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Aniversarios (CCVII) [Diciembre / December 17-23]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
Todos los aniversarios de Diciembre aquí / All anniversaries for December here.
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El 17 de Diciembre es el cumple de

Johannes Carolus Bernardus (Jan) Sluijters, o Sluyters, pintor holandés nacido en 1881 en 's-Hertogenbosch.

"Luna llena sobre el agua / Full Moon on the Water", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1912. WikiArt

"Casas en el / Houses in the Jordaan". WikiArt

Fue pionero de varios movimientos postimpresionistas en los Países Bajos. Experimentó con varios estilos, incluidos el fauvismo y el cubismo, y finalmente se estableció en un colorido expresionismo. Sus pinturas presentan estudios de desnudos, retratos, paisajes y naturalezas muertas.

"Madre y niño / Mother and Child"
Tiza y acuarela sobre papel / chalk and watercolour on paper, 70 x 49,5 cm. Blouin Art

Sluijters se convirtió en alumno de la Rijksakademie van beeldende kunsten (Academia Estatal de Bellas Artes) en 1901 junto con Leo Gestel. En 1904 ganó el Prix de Rome. Se casó con Bertha Langerhorst en el mismo año. El Prix de Rome le dio un estipendio de viaje, con el cual realizó viajes de estudio a Italia y España en 1905 y 1906. En 1906 se familiarizó con el Fauvismo en París. El jurado del Prix de Rome consideró el trabajo que había hecho desde entonces demasiado moderno y por lo tanto suspendió su asignación anual.

"Un retrato de Greet con un sombrero / A Portrait of Greet With a Hat"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50 x 40 cm., 1909. Blouin Art

En 1911 se mudó a Amsterdam y visitó nuevamente a Leo Gestel en París. En 1913 se casó con Greet van Cooten, quien a menudo serviría modelo para sus pinturas. En 1917 se convirtió en miembro de la asociación de artistas de La Haya Pulchri Studio y en 1920 se convirtió en miembro de la asociación de artistas de Ámsterdam Arti et Amicitiae. También fue miembro de la Asociación de Artistas Sint Lucas. En los años que siguieron, Sluijters se hizo cada vez más conocido y el número de exposiciones dedicadas a su obra aumentó cada vez más. En 1933 fue nombrado Oficial de la Orden de Orange Nassau. Ganó el Gran Premio en la Exposición Mundial en París, y recibió una asignación para retratar a Willem Mengelberg. Para celebrar su 60 cumpleaños, el Stedelijk Museum Amsterdam realizó una retrospectiva.
Se convirtió en miembro de la Académie Royale de la Belgique. En 1952 fue nombrado Caballero en la Orden del León Holandés.
Murió en 1957.

"Naturaleza muerta con desnudo de pie / Still Life With Standing Nude". WikiArt


El 18 de Diciembre es el cumple de

Domenico "Mimmo" Paladino, pintor y escultor italiano nacido en 1948 en Paduli, cerca de Benevento.

"Campi Flegrei", óleo sobre lienzo y leño / oil on canvas and log, 1982-1983
Collezione Maramotti, Reggio Emilia. Artsy

Es uno de los principales exponentes de la transvanguardia, movimiento fundado por Achille Bonito Oliva en el año 1980 que se caracteriza por un regreso a la pintura, después de las variadas corrientes conceptuales y minimalistas que se desarrollaron en los años setenta.

"Stupor Mundi (Federico II)"
La maravilla del mundo (Federico II, Emperador de la Sacra Roma) /
The Wonder of the World (Frederick II, Holy Roman Emperor)
Xilografía / xilographia, 2010. Ed.25
Galleria Nazionale d'Arte Moderna (GNAM) (Roma, Italia / Rome, Italy). Foto / Photo: Sergei Zubkov (Flickr)

En 1964 visitó la Bienal de Venecia, donde se exponía una obra de Rober Rauschenbert en el pabellón estadounidense que le produjo una fuerte impresión, revelándole la "realidad del arte".
En 1977 pintó una obra seminal, que marcaría un cambio hacia la pintura, en contraposición a las corrientes de vanguardia en boga. "Siempre pensé en mi obra como algo que está en el filo de un precipicio. Incluso mi primera pintura con una imagen me llegó en un momento en el que algo de este estilo estaba totalmente fuera de la idea de una pintura. Y el título, no por casualidad, fue "Silencio, me retiro a pintar un cuadro."

"Sin título / Untitled", aluminio, hierro / aluminium, iron, 2014
ArtZuid 2015 (Ámsterdam, Holanda / Netherlands). Wikimedia Commons

Sus obras se encuentran expuestas de forma permanente en algunos de los principales museos internacionales entre ellos, el Museo Metropolitano de Arte y el Guggenheim de Nueva York, el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, en el Instituto de Artes de Detroit, en la Tate y la Royal Academy de Londres, en el Museo de Arte Moderno Irlandés de Dublín, en el MACBA de Barcelona, el Kiasma de Helsinki, en el Palazzo delle Arti de Nápoles y el MOCA de Shanghái. 

"Caduto a Ragione / Caída por una razón / Fall for a Reason"
Bronce / bronze, 255,5 x 96,7 x 49 cm., 1995
ArtZuid 2015 (Ámsterdam, Holanda / Netherlands). Wikimedia Commons

"Caduto a Ragione / Caída por una razón / Fall for a Reason"
Artnet


El 19 de Diciembre es el cumple de

Agnieta Cornelia Gijswijt, pintora, aguafortista, acuarelista, dibujante y profesora de arte holandesa, nacida en 1873 en Gorinchem.
Desde los ocho años creció en Amsterdam, hija única padres holandeses reformados originarios de Overijssel. Agnieta fue enseñada por la artista Anna Wijthoff antes o alrededor de 1893 y fue a la Rijksacademie van Beeldende Kunsten en Amsterdam ese año, donde se convirtió en aprendiz de August Allebé, Carel Dake y Nicolaas van der Waay. Fue una compañera anual de Lizzy Ansingh, Coba Ritsema y Nelly Bodenheim, que más tarde serían conocidas como las "Amsterdamse Joffers". Gijswijt no pertenecía a los Joffers, pero fue con algunos de ellos un amigo de toda la vida. En sus últimos años académicos, de 1896 a 1898, Gijswijt trabajó bajo la dirección de Allebé en su propia logia, en 1898 se representó a sí misma allí.

"La estudiante de arte / The Art Student", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 48,8 x 64,7 cm.

En su obra Agnieta Gijswijt se decantó principalmente por los paisajes, cuadros de animales, escenas de género, dunas de playa, paisajes urbanos y retratos. Su estilo a menudo se adaptaba al tema: realista en sus retratos, suelto e impresionista en sus paisajes y escenas de género.
En 1899 apenas un año después de finalizar sus estudios, la obra de Gijswijt ya estaba en la exposición Living Masters en el Stedelijk Museum de Ámsterdam. Se convirtió en miembro de las asociaciones de artistas Arti et Amicitiae y Sint Lucas, y expuso innumerables veces, especialmente en la última. En 1901 fue a París con sus amigas de la escuela Lizzy Ansingh y Jo Stumpff. En los años siguientes realizó viajes de estudio a París, Bélgica, Londres e Italia. Gijswijt también mantuvo una relación amistosa con su antiguo profesor de academia Allebé. En 1903 comenzó a trabajar como maestra en Dagenteken y Kunstambachtsschool for girls en Amsterdam. Sus alumnos fueron, entre otros, Jo van Oosten Slingeland y Engelien Reitsma-Valença, que más tarde elogiaron las capacidades de Gijswijt como profesora.

"Una granjera en el aljibe / A Farm Maid Near the Well"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 28,3 x 38,6 cm. Simonis & Buunk

En 1904 hizo ilustraciones para el libro Sprookjes uit Indië de Lina Tervooren.
Desde 1909 vivió y trabajó en P.C. Hooftstraat 72, donde permanecería hasta su muerte. Dos años más tarde realizó una exposición de su obra allí: setenta pinturas al óleo, estudios, acuarelas, dibujos con tiza y algunos grabados. También ofreció clases de dibujo y pintura en su estudio.
Murió en 1962.

"Slapende baby / Bebé durmiendo / Sleeping Baby", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 28,5 x 39,5 cm.


El 20 de Diciembre es el cumple de

Roger Mühl, pintor, dibujante y escultor francés, nacido en 1929 en Estrasburgo.

"Frutas / Fruits", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50,2 x 65,4 cm. Christie's

"Les grands pins / Los grandes pinos / The Big Pinetrees"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 38,1 x 40,64 cm. Pinterest

Se unió a la Escuela Nacional de Artes Decorativas en Estrasburgo, desde donde fue en 1948 al territorio de Belfort. Se mudó a Montreux-Château en 1954 e hizo su primera exposición parisina en la Galerie de Paris en 1960. Luego en Ginebra, Londres, Milán, Dallas, Colonia, Stuttgart, Tokio, Kyoto, Belfort y Nueva York. Trabaja principalmente en la Costa Azul.

"Pueblo ocre / Village Ochre", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 59" x 63", c.1980. Terenchin

"Fue considerado pintor figurativo, pintor de Provenza y sus paisajes, ante todo pintor de luz y atmósfera. El impasto es su técnica para establecer las perspectivas sugeridas sólo por el color". Patrice Mühl, Experta Honoraria
Murió en 2008.

"La table / La mesa / The Table", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 110 x 120 cm., 1973. 1stdibs


El 21 de Diciembre es el cumple de

Frederick "Fred" William Mayor, artista inglés nacido en 1866 en Winksley, cerca de Ripon, Yorkshire.
Fue educado en St. Edmund's School Canterbury, donde trabajó ansiosamente en el dibujo y también para el cricket, mostrando tanta destreza en el juego que su director le pronosticó la carrera de un profesional.
Fue el arte el que prevaleció, y durante sus primeros días compartió un estudio en Chiswick, Londres, con Sir Frank Brangwyn, con quien también compartió un sólo traje para las visitas alternas al teatro. Al igual que muchos pintores jóvenes en este momento, en 1886 Mayor fue a París y estudió en la Académie Julian. Fue durante este período que conoció a Wilson Steer y Walter Sickert, con quienes se hizo amigo para toda la vida, y que tuvieron una gran influencia en su trabajo.

"Montreuil", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 111,7 x 162,5 cm., c.1913
Imperial War Museums (Londres, Reino Unido / London, UK). ArtUK

El primer éxito artístico de Fred Mayor fue que uno de sus cuadros se aceptara en la Royal Academy of Arts en 1888 cuando solo tenía veintiún años. En 1902 se mudó con su esposa Hannah a Montreuil-sur-Mer en el norte de Francia. Los inviernos los pasaban en Francia o en la casa de Spence Ingall en Argel, hasta que Fred descubrió Cassis cerca de Marsella, donde pintó muchos paisajes marinos en óleos y acuarelas. Los veranos los pasaban en Le Touquet o Paris-Plage, lo que permitiría a Mayor explorar la fría y clara luz del norte y la fuerte luz mediterránea del sur. A principios de 1909, los Mayor dejaron a su casa en Montreuil y regresaron a Inglaterra. Fred y Hannah vivían en Whitchurch en Buckinghamshire.

"Juego de Bádminton / Badminton Game, Whitchurch"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 53.5 x 63.5 cm.
Government Art Collection (Londres, Reino Unido / London, UK). ArtUK

Desde Whitchurch pasaron las vacaciones en Londres, Falmouth, Portsmouth y Amberley, donde Mayor pintó con tanto entusiasmo como lo hizo en el entonces salpicado de olmos Vale of Aylesbury. Asociados cercanos en este período fueron Philip Connard, Harrington Mann y Derwent Wood. En 1912 la familia se trasladó al 61 Earls Court Square en Londres, y más tarde ese año sus pinturas le llevaron a ganar una Medalla de Plata en la Exposición Internacional de Amsterdam. Una de sus estudiantes en este período fue Maud Burge de Nueva Zelanda, que más tarde recibió una gran aclamación en ese país.
A pesar de su destreza juvenil como deportista y marinero, Mayor sufría de asma grave desde hacía mucho tiempo y tuvo que someterse a lo que debería haber sido una operación simple para entrar al servicio militar como artista de guerra, pero el 10 de enero de 1916 tuvo una hemorragia. Debido a la presión de tener que atender a los heridos de guerra, no pudieron encontrar a tiempo ni un médico ni una enfermera, y murió. Fue enterrado en la iglesia Chiswick en el oeste de Londres.

"Iglesia en / Church at Montreuil"
Acuarela y tiza sobre papel / watercolour and chalk on paper, 31,8 x 39,4 cm., c.1909
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)


El 22 de Diciembre es el cumple de

Manoucher Yektai, artista iraní-estadounidense nacido en Teherán en 1921, que pertenece a la escuela del expresionismo abstracto de Nueva York.

"Sin título / Untitled", 1953. WikiArt

Abandonó la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Teherán sin obtener un título. Entre 1945 y 1947 estudió con Amédée Ozenfant en París, Francia, y más tarde en la ciudad de Nueva York. De 1946 a 1947, estudió en la École des Beaux-Arts y en el Atelier de André Lhote en París. De 1947 a 1948 estudió en la Art Students League de Nueva York con Robert Hale.

"Sin título / Untitled", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1979-81. WikiArt

"Sin título / Untitled", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1962. WikiArt

Tiene muchas obras en colecciones y museos estadounidenses y europeos, especialmente en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn, SFMOMA, y en numerosas colecciones privadas, como la colección Poindexter.
Yektai se convirtió en ciudadano estadounidense naturalizado en 1959.

"Sin título / Untitled", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1997. WikiArt


El 23 de Diciembre es el cumple de

Joseph Germain o Jozef Geefs, escultor belga nacido en 1808 en Amberes. Sus hermanos Guillaume y Jean Geefs también fueron escultores.

"De genius van het kwaad / El genio del mal / The Genius of Evil"
Royal Museums of Fine Arts (Bruselas, Bélgica / Brussels, Belgium). Wikimedia Commons

"Portretbuste / Retrato de busto de / Portrait Bust of Florent van Ertborn"
Het Gulden Kabinet, Rockhoxhuis (Amberes, Bélgica / Antwerpen, Belgium). 

Estudió en la Real Academia de Bellas Artes de Amberes, luego se trasladó a la École des Beaux-arts de París y ganó el Prix de Rome en 1836. En 1841 se convirtió en profesor de escultura y anatomía en la Academia de Amberes (sus alumnos incluyeron a Bart van Hove y Jef Lambeaux), llegando a ser su director en 1876. Fue nombrado oficial de la Orden de Leopoldo en 1859.
Geefs se casó con una hija del arquitecto Lodewijk Roelandt y probablemente produjo el medallón de retrato en su lápida.
Murió en 1885 en Bruselas.

"Monumento de la Batalla de Heiligerlee / Monumento to the Battle of Heiligerlee (1568)", 1872
Holandeses contra españoles, en la cual cayó el Conde Adolfo / 
Dutch against the Spanish, in wich Count Adolf fell. Link
Diseñado por el pintor Johannes Hinderikus Egenberger Egenberger y el ingeniero civil y arquitecto P. Schenkenberg van Mierop
Designed by painter Johannes Hinderikus Egenberger Egenberger and Civil Engineer and Architect P. Schenkenberg van Mierop

"Monumento de la Batalla de Heiligerlee / Monumento to the Battle of Heiligerlee (1568)" (detalle / detail)


Textos en inglés / English translation

On December 17 is the birthday of

Johannes Carolus Bernardus (Jan) Sluijters, or Sluyters, Dutch painter born in 1881 in 's-Hertogenbosch.
He was a leading pioneer of various post-impressionist movements in the Netherlands. He experimented with several styles, including fauvism and cubism, finally settling on a colorful expressionism. His paintings feature nude studies, portraits, landscapes, and still lifes.
Sluijters became a pupil of the Rijksakademie van beeldende kunsten (State Academy of Fine Arts) in 1901 together with Leo Gestel. In 1904 he won the Prix de Rome. He married Bertha Langerhorst in the same year. The Prix de Rome gave him a travel stipend, with which he made study trips to Italy and Spain in 1905 and 1906. In 1906 he became acquainted with Fauvism in Paris. The jury of the Prix de Rome considered the work he had made since then too modern and therefore stopped his annual allowance.
In 1911 he moved to Amsterdam and visited with Leo Gestel again Paris. In 1913 he married Greet van Cooten, who would often be a model for his paintings. In 1917 he became a member of the Hague artists association Pulchri Studio and in 1920 he became a member of the Amsterdam Artists' Association Arti et Amicitiae. He also was a member of Artists' Association Sint Lucas. In the years that followed, Sluijters became increasingly well-known and the number of exhibitions devoted to his work increased more and more. In 1933 he was appointed Officer in the Order of Orange Nassau. He won the Grand Prix at the World Exhibition in Paris, and he received an assignment to portray Willem Mengelberg. To celebrate his 60th birthday, the Stedelijk Museum Amsterdam held a retrospective.
He became a member of the Académie Royale de la Belgique. In 1952 he was appointed Knight in the Order of the Dutch Lion.
He died in 1957.

On December 18 is the birthday of

Domenico "Mimmo" Paladino, Italian painter and sculptor born in 1948 in Paduli, near Benevento.
He is one of the main exponents of Transavantgarde movement founded by Achille Bonito Oliva in the year 1980 that is characterized by a return to painting, after the varied conceptual and minimalist currents that developed in the seventies.
In 1964 he visited the Venice Biennale where the work of Robert Rauschenberg in the American Pavilion makes a strong impression, revealing to him the ‘reality of art’
In 1977 he painted a seminal work that marks a shift towards painting at odds with current avant-garde practice: ‘I have always thought of my work as something which is on a borderline with risk. Even my first painting with an image came out in a moment when something of this kind was totally outside the idea of painting; and the title, not by chance, was Silence, I am retiring to paint a picture’
His works are exhibited permanently in some of the main international museums including the Metropolitan Museum of Art and the Guggenheim Museum in New York, the Los Angeles County Museum of Art, the Detroit Institute of Arts, the Tate Gallery and the Royal Academy of London, at the Museum of Irish Modern Art in Dublin, at the MACBA in Barcelona, the Kiasma in Helsinki, at the Palazzo delle Arti in Naples and the MOCA in Shanghai.

On December 19 is the birthday of

Agnieta Cornelia Gijswijt, Dutch painter, etcher, watercolorist, draftsman and art teacher, born in 1873 in Gorinchem.
From the age of eight she grew up in Amsterdam as the only child of Dutch-reformed and originally from Overijssel parents. Agnieta was taught by artist Anna Wijthoff before or around 1893 and went to the Rijksacademie van Beeldende Kunsten in Amsterdam that year, where she became apprentice to August Allebé, Carel Dake and Nicolaas van der Waay. She was an annual companion of Lizzy Ansingh, Coba Ritsema and Nelly Bodenheim, who later became known with a few others as the 'Amsterdamse Joffers'. Gijswijt did not belong to the Joffers, but was with some of them a lifelong friend. In her last academic years, from 1896 to 1898, Gijswijt worked under the direction of Allebé in her own lodge - in 1898 she portrayed herself there.
In her work, Agnieta Gijswijt mainly chose landscapes, animal pieces, genre, beach dune and cityscapes, and portraits. Her style was often tailored to the subject: true-to-life, realistic in her portraits, loose and impressionistic in her landscapes and genre scenes.
In 1899, just a year after finishing her studies, Gijswijt's work was already on view at the Living Masters exhibition at the Stedelijk Museum in Amsterdam. She became a member of the artists' associations Arti et Amicitiae and Sint Lucas and exhibited countless times, especially at the last one. In 1901 she went to Paris with her school friends Lizzy Ansingh and Jo Stumpff. In the following years she made study trips to Paris, Belgium, London and Italy. Gijswijt also maintained a friendly relationship with her old academy teacher Allebé. In 1903, Agnieta Gijswijt went to work as a teacher, at the Dagenteken and Kunstambachtsschool for girls in Amsterdam. Her pupils there were, among others, Jo van Oosten Slingeland and Engelien Reitsma-Valença, who later praised Gijswijt's capacities as a teacher. In 1904 Gijswijt made illustrations for the book Sprookjes uit Indië by Lina Tervooren.
From 1909 Agnieta Gijswijt lived and worked at P.C. Hooftstraat 72, where she would stay until her death. Two years later she held an exhibition of her work there: seventy paintings in oil, studies, watercolors, chalk drawings and a few etchings. She also offered drawing and painting lessons in her studio.
She died in 1962.

On December 20 is the birthday of

Roger Mühl, French painter, draftsman and sculptor, born in 1929 in Strasbourg.
He joined the National School of Decorative Arts in Strasbourg from where he went in 1948 to the territory of Belfort. He moved to Montreux-Château in 1954 and made his first Parisian exhibition at the Galerie de Paris in 1960. Then in Geneva, London, Milan, Dallas, Cologne, Stuttgart, Tokyo, Kyoto, Belfort and New York. He works mainly on the Côte d'Azur.
"He was considered a figurative painter, painter of Provence and his landscapes, before all painter of light and atmosphere, the impasto used his technique to establish the perspectives suggested sólo por el color. " Patrice Mühl, Honorary Expert
He died in 2008.

On December 21 is the birthday of

Frederick "Fred" William Mayor, English artist born in 1866 in Winksley, near Ripon, Yorkshire.
He was educated at St. Edmund's School Canterbury, where he took eagerly to drawing and also to cricket, showing such prowess at the game that his headmaster foretold a professional's career for him.
It was art which prevailed, and during his early days he shared a studio at Chiswick, London with Sir Frank Brangwyn, with whom he also shared a single suit for alternate visits to the theatre. Like many young painters at this time, in 1886 Mayor went to Paris and studied at the Academie Julian. It was during this period that he met Wilson Steer and Walter Sickert, who became lifelong friends and had a great influence on his work.
Fred Mayor's first artistic breakthrough was to have one of his paintings accepted at The Royal Academy of Arts in 1888 when he was just twenty-one. In 1902 he moved with his wife Hannah to Montreuil-sur-Mer in northern France. Winters were spent either in France or at the house of Spence Ingall in Algiers, until Fred discovered Cassis near Marseilles, where he painted many fine seascapes in both oils and watercolour. Summers would be spent in Le Touquet or Paris-Plage, thus allowing Mayor to explore the cool clear light of the north, and the strong Mediterranean light of the south. Early in 1909 the Mayors gave up their house in Montreuil and returned to England. Fred and Hannah lived at Whitchurch in Buckinghamshire.
From Whitchurch they spent holidays in London, Falmouth, Portsmouth and Amberley where Mayor painted as enthusiastically as he did in the then Elm dotted Vale of Aylesbury. Close associates in this period were Philip Connard, Harrington Mann and Derwent Wood. In 1912 the family moved to 61 Earls Court Square in London, and later that year his paintings won him a Silver Medal at the International Exhibition in Amsterdam. One of his students in this period was Maud Burge from New Zealand, who was later to receive great acclaim in that country.
Despite his earlier prowess as a sportsman and sailor, Mayor was a long time sufferer of severe asthma, and had to undergo what should have been a simple operation to fit him for military service as a war artist, but on January 10th 1916, he haemorrhaged. Because of the pressure of nursing the war wounded, neither a doctor nor nurse could be found in time and tragically, he died. He was buried at Chiswick church in west London.

On December 22 is the birthday of

Manoucher Yektai, Iranian-American artist born in Tehran in 1921, who belongs to the school of New York School Abstract Expressionist.
He dropped out of the Fine Arts Faculty of Tehran University without obtaining degree. Between 1945 and 1947, he studied with Amédée Ozenfant in Paris, France, and later in New York City. From 1946 to 1947, he studied at the École des Beaux-Arts and at the Atelier of André Lhote in Paris, France. From 1947 to 1948, he studied at the Art Students League of New York in New York City with Robert Hale.
He has many works in American and European collections and museums, especially in the Museum of Modern Art of New York, the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, SFMOMA, and in numerous private collections such as the Poindexter collection.
Yektai became a naturalized American citizen in 1959.

On December 23 is the birthday of

Joseph Germain or Jozef Geefs, Belgian sculptor born in 1808 in Anwerp. His brothers Guillaume Geefs and Jean Geefs were also sculptors.
He studied at the Royal Academy of Fine Arts in Atwerp, going on to Paris's École des Beaux-arts and winning the Prix de Rome in 1836. In 1841 he became a lecturer in sculpture and anatomy at the Academy in Antwerp (his pupils included Bart van Hove and Jef Lambeaux), rising to be its director in 1876. He was made an officer of the Order of Leopold in 1859.
Geefs married a daughter of the architect Lodewijk Roelandt and probably produced the portrait medallion on his gravestone.
He died in 1885 in Brussels.


Aniversarios Fotografía (CCVII) [Diciembre / December 18-24]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
Todos los aniversarios de Diciembre aquí / All anniversaries for December here.
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El 18 de Diciembre es el cumple de

Michael Christopher Brown, fotógrafo estadounidense nacido en 1978, conocido por su documentación sobre la Guerra Civil Libia de 2011 y la monografía resultante, "Azúcar libia / Libyan Sugar", publicada en mayo de 2016.

Un hombre carga con pavos por las calles de Goma. Antes, ese mismo día, miles de congoleños se manifestaron por las calles después de que se extendiera el rumor de que el presidente Paul Kagame había sido asesinado. Al menos un perro fue sacrificado y arrastrado por las calles. República Democrática del Congo, Norte de Kivu, Goma, 10 de Enero de 2014 /
A man carries turkeys on the streets of Goma. Earlier this day, thousands of Congolese paraded through the streets after rumor spread that Rwandan President Paul Kagame was assassinated. At least one dog was sacrificed and carried through the streets. Democratic Republic of the Congo. North Kivu. Goma. January 10, 2014. 

Brown se crió en el valle de Skagit, una comunidad agrícola en Washington. Después de mudarse a la ciudad de Nueva York en 2005, se unió a la agencia de fotografía italiana Grazia Neri en 2006. Luego se mudó a Beijing, China, en 2009 y en los dos años siguientes reunió una serie de obras de viajes por carretera y tren en todo el país.

Los Mbuti (Bambuti), pigmeos de la selva tropical de Ituri. Cazando. República Democrática del Congo. Selva tropical Ituri. Diciembre de 2015 /
The Mbuti (Bambuti) Pymgies of the Ituri Rainforest. Hunting. Democratic Republic of the Congo. Ituri Rainforest. December 2015.

En 2010 comenzó a tomar fotos con un iPhone, conduciendo por el este de China en su camioneta Jinbei. Desde entonces produjo proyectos con iPhone en Libia, Egipto, Congo (RDC), República Centroafricana y Cuba. La capacidad de Brown de capturar momentos críticos con un iPhone lo ha llevado a involucrarse con Time, The New York Times Magazine y las plataformas de Instagram de National Geographic. A través de estas plataformas puede llegar a millones de seguidores para informar y educar sobre cuestiones sociales y políticas en áreas remotas y poco informadas del mundo.

Línea 2. Imágenes captadas con el teléfono móvil en la línea de metro circular en el centro de Beijing. /
Line 2, Phone camera images from the subway line circling central Beijing. China

En 2011 pasó siete meses en Libia fotografiando la Revolución Libia, explorando la distancia ética y la iconografía de la guerra. Cubrió varias batallas a lo largo de la costa, fue emboscado varias veces en el este de Libia y herido dos veces. A principios de marzo, en primera línea cerca de la ciudad oriental de Bin Jawad, recibió un disparo en la pierna con una AK-47 durante una ofensiva del gobierno. Seis semanas después, mientras cubría el Asedio de Misrata, fue herido por el fuego de mortero y se le incrustaron cuatro pedazos de metralla en el pecho, hombro y brazo, perdiendo casi la mitad de la sangre en su cuerpo y requiriendo dos transfusiones. Sus colegas Tim Hetherington y Chris Hondros fueron asesinados en el mismo ataque. Brown regresó a Libia dos veces en 2012 y fue el tema de la serie documental dirigida por Michael Mann "Testigo: Libi / Witness: Libia". En marzo de 2012 Brown y el escritor de and Men's Journal, Josh Davis, fueron secuestrados a punta de pistola durante un corto período, mientras cubría un evento en Benghazi.

Revolucionarios se dirigen al frente, al este de Bin Jawad. Libia, 6 de Marzo de 2011, 16:05:59. Del libro "Azúcar libia" /
Revolutionaries head toward the front line, to the east of Bin Jawad. March 6, 2011. 16:05:59. From the book "Libyan Sugar"
© Michael Christopher Brown / Magnum Photos

Brown ha documentado el conflicto en las provincias de Kivu de la República Democrática del Congo y sus alrededores desde 2012 y se estableció en Goma desde finales de 2012 hasta principios de 2014.
Ha contribuido como fotógrafo en National Geographic desde 2005, con historias de aventura y culturales, y es colaborador de The New York Times Magazine y otras publicaciones. Se unió a Magnum Photos como nominado en 2013 y fue miembro asociado desde 2015 hasta junio de 2017.
"Azúcar libia" ganó el Paris Photo First Photobook Award y el International Infinity Award 2017 del Centro de Fotografía para el Libro de Artistas.
En 2015 y 2016 Brown produjo Paradiso, un perfil multimedia de música electrónica y la escena juvenil en La Habana.

Cuba Paraíso.
Los estadounidenses tienen una idea distante de Cuba. La mayoría no saben realmente qué pensar del lugar, ya que la mayoría nunca lo visitó debido al embargo (o al bloqueo, como lo ven los cubanos) así que lo catalogan como el "paraíso" que hemos visto en imágenes o del que hemos oído hablar: hermosa arquitectura, automóviles de la era de los años 50, puros, playas, mujeres, ron. Cuba es un paraíso para la élite y los turistas, pero para la mayoría de los cubanos se trata de sobrevivir en el paraíso.
Cuba, Paradiso
Americans have a distant idea of Cuba. Most of them don’t really know what to think of the place, as most never visited due to the embargo – or blockade, as the Cubans see it – so they chalk it up to be the ‘paradise’ we have seen in pictures or heard of: beautiful architecture, 50s-era automobiles, cigars, beaches, women, rum.Cuba is a paradise for the elite and the tourists, but for most Cubans it is about surviving the paradise.


El 19 de Diciembre es el cumple de

Lew Thomas, fotógrafo estadounidense nacido en 1932 en San Francisco, California.

"Avenida 34 entre Geary y Clement / 34th Avenue Between Geary and Clement"
24 copias a la gelatina de plata / 24 gelatin silver prints, 52,71 x 101,6 cm., 1972-2014
Copia única / Unique variant © Lew Thomas. Daily Art Fair

Obtuvo una licenciatura de la Universidad de San Francisco en 1960. Se desempeñó como conservador de artes visuales para el Centro de Artes Contemporáneas en Nueva Orleans de 1988 a 1995, y como director ejecutivo del Houston Center for Photography, Houston, Texas, desde 1985 a 87. Ganó una beca de artistas y otra de publicaciones de la NEA en 1979, así como una beca de fotógrafo NEA en 1980 y 1975. También recibió una beca de publicaciones del Museo de Arte Moderno de San Francisco en 1976.

"Retrato aritmético / Arithmetical Portrait"
6 copias a la gelatina de plata / 6 gelatin silver prints, 60,96 x 66,04 cm., 1972-2014. Ed.5 + 2AP. Daily Art Fair

"Hierba / Grass"
36 copias a la gelatina de plata / 36 gelatin silver prints, 120,02 x 151,77 cm., 1973 © Lew Thomas. Daily Art Fair

Thomas explora la fotografía "como un sistema de información y reproducción", creando fotografías, instalaciones, proyectos colaborativos y publicaciones. Desde 1971, ha combinado "la práctica de la fotografía con ideas derivadas del lenguaje y la filosofía".
Ha exhibido su obra ampliamente en los Estados Unidos e internacionalmente en shows individuales y colectivos, y sus obras se encuentran en numerosas colecciones.

"9 Perspectivas / 9 Perspectives"
9 copias a la gelatina de plata / 9 gelatin silver prints, 59,69 x 74,3 cm., 1972
Impreso c.fines '90s, principios de 2000 / printed circa late-90s/early-00’s. Daily Art Fair


El 20 de Diciembre es el cumple de

Pavel Stecha, maestro de fotografía documental, nacido en 1944 en Praga, Checoslovaquia.
Asistió a la Facultad de Cine de la Academia de Artes Musicales (FAMU) en Praga desde 1967 hasta 1971.

"Plaza de Wenceslao / Vaclavske Square", Praga, República Checa / Prague, Czech Republic
Copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 31.9 x 21.9 cm., Nov. 20, 1989. ICP

En 1977 Stecha fue profesor titular en FAMU en Praga; había sido profesor adjunto allí en 1975. Anteriormente trabajó como fotógrafo independiente (1971-74). Es el fundador del Laboratorio fotográfico en UMPRUM. También es autor de varios libros: por ejemplo el sorprendente "Praga: sus callejuelas y pasajes", un retrato de un mundo secreto, muy diferente al nuestro. Sus fotos no solo están "documentando", sino que también analizan esos momentos o escenas y resaltan todo lo que es complementario e importante. El artista no solo se preocupa por "registrar", sino también por crear la atmósfera, la situación. Penetra el alma de las personas y las situaciones que está capturando.
Ha sido miembro del departamento de fotografía de la Unión de Artistas Checos desde 1971.

"Marta Kubišová", Praga, República Checa / Prague, Czech Republic
Copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 22,9 x 32,1 cm., Nov. 21, 1989. ICP

"Primer discurso público de / The first public speech of Václav Havel"
Praga, República Checa / Prague, Czech Republic
Copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 21,7 x 31,9 cm., Nov. 21, 1989. ICP

La revolución de terciopelo
El período comprendido entre noviembre y diciembre de 1989 fue un momento inolvidable en Checoslovaquia. Comenzó con una manifestación estudiantil el 17 de noviembre, que fue recibida por la policía con escudos y porras. Entonces la protesta pacífica se convirtió en algo más. Conectó a personas de todo el espectro social a medida que los estudiantes, disidentes, artistas, trabajadores religiosos y residentes de ciudades cada vez más pequeñas comenzaron a unirse. La convocatoria de una huelga general respaldada por las principales fábricas estatales fue una señal para el partido gobernante de que las cosas se estaban poniendo serias. Las negociaciones comenzaron y las expectativas eran tensas, pero afortunadamente la razón prevaleció y finalmente se llegó a un acuerdo. NY Transatlantic

"La última campanada del régimen comunista / The last toll bell of communist regime"
Praga, República Checa / Prague, Czech Republic
Copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 23 x 32,1 cm., Nov. 22, 1989. ICP


El 21 de Diciembre es el cumple de

Pei Ketron, fotógrafa, educadora, oradora y viajera, nacida en Taiwán en 1980 y criada en la Nación Navajo en Arizona en un hogar birracial.
Pasó veranos soportando los monzones de los trópicos y el resto del año corriendo descalza en los desiertos del suroeste de Estados Unidos.

"June Kim", Seúl / Seoul, Hasselblad 500CInstagram

Tiene una Licenciatura en Psicología de Pomona College y una Maestría en Educación Especial y Tecnología de Asistencia de Simmons College. Además posee credenciales en Liderazgo Educativo y un certificado en Marketing Digital.
Después de una década enseñando educación especial en el sistema de escuelas públicas, Pei ahora da clases privadas de fotografía, y a través de compañías como Creative Live, Image Flow y los Talleres fotográficos de Santa Fe. También se desempeña como mentora fotográfica de experiencias de viaje con compañías como Passion Passport y ha participado en eventos como Adobe MAX, SXSW, Alt Summit y Start Conference.

"Priya Cox", San Francisco, Hasselblad 503CX, Ilford Delta 3200Instagram

Fotografía en blanco y negro del área de Salton Sea / Black and white film shot from the Salton Sea area. Instagram

Además de su experiencia con DSLR y fotografía de película de formato medio, Pei también es una consumada fotógrafa móvil. Ha acumulado un seguimiento de casi un millón de usuarios en Instagram y fue seleccionada para ser parte de la campaña Shot on iPhone 6 de Apple.
Pei se especializa en fotografía comercial y de viajes en San Francisco y en todo el mundo. Sus clientes incluyen: Adobe, American Express, Apple, Google, Pfizer, Save the Children, Turkish Airlines, UNICEF y más.

