle Grazing", 112 x 76 cm., 1976

"Gatos / Cats", 86 x 101 cm., 1979

«Mi talento para el arte fue descubierto por el Sr. L.P. Gunatilleke, un destacado crítico de arte que era amigo de la familia. Fui invitado por él a hacer una muestra individual en la National Art Gallery cuando tenía 8 años, patrocinada por el Consejo Nacional de las Artes. El producto de las ventas que se realizaron en la muestra fueron para fondo de la piscina de la Escuela Real de Natación. Un periodista del periódico estadounidense Christian Science Monitor visitó la muestra y escribió un artículo sobre mí. Una galería puntera de San Diego se fijó en él y me invitó a hacer una muestra individual en la The Fine Arts Gallery. Debido al éxito de la muestra, me invitaron a exponer en Nueva York en la galería Asia House.»

"Mara Yuddaya", 163 x 122 cm., 1984

"Pescadoras al crepúsculo / Fisherwomen At Dusk", 120 x 90 cm., 1990

Los animales y plantas han sido un tema recurrente, así como el "círculo de la vida" que ahora se manifiesta como un globo de luz transparente en sus pinturas. Es un motivo budista esencial, que simboliza el eterno movimiento de la vida y la energía. Gran parte de su obra se basa en el círculo cósmico por su forma y fluidez, ya sea sus pinturas de un rebaño de ganado o lotos en flor. "He hecho algunas pinturas de bordes marcados, pero tiendo hacia el arte verdadero más que hacia las abstracciones", dice. Los colores de Senanayake son a menudo violentamente hermosos, una reacción a la belleza natural que se desvanece rápidamente alrededor de él. "Cuando era niño, a menudo buceaba en Sri Lanka y había bellos corales y muchos peces. Ahora, con el calentamiento oceánico y los cambios en los niveles de pH, el coral se está blanqueado y tendrás suerte si eres capaz de ver algún pez", dice.

"Mural en / Mural at Sai Mandir Colombo", 456 x 183 cm., 1991

Senaka seduce, por supuesto. Su representación de la naturaleza es una exploración amable pero incandescente del color. En la vida real, la naturaleza puede ser, y a menudo es, violenta. Las criaturas matan, las estaciones causan estragos, las plantas mueren, las especies se ponen en peligro. ¿Porqué la imaginación fecunda de Senaka es tan pacífica? Tal vez las respuestas se encuentran dentro de cada uno de nosotros. A medida que nuestra existencia cotidiana se eleva a un estado de estrés, mientras observamos e incluso somos arrastrados a pequeños círculos de brutalidad e ira, Senaka nos permite la gracia de una fantasía escapista para encontrar una salida a nuestras emociones reprimidas. Cuanto más luchamos por sobrevivir a la carrera de ratas de las civilizaciones modernas, cuanto más nos atrae nuestro pasado, más alivio buscamos en una realidad imaginada y su presencia tranquilizadora.

"¿Adónde irá la jirafa? / Where Will the Giraffe Go?", 70 x 100 cm., 1991

"Jardín del Edén / Garden of Eden", mural, 936 x 186 cm., 1994

Senaka Senanayake is an artist born in Colombo, Sri Lanka, in 1951.
A child prodigy, he attained fame early and had his first solo show at the age of 8. He exhibited across continents before graduating from Yale University in Art and Architecture in 1972. On his return to Sri Lanka, he established himself as a formidable force in South Asian Art. Today his name is synonymous to nature in her complete glory. In 2005 on visiting the rainforests of Sri Lanka, Senaka discovered their beauty and their plight- facing extinction at the hands of rampant development. The endangered rainforest the plants, animals and even the insects became his focus. Painting these elements in their true beauty was a conscious decision, for then how not to lose them would be a thought.

"Explosión solar / Sunburst", 116 x 138 cm., 1995

"Espátulas / Spoon Bills", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90 x 150 cm., 1997

His works have been documented by Metro Goldwyn, British Movieton News, BBC TV, London; Yeo Soo TV, South Korea; TV Austria, and Star TV, India. He has also been published in various journals, magazines and newspapers such as The New York Sunday Times, Washington Post, London Times, Weser Kurier, Germany; UNESCO Features, Paris; National Geographic Magazine, Asia Week and many others. 

«I do not have any individual [artist] who impressed me. It was special works done by Artists from the school of Impressionism , Cubism, Surrealism and Expressionism that really inspired me. The Artists would be Monet, Van Gogh, Gaugan, Picasso, Salvador Dali etc.»

"Buda y sus seguidores / Buddha and His Followers", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 180 x 120 cm., 2003

"Sin título / Untitled", 3' x 5', 2004

«My talent in Art was first discovered by Mr. L.P. Gunatilleke, a leading Art Critic who was a family friend. I was invited by him to hold a solo Art Exhibition at the National Art Gallery at the age of Eight sponsored by the National Arts Council. The sales proceeds from the show went to the Royal College Swimming pool fund. A journalist from the Christian Science Monitor News Paper from USA visited the show and wrote an article about me. A leading gallery in San Diego USA picked up on it and invited me to do a solo show in  their gallery called The Fine Arts Gallery of San Diego. Due to the  success of the show I got an invitation to show in New York at the Asia House Art Gallery.»

"Esplendor de la selva tropical / Rainforest Splendour", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 6' x 6', 2006

"El esplendor dorado / The Golden Splendor", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 48" x 48", 2009

Animals and plants have been a recurring theme, so is the ‘circle of life’ that now manifests as translucent orbs of light in his paintings. It is an essential Buddhist motif, symbolising eternal movement and life energy. Much of his work relies on the cosmic circle for form and fluidity—be it his paintings of a herd of cattle or lotuses in bloom. “I have done some hard-edged paintings, but I tend towards truthful art rather than abstractions,” he says. Senanayake’s colours are often violently beautiful, a reaction to the fast-fading natural beauty around him. “As a child, I would often snorkel in Sri Lanka and there were these beautiful corals and so many fish. Now, with the oceanic warming and changing pH levels, the coral is bleached white and you’d be lucky to see any fish at all,” he says.

"Pantera negra / Black Panther", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 4' x 5', 2010

Senaka beguiles, of course. His representation of nature is a gentle but incandescent exploration of color In real life, nature can and often is violent. Creatures kill, seasons wreak havoc, plants die, species become endangered. Why is Senaka's fecund imagination then so peaceful? Perhaps the answers lie within each of us. As our day-to-day existence rises to a stressed pitch, as we observe and are even drawn into small circles of brutality and anger, Senaka permits us the grace of an escapist's fantasy to find an exit for our pent-up emotions. The more we struggle to survive the rat race of modern civilisations, the more our past draws us, the more relief we seek in an imagined reality and its soothing presence.

"Tigre / Tiger", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 4' x 6', 2011
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Fuentes / Sources:
* Senaka Senayake, pintor de nuestro entorno en extinción / painter of our vanishing environment
Artículo de / Article by Debarati S Sen, The Times of India, 12/2013
* Artículo y entrevista en / Article and interview, 4/2015, Mirror Citizen
* Senaka Senanayake: La vida es hermosa / Life Is Beautiful
Artículo en / Article in Open Magazine, 7/2016

Más imágenes e información sobre Senaka en / More images and information about Senaka in:

Más sobre Senaka Senanayake en "El Hurgador" proximamente... / 
More about Senaka Senanayake in this blog coming soon...

Imágenes publicadas con autorización (¡Muchas gracias Premal y Senaka!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot Premal and Senaka!)



Galería Unicorn presenta un charla artística de Senaka Senanayake con Seemah Niaz (en inglés) /
Unicorn Gallery presents Senaka Senanayake in an art talk with Seemah Niaz





Aniversarios (CLII) [Noviembre / November 27-30]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 27 de Noviembre es el cumple de

Yelena Dmitrievna Polenova (Елена Дмитриевна Поленова), pintora y artista gráfica rusa de estilo Art Nouveau nacida en San Petersburgo en 1850. Fue una de las primeras ilustradoras de libros infantiles en Rusia.
Su madre, una escritora de cuentos infantiles y artista aficionada, le proporcionó sus primeras lecciones de dibujo. A partir de 1859 ella y sus hermanos recibieron lecciones de Pavel Chistyakov.
En ese momento, las mujeres no eran admitidas en la Academia Imperial de Artes, así que a los catorce años, se inscribió en la escuela de dibujo operada por la Sociedad Imperial para el Fomento de las Artes, donde estudió con Ivan Kramskoi. De 1869 a 1870 visitó Francia y tomó lecciones privadas de Charles Joshua Chaplin.