La niña, de unos 8 años, vestida con un atractivo kimono rojo, daba vueltas por los terrenos del santuario mientras esperaba a sus padres y hermana. Era imposible quitar los ojos de los brillantes colores de la vestimenta de la chica mientras se movía, especialmente en contraste con la oscuridad de las piedras húmedas /
The girl of about eight, dressed in an eye-catching red kimono, circled the grounds of the shrine as she waited for her parents and sister. It was impossible to keep one’s eyes off the bright colors of the girl’s outfit as she moved, especially in contrast to the darkness of the moist stones. Instagram


El 22 de Diciembre es el cumple de

Emmet Gowin, fotógrafo estadounidense nacido en 1941 en Danville, Virginia.
Cuando tenía dos años su familia se mudó a la isla de Chincoteague, donde pasaba gran parte de su tiempo libre en las marismas alrededor de su casa. Alrededor de los 12 años su familia regresó a Danville, donde Gowin mostró interés por el arte al comenzar a dibujar. Cuando tenía 16 años vio una fotografía de Ansel Adams de un árbol quemado con un brote joven creciendo desde el tocón. Esto lo inspiró a ir al bosque cerca de su casa y dibujar del natural. Más tarde aplicó lo que aprendió en sus primeros años vagando por el bosque y marismas a su fotografía.

"Edith", Danville, Virginia, 1971 © Emmet Gowin. Metalocus

Después de graduarse de la escuela secundaria asistió al Richmond Professional Institute (ahora Virginia Commonwealth University). Durante su primer año en la universidad vio un catálogo de la exhibición de "La Familia del Hombre", y se inspiró especialmente en los trabajos de Robert Frank y Henri Cartier-Bresson. Aproximadamente en esta misma época conoció a su futura esposa, Edith Morris, que se crió a una milla de distancia de Gowin en Danville. Se casaron en 1964, y ella se convirtió rápidamente en su musa y su modelo.

"Ruth & Edith", Danville, Virginia, 1966. Tras Dós

Parte de su visión fotográfica más temprana fue inspirada por la familia grande y unida de Edith, quien le permitió registrar lo que llamó "una familia refrescantemente diferente de la mía". En 1965 asistió a la Escuela de Diseño de Rhode Island. Mientras conseguía su Máster en Bellas Artes, Gowin estudió con los influyentes fotógrafos estadounidenses Harry Callahan y Aaron Siskind. Tres años más tarde realizó su primera exposición individual en el Dayton Art Institute. En 1970 su obra se exhibió en la Casa George Eastman y un año después en el Museo de Arte Moderno. Aproximadamente en esta misma época fue presentado al fotógrafo Frederick Sommer, quien se convirtió en su mentor y amigo de toda la vida.

"Nancy", Danville, Virginia, 1969. Metalocus

Gowin fue invitado por Peter Bunnell en 1973 para enseñar fotografía en la Universidad de Princeton. Durante los siguientes 25 años enseñó a nuevos estudiantes y, según él mismo admitió, continuamente aprendió de aquellos a quienes enseñó.
Gowin recibió una beca Guggenheim en 1974, lo que le permitió viajar por toda Europa. También fue galardonado con un una beca del National Endowment for the Arts en 1979 y un Pew Fellowship in the Arts en 1994.
En 1980, Gowin recibió una beca de la Comisión de Artes de Seattle, que le proporcionó fondos para viajar a Washington y al noroeste del Pacífico. Comenzando con un viaje al Monte Santa Helena poco después de su erupción, se inició en la toma de fotografías aéreas. Durante los siguientes veinte años fotografió sitios de minería a cielo abierto, campos de pruebas nucleares, campos agrícolas a gran escala y otras cicatrices en el paisaje natural.
Se retiró de la docencia en la Universidad de Princeton a fines de 2009 y vive en Pensilvania con su esposa Edith.

"Edith", Danville, Virginia, 1963 © Emmet Gowin. Tras Dós


El 23 de Diciembre es el cumple de

Brigitte Lacombe, fotógrafa francesa nacida en 1950, que vive en la ciudad de Nueva York. Sus amores son los retratos y los viajes.

"Nelson Mandela", Johanesburgo, Sudáfrica / Johannesburg, South Africa

Nelson Mandela en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (CXCIV)]

Brigitte dejó la escuela para ser una aprendiz en el laboratorio en blanco y negro de Elle en París.
En 1975, en el Festival de Cine de Cannes, mientras trabajaba para la edición francesa de Elle, conoció a Dustin Hoffman y Donald Sutherland.

"Bob Dylan", Malibu

Bob Dylan en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (CLXII)]

Cada uno de ellos, respectivamente, la invitaron a los sets de filmación de "Casanova de Fellini," filmada en Cinecittà, y de "Todos los hombres del Presidente" de Alan Pakula, rodada en Washington DC y Los Ángeles.
Luego trabajó en "Encuentros Cercanos del Tercer Tipo", de Steven Spielberg, filmada en Mobile, Alabama.

"Martin Scorsese", Nueva York / NY

Martin Scorsese en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (CLXXXV)]

Ha contribuido con las revistas Vanity Fair, Acne Paper, The New Yorker, New York Magazine, The Financial Times Magazine, Vogue alemán, Nowness, Zeit Magazine y otras publicaciones.
Ha estado contribuyendo con Condé Nast desde su primera edición en 1987.
En 2000, ganó el Premio de Fotografía de viajes Eisenstaedt. En 2010, Brigitte recibió el Premio del "Art Director's Club" Salón de la Fama por su trayectoria de toda una vida en fotografía.

"Christian Boltanski", París

Christian Boltanski en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (CXL)]
Brigitte Lacombe en "El Hurgador" / in this blog[Asonancias (II)]


El 24 de Diciembre es el cumple de

Arek Rataj, fotógrafo, educador y periodista polaco radicado en Qatar, nacido en 1983, colaborador habitual de APF Magazine y 121 Clicks. Estudió sociología durante un breve período.

"Ojos de gato / Cat’s Eyes", San Pedro Sula, Honduras 2012. © Arek Rataj. B&W Street

China, 2015 © Arek Rataj. B&W Street

Asistió a la Escuela de Ciencias Sociales de Poznan en Polonia y obtuvo su Maestría en Periodismo y Comunicación Social. De 2011 a 2016, ha enseñado el idioma polaco en Peterborough, Inglaterra, una amplia gama de clases de inglés, como voluntario, en San Pedro Sula y Villanueva en Honduras, e inglés conversacional en grandes clases en Shijiazhuang, China.

"Niña de Honduras / Honduran Baby Birl", San Pedro Sula, HN, CA., 2012

China, 2015 © Arek Rataj. B&W Street

Nació en la región industrial de la Alta Silesia de Polonia, de padres compasivos y dedicados que, a continuación, administraron una pequeña tienda de variedades. Su ciudad natal, Chorzow, albergaba una fábrica de acero, minas de carbón y una fábrica de química; estaba sucia, ecológicamente devastada y tenía muchos problemas socioeconómicos. A pesar de que los cambios gradualmente democráticos entraron en juego, entre los jóvenes como él había mucha desesperanza e incluso desesperación. Arek cree que estas circunstancias son la clave para su vocación posterior de convertirse en fotógrafo.

Vendedores callejeros matan y venden cerdos justo antes del Año Nuevo Chino, también conocido como Festival de Primavera, que se consedera la festividad más importante del calendario chino / 
Street vendors are slaughtering pigs and sell pork right before The Chinese Lunar New Year - also known as the Spring Festival, which is considered as the most important holiday in the Chinese calendar.
Shijiazhuang. China, 2015 © Arek Rataj


Textos en inglés / English translation

On December 18 is the birthday of

Michael Christopher Brown, American photographer born in 1978, known for his documentation of the 2011 Libyan Civil War and the resulting monograph, Libyan Sugar, published in May 2016.
Brown was raised in the Skagit Valley, a farming community in Washington. After moving to New York City in 2005, Brown joined the Italian photo agency Grazia Neri in 2006. He then moved to Beijing, China, in 2009 and over the next two years put together a series of works from road and train trips across the country.
In 2010 Brown began taking pictures with an iPhone, driving around eastern China in his Jinbei van. Since then he produced iPhone projects in Libya, Egypt, Congo (DRC), Central African Republic and Cuba. Brown's ability to capture critical moments with an iPhone has led to his involvement with Time, The New York Times Magazine, and National Geographic's Instagram platforms. Through these platforms he is able to reach millions of followers to inform and educate on social and political issues in remote and under-reported areas of the world.
In 2011, Brown spent seven months in Libya photographing the Libyan Revolution, exploring ethical distance and the iconography of warfare. He covered several battles along the coast, was ambushed several times in Eastern Libya and injured twice. In early March, on the frontline near the eastern town of Bin Jawad, he was shot in the leg by an AK-47 during a Government offensive. Six weeks later, while covering the Siege of Misrata, he was injured by incoming mortar fire and took four pieces of shrapnel to the chest, shoulder and arm, losing nearly half the blood in his body and requiring two transfusions. His colleagues Tim Hetherington and Chris Hondros were both killed in the same attack. Brown returned to Libya twice in 2012 and was the subject of the Michael Mann directed HBO documentary series Witness: Libya. In March 2012 Brown and Men's Journal writer Josh Davis were briefly kidnapped at gunpoint while covering a drifting event in Benghazi. 
Brown has documented conflict in and around the Kivu provinces of the Democratic Republic of the Congo since 2012 and was based in Goma from late 2012 until early 2014.
Brown has been a contributing photographer at National Geographic since 2005, completing adventure and cultural stories, and is also a contributor to The New York Times Magazine and other publications. He joined Magnum Photos as a nominee in 2013 and was an associate from 2015 until June 2017. 
Libyan Sugar won the Paris Photo First Photobook Award and the International Center of Photography's 2017 Infinity Award for Artist's Book.
In 2015 and 2016 Brown produced Paradiso, a multimedia profile of the electronica music and youth scene in Havana. 

On December 19 is the birthday of

Lew Thomas, American photographer born in 1932 in San Francisco, California.
He earned a BA from the University of San Francisco in 1960. He served as Visual Arts Curator for the Contemporary Arts Center in New Orleans from 1988-1995, and as Executive Director of the Houston Center for Photography, Houston, Texas, from 1985-87. He won an Artists Fellowship and a publications grant from the NEA in 1979 as well as an NEA Photographer's Fellowship in 1980 and 1975. He received a publications grant from the San Francisco Museum of Modern Art in 1976.
Thomas explores photography “as a system of information and reproduction," creating photographs, installations, collaborative projects and publications. Since 1971 he has combined “the practice of photography with ideas derived from language and philosophy."
He has exhibited his work widely throughout the U.S. and internationally in solo and group shows, and his works are in numerous collections.

On December 20 is the birthday of

Pavel Stecha, master of documentary photography, born in 1944 in Prague, Czechoslovakia.
He attended the Film Faculty of the Academy of Music Arts (FAMU) in Prague from 1967 to 1971.
In 1977 Stecha was a senior lecturer at FAMU in Prague; he had been an assistant lecturer there in 1975. He previously worked as a freelance photographer (1971-74). He is the founder of Photographic Laboratory at UMPRUM. He is also the author of several books: for instance, the amazing "Prague - its Alleyways and Passages" is a portrait of the secrete world, quite dissimilar to ours. His photos are not only "documenting", but also analysing those moments or scenes and highlighting all that is complementary and important. The artist is not only concerned with "recording", but also with creating the atmosphere, the situation. He penetrates the very soul of people and the situations he is capturing.
He has been a member of the Union of Czech Artists' photography department since 1971.

The Velvet Revolution
The period between November and December 1989 was an unforgettable time in Czechoslovakia. It started with a student demonstration on November 17, which was met by police wielding shields and batons. Then the peaceful protest grew into something more. It connected people across the social spectrum as students, dissidents, artists, religious workers, and residents of ever smaller towns began to join in. The calling of a general strike supported by major state factories was a signal to the governing party that things were getting serious. Negotiations began, and expectations were tense, but fortunately reason prevailed and eventually an agreement was reached. Link

On December 21 is the birthday of

Pei Ketron, photographer, educator, speaker, and traveler, born in 1980 in Taiwan, and raised on the Navajo Nation in Arizona as part of a biracial household.
She spent summers enduring the monsoons of the tropics and the remainder of the year running barefoot in the deserts of the American southwest.
She holds a BA in Psychology from Pomona College and an MA in both Special Education and Assistive Technology from Simmons College. In addition, she holds a credential in Educational Leadership and a certificate in Digital Marketing.
After a decade teaching special education in the public school system, Pei now teaches photography classes privately and through companies such as Creative Live, the Image Flow, and the Santa Fe Photographic Workshops. She also serves as a photographic mentor for travel experiences with companies such as Passion Passport and has spoken at events such as Adobe MAX, SXSW, Alt Summit, and Start Conference. 
In addition to her experience with DSLR and medium-format film photography, Pei is also an accomplished mobile photographer. She has amassed a following of nearly a million users on Instagram and was selected to be a part of Apple's Shot on iPhone 6 campaign.
Pei specializes in travel and commercial photography in San Francisco and worldwide. Clients include: Adobe, American Express, Apple, Google, Pfizer, Save the Children, Turkish Airlines, UNICEF, and more.

On December 22 is the birthday of

Emmet Gowin, American photographer born in 1941 Danville, Virginia.
When he was two his family moved to Chincoteague Island, where he spent much of his free time in the marshes around their home. At about age 12 his family moved back to Danville, where Gowin first showed an interest in art by taking up drawing. When he was 16 he saw an Ansel Adams photograph of a burnt tree with a young bud growing from the stump. This inspired him to go into the woods near his home and draw from nature. Later, he applied what he learned from his early years wandering in the woods and marshes to his photography.
After graduating from high school he attended the Richmond Professional Institute (now Virginia Commonwealth University). During his first year in college he saw a catalog of the Family of Man exhibit and was particularly inspired by the works of Robert Frank and Henri Cartier-Bresson. About this same time he met his future wife, Edith Morris, who had grown up about a mile away from Gowin in Danville. They married in 1964, and she quickly became both his muse and his model.
Some of his earliest photographic vision was inspired by Edith’s large and engaging family, who allowed him to record what he called "a family freshly different from my own." In 1965, Gowin attended the Rhode Island School of Design. While earning his MFA, Gowin studied under influential American photographers Harry Callahan and Aaron Siskind. Three years later he was given his first solo exhibition at the Dayton Art Institute. In 1970 his work was shown at the George Eastman House and a year later at the Museum of Modern Art. About this same time he was introduced to the photographer Frederick Sommer, who became his lifelong mentor and friend.
Gowin was invited by Peter Bunnell in 1973 to teach photography at Princeton University. Over the next 25 years he both taught new students and, by his own admission, continually learned from those he taught.
Gowin received a Guggenheim Fellowship in 1974, which allowed him to travel throughout Europe. He was also awarded a National Endowment for the Arts Fellowship in 1979 and a Pew Fellowship in the Arts in 1994.
In 1980 Gowin received a scholarship from the Seattle Arts Commission which provided funding for him to travel in Washington and the Pacific Northwest. Beginning with a trip to Mount St. Helens soon after it erupted, Gowin began taking aerial photographs. For the next twenty years, Gowin captured strip mining sites, nuclear testing fields, large-scale agricultural fields and other scars in the natural landscape.
Gowin retired from teaching at Princeton University at the end of 2009 and lives in Pennsylvania with his wife Edith.

On December 23 is the birthday of

Brigitte Lacombe, French photographer born in 1950, living in New York City. Her loves are portraits and travel.
Brigitte left school to be an apprentice at the black and white lab of Elle in Paris.
In 1975, at the Cannes Film Festival, while on assignment for French Elle, she met Dustin Hoffman and Donald Sutherland. 
They each respectively invited her to the film sets of "Fellini's Casanova,” shot at Cinécitta, and Alan Pakula’s "All the President's Men," shot in Washington D.C. and Los Angeles. 
She next worked on Steven Spielberg's "Close Encounters of the Third Kind,” shot in Mobile, Alabama.
She contributes to Vanity Fair, Acne Paper, The New Yorker, New York Magazine, The Financial Times Magazine, German Vogue, Nowness, Zeit Magazine, and other publications.
She has been a contributing photographer for Condé Nast's Traveler  since their first issue in 1987.
In 2000, she won The Eisenstaedt Award for Travel Photography.
In 2010, Brigitte received the “Art Director’s Club” Hall of Fame Lifetime Achievement Award for Photography.

On December 24 is the birthday of

Arek Rataj, Qatar-based Polish photographer, educator and journalist born in 1983, a regular contributor to APF Magazine and 121 Clicks. He briefly studied sociology. Attended The Poznan School of Social Sciences in Poland and earned his Master's Degree in Journalism and Social Communication. From 2011 to 2016, he has been teaching the Polish language in England's Peterborough, a wide range of English classes, as a volunteer, in Honduras's San Pedro Sula and Villanueva, and conversational English to large classes in China's Shijiazhuang.
He was born in Poland's Upper Silesian Industrial Region to compassionate and devoted parents who, then, ran a small variety store. His hometown, Chorzow, hosted a steel factory, coal mines, and chemistry factory and was dirty, ecologically devastated, and with a lot of socioeconomic issues. Despite the fact that gradually democratic changes came into play, among young people like him there was a lot of hopelessness and even despair. It is his belief that these circumstances are a key for his later vocation to become a photographer.

Roman Sustov (III) (Exlibris)

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Este es el tercer post (los otros aquíaquí) sobre la obra de Roman Sustov, un maestro bielorruso de varias técnicas gráficas, que ha creado un cuerpo de trabajo extremadamente bello en el que los ex libris representan el grupo principal y son buscados por coleccionistas de todo el mundo.
Para esta tercera entrega, una selección cronológica de sus ex libris desde el año 2010 en adelante.

This is the third post (the others here and here) dedicated to the work of Roman Sustov, a Belarusian Master of several graphic techniques, who has created an extremely beautiful body of work in which the bookplates represent the main group, and are sought after by collectors all over the world.
For this third post, a chronological selection of bookplates from 2010 onwards.
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Roman Sustov
Роман Сустов


Roman Sustov es un artista nacido en 1977 en Minsk, Bielorrusia.
En 1995 se graduó en Minsk Art College y seis años más tarde en la Academia de Artes Bielorrusas (Departamento de Dibujo).
Desde 2005 es miembro de la Unión de Artistas de Bielorrusia (Departamento de Artes Gráficas).
Más imágenes e información en los posts previos.

"Fe, amor y esperanza / Faith, Love and Hope", aguafuerte / etching, 2010
para / for Christos Gianacos

"Poder / Power", aguafuerte / etching, 2010. Para / for Norbert Hilebrandt

"La habitación de Escher / Escher's Room", aguafuerte / etching, 2011. Para / for Brigitte Rath

"Nueva Arca / New Ark", aguafuerte / etching, 2012. Para / for Willem van de Weerd

"El espíritu de la música / Ghost of Music", aguafuerte, aguatinta / etching, aquatint, 2012
Para / for Riet de Hass

"Carmina Burana", aguafuerte, aguatinta / etching, aquatint, 2012
Para / for Helga Becker-Bickerich

"Júpiter", aguafuerte, aguatinta / etching, aquatint, 2012. Para / for Giuseppe Mirabella

"A.D.N. / D.N.A.", aguafuerte / etching, 2012. Para / for Nicola Carlone

El artista trabajando / The Artist at Work. Foto / Photo: Alexander Kazantsev

Roman Sustov is an artist born in 1977 in Minsk, Belarus.
In 1995 he graduated from Minsk Art College and six years later he graduated from the Belarusian Academy of Arts (Department of Drawing). 
Since 2005 he's Member of Belarusian Union of Artist (department of Graphic Art).
More images and information in previous posts.

"Invitados / Guests", aguafuerte / etching, 2012. Para / for Shoichi Koeda

"Tempestad / Tempest", 2013. For / para Bettina Gerny

"Aquisgrán / Aachen", 2013. Para / for Dorit Kohler

"Fantasma / Phantom", 2013. Para / for Leo Bednarik

"Héroe / Hero", 2013. Para / for Vladimir Bogdanov

"Canción nocturna / Night Song", 2014. Para / for Evert Veldhuizen

"Cinco sentidos / Five Senses", 2014. Para / for JoAnn Pari Mueller

"El arca de Babilonia / Babylon Ark", 2014. Para / for Henk Blokhuis

"Casa de las ruedas / House of the Wheels", 2014. Para / for Lynn de Baets
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Fuentes / Sources:

* Website
* Perfil y obras en / Profile and works in Artenika
* Perfil y obras en / Profile and works in Warnock Fine Arts
* Perfil y C.V. en / Profile and CV in BellaBelarus
* Artículo en / Article in Витебский курьер (Correo de Vitebsk), 3/2012
* Exlibris en / Bookplates in art-exlibris.net

Roman Sustov en "El Hurgador" / in this blog
[Roman Sustov (I, Exlibris)], [Roman Sustov (Grabados, Litografía, Acuarelas)]

Más sobre / More about Roman Sustov: WebsitefacebookVK
Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Roman!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Roman!)


Recolección / Compilation (XCVII) - Animales / Animals (II)

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Julio Reyes
(Hollywood, EE.UU./ USA, 1982-)

"Polvo en las plumas / Dust on the Scales"
Temple al huevo sobre panel / egg tempera on panel, 30,5 × 30,5 cm., 2016. Artsy 

Julio Reyes en "El Hurgador" / in this blog[Julio Reyes (Pintura)]
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Charles Frederick Tunnicliffe
(Langley, Macclesfield, Inglaterra / England, 1901 -
Malltraeth, Anglesey, Gales / Wales, 1979)

"Barnaclas canadienses y fochas / Canada Geese and Coots"
Lápiz y acuarela / pencil and watercolor, 45,7 x 58,4 cm. AEAN

"Urracas posadas sobre bayas de espino / Magpies Perched Amongst Hawthorn Berries". Wikiart

Charles Tunnicliffe en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (CCV)]
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Jacob A. Pfeiffer
(Milwaukee, Wisconsin, EE.UU./ USA, 1974-)

"Rollito de cangrejo / Crab Roll", óleo sobre panel / oil on panel, 12" x 16", 2014.
Colección privada / Private Collection. John Pence Gallery

"Crustáceos / Crustaceans", óleo sobre panel / oil on panel, 16" x 16", 2014
Colección privada / Private Collection. WSIMag
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Elizabeth "Beth" Marie van Hoesen
(Boise, Idaho, EE.UU./ USA, 1926 - San Francisco, California, 2010)

"Sally", aguafuerte y aguatinta en colores / etching and aquatint in colors, 29,2 x 34,3 cm., 1979. Alchetron

"Boris", aguafuerte coloreada / colored etching, 1981. CISION
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Samuel Daniell
(Chertsey, Inglaterra / England, 1775 - Sri Lanka, 1811)

"El Quaga / The Quahkah (Quagga)", aguatinta / aquatinta, 1804
de la serie "Paisajes y animales africanos" / from the Series African scenery and animals.
Smithsonian Institution (Washington, EE.UU./ USA)

"El hipopótamo / The Hippopotamus", aguatinta / aquatinta, 1804
Smithsonian Institution (Washington, EE.UU./ USA)

Samuel Daniell en "El Hurgador" / in this blog[Rinocerontes (XXX)]
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Gwendolyn "Gwen" Knight
(Bridgetown, Barbados, Antillas / West Indies, 1913 -
Seattle, Washington, EE.UU./ USA, 2005)

"Caballo de pie / Standing Horse", aguafuerte y aguatinta / etching and acquatint, 18 1/4" x 18", 1999
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Edward Julius Detmold
(Putney, Wandsworth, Surrey, Inglaterra / England, 1883 -
Montgomery, Gales / Wales, 1957)

"Tres pollos blancos / Three White Cockerels"
Acuarela sobre panel / watercolor on artist's board, 24" x 20,5", 1919. Maas Gallery
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Jan Baptist Weenix
(Ámsterdam, Holanda / Netherlands, 1621 - Vleuten, 1660?)

"Cabra echada / Goat Lying Down"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 84 x 132,5 cm., 1645-1660
Rijksmuseum (Ámsterdam, Holanda / Netherlands)
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Henry Stacy Marks
(Londres, Reino Unido / London, UK, 1829 - 1898)

"Dominicos emplumados / Dominicans in Feathers", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 185,5 x 62 cm., 1880-87
Birmingham Museum and Art Gallery (Inglaterra / England). Wikimedia Commons
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Jacopo Ligozzi
(Verona, Italia / Italy, 1547 - Florencia / Florence, 1627)

"Jerbo / Gerbil", dibujo / drawing, 26 x 34,1 cm., entre / between 1580-1600
Galleria degli Uffizi (Florencia, Italia / Florence, Italy). Wikimedia Commons

"Psittacus Ararauna", dibujo / drawing, 67 x 45,6 cm., entre / between 1580-1600
Galleria degli Uffizi (Florencia, Italia / Florence, Italy). Wikimedia Commons
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Jessie Hazel Arms Botke
(Chicago, Illinois, EE.UU./ USA, 1883 - 1971)

"Pavos Reales y Delphiniums / Peacocks and Delphiniums", óleo sobre panel / oil on board. Pinterest

"Flamencos y lotos / Flamingos and Lotus". Pinterest
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Robert Bateman
(Toronto, Canadá, 1930-)

"Tigre en el crepúsculo / Tiger at Dusk", acrílico / acrylic, 19 7/8” x 16”, 1998. Link

"Juego terminado - Zorro y arce / Game Over - Fox and Maple"
Acrílico sobre panel / acrylic on board, 16" x 20", 2007. Jackson Hole Art Auction

Robert Bateman en "El Hurgador" / in this blog[Rinocerontes (VIII)]
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Stuart Dunkel
(Fair Lawn, Nueva Jersey, EE.UU./ New Jersey, USA, 1952-)

"El escalador / The Climber", óleo / oil, 9" x 12", 1944. Lancaster Online

"Sr. Bigotes / Mr. Moustache", óleo sobre panel / oil on panel, 4" x 5". Rehs Contemporary
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Karl Joseph Brodtmann
(Suiza / Switzerland, 1787 - 1862)

"Löwe Aus Der Barbarey. Felis leo barbaricus. Lion de barbarie."
Litografía coloreada a mano / hand coloured lithograph, 64 x 45 cm., c.1824-30
El León del Atlas es una subespecie originaria del norte de África que se considera extinta en estado salvaje /
The Barabary Lion, also known as the Atlas Lion is an African subspecies now considered to be extinct in the wild. King's Court Galleries

"Felis Leoena Barbarica (Leona del Atlas / Barbary Lion)"
Litografía coloreada a mano / hand coloured lithograph, 33.33 x 25.64 cm., c.1824-30. The Antiquarium
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Miroslav Kraljević
(Croacia / Croatia, 1885 - 1913)

"Bik / Toro / Bull", 1911. Perceive Art

Miroslav Kraljević en "El Hurgador" / in this blog[Pintando perros (LV)], [Aniversarios (CCVI)]
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Giovanni Domenico Tiépolo
(Venecia / Venice, 1727 - 1804)

"La procesión del caballo de Troya entrando en Troya / The Procession of the Trojan Horse into Troy"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 39 x 67 cm., 1773.
National Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

"La procesión... / The Procession..." (detalle / detail)
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Rebecca Luncan
(Seattle, EE.UU./ USA)

"Finale, la penúltima cabra / the Penultimate Goat"
Óleo sobre cobre / oil on copper, 4" x 4", Oct., 2016. facebook

"Gallo / Rooster", grafito y carboncillo sobre papel / graphite and charcoal on paper, 4,5" x 4,5"

"Wally la vaca de las Tierras Altas / the Highland Cow", óleo sobre cobre / oil on copper, 4" x 4". facebook
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Albert Jacob Cuyp
(Aelbert Jacobsz Cuyp)
(Dordrecht, Holanda / Netherlands, 1620 - 1691)

"Interior de un granero con un carnero de cuatro cuernos y cuatro ovejas, y una cabra, con un bodegón de una canasta y cuencos volcadas a la derecha /
A Barn Interior With a Four-Horned Ram and Four Ewes, and a Goat, With a Still Life of a Basket and Upturned Pots to the Right"
Óleo sobre panel de roble / oil on oak panel, 41,1 x 49,9 cm. Sotheby's
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John Frederick Herring Sr.
(Londres, Reino Unido / London, UK, 1795 - 1865)

"Patos y patitos / Ducks and Ducklings", óleo sobre lienzo / oil on canvas
Museo de Bellas Artes (Boston, EE.UU./ USA)
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Cornelis Saftleven
(Gorcum, Holanda / Netherlands, 1607 - Rotterdam, 1681)

"Cabezas de un dodo y una abubilla / Heads of a Dodo and a Hoopoe Hen"
Tiza negra, pincel y tinta gris, y acuarela / black chalk, brush and grey ink and watercolour, 11,8 x 17,2 cm., c.1645-55
Museum Boijmans van Beuningen (Rotterdam, Holanda / Netherlands)

Cornelis Saftleven en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (XXII)]
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Esaias van de Velde
(Ámsterdam, Holanda / Netherlands, 1587 - La Haya / The Hague, 1630)

"La ballena varada en la playa entre Sceveningen y Katwikj el 20 o 21 de enero de 1617, con elegantes espectadores /
The Whale Beached between Scheveningen and Katwijk on 20 or 21 January 1617, with Elegant Sightseers"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 38 3/4" x 57 1/4", 1617
New Bedford Whaling Museum, Kendall Collection (Massachusetts, EE.UU./ USA). 1000 Museums

Aniversarios (CCVIII) [Diciembre / December 24-31]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
Todos los aniversarios de Diciembre aquí / All anniversaries for December here.
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El 24 de Diciembre es el cumple de

John Baeder, pintor estadounidense nacido en 1938 en South Bend, Indiana, estrechamente asociado con el movimiento fotorrealista. Es conocido por sus pinturas detalladas de cafeterías y restaurantes de carretera estadounidenses.

"Wantaburger", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 48", 2008. Pinterest

Su interés en las pequeñas ciudades de Estados Unidos comenzó cuando era joven, fotografiando autos viejos y otras reliquias con una cámara Baby Brownie. Mientras asistía a la Universidad de Auburn a fines de la década de 1950, realizó frecuentes viajes entre Atlanta y Alabama, lo que atrajo su atención a los paisajes rurales y a los restaurantes económicos de carretera.
Comenzó a trabajar como director de arte en Atlanta para una sucursal de una agencia de publicidad de Nueva York en 1960, y se mudó a la ciudad de Nueva York en 1964. Tuvo una carrera exitosa en publicidad hasta principios de la década de 1970, mientras continuaba pintando, dibujando y fotografíando en su tiempo libre.

"Sabrett's", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 48", 2010. Nashville Arts

Baeder abandonó el campo de la publicidad en 1972 para dedicarse a su carrera artística a tiempo completo. Ese mismo año la Galería OK Harris en Nueva York comenzó a exhibir sus obras.
Desde entonces, ha realizado más de treinta exposiciones individuales en galerías de arte como la propia OK Harris Gallery en Nueva York, Modernism Gallery en San Francisco, Thomas Paul Fine Art en Los Angeles y Cumberland Gallery en Nashville, así como una exposición retrospectiva itinerante titulada "Viajes agradables y buenas comidas en ruta / Pleasant Journeys and Good Eats along the Way", que comenzó en el Morris Museum of Art en Augusta, Georgia en diciembre de 2007.

"Market Tower", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 48", 2007. Nashville Arts

Su obra incluye óleos, acuarelas y fotografías, y se puede encontrar en las colecciones permanentes del Museo de Arte Estadounidense Whitney, el Museo Cooper-Hewitt, el Museo de Arte Norton, el Museo de Arte de Denver, el Museo de Arte de Milwaukee, el Museo High de Arte, el Instituto de Artes de Detroit, el Museo de Arte de Indianápolis, el Museo de Arte Cheekwood, el Museo Estatal de Tennessee, la Galería de Arte de la Universidad de Yale y el Museo de Arte de Morris, entre otros.

"John’s Diner", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 36", 1990. Nashville Arts


El 25 de Diciembre es el cumple de

Henry Salem Hubbell, pintor estadounidense nacido en 1870 en Paola, Kansas.

"Momento tierno / Tender Moment", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 36", c.1913. The Red Fern Gallery

Realizó su formación artística inicial en el Art Institute of Chicago. A fines de la década de 1890 estudió en la Academia Julien de París con Jean Paul Laurens, Louis Collin, Benjamin Constant y James Whistler. El primer comentario de Laurens al ver el trabajo de Hubbell fue: "Aquí hay un hombre que será un pintor de retratos". El alumno tenía otras intenciones bien definidas, pero el maestro, con su instrucción y perspicacia, era un verdadero profeta. Whistler también predijo que algún día "el mundo lo conocerá como un colorista", y en los retratos de Hubbell el color es una característica sobresaliente. Muy influenciado por Whistler, Hubbell cambió de género a retratista, y su técnica se debe principalmente a su mentor.

"Mañana / Morning", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 88,5" x 63,5" cm., c.1903-04
Coleccción privada / Private collectionARC

Fue amigo de Frederick Frieseke, y desde 1908 hasta 1910, se convirtió en parte de la colonia estadounidense de impresionistas en Giverny. Pasó doce años en el extranjero preparándose para su carrera, y luego regresó a Estados Unidos donde logró el éxito como pintor de retratos. Estableció un estudio en Silvermine cerca de Norwalk, Connecticut, desde donde pintó a figuras prominentes y mujeres jóvenes. También dirigió la Escuela de Pintura en el Carnegie Institute of Technology en Pittsburgh.

"Retrato de / Portrait of Henry Siddons Mowbray". American Gallery

Muchas de las mejores obras de arte de Hubbell son decoraciones, pintadas en un momento en que ese término no abarcaba ninguno de los aspectos peyorativos que ha ganado en este último siglo. A partir de finales del siglo XIX con el arte y la filosofía de Whistler, la decoratividad de una pintura la liberó del bagaje moral que anteriormente la había limitado y que a menudo ocultaba no solo su belleza potencial, sino también las limitaciones y la mediocridad de su autor. Los mejores cuadros de Hubbells niegan cualquier mediocridad, y en su desarrollo completo y exhibición de belleza sensual, tanto en imagen como en arte, ofrecen un desafío consumado a las restricciones revisionistas sobre los propósitos del arte.
Murió en 1949.

"Hora del té / Tea Time", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 92,7 x 64,7 cm.
Coleccción privada / Private collection. Sotheby's


El 26 de Diciembre es el cumple de

Arshak Sarkissian (Արշակ Սարգսյան), pintor y escultor armenio nacido en 1981 en Gyumiri, en la familia del artista Ararat Sarkissian.
Después del terremoto de 1988 se mudó a Ereván.

"Tango", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 31,5" x 43,3". Saatchi

En 1998 se graduó del Centro Nacional de Arte Estético, Ereván, Armenia. Posgrado en 2001-2002, en el Cyprus College of Art, Paphos, Chipre.
Arshak diseñó el interior de las terminales de pasajeros en el aeropuerto internacional Zvartnots de Armenia. Los lienzos extensos y densamente poblados de Arshak Sarkissian representan lo sagrado y lo profano de una sociedad en un vertiginoso flujo, hambrienta de autodescubrimiento y de una transformación significativa.

"Fantasma de la libertad / Phantom of Liberty", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 240 x 300 cm., 2009

"Viento / Wind", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 59,1" x 78,7". Saatchi

Sarkissian destila las feroces energías de una metrópoli ecléctica en pastiches densaamente tejidos, en los que la vida en las calles de los oprimidos y el abandono de las bellezas de bacanal colisionan y convergen a la vez. Sus dibujos exhiben una complejidad y sutileza que excede la imaginación; es un artista capaz de crear grandes lienzos con múltiples figuras y estructuras complejas. Como pintor, es, al mismo tiempo, un antropólogo de estados mentales. Representa a los animales junto con sus personajes, un hecho que también deja lugar a interpretaciones fisonómicas confusas.

"Precioso Juguete / Gorgeous Toy", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 49 x 51 cm., 2014


El 27 de Diciembre es el cumple de

John Boys Drawbridge, artista, muralista y grabador neozelandés, nacido en 1930 en Wellington.

"Interior con ventana / Interior With Window No. 11", 1985
Victoria University of Wellington (Nueva Zelanda / New Zealand). Pinterest

Fue famoso por sus murales en lugares públicos: por el vestíbulo de la Casa Nueva Zelanda en Londres en la década de 1960, la Colmena en la década de 1970 y por el Pabellón de Nueva Zelanda en la Expo '70 en Japón.
Fue tutor de grabado en la Escuela de Diseño de Wellington Polytech durante 25 años (más tarde se convirtió en la Universidad de Massey, Facultad de Artes Creativas, de la cual recibió un doctorado honorífico, y también fue incluido en el Salón de la Fama de la Universidad de Massey).

"Rojo Azul Verde, Azul abierto de par en par / Red Blue Green, Wide Open Blue"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 168 x 137 cm. Australian Art Auction Records

"Dos círculos / Two Circles", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 122 x 122 cm. Australian Art Auction Records

Después de regresar de Inglaterra en 1964, fue considerado uno de los artistas más importantes de Nueva Zelanda, pero perdió el favor de los críticos de arte de finales de los 70 y 80 (su trabajo fue visto como demasiado internacional en un momento en que el realismo regional ayudaba a definir una identidad neozelandesa). Después de su muerte en 2005, su contribución a la escena artística de Nueva Zelanda ha sido revisada, en varias ocasiones, por un número creciente de defensores (especialmente por el Dr. Damian Skinner, del Museo de Auckland).
Vivió en Island Bay en Wellington con su esposa artista Tanya Ashken. Tuvieron dos hijos, Tony y Cameron. En 1967 hubo controversia sobre una de sus pinturas al óleo de Island Bay, que fue regalada a Canadá.

"El jardín / The Garden", óleo sobre panel / oil on panel, 22,5 x 28 cm. Australian Art Auction Records


El 28 de Diciembre es el cumple de

Derek Balmer, artista y fotógrafo británico nacido en 1934 en Londres.
Su educación artística profesional comenzó en Bristol cuando ingresó, con 15 años en 1950, en el West of England College of Art, luego ingresó en la Royal West of England Academy, una institución de la que luego se convertiría en presidente. Le ofrecieron una plaza en la Slade School of Art de Londres a los 17 años, y lo rechazó porque su familia no podía pagarlo. En su lugar se hizo aprendiz de una firma de fotolitografías en Bristol, trabajando como fotógrafo. Continuó sus estudios asistiendo a clases nocturnas y, a los 21 años, se le aceptó una pintura para ser exhibida en la Royal West of England Academy, donde ha expuesto todos los años desde entonces.

"Canción de septiembre / September Song", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 142 X 112 cm., 2016. Catto Gallery

Balmer se estableció como fotógrafo independiente y su amistad con Tom Stoppard y el cineasta John Boorman entre otros, lo llevaron a la escena de teatro activo en Bristol en los años '60. Balmer fue nombrado fotógrafo oficial de la compañía Bristol Old Vic en 1961, cargo que ocupó durante los siguientes 28 años. Al mismo tiempo, fue invitado a escribir críticas de arte para Western Daily Press, un puesto que ocupó durante siete años desde 1961 hasta 1968 hasta que se cerró la columna. Con la apertura de la Galería Arnolfini en 1961 y los montajes de muestras de la Galería de Arte de la Ciudad de Bristol, Balmer se encontró reseñando a artistas como Frank Auerbach, Keith Vaughan, Joseph Herman y Bryan Winter, entre otros.

"Mapa de nieve / Snow Map", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 92 X 122 cm., 2013. Catto Gallery

A pesar de las demandas de su carrera fotográfica profesional, Balmer continuó pintando, viajando ampliamente por el sur de Europa para observar  pinturas, arquitectura y escultura. Su obra, inicialmente influenciada por Graham Sutherland, pronto desarrolló una gran calidad expresiva y colorista, y sus temas inspirados principalmente en paisajes de los años '60 y '70 fueron tratados de manera cada vez más semi-abstracta. Sus influencias se basaron en una amplia gama de fuentes: Pierre Bonnard, Peter Lanyon, John Hoyland y expresionistas abstractos estadounidenses como Gorky y de Kooning, entre otros. Para cuando realizó su primera exposición individual en la Galería Arnolfini en 1968, sin embargo, había llegado a un estilo muy personal, que comenzó a atraer la atención de los críticos de Londres: Neville Wallis de The Observer predecía que "algún día Balmer incendiará Bond Street ".

"Verano de abedules / Birchwood Summer", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 92 X 71 cm., 2012. Catto Gallery

Durante la década de 1970 intentó hacer exitoso su negocio fotográfico y apoyar a su joven familia, pasando a exhibir gran parte de su obra en la Royal West of England Academy, de la que se había convertido en miembro asociado en 1955. En la década de 1980 su obra había ganado en confianza y riqueza expresiva, y Balmer comenzó a colocar su obra en una variedad más amplia de exposiciones. A principios de la década de 1990, después de haber abandonado su negocio fotográfico, se involucró con la Royal West of England Academy, en 1993 fue elegido para el Consejo y luego se convirtió en Presidente y Jefe de los Académicos en 2001.

"Campos de lavanda, Provenza / Lavender Fields, Provence"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 71 X 92 cm., 2015-16. Catto Gallery


El 29 de Diciembre es el cumple de

Elizabeth Adela Forbes (de nacimiento Armstrong), pintora canadiense nacida en 1859 en Kingston, Ontario, principalmente activa en el Reino Unido.
Fue amiga de los artistas James Abbott McNeill Whistler y Walter Sickert, quienes influyeron en su trabajo. Se dice que sus aguafuertes en particular muestran la influencia de Whistler.

"Una princesa en un sueño / A Dream Princess"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 162 × 118 cm., 1897
Royal Cornwall Museum (Truro, Cornualles, Reino Unido / Cornwall, UK). Wikimedia Commons

Después de estudiar y trabajar en Europa continental, Forbes se estableció en Newlyn, Inglaterra, donde crió a su hijo y fundó una escuela con su esposo, Stanhope Forbes. Expuso sus obras en muestras importantes y ganó medallas por sus obras. 
De niña viajó con su madre a Inglaterra y estudió en la South Kensington Art School (ahora el Royal College of Art). Luego regresó a Canadá. De 1877 a 1880 estudió en la Art Students League de Nueva York con William Merritt Chase, quien le recomendó que estudiara en Múnich. Siguiendo su consejo se fue a Alemania y estudió con J. Frank Currier y Frank Duveneck a principios de la década de 1880.

"Aquí estamos recogiendo nueces en mayo / Here we are gathering nuts in May"
Tiza negra, acuarela y bodycolour sobre papel / black chalk, wtc and bodycolour on paper, 50.7 × 71.1 cm., Christie's

En 1882 exploró la pintura al aire libre en la colonia de artistas de Pont-Aven en Bretaña. También enseñó grabado allí. Mientras estuvo en Bretaña, envió cuadros a Londres para venderlos en el Royal Institute y todos los que envió se vendieron el día de apertura de la muestra. Al año siguiente estuvo en Londres, donde trabajó como grabadora y se unió a la Sociedad de Pintores Aguafortistas. En el verano de 1884 estudió cerca de Haarlem en Zandvoort, Países Bajos con William Merritt Chase.
En el otoño de 1885, Armstrong y su madre se mudaron a Newlyn, Cornwall. Ella estableció un estudio en Newlyn. Ganó una medalla en la Exposición Internacional de París en 1891 y una medalla de oro por una pintura al óleo en la Exposición Mundial Colombina en Chicago en 1893. Entre 1893 y 1899 participó en más de 63 exposiciones en Londres.

"Escena en un bosque medieval / Medieval Woodland Scene"
Acuarela / watercolor, 1880s. Wikimedia Commons

"Hermanas / Sisters", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 122.4 × 97 cm., c.1895. Wikimedia Commons

Después de Newlyn, Armstrong vivió en St. Ives, donde conoció a Stanhope Forbes, con quien se casó en 1889. Yendo contra los roles sociales de las mujeres casadas, Elizabeth Forbes continuó siendo una artista activa y exitosa después del matrimonio. Además en 1899 ella y su esposo abrieron la Newlyn Art School. También fueron fundamentales para la creación y el éxito continuo de la nueva Galería de Arte Passmore Edwards en Newlyn, también conocida como Newlyn Art Gallery (NAG). Sus obras de arte, muchas de ellas con niños, incluido su hijo Alec, fueron influenciadas por el realismo francés. Fue una artista exitosa, más que algunos de sus contrapartes masculinos y tenía una reputación nacional, comúnmente asociada con la Escuela Newlyn o la Escuela Forbes.
Murió en 1912.

"La huerta / The Orchard"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 32 × 26 cm., Sothebys


Hoy, 30 de Diciembre, es el cumple de

John Richard Howley, pintor australiano nacido en 1931 en Melbourne, cuya obra principal está relacionada con el género del arte fantástico.

"Sin título / Untitled", acrílico sobre panel / acrylic on board, 54 x 74 cm., 1970. Art Sales Digest

Estudió en la National Gallery School of Art en Melbourne (1949-54) con Murray Griffin. En 1954 y nuevamente en 1955 expuso con el Grupo Cuatro, y en 1956 en la Galería Brummels, la cual estableció su reputación como un artista de vanguardia. En 1962 dejó Australia por Inglaterra y pasó 3 años viajando por Europa y África del Norte pintando y tocando música improvisada. De 1965 a 1967 vivió durante dos años en Tel Aviv, Palestina Ocupada, donde realizó 5 exposiciones. En 1967 regresó a Melbourne y comenzó a exhibir en la Galería Tolarno de Georges Mora. En 1980 estableció con su esposa The Acland Street Art Gallery. En 1990 se trasladó a Williamstown, Melbourne, dedicándose a su pintura y su participación en la música improvisada. Actualmente vive en la zona campestre de Victoria, Australia.

"Ciudad fantasma / Ghost Town"
Óleo y aguada sobre papel / oil and gouache on paper, 56,5 x 77 cm., 1977. Art Sales Digest

Howley pintó 80 retratos y 2 murales por encargo: Tullamarine Airport, Melbourne y Royal Children's Hospital, Melbourne (este último junto con otros dos artistas) y ha expuesto en varios países.
En sus años de estudiante, el estudio de John Howley sobre maestros del Renacimiento fue la primera gran influencia en su trabajo. Otras influencias de esa época incluyen el expresionismo alemán y el movimiento de realismo social australiano. Los estudios formales y la destreza de Howley le permitieron explorar una variedad de modos expresivos diferentes. Su obra se caracteriza por una búsqueda constante de nuevas formas de comentar sobre la civilización contemporánea, principalmente la transición a una sociedad tecnológicamente controlada. Sus pinturas crean realidades alternativas y fantásticas.

"El gato del inframundo / Cat of the Underworld", acrílico sobre hardboard / acrylic on hardboard 119 x 150 cm., 1996

Además de pintor, Howley también ha sido pianista y vocalista del Howley, Calvert, George trío, un trío de improvisación de jazz (1994-2007) que incluye a Robert Calvert en saxofón y Robert George en la batería.

"El héroe / The Hero", óleo sobre papel / oil on paper, 52 x 58 cm., 1967. Wikimedia Commons


El 31 de Diciembre es el cumple de

Abdus Shakoor, pintor y calígrafo bangladesí nacido en 1947 en el distrito de Bogra de Bangladesh.

"El día que la chica fue a la orilla del río... / The day the girl went to the riverbank..."
Acuarela sobre papel / watercolour on paper, 35 x 27 cm., 2000
Gallery Oldham (Manchester, Inglaterra / England). ArtUK

Su trabajo se centra en temas ancestrales e históricos, siguiendo la tradición popular de Zainul Abedin, Quamrul Hassan, Jamini Roy y Qayyum Chowdhury. Los temas comunes en las pinturas de Shakoor incluyen motivos y baladas folclóricos bengalíes; las historias de amor de Mahua y Malua, así como las de Nakshi Kanthar Math y Maimansingha Gitika. Pavos reales y loros, así como elefantes, toros, gatos, tigres, serpientes y lagartos ocupan un lugar destacado en sus obras.

"Kajolrekha", 30,5 x 45,7 cm., 2017. facebook

Casi todas las composiciones de Shakoor están bordeadas por gruesas líneas sueltas de pincel. Casi no hay líneas duras en las pinturas. Su estilo ha sido comparado con artistas europeos como Piet Mondrian y Paul Klee.
Es presidente del Departamento de Artesanía de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Dhaka.

"Después de recorrer varios sitios... / After touring various places..."
Acuarela sobre papel / watercolour on paper, 35 x 27 cm., 2000
Gallery Oldham (Manchester, Inglaterra / England). ArtUK

Entre los galardones que Shakoor ha ganado se cuenta la medalla de oro en la XV Exposición Nacional de Arte en la Academia Bangladesh Shilpakala, Dhaka, en 2002.

"Ella / She", 91,5 x 91,5 cm., 2007. facebook


Textos en inglés / English translation

On December 24 is the birthday of

John Baeder, American painter born in 1938 in South Bend, Indiana, closely associated with the Photorealist movement. He is best known for his detailed paintings of American roadside diners and eateries.
The interest in small towns across America began when he was young by photographing old cars and other relics with a Baby Brownie camera. While attending Auburn University in the late 1950s, he made frequent trips between Atlanta and Alabama, which drew his attention to rural landscapes and roadside diners.
He started working as an art director in Atlanta for a branch of a New York advertising agency in 1960, and subsequently moved to New York City in 1964. He went on to have a successful career in advertising through the early 1970s, while continuing to paint, draw and photograph on his own time.
Baeder left the advertising field in 1972 to pursue his artistic career full-time. The same year, OK Harris Gallery in New York began exhibiting his artworks.
Since then, he has had more than thirty solo exhibitions at art galleries such as OK Harris Gallery in New York; Modernism Gallery in San Francisco, Thomas Paul Fine Art in Los Angeles and Cumberland Gallery in Nashville, as well as a traveling retrospective exhibition titled “Pleasant Journeys and Good Eats along The Way,” which started at the Morris Museum of Art in Augusta, Georgia in December 2007.
His work includes oil paintings, watercolors and photographs and can be found in the permanent collections of the Whitney Museum of American Art, the Cooper-Hewitt Museum, the Norton Museum of Art, the Denver Art Museum, the Milwaukee Art Museum, the High Museum of Art, the Detroit Institute of Arts,the Indianapolis Museum of Art, the Cheekwood Museum of Art, the Tennessee State Museum, the Yale University Art Gallery, and the Morris Museum of Art among others.

On December 25 is the birthday of

Henry Salem Hubbell, American painter born in 1870 in Paola, Kansas.
He took his initial art training at the Art Institute of Chicago. In the late 1890s, he studied at the Julien Academy in Paris with Jean Paul Laurens, Louis Collin, Benjamin-Constant and James Whistler. Laurens' first comment on seeing Hubbell's work was, "Now here is a man who will be a portrait painter." The pupil had other and quite definite intentions, but the master with his training and insight was a true prophet. Whistler also predicted that someday "the world will know him as a colorist," and in Hubbell's portraiture, color is an outstanding characteristic. Much influenced by Whistler, Hubbell switched from genre to portraiture, and his technique is owed mainly to his mentor.
He was a friend of Frederick Frieseke, and from 1908 to 1910, became part of the American Colony of Impressionists at Giverny. Hubbell spent twelve years abroad in preparation for his career, and then returned to America where he achieved success as a portrait painter. He established a studio at Silvermine near Norwalk, Connecticut, from where he painted prominent figures and images of young women. He also headed the School of Painting at the Carnegie Institute of Technology in Pittsburgh. 
Many of Hubbell's finest works of art are decorations, painted at a time when that term encompassed none of the perjorative that it has gained over this last century. Beginning in the late 19th century with the art and philosophy of Whistler, the decorativeness of a painting freed it from the moral baggage which had previously constrained it and which often hid not only its potential beauty but also the limitations and mediocrity of its author. Hubbells's finest pictures deny any mediocrity, and in their full development and display of sensuous beauty, both in image and in artistry, they offer a consumate challenge to revisionist constraints upon the purposes of art.
He died in 1949.

On December 26 is the birthday of

Arshak Sarkissian (Արշակ Սարգսյան), Armenian painter and sculptor born in 1981 in Gyumiri, in the family of artist Ararat Sarkissian.
After the earthquake of 1988 he moved to Yerevan.
In 1998 he graduated from National Aesthetic Center of art, Yerevan, Armenia, 2001-2002 Postgraduate at Cyprus College of Art, Paphos, Cyprus.
Arshak designed the interior of passenger terminals in Zvartnots Armenia International Airport. Arshak Sarkissian's sprawling, densely populated canvases depict the sacred and the profane of a society in giddy flux, hungry for self-discovery and meaningful transformation. Sarkissian distills the fierce energies of an eclectic metropolis into tightly-woven pastiches, in which the street life of the downtrodden and behind-the-curtain abandon of bacchanalian beauties at turns collide and converge. His drawings exhibit a complexity and subtlety that exceed imagination; he is an artist capable of creating vast canvasses with multiple figures and complex structure. As a painter he is, at the same time, an anthropologist of states of mind. He depicts animals along with his characters, a fact that also leaves room to physiognomic confusing interpretations.

On December 27 is the birthday of

John Boys Drawbridge, New Zealand artist, muralist and printmaker, born in 1930 in Wellington.
He was famous for his murals in public places: for the foyer of New Zealand House in London in the 1960s, the Beehive in the 1970s, and for the New Zealand Pavilion at Expo 70 in Japan.
He was a tutor in printmaking at the Wellington Polytech School of Design for 25 years (later becoming Massey University, College of Creative Arts, from whom he received an honoury doctorate and was also inducted into the Massey University Hall of Fame).
After returning from England in 1964 he was considered one of new Zealand's most significant artists, but fell out of favour with the art critics of the late 1970s and 1980s (his work being seen as too international during a time when regional realism was helping define a New Zealand identity). After his death in 2005 his contribution to the New Zealand art scene has been revisited, on a number of occassions, by an increasing number of champions (notably by Dr. Damian Skinner, of Auckland Museum).
He lived at Island Bay in Wellington with his artist wife Tanya Ashken; they had two sons, Tony and Cameron. In 1967 there was controversy about one of his oil paintings of Island Bay which was gifted to Canada.

On December 28 is the birthday of

Derek Balmer, British artist and photographer born in 1934 in London.
His professional art education began in Bristol when he was admitted, aged 15 in 1950, to the West of England College of Art, then situated within the Royal West of England Academy, an institution of which he was later to become President. Offered a place at the Slade School of Art in London at 17, he turned it down as his family could not afford the expense. Instead he became apprenticed to a photo-litho firm in Bristol, working as a photographer. Art studies at the College continued via evening classes and at 21, he had a painting accepted for exhibition at the Royal West of England Academy where he has exhibited every year since.
Balmer established himself as an independent photographer and friendships with Tom Stoppard and film-maker John Boorman among others, drew him into the active theatre scene in Bristol in the 60s. Balmer was appointed official photographer to the company Bristol Old Vic in 1961, a position he held for the next 28 years. At the same time, he was invited to write art criticism for the Western Daily Press, a position he held for seven years from 1961-1968 until the column closed. With the Arnolfini Gallery opening in 1961 and the Bristol City Art Gallery mounting shows, Balmer found himself reviewing artists such as Frank Auerbach, Keith Vaughan, Joseph Herman and Bryan Winter among others.
Despite the demands of his professional photographic career, Balmer continued to paint, travelling widely in Southern Europe to look at painting, architecture and sculpture. His work, initially influenced by Graham Sutherland, soon developed a strongly colouristic, expressive quality, his largely landscape-inspired subjects of the 1960s and 1970s being treated in an increasingly semi-abstract manner. His influences drew on a wide range of sources – Pierre Bonnard, Peter Lanyon, John Hoyland and American abstract expressionists like Gorky and de Kooning among others. By the time he had his first solo show at the Arnolfini Gallery in 1968, he had however arrived at an intensely personal style of his own, one that began to attract notice from the London critics, Neville Wallis of The Observer predicting that "one day Balmer will set Bond Street on fire".
During the 1970s, Balmer sought to make a success of his photographic business and support his young family, largely withdrawing from exhibiting his work other than at the Royal West of England Academy where he had become an Associate member in 1955. By the 1980s, his work had gained in expressive richness and confidence and Balmer started putting his work into a wider variety of exhibitions. By the early 1990s, having given up his photographic business, he became involved in the Royal West of England Academy affairs, in 1993 being elected to the Academy Council, then becoming Academicians’ Chairman and President in 2001.

On December 29 is the birthday of

Elizabeth Adela Forbes (née Armstrong), Canadian painter born in 1859 in Kingston, Ontario, who was primarily active in the UK.
She was friends with the artists James Abbott McNeill Whistler and Walter Sickert, both of whom influenced her work. Her etchings in particular are said to show the influence of Whistler.
After studying and working in continental Europe, Forbes settled in Newlyn, England where she raised her son and established a school with her husband, Stanhope Forbes. She had her works exhibited in notable shows and won medals for her works.
As a young girl, she traveled with her mother to England and studied at the South Kensington Art School (now the Royal College of Art). She then returned to Canada. From 1877 to 1880 she studied at the Art Students League of New York with William Merritt Chase, who recommended that she next study in Munich. Following his advise, Armstrong went to Germany and studied with J. Frank Currier and Frank Duveneck in the early 1880s.
In 1882 she explored plein air painting at the artists colony at Pont-Aven in Brittany. She also taught etching there. While in Brittany she sent paintings to London for sale at the Royal Institute and all of the items that she sent were sold on the opening day of the show. The following year she was in London where she worked as a print maker and joined the Society of Painter Etchers. In the summer of 1884 she studied near Haarlem in Zandvoort, the Netherlands with William Merritt Chase.
In the autumn of 1885, Armstrong and her mother moved to Newlyn, Cornwall. She established a studio in Newlyn. She won a medal at the Paris International Exhibition in 1891 and a gold medal for an oil painting at the World's Columbian Exposition in Chicago in 1893. Between 1893 and 1899 she participated in more than 63 exhibitions in London.
After Newlyn, Armstrong lived in St. Ives, where she met Stanhope Forbes, whom she married in 1889. Going against societal roles for married women, Elizabeth Forbes continued to be an active and successful artist after marriage. Further, in 1899 she and her husband Stanhope Forbes opened the Newlyn Art School. They also were instrumental in the creation and ongoing success of the new Passmore Edwards Art Gallery at Newlyn, also known as the Newlyn Art Gallery (NAG). Her works of art, many of them of children, including her son Alec, were influenced by French realism. She was a successful artist, more successful than some of her male counterparts and had a national reputation, most commonly associated with the Newlyn School, or Forbes School.
She died in 1912.

Today, December 30, is the birthday of

John Richard Howley, Australian painter born in 1931 in Melbourne, whose core work is related to the Fantastic Art genre.
He studied at the National Gallery School of Art in Melbourne (1949–54) under Murray Griffin. In 1954 and again in 1955 he exhibited with Group Four, and in 1956 at Brummels Gallery, which established his reputation as an avant-garde artist. In 1962 he left Australia for England and spent 3 years traveling in Europe and North Africa painting and playing improvised music. From 1965 to 1967 he lived for two years in Tel Aviv, Occupied Palestine, where he had 5 exhibitions. In 1967 Howley returned to Melbourne and started to exhibit at Georges Mora’s Tolarno Gallery. In 1980 he established with his Israeli curator wife The Acland Street Art Gallery that continued to exhibit Howley along with several other artists until 1989. The next year he moved to Williamstown, Melbourne dedicating himself to his painting and his involvement in improvised music. The artist now lives in countryside Victoria, Australia.
Howley painted 80 portraits and 2 commissioned murals Tullamarine Airport, Melbourne and Royal Children's Hospital, Melbourne, (the latter mural with two other artists) and has exhibited in several countries.
In his student years John Howley’s study of Renaissance masters was the first major influence in his work. Other influences from that time include German Expressionism and the Australian Social Realism movement. Howley's formal studies and draftsmanship enabled him to explore a variety of different expressive modes. His oeuvre is characterised by a constant search for new ways to comment on contemporary civilisation – mainly the transition into a technologically controlled society. His paintings create alternative and fantastic realities.
As well as a painter, Howley was also pianist and vocalist for the Howley, Calvert, George trio - an improvisational jazz trio, (1994-2007) including Robert Calvert on saxophone, and Robert George on drums.

On December 31 is the birthday of

Abdus Shakoor, Bangladeshi painter and calligrapher born in 1947 in the Bogra district of Bangladesh. 
His work focuses on ancestral and historical themes, following in the folk-tradition of Zainul Abedin, Quamrul Hassan, Jamini Roy and Qayyum Chowdhury. Common themes in Shakoor's paintings include Bengali folk motifs and ballads; the Mahua and Malua love stories as well as the Nakshi Kanthar Math and the Maimansingha Gitika. Peacock and parrots as well as elephants, bulls, cats, tigers, serpents and lizards feature prominently in his works.
Almost all of Shakoor's compositions are bordered with free-flowing thick brush lines. There is almost no hard line in the paintings. His style has been compared with European artists such as Piet Mondrian and Paul Klee.
He is chairman of the Craft Department in the Faculty of Fine Arts at Dhaka University.
Among the awards Shakoor has won is a gold medal in the 15th National Art Exhibition at the Bangladesh Shilpakala Academy, Dhaka, in 2002.

Aniversarios Fotografía (CCVIII) [Diciembre / December 25-31]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
Todos los aniversarios de Diciembre aquí / All anniversaries for December here.
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El 25 de Diciembre es el cumple de

William Carter, fotógrafo estadounidense nacido en 1934 en Los Ángeles.
Se graduó de la Universidad de Stanford en 1957. Se mudó a Berkeley, California, donde se convirtió en fotógrafo profesional, escritor y editor. Viviendo en Nueva York desde 1961-63, Carter trabajó como editor para la editorial Harper & Row. Con sede en Beirut, Líbano, desde 1964 hasta 1966, publicó fotografías y artículos sobre temas como los kurdos de Iraq en Life, Sunday Times, Geographical Magazine y otros. En 1966-69 trabajó independientemente en Londres realizando tareas para The New York Times, Women's Wear Daily y TWA's Annual Report.

"Norte de Minesota / Northern Minnesota", 1973. Blog

Al regresar a San Francisco en 1969, Carter se centró a proyectos a más largo plazo. Publicó su primer libro de texto e imágenes, "Pueblos fantasmas del oeste / Ghost Towns of the West", en 1971, un estudio en profundidad de las ciudades mineras surgidas por el boom, preservadas en las zonas climáticas secas del oeste americano. Su segundo libro, "País del medio oeste / Middle West Country, apareció en 1975; un conmovedor estudio histórico del Medio Oeste desde los primeros asentamientos de los agricultores europeos hasta la era actual de la agricultura mecanizada. En 1991, el interés de toda la vida de Carter en el jazz de Nueva Orleans lo llevó a crear su tercer libro de texto y fotografías, "Preservation Hall".

"Comerciantes en el puerto sureño de Adén / Traders in the southern port of Aden", Yemen. Blog

Cada vez más atraído por la fotografía artística clásica, en 1996 publicó "Iluminaciones / Illuminations", un libro de desnudos.
Luego vino el quinto libro de Carter, "Causas y espíritus: Fotografías de cinco décadas / Causes and Spirits: Photographs from Five Decades". Publicado por Steidl en 2011, esta es una apreciación fotográfica de la humanidad en todo el mundo.

"Cerca de Sana / Near Sana", Yemen, 1964. Blog

Tras haber realizado giras por todo el país y grabado como clarinetista con la Banda de Jazz de Turk Murphy a los veinte años, William Carter permaneció activo como músico de jazz semiprofesional a sus ochenta años. De 1990 a 2015 fue presidente de la San Francisco Traditional Jazz Foundation. En 2015 montó una exposición de sus fotografías de jazz y blues, incluyendo retratos de Louis Armstrong donados al Armstrong House and Museum en Queens, Nueva York.
Las décadas de fotografía de viajes de Carter lo llevaron por todo el mundo. Más cerca de casa, documentó el nacimiento y cuidado de bebés prematuros en el departamento neonatal del Hospital de la Universidad de Stanford.
Sus fotografías han sido exhibidas en los Estados Unidos y en Europa.

"Un yemení en su burro / A Yemeni on his Donkey". Blog


El 26 de Diciembre es el cumple de

Gregor Laubsch (Grzegorz Jerzy Laubsch), fotógrafo retratista alemán nacido en 1956 en Góra, Polonia.


Usando métodos clásicos, logró crear su estilo único e individual. Las poses naturales, no exageradas, las estilizaciones modestas y las emociones visibles en cada mirada constituyen la forma de "lucir" de sus modelos. Para enfatizar la singularidad de cada rostro, utiliza una iluminación delicada y una sensibilidad extraordinaria que desarrolla constantemente como artista.


«Aunque hice muchas cosas en mi vida, la fotografía ha sido y siempre será mi gran pasión. Gracias a la fotografía digital y el post procesamiento con ordenador, la creatividad de un fotógrafo es casi infinita. Sin embargo, mi interferencia en el material de origen está limitada al mínimo requerido. Uso la fotografía digital, pero también seguiré siendo fiel a la analógica. Creo que las cosas más importantes en la fotografía de retratos son la iluminación y el modelo: su individualidad, la preservación del momento. Me inspiro en las personas y sus caras. Todos ellos son diferentes, todos somos diferentes» dice Laubsch.


Es uno de los pocos fotógrafos contemporáneos que alaba el minimalismo sobre el embellecimiento. Sus obras constituyen una prueba de que las inspiraciones clásicas y el hombre en su forma más simple son y serán los temas más interesantes y emotivos de la fotografía. Sus fotografías se han presentado en exposiciones individuales y colectivas, en Varsovia y Wrocław entre otros lugares, y se publicaron en revistas como "Stern", "Cámara digital", "Blur Magazine" y muchas otras.



El 27 de Diciembre es el cumple de

Valérie Jouve, fotógrafa y cineasta francesa nacida en 1964 en Firminy, cerca de Saint-Étienne.
Se licenció en Antropología en la Université de Lyon II, y posteriormente se diplomó en la Ecole Nationale Supérieure de la Photographie en Arles.

"Sans Titre / Sin título / Untitled"
(Les Personnages avec / Los personajes con / The Characters With Ilham Riffi), 2000.

Valérie pertenece a una nueva generación de artistas en Francia que se han apartado de la gran tradición humanista del reportaje, sin rechazar por completo sus elementos útiles y esenciales. Trabaja el paisaje, en particular, el paisaje urbano. Sus fotografías son retratos de hombres y mujeres en movimiento, algo que se ha convertido en su especialidad. Los dos temas clásicos del paisaje y el retrato se combinan en escenas altamente coreografiadas que tienen lugar en densas zonas urbanas. Por medio de este enfoque sociológico, Jouve profundiza en la representación y en la puesta en escena. Sus fotografías intentan cuestionar la ciudad como un espacio diseñado para "vivir juntos"; una ciudad en movimiento, ritmo, aún creándose.

"Sans Titre / Sin título / Untitled"
(Les Personnages avec / Los personajes con / The Characters With Um'Hassan), 2011.

"Sans Titre / Sin título / Untitled"
(Les six villes palestiniennes / Las seis ciudades palestinas / The six Palestinian cities), 2010-2012.

Ha realizado también documentales como Grand littoral, Time Is Working around Rotterdam y Münster Lands.
Su obra, tanto en fotografía como los documentales, se ha expuesto en numerosas muestras en solitario o colectivas, desde 1995 en galería Anne Villepoix, pasando por la Galerie Xippas de París, el centro Georges Pompidou, Salamanca (España), el MOMA, etc.
Su trabajo se ha visto recompensado por el premio Niépce en 2013. Fue nombrada Caballero de la Orden de las Artes y las Letras (Francia) en 2011.

"Sans Titre / Sin título / Untitled"
(Les Personnages avec / Los personajes con / The Characters With Tania Carl), 2011.


El 28 de Diciembre es el cumple de

George Dureau, artista estadounidense nacido en 1930 en el Canal de Irlanda, Nueva Orleans, Louisiana, cuya larga carrera fue notable por sus bocetos al carboncillo y las fotografía en blanco y negro de atletas, enanos y amputados pobres.

"Maxwell Harris"
Copia a la gelatina de plata de época / Vintage silver gelatin print, 20" x 16". Arthur Roger Gallery

"Sin título / Untitled (B.J. Robinson L)"
Copia a la gelatina de plata de época / Vintage silver gelatin print, 20" x 16". Arthur Roger Gallery

Se dice que Robert Mapplethorpe se inspiró en las fotografías de amputados y enanos de Dureau, que mostraban a los personajes como "personas expuestas y vulnerables, juguetonas y necesitadas, complejas y enteramente humanas". Su pintura del Festival de Jazz de Nueva Orleans en 1999 que representa al Profesor Longhair es ampliamente considerada como la más impresionante de todos los carteles de Jazz Fest.

"John Slate"
Copia a la gelatina de plata de época / Vintage silver gelatin print, 10" x 8". The Gorgeous Daily

Fue criado en Mid-City. Se graduó con un título de bellas artes de LSU en 1952, después de lo cual comenzó estudios de arquitectura en la Universidad de Tulane. Sirvió brevemente en el ejército de los EE. UU. Antes de conseguir sobrevivir como artista, trabajó para Maison Blanche, una tienda por departamentos de Nueva Orleans, como diseñador de pantallas. Durante la mayor parte de su vida vivió en el Barrio Francés, donde era bien conocido por su excentricidad y hospitalidad. Su amigo y alumno, Robert Mapplethorpe, restauró muchas de sus fotografías antiguas en blanco y negro.

"Fred Tennel", 1976. The Gorgeous Daily

Muchas de sus piezas se conservan en el Museo de Arte Sureño de Ogden. Varias de sus obras se exhiben públicamente en toda Nueva Orleans, en particular, la escultura de frontón para Harrah's Casino y sus esculturas de bronce fundido que destacan a las puertas de entrada del Parque de la Ciudad de Nueva Orleans. Su representación de un desfile de Mardi Gras domina una pared en Gallier Hall. Uno de sus conjuntos de obra más populares, "Black 1973-1986", una serie de fotografías en blanco y negro que centra en hombres negros jóvenes, recorrió los Estados Unidos con excelentes críticas.
Murió en 1914.

"Maxwell Hall", 1980. The Gorgeous Daily


El 29 de Diciembre es el cumple de

David "Dave" McKean, ilustrador, fotógrafo, dibujante de historietas, diseñador gráfico, cineasta y músico inglés. Su obra incorpora dibujo, pintura, fotografía, collage, objetos encontrados, arte digital y escultura. Entre los proyectos de McKean se cuentan la ilustración de libros de, entre otros, Neil Gaiman, Heston Blumenthal, Ray Bradbury y Stephen King, así como la dirección de tres largometrajes.

"Viento / Wind"& "Glamour". del libro / from the book Option: Click, 1998

"As de oros / Ace of Coins"& "Nueve de copas / Nine of Cups", 2006
del libro "El Tarot de partículas. Arcanos menores" / from the book The Particle Tarot, The Minor Arcana

Tras su paso por la Escuela de Arte y Diseño de Berkshire, su dedicación a la fotografía ha sido continua en su trabajo de ilustrador. Pero será en el serial por entregas Signal to Noise, de Neil Gaiman, publicado por la revista The Face entre 1989 y 1990, cuando verdaderamente, como escribió José María Méndez, se confirmaría “su talante experimental, mezclando las técnicas, los soportes y los medios y saltando indistintamente del collage fotográfico y las copias en color a la manipulación digital”.

"Diez de bastos / Ten of Staffs"& "As de bastos / Ace of Staffs", 2006
del libro "El Tarot de partículas. Arcanos menores" / from the book The Particle Tarot, The Minor Arcana

Ha publicado cuatro libros de fotografía: Un pequeño libro de mentiras en blanco y negro (1995), Opción: Clic (1998), El tarot de partículas: Los arcanos mayores, El tarot de partículas: Los arcanos menores.

"Roto / Broken"& "Roca 1 / Rock 1", de la serie / from the series "Pholk"

Dave McKean en "El Hurgador" / in this blog[Allan Amato (Fotografía)]


El 30 de Diciembre es el cumple de

Andrew Shapter, director de cine, productor, escritor y fotógrafo estadounidense nacido en 1966.

"Francis con vestido verde / Francis Green Dress"

Shapter es conocido por sus documentales, Before the Music Dies (2006) y Happiness Is (2009), su película The Teller and the Truth (2015), sus videos musicales con Willie Nelson y The Roots, y su video de la Cumbre de las Naciones Unidas sobre los refugiados, "Refugees Are...". Es socio de la compañía de producción creativa, Roadwings Entertainment, que tiene oficinas en Austin, Las Vegas y San Francisco.

"París"


El interés de Shapter por la fotografía comenzó cuando tenía 12 años cuando recibió de regalo una Canon AE-1 mientras acompañaba a su padre y su madrastra en su luna de miel. En 1998 comenzó a establecerse como un especialista en fotografía de moda, obteniendo trabajo en los principales mercados como Barcelona, ​​Londres, Nueva York y Los Ángeles. El punto de inflexión en su carrera fue un concierto de fotografía de South by Southwest para MTV. Shapter fue votado dos veces como "Mejor Fotógrafo" por los lectores del Austin Chronicle. Según el Austin Chronicle, el trabajo de Shapter "... ha atraído la atención internacional hacia el estilo de nuestra escena, y elogios por sus creaciones cambiantes y elegantes".