"Зверь (Змий) / La bestia (serpiente) / The Beast (Snake)", acuarela, aguada y lápiz de grafito / watercolor, gouache and graphite pencil, 144 х 103 cm., entre / between 1895-98

De 1870 a 1877 trabajó en los estudios de Chistyakov. Luego tomó clases de acuarelas y cerámica en la Sociedad Imperial, hasta 1880, con un descanso cuando ella y su hermana fueron voluntarias en un hospital durante la Guerra Russo-Turca. Allí se enamoró de un médico, pero su familia se opuso a un matrimonio. Aunque cedió a sus deseos, fue profundamente infeliz.

"Después del baño / After the Bath", acuarela realzada con blanco, sobre papel /
watercolour, heightened with white, on paper, 64,1 x 40,6 cm., c.1870

Lo hizo tan bien en cerámica que la Sociedad le dio un estipendio para estudiar en París, algo que pocas mujeres artistas recibieron. Allí trabajó con Théodore Deck y Evdokim Egrorov (1832-1891) y tuvo su primera exposición al Art Nouveau. Al regresar a San Petersburgo, enseñó pintura de porcelana y creó piezas de mayólica victoriana.
Después de 1882 las circunstancias familiares la obligaron a vivir en Moscú, donde trabajó como profesora de arte y se convirtió en miembro de la "Colonia Abramtsevo", un grupo de artistas, músicos y gente del teatro que se reunían en una finca en Abramtsevo perteneciente al familia Mamontov.

"Заводь в Абрамцеве / Arroyo en / Creek in Abramtzevo", acuarela sobre papel / watercolor on paper, 1888

En 1886 hizo sus primeras ilustraciones para veinte cuentos populares recopilados por Alexander Afanasyev. Aunque las de "La guerra de los hongos" (1889) fueron las únicas publicadas durante su vida, su trabajo influyó en otros ilustradores como Ivan Bilibin y Sergey Malyutin. Después de 1893 pasó menos tiempo en Abramtsevo y se concentró en el diseño de bordados, papeles pintados, cerámica y otras piezas de artesanía. Siempre amante de la música, afirmaba que tenía "oído para el color", que escuchar música la hacía ver diseños ornamentales.
Murió en 1898.

"Иконописная XVI столетия / Pintura de iconos en el s.XVI / Icons painting in 16th Century"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 38,5 x 32 cm., 1887
Galería Estatal Tretyakov? (Moscú, Rusia / Moscow, Russia)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

William Orpen (pintor irlandés / Irish painter)
Josef Block (pintor alemán / German painter)
John Thomas Baines (artista y explorador inglés / English artist and explorer)


El 28 de Noviembre es el cumple de

Lotte Laserstein, pintora y retratista germano-sueca nacida en 1898.
Recibió su formación artística en la Academia de Berlín, a la que ingresó sólo un par de años después de haber abierto sus puertas a las mujeres pintoras. Aquí Laserstein estudió con Erich Wolfsfeld. En sus últimos dos años en la academia fue su "alumna estrella". Esto le dio derecho a su propio estudio, así como el libre acceso a los modelos. Ella prefirió modelos femeninas, que según afirmaba eran mejores para mantener poses largas y difíciles. Traute Rose fue su modelo favorita, y se convirtió en amiga de toda la vida de Laserstein, apareciendo en muchas de sus obras.

"Im Gasthaus / En el restaurante / In the Restaurant", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1927. Colección privada / Private Collection

"Baño matinal / Morning Toilette", óleo sobre panel / oil on panel, 39 1/4" x 25 5/8", 1930
National Museum of Women in Arts (Washington, EE.UU./ USA)

Berlín en la década de 1920 era un lugar incómodo, pero emocionante. Laserstein pintaba cadáveres para ilustrar libros de texto y así obtener dinero en efectivo durante el período de hiperinflación. Durante este tiempo las mujeres estaban ganando independencia y entrando cada vez más en el mundo laboral. Laserstein representó a la Nueva Mujer, que también adoptó una apariencia estereotipada, de aspecto masculino, con un estilo de corte de pelo típico de un hombre. Como mujer profesional soltera, se puede ver que Laserstein se adhiere a la definición de la Nueva Mujer, y su mirada andrógina es evidente en sus muchos autorretratos.

"Mädchen mit Katze / Muchacha con gato / Girl With Cat", óleo sobre panel / oil on panel, 70,3 x 55 cm., 1932. Colección privada / Private Collection

Su obra temprana era típica tanto del movimiento vanguardista de la nueva objetividad como de las tendencias retrógradas extremadamente tradicionales del arte alemán del período.
La obra maestra de Laserstein fue la gran pintura Abend über Potsdam (Tarde en Potsdam) de 1930, o "El jardín de la azotea, Potsdam", un friso de amigos que comparten una comida en su terraza, con el horizonte de Potsdam en la lejanía.