Hoy, 31 de Diciembre, es el cumple de

Willy Römer, fotógrafo y fotoperiodista alemán nacido en 1887 en Berlín.

"Weihnachtsmann auf dem Motorrad / Papá Noel en motocicleta /
Weihnachtsmann auf dem Motorrad", c.1920.
(c) bpk / Kunstbibliothek, SMB, Photothek Willy Römer / Willy Römer

"Spartakisten / Espartaquistas / Spartacists", Berlín, 5/1/1919. Blog

Willy Römer comenzó como aprendiz en la primera agencia de prensa alemana, la Berliner Illustrations-Gesellschaft, en 1903. Le siguieron diversos trabajos en Berlín y París, que implicaron una formación integral como fotógrafo. De 1915 a 1918 fue soldado. En noviembre de 1918, Römer regresó a Berlín y un colega le traspasó el mando de la compañía “Photothek”. Desde entonces sus imágenes aparecen bajo esta signatura. En 1920 Willy Römer se asoció con Walter Bernstein, quien en esta colaboración se encargó más que nada de la parte comercial.

"Heimkehrende Landser kaufen auf dem Weihnachtsmarkt Geschenke für die Familie ein /
Soldados rasos de regreso, comprando regalos para la familia en un mercado navideño /
Returning privates buy gifts for the family at the Christmas market", 1918
(c) bpk / Kunstbibliothek, SMB, Photothek Willy Römer / Willy Römer

La parte más relevante de su obra surgió principalmente entre 1905 y 1935, siendo esencial la época entre 1919 y 1929. Willy Römer vivió en el Berlín de la República de Weimar y documentó con múltiples imágenes los sucesos políticos: desde la revolución de noviembre en 1918, hasta el inicio de la dictadura Nazi.

"Familienausflug in den Grünewald / Paseo familiar en Grunewald /
Family outing in the Grunewald", Berlín, 1926. Pinterest

Enfocó su interés a la vida en las calles. Tomó fotos de músicos callejeros, de vendedores ambulantes, de mujeres que vivían en la miseria de la época inflacionaria, de niños jugando, de las largas colas delante de las oficinas de empleo, de familias los domingos en el parque y de muchas otras escenas de este tipo.
Murió en 1979.

"Barikaden in der / Barricadas en la / Barricades at Schützenstrasse", Berlin, 11/01/1919. Pinterest


Textos en inglés / English translation

On December 25 is the birthday of

William Carter, American photographer born in 1934 in Los Angeles.
He graduated from Stanford University in 1957. Moving to Berkeley, California, he became a professional photographer, writer and editor. Living in New York from 1961–63, Carter worked as an editor for publisher Harper & Row. Based in Beirut, Lebanon 1964-66, he published photographs and articles on subjects such as the Kurds of Iraq in Life, the Sunday Times, Geographical Magazine and others. In 1966-69 he freelanced from London doing assignments for The New York Times, Women’s Wear Daily, and TWA’s Annual Report.
Returning to San Francisco in 1969, Carter turned to longer-term projects. He published his first book of text and pictures, Ghost Towns of the West, in 1971 – an in-depth study of the boom-to-bust mining towns preserved in the high-dry climate zones of the American West. His second book, Middle West Country, appeared in 1975 – a poignant historical study of the Midwest from the earliest settlements by European farmers to the present era of mechanized agriculture. In 1991 Carter’s lifelong interest in New Orleans jazz led him to create his third book of text and photographs, Preservation Hall.
Increasingly drawn to classic fine-art photography, in 1996 he published Illuminations, a book of nudes.
Then came Carter’s fifth book, Causes and Spirits: Photographs from Five Decades. Published by Steidl in 2011, this is a photo-appreciation of humanity worldwide.
Having toured nationally and recorded as clarinetist with Turk Murphy’s Jazz Band at age twenty, William Carter remained active as a semi-professional jazz musician into his eighties. From 1990-2015 he served as Chairman of the San Francisco Traditional Jazz Foundation. In 2015 he mounted an exhibition of his jazz and blues photographs, including portraits of Louis Armstrong donated to the Armstrong House and Museum in Queens, New York.
Carter’s decades of travel photography took him throughout the world. Closer to home, he documented the birth and care of premature babies in the neo-natal department of the Stanford University Hospital.
William Carter’s photographs have been exhibited throughout the U.S. and in Europe.
WebsiteBlogfacebookWikipedia

On December 26 is the birthday of

Gregor Laubsch (Grzegorz Jerzy Laubsch), German portrait photographer born in 1956 in Gora, Poland.
Using classical methods, he managed to create his unique, individual style. Natural, not overdrawn poses, modest stylisations and emotions visible in every look constitute the form to be „worn“ by his models. To emphasise the uniqueness of each face, he uses delicate lighting and an extraordinary sensibility that he constantly develops as an artist.
«Although I did a lot of things in my life photography has been and will always be my greatest passion. Thanks to digital photography and computer post-processing, a photographer’s creativity is almost infinite. Yet, my interference in the source material is limited to the required minimum. I use digital photography but I will also be faithful to the analogue. I believe that the most important things in portrait photography are lighting and model – his or her individuality, the preserving of the moment. I get inspired by people and their faces. All of them are different, all of us are different» – says Laubsch.
He’s one of the few contemporary photographers who praise minimalism over embellishment. His works constitute a proof that classical inspirations and the man in the simplest form are and will be the most interesting and emotional themes in photography. His photos were presented in individual and collective exhibitions, among others, in Warsaw and Wrocław, and published in magazines such as “Stern”, “Digital Camera”, “Blur Magazine” and many others.
WebsitefacebookfacebookWikipedia (Polish)Artophilia

On December 27 is the birthday of

Valérie Jouve, French photographer, videographer and director, born in 1964 in Firminy, near Saint-Étienne.
She graduated in Anthropology at the Université de Lyon II, and later graduated in the Ecole Nationale Supérieure de la Photographie in Arles.
Valérie belongs to a new generation of artists in France who have departed from the great humanist tradition of reporting, without completely rejecting their useful and essential elements. She works with the landscape, in particular, the urban landscape. His photographs are portraits of men and women in movement, something that has become his specialty. The two classic themes of landscape and portrait are combined in highly choreographed scenes that take place in dense urban areas. Through this sociological approach, Jouve deepens in the representation and staging. Her photographs try to question the city as a space designed to "live together"; a city in movement, rhythm, still in creation.
She has also made documentaries such as Grand littoral, Time Is Working around Rotterdam and Münster Lands.
Her work, both photography and documentaries, has been exhibited in numerous solo or group exhibitions, since 1995 in the Anne Villepoix Gallery, through the Galerie Xippas in Paris, the Georges Pompidou Center, Salamanca (Spain), the MOMA, etc.
Her work has been rewarded by the Niépce prize in 2013. She was named Knight of the Order of Arts and Letters (France) in 2011.
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On December 28 is the birthday of

George Dureau, American artist born in 1930 in the Irish Channel, New Orleans, Louisiana, whose long career was most notable for charcoal sketches and black and white photography of poor athletes, dwarfs, and amputees.
Robert Mapplethorpe is said to have been inspired by Dureau's amputee and dwarf photographs, which showed the figures as "exposed and vulnerable, playful and needy, complex and entirely human individuals." His 1999 New Orleans Jazz Festival painting depicting Professor Longhair is widely regarded as the most impressive of all the Jazz Fest posters.
He was raised in Mid-City. He graduated with a fine arts degree from LSU in 1952, after which he began architectural studies at Tulane University. He briefly served in the U.S. Army. Before being able to survive as an artist, he worked for Maison Blanche, a New Orleans department store, as a display designer. For the vast majority of his life, he lived in the French Quarter, where he was well known for his eccentricity and hospitality. His friend and student, Robert Mapplethorpe restaged many of his earlier black and white photographs.
Many of his pieces are held at the Ogden Museum of Southern Art. Several of his works are displayed publicly throughout New Orleans, most notably, the pediment sculpture for Harrah's Casino and his cast-bronze sculptures stand sentinel at the entrance gates of New Orleans City Park. His depiction of a Mardi Gras parade dominates one wall in Gallier Hall. One of his more popular set of works, "Black 1973-1986," a series of black and white photographs concentrating on young black men, toured throughout the U.S. to rave reviews.
He died in 1914.

On December 29 is the birthday of

David "Dave" McKean, English illustrator, photographer, comic book artist, graphic designer, filmmaker and musician. His work incorporates drawing, painting, photography, collage, found objects, digital art and sculpture. McKean's projects include illustrating books by amongst others Neil Gaiman, Heston Blumenthal, Ray Bradbury and Stephen King, and directing three feature films.
After his time at the Berkshire School of Art and Design, his dedication to photography has been continuous in his work as an illustrator. But it will be in serial Neil Gaiman's "Signal to Noise", published by The Face magazine between 1989 and 1990, when, as José María Méndez wrote, it would confirm "his experimental mood, mixing techniques, supports and media and jumping indistinctly from the photographic collage and the color copies to the digital manipulation".
He has published four books of photography: A Small Book of Black and White Lies (1995), Option: Click (1998), The Particle Tarot: The Major Arcana, The Particle Tarot: The Minor Arcana.
WebsiteWikipediaArtizar

On December 30 is the birthday of

Andrew Shapter, American film director, producer, writer and photographer born in 1966.
Shapter is known for his documentaries, Before the Music Dies (2006) and Happiness Is (2009), his feature film The Teller and the Truth (2015), his music videos with Willie Nelson and The Roots, and his U.N. Summit video on refugees, Refugees Are... Shapter is a partner at creative production company, Roadwings Entertainment, which has offices in Austin, Las Vegas, and San Francisco.
Shapter's interest in photography began when he was 12 years old when he was gifted a Canon AE-1 as he accompanied his father and stepmother on their honeymoon. In 1998, Shapter began to establish himself as specialist in fashion photography, garnering work in major markets including Barcelona, London, New York and Los Angeles. The turning point in Shapter’s career was a South by Southwest photography gig for MTV. Shapter was twice voted "Best Photographer" by the readers of the Austin Chronicle. According to the Austin Chronicle, Shapter's work "...has brought international attention to our style scene and accolades for his moody, stylish creations."

Today, December 31, is the birthday of

Willy Römer, German photographer and photojournalist born in 1887 in Berlin.
Willy Römer began as an apprentice in the first German press agency, the Berliner Illustrations-Gesellschaft, in 1903. It was followed by various works in Berlin and Paris, which involved a comprehensive training as a photographer. From 1915 to 1918 he was a soldier. In November 1918, Römer returned to Berlin and a colleague transferred him to the command of the company "Photothek". Since then his images appear under this signature. In 1920 Willy Römer teamed up with Walter Bernstein, who in this collaboration was mostly responsible for the commercial part.
The most important part of his work arose mainly between 1905 and 1935, being essential the period between 1919 and 1929. Willy Römer lived in the Berlin of the Republic of Weimar and documented with multiple images the political events: since the revolution of November in 1918, until the beginning of the Nazi dictatorship.
He focused his interest on life in the streets. He took pictures of street musicians, street vendors, women living in the misery of the inflationary era, children playing, long queues in front of employment offices, families on Sundays in the park and many other scenes of this kind.
He died in 1979.

Seis años... / Six Years

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Como todos los años, es un placer para mí ofrecerles este saludo a todos quienes siguen frecuentemente o visitan ocasionalmente el blog para disfrutar juntos del arte que tantos buenos creadores han producido a lo largo de la historia. Seis años ya hurgando en la red y compartiendo con ustedes una de mis aficiones, y contribuyendo en la medida de lo posible a la difusión de esta actividad humana, una de las más enriquecedoras.

Mi agradecimiento a todos los amantes del arte, a los artistas que me han dado su autorización y confianza para publicar imágenes de sus creaciones e información que contribuya a fomentar la cultura artística, a quienes no habiéndolo hecho explícitamente han dedicado su tiempo a regalarnos belleza en forma de obras que gracias a las bondades de la era digital podemos conocer, estimulando nuestra curiosidad y alegrándonos la vida, y a todas las instituciones y personas que conservan y difunden el arte y la cultura artística en todas sus facetas.

Mi reconocimiento también a todos los amigos que siempre tienen la amabilidad de pensar en mí y en esta publicación suministrando información y/o material de interés, y por supuesto a Shirley Rebuffo, colaboradora frecuente, sugeridora impenitente y habitual redactora/recopiladora.

Mis mejores deseos de un buen año para todos.
Javier Fuentes.


As every year, it is a pleasure for me to offer this greeting to all those who follow frequently or occasionally visit the blog to enjoy together the art that so many good creators have produced throughout history. Six years already rummaging through the net and sharing with you one of my hobbies, and contributing as far as possible to the dissemination of this human activity, one of the most enriching.

My thanks to all art lovers, to the artists who have given me their authorization and confidence to publish images of their creations and information that contributes to promote the artistic culture, to those who have not done so explicitly, have dedicated their time to give us beauty in form of works that thanks to the benefits of the digital age we can know, stimulating our curiosity and making life happier, and all the institutions and people that preserve and disseminate art and artistic culture in all its facets.

Also my acknowledgments to all those friends who always have the kindness to think of me and this publication, providing information and / or material of interest, and of course to Shirley Rebuffo, frequent collaborator, unrepentant suggestor and habitual redactor / compiler.

My best wishes for a good year for all of you.
Javier Fuentes
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Estos son los artistas que me han autorizado expresamente a publicar sobre sus creaciones durante este año /
These are the artists who have expressly authorized me to publish about their creations during this year.

  

  

  

  

   

    

    

    

    

  

  

  

    

    

    

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Aquí la lista de artistas de los años anteriores / Here the list of artists for previous years


Aniversarios (CCIX) [Enero / January 1-10]

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Todos los aniversarios de Enero aquí / All anniversaries for January here.
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El 1 de Enero es el cumple de

Nicolaas Pieneman, pintor, coleccionista de arte, litógrafo y escultor holandés nacido en 1809 en Amersfoort, en el reino de Holanda.
Murió en 1860.

"De onderwerping van Diepo Negoro aan luitenant-generaal baron de Kock /
La rendición de Diponegoro ante el teniente general Hendrik Merkus barón de Kock /
The Arrest of Diepo Negoro by Lieutenant-General Baron De Kock"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 77 × 100 cm., c.1830-35
Rijksmuseum (Ámsterdam, Holanda / Netherlands)

Nicolaas Pieneman, Dutch painter, art collector, lithographer, and sculptor, born in 1809 in Amersfoort in the Kingdom of Holland.
He died in 1860.

"De inhuldiging van koning Willem II in de Nieuwe Kerk te Amsterdam, 28 november 1840 /
La inauguración de la Iglesia Nueva de Ámsterdam por parte del rey Guillermo II, el 28/11/1840 /
The Inauguration of King William II in the Nieuwe Kerk in Amsterdam on 28 November 1840"
Óleo sobre panel / oil on panel, 46,5 x 55,5 cm., 1840-45
Rijksmuseum (Ámsterdam, Holanda / Netherlands)


El 2 de Enero es el cumple de

Takahashi Shōtei (高橋松亭), de nacimiento Hiroaki, artista japonés de la xilografía, del movimiento shin-hanga, nacido en 1871 en Tokyo.
Murió en 1945.

"白猫 (Shironeko) / Gato blanco / White Cat"
Impresión xilográfica / Woodblock Print, publicado en / published in 1924. Wikimedia Commons

Takahashi Shōtei (高橋松亭), born Hiroaki, Japanese woodblock artist in the shin-hanga art movement, born in 1871 in Tokyo.
He died in 1945.

"「都南八景の内」より『 品川』 (Tonan Hakkei no uchi) /
Shinagawa, de la serie "8 vistas del sur de la capital" /
from the series "8 views of the South of the Capital"
Impresión xilográfica / Woodblock Print, publicado en / published in 1921. Wikimedia Commons


El 3 de Enero es el cumple de

Carl Gustav Carus, fisiólogo y pintor alemán, nacido en 1789 en Leipzig, que desempeñó diversos papeles durante la época romántica. Amigo de Johann Wolfgang von Goethe, fue un hombre poltifacético: médico, naturalista, científico, psicólogo y pintor paisajista que estudió con Caspar David Friedrich.
Murió en 1869.

"Das Kolosseum bei Mondschein / El coliseo al claro de luna / The Colosseum on a Moonlit Night"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 47,5 x 37 cm., principios de / early 1930's. Wikimedia Commons
Museo Hermitage (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia)

"Abadía de Tintern / Tintern Abbey", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 61.5 × 91.5 cm. Christie's

Carl Gustav Carus, German physiologist and painter, born in 1789 in Leipzig, who played various roles during the Romantic era. A friend of Johann Wolfgang von Goethe, he was a many-sided man: a doctor, a naturalist, a scientist, a psychologist, and a landscape painter who studied under Caspar David Friedrich.
He died in 1869.

"Vollmond bei Pillnitz / Luna llena en Pillnitz / Full Moon in Pillnitz"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 17,8 × 25,4 cm.
Privatsammlung Rheinland / Colección privada, Dresde. Wikimedia Commons


El 4 de Enero es el cumple de

Marsden Hartley, pintor modernista, poeta y ensayista estadounidense nacido en 1877 en Lewiston, Maine.
´Murió en 1943.

"Pintura Número 48 / Painting No. 48"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 119,9 x 119,9 cm., 1913.
Museo de Brooklyn (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Marsden Hartley, American Modernist painter, poet, and essayist born in 1877 in Lewiston, Maine.
He died in 1943.

"Retrato de un oficial alemán / Portrait of a German Officer"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 173,4 × 105,1 cm., 1914.
Metropolitan Museum of Art (MET) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)


El 5 de Enero es el cumple de

Maruja Mallo, pintora española nacida Ana María Gómez González en 1902 en Viveiro, Galicia.
Según Shirley Mangini: "aunque los historiadores del arte español de vanguardia ubican los orígenes del movimiento en las actividades de Dalí, Buñuel, García Lorca y otro estudiante de la Residencia, José Bello, la visión artística de Mallo fue un catalizador importante en el movimiento vanguardista español."
Mallo vivió en varios lugares de Europa y se fue a Buenos Aires en 1937. Regresó a España en 1964, donde murió en 1995 en Madrid.

"La verbena / The Fair", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 119 x 165 cm., 1927.

"Elementos para el deporte / Elements for Sports"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 60 x 74 cm., 1927
Galería Guillermo de Osma (Madrid, España / Spain). Cultura Galega

Maruja Mallo, Spanish painter born Ana María Gómez González in 1902 in Viveiro, Galicia.
According to Shirley Mangini '[a]lthough historians of Spanish avant-garde art locate the origins of the movement in the activities of Dalí, Buñuel, García Lorca, and another student at the Residencia, José Bello, Mallo's artistic vision was an important catalyst in the Spanish avant-garde movement.'
Mallo lived in several places in Europe and left for Buenos Aires in 1937. She returned to Spain in 1964, where she died in 1995 in Madrid.

"Cabeza de mujer negra / Head of a Black Woman", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 56,5 x 46,5 cm., 1946
Museo de Pontevedra (Galicia, España / Spain). Cultura Galega


El 6 de Enero es el cumple de

Massimiliano Stanislao "Massimo" Rao, artista italiano nacido en 1950 en San Salvatore Telesino.
Murió en 1996.

"Monsieur Troublet / El señor Troublet, ornitólogo / Mr. Troublet Ornithologist"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 1980. Link

Massimiliano Stanislao "Massimo" Rao, Italian artist born in 1950 at San Salvatore Telesino.
He died in 1996.

"Luna", 1987. Link


El 7 de Enero es el cumple de

Pertti Ensio Juhani Linnovaara, artista visual finés nacido en 1934 en Hämeenlinna. Es conocido por su obra surrealista, a menudo con humor. Linnovaara es uno de los más famosos pintores fineses contemporáneos, internacionalmente conocido.

"Puudeli / Caniche / Poodle", aguada / gouache, 35,5 x 25 cm. Bukowskis

Pertti Ensio Juhani Linnovaara, Finnish visual artist born in 1934 at Hämeenlinna. He is known for his surrealist work, often with humor. Linnovaara is one of the most famous Finnish contemporary painters internationally known.

"Yökarnevaalit / Carnaval nocturno / Night Carnival", serigrafia / serigraphy, 66,5 x 95 cm. Bukowskis


El 8 de Enero es el cumple de

Alphons William Bernhard Johannes (Fons) Bemelmans, artista holandés, más conocido como escultor, nacido en 1938 en Maastricht. También trabaja como orfebre, pintor, artista gráfico y medallista.

"Medusa", bronce / bronze, 25 cm., 1995

"Stier / Toro / Bull", bronce / bronze, 47 cm., 1995

Alphons William Bernhard Johannes (Fons) Bemelmans, Dutch artist, best known as sculptor, born in 1938 in Maastricht. He also works as goldsmith, painter, graphic artist and medal artist.

"Moeder Aarde / Madre Tierra / Mother Earth", bronce / bronze, 22 cm., 1998


El 9 de Enero es el cumple de

Aelita Andre, artista abstracta australiana conocida por su estilo de pintura surrealista y su corta edad. Nació en 2007, comenzó a pintar cuando tenía nueve meses y su obra se exhibió públicamente en una exposición colectiva poco después de que cumpliera dos años. Su primera exposición individual se abrió en la ciudad de Nueva York en junio de 2011, cuando tenía cuatro.
La madre de Andre, creyendo que su hija era una niña prodigio, mostró algunas de sus pinturas a un curador de arte con sede en Melbourne cuando la niña tenía 22 meses de edad. Impresionado con el trabajo, el comisario acordó incluirlo en una exposición colectiva en la Galería de la calle Brunswick, y comenzó a publicitar la muestra con las pinturas de Andre antes de conocer su edad. Aunque quedó muy sorprendido al saberlo, mantuvo su promesa de mostrar la obra. La muestra se inauguró poco después de su segundo cumpleaños. Varios meses después, Andre y sus padres visitaron Hong Kong, donde vendió su pintura más cara hasta la fecha por $ 24,000.

"Maravillas del universo / Wonders of The Universe"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 48" x 60", 2013 

Aelita Andre, Australian abstract artist known for her Surrealist painting style and her young age. She was born in 2007, began to paint when aged nine months, and her work was displayed publicly in a group exhibition shortly after she turned two. Her first solo exhibition opened in New York City in June 2011, when she was four years old.
Andre's mother, believing her daughter to be a child prodigy, showed some of Andre's paintings to a Melbourne-based art curator when the girl was 22 months old. Impressed with the work, the curator agreed to include it in a group exhibition in the Brunswick Street Gallery, and he began advertising the show with Andre's paintings before he learned of her age. Although he was surprised, he kept his promise to display the work. The show opened shortly after her second birthday. Several months later, Andre and her parents visited Hong Kong, where she sold her most expensive painting to date for $24,000.

"Danza nocturna de mariposas revoloteando / Night Dance of Fluttering Butterflies"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 48" x 60", 2013


El 10 de Enero es el cumple de

Ludwig Rösch, pintor paisajista y litógrafo austríaco, nacido en 1865 en Viena.
Vivió desde 1887 hasta 1894 en Inglaterra, Francia y España, y desde 1898 hasta 1907 en Suiza, después de lo cual residió permanentemente en Viena. De 1907 a 1925 fue miembro de la Secesión de Viena, y desde 1926 del Dürerbund. Como miembro de la Secesión de Viena, presentó sus obras en muchas exposiciones de arte.
Murió en 1936.

"Brunnen in italienischer Landschaft / Fuente en la campiña italiana / Fountain in Italian Countryside"
Técnica mixta sobre papel / mixed media on paper, 49 x 59 cm., 1936. Wikimedia Commons

"Stephansdom Pilgramkanzel / Púlpito del peregrino en San Esteban / St. Stephen's Pilgrim's Pulpit"
Pastel sobre papel / pastel on paper, 65 x 52 cm., c.1936. Wikimedia Commons

Ludwig Rösch, Austrian landscape painter and lithographer, born in 1865 in Vienna.
Rösch lived from 1887 to 1894 in England, France and Spain, from 1898 to 1907 in Switzerland, after which he lived permanently in Vienna. From 1907 to 1925 he was a member of the Vienna Secession, and from 1926 of the Dürerbundes. As a member of the Vienna Secession, he exhibited his works at many art exhibitions.
He died in 1936.

"Wien, Platz Am Hof im Winter / Viena, Plaza Am Hof en invierno / Vienna, Am Hof Square in Winter"
Técnica mixta sobre papel / mixed media on paper, 69 × 97 cm. im Kinsky


Aniversarios (CCX) [Enero / January 11-20]

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Todos los aniversarios de Enero aquí / All anniversaries for January here.
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El 11 de Enero es el cumple de

Adam Frans (Adam-François) van der Meulen, pintor y dibujante flamenco nacido en 1632 en Bruselas, que fue particularmente conocido por sus escenas de campañas militares y conquistas. También pintó retratos, escenas de caza, pinturas de castillos y paisajes. Creó diseños para grabados y dibujos para tapices.
Trabajó al servicio del rey francés Luis XIV de Francia, para quien pintó sus victorias, sus nuevas posesiones y retratos. Fue instrumental en la construcción de la imagen propagandística del rey francés como el "Rey Sol". Sus escenas de batalla tuvieron una influencia importante en el desarrollo del género de la pintura militar en Francia.
Murió en 1690.

"La entrada del Rey Luis XIV y la Reina María Teresa en Arras el 30/7/1667 /
The entry of King Louis XIV and Queen Maria-Theresa in Arras on 30 July 1667"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 232 x 331 cm., 1684.
Château de Versailles (Francia / France) Wikimedia Commons

"Vista de la ciudad de Luxemburgo desde los baños de Mansfeld (tomada el 3/6/1684) /
View of the City of Luxemburg from the baths of Mansfeld (taken on 3 June 1684)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 221 x 400 cm., entre / between 1684 - 1690.
Musée du Louvre (París, Francia / France). Wikimedia Commons

Adam Frans (Adam-François) van der Meulen, Flemish painter and draughtsman born in 1632 in Brussels, who was particularly known for his scenes of military campaigns and conquests. He also painted portraits, hunting scenes, paintings of chateaux and landscapes. He created designs for prints and cartoons for tapestries.
He worked in the service of the French king Louis XIV of France for whom he painted his victories, his new possessions and portraits. He was instrumental in building the propagandistic image of the French king as the 'Sun King'. His battle scenes had an important influence on the development on the genre of military painting in France.
He died in 1690.

"Luis XIV en el sitio de Besançon / Louis XIV at the Siege of Besançon"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 55 x 67 cm., 1674
Museo Hermitage (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia). Wikimedia Commons


El 12 de Enero es el cumple de

Okada Saburōsuke (岡田 三郎), pintor japonés del estilo Yōga nacido en 1869 en la Prefectura de Saga, Japón. Fue profesor en el "Tōkyō Bijutsu Gakkō" (Escuela de Bellas Artes), precursora de la Universidad de las Artes de Tokio.
Los temas pictóricos de Okada incluían paisajes y retratos, y era especialmente bueno pintando retratos de mujeres. Bajo su pincel, las mujeres fueron retratadas con cálidas texturas de piel, y rasgos elegantes y delicados.
Murió en 1939.

"あやめの衣 / Kimono con diseño de lirios / Kimono With Iris Pattern"
Óleo sobre cartón montado sobre lienzo / oil on cardboard mounted on canvas, 80,5 x 53,2 cm. 1927
Museo de Arte Pola (Hakone, Japón / Japan). Wikipedia

"Examinando una flecha / Examining an Arrow", 1893
Museo de la prefectura de Saga (Japón / Japan). Wikimedia Commons

Okada Saburōsuke (岡田 三郎助), Japanese painter in the Yōga style born in 1869 in the Saga Prefecture, Japan. he was a Professor at the "Tōkyō Bijutsu Gakkō" (School of Fine Arts); precursor of the Tokyo University of the Arts.
Okada's painting subjects included both landscapes and portraits, and he was especially good at painting portraits of women. Under his brush, women were portrayed with warm skin textures, elegant features, and delicate traits.
He died in 1939.

"婦人半身像 / Figura femenina de medio cuerpo / Half Body Female Figure"
Museo Nacional de Arte Moderno (Tokyo, Japón / Japan). Wikimedia Commons


El 13 de Enero es el cumple de

Antonietta Brandeis (también conocida como Antonie Brandeisova y Antonio Brandeis), pintora paisajista, de género y retratos italiana de origen checo nacida en 1848 en Galicia, también pintora de temas religiosos para retablos.
Fue en Venecia, en la Academia, donde Brandeis perfeccionó sus habilidades como minuciosa pintora de paisajes y paisajes urbano, con intrincados y luminosos detalles en la tradición de los "vedutisti" del siglo XVIII. Durante los años 1878 a 1893, pintó y exhibió numerosas obras, principalmente escenas de Venecia, y aunque residía principalmente en esa ciudad, también viajó y pintó en Verona, Bolonia, Florencia y Roma.
Murió en 1926.

"Battistero di San Marco / Fuente Bautismal de San Marcos / Baptismal Font of St. Mark", 1910
Óleo sobre panel / oil on panel, 21,5 x 12 cm., c.1910. Wikimedia Commons

"Il Ponte di Rialto / El puente de Rialto / The Rialto Bridge"
Óleo sobre panel / oil on board. Colección privada / Private Collection. ARC

Antonietta Brandeis (also known as Antonie Brandeisova and Antonio Brandeis), Czech-born (Galicia, 1848) Italian landscape, genre and portrait painter, as well as a painter of religious subjects for altarpieces.
It was in Venice at the Academy that Brandeis perfected her skills as a meticulous landscape and cityscape painter, with intricate and luminous details in the tradition of the eighteenth-century “vedutisti”. During the years 1878 to 1893 Brandeis painted and exhibited numerous works, primarily scenes of Venice, and although she resided chiefly in that city she also traveled and painted in Verona, Bologna, Florence, and Rome.
She died in 1926.

"Vedutte d'Il Ponte Vecchio, Firenze / Vista del Puente Viejo, Florencia / View of The Old Bridge, Florence"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 49,5 x 80 cm. Wikimedia Commons


El 14 de Enero es el cumple de

Berthe Marie Pauline Morisot, pintora francesa nacida en 1841 en Bourges, Cher, y miembro del círculo de pintores en París que fue conocido como "los impresionistas". Fue descrita por Gustave Geffroy en 1894 como una de "les trois grandes dames" del Impresionismo junto a Marie Bracquemond y Mary Cassatt.
En 1864 expuso por primera vez en el muy apreciado Salon de Paris. Patrocinado por el gobierno y juzgado por académicos, el Salón fue la exposición anual oficial de la Académie des Beaux-Arts en París. Su obra fue seleccionada para su exhibición en seis Salones posteriores hasta que, en 1874, se unió a los Impresionistas "rechazados" en la primera de sus propias exposiciones, que incluyeron a Paul Cézanne, Edgar Degas, Claude Monet, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir y Alfred Sisley. Se llevó a cabo en el estudio del fotógrafo Nadar.
La carrera madura de Morisot comenzó en 1872. Encontró una audiencia para su trabajo con Durand-Ruel, distribuidor privado, que compró veintidós pinturas. En 1877 la crítica de Le Temps la describió como "la única verdadera impresionista en este grupo". Eligió exponer bajo su nombre de soltera completo en lugar de usar un seudónimo o su nombre de casada. En la exposición de 1880, muchas reseñas juzgaron a Morisot entre los mejores, incluido el crítico de Le Figaro Albert Wolff.
Estuvo casada con Eugène Manet, el hermano de su amigo y colega Édouard Manet.
Murió en 1895.

"Jour d'été / Día de verano / Summer Day"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 45,7 x 75,2 cm., 1879.
National Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK). Wikimedia Commons

"Le Berceau (Mme Pontillon et sa fille Blanche) / La cuna (La Sra. Pontillon y su hija Blanca) /
The Cradle (Mrs. Pontillon and her Daughter Blanche)", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 56 x 46 cm., 1872.
Musée d'Orsay (París, Francia / France). Wikimedia Commons

Berthe Marie Pauline Morisot, French painter born in 1841 in Bourges, Cher, and a member of the circle of painters in Paris who became known as the Impressionists. She was described by Gustave Geffroy in 1894 as one of "les trois grandes dames" of Impressionism alongside Marie Bracquemond and Mary Cassatt.
In 1864, she exhibited for the first time in the highly esteemed Salon de Paris. Sponsored by the government, and judged by Academicians, the Salon was the official, annual exhibition of the Académie des beaux-arts in Paris. Her work was selected for exhibition in six subsequent Salons until, in 1874, she joined the "rejected" Impressionists in the first of their own exhibitions, which included Paul Cézanne, Edgar Degas, Claude Monet, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir, and Alfred Sisley. It was held at the studio of the photographer Nadar.
Morisot's mature career began in 1872. She found an audience for her work with Durand-Ruel, the private dealer, who bought twenty-two paintings. In 1877, she was described by the critic for Le Temps as the "one real Impressionist in this group." She chose to exhibit under her full maiden name instead of using a pseudonym or her married name. In the 1880 exhibition, many reviews judged Morisot among the best, including Le Figaro critic Albert Wolff.
She was married to Eugène Manet, the brother of her friend and colleague Édouard Manet.
She died in 1895.

"Dos ninfas abrazadas / Two Nymphs Embracing"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 63,8 x 79,4 cm., 1892. Colección privada / Private Collection. WikiArt


El 15 de Enero es el cumple de

Walter Stöhrer, pintor alemán nacido en 1937 en Stuttgart.
Entre 1952 y 1954 estudió como artista gráfico comercial (Werbegraphiker), recibiendo un certificado de jornalero. En 1955 comenzó a estudiar pintura en la Academia de las Artes (Akademie der Bildenden Künste) en Karlsruhe y en 1957 se convirtió en miembro de las clases de HAP Grieshaber, en las que permaneció hasta 1959. En 1959 dejó Karlsruhe por Berlín, para desempeñarse y vivir como artista libre. En 1984 se convirtió en miembro de la Academia de las Artes de Berlín. Entre 1981 y 1982 fue profesor visitante en la Hochschule (ahora Universität) der Künste, la Universidad de las Artes de Berlín. En 1986 obtuvo una cátedra en esa misma institución.
Murió en 2000.

"Sin título / Untitled", óleo, crayones de cera y collage de papel sobre lienzo /
oil, wax crayon and paper collage on canvas, 205 x 180 cm. Invaluable

"Aus diesen Elementen bildete die göttliche Aphrodite die unermesslichen Augen (Empedokles) /
A partir de estos elementos, la divina Afrodita formó los ojos inconmensurables (Empédocles)
From these elements the divine Aphrodite formed the immeasurable eyes (Empedocles)"
Técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, 195 x 250 cm., 1982. © VG Bild-Kunst, Bonn 2017. Link

Walter Stöhrer, German painter born in 1937 in Stuttgart.
Between 1952 and 1954 he studied as a commercial graphical artist (Werbegraphiker), receiving a journeymans certificate. In 1955 he began to study painting at the Academy of Arts (Akademie der Bildenden Künste) in Karlsruhe and in 1957 became a member of the class of HAP Grieshaber, where he remained until 1959. In 1959 he left Karlsruhe for Berlin, to operate and live as free artist. In 1984 Stöhrer became a member of the Academy of the Arts in Berlin. Between 1981 and 1982 he was visiting professor at the Hochschule (now Universität) der Künste, the Berlin University of the Arts. In 1986 he obtained a chair at that same institution.
He died in 2000.

"Es wäre an der Zeit, sich des konvulsivischen Charakters der Dinge bewusst zu werden, Hommage á A. Artaud / 
Es momento de percatarse de la naturaleza convulsa de las cosas, homenaje a A. Artaud /
It is time to become aware of the convulsive nature of things, homage to A. Artaud"
Técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, 205 x 180 cm., 1976.

Walter Stöhrer en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (LXXXII)]


El 16 de Enero es el cumple de

Gerta Overbeck, pintora alemana nacida en 1898 en Dortmund, representante de la Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad).
En 1915 comenzó su formación como docente de dibujo en Dusseldorf. De 1919 a 1922 asistió a la Kunstgewerbeschule Hannover. De 1922 a 1931 trabajó en Dortmund como maestra de dibujo en varias escuelas secundarias. Allí participó en 1931 en la 5ª Gran Exposición de Arte Westfalia. En mayo de 1932 23 de sus obras se exhibieron en la exposición "La Nueva Objetividad en Hannover". Políticamente Gerta Overbeck estuvo cercana al Partido Comunista, al que perteneció durante un corto período.
Gerta Overbeck es considerada una destacada representante de la pintura de la Nueva Objetividad. Algunas de sus obras han sido redescubiertas e introducidas en el mercado del arte.
Murió en 1977.

"Hippodrom auf der Reeperbahn / Hipódromo en la Reeperbahn / Hippodrome at the Reeperbahn"
Aguada sobre papel / gouache on paper, , 49 x 31 cm., 1926. Kunstkontor

"Kinder mit Handwagen / Niños con carretilla / Children With Handcart"
Acuarela sobre papel / watercolor on paper, 26 x 34,7 cm., 1924. Kunstkontor

Gerta Overbeck, German painter born in 1898 in Dortmund, a representative of the Neue Sachlichkeit (New Objectivity).
In 1915 she began a drawing teacher training in Dusseldorf. From 1919 to 1922 she attended the Kunstgewerbeschule Hannover. From 1922 to 1931 she worked in Dortmund as a drawing teacher at various high schools. There she took part in 1931 at the 5th Great Westphalian Art Exhibition. In May 1932, 23 of her works were shown in the exhibition "Die Neue Sachlichkeit in Hannover". Politically Gerta Overbeck was close to the Communist Party and belonged to her for a short time.
Gerta Overbeck is considered to be an outstanding representative of New Objectivity painting. Some of her pictures have been rediscovered and fed into the art market.
She died in 1977.

"Bildnis / Retrato de su hermana / Portrait of Her Sister Toni Overbeck", 1926. Twitter


El 17 de Enero es el cumple de

Duane Hanson, artista y escultor estadounidense nacido en 1925 en Minnesota, que se estableció en Florida, reconocido por sus esculturas hiperrealistas de gente común, realizadas con moldes sobre las propias personas, y trabajadas en varios materiales como resinas, fibra de vidrio y diversos accesorios. Su obra se ha asociado al Pop Art y el hiperrealismo.
Murió en 1966.

"Doctor en Medicina / Medical Doctor", bronce coloreado con óleos, técnica mixta, accesorios /
bronze, coloured with oil, mixed technique, accessories, 1992-94. Ed.3. Link

Duane Hanson, American artist and sculptor born in 1925 in Mnnesota, based in South Florida. He was known for his lifecast realistic works of people, cast in various materials, including polyester resin, fibreglass, Bondo and bronze. His work is often associated with the Pop Art movement, as well as hyperrealism.
He died in 1966.

"Artista con escalera / Artist With Ladder"
Resina poliéster policromada y fibra de vidrio, técnica mixta, accesorios /
polychromed polyester resin and fiberglass, mixed media and accessories, 180,3 × 114,3 cm., 1972. Artsy

Duane Hanson en "El Hurgador" / in this blog[Hanson, Lewis, Kush]


El 18 de Enero es el cumple de

Albert Louis Aublet, pintor francés nacido en 1851 en París.
Formado en los talleres de Claudius Jacquand y Jean-Léon Gérôme, expuso con éxito en el Salón en 1873, obteniendo una mención honorífica en 1879 y una medalla de tercera clase en 1880. Su reconocimiento internacional es igualmente brillante: obtuvo varios premios en eventos internacionales, incluida una medalla de oro en la Feria Mundial de 1889. Fue distinguido con la Legión de Honor en 1890.
Desde su primer viaje en 1881, su descubrimiento de Oriente ejerció una fuerte influencia en su inspiración artística. Su visita a Constantinopla dio un giro orientalista a sus pinturas. La "Mujer turca en los baños" fue un gran éxito y contribuyó a su notoriedad. Fue presidente de la Sociedad de Artistas de Túnez.
Murió en 1938.

"Jeune Tunisienne / Jóven tunecina / Young Tunisian Girl"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 x 83,5 cm., 1902. Sotheby's

Albert Louis Aublet, French painter born in 1851 in Paris.
Trained in the workshops of Claudius Jacquand and Jean-Léon Gérôme, he exhibited successfully at the Salon in 1873, obtaining an honorable mention in 1879 and a third class medal in 1880. His international recognition is equally brilliant: he earned several awards in international events, including a gold medal at the 1889 World's Fair. He was distinguished with the Legion of Honor in 1890.
From his first trip in 1881, his discovery of the Orient has a strong influence on his artistic inspiration. His visit to Constantinople gave an orientalist direction to his paintings. The "Turkish woman in the baths" was a great success and contributed to her notoriety. He was the president of the Artists Society of Tunis.
He died in 1938.

"L'Heure du bain au / Hora del baño en / Bath Time at Tréport"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 101 x 161 cm., 1885. Sotheby's

Albert Aublet en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (LVI)]


El 19 de Enero es el cumple de

John Luke, artista irlandés nacido en Belfast en 1906.
Estudió en el Belfast College of Art, donde destacó bajo la tutela de Seamus Stoupe y Newton Penpraze. En 1927 ganó la codiciada beca Dunville, que le permitió asistir a la Slade School of Art en Londres, donde estudió pintura y escultura bajo la dirección del célebre Henry Tonks, quien influyó enormemente en su desarrollo como dibujante. Al dejar Slade se quedó en Londres, con la intención de establecerse en el mundo del arte.
Comenzó a exhibir su trabajo y en octubre de 1930 presentó dos cuadros "El entierro" y "Carnaval", en una exposición de arte contemporáneo que tuvo lugar en las Galerías Leger. El clima económico se estaba deteriorando y un año más tarde, a fines de 1933, la recesión lo llevó de regreso a Belfast. Permaneció allí, salvo un tiempo durante la Segunda Guerra Mundial cuando fue a Killylea, Condado de Armagh.
Su técnica de pintura era laboriosamente lenta, y su estilo preciso. Como artista John Luke presentó una visión enigmática del mundo. Reservado por naturaleza llevó una vida muy privada.
Murió en 1975.

"Los tres bailarines / The Three Dancers", óleo y témpera sobre lienzo montado sobre panel /
oil & tempera on canvas on board, 30.7 x 43 cm., 1945.
Ulster Museum (Belfast, Irlanda del Norte / Northern Ireland) ArtUK

"Dr Alexander Irvine (1863–1941)"
Témpera sobre panel / tempera on board, 55,3 x 42,6 cm., 1938.
Ulster Museum (Belfast, Irlanda del Norte / Northern Ireland) ArtUK

John Luke, Irish artist born in Belfast in 1906. 
He studied at the Belfast College of Art, where excelled under the tutelage of Seamus Stoupe and Newton Penpraze. In 1927 he won the coveted Dunville Scholarship which enabled him to attend the Slade School of Art in London, where he studied painting and sculpture under the celebrated Henry Tonks, who greatly influenced his development as a draughtsman. On leaving the Slade he stayed in London, intent on establishing himself in the art world.
He began to exhibit his work and in October 1930 showed two paintings, The Entombment and Carnival, in an exhibition of contemporary art held at Leger Galleries. The economic climate was deteriorating and a year later, at the end of 1933, he was driven back to Belfast by the recession. He remained in Belfast, apart from a time during the Second World War when he went to Killylea, County Armagh.
John Luke's painting technique was painstakingly slow, his manner precise. As an artist John Luke presented an enigmatic view to the world. Reserved by nature, he lived a very private life.
He died in 1975.

"El viejo puente Callan / The Old Callan Bridge"
Óleo y témpera sobre panel / oil & tempera on board, 55,4 x 77,5 cm., 1945.
Armagh County Museum (Irlanda del Norte / Northern Ireland) ArtUK


El 20 de Enero es el cumple de

Antonio Diego Granado, escultor español, nacido en Oviedo en 1971.
Estudió en la Facultad de Bellas Artes de Salamanca, licenciándose en las especialidades de pintura (1995), escultura (1996) y diseño gráfico y audiovisuales (1997).​
En 1997 se doctoró en la Universidad de Salamanca. En 1999 comenzó a trabajar en la fundición "Esfinge", bajo la dirección del escultor José Luis Fernández.

"Monumento al montañero / Monumento to the Mountaineer"
Poliéster / polyester, 120 x 200 x 270 cm., 1998
El Campo de Peñerudes, Concejo de Morcín (Asturias, España / Spain). Pueblastur


Antonio Diego Granado, Spanish sculptor, born in Oviedo in 1971.
He studied at the Faculty of Fine Arts of Salamanca, graduating in the specialties of painting (1995), sculpture (1996), and graphic design and audiovisual (1997).
In 1997 he obtained his doctorate at the University of Salamanca. In 1999 he started working in the foundry "Esfinge", under the direction of the sculptor José Luis Fernández.

"Enlace / Link", hierro pintado / painted iron, 300 x 300 x 600 cm., 1996
Paseo del río, Soto del Rey (Ribera de Arriba, Asturias, España / Spain). Link

Aniversarios (CCXI) [Enero / January 21-31]

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Todos los aniversarios de Enero aquí / All anniversaries for January here.
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El 21 de Enero es el cumple de

Willie Betty Newman, pintora estadounidense nacida en 1863 en Maple Grove Plantation, más tarde conocida como Betty Place, en Murfreesboro, Tennessee, durante la Guerra Civil.
Estudió pintura en Cincinnati, Ohio y París, Francia. Exhibió sus pinturas en salones parisinos en la década de 1890. Estableció un estudio en Nashville, Tennessee a principios de 1900, donde hizo retratos de prominentes residentes de Tennessee, incluido el presidente James K. Polk.
Murió en 1935.

"Escena callejera en Bretaña / Brittany Street Scene"

On January 21 is the birthday of

Willie Betty Newman, American painter born in 1863 Maple Grove Plantation, later known as Betty Place, in Murfreesboro, Tennessee, during the Civil War.
She studied painting in Cincinnati, Ohio and Paris, France. She exhibited her paintings in Parisian salons in the 1890s. She established a studio in Nashville, Tennessee in the early 1900s, where she did portraits of prominent Tennesseans, including President James K. Polk.
She died in 1935.

"En Penitence", 1894. 1st Art Gallery

Willie Betty Newman en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (LXXV)]


El 22 de Enero es el cumple de

Sebastiaen Vrancx (Sebastiaan Vrancx o Sebastian Vranckx), fue un pintor y dibujante barroco flamenco nacido en 1573 (bautizado el 22 de Enero), que es principalmente conocido por sus escenas de batalla, un género en el que fue pionero en la pintura holandesa. También creó paisajes con escenas mitológicas y alegóricas, escenas con ladrones, escenas de pueblos y celebraciones en ciudades. Era un pintor de figuras dotado, que regularmente era invitado a pintar el personal en composiciones de colegas pintores.

"Vista de Amberes por la noche con figuras elegantes de camino a un baile de máscaras /
A view of Antwerp by night with elegant figures on their way to a masquerade"
Color sobre panel de roble / color on oak panel, 26,8 × 37,8 cm., 1600-46. Wikimedia Commons

Fue aprendiz en el taller de Adam van Noort, que también fue maestro de otros prominentes pintores de Amberes. Se cree que después de terminar su aprendizaje, el artista visitó Italia, ya que se convirtió en maestro del Gremio de San Lucas de Amberes recién en 1600.
Comenzó su carrera en Amberes y ganó el reconocimiento de sus colegas artistas. Fue particularmente apreciado como pintor de escenas de batalla y se sabe que Peter Paul Rubens tuvo una escena de batalla del artista.
También es conocido por una serie de dibujos que representan escenas de la Eneida de Virgilio. También produjo diseños para los grabadores y editores de Amberes.
Murió en 1647.

Con Jan Brueghel el Viejo / With Jan Brueghel The Elder
"Asalto a un convoy / Assault on a Convoy"
Color sobre panel de roble / color on oak panel, 55,5 × 85 cm., c.1612
Kunsthistorisches Museum (Viena / Vienna, Austria). Wikimedia Commons

On January 22 is the birthday of

Sebastiaen Vrancx (Sebastiaan Vrancx or Sebastian Vranckx), was a Flemish Baroque painter and draughtsman born in 1573 (baptized on January 22), who is mainly known for his battle scenes, a genre that he pioneered in Netherlandish painting. He also created landscapes with mythological and allegorical scenes, scenes with robbers, village scenes and celebrations in cities. He was a gifted figure painter who was regularly invited to paint the staffage in compositions of fellow painters.
He was an apprentice in the workshop of Adam van Noort, who was also the master of other prominent Antwerp painters. It is believed that after finishing his apprenticeship, the artist visited Italy as he only became a master of the Antwerp Guild of Saint Luke in 1600.
He commenced his career in Antwerp and gained the recognition of his fellow artists. He was particularly esteemed as a painter of battle scenes and Peter Paul Rubens is known to have owned a battle scene by the artist.
He is also known for a series of drawings depicting scenes from Virgil's Aeneid. He also produced designs for the Antwerp printmakers and publishers.
He died in 1647.

"De slag van Vimpfen van 6 mei 1622 / Batalla de Vimpfen, el 6 de Mayo de 1622 /
Battle of Vimpfen on 6 May 1622"
Óleo sobre cobre / oil on copper, 115 × 199 cm., entre / between 1622 - 1649
Museo Hermitage (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourgh, Russia). Wikimedia Commons

Sebastiaen Vrancx en "El Hurgador" / in this blog[Asonancias (XII)]
Jan Brueghel el Viejo / the Elder en "El Hurgador" / in this blog[Arte perdido (VI)], [Recolección (LXXXIII)]


El 23 de Enero es el cumple de

Harald Metzkes, pintor y artista gráfico alemán nacido en 1929 en Bautzen.
En 1946 estudió pintura a la acuarela bajo la dirección de Alfred Herzog. Entre 1947 y 1949 fue aprendiz como cantero con el escultor de Bautzen Max Rothe. Después de aquello, entre 1949 y 1953, estudió pintura en la Academia de Bellas Artes de Dresde, donde sus maestros incluyeron a Wilhelm Lachnit y Rudolf Bergander. Desde 1953 hasta 1955 trabajó como artista independiente en Bautzen. Entre 1955 y 1958 estudió bajo la dirección de Otto Nagel, en la Academia de Artes de Berlín. En 1957, con Werner Stötzer, junto con John y Gertrud Heartfield, emprendió un viaje de estudio de tres meses a China.

"Der Ungeheuerte / El engendro / The Monstrous"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 122 x 107 cm., 1993. Kunstmuseum Ahrenshoop (Alemania / Germany)

En 1959 se instaló en el lado sur de Berlín, mudándose a un estudio en 1960. Se embarcó en una carrera como artista independiente, identificado en algunos lugares por el sobrenombre de "El Cézanista de Prenzlauer Berg". La primera exposición dedicada a su obra tuvo lugar en Berlín en 1963. Ese fue también el año en que contribuyó con ilustraciones para un libro de Vladimir Pozner, "El encantado". Durante los siguientes 27 años contribuyó con ilustraciones para otros quince libros, en su mayoría de autores de alto perfil, como Marino Moretti, William Heinesen, Pier Paolo Pasolini, Franz Fühmann, Christa Wolf, Hermann Bang, August Strindberg e incluso Theodor Fontane.
En 1976 ganó el Premio Käthe Kollwitz de la Academia de Artes de Alemania Oriental y el reconocimiento oficial a nivel estatal. Al año siguiente, su obra fue el centro de atención de una exposición en la Galería Nacional en Berlín Oriental, "Harald Metzkes - Dos décadas de imágenes". 1976 fue también el año en el que recibió el Premio Nacional de Alemania Oriental para ilustraciones y artes gráficas. En 1984 y 1988 Metzkes participó en la Bienal de Venecia. Algunos años después del final de la República Democrática Alemania, el estado de partido único auspiciado por la Unión Soviética del que había sido ciudadano durante su existencia política y socialmente problemática, Metzkes participó en la exposición "Arte en la República Democrática Alemana" celebrada en 1997-98 en la National Gallery. Otra de las numerosas exposiciones en las que participó, en 2006, fue "Bilanz des Malers" en el castillo de Gottorf, en el extremo norte del país.

"Tischgesellschaft / Cena / Dinner Party"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90 x 120 cm., 1957
© VG Bild-Kunst, Bonn 2017 - Foto / Photo: S. Reschke
Galerie für Zeitgenössische Kunst (Leipzig, Alemania / Germany). Kunstausstellungen.de

On January 23 is the birthday of

Harald Metzkes, German painter and graphic artist born in 1929 in Bautzen.
In 1946 he studied watercolor painting under Alfred Herzog. Between 1947 and 1949 he was apprenticed as a stonemason with the Bautzen sculptor Max Rothe. After that, between 1949 and 1953, he studied painting at the Dresden Academy of Fine Arts where his teachers included Wilhelm Lachnit and Rudolf Bergander. From 1953 till 1955 he worked as a freelance artist in Bautzen. Between 1955 and 1958 he studied under Otto Nagel, at the Arts Academy in Berlin. In 1957, with Werner Stötzer, along with John and Gertrud Heartfield, he undertook a three-month study trip to China.
In 1959 Metzkes settled on the southside of Berlin, moving into a studio-workshop apartment in 1960: he embarked on a career as a free-lance artist, identified in some quarters by the soubriquet "The Cézannist of Prenzlauer Berg". The first exhibition devoted to his work took place in Berlin in 1963. 1963 was also the year in which he contributed illustrations for a book by Vladimir Pozner, "The enchanted one". During the ensuing 27 years he contributed illustrations for a further fifteen books, mostly by high-profile authors, including Marino Moretti, William Heinesen, Pier Paolo Pasolini, Franz Fühmann, Christa Wolf, Hermann Bang, August Strindberg and even Theodor Fontane.
In 1976 he won the Käthe Kollwitz Prize from the Arts Academy of East Germany (de) and state-level official recognition. The next year his work was the focus of an exhibition at the National Gallery in (East) Berlin, "Harald Metzkes – Two decades of Pictures". 1976 was also the year in which he was a recipient of the National Prize of East Germany for illustrations and graphic art. In 1984 and 1988 Metzkes participated in the Venice Biennale. Some years after the end of the German Democratic Republic, the Soviet sponsored one-party state of which he had been a citizen throughout its politically and socially troubled existence, Metzkes took part in the "Arts in the German Democratic Republic" exhibition staged in 1997/98 at the National Gallery. Another of the numerous exhibitions in which he was featured, in 2006, was "Bilanz des Malers" at Gottorf Castle in the extreme north of the country.

"Der Trinker / El borracho / Drunkard", 1955. Pinterest


El 24 de Enero es el cumple de

Philippe Faraut, escultor francés nacido en 1963.
Recibió su título en talla de madera y construcción de muebles finos franceses de Germain Sommeillier en Annecy, Francia, su hogar de la infancia. Después de establecer su residencia en el área de la bahía de Chesapeake en Virginia, desarrolló interés en modelar cabezas en arcilla. Viajero ávido, los destinos de Philippe le han permitido estudiar culturas de muchos países de Europa, Asia, África y el Caribe, que han influido en su obra como retratista. En 1996 se trasladó con su esposa a la región de Finger Lakes del estado de Nueva York.


"Sadie", arcilla de loza / earthenware clay, 16” x 21” x 10”, © 2013. Link

Philippe ha creado numerosas obras originales que van desde estatuillas de porcelana de seis pulgadas hasta monumentos de tamaño natural en piedra y bronce, y ha exhibido sus esculturas en varias galerías y competiciones nacionales e internacionales.
Durante más de veinte años ha viajado por todo Estados Unidos y el extranjero para enseñar a escultores y aspirantes a escultores cómo hacer retratos y figuras en arcilla, en estudios e instituciones privadas, incluida la Grand Central Academy de Nueva York, Ringling School of Art en Florida y Pixar en California. Además ha estudiado reconstrucción facial y anaplastología forenses, y ha dictado conferencias en universidades y convenciones médicas en los Estados Unidos y Europa sobre las expresiones y el proceso de envejecimiento del rostro.

"Sadie", arcilla de loza / earthenware clay, 16” x 21” x 10”, © 2013. Link

"La Fille du Marin / La hija del marino / The Daughter of the Sailor"
Caliza / limestone, 56" x 60" x 36", © 2004. Link

On January 24 is the birthday of

Philippe Faraut, French sculptor born in 1963.
He received his degree in woodcarving and the construction of French fine furniture from Germain Sommeillier in Annecy, France, his boyhood home. After establishing residence in the Chesapeake Bay area of Virginia, he developed an interest in modeling the head in clay. An avid traveler, Philippe's destinations have allowed him the opportunity to study the cultures of many countries in Europe, Asia, Africa and the Caribbean, thus influencing his work in portraiture. In 1996 he relocated with his wife to the Finger Lakes Region of New York State.

"Novia niña/ Child Bride"
Arcilla de loza / earthenware clay, 19" x 13" x 11", © 2004. Link

Philippe has created numerous original works ranging from six-inch porcelain figurines to over life-sized monuments in both stone and bronze and has exhibited his sculptures in various galleries and national and international competitions.
For over twenty years, Philippe has traveled throughout the US and abroad to teach sculptors and aspiring sculptors how to render portraits and figures in clay at private studios and institutions including the Grand Central Academy in New York, Ringling School of Art in Florida and Pixar in California. In addition, he has studied forensic facial reconstruction and anaplastology and lectures at universities and medical conventions in the US and Europe on expressions and the aging process of the face.

"Novia niña/ Child Bride"
Arcilla de loza / earthenware clay, 19" x 13" x 11", © 2004. Link

Philippe Faraut en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (LXVIII)]


El 25 de Enero es el cumple de

Eleanor Fortescue-Brickdale, artista inglesa nacida en 1872 en Upper Norwood, Surrey
Recibió su primera instrucción en la Escuela de Arte Crystal Palace, bajo la dirección de Herbert Bone y entró en la Royal Academy en 1896. Su primera gran pintura fue "La complexión pálida del amor verdadero" (1899). Pronto comenzó a exhibir sus pinturas al óleo en la Royal Academy, y sus acuarelas en la Dowdeswell Gallery, donde tuvo varias exposiciones individuales.
Mientras estuvo en la academia, recibió la influencia de John Byam Liston Shaw, un protegido de John Everett Millais muy influenciado por John William Waterhouse. Cuando Byam Shaw fundó una escuela de arte en 1911, Fortescue-Brickdale se convirtió en maestra allí.

"El huésped inesperado / The Uninvited Guest"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 89 x 127 cm., 1906. Reprodart

En 1909 Ernest Brown, de las Galerías Leicester, le encargó una serie de 28 ilustraciones en acuarela para "Los idilios del Rey" de Tennyson, que pintó durante dos años. Fueron exhibidas en la galería en 1911, y 24 de ellas fueron publicados el año siguiente en una edición de lujo de los primeros "Idilios".
Vivió durante gran parte de su carrera en Holland Park Road, frente a Leighton House, donde realizó una exposición en 1904.
Fortescue-Brickdale expuso en la primera muestra de la Sociedad de Artes Gráficas en 1921.
Más tarde también trabajó con vitrales. Era una cristiana devota y donó obras a las iglesias. Entre sus obras más conocidas están "El huésped inesperado" y "Ginebra".
Murió en 1945.

"El estudio de Boticcelli. La primera visita de Simoneta, presentada por Giulio y Lorenzo Medici /
Boticcelli's studio, The first visit of Simonetta presented by Giulio and Lorenzo de Medici"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 75 x 126 cm., 1922. Bonhams

On January 25 is the birthday of

Eleanor Fortescue-Brickdale, English artist born in 1872 in Upper Norwood, Surrey
She was trained first at the Crystal Palace School of Art, under Herbert Bone and entered the Royal Academy in 1896. Her first major painting was The Pale Complexion of True Love (1899). She soon began exhibiting her oil paintings at the Royal Academy, and her watercolours at the Dowdeswell Gallery, where she had several solo exhibitions.
While at the academy, she came under the influence of John Byam Liston Shaw, a protégé of John Everett Millais much influenced by John William Waterhouse. When Byam Shaw founded an art school in 1911, Fortescue-Brickdale became a teacher there.
In 1909, Ernest Brown, of the Leicester Galleries, commissioned a series of 28 watercolour illustrations to Tennyson's Idylls of the King, which she painted over two years. They were exhibited in the gallery in 1911, and 24 of them were published the next year in a deluxe edition of the first four Idylls.
She lived during much of her career in Holland Park Road, opposite Leighton House, where she held an exhibition in 1904.
Fortescue-Brickdale exhibited at the first exhibition of the Society of Graphic Art in 1921.
Later, she also worked with stained glass. She was a staunch Christian, and donated works to churches. Amongst her best known works are The Uninvited Guest and Guinevere. She died in 1945.

"Un caballero y cupido ante la puerta del castillo /
A knight and cupid before a castle door", acuarela / watercolor, 32 x 40 cm., 1900. Wikimedia Commons


El 26 de Enero es el cumple de

Camil Ressu, pintor y académico rumano nacido en 1880 en Galaţi, una de las figuras más importantes del arte de Rumania.
Su padre, Constantin Ressu, que era periodista y había estudiado derecho en Bruselas, era artista en su tiempo libre. En 1887 Ressu se matriculó en la Escuela de Bellas Artes de Bucarest. Continuó en la Escuela de Bellas Artes de Iaşi, donde estudió con los pintores Gheorghe Popovici y Gheorghe Panaiteanu Bardasare. En 1902 terminó sus estudios obteniendo una medalla de plata, y se fue de Rumania a París buscando desarrollar aún más sus habilidades artísticas. En París estudió en la Académie Julian.

"Academia de la Terasă / Academia de la terraza / Academy of the Terrace"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1912. Link
Museo de Arte (Cluj-Napoca, Rumanía / Romania)

En 1908 regresó a Rumania y se interesó en temas sociales. Contribuyó con dibujos satíricos a varias publicaciones, incluyendo Furnica, Facla y Adevărul. Ese mismo año se convirtió en miembro del Partido Socialdemócrata de Rumanía (o, más bien, su círculo sobreviviente de Bucarest, Unión Socialista de Rumania, formado en torno al periódico România Muncitoare). En 1910 sus obras (paisajes y pinturas con temas bucólicos) se presentaron en la exposición Artistic Youth. Ressu abrió su primera exposición personal en 1914, en Bucarest.
Murió en 1962.

"Curățenia de primăvară / Limpieza de primavera / Spring Cleaning"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 49,5 x 64,5 cm. Artnet

On January 26 is the birthday of

Camil Ressu, Romanian painter and academic born in 1880 in Galați, one of the most significant art figures of Romania.
His father, Constantin Ressu, who was a journalist and had studied law in Brussels, was an artist in his spare time. In 1887, Ressu was enrolled at the School of Fine Arts in Bucharest. He continued his studies at the School of Fine Arts in Iași, where he studies with painters Gheorghe Popovici and Gheorghe Panaiteanu Bardasare. In 1902, he finished his studied in Iași, being awarded a silver medal, and left Romania for Paris, seeking to further develop his art skills. In Paris, he studied at the Académie Julian.

"Familie de țărani / Familia de campesinos / Family of Peasants"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 50 × 65,5 cm. Artmark

In 1908, Ressu returned to Romania and became interested in social matters, contributing satirical drawings to several publications, including Furnica, Facla and Adevărul. In the same year, he became a member of the Social Democratic Party of Romania (or, rather, its surviving Bucharest circle, Socialist Union of Romania, formed around the paper România Muncitoare). In 1910, his works (landscapes and paintings with bucolic themes) were featured in the Artistic Youth exhibition. Ressu opened his first personal exhibition in 1914, in Bucharest.
He died in 1962.

"La familia del granjero / Farmer's Family"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 57,5 x 48 cm. Artnet


El 27 de Enero es el cumple de

Arthur Hughes, pintor e ilustrador inglés nacido en 1832 en Londres, asociado con la Hermandad Prerrafaelita.
En 1846 ingresó a la escuela de arte en Somerset House donde su primer maestro fue Alfred Stevens, y más tarde ingresó en las escuelas de la Royal Academy. Allí conoció a John Everett Millais y Holman Hunt, y se convirtió en uno de los pintores prerrafaelitas. Su primera pintura, Musidora, fue colgada en la Royal Academy cuando solo tenía 17 años, y desde entonces contribuyó casi anualmente no solo a la Royal Academy sino también a las exhibiciones de Grosvenor y New Gallery.
En 1855 se casó con Tryphena Foord, su modelo de April Love.

"Amor de Abril / April Love", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 88,9 x 49,5 cm., c.1855
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK). GAP

Hughes murió en Kew Green, Londres en 1915, dejando alrededor de 700 pinturas y dibujos conocidos, junto con más de 750 ilustraciones de libros. Tras la muerte de Tryphena Hughes en 1921, su hija Emily tuvo que mudarse a una casa más pequeña. Hubo, por lo tanto, escasez de espacio. Como resultado ella destruyó los bocetos preparatorios restantes de su padre y todos sus documentos privados y correspondencia.
Hughes fue el padre del pintor inglés Arthur Foord Hughes y el tío de otro, Edward Robert Hughes.

"La grieta en el laúd / The Rift within the Lute"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 52 × 92 cm., entre / between 1861-62.
Tullie House Museum and Art Gallery (Carlisle, Reino Unido / UK). Wikimedia Commons

On January 27 is the birthday of

Arthur Hughes, English painter and illustrator born in 1832 in London, associated with the Pre-Raphaelite Brotherhood.
In 1846 he entered the art school at Somerset House, his first master being Alfred Stevens, and later entered the Royal Academy schools. There he met John Everett Millais and Holman Hunt, and became one of the Pre-Raphaelite group of painters. His first picture, Musidora, was hung at the Royal Academy when he was only 17, and thenceforth he contributed almost annually not only to the Royal Academy but later also to the Grosvenor and New Gallery exhibitions.
In 1855 Hughes married Tryphena Foord, his model for April Love.
Hughes died in Kew Green, London in 1915, leaving about 700 known paintings and drawings, along with over 750 book illustrations. Following the death of Tryphena Hughes in 1921, their daughter Emily had to move to a smaller house. There was, therefore, a shortage of space. As a result, she had her father’s remaining preparatory sketches, and all his private papers and correspondence, destroyed.
Hughes was the father of the English painter Arthur Foord Hughes and the uncle of another, Edward Robert Hughes.

"Plata y oro / Silver and Gold", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 39 x 26,5 cm., 1864.
Colección privada / Private Collection. Wikimedia Commons


El 28 de Enero es el cumple de

Alice Neel, artista visual estadounidense nacida en 1900 en Merion Square, Pensilvania, conocida por sus retratos de amigos, familiares, amantes, poetas, artistas y extraños. Sus pinturas tienen un uso expresionista de línea y color, agudeza psicológica e intensidad emocional.
En 1918, después de graduarse de la escuela secundaria, tomó el examen de Servicio Civil y obtuvo un puesto administrativo de alta paga con el fin de ayudar a mantener a sus padres. Después de tres años de trabajo, tomando clases de arte por la noche en Filadelfia, se matriculó en el programa de Bellas Artes en la Escuela de Diseño de Filadelfia para Mujeres (ahora Moore College of Art & Design) en 1921. En 1925 recibió el Premio Kern Doge a la mejor pintura en su clase de pintura del natural. Se graduó de la Escuela de Diseño de Filadelfia para Mujeres en 1925. Neel solía decir que eligió asistir a una escuela para niñas para no distraerse de su arte por las tentaciones del sexo opuesto.
En 1925 se mudó a La Habana, y en 1927 regresó a los Estados Unidos para vivir en Nueva York. Durante la Depresión fue una de las primeras artistas en trabajar para la Works Progress Administration. Mientras estuvo inscrita en estos programas de gobierno, pintó con un estilo realista y sus temas fueron en su mayoría escenas callejeras de la era de la Depresión, y pensadores y líderes comunistas. Si bien Neel nunca fue un miembro oficial del Partido Comunista, su afiliación y simpatía por los ideales del comunismo se mantuvieron constantes. En la década de 1930 se mudó al Harlem español y comenzó a pintar a sus vecinos, específicamente mujeres y niños.

"Ethel Ashton", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80,5 x 76,3 x 2,7 cm., 1930.
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

El verano de 1930 fue un período de su vida que describió "como uno de los más productivos" porque fue cuando pintó sus primeros desnudos femeninos. Uno de los primeros retratos desnudos femeninos más conocidos de Neel es el de Ethel V. Ashton. A mediados de la década de 1960, muchas de las amigas de Neel se habían quedado embarazadas, lo que la inspiró a pintar una serie de estas mujeres desnudas. Los retratos realmente resaltan en lugar de ocultar los cambios físicos y las ansiedades emocionales que coexisten con el parto.
Hacia el final de la década de 1960, el interés en el trabajo de Neel se intensificó. El impulso del movimiento de las mujeres llevó a una mayor atención, y Neel se convirtió en un icono para las feministas. A mediados de la década de 1970 había ganado celebridad y estatura como una importante artista estadounidense. La reputación de Neel estaba en su apogeo en el momento de su muerte en 1984.

"Robert, Helen & Ed", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 81,3 × 71,1 cm., ca. 1952. Artsy

On January 28 is the birthday of

Alice Neel, American visual artist, born in 1900 in Merion Square, Pennsylvania, who was known for her portraits depicting friends, family, lovers, poets, artists and strangers. Her paintings have an expressionistic use of line and color, psychological acumen, and emotional intensity.
In 1918, after graduating from high school, she took the Civil Service exam and got a high-paying clerical position in order to help support her parents. After three years of work, taking art classes by night in Philadelphia, Neel enrolled in the Fine Art program at the Philadelphia School of Design for Women (now Moore College of Art & Design) in 1921. In 1925 Neel received the Kern Doge Prize for Best Painting in her life class. She graduated from Philadelphia School of Design for Women in 1925. Neel often said that she chose to attend an all-girls school so as not to be distracted from her art by the temptations of the opposite sex.
In 1925 she moved to Havana, and in 1927 she returned to the United States to live in New York. During the Depression, Neel was one of the first artists to work for the Works Progress Administration. While enrolled in these government programs she painted in a realist style and her subjects were mostly Depression-era street scenes and Communist thinkers and leaders. While Neel was never an official Communist Party member, her affiliation and sympathy with the ideals of Communism remained constant. In the 1930s, Neel moved to the Spanish Harlem and began painting her neighbors, specifically women and children.

"Madre y niña / Mother and Child (Nancy & Olivia)"
Litografía sobre papel / lithograph on paper, 78,7 × 71,1 cm., 1982. Artsy

The summer of 1930 was a period in her life that she described "as one of her most productive" because that was when she painted her earliest female nudes. One of Neel's best known early female nude portraits is of Ethel V. Ashton. By the mid-1960s, many of Neel's female friends had become pregnant which inspired her to paint a series of these women nude. The portraits truthfully highlight instead of hiding the physical changes and emotional anxieties that coexist with childbirth.
Toward the end of the 1960s, interest in Neel's work intensified. The momentum of the women's movement led to increased attention, and Neel became an icon for feminists. By the mid-1970s, Neel had gained celebrity and stature as an important American artist. Neel's reputation was at its height at the time of her death in 1984.

"Alice Neel Autorretrato / Self-Portrait"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 135,3 x 101 x 2,5 cm., 1980.
National Portrait Gallery, Smithsonian Institution (Washington, EE.UU./ USA)


El 29 de Enero es el cumple de

Ferdinand Kulmer, pintor y maestro croata nacido en 1925 en Zagreb.
Estudió en la Academia de Bellas Artes de Budapest, en la Academia de Bellas Artes de Zagreb, y tomó clases especiales con Đuro Tiljak. Kulmer trabajó en el estudio de Krsto Hegedušić, y durante muchos años fue profesor en la Academia de Bellas Artes de Zagreb.

"Naturaleza muerta / Still Life", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 96,5 × 129 cm., 1954
Museum of Modern Art (Dubrovnik, Croacia / Croatia). Artsy

Las pinturas de Kulmer tienden hacia la abstracción o la semi-abstracción, con sus primeras composiciones basadas en naturalezas muertas o interiores con pinceladas caligráficas. Desarrolló un estilo más fuertemente texturizado, convirtiéndose más tarde en un estilo más suelto y gestual con temas míticos que incluyen el baile de formas caligráficas. Diseñó vestuario para dos películas de Vatroslav Mimica y Veljko Bulajic.
Miembro de la Academia Croata de Ciencias y Artes.
En 1990, Kulmer recibió el Premio Vladimir Nazor por su trayectoria en artes visuales.
Murió en 1998.