"In meinem Atelier / En mi estudio / In my Studio", óleo sobre madera / oil on wood, 1928.
Colección privada / Private Collection
Lotte Laserstein y su modelo favorita Traute Rose como una Venus dormida /
and her favorite model Traute Rose as sleeping Venus

Durante el período nazi en Alemania, Laserstein emigró a Suecia, donde permaneció en Estocolmo y la ciudad de Kalmar. Creó sus obras más importantes en el período entre las dos guerras mundiales. Después de la Segunda Guerra Mundial, sus obras consistieron en retratos inofensivos que carecían del vigor de sus primeros trabajos.
Murió en 1993.

"Selbstporträt mit Katze / Autorretrato con un gato / Self Portrait With a Cat", óleo / oil, 61 × 51 cm., 1928
New Walk Museum & Art Gallery (Leicester, Reino Unido / UK)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Evald Okas (pintor estonio / Estonian painter)
Joan Ponç i Bonet (pintor español / Spanish painter)
Zbigniew Kupczyński (artista polaco-canadiense / Polish-Canadian artist)


El 29 de Noviembre es el cumple de

Gregory Joseph Gillespie, pintor realista mágico estadounidense nacido en 1936 en Roselle Park, New Jersey.
Después de graduarse de la escuela secundaria, se convirtió en un estudiante no graduado en Cooper Union, Nueva York. En 1959 se casó con Frances Cohen (1939-1998), que también era artista, y al año siguiente se trasladaron a San Francisco, donde Gillespie estudió en el San Francisco Art Institute.

"Yo mismo pintando un autorretrato / Myself Painting a Self Portrait"
óleo, alquídico, lápiz, crayon, crayon conte, madera, tinta, cinta de enmascarar y reproducciones fotomecánicas sobre madera /
oil, alkyd, pencil, crayon, conte crayon, wood, ink, masking tape, and photomechanical reproductions on wood, 147,4 x 174,5 cm., 1980-81
Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution (Washington, EE.UU./ USA)

"Entrada trasera: / Back Entrance: Williamsburg, Massachusetts"
Óleo y Magna sobre madera / oil and Magna on wood, 54" x 84", 1972

En 1962 recibió la primera de dos becas Fulbright-Hays, para viajar a Italia a estudiar la obra de Masaccio. Vivió y trabajó en Florencia durante dos años, y en Roma durante seis, estudiando las obras de maestros renacentistas como Carpaccio, Mantegna y Carlo Crivelli, especialmente favorito de Gillespie. Durante este tiempo le concedieron tres becas de Chester Dale y una concesión de Louis Comfort Tiffany. En 1971 fue elegido miembro asociado de la Academia Nacional de Diseño como y se convirtió en académico en 1994.

"Escena callejera alegórica / Allegorical Street Scene"
Óleo sobre papel montado sobre panel de madera /
oil on paper mounted on wood panel, 22,8 x 18,8 cm., 1961-61, repintado / repainted 1963
Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution (Washington, EE.UU./ USA)

Presentó su primera exposición individual en 1966, en la Galería del Foro en Nueva York. En 1970 regresó a los Estados Unidos, donde se estableció en Williamsburg, Massachusetts. Expuso en varias Bienales de Whitney, y en 1977 el Museo de Hirshhorn organizó una retrospectiva de gira de su trabajo.

"Sin título (Diosa de la fertilidad) / Untitled (Fertility Goddess)", óleo sobre panel / oil on board, 35,2 × 27,3 cm., c.1999. Artsy

"Autorretrato en la cama / Self-Portrait On Bed"
Óleo y Magna sobre madera / oil and Magna on wood, 48" x 84", 1973-74, Colección privada / Private Collection

Gillespie se hizo conocido por sus obras figurativas meticulosamente pintadas, paisajes, y autorretratos, a menudo con algún elemento fantástico. Muchas de sus primeras obras fueron hechas pintando sobre fotografías recortadas de periódicos o revistas, transformando las escenas a través de collage fotográfico y añadiendo elementos imaginarios. En su obra posterior abandonó su fascinación temprana con la creación de imágenes hiperrealistas, para centrarse en un estilo más flojo y expresivo. A menudo combinaba los medios de comunicación de una manera poco ortodoxa para crear ensamblajes tipo santuario.
Fue encontrado muerto en su estudio en Belchertown, Massachusetts, al parecer un suicidio por ahorcamiento, el 26 de abril de 2000.

"Rincón del estudio / Studio Corner", óleo, alquídico, acrílico, grafito, papel y madera sobre madera /
oil, alkyd, acrylic, graphite, paper, and wood on wood, 243,8 x 244,5 cm., 1983-86
Metropolitan Museum of Art (MET) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Tahir Salahov (pintor de Azerbaiyán / Azerbaijani painter)
Francis Edgar Dodd (pintor y grabador británico / British painter and printmaker)
James Rosenquist (artista estadounidense / American artist)


El 30 Noviembre es el cumple de

Constantin Dausch, escultor alemán nacido en 1841 en Bad Waldsee.
Estudió en la Academia de Munich y fue a Roma con una beca estatal de Württemberg en 1869. Permaneció allí hasta su muerte. A partir de 1873 trabajó en el estudio que alguna vez perteneció a Antonio Canova.

"Siegfried / Sigfrido", 1890. Foto / Photo: Rami Tarawneh
Bürgerpark (Bremen, Alemania / Germany)

Su primer gran éxito le llegó en ese mismo año de 1873, con un Sansón y Dalila que fue presentado en la Exposición Mundial de Viena.
Su especialidad eran precisamente las grandes figuras clasicistas (muchas de ellas para mecenas alemanes) como una figura de la Esperanza hecha para un monumento familiar en el Cementerio Ohlsdorf de Hamburgo, o el grupo de un hombre joven con la diosa de la fortuna, en Bürgerpark de Bremen (donde también está su Sigfrido luchando con el dragón).

"Omphale im Fell des Löwen / Ónfale con la piel del león / Omphale in the Lion's Coat"
Mármol / marble. Fotos / Photos: Veit Feger
Museum im Konrhaus, Städtisches Museum (Bad Waldsee, Alemania / Germany)

"Hermes" (copia de una obra de Praxíteles / copy of Praxiteles), mármol / marble, altura / height 80 cm.

También hizo retratos y algo de arte eclesiástico, y hay al menos otro ejemplo de una copia de su mano de una obra de escultura antigua: una cabeza y hombros del Hermes de Praxiteles.
Murió en 1908.

"Esperanza / Hope", 1896. Gottesaker
Monumento para la familia Boockmann in el cementerio de Ohlsdorf, Hamburgo /
monument for the Boockmann family monument in Ohlsdorf cemetery, Hamburg
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

William-Adolphe Bouguereau (pintor francés / French painter)
Isidre Nonell i Monturiol (Spanish Catalonian painter / Pintor español, catalán)
Juan Comba García (fotógrafo, pintor, dibujante e ilustrador español /
Spanish photographer, painter, draftsman and illustrator)


Textos en inglés / English translation

On November 27 is the birthday of

Yelena Dmitrievna Polenova (Елена Дмитриевна Поленова), Russian painter and graphic artist in the Art Nouveau style born in St. Petersbourg in 1850. She was one of the first illustrators of children's books in Russia.
Her mother, who was a writer of children's stories and an amateur artist, provided her first drawing lessons. Beginning in 1859, she and her siblings all received lessons from Pavel Chistyakov.
At that time, women were not admitted to the Imperial Academy of Arts so, at age fourteen, she enrolled at the drawing school operated by the Imperial Society for the Encouragement of the Arts, where she studied with Ivan Kramskoi. From 1869 to 1870, she visited France and took private lessons from Charles Joshua Chaplin.
From 1870 to 1877, she worked in Chistyakov's studios, then took classes in watercolors and ceramics at the Imperial Society, through 1880, with a break when she and her sister were volunteers in a hospital during the Russo-Turkish War. She fell in love with a doctor there, but her family was opposed to a marriage. Although she conceded to their wishes, it left her deeply unhappy.
She did so well at ceramics that the Society gave her a stipend to study in Paris; something which few women artists received. There, she worked with Théodore Deck and Evdokim Egrorov (1832-1891) and had her first exposure to Art Nouveau. Upon returning to Saint Petersburg, she taught porcelain painting and created pieces of Victorian majolica.
After 1882, family circumstances required her to live in Moscow, where she worked as an art teacher and became a member of the "Abramtsevo Colony", a group of artists, musicians and theatrical people who gathered at an estate in Abramtsevo belonging to the Mamontov family.
In 1886, she made her first illustrations for twenty folk tales collected by Alexander Afanasyev. Although "War of the Mushrooms" (1889) were the only ones published during her lifetime, her work influenced other illustrators such as Ivan Bilibin and Sergey Malyutin. After 1893, she spent less time at Abramtsevo and concentrated on designing embroideries, wallpaper, ceramics and other craft pieces. Always a lover of music, she claimed to have "color hearing"; that listening to music made her see ornamental designs.
She died in 1898.