"Nježnost / Zärtlichkeit / Ternura / Tenderness", litografía / lithography, 69,7 x 49,7 cm., 1986. 
Collection Art Palmižana Meneghello. Link

On January 29 is the birthday of

Ferdinand Kulmer, Croatian painter and teacher born in 1925 in Zagreb.
He studied at the Budapest Academy of Fine Arts, the Zagreb Academy of Fine Arts, and took special classes with Đuro Tiljak. Kulmer worked in the studio of Krsto Hegedušić, and for many years was a professor at the Zagreb Academy of Fine Arts.

"Sirena-gorgona", tiza roja / red chalk, 50 x 70 cm., 1986
Colección de arte Palmižana Meneghello. Link

Kulmer's paintings tend towards abstract or semi-abstract scenes, with his early compositions based on still life or interiors featuring calligraphic brushwork. He developed a more heavily textured style, turning later to a looser, more gestural style with mythical themes that includes dancing calligraphic shapes. He designed costumes for two films by Vatroslav Mimica and Veljko Bulajic.
Member of the Croatian Academy of Sciences and Arts.
In 1990, Kulmer received the Vladimir Nazor Award for lifetime achievement in the visual arts.
He died in 1998.

"Leteča sfinga / Esfinge voladora / Flying Sphynx"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 195×130 cm., 1987. Galería Remek-djela


El 30 de Enero es el cumple de

Ignacy Aleksander Gierymski, pintor polaco nacido en 1850 en Varsovia, hermano menor de Maksymilian Gierymski.
Completó la Escuela Secundaria Estatal nr III en Varsovia en 1867, y ese mismo año comenzó a realizar estudios de dibujo en Varsovia. Entre 1868 - 1872 estudió en la Academia de Bellas Artes de Munich y se graduó con una medalla de oro.
Entre 1873-1874 permaneció en Italia, principalmente en Roma. Desde finales de 1875 hasta 1879 regresó a Roma, donde trabajó para mejorar su obra, en particular pasó mucho tiempo estudiando pinturas italianas.

"La puerta de la ciudad vieja en Varsovia / The Gate in the Old Town in Warsaw"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 64 × 49 cm., 1883. Wikimedia Commons
Muzeum Sztuki w Łodzi / Museo de Arte (Lodz, Polonia / Poland)

El mejor período para Gierymski fue entre los años 1879 -1888, que pasó en Varsovia. En este tiempo trabajó con un grupo de jóvenes escritores y pintores positivistas, agrupados en torno al periódico Wędrowiec (Vagabundo). Desde entonces estuvo principalmente en Alemania y Francia. El cambio de entorno cambió el carácter de su obra. Lejos de su tierra natal comenzó a pintar temas menos personales, sobre todo paisajes. Regresó a Polonia en 1893 y se quedó hasta 1895, postulándose para un puesto en la Academia de Bellas Artes de Cracovia. Este viaje revivió su interés en los temas humanos. Durante los últimos años de su vida permaneció en Italia.
Sus amargas decepciones en la vida se revelan en su autorretrato pintado un año antes de su muerte. Observaba el mundo con mirada de un naturalista, a pesar de su temperamento ardiente. Trágicamente, los últimos años de su vida los pasó en un hospital psiquiátrico, a pesar de lo cual dejó un patrimonio único.
Murió en 1901.

"Żydówka z pomarańczami / Mujer judía vendiendo naranjas / Jewish Woman Selling Oranges"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65 x 54 cm., entre / between 1880-81. Wikimedia Commons
Muzeum Narodowe w Warszawie / Museo Nacional (Varsovia, Polonia / Warszaw, Poland)

On January 30 is the birthday of

Ignacy Aleksander Gierymski, Polish painter born in 1850 in Warsaw, the younger brother of Maksymilian Gierymski.
He completed Secondary State School nr III in Warsaw in 1867, and in the same year commenced drawing studies in Warsaw. Between 1868 – 1872 he studied at the Academy of Fine Arts in Munich and graduated with a gold medal.
Between 1873-1874 he stayed in Italy, mostly in Rome. From late 1875 until 1879 the artist returned to Rome, where he worked to improve his work, particularly spending much time studying Italian paintings.
The greatest period for Gierymski was between years 1879 -1888 which he spent in Warsaw. In this time he worked with a group of young positivist writers and painters, clustered around the periodical Wędrowiec (Eng. Wanderer). Since then he was mostly in Germany and France. Changed surroundings changed his works. Away from his homeland he started to paint less personal subjects. Mostly he was painting landscapes. He came back to Poland in 1893 and stayed till 1895, in order to apply for a position at the Academy of Fine Arts in Cracow. This journey revived his interest in human subjects. For the last years of his life he remained in Italy.
His bitter disappointments in life are revealed on his self-portrait painted a year prior to his death. He looked at the world with the eye of a naturalist, despite his hot-temper. Tragically, the last years of his life were spent in a mental hospital; nevertheless he left a unique heritage.
He died in 1901.

"Muchacho cargando una gavilla / Boy Carrying a Sheaf"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 94 × 77 cm., 1895. Wikimedia Commons
Muzeum Narodowe we Wrocławiu / Museo Nacional (Wroclaw, Polonia / Poland)


Hoy, 31 de Enero, es el cumple de

Patrick Pietropoli, pintor y escultor francés autodidacta nacido en 1953 en París, artista establecido en Francia desde mediados de los años ochenta.
Es notable por sus pinturas de paisajes urbanos a gran escala extremadamente detallados, aunque también es conocido por su obra escultórica de medio relieve.
Desarrolló su pasión por la pintura desde una edad temprana. En 1975 pasó el examen nacional francés de CAPES en Historia para convertirse en profesor. En 1978 recibió una maestría en historia antigua de la Universidad François Rabelais de París, y enseñó historia en Francia hasta 1986.

"Centro de la ciudad desde arriba / Downtown from the Top"
Técnica mixta / mixed media, 97 x 195 cm., 2017

Comenzó a exhibir en Francia en 1983 y en 1986, debido al rápido éxito, pudo dejar de enseñar y centrarse por completo en el arte. Las primeras obras de Pietropoli fueron influenciadas por el movimiento de 'pittura colta'. En su primera exposición individual en 1983 en Gallery Verododa en París presentó pinturas basadas en bocetos de la representación de la Anunciación en las iglesias florentinas de Italia. A finales del s.XX, Patrick Pietropoli se inspiró en los antiguos maestros venecianos del siglo XVIII. Con su meticulosa atención al detalle, se decía que Pietropoli se unía a los 'vedutisti' en su búsqueda por representar paisajes urbanos atemporales. En sus propias palabras él "rechazó la naturaleza pintoresca de las escenas de la calle, eligiendo retratar paisajes urbanos similares al mundo alegre y coloreado de las pinturas de Canaletto o Guardi".
Desde 2001 ha estado exhibiendo en todo Estados Unidos en muestras individuales y colectivas, así como en ferias de arte internacionales.

"Plaza Venecia / Piazza Venetia"
Óleo sobre lienzo / oil on linen, 97 x 130 cm., 2017

Today, January 31, is the birthday of

Patrick Pietropoli, self-taught French painter and sculptor born in 1953 in Paris, established artist in France since the mid 1980s.
He is most notable for his extremely detailed, large-scale cityscapes paintings; however, he is also well known for his work on mid-relief sculpture.
He developed his passion for painting from an early age. In 1975 he passed CAPES French national exam in History to become a history professor. In 1978 Pietropoli received master's degree in Ancient History from François Rabelais University in Paris and taught history in France until 1986.
He began exhibiting in France in 1983 and by 1986 due to the rapid success he was able to quit teaching and focus entirely on art. Pietropoli’s early works were influenced by ‘pittura colta’ movement. His first solo exhibition in 1983 at Gallery Verododa in Paris featured paintings based on sketches of the Annunciation's depiction in Florentine churches of Italy. By the end of 1900s Patrick Pietropoli became inspired by the Venetian old masters of 18th century. With his meticulous attention to detail, Pietropoli was said to join ‘vedutisti’ in his quest to depict timeless urban landscapes. In his own words he ‘refused the picturesque nature of street scenes, choosing to portray urban landscapes akin to the teeming, gaily colored world of the paintings of Canaletto or Guardi’.
Since 2001 Patrick Pietropoli has been exhibiting throughout United States in solo and group shows as well as international art fairs.

"Sur de Manhattan desde el pasado / Manhattan South from the Past"
Técnica mixta / mixed media, 20" x 20", 2016

Aniversarios (CCXII) [Febrero / February 1-4]

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Todos los aniversarios de Febrero aquí / All anniversaries for February here.
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El 1 de Febrero es el cumple de

Jose Ignacio Luis Etxenagusia (Echenagusía) Errazkin "Echena", pintor de género y orientalista vasco nacido en 1844 en Hondarribia.
Nació en una familia burguesa adinerada. Después de mostrar un talento temprano para el arte, comenzó sus estudios en el Seminario Real en Bergara, con solo catorce años, lo que era inusual para alguien de una pequeña ciudad de provincias.
Cuatro años más tarde obtuvo un puesto en el gobierno de la ciudad de Burgos, pero no estaba contento y se mudó a Bilbao para dedicarse a sus intereses artísticos. Allí encontró trabajo en el ferrocarril de Tudela a Bilbao, con lo que pudo financiar sus estudios. El estallido de la Tercera Guerra Carlista en 1872 interrumpió sus planes y, después de participar brevemente en la defensa de la ciudad, se trasladó a Bayona para continuar donde lo había dejado. En 1875 una tía suya murió a causa de las heridas que había sufrido en la guerra y le dejó una herencia sustancial, lo que le permitió viajar a Italia.

"Un bazar oriental / An Oriental Bazaar"
Óleo sobre panel / oil on panel, 50 x 30,5 cm. Richard Redding Antiques

Después de una visita a Venecia fue a Roma, donde asistió a varias escuelas y se asoció con otros artistas españoles que estudiaban allí. Uno de ellos, José Villegas Cordero, tenía dificultades para pronunciar el apellido vasco de Etxenagusia, llamándolo "Echena ... y no sé qué". El nombre abreviado quedó y Etxenagusia comenzó a usarlo como su firma. Estuvo fuertemente influenciado por las obras de Giambattista Tiepolo y comenzó a producir escenas históricas de soldados y cortesanos. Más tarde cayó bajo la influencia del movimiento Nazareno.
Regresó a su hogar en 1882 y poco después encontró trabajo, diseñando heráldica y trajes para la procesión de Semana Santa, además de crear un mural de Cristo en el Calvario para la Iglesia de Santa María. Una de sus obras más ambiciosas representa a Cristo en el Gólgota (ahora perdido). Fue galardonado con una medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes en 1884. La obra reproducida por Goupil & cie y ampliamente distribuida. Más tarde creó murales para el Palacio de Delegación Foral de Bizkaia y el Palacio de Chavarri y realizó una exitosa gira por Inglaterra.
A principios de la década de 1890 regresó a Roma, donde abrió una galería de arte y se convirtió en profesor en la Academia Chigi. Permaneció allí por el resto de su vida, con estancias ocasionales en Florencia y Venecia. Murió de fiebre palúdica en 1912. Después de su muerte se realizó una importante retrospectiva de sus obras en Donostia.

"Sansón y Dalila / Samson and Delilah", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 183,7 x 200,8 cm., 1887
Bilboko Arte Ederren Museoa / Museo de Bellas Artes de Bilbao (España / Spain). Wikimedia Commons

On February 1 is the birthday of

Jose Ignacio Luis Etxenagusia (Echenagusía) Errazkin "Echena", Basque genre and Orientalist painter born in 1844 in Hondarribia.
He was born into a well-to-do bourgeois family. After displaying an early talent for art, he began his studies at the Royal Seminary in Bergara, aged only fourteen, which was unusual for someone from a small provincial town.
Four years later, he obtained a position with the city government of Burgos, but was unhappy and moved to Bilbao to pursue his artistic interests. There, he was able to find work with the Tudela to Bilbao Railway to help support his studies. The outbreak of the Third Carlist War in 1872 interrupted his plans and, after briefly taking part in the defense of the city, moved to Bayonne to pick up where he had left off. In 1875, an aunt of his died from wounds she had suffered in the war and left him a substantial inheritance, which enabled him to travel to Italy.

"El estudio del artista / The Artist's Studio"
Óleo sobre panel / oil on panel, 35,56 x 53,34 cm. Invaluable

After a visit to Venice he went to Rome, where he attended several schools and associated with other Spanish artists who were studying there. One of them, José Villegas Cordero, had difficulty pronouncing Etxenagusia's Basque name, calling him "Echena...and I don't know what". The shortened name stuck and Etxenagusia began using it as his signature. He was strongly influenced by the works of Giambattista Tiepolo and began producing historical scenes of soldiers and courtiers. Later, he came under the influence of the Nazarene movement.
He returned home in 1882 and shortly found work, designing heraldry and costumes for the Holy Week procession in addition to creating a mural of Christ at Calvary for the Church of Santa Maria. One of his most ambitious works depicted Christ at Golgotha (now lost). It was awarded a medal at the National Exhibition of Fine Arts in 1884, reproduced by Goupil & cie and widely distributed. Later, he provided murals for the Biscay Foral Delegation Palace and the Chavarri Palace and made a successful tour of England.
By the early 1890s, he was back in Rome, where he opened an art gallery and became a teacher at the Academia Chigi. He remained there for the rest of his life, with occsional stays in Florence and Venice. He died of malarial fever in 1912. After his death, a major retrospective of his works was held in Donostia.

"Lavanderas / Washerwomen"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76 x 104 cm. Setdart

Echena en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (LXI)]


El 2 de Febrero es el cumple de

Wilhelm Franz Karl Ludwig Dill, pintor alemán de barcos y paisajes nacido en 1848 en Gernsbach, miembro fundador de la Secesión de Munich.
Era el único hijo del Tasador de Impuestos (más tarde Magistrado) para el Gran Ducado de Baden. La familia se mudó varias veces y finalmente se estableció en Stuttgart en 1862.
A partir de 1872 estudió arquitectura en el Instituto Politécnico (ahora la Universidad de Stuttgart), luego se trasladó a la Academia de Bellas Artes de Munich, en 1874, donde estudió con Karl Theodor von Piloty y Otto Seitz. Sin embargo estaba más influenciado por los paisajes de Adolf Heinrich Lier y decidió dedicarse a esa especialidad.
Viajó mucho, y el área alrededor de Venecia (especialmente Chioggia) se convirtió en uno de sus lugares favoritos para la pintura al aire libre. La naturaleza impresionista de los paisajes terrestres y marinos finalmente lo llevó a una especie de estilización ornamental, que se aproxima al Art Nouveau. Más tarde se convirtió en miembro fundador de la Secesión de Munich y se desempeñó como su presidente desde 1894 hasta 1899.

"Fischerboot in der Lagune / Bote de pesca en la laguna / Fishing Boat in the Lagoon"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 49 × 62 cm., c.1890. Wikimedia Commons

De particular importancia para su carrera fue su amistad con Adolf Hölzel, quien dirigía una escuela de arte en Dachau, lugar de una colonia de artistas. La zona, con sus numerosos páramos y cursos de agua, fue instantáneamente atractiva para Dill. En 1896 compró una pequeña casa allí en una calle que desde entonces lleva su nombre. Junto con Hölzel y Arthur Langhammer, fundó un grupo llamado "New Dachau".
En 1899 aceptó un puesto docente en la Academia de Bellas Artes de Karlsruhe, y permaneció allí hasta 1919, pasando sus veranos en Dachau. También sirvió en uno de los comités que seleccionaban artistas para proporcionar diseños a la compañía de chocolates Stollwerck de Colonia. Su primera esposa murió en 1905. Cuatro años más tarde, se casó con la pintora Johanna Malburg, que había enviudado recientemente. En 1936, se convirtió en ciudadano honorario de Dachau.
Murió en 1940

"Birkenwald / El bosque de abedules / The Birch Grove"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas. 28,5 x 36 1/8", c.1900.
Frye Art Museum (Seattle, Washington, EE.UU./ USA)

On February 2 is the birthday of

Wilhelm Franz Karl Ludwig Dill, German ship and landscape painter born in 1848 in Gernsbach, who was a founding member of the Munich Secession.
He was the only son of the Tax Assessor (later a Magistrate) for the Grand Duchy of Baden. The family moved several times, finally settling in Stuttgart in 1862.
Beginning in 1872, he studied architecture at the Polytechnic Institute (now the University of Stuttgart), then moved to the Academy of Fine Arts, Munich, in 1874, where he studied under Karl Theodor von Piloty and Otto Seitz. He was, however, more influenced by the landscapes of Adolf Heinrich Lier and decided to pursue that speciality himself.
He did a great deal of travelling and the area around Venice (especially Chioggia) became one of his favorites for plein air painting. The impressionistic nature of the land and seascapes eventually led him to a sort of ornamental stylization, approaching Art Nouveau. He later became a founding member of the Munich Secession and served as its President from 1894 to 1899.
Of particular importance to his career was his friendship with Adolf Hölzel, who ran an art school in Dachau, the site of an artists' colony. The area, with its many moors and watercourses, was instantly attractive to Dill. In 1896, he bought a small house there on a street which has since been named after him. Together with Hölzel and Arthur Langhammer, he founded a group called "New Dachau".
In 1899, he accepted a teaching position at the Academy of Fine Arts, Karlsruhe, and remained there until 1919, spending his summers in Dachau. He also served on one of the committees that selected artists to provide designs for the Stollwerck chocolate company of Cologne. His first wife died in 1905. Four years later, he married the painter Johanna Malburg, who had recently been widowed. In 1936, he became an Honorary citizen of Dachau.
He died in 1940.

"Echando la red / Casting The Net"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 61 x 81 cm. Sotheby's


El 3 de Febrero es el cumple de

Jenaro Pérez de Villaamil y d'Huguet, pintor español de estilo romántico nacido en 1807 en Ferrol, Galicia, que se especializó en paisajes con figuras y escenas arquitectónicas. A menudo aumentaba la escala de los edificios en relación con las figuras para hacerlos más impresionantes.
En 1812 se matriculó en la Academia Militar en Santiago de Compostela, donde ayudó a su padre, que era profesor allí. Fue a Madrid en 1820 para estudiar en los "Reales Estudios de San Isidro" (ahora parte del Colegio Imperial de Madrid). Tres años después marchó a Cádiz para alistarse en el ejército combatiendo a los "Cien mil hijos de San Luis" enviados por el duque de Angoulême. Fue herido y brevemente detenido como prisionero de guerra. Luego se quedó allí para estudiar en la "Escuela de Bellas Artes".

"Vista general de Toledo desde la Cruz de los Canónigos /
General view of Toledo from Cruz de los Canónigos"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90 x 110 cm., 1836. Wikimedia Commons
Bilboko Arte Ederren Museoa / Museo de Bellas Artes de Bilbao

En 1830 se fue a San Juan, Puerto Rico con su hermano Juan, quien también era pintor. Allí decoraron el Teatro Tapia y permanecieron unos años, trabajando como escenógrafos. A su regreso a España en 1833 conoció al pintor escocés David Roberts, quien tuvo una influencia decisiva en su estilo. Se instaló en Madrid en 1834 y se convirtió en miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando al año siguiente. En 1840 fue nombrado pintor honorario de la corte de la reina Isabel II. Durante el régimen de Baldomero Espartero, de 1840 a 1844, dejó a su esposa y a su pequeño hijo y vivió en exilio autoimpuesto en Francia y Bélgica, utilizando asuntos artísticos como excusa para su ausencia. Después de viajar por Europa, regresó en 1845 y obtuvo la cátedra de pintura de paisajes en la Academia, de la que más tarde se convirtió en Director.
Regresó a Galicia para una estadía prolongada en 1849 e hizo extensos viajes por toda España hasta 1852, cuando comenzó a padecer una enfermedad hepática. Murió en Madrid dos años después, con sólo 47 años.

"Interior de San Miguel en la ciudad de Jerez, Andalucía /
Interior of San Miguel in the City of Jerez, Andalusia"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 72 x 97 cm., 1830-1835
Museo Hermitage (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia)

On February 3 is the birthday of

Jenaro Pérez de Villaamil y d'Huguet, Spanish painter in the Romantic style born in 1807 in Ferrol, Galicia, who specialized in landscapes with figures and architectural scenes. He often inflated the scale of the buildings relative to the figures to make them more impressive.
In 1812, he was enrolled at the Military Academy in Santiago de Compostela, where he assisted his father who was a Professor there. He went to Madrid in 1820 to study at the "Reales Estudios de San Isidro" (now part of the Colegio Imperial de Madrid). Three years later, he went to Cádiz to enlist in the army fighting the "Hundred Thousand Sons of Saint Louis" sent by the Duke of Angoulême. He was wounded and briefly held as a prisoner of war. Afterwards, he remained there to study at the "Escuela de Bellas Artes".

"Altar llamado 'El Transparente' en la Catedral de Toledo /
Altar called 'El Transparente' (transparent) in the Cathedral of Toledo"
Obra realizada entre 1729 y 1932 por el escultor barroco Narciso Tomé /
Work done between 1729 and 1732 by the Baroque sculptor Narciso Tomé
en "España Artística y Monumental" / in "Monumental and Artistic Spain"
Litografía / lithography. Fine Art America

In 1830, he went to San Juan, Puerto Rico with his brother Juan, who was also a painter, where they decorated the Teatro Tapia and remained there for a few more years, working as scenographers. Upon his return to Spain in 1833, he made the acquaintance of the Scottish painter David Roberts, who had a decisive influence on his style. He settled in Madrid in 1834 and became a member of the Real Academia de Bellas Artes de San Fernando the following year. In 1840, he was named Honorary Court Painter to Queen Isabella II. During the regime of Baldomero Espartero, from 1840 to 1844, he left his wife and young child and lived in self-imposed exile in France and Belgium, using artistic affairs as an excuse for his absence. After travelling through Europe, he returned in 1845 and obtained the chair of landscape painting at the Academia, where he later became the Director.
He returned to Galicia for an extended stay in 1849 and made extensive travels throughout Spain until 1852, when he began to suffer from liver disease. He died in Madrid two years later, aged only forty-seven.

"La capilla de los Benavente en Medina de Rioseco / The Chapel of the Benavente, in Medina de Rioseco"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 96 x 112 cm., 1842.
Museo Carmen Thyssen (Málaga, España / Spain)


Hoy, 4 de Febrero, es el cumple de

Shinsui Itō (伊東深水), era el seudónimo de un pintor de Nihonga y artista de grabado en madera de ukiyo-e en el período de Taishō y Shōwa en Japón.
Nació en 1898 en el distrito Fukagawa de Tokio. Su verdadero nombre era Itō Hajime (伊東一).
Fue uno de los grandes nombres del movimiento artístico shin-hanga, que revitalizó el arte tradicional después de que comenzara a declinar con el advenimiento de la fotografía a principios del siglo XX.
En 1911 Itō fue aceptado como aprendiz bajo Kaburagi Kiyokata, (quien le dio el seudónimo de "Shinsui") y produjo su primer grabado en madera al año siguiente. Su talento pronto se hizo evidente, y desde el año siguiente sus pinturas se aparecieron en exhibiciones públicas.
En 1912 sus obras fueron mostradas por primera vez por la Tatsumi gakai ("Sociedad de pintura del sudeste") y obras posteriores fueron exhibidas por Kyodokai ("Sociedad de la Patris"), Nihon bijutsuin (Instituto artístico del Japón) y en el programa patrocinado por el gobierno Bunten. Sus obras fueron recibidas con muchos elogios por parte de los críticos de arte, y pronto se labró una reputación. Sus primeras obras ganaron numerosos premios, y aceptó un puesto en el Tokyo Nichi Nichi Shimbun para proporcionar ilustraciones para periódicos.

"Retrato busto de una mujer bajo la lluvia / Bust Portrait of Woman in Rain"
Impresión xilográfica en color sobre papel / color woodblock print on paper, 36.8 x 48.7 cm., 1927
Brooklyn Museum (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Itō estableció su propio estudio independiente en 1927. Aunque muchas de sus primeras obras fueron reflejos directos del ukiyo-e tradicional, tanto en el tema como en el estilo, su técnica fue revolucionaria.
Durante la Guerra del Pacífico fue redactado por el gobierno japonés para producir arte propagandístico. Fue enviado al Pacífico Sur y las Indias Orientales Neerlandesas ocupadas por Japón, y completó más de 3000 bocetos durante sus viajes a varias islas bajo el dominio japonés. Al final de la guerra se trasladó de las ruinas de Tokio a Komoro, en las montañas de la prefectura de Nagano. Se mudó de allí a Kamakura, Kanagawa, en 1949.
En el período de posguerra llegó a ser considerado como una de las personalidades más conocidas y respetadas en la sociedad japonesa, y recibió varios honores importantes durante su vida.
Murió en 1972.

"Mushikago"
Impresión xilográfica en color sobre papel / color woodblock print on paper, 41,4 x 25,9 cm., 1931.

"La fragancia de un baño / The Fagrance of a Bath"
Impresión xilográfica en color sobre papel / color woodblock print on paper, 40,8 x 25,7 cm., 1930

Today, February 4, is the birthday of

Shinsui Itō (伊東 深水), was the pseudonym of a Nihonga painter and ukiyo-e woodblock print artist in Taishō- and Shōwa-period Japan. 
He was born in 1898 in the Fukagawa district of Tokyo. His real name was Itō Hajime (Japanese: 伊東 一).
He was one of the great names of the shin-hanga art movement, which revitalized the traditional art after it began to decline with the advent of photography in the early 20th century. 
In 1911, Itō was accepted as an apprentice under Kaburagi Kiyokata, (who gave him the pseudonym of "Shinsui") and issued his first woodblock print the following year. His talent was soon apparent, and from the following year, his paintings were entered in public exhibitions.
In 1912, his works were first shown by the Tatsumi gakai ("Southeast Painting Society") and later works were displayed by the Kyodokai ("Homeland Society"), the Nihon bijutsuin (Japan Art Institute), and in the government sponsored Bunten show. His works were received with much praise by art critics, and his reputation was soon made. His early works won numerous awards, and he accepted a post at the Tokyo Nichi Nichi Shimbun to supply illustrations for newspapers.

"愛犬 / Perro mascota / Pet Dog"
Shufu No Tomo (Amigo de las amas de casa / Housewives' Friend) Vol. 18 Nº 1
Impreso a máquina / machine printing, 49 x 38 cm., 1934- Ohmi Gallery

Itō established his own independent studio in 1927. Although many of his early works were direct reflections of traditional ukiyo-e both in subject matter and in style, his technique was revolutionary.
During the Pacific War, Itō was drafted by the Japanese government into producing propaganda art. He was sent to the South Pacific and Japanese-occupied Netherlands East Indies, and completed over 3000 sketches during his travels to various islands under Japanese rule. At the end of the war, he relocated from the ruins of Tokyo to Komoro in the mountains of Nagano Prefecture. He relocated from there to Kamakura, Kanagawa, in 1949.
In the post-war period Itō came to be regarded as one of the best known and respected personalities in Japanese society, and received several important honors during his lifetime.
He died in 1972.

"Maquillándose / Applying Makeup (Kesho)"
Impresión a color / color print, 43,5  x 26,7 cm., 1922. 1stdibs

Los leones en la escultura / Lions in Sculpture (I)

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En esta serie echaremos un vistazo a la imagen del león en la escultura, a través de las innumerables piezas que pueden encontrarse en museos y espacios públicos por todo el mundo. Tanto en su forma occidental, como los orientales, o shishi (獅子), los leones han sido ampliamente utilizados para proveer una sensación de majestad y asombro, especialmente en edificios públicos. En muchas ciudades antiguas abundaban las esculturas de leones para mostrar su poderío, y su utilización se remonta a los orígenes de la civilización.
En las culturas de Oriente medio, tanto árabe como persa, el león es visto como un símbolo de coraje, valentía y realeza. La representación de los leones en Oriente Medio deriva de las formas artísticas tempranas mesopotámicas de Babilonia y Persia. 
El simbolismo del león y su representación cultural puede encontrarse en el arte hindú y budista de la India y el Sudeste Asiático. El simbolismo del león en la India está basado en los leones asiáticos, que otrora poblaban el subcontinente Indio, llegando hasta Oriente Medio.
Los leones nunca fueron animales nativos del sudeste de Asia en la historia registrada. Como resultado, la representación del león en el antiguo arte del sudeste asiático, especialmente en la antigua Java y Camboya, está lejos del estilo naturalista representado en las contrapartes griegas o persas, ya que el artista que tallaba esculturas de leones nunca visto uno antes, y todos se basaban en la percepción y la imaginación. Las representaciones culturales y la reverencia del león como la bestia noble y poderosa en el sudeste de Asia fueron influenciadas por la cultura india, especialmente a través del simbolismo budista.
El motivo común del león "majestuoso y poderoso" fue introducido en China por los misioneros budistas de la India, en algún momento del siglo I d. C. Los leones, sin embargo, no son originarios de China, pero aparecen en el arte de China y los chinos creen que protegen a los humanos de los espíritus malignos, de ahí la danza del león del Año Nuevo chino para ahuyentar a los demonios y fantasmas. Los leones guardianes chinos se utilizan con frecuencia en la escultura en la arquitectura tradicional china. Por ejemplo, en la Ciudad Prohibida de Pekín, se ven dos estatuas de leones en casi todas las puertas de entrada.
En los posts de esta serie publicaré muchas de mis propias fotografías, y, como siempre, información sobre los artistas.

In this series we'll take a look at the image of the lion in sculpture, through the innumerable pieces that can be found in museums and public spaces around the world. Both in its western form, as the oriental ones, or shishi (獅子), lions have been widely used in sculpture to provide a sense of majesty and awe, especially on public buildings. In many ancient cities would have an abundance of lion sculptures to show strength. This usage dates back to the origin of civilization.
In Middle Eastern culture, both Arab and Persian, the lion is regarded as the symbol of courage, bravery and royalty. The Middle Eastern depiction of lions are derived from earlier Mesopotamian Babylonian and Persian arts.
The lion symbolism and its cultural depictions can be found in Hindu and Buddhist art of India and Southeast Asia. The lion symbolism in India was based upon Asiatic lions that once spread in Indian subcontinent as far as the Middle East.
Lions were never native animals of Southeast Asia in recorded history. As the result, the depiction of lion in ancient Southeast Asian art, especially in ancient Java and Cambodia, is far from naturalistic style as depicted in Greek or Persian art counterparts, since the artist who carved the lion sculpture never saw the lion before, and all were based on perception and imagination. The cultural depictions and the reverence of lion as the noble and powerful beast in Southeast Asia was influenced by Indian culture especially through Buddhist symbolism.
The common motif of the "majestic and powerful" lion was introduced to China by Buddhist missionaries from India, somewhere in the first century AD.[31] Lions themselves, however, are not native to China, yet appear in the art of China and the Chinese people believe that lions protect humans from evil spirits, hence the Chinese New Year lion dance to scare away demons and ghosts. Chinese guardian lions are frequently used in sculpture in traditional Chinese architecture. For instance, in the Forbidden City in Beijing, two lion statues are seen in almost every door entrance.
In the posts of this series, I will publish many of my own photographs, and, as always, information about artists.
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Leones del Puente Serrador / Lions of the Serrador Bridge
Santa Cruz, Tenerife, Islas Canarias, España / Canary Islands, Spain

Entrada del puente con los dos leones / Entrance to the Bridge With the Two Lions
Foto / Photo: Mataparda, Wikimedia Commons

El puente General Serrador es uno de los puentes que cruzan el barranco de Santos en la ciudad de Santa Cruz de Tenerife (Canarias, España).
Construido por el arquitecto José Blasco Robles por encargo del Mando Económico de Canarias, en la época en la que el capitán general de Canarias era Ricardo Serrador Santés, aunque su conclusión en 1943 fue con el general Francisco García Escámez al frente del cargo.​ Ricardo Serrador murió en 1942 y el Ayuntamiento santacrucero acordó que el puente que se fabricó para unir la calle del Norte con el Mercado de Nuestra Señora de África, llevara su nombre.​ En ambas entradas del puente hay dos leones de bronce que representan las victorias del General. Wikipedia

León de la izquierda / Left side Lion. Foto / Photo: Javier Fuentes, 4/2004

The General Serrador Bridge is one of the bridges that cross the ravine of Santos in the city of Santa Cruz de Tenerife (Canary Islands, Spain).
Built by the architect José Blasco Robles on behalf of the Economic Command of the Canary Islands, at the time when the captain general of the Canary Islands was Ricardo Serrador Santés, although his conclusion in 1943 was with General Francisco García Escámez leading the position. Ricardo Serrador died in 1942 and the Santa Cruz City Council agreed that the bridge that was made to connect the North Street with the Market of Our Lady of Africa, will bear his name. In both entrances of the bridge there are two bronze lions representing the victories of the General. Wikipedia

León de la derecha / Right side Lion. Foto / Photo: Javier Fuentes, 4/2004


El monumento Liebenberg / The Liebenberg Monument
Viena / Vienna, Austria

Foto / Photo: Javier Fuentes, 8/2011

El Monumento Liebenberg, dedicado a Johann Andreas von Liebenberg que fue Alcalde de la ciudad de Viena entre 1680 y 1683, está situado en la Innere Stadt de Viena, Austria
Ya en 1679 había prestado grandes servicios en la lucha contra la peste en la ciudad. Su mayor logro fue en 1683 durante el Segundo Asedio de Viena, cuando supervisó las obras de defensa más necesitadas y organizó una milicia. Sus actividades contribuyeron decisivamente a promover la voluntad de mantener y recibir a los ciudadanos sitiados. Liebenberg no fue testigo del éxito de sus esfuerzos porque murió dos días antes de la batalla decisiva del ejército de apoyo contra los turcos. El monumento, por lo tanto, se refiere a él como vencedor de los turcos.
El monumento fue encargado el 17 de marzo de 1887. Fue diseñado por el arquitecto Franz Neumann, y la decoración escultórica fue creada por el escultor Johann Silbernagel. La inauguración tuvo lugar el 12 de septiembre de 1890. Durante la Segunda Guerra Mundial recibió disparos y sufrió daños. En diciembre de 1949 se completó la reparación y restauración del monumento. Waymarking (English)

Vista del monumento / View of the Monument. Foto / PhotoBliżej i Dalej...