On November 28 is the birthday of

Lotte Laserstein, German-Swedish painter and portraitist born in 1898.
She received her artistic training at the Berlin Academy, which she entered only a couple of years after it had opened its doors to women painters. Here, Laserstein studied under Erich Wolfsfeld. In her final two years at the academy she was his 'star pupil'. This entitled her to her own studio as well as free access to models. She favoured female models, who she claimed were better at holding long and difficult poses. Traute Rose was her favourite model, who became a lifelong friend of Laserstein's and features in many of her works.
Berlin in the 1920s was an uneasy yet exciting place. Laserstein painted cadavers to illustrate text books to obtain cash during the period of hyperinflation. During this time women were growing in independence and were increasingly entering the workplace. Laserstein depicted the New Woman, who also adopted a stereotyped appearance of a masculine look, typically with a man's style haircut. As a single professional woman, Laserstein can be seen to adhere to the definition of the New Woman, and her androgynous look is evident in her many self-portraits.
Her early work was typical of both the avant-garde New Objectivity movement and the extremely traditional backward-looking trends in German art of the period.
Laserstein's masterpiece was the large (about 7- 8 feet wide) 1930 painting Abend über Potsdam (Evening over Potsdam) or The Rooftop Garden, Potsdam, a frieze of friends sharing a meal on their terrace, with Potsdam's skyline arrayed in the far distance. 
During the Nazi period in Germany, Laserstein emigrated to Sweden, where she stayed in Stockholm and the city of Kalmar. She created her greatest works in the period between the two world wars. After World War II, her works consisted of inoffensive portraits which lacked the vigour of her early work.
She died in 1993.

On November 29 is the birthday of

Gregory Joseph Gillespie, American magic realist painter born in 1936 in Roselle Park, New Jersey.
After graduating from high school, he became a nondegree student at Cooper Union in New York. In 1959 he married Frances Cohen (1939–1998), who was also an artist, and the following year they moved to San Francisco where Gillespie studied at the San Francisco Art Institute.
In 1962 he received the first of two Fulbright-Hays grants, for travel to Italy to study the work of Masaccio. He lived and worked in Florence for two years, and in Rome for six years, studying the works of such Renaissance masters as Carpaccio, Mantegna, and Carlo Crivelli, who was a particular favorite of Gillespie. During this time he was awarded three Chester Dale Fellowships and a Louis Comfort Tiffany grant. In 1971 he was elected into the National Academy of Design as an Associate member, and became a full Academician in 1994.
He had his first solo show in 1966, at the Forum Gallery in New York. In 1970 he returned to the United States, where he settled in Williamsburg, Massachusetts. He exhibited in several Whitney Biennials, and in 1977 the Hirshhorn Museum organized a touring retrospective of his work.
Gillespie became known for meticulously painted figurative paintings, landscapes, and self portraits, often with a fantastical element. Many of his early works were made by painting over photographs cut from newspapers or magazines, transforming the scenes through photographic collage and by adding imaginary elements. In his later work he abandoned his early fascination with creating hyper-realized realistic imagery, instead focusing on a looser and more expressive style. He often combined media in an unorthodox way to create shrine-like assemblages.
He was found dead in his studio in Belchertown, Massachusetts, apparently a suicide by hanging, on April 26, 2000.

On November 30 is the birthday of

Constantin Dausch, German sculptor born in 1841 in Bad Waldsee.
He studied in the Munich Academy, and went to Rome on a Württemberg state scholarship in 1869. He remained there until his death. From 1873 onwards working in the studio that had once belonged to Antonio Canova.
His first great success came in that same year of 1873, with a Samson and Delilah that was shown at the Vienna World Exhibition.
His speciality was precisely large classicizing figures - many again for German patrons - like a figure of Hope done for a family monument in the Ohlsdorf Cemetery in Hamburg; or the group of A Young Man with the Goddess of Fortune, in Bremen’s Bürgerpark (which also has his Siegfried Fighting the Dragon).
He also did portraits and some ecclesiastical art; and there is at least one other example of a copy by his hand of a work of ancient sculpture: a head and shoulders of Praxiteles’s Hermes.
He died in 1908.

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