Johann Jakob Silbernagl (Silbernagel) fue un escultor nacido en 1936 en Bolzano, Tirol del Sur, Italia.
Estudió en la Academia de Bellas Artes (con Franz Melnitzky y Franz Bauer), realizó viajes de estudio a Italia en 1861 y 1867/1868 y trabajó hasta 1890 en Viena. Sus diseños para el monumento de Maria Theresien en Viena (con Wagner y Costenoble, fuera de concurso) y para el monumento de Walther-von-der Vogelweide en Bolzano no llegaron a concretarse. Para Viena, Silbernagl creó el monumento de Liebenberg y el Raffaeldenkmal, construyendo esculturas para varios edificios de la carretera de circunvalación, en particular el Museo de Historia Natural [estatuas bajo la cúpula: Hefesto, Poseidon, Urania, Gaia], Universidad [Urania, Gaia, Neptuno, Prometeo], Nuevo Castillo [Escudo del emperador en el portal principal, defensor nacional tirolés 1809], ayuntamiento [alegorías de los suburbios Schottenfeld y Spittelberg], Burgtheater [estatuas Sonnenfels y Schreyvogel en el vestíbulo], Ópera [bustos de mármol de Meyerbeer y Boieldieu en el vestíbulo], estatuas de santos para la bóveda oriental de crucería (fila inferior) de la Iglesia Votiva y estatuas de mármol (Leopold von Daun, Otto Ferdinand Conde Abensberg-Traun) para el Museo de Historia Militar. Miembro del Künstlerhaus 1866-1891.
Murió en 1915. OBL

The Liebenberg Monument, named after Johann Andreas von Liebenberg who was Mayor of Vienna from 1680 to 1683, is located in the Innere Stadt of Vienna, Austria.
Already in 1679 he had rendered great services in the fight against the plague in the city. His greatest achievement was in 1683 during the Second Siege of Vienna, when he oversaw the defense works in greatest need and organized a militia. His activities contributed decisively to promote the will to hold and receive the besieged citizens. Liebenberg did not witness the success of his efforts because he died two days before the decisive battle of the relief army against the Turks. The monument, therefore, refers to him as victor over the Turks.
The monument was commissioned on 17 March 1887. It was designed by the architect Franz Neumann, the sculptural decoration was created by the sculptor Johann Silbernagel. The unveiling of the monument took place on September 12, 1890. During the Second World War, the monument was shot at and damaged. In December 1949, the repair of the damage and the restoration of the monument was completed. Waymarking

Detalle / detail. Foto / Photo: Javier Fuentes, 8/2011

Johann Jakob Silbernagl (Silbernagel) was an sculptor born 1936 in Bolzano, South Tyrol, Italy.
He studied at the Academy of Fine Arts (with Franz Melnitzky and Franz Bauer), undertook study trips to Italy in 1861 and 1867/1868 and worked until 1890 in Vienna. His designs for the Maria Theresien monument in Vienna (with Wagner and Costenoble, out of competition) and for the Walther-von-der Vogelweide monument in Bolzano did not come to fruition. For Vienna Silbernagl created the Liebenberg monument and the Raffaeldenkmal, building sculptures for various ring road buildings, in particular Natural History Museum [statues under the dome: Hephaistos, Poseidon, Urania, Gaia], University [Urania, Gaia, Neptune, Prometheus], ​​New Castle [Emperor coat of arms on main portal , Tyrolean national defender 1809], town hall [allegories of the suburbs Schottenfeld and Spittelberg], Burgtheater [Sonnenfels and Schreyvogel statues in the foyer], Opera [marble busts of Meyerbeer and Boieldieu in the foyer], statues of saints for the eastern rib vault (lower row) of the Votive Church and marble statues (Leopold von Daun, Otto Ferdinand Count Abensberg-Traun) for the Museum of Military History. Member of the Künstlerhaus 1866-1891.
He died in 1915. OBL


Los leones de la Bolsa / Stock Exchange Lions
Bruselas, Bélgica / Brussels, Belgium

Fachada de la Bolsa con los dos leones / Facade of the Stock Exchange With the Two Lions. Foto / Photo: Pinterest

La Bolsa de Bruselas (en francés: Bourse de Bruxelles, neerlandés: Beurs van Brussel), abreviado como BSE, se fundó en Bruselas, Bélgica, por decreto de Napoleón en 1801. El 22 de septiembre de 2000, la BSE se fusionó con la Bolsa de París, la Bolsa de Lisboa, y las bolsas de valores de Amsterdam, para formar Euronext NV, la primera bolsa paneuropea de acciones y derivados, con operaciones comunes y compensación de todos los productos, y pasó a llamarse Euronext Bruselas. Wikipedia

León de la derecha / Lion on the Right. Foto / Photo: Javier Fuentes, 10/2013

El Palacio de la Bolsa, obra del arquitecto Pierre-Léon Suys, también atrae todas las miradas por los dos leones monumentales entronizados a ambos lados de la entrada a la galería de pilares, como si fueran los responsables de proteger la majestuosa escalera. Estos leones representan a la Nación, uno con la cabeza levantada y el otro con el lomo curvado. Con un poco de imaginación, podemos ver la versión belga de los famosos osos y toros, el primero que simboliza el "ascenso" y el segundo el "declive" de los mercados. Bourse

León de la izquierda / Lion on the Left. Foto / Photo: Pinterest

The Brussels Stock Exchange (French: Bourse de Bruxelles, Dutch: Beurs van Brussel), abbreviated to BSE, was founded in Brussels, Belgium, by decree of Napoleon in 1801. On 22 September 2000, the BSE merged with Paris Bourse, Lisbon Stock Exchange and the stock exchanges of Amsterdam, to form Euronext N.V., the first pan-European exchange for equities and derivatives, with common trading and clearing of all products, and was renamed Euronext Brussels. Wikipedia

León de la izquierda (detalle) / Lion on the Left (detail). Foto / Photo: Javier Fuentes, 10/2013 

The Palace of the Stock Exchange, designed by the architect Pierre-Léon Suys, also attracts all eyes by the two monumental lions enthroned on both sides of the entrance to the gallery of pillars, as if they were responsible for guard the majestic staircase. These lions represent the Nation - one with the head raised, the other with the back curved. With a little imagination, we can see the Belgian version of the famous bears & bulls, the first symbolizing the "rise" and the second the "decline" of the markets. Bourse



Los Leones del Congreso / Lions of Congress
Palacio de las Cortes
Congreso de los Diputados / Congress of Deputies
Madrid, España / Spain

Fachada del / Facade of Palacio de las Cortes. Foto / Photo: Madrid

Ya había publicado un par de fotos de los leones del Congreso en el post que incluía el aniversario de su creador. Aquí les dejo otras fotografías de esos magníficos bronces.
Ponciano Ponzano los esculpió con el bronce fundido de los cañones tomados al enemigo tras la victoria en la Batalla de Wad-Ras en 1860, durante la Guerra de África.
Más imágenes e información en el citado post.

León de la izquierda / Lion on the Left. Foto / Photo: Esther Frías, 5/2009

León de la izquierda (detalle) / Lion on the Left (detail). Foto / Photo: Javier Fuentes, 5/2009

I already published a couple of photos of the lions of Congress in the post that included the anniversary of its creator. Here you have other photographs of those magnificent bronzes.
Ponciano Ponzano carved them with the molten bronze of the cannons taken from the enemy after the victory at the Battle of Wad-Ras in 1860 during the War of Africa.
More images and information in the aforementioned post.

León de la izquierda (detalle) / Lion on the Left (detail). Foto / Photo: Javier Fuentes, 5/2009

León de la derecha / Lion on the Right. Foto / Photo: Javier Fuentes, 5/2009

León de la derecha (detalle) / Lion on the Right (detail). Foto / Photo: Javier Fuentes, 8/2016

Ponciano Ponzano en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (CLX)]


El león de Lucerna / The Lion of Lucerne
Suiza / Switzerland

Foto / Photo: Javier Fuentes, 8/2013

Otro león de piedra que es para mí una de las más bellas esculturas con este animal como protagonista, tanto por su factura como por la emotividad que transmite. También he publicado un par de imágenes previamente, en el post con el aniversario de su creador, el escultor danés Albert Bertel Thorvaldsen.
El monumento conmemora el sacrificio de más de 600 Guardias Suizos que murieron defendiendo el Palacio de las Tullerias de París cuando se derrocó la monarquía francesa el 10 de Agosto de 1792, durante la Revolución Francesa.
La iniciativa de crear el monumento fue tomada por Karl Pfyffer von Altishofen, un oficial de la Guardia que estaba de permiso en Lucerna en el momento de la batalla. Comenzó a recoger dinero en 1818. El monumento fue diseñado por el escultor danés Bertel Thorvaldsen, y finalmente fue esculpido en 1820-1821 por Lukas Ahorn, en una antigua cantera de arenisca cerca de Lucerna. Tallado en la pared del acantilado, el monumento mide diez metros de largo y seis metros de alto.

Lukas Ahorn fue un escultor alemán de Constanza, nacido en 1789 y fallecido en 1856.

Foto / Photo: Javier Fuentes, 8/2013

El monumento está dedicado Helvetiorum Fidei ac Virtuti ("A la lealtad y la valentía de los suizos"). El león moribundo es retratado empalado por una lanza, cubriendo un escudo con la flor de lis de la monarquía francesa. A su lado hay otro escudo con el escudo de armas de Suiza. La inscripción debajo de la escultura enumera los nombres de los oficiales y cita el número aproximado de soldados que murieron (DCCLX = 760), y los que sobrevivieron (CCCL = 350).
El monumento es descrito por Thomas Carlyle en "La Revolución Francesa: Una historia / The French Revolution: A History". La pose del león fue copiada en 1894 por Thomas M. Brady (1849-1907) para su León de Atlanta en el cementerio de Oakland en Atlanta, Georgia. Wikipedia

Foto / Photo: Javier Fuentes, 8/2013


Another stone lion that is for me one of the most beautiful sculptures with this animal as a protagonist, both for its execution and for the emotion it transmits. I have also published a couple of images previously, in the post with the anniversary of its creator, the Danish sculptor Albert Bertel Thorvaldsen.
This monument commemorates the sacrifice of more than six hundred Swiss Guards ("Gardes suisse") who died defending the Tuileries Palace in Paris at the time of the overthrow of the French Monarchy on 10 August 1792 during the French Revolution.
The initiative to create the monument was taken by Karl Pfyffer von Altishofen, an officer of the Guards who had been on leave in Lucerne at that time of the fight. He began collecting money in 1818. The monument was designed by Danish sculptor Bertel Thorvaldsen, and finally hewn in 1820–21 by Lukas Ahorn, in a former sandstone quarry near Lucerne. Carved into the cliff face, the monument measures ten meters in length and six meters in height.

Lukas Ahorn was a German sculptor from Constanza, born in 1789, died in 1856.

Foto / Photo: Javier Fuentes, 8/2013

The monument is dedicated Helvetiorum Fidei ac Virtuti ("To the loyalty and bravery of the Swiss"). The dying lion is portrayed impaled by a spear, covering a shield bearing the fleur-de-lis of the French monarchy; beside him is another shield bearing the coat of arms of Switzerland. The inscription below the sculpture lists the names of the officers and gives the approximate numbers of soldiers who died (DCCLX = 760), and survived (CCCL = 350).
The monument is described by Thomas Carlyle in The French Revolution: A History.[6] The pose of the lion was copied in 1894 by Thomas M. Brady (1849–1907) for his Lion of Atlanta in the Oakland Cemetery in Atlanta, Georgia. Wikipedia

Albert Bertel Thorvaldsen en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (XLIV)]
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El león de Atlanta / The Lion of Atlanta
Cementerio de Oakland, Georgia, EE.UU./ Oakland Cemetery, Georgia, USA

El león de Atlanta, mármol de Georgia / The Lion of Atlanta Georgia marble
Foto / Photo: J. Glover (AUTiger). Wikimedia Commons

En julio de 1864, el general confederado John Bell Hood se paró en una colina y observó la batalla de Atlanta a solo unos kilómetros de distancia. Es lógico que haya una gran área de tumbas sin nombre como consecuencia de esta batalla. Se dice que unos tres mil soldados están enterrados en varias fosas comunes aquí. Su único monumento es el hermoso mármol "León de Atlanta". Este monumento representa a los soldados confederados que murieron defendiendo sus creencias. El león orgulloso, herido de muerte, está echado, representando la derrota en la batalla. En su garra aferra una bandera de batalla caída, y parece estar tirando de su amada bandera hacia él. Gravely Speaking

El creador de la escultura, Thomas M. Brady, fue un artista estadounidense, Alcalde de Canton, Georgia, nacido en 1849 en Boston, condado de Suffolk, Massachusetts. Fue concejal en Canton, Georgia, antes de convertirse en alcalde de la ciudad a principios de 1900. Murió tras sufrir un derrame cerebral en 1907. Find a Grave

Foto / PhotoGravely Speaking

In July of 1864, Confederate General John Bell Hood stood on a hill and watched the Battle of Atlanta just a couple of miles away.  So it is only fitting that there be a large area of unmarked graves from this battle.  It is said that some three thousand soldiers are buried in several mass graves here.  Their only monument is the beautiful marble “Lion of Atlanta”. This monument represents the Confederate soldiers who died defending their beliefs.   The proud, mortally wounded lion is lying down, signifying defeat in battle.  In his paw, he clutches a fallen battle flag, and he seems to be pulling his beloved banner toward him. Gravely Speaking

The creator of the sculpture, Thomas M. Brady, was an American artist, Mayor of Canton, Georgia, born in 1849 in Boston, Suffolk County, Massachusetts. He was a Councilman in Canton, Georgia before becoming that city's Mayor in the early 1900s. He died after suffering a stroke in 1907. Find a Grave

Rinocerontes (LXXXVII) - Gillie & Marc

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Si bien Gillie y Marc son conocidos por sus figuras humanas con cabezas de animales, más concretamente su hombre con cabeza de perro y su mujer con cabeza de conejo, últimamente se han centrado mucho en lo que nos interesa, los rinocerontes. No falta su humano con cabeza de rino, pero sobre todo han desarrollado una serie de proyectos a gran escala, como su rinoceronte enterrado, y la pila de tres rinocerontes que está previsto se instale próximamente en Nueva York. Con su obra esta pareja artística busca concienciar al espectador sobre la muchas veces dramática situación de las diferentes especies al borde de la extinción.

Although Gillie and Marc are known for their human figures with animal heads, more specifically their dog-headed man and his rabbit-headed woman, lately they have focused a lot on what interests us, the rhinos. His rhino-headed human is not missing, but above all they have developed a series of large-scale projects, such as his buried rhinoceros, and the stack of three rhinoceroses that is planned to be installed soon in New York. With their work, this artistic couple seeks to make the viewer aware of the often dramatic situation of different species on the verge of extinction.
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Gillie and Marc Schattner


Gillie nació en Londres, Reino Unido en 1965 y Marc en Melbourne, Australia en 1961. Marc estudió diseño gráfico en Swinburne, Melbourne, mientras que Gillie no recibió instrucción artística formal.
Gillie y Marc se conocieron por primera vez en una película en el Regent Hotel en Hong Kong, en 1990, donde Gillie era modelo y Marc era el director creativo. Ambos estaban comprometidos con otras personas en ese momento. Gillie también era enfermera, artista e ilustradora instruida de Inglaterra. Marc Schattner era un artista de Melbourne que trabajaba en una agencia de publicidad. Siete días después, se casaron en Nepal.
La pareja regresó a Hong Kong por un corto tiempo antes de mudarse a Singapur. Actualmente viven en Sydney.

"Bebía sólo café negro largo, a veces hasta 5 al día / He drank only long blacks – sometimes up to 5 a day"
Bronce con pátina tostada / bronze with tan patina, 41 × 24 × 28 cm. Ed.10. Artsy

"Adoraba hacer equilibrios en dos patas / He loved balancing on two feet"
Bronce con pátina roja / bronce and red patina, 41 × 21 × 54 cm., 2017. Artsy
"Adoraba hacer equilibrios en dos patas / He loved balancing on two feet"
Bronce con pátina azul / bronze and blue patina

"Shandu (rinoceronte enterrado / Buried Rhino)"
Fibra de vidrio con pintura color bronce / fibreglass and steel with bronze paint
4 m. hasta la punta del cuerno, 7 m. de largo desde la parte superior de la cabeza hasta la parte inferior de la pata, y 5 m. de ancho
Cabeza: 200 kg. Patas: 120 kg.
4m to the top of the horn, 7m long from the top of the head to the bottom of the leg and 5m wide
Head: 200kg, Legs: 120kg
Tamarama Beach (Sydney, Australia). G&M

Tras de un año de preparación, cientos de patrocinadores y dos días enteros de instalación, la escultura de un rinoceronte más grande del mundo, "Shandu, el rinoceronte enterrado" se instaló en la famosa Playa Tamarama de Sydney como parte de la exposición "Escultura a la orilla del mar / Sculpture by the Sea" en 2016.
"Shandu significa cambio en Sudáfrica y este fue un rinoceronte que hizo honor a su nombre", dice Marc.
Shandu ahora se ha instalado en el Zoo Monarto, el zoológico abierto más grande del mundo. "Monarto es un lugar muy centrado en el rinoceronte", explica Gillie. "Incluso tienen un rinoceronte como logotipo, así que sabemos que será muy feliz allí junto a sus amigos chimpancés y wallabies".
No solo llegaron millones de visitantes a ver a Shandu, sino que también se subieron miles de fotos a las redes sociales.
Gillie y Marc donaron todo el dinero de su premio al Australian Rhino Project (ARP). El ARP tiene como objetivo trasladar a 80 rinocerontes blancos del sur en peligro de extinción a Australia en un esfuerzo por salvaguardar la especie. G&M



Partes de Shandu / Parts of Shandu

After one year of preparation, hundreds of sponsors, and two huge days of installation, the world’s largest rhino sculpture, Shandu, the Buried Rhino was placed on Sydney’s famous Tamarama Beach as part of the Sculpture by the Sea exhibition in 2016.
“Shandu means change in South Africa and this was one rhino who lived up to his name,” Marc says.
Shandu has now been installed into Monarto Zoo, the world’s largest open-range zoo. “Monarto is a very rhino-focused place,” Gillie explains. “They even have a rhino for a logo so we know he will be very happy there next to his chimp and wallaby friends.”
Not only did millions of visitors come to see Shandu but thousands of photos were uploaded to social media.
Gillie and Marc donated all their prize money to The Australian Rhino Project (ARP). The ARP aims to relocate 80 endangered Southern White Rhinoceros to Australia in an effort to safeguard the species. G&M


Instalación de la escultura de rinocerontes más grande del mundo /
Installation of the biggest rhino sculpture in the world, 2016


Molde de arcilla de la cabeza del "rinoceronte enterrado" / Clay mould of the 'Buried Rhino' head


Gillie y Marc son artistas contemporáneos aclamados por la crítica que han pasado las últimas tres décadas deslumbrando al mundo con sus increíbles e interactivas obras de arte. Durante su carrera artística, han colaborado para crear arte como si fueran un sólo individuo, incluso trabajando en el mismo lienzo.
Son expertos en el uso del bronce, y han trabajado con él durante décadas. Tienen docenas de esculturas de bronce populares y queridas instaladas permanentemente por toda Australia, que son tocadas, trepadas y fotografiadas constantemente. Muchas de sus esculturas más pequeñas son adaptaciones de estas grandes obras de arte públicas. También han agregado coloridas pátinas a ciertas esculturas de bronce.
Estas obras de arte públicas se pueden encontrar en todo el mundo, incluidas importantes ciudades como Shanghai, Nueva York y Sydney. Sus fotografías, grabados, pinturas y esculturas se encuentran en importantes colecciones de todo el mundo. Se los ha considerado los artistas más dinámicos e innovadores de su tiempo, que continúan cambiando la cara del arte público y privado en todo el mundo. Y lo más hermoso de todo es que invitan a todos a unirse a ellos en este extraordinario y revolucionario viaje hacia lo desconocido.

"Era un rinoceronte con muchos talentos y amaba las peras /
He was a rhino of many talents and loved pears", bronce y pátina verde / bronze and green patina

Izq./ Left: "Era un rinoceronte con muchos talentos y amaba las manzanas /
He was a rhino of many talents and loved apples"
Bronce y pátina roja / bronze and red patina, 59 × 22 × 35 cm., 2017. Artsy
Der./ Right: "Era un rinoceronte con muchos talentos y amaba las peras /
He was a rhino of many talents and loved pears", bronce y pátina verde / bronze and green patina
Bronce y pátina verde / bronze and green patina, 60 × 22 × 35 cm., 2017. Artsy

«Una cosa que siempre hacemos cuando nos falta un poco de inspiración o motivación es leer sobre todas las cuestiones artísticas. Hay un autor en el que siempre confiamos para ofrecer una nueva perspectiva y una motivación seria para ponernos en movimiento: Austin Kleon.
También nos apasiona la conservación de los animales, que es un tema recurrente en nuestro trabajo. Cuando nos detenemos a considerar la asombrosa cantidad de magníficas criaturas al borde de la extinción, esto se convierte en un fuerte impulso para que crear un arte que despierte las conciencias para salvar a estos animales.»

"Sudan en flor / Sudan in Bloom"
Acrílico y esmalte sobre lienzo / acrylic and enamel on canvas, 120 × 90 cm., 2017. Artsy

Este es Sudán, el último Rinoceronte Blanco del Norte /
This is Sudan - the very last male Northern White Rhino

Gillie was born in London, UK in 1965 and Marc in Melbourne, Australia in 1961. Marc studied graphic design at Swinburne, Melbourne, while Gillie received no formal art training.
Gillie and Marc first met on a film shoot in the Regent Hotel in Hong Kong, 1990, where Gillie was a model and Marc was the creative director. They were both engaged to other people at the time. Gillie also was a trained nurse, artist and illustrator from England. Marc Schattner was an artist from Melbourne working in an advertising agency. Seven days later, they were married in Nepal.
The couple returned to Hong Kong for a short time before moving to Singapore to start their family. They now live in Sydney.

Izq./ Left: "Amaba a todas las criaturas, grandes y pequeñas / He loved all creatures great and small"
Acrílico y esmalte sobre tabla / acrylic and enamel on wood, 120 × 120 cm., 2017. Artsy
Der./ Right: "Es una vida colorida / It's a colour life"
Técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, 120 × 80 cm., c.2017. Artsy

"Los tres últimos se yerguen altos y orgullosos / The Last Three Stood Proud and Tall"
Bronce con pátina de bronce / bronze with bronze patina, 180 × 150 cm., 2018. Artsy

"Los tres últimos de la Tierra / The Last Three on Earth", obra en proceso / work in progress

Gillie and Marc are critically-acclaimed contemporary artists who have spent the last three decades dazzling the world with their incredible, rule-bending, interactive artworks. During their art-career they have collaborated to create art as one, even working on the same canvas.
They are seasoned experts at using bronze, having worked with it for decades. The artists have dozens of popular and beloved bronze sculptures permanently installed all over Australia that are constantly touched, climbed on and photographed. Many of their smaller sculptures are adaptations of these large public artworks. The artists have also added colourful patinas to certain bronze sculptures.
Artists’ coveted public artworks can be found all over the world including major cities such as Shanghai, New York and Sydney. Their photographs, prints, paintings and sculptures are held in major collections all over the world. They’ve been called the most dynamic and innovative artists of their time who continue to change the face of both private and public art around the world. And most beautiful of all is that they welcome everyone to join them on this remarkable and groundbreaking journey into the unknown.

"Los tres últimos de la Tierra / The Last Three on Earth"
Acrílico y esmalte sobre lienzo / acrylic and enamel on canvas, 150 x 150 cm., 2017. Artsy

"Los tres maravillosos últimos de la Tierra / The Last Wonderful Three"
Bronce con pátina de bronce / bronze with bronze patina, altura / height: 60 cm., 2018. Artsy
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Cómo se hace la escultura de rinocerontes más grande del mundo
Instalación prevista en la ciudad de Nueva York en Marzo de 2018
The Making of the biggest rhino sculpture in the world
Planned installation in New York City in March 2018.


Izq./ Left: "Desde aquí arriba podría ver el mundo / From up here he could see the world"
Bronce con pátina coloreada / bronze with coloured patina, 55 × 24 × 55 cm., 2017. Artsy
Der./ Right: Bronce con pátina coloreada / bronze with coloured patina, 10 m.
Escultura pública, propuesta para Federation Square, Enero de 2018 /
public sculpture, proposal to federation square for Jan 2018. G&M

Gillie & Marc on los últimos tres rinocerontes blancos del norte de la Tierra /
with the last 3 white northern white Rhinos on Earth

"Fueron en una misión para hacer del mundo un lugar más amable /
They were on a mission to make the world a kinder place"
Acrílico y esmalte sobre lienzo / acrylic and enamel on canvas, 120 × 120 cm., 2017. Artsy

"Hombre perro rinoceronte / Rhino Dogman"
bronce / bronze, 300 cm. Taylor Square (Sydney, Australia). G&M

"Corre por tu vida / Run for your life", bronce / bronze, 2014
Rinoceronte / Rhino 1: 238 x 343 x 110 cm. / Base: 8 x 283 x 100 cm. / 1000 kg
Rinoceronte / Rhino 2: 130 x 295 x 84 cm. / Base: 8 x 250 x 84 cm. / 600 kg
Rinoceronte / Rhino 3: 130 x 285 x W:81 cm. / Base: 8 x 200 x 80 cm. / 600 kg
Federation Square & Latrobe University (Melbourne, Australia). G&M

En 2014, Gillie y Marc fueron invitados por Federation Square en Melbourne para crear una obra de arte para su programa creativo. Los artistas decidieron usarlo como plataforma para dar voz a los que no la tienen. Setecientos rinocerontes negros fueron sacrificados en 2013, marcándolo como el año más sangriento para la caza furtiva. El rinoceronte negro está en peligro crítico y podría extinguirse en menos de dos años.
Gillie y Marc crearon una instalación notable de alta tecnología que trajo la llamada de lo salvaje a la ciudad. Presentaba tres magníficas esculturas de rinocerontes de tamaño natural que invitaban al público a ser parte de su carrera por la libertad.
Cuando alguien subía a los rinocerontes, se activaba una grabación de cazadores furtivos disparando armas, seguido de una estampida de rinocerontes. Millones de personas pasaron por Federation Square, y estaban ansiosos por trepar a un rinoceronte para crear conciencia sobre esta especie en peligro de extinción. El evento también se viralizó rápidamente en Instagram.
"Nuestra esperanza era que todos los que vieran "Corre por tu vida" puedan sentir una conexión con los rinocerontes y con su futuro", dice Marc. G&M

"Corre por tu vida / Run for your life". Wonderment Walk

In 2014 Gillie and Marc were invited by Federation Square in Melbourne to create an artwork for their Creative Program. The artists decided to use it as a platform to give a voice to the voiceless. Seven hundred black rhinos were slaughtered in 2013, marking it as the bloodiest year for poaching. The black rhino is critically endangered and could be extinct in less than two years.
Gillie and Marc created a remarkably high-tech installation that brought the call of the wild to the city. It featured three magnificent life-sized rhino sculptures that invited the public to be part of their run for freedom.
When someone climbed on the rhinos it would set off a recording of poachers shooting guns, followed by a rhino stampede. Millions of people passed through Federation Square and were only too eager to climb up on a rhino to create awareness about this endangered species. The event quickly went viral on Instagram too.
“Our hope was that everyone who sees Run for your Life can feel a connection to the rhinos and to their future,” Marc says. G&M


"El vuelo del rinoceronte por la libertad / The Rhino’s flight for freedom"
Bronce con pátina dorada / bronze with gold patina, 61 × 64 × 32 cm., 2017. Artsy

«One thing we always do when we’re lacking a little inspiration or motivation is to read about all things art. There’s one author we always rely on to offer a fresh perspective and some serious motivation to get moving – Austin Kleon
We’re also passionate about animal conservation which is a recurring theme in our work. When we stop to consider the staggering amounts of magnificent creatures on the brink of extinction, this becomes a strong driver for us to create art that raises awareness to save these animals.»

"Rinoceronte volador / Flying Rhino", bronce / bronze, 150 × 60 cm., 2017. Day

"Esculturas de rinocerontes negros en el Zoo Taronga / Black Rhino' sculptures into Taronga Zoo", 2012
Bronce / bronze, Dubbo, Nueva Gales del Sur / New South Wales, Australia

Fuentes / Sources:
* Website
* Entrevista / Interview. Who'd Have Thought, 4/2016

Más sobre / More about Gillie & Marc: Website, facebook, InstagramArtsy

Imágenes publicadas con autorización de los artistas (¡Muchas gracias, Gillie y Marc!)
Images published here with artists' permission (Thanks a lot, Gillie and Marc!)


Gillie and Marc. Entrevista / Interview



Yuri Shwedoff [Pintura Digital]

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Yuri Shwedoff es un artista cuyas pinturas digitales dibujan un entorno desolado y post-apocalíptico, en el que los personajes, casi siempre centrados en el cuadro, están rodeados de paisajes asolados, restos de construcciones, gigantescas esculturas semienterradas o bestias a escala colosal. Las referencias al espacio, en forma de naves o fenómenos atmosféricos, son constantes y variadas, así como la anacrónica presencia de espadas y caballeros, u objetos que estallan en pedazos sometidos a fuerzas difíciles de explicar. Yuri compone una estética a la vez oscura y poética, arraigada en sus vivencias que remiten a los paisajes de su Kirguistán natal, y a la descomposición y abandono de la masiva arquitectura soviética.

Yuri Shwedoff is an artist whose digital paintings depict a desolate and post-apocalyptic environment, in which the characters, almost always centered in the painting, are surrounded by desolate landscapes, remains of constructions, gigantic half-buried sculptures or beasts on a colossal scale. The references to space, in the form of ships or atmospheric phenomena, are constant and varied, as well as the anachronistic presence of swords and knights, or objects that explode into pieces subjected to forces that are difficult to explain. Yuri composes an aesthetic that is at once obscure and poetic, rooted in his experiences that refer to the landscapes of his native Kyrgyzstan, and the decomposition and abandonment of the massive Soviet architecture.
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Yuri Shwedoff

Yuri en su estudio / at his Studio

Yuri Shwedoff es un artisa nacido en 1991 que vivió en Kirguistán hasta los nueve años, cuando su familia decidió que era hora de mudarse a Rusia para que Yuri recibiera una buena educación artística. En 2008 se graduó en pintura por el Departamento de la Academia de Moscú Art Lyceum, de la Academia Rusa de las Artes. En ese momento fue nominado para la Medalla de la Academia Rusa de Bellas Artes, por una serie de obras titulada "Suzdal". Shwedoff se graduó en la Universidad Académica de las Artes del Estado de Moscú en Surikov, y actualmente es miembro de la Unión de Artistas de Moscú.

"Guardianes, versión remasterizada / Guardians, Remastered Version". 2016

"Cuernos / Horns", 2014

"Antiguos Dioses - Ares / Elder Gods - Ares", 2015

«Nací en una familia de artistas. Cuando era niño dibujé mucho y mis padres me enviaron a estudiar a la escuela de arte en Moscú, Rusia. Estudié pintura durante 13 años y continúo aprendiendo hasta ahora. Mis padres y mi familia me ayudaron todo el tiempo, me apoyaron y me dieron consejos. En la escuela de arte estuve muy influenciado por la pintura académica, el dibujo, el arte, la pintura de los antiguos Maestros. En la escuela, mis amigos y yo visitamos muchos museos y exposiciones. Estoy muy agradecido a mis maestros por el conocimiento que nos dieron. Cuando era niño nunca pensé que me convertiría en un artista. Estaba rodeado de lienzos, cuadros, pero dibujaba como diversión y entretenimiento. No creía que esta sería mi profesión. Me di cuenta de que estaba rodeado de otros artistas, tan jóvenes que yo. Aprendimos juntos. Eso me ayudó a entender quién quiero ser. Creo que es lo más útil para el desarrollo del artista: la competencia con otros artistas, el apoyo de amigos y el consejo de artistas de alto nivel. Lo más importante: una comunidad de artistas. Cuanto más te comuniques con otros artistas, más cosas nuevas e interesantes aprenderás.»

"Máscara / Mask", 2016

"Cráneo de Dragón / Dragon Skull", 2014

«Crecí en Kirguistán, entre montañas, lagos y minas de uranio abandonadas. La sensación de esta naturaleza influyó mucho en mi gusto por el color, la luz y los temas de mis pinturas. Cuando me mudé a Rusia, me inspiraron los restos de la arquitectura soviética, los monumentos de estilo brutalista, la enorme escala de creaciones humanas abandonadas, los inviernos largos y fríos y los días nublados. Veo muchas películas antiguas sobre el futuro, el espacio y la post-apocalipsis. Escucho mucho post-rock, y algunas veces pinto portadas para músicos que me inspiran. Me inspiro en cosas diferentes. Muy a menudo, las nuevas ideas surgen durante las fiestas con amigos con una botella de cerveza. Compartimos música, películas que vimos esta semana. Nos mostramos nuestros nuevos trabajos. Jugamos videojuegos. En resumen, la inspiración viene durante la relajación. También es muy útil para ver el trabajo de otros artistas.»

"Estrellas fugaces / Shooting Stars", 2015

"Aire / Air", 2015

«A menudo, con mis amigos artistas, discutimos nuestros roles en el mundo y el papel del arte en el sistema global de valores. Ahora todo está cambiando muy rápidamente y las cosas importantes pierden su importancia. Tal vez pronto tengamos que sobrevivir y cazar como hace muchos miles de años. Necesitamos artistas en un mundo así, o todos nosotros tendremos que levantar las lanzas e ir a la batalla por la última hamburguesa con queso. Creo que el arte ayuda a las personas a experimentar los sentimientos que tienen en su interior. Comprender estos sentimientos y al mismo tiempo entendernos a nosotros mismos. Aprender a disfrutar de la belleza del mundo. El arte nos ayuda a ser quienes deberíamos ser, no solo los constructores, sino también la audiencia. El arte nos recuerda que todo el mundo fue creado para que podamos apreciar su belleza. Entonces es genial crear y disfrutar las creaciones. Será importante incluso cuando regresemos a la cueva y dibujemos en las paredes. Y es un buen trabajo para sentarse, dibujar y ver dibujos animados. ¿Qué más podrías pedir?»

"Es verdad. Todo ello / It's true. All of it". Homenaje a La Guerra de las Galaxias / Star Wars tribute artwork

"Océano / Ocean"

"Brillo / Glow", 2015

Yuri Shwedoff is an artist born in 1991, who lived in Kyrgyzstan until the age of 9, when his family decided it was time to move to Russia in order for Yuri to receive a good art education. In 2008 Yuri graduated from the painting department of the Moscow Academic Art Lyceum of the Russian Academy of Arts. At this time, he was also nominated for the Medal of the Russian Academy of Fine Arts for a series of works entitled, ‘Suzdal’. Shwedoff graduated from the Moscow State Academic Art University in Surikov and is currently a member of Moscow Union of Artists.

"Coloso / Colossus", 2016

"Reina y el caballero / Queen and The Knight", 2015

"Arma / Weapon", 2015

"Serie del espacio 8, Cuna / Space Series 8, Cradle", 2014

«I was born in a family of artists. When I was a child I drew a lot and my parents sent me to study at the art school in Moscow, Russia. I studied painting for 13 years and I continue to learn so far. My parents and family have helped me all the time, they supported me and gave advices. In art school I was very influenced in the academic painting, drawing, art, old masters painting. In school, my friends and I have visited a lot of museums and exhibitions, I am very grateful to my teachers for the knowledge that they gave us. As a child, I never thought that I would become an artist. I was surrounded by canvases, paint pictures, but I was drawing for fun and entertainment. I do not think that this will be my profession. I realized it was surrounded by other artists, such as young as I am. We learned together. It helped me understand who I want to be. I think the most useful for the development of the artist - it is a competition with other artists, the support of friends and the advice of senior artists. The most important thing - a community of artists. The more you communicate with other artists, the more you will learn new and interesting things.»

"Manada de lobos / Pack of Wolves", 2015

"Monstruo / Monster", 2015

"Sueño / Sleep", 2014

"Serie del espacio 1, Castillo blanco / Space Series 1, White Castle", 2014

«I grew up in Kyrgyzstan, among the mountains, lakes and abandoned uranium mines. The feel of this nature greatly influenced my taste in color, light and subjects of my paintings. When I moved to Russia, I was inspired by the remnants of Soviet architecture, the monuments in the style brutalism, the huge scale of abandoned human creations, long cold winters and cloudy days. I watch a lot of old movies about future, space and post-apocalypsis. I listen to a lot of post-rock, sometimes paint covers for musicians who inspire me. I get inspiration from different things. Most often, new ideas come during parties with friends over a bottle of beer. We share music, movies that we saw this week. we show each other our new works. Play video games. In short - the inspiration comes during relaxation. It is also very useful to watch the work of other artists.»

"Serie del espacio 13, Estrella / Space Series 13, Star"

"Cinco / Five", 2016

"Volk", 2016

«Often with my artist friends, we discuss our roles in the world and the role of art in the global system of values. Now everything is changing very rapidly and important things lose their importance. Maybe, soon, we will have to survive and hunt like many thousand years ago. We need artists in such a world, or all of us will need to pick up the spears and go for a battle for the last cheeseburger. I believe that art helps people to experience the feelings that they have deep inside. Understanding these feelings and at the same time understand ourselves. Learning to enjoy the beauty of the world. Art helps us to be the ones who we should be – not only builders, but also the audience. Art reminds us that the whole world was created for us to appreciate its beauty. So it’s cool to create and enjoy the creations. It will be important even when we go back to the cave and will draw on walls. And it is a nice job to sit, to draw and to watch cartoons. What more could you ask for?»

"Grayas / Graeae", 2016

"Dioses mayores / Elder Gods", 2014

Fuentes / Sources:
* Website
* Entrevista / Interview, Blqcksheep, 1/2016
* Perfil del artista / Artist's profile, WoWxWoW, 8/2015

Más sobre / More about Yuri Shwedoff: Website, facebook, Instagram, Behance, deviantART

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Yuri!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Yuri!)



Obras animadas / Animated Works



Video de obras animadas para el NCCA CMCA Festival, del 21/5/2016 /
Animated artworks video for NCCA CMCA Festival from 21.05.2016.

Agradecimiento especial a / Special thanks to"Skola Crew"
KAWAI, Valeriya ‘Waneella’ Sanchillo, Alexandra Stephanova, Lida Kalmikova, Alexey Larionov, Sergey Sergeev, Nikon Filippov and Alexandra Gribas.

Música del increíble / Music by incredible - Misha Mishenko

Aniversarios (CCXIII) [Febrero / February 5-11]

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Todos los aniversarios de Febrero aquí / All anniversaries for February here.
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El 5 de Febrero es el cumple de

Ananta Mandal (অনন্ত মন্ডল), artista indio nacido en 1983. Pasó su infancia en Chakdaha, Bengala Occidental.
Se graduó en 2007 en el Colegio Guberbamental de Artes y Oficios, Universidad de Kolkata, con un título en Bachiller en Artes Visuales. Tuvo su primera exposición individual en 2004 en la Academia de Bellas Artes de Kolkata. Ha mostrado su obra en numerosas exposiciones colectivas e individuales en India y en el extranjero, y ha sido artista invitado.
La mayoría de sus pinturas son acuarelas, acrílicos y óleos. Sus cuadros representan paisajes urbanos realistas; la vida de la ciudad, una vieja máquina de vapor de ferrocarril, un desierto tropical y los muchos estados de ánimo de la naturaleza. Sus obras representan la atmósfera de Mumbai y Calcuta.
Actualmente vive y trabaja en Mumbai.

"Mumbai Mar Arábigo / Mumbai Arabian Sea"
Acuarela sobre papel / watercolor on paper Fabriano, 22" x 30", 2016 

On February 5 is the birthday of

Ananta Mandal (অনন্ত মন্ডল), Indian artist born in 1983. He spent his childhood in Chakdaha, West Bengal.
He graduated from Government College of Art & Craft, Kolkata, Calcutta University (Kolkata) in 2007 with a degree in Bachelor of Visual Arts. He had his first solo show in 2004 at Academy of Fine Arts, Kolkata.
Ananta Mandal had his first solo show in 2004 at Academy of Fine Arts, Kolkata. He has exhibited in numerous group shows and solo exhibitions in India and abroad and he has often been invited as guest artist.

"Bikaner in Rajasthan", acuarela sobre papel / watercolor on paper, 30" x 22", 2012

Most of his paintings are watercolor, acrylic and oil color based. His paintings depict realistic urban landscapes; city life, an old railway steam engine, a tropical desert, and the many moods of nature. His works depict the atmosphere of Mumbai and Calcutta.
At present he lives and works in Mumbai, India.

"Vista desde arriba de Mumbai / Top View of Mumbai"
Acuarela sobre papel / watercolor on paper, 72" x 48", 2011


El 6 de Febrero es el cumple de

Frederick "Fred" Hall, pintor impresionista inglés de paisajes, temas rústicos y retratos, nacido en 1860 en Stillington, Yorkshire. Fue un miembro importante de la Newlyn School, en Cornwall, y es notable tanto por su serie de ingeniosas caricaturas de sus compañeros artistas de Newlyn (incluidos Frank Bramley, Stanhope Forbes y Norman Garstin) como por su desarrollo artístico alejado del estricto realismo de la Newlyn School hacia el impresionismo .
Hall estudió arte en la Escuela de Arte de Lincoln entre 1879 y 1881, antes de pasar a estudiar con Michel Marie Charles Verlat en Amberes.

"Pórtico del juicio, Catedral de Lincoln / The Judgement Porch, Lincoln Cathedral"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 61,2 x 51,2 cm., 1881.
Usher Gallery (Lincolnshire, Inglaterra / England). ArtUK

Se convirtió en miembro de la Escuela Newlyn en Cornualles en algún momento entre 1883 y 1885, aunque la fecha exacta es incierta. Permaneció allí, uniéndose al ex estudiante de la Escuela de Arte de Lincoln Frank Bramley, hasta 1898. Expuso en la Royal Academy desde 1886 en adelante, y en el Salón de París, obteniendo el oro allí en 1912. También expuso en la Royal Society of British Artistas en Suffolk Street, Londres, la Galería Grosvenor, la Nueva Galería y el New English Art Club, pero renunció a este último en 1890.
Hall también dibujó caricaturas y pintó obras que reflejaban el gusto del público por las imágenes narrativas. En 1898, se casó con Agnes Beryl Dodd, con quien tuvo una hija.
Murió en 1948.

"Frenólogo / Phrenologist", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65 x 51 cm., 1890.
Warrington Museum & Art Gallery (Cheshire, Inglaterra / England). ArtUK

On February 6 is the birthday of

Frederick "Fred" Hall, English impressionist painter of landscapes, rustic subjects, and portraits born in 1860 in Stillington, Yorkshire. He was an important member of the Newlyn School, in Cornwall, and is notable for both his series of witty caricatures of his fellow Newlyn artists (including Frank Bramley, Stanhope Forbes, and Norman Garstin) and his artistic development away from the strict realism of the Newlyn School towards impressionism.
Hall studied art at the Lincoln School of Art between 1879 and 1881, before moving on to study under Michel Marie Charles Verlat in Antwerp.

"Manos experimentadas / Experienced Hands"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 49 cm.
Northampton Museums & Art Gallery (Inglaterra / England). ArtUK

He became a member of the Newlyn School in Cornwall at some time between 1883 and 1885 although the exact date is uncertain. He remained there, joining fellow ex-Lincoln School of Art student Frank Bramley, until 1898. He exhibited at the Royal Academy from 1886 onward, and at the Paris Salon, winning gold there in 1912. He also exhibited at the Royal Society of British Artists on Suffolk Street, London, the Grosvenor Gallery, the New Gallery, and the New English Art Club, but resigned from the latter in 1890.
Hall also drew caricatures and painted works that reflected the public taste for storytelling pictures. In 1898, he married Agnes Beryl Dodd, with whom he had a daughter.
He died in 1948.

"Preparando el baño de las ovejas / Preparing for Sheep Washing"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 66 x 75 cm., c.1935. Suffolk Painters


El 7 de Febrero es el cumple de

José Jiménez Aranda, pintor español nacido en 1837 en Sevilla, hermano de los pintores Luis Jiménez Aranda y Manuel Jiménez Aranda.
Fue iniciado en sus primeros pasos para convertirse en pintor por Manuel Cabral y Eduardo Cano de la Peña.
Dotado para el dibujo, en 1851 ingresó en la Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría en Sevilla. En 1868 estudió las colecciones en el Museo del Prado en Madrid, especialmente las de Goya y Velázquez. En 1867 viajó a Jerez de la Frontera para trabajar como restaurador y diseñador de vidrieras. En 1871 se mudó a Roma, donde permaneció durante cuatro años, conociendo a Mariano Fortuny, quien influyó mucho en sus pinturas.
En 1881 se trasladó a París donde estudió, durante nueve años, pintando obras ambientadas en el siglo XVIII al estilo de Fortuny con notable éxito. En 1890 se mudó a Madrid pintando escenas de la vida cotidiana en un estilo más costumbrista.

"Penitentes en la Basílica Inferior de Asís / Penitents in the Lower Basilica of Assisi"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 53,5 x 79,5 cm., 1874. 
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

La muerte de su esposa e hija en 1892 resultó en su regreso a su ciudad natal por el resto de su vida. Allí fue nombrado miembro de la Academia de Bellas Artes, donde se convirtió en maestro, cargo que ocupó hasta su muerte en 1903. Daniel Vázquez Díaz, Eugenio Hermoso, Ricardo López Cabrera, Manuel González Santos y Sanz Arizmendi fueron sus alumnos durante este período en Sevilla.
En la última década del siglo XIX frecuentó el círculo de pintores paisajistas de Alcalá de Guadaíra, dejando a este género algunos ejemplos de obras de "gran maestro" (según Sorolla).
Entre sus obras más conocidas se encuentran "Un lance en la plaza de toros" (1880), "Una desgracia" (1890) y "Esclava en venta" (c.1897).
También fue un notable dibujante e ilustrador, produciendo 689 dibujos destacados para la edición tricentenaria de Don Quijote (publicada en 1905).

"Autorretrato / Self Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 102 x 71 cm., 1901
Colección Fundación Caja Sol (Sevilla, España / Spain). Wikimedia Commons

On February 7 is the birthday of

José Jiménez Aranda, Spanish painter born in 1837 in Seville, the brother of the painters Luis Jiménez Aranda and Manuel Jiménez Aranda.
He was initiated in his first steps towards becoming a painter by Manuel Cabral and Eduardo Cano de la Peña.
Gifted at drawing, in 1851 he entered the Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría (Royal Academy of Fine Arts of Saint Elizabeth of Hungary) in Seville. In 1868 he studied the collections in the Museo del Prado (Prado Museum) in Madrid, especially those of Goya and Velázquez. In 1867 he travelled to Jerez de la Frontera to work as a restorer and designer of stained glass. In 1871 he moved to Rome, where he remained for four years, getting to know Mariano Fortuny, who greatly influenced his paintings.
In 1881 he moved to París, where he studied for nine years, painting works set in the eighteenth century in the style of Fortuny with notable success. In 1890 he moved to Madrid, painting scenes of everyday life in a more costumbrista style.

"Una esclava en venta / A Slave for Sale"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 82 cm., c.1897
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

The death of his wife and daughter in 1892 resulted in his returning to his city of birth for the rest of his life. There he was appointed member of the Academy of Fine Arts, where he became a teacher, a position he held until his death in 1903. Daniel Vázquez Díaz, Eugenio Hermoso, Ricardo López Cabrera, Manuel González Santos and Sanz Arizmendi were his pupils during this time in Seville.
In the last decade of the nineteenth century he frequented the Alcala de Guadaíra circle of landscape painters, leaving this genre some examples of "grand master" works (according to Sorolla).
Among his best known works are: A Pass in the Bullring (1880), Una desgracia (A Disaster – 1890) and Slave for Sale (c.1897).
He was also a noted cartoonist and illustrator, producing 689 highlighted drawings for the tercentenary edition of Don Quijote (published 1905).

"Una desgracia / A Disgrace", 108 x 158 cm., 1890. Colección privada / Private Collection


El 8 de Febrero es el cumple de

Oscar Cahén, pintor e ilustrador canadiense nacido en 1916 en Copenhague, Dinamarca.
Nacido durante la Primera Guerra Mundial, alcanzó la mayoría de edad en la era nazi y vivió durante un período de enormes cambios sociales y tecnológicos. Fue un ilustrador editorial de la guerra y la vida cotidiana, un pintor de temas de trauma y renacimiento, y un productor de obras abstractas que se describieron en su momento como "expresivas de la vida moderna".
Fue entrenado en Europa en la Academia de Bellas Artes de Dresde, en el estudio de la academia de Max Frey. En 1938 enseñó en Praga en el Rotter-Schule für Werbegrafik antes de escapar de la ocupación nazi viajando a Inglaterra en 1939. Considerado "alemán" por los ingleses, fue internado y enviado a Canadá en 1940 como enemigo extranjero con otros alemanes de ascendencia judía. Sus contactos artísticos en Canadá aseguraron su liberación en octubre de 1942, y trabajó en Montreal en las firmas de publicidad Rapid, Grip y Batten antes de mudarse a Toronto a fines de 1944 para convertirse en editor de arte para Magazine Digest. Posteriormente trabajó como ilustrador independiente para revistas como Maclean's, Chatelaine y New Liberty. Como ilustrador ganó cinco medallas y seis premios al mérito del Toronto Art Directors Club, 1949 - 1957.

Ilustración para "El cuento californiano" de Mark Twain, publicado en New Liberty, 24/1/1947 /
Illustration for “The Californian’s Tale” by Mark Twain, published in New Liberty, January 24, 1947
60,6 x 44,8 cm, Colección privada / Private Collection. ACI-IAC

A finales de la década de 1940 conoció a Walter Yarwood, Harold Town y otros involucrados en el arte de vanguardia en Toronto, y su obra se incluyó en la exhibición Abstracts at Home (Abstractos en casa), que se realizó en 1953 en la Robert Simpson Company, Toronto. Poco después formó Painters Eleven junto con otros diez pintores abstractos, la mayoría de los cuales también habían estado en el evento "Abstracts At Home". En el mundo del arte conservador de Canadá, sus primeras exposiciones fueron recibidas con desdén. Sin embargo Painters Eleven llamaron la atención en Estados Unidos con una muestra exitosa, la "Vigésima exposición anual de artistas abstractos estadounidenses" con "Painters Eleven of Canada" en 1956, con los American Abstract Artists (Artistas Abstractos Estadounidenses) en la Riverside Gallery de Nueva York, y fueron elogiados por el influyente crítico Clement Greenberg, en una visita que realizó a Toronto en 1957. En la prensa canadiense el defensor más ferviente del grupo fue el crítico de arte Robert Fulford. Cahén murió en un accidente automovilístico en 1956 y el grupo se disolvió formalmente en 1960.

"La adoración / The Adoration", óleo sobre masonita / oil on Masonite, 122 x 133 cm.,1949
Colección privada / Private Collection. ACI-IAC

Oscar Cahén tenía una capacidad inusual para pasar de un medio a otro y de formas de expresión representativas a abstractas con el mismo éxito. Tal vez su contribución más original fue una técnica que él llamó "monoetching", que consistía en aplicar una fina capa de cera a una tabla de ilustraciones que luego raspaba con una aguja. A continuación, aplicaba un exceso de pigmento a base de agua que se filtraba a través de los arañazos en la placa expuesta debajo. Sin embargo, más que cualquier otro de sus talentos, Cahén probablemente sea mejor recordado hoy por su "sentido del color luminoso".

"Sin título (Pianista) / Untitled (Piano player)"
Conté on wove paper, 50,8 x 38,1 cm., 1943. Colección privada / Private Collection. ACI-IAC

On February 8 is the birthday of

Oscar Cahén, Canadian painter and illustrator born in 1916 in Copenhagen, Denmark.
Born during the First World War, he came of age in the Nazi era and lived during a period of enormous social and technological change. He was an editorial illustrator of war and daily life, a painter of themes of trauma and rebirth, and a producer of abstract works that were described at the time as "expressive of modern life."
He was trained in Europe at the Dresden Academy of Fine Arts, in the academy studio of Max Frey. In 1938 he taught in Prague at the Rotter-Schule für Werbegrafik before escaping the Nazi occupation by traveling to England in 1939. Considered "German" by the English, he was interned in and sent to Canada in 1940 as an enemy alien with other Germans of Jewish descent. His artistic contacts in Canada secured his release in October, 1942, and he worked in Montréal at advertising firm Rapid, Grip and Batten before moving to Toronto in late 1944 to become art editor for Magazine Digest. Cahén subsequently worked as a freelance illustrator for magazines such as Maclean's, Chatelaine and New Liberty. As an illustrator, Cahén won five medals and six awards of merit from the Toronto Art Directors Club, 1949 - 1957.

"Imágen subjetiva / Subjective Image", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 121,9 x 126,7 cm., c. 1954
Colección privada / Private Collection, Oakville. MacLean's

In the late 1940s he met Walter Yarwood, Harold Town and others involved in avant-garde art in Toronto, and Cahén was included in the Abstracts at Home display held in 1953 at the Robert Simpson Company, Toronto. He formed Painters Eleven with ten other abstract painters (most of whom had also been in the Abstracts At Home event) soon after. In Canada's conservative art world their early exhibitions were met with disdain. Nevertheless, Painters Eleven attracted U.S. exposure with a successful exhibition, Twentieth Annual Exhibition of American Abstract Artists with "Painters Eleven of Canada" in 1956, with the American Abstract Artists at the Riverside Gallery in New York, and were praised by the influential critic Clement Greenberg on a visit he paid to Toronto in 1957. In the Canadian press, the group's most ardent supporter was art critic Robert Fulford. Cahén was killed in a car accident in 1956 and the group formally disbanded in 1960.
Oscar Cahén had an unusual ability to move from one medium to another and from representational to abstract idioms with equal success. Perhaps his most original contribution was a technique he called “monoetching,” which involved applying a thin layer of wax to an illustration board which he then scratched through with a needle. He would then apply a water-based pigment overtop which would seep through the scratches into the exposed board beneath. However, more than any other of his talents, Cahén is probably best remembered today for his "luminous colour sense."

"Alta entropía / High Entropy", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 59,7 x 48,3 cm., 1955. Sotheby's


El 9 de Febrero es el cumple de

Yaroslav Igorevich Krestovsky (Ярослав Игоревич Крестовский), pintor ruso soviético nacido en 1925 en Leningrado - San Petersburgo, considerado por el historiador de arte Sergei V. Ivanov como uno de los representantes de la escuela de pintura de Leningrado.
En 1956 se graduó en el Instituto de Artes Repin, en el taller Mikhail Bobishov. Pintó paisajes urbanos, retratos, naturalezas muertas y cuadros de género.
Desde 1957 participó en exposiciones de arte. Sus exposiciones personales fueron en Leningrado (1983), en Moscú (1986) y en San Petersburgo (1995, 2000).

"Rosa. Retrato de su esposa / Rose. Portrait of His Wife"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65 x 55 cm., 1962. Leningradartist

Fue miembro de la Unión de Artistas de Leningrado desde 1958. En la década de 1960 enseñó pintura y dibujo en la Escuela Superior de Arte Industrial, que lleva el nombre de Vera Mukhina.
Murió en San Petersburgo en 2003.
Sus pinturas se pueden ver en el Museo Estatal Ruso, en la Galería Estatal Tretyakov, en museos de arte y colecciones privadas en Rusia, Alemania, Francia y otros países.

"El río Moyka cerca de la plaza Konyushennaya / The Moyka River Near Konyushennaya Square"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 62 x 72 cm., 1958. Sovcom

On February 9 is the birthday of

Yaroslav Igorevich Krestovsky (Яросла́в И́горевич Кресто́вский), Soviet Russian painter born in 1925 in Leningrad - Saint Petersburg, regarded by art historian Sergei V. Ivanov as one of the representatives of the Leningrad school of painting.
In 1956 he graduated from the Repin Institute of Arts in Mikhail Bobishov workshop. He painted cityscapes, portraits, still-lifes, and genre paintings.
Since 1957 he participated in Art Exhibitions. His personal exhibitions were in Leningrad (1983), in Moscow (1986), and in Saint- Petersburg (1995, 2000).
He was a member of the Leningrad Union of Artists since 1958. In the 1960s he taught painting and drawing at the Higher School of Industrial Art named after Vera Mukhina. 
He died in Saint Petersburg in 2003.
His paintings can be seen in State Russian Museum, in State Tretyakov Gallery, in Art museums and private collections in the Russia, Germany, France, and other countries.

"Дворик / Patio / Yard", 1959. Pinterest


El 10 de Febrero es el cumple de

Willy Jaeckel, pintor y litógrafo expresionista alemán nacido en 1888 en Breslau.
De 1906 a 1908 estudió en la escuela de arte en Breslau, luego se matriculó en la Academia de Bellas Artes de Dresde, bajo la dirección de Otto Gußmann, un pintor ornamental. En 1913 se mudó a Berlín para trabajar como artista independiente y se convirtió en miembro de la Secesión de Berlín en 1915. Cuatro años más tarde fue elegido miembro de la Academia Prusiana de las Artes y se convirtió en profesor en la Universidad del Artes en 1925.

"Sitzender weiblicher Akt / Desnudo femenino sentado / Seated Female Nude"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120 x 120 cm. Jack Kilgore

Su primera pintura exitosa fue "Kampf" (Batalla, o Lucha), un gran lienzo que presentaba a un hombre desnudo y musculoso. En 1928 fue galardonado con el "Georg-Schlicht-Preis" por el "retrato más hermoso de una mujer alemana".
Fue nombrado profesor asociado en 1933, pero fue despedido cuando los nazis llegaron al poder. Sus estudiantes protestaron y finalmente fue reintegrado. Sin embargo, esta victoria fue efímera. Los que tomaron clases con él probablemente no se graduarían y, en 1937, algunas de sus obras fueron oficialmente clasificadas como "degeneradas". En respuesta, pintó "Plowman in the Evening" (1939), destinado a representar el concepto nazi de Blood and Soil. Irónicamente, muchas de sus obras sobrevivieron a la guerra solo porque el gobierno nazi las sacó de Berlín.
Perdió su estudio en un bombardeo en 1943 y fue asesinado durante otra redada a principios del año siguiente. Una de sus principales obras, un mural de cuatro partes al fresco en la panadería Bahlsen en Hannover, que data de 1917, fue destruida más tarde en 1944.

"Sitzender Akt, sich nach hinten beugend / Desnudo sentado, curvado hacia atrás /
Seated Nude, Bending Over Backwards"
Carboncillo sobre cartón / charcoal on cardboard, 59 x 41,8 cm. Liveauctioneers

On February 10 is the birthday of

Willy Jaeckel, German Expressionist painter and lithographer born in 1888 in Breslau.
From 1906 to 1908, he studied at the art school in Breslau, then enrolled at the Dresden Academy of Fine Arts, under the direction of Otto Gußmann, an ornamental painter. In 1913, he moved to Berlin to work as a free-lance artist and became a member of the Berlin Secession in 1915. Four years later, he was elected a member of the Prussian Academy of Arts and became a teacher at the University of the Arts in 1925.
His first successful painting was "Kampf" (Battle, or Struggle), a large canvas featuring a bellowing, muscular, naked man. In 1928, he was awarded the "Georg-Schlicht-Preis" for the "most beautiful portrait of a German woman".

"Liegender Frauenakt / Desnudo femenino reclinado / Reclining Female Nude"
Tinta y acuarela sobre papel / ink and watercolor on paper, 54 x 40 cm., c.1915. Galerie der Panther

He was named an Associate Professor in 1933, but he was dismissed when the Nazis came to power. His students protested, and he was eventually reinstated. This victory was short-lived, however. Those who took classes with him were likely not to graduate and, in 1937, some of his works were officially classified as "degenerate". In response, he painted "Plowman in the Evening" (1939), meant to depict the Nazi concept of Blood and Soil. Ironically, many of his works survived the war only because the Nazi government removed them from Berlin.
He lost his studio to a bombing raid in 1943 and he was killed during another raid early the following year. One of his major works, a four-part fresco mural at the Bahlsen bakery in Hanover dating from 1917, was destroyed later in 1944.

"Gefallener im Stacheldraht / Caído en la alambrada de púas / Fallen in the Barbed Wire"
Del álbum / from the Portfolio"Memento 1914/1915"
Litografía / lithography, 1915. Wikimedia Commons
Musée d'art moderne et contemporain (Estrasburgo, Francia / Strasbourg, France)


El 11 de Febrero es el cumple de

Harold John Wilde Gilman, pintor británico de interiores, retratos y paisajes, y miembro fundador de Camden Town Group, nacido en 1876 en Rode, Somerset.
Fue educado en Kent, en Abingdon School en Berkshire, en Rochester y en Tonbridge School, y durante un año en Brasenose College en la Universidad de Oxford.
Aunque desarrolló su interés por el arte durante un período de convalecencia infantil, Gilman no comenzó su formación artística hasta después de su año no universitario en la Universidad de Oxford (interrumpido por problemas de salud) y después de trabajar en Ucrania como tutor de una familia británica en Odessa, en 1895. Al año siguiente ingresó a la Hastings School of Art para estudiar pintura, pero en 1897 se trasladó a la Slade School of Fine Art en Londres, donde permaneció desde 1897 hasta 1901, y donde conoció a Spencer Gore. En 1904 se fue a España y pasó más de un año estudiando a maestros españoles (Velázquez y Goya, así como también Whistler, fueron importantes influencias tempranas).
Habiendo conocido a Walter Sickert en 1907, Gilman se convirtió en miembro fundador tanto del Fitzroy Street Group (en 1907) como del Camden Town Group (en 1911). Mientras tanto se unió a la Asociación de Artistas Aliados, se mudó a Letchworth y comenzó a mostrar influencias de la obra de Vuillard y de Sickert.

"Chica con taza de té / Girl with a Tea Cup", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 46 x 61 cm., c.1914
Colección privada / Private Collection.
Tate Gallery"El Grupo de Camden en contexto / The Camden Town Group in Context"

En 1910 fue estimulado por la primera exposición posimpresionista en las Galerías Grafton, y visitó París con Ginner. Pronto superó la comprensión de Sickert sobre el postimpresionismo y se alejó de su sombra, utilizando colores cada vez más fuertes, bajo la influencia de Van Gogh, Gaugin y Signac. En 1913 exhibió conjuntamente con Gore y se convirtió en el primer presidente del London Group. Identificado con Charles Ginner como un "Neo-Realista", exhibiendo con éste bajo esa etiqueta en 1914.
Gilman visitó Escandinavia en 1912 y 1913, y pudo haber viajado con el artista William Ratcliffe, que tenía relaciones allí. Realizó estudios sobre el medio ambiente y pintó "Puente del Canal, Flekkefjord", una representación precisa, cuyo tema probablemente se inspiró en la descripción de Vincent Van Gogh de un puente similar en Provenza. Gilman había rechazado la obra de Van Gogh cuando la vio por primera vez, pero más tarde se convirtió en un gran admirador y, según Wyndham Lewis, guardaba postales de obras de Van Gogh en su pared y algunas veces colgaba una de sus obras junto a ellas, si estaba especialmente satisfecho con ellas.
Enseñó en la Escuela de Arte de Westminster, y luego en una escuela fundada por él y Ginner.
Murió en Londres el 12 de febrero de 1919 de gripe española.

"Puente del canal / Canal Bridge, Flekkefjord"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 46,4 x 61,5 cm., c.1913
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

On February 11 is the birthday of

Harold John Wilde Gilman, British painter of interiors, portraits and landscapes, and a founder-member of the Camden Town Group, born in 1876 in Rode, Somerset.
He was educated in Kent, at Abingdon School in Berkshire, in Rochester and at Tonbridge School, and for one year at Brasenose College in Oxford University.
Although he developed an interest in art during a childhood convalescence period, Gilman did not begin his artistic training until after his non-collegiate year at Oxford University (cut short by ill health) and after working in the Ukraine as a tutor to a British family in Odessa (1895). In 1896 he entered the Hastings School of Art to study painting, but in 1897 transferred to the Slade School of Fine Art in London, where he remained from 1897 to 1901, and where he met Spencer Gore. In 1904 he went to Spain and spent over a year studying Spanish masters (Velázquez and Goya as well as Whistler were major early influences).
Meeting Walter Sickert in 1907, Gilman became a founder member of both the Fitzroy Street Group (in 1907) and the Camden Town Group (in 1911). In the meantime he joined the Allied Artists' Association, moved to Letchworth, and began to show influence from work of Vuillard as well as Sickert.

"La Sra. Mounter en la mesa de desayuno / Mrs Mounter at the Breakfast Table"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 61 x 40,6 cm., 1916-17. GAP
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

In 1910 he was stimulated by the first post-Impressionist exhibition at the Grafton Galleries, and visited Paris with Ginner. He soon outpaced Sickert's understanding of post-Impressionism and moved out from under his shadow, using ever stronger colour, under the influence of Van Gogh, Gaugin and Signac. In 1913 he exhibited jointly with Gore, and became the first president of the London Group; and identified with Charles Ginner as a 'Neo-Realist', exhibiting with Ginner under that label in 1914.
Gilman visited Scandinavia in 1912 and 1913, and may have travelled with the artist William Ratcliffe, who had relations there. Gilman made studies of the environment, and painted Canal Bridge, Flekkefjord, an accurate depiction, whose subject is likely to have been inspired by Vincent van Gogh's depiction of a similar bridge in Provence. Gilman had rejected Van Gogh's work when he first encountered it, but later became a strong admirer and, according to Wyndham Lewis, keeping postcards of Van Gogh's work on his wall and sometimes hanging one of his own works next to them, if he was especially satisfied with it.
He taught at the Westminster School of Art, and then at a school founded by himself and Ginner. 
He died in London on 12 February 1919, of the Spanish flu.

"Madre y niño / Mother and Child", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50,7 x 69,8 cm., 1918
Auckland Art Gallery Toi o Tāmaki (Auckland, Nueva Zelanda / New Zealand). GAP


Stephanie Inagaki [Dibujo]

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Stephanie Inagaki


Stephanie Inagaki es una artista estadounidense, nativa del sur de California que recibió su Licenciatura en Bellas Artes de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Boston y su Maestría en Bellas Artes del Instituto de Arte de San Francisco. Después de estudiar en Italia y vivir en las principales ciudades de los Estados Unidos, ha regresado a sus raíces para establecerse como artista multifacética en Los Ángeles.
«Tengo una sensibilidad estética subyacente en todo el trabajo que hago que creo que teje una línea de conexión. Tiendo ir de un lado a otro en cuanto a enfoque, y me muevo entre la joyería y el arte. No muchas personas tienen en cuenta de que fui a la escuela a hacer escultura, ya que las dos galerías que me han representado solo han mostrado mis dibujos.»
En este post me centraré en estos hermosos dibujos en blanco y negro, a menudo con collages de papel Washi, y un par de fotografías con Stephanie como modelo.

"Entronizada / Enthroned", carboncillo sobre papel, enmarcado con plexiglas /
charcoal on paper, framed with plexi, 23,5" x 38,5"

"Sin título / Untitled", carboncillo sobre / charcoal on Rives BFK, 19" x 11,25", 2013

«Está en la naturaleza humana asignar ciertos significados a los objetos, ideas y momentos de nuestras vidas con el fin de compartimentar nuestras historias e cuentos para que podamos seguir viviendo y avanzando. Al contextualizar el cuerpo femenino, el pelo, las plumas y los cuervos en composiciones surrealistas, estoy creando mi propia mitología a través de estas reconstrucciones corporales. Mi cuerpo es el paisaje donde los autoexámenes dobles se producen a través de los retratos y reflexiones sobre los aspectos negativos y positivos del cabello y los cuervos.»

"(Una) bandada de cuervos - Ascensión cíclica / (A) Murder of Crows - Cyclical Ascension"
Carboncillo / charcoal, 42” x 69”, 2013

Yurei (*) - Yokai (**) Series. Izq./ Left: Kitsune (***) - Der./ Right: Cuervos / Crows
Carboncillo y papel Washi / charcoal and Washi paper, 14" x 25", 2016

(*) Los Yūrei (幽霊) son figuras del folclore japonés, análogos a los de las leyendas de fantasmas occidentales. Como sus similares occidentales, se piensa que son espíritus apartados de una pacífica vida tras la muerte debido a algo que les ocurrió en vida, falta de una ceremonia funeraria adecuada, o por cometer suicidio. Usualmente aparecen entre las dos de la madrugada y el amanecer, para asustar y atormentar a aquellos que les ofendieron en vida, pero sin causar daño físico.

(**) Los Yōkai (妖怪, espíritu, fantasma, aparición extraña) son una clase de monstruos sobrenaturales, espíritus y demonios en el folclore japonés. Los Yōkai van desde los malévolos a los traviesos. Ocasionalmente traen buena fortuna a quienes los encuentran. A menudo poseen características de animales (como el kappa, que es similar a una tortuga, o el tengu que tiene alas), otras veces pueden parecer mayormente humanos, algunos parecen objetos inanimados y otros no tienen forma discernible. Los Yōkai generalmente tienen poder espiritual o sobrenatural, siendo el cambio de forma uno de los más comunes. Los que tienen la capacidad de cambiar de forma son conocidos como bakemono (化 物) / obake (お 化 け).

(***) Kitsune (狐) es la palabra japonesa para designar al zorro. Los zorros son un tema común del folclore japonés. Las historias los representan como seres inteligentes y poseedores de habilidades paranormales que aumentan con su edad y sabiduría. De acuerdo con el folclore Yōkai, todos los zorros tienen la habilidad de cambiar a la forma humana. Mientras que algunos cuentos populares hablan de kitsune que emplean esta habilidad para engañar a otros, como suelen hacer los zorros en el folclore, otras historias los representan como fieles tutores, amigos, amantes y esposas.

Foto / Photo: Allan Amato - Modelo / Model: Stephanie Inagaki

"Apariciones / Apparitions I & II", carboncillo / charcoal, 25" x 42,25", 2017

«Tengo dos carreras a tiempo completo siendo artista plástica y orfebre bajo el nombre de mi compañía, que se llama Miyu Decay. Tengo mi Bachiller y mi Máster en escultura, pero mi carrera profesional me ha llevado a crear predominantemente dibujos. Me encantaría volver a esculturas a gran escala, pero es difícil encontrar galerías para eso. Mis esculturas y dibujos siempre han sido influenciados por experiencias personales. Ha habido bastante trauma así que hacer arte es la mejor manera de sintetizar esos momentos de mi vida. También hago mis propios disfraces ya que he sido bailarina oriental durante casi la mitad de mi vida y he realizado los trajes que he necesitado. Vendo algunos de mis tocados y disfraces a través de mi empresa de joyería. Mi joyería es una mezcla de los macabro, el viejo mundo y lo tribal. La mayoría de mis piezas son originalmente talladas a mano.»
«Amo el Viejo Mundo. Amalgamo lo vintage, antiguas telas, patrones y piezas de joyería que vienen de todo el mundo para los disfraces que vendo y también incorporo esos patrones en las joyas que esculpo. Como compraba telas vintage de kimonos, fue una transición natural comprar papel washi que tiene patrones similares.»

"Ecuanimidad / Equanimity", carboncillo sobre papel / charcoal on paper, 20" x 42"

«Ellos [los cuervos] son criaturas brillantemente fantásticas. En una de mis residencias anteriores había una bandada de cuervos que siempre se posaban en el estacionamiento que había al lado de la casa. Yo les hablaba y ellos me respondían. A veces se sentaban en mi chimenea y los oía graznar por el agujero, dejando una cálida sensación confusa dentro de mi corazón. Me encanta de ellos que básicamente se aparean de por vida.
Si un humano u otro animal hace algo bueno o malo, son lo bastante inteligentes como para contar a su prole para que las generaciones posteriores sepan de esas acciones. Ellos representan para mí amor y lealtad. Los cuervos, que son carroñas por naturaleza, están directamente asociados a la muerte. Siempre he visto la vida y la muerte como cíclica por lo que la muerte no es necesariamente algo negativo porque conduce al crecimiento y la renovación ".

"Futakuchi (*) Doppelganger"
Carboncillo, acrílico, grafito, papel fotográfico y Washi y papel nepalés sobre Rives BFK /
charcoal, acrylic, graphite, photo paper, and Washi & Nepalese paper on Rives BFK , 66" x 31", 2013

(*) Una futakuchi-onna (二口女, lit. "mujer de dos bocas") es un tipo de yōkai o monstruo japonés. Se caracterizan por sus dos bocas, una normal ubicada en su cara y la segunda en la nuca, debajo del cabello. Allí, el cráneo de la mujer se separa, formando labios, dientes y una lengua, creando una segunda boca totalmente funcional.
El origen de la segunda boca de una futakuchi-onna a menudo está relacionado con lo poco que come una mujer. En muchas historias, la futura futakuchi-onna es la esposa de un avaro y rara vez come. Para contrarrestar esto, misteriosamente aparece una segunda boca en la parte posterior de la cabeza de la mujer. La segunda boca a menudo murmura cosas rencorosas y amenazantes a la mujer y exige comida. Si no se la alimenta, puede chillar obscenamente y causar un tremendo dolor a la mujer.

(*) A futakuchi-onna (二口女, lit. "two-mouthed woman") is a type of yōkai or Japanese monster. They are characterized by their two mouths – a normal one located on her face and second one on the back of the head beneath the hair. There, the woman's skull splits apart, forming lips, teeth and a tongue, creating an entirely functional second mouth.
The origin of a futakuchi-onna's second mouth is often linked to how little a woman eats. In many stories, the soon-to-be futakuchi-onna is a wife of a miser and rarely eats. To counteract this, a second mouth mysteriously appears on the back of the woman's head. The second mouth often mumbles spiteful and threatening things to the woman and demands food. If it is not fed, it can screech obscenely and cause the woman tremendous pain.

"(in)resolve", carboncillo y papel Washi / Charcoal and washi paper, 24" x 46,5"

"El exorcismo / The Exorcism" tríptico / tryptych
Carboncillo sobre / charcoal on Rives BFK, 2014

«Ellos [los cuervos] son criaturas brillantemente fantásticas. En una de mis residencias anteriores había una bandada de cuervos que siempre se posaban en el estacionamiento que había al lado de la casa. Yo les hablaba y ellos me respondían. A veces se sentaban en mi chimenea y los oía graznar por el agujero, dejando una cálida sensación confusa dentro de mi corazón. Me encanta de ellos que básicamente se aparean de por vida.
Si un humano u otro animal hace algo bueno o malo, son lo bastante inteligentes como para contar a su prole para que las generaciones posteriores sepan de esas acciones. Ellos representan para mí amor y lealtad. Los cuervos, que son carroñas por naturaleza, están directamente asociados a la muerte. Siempre he visto la vida y la muerte como cíclica por lo que la muerte no es necesariamente algo negativo porque conduce al crecimiento y la renovación ".

"Pilares / Pillars - Satine", carboncillo sobre / charcoal on Rives BFK, 20" x 40", 2014

«El cabello es todo eso para mí [un símbolo potente de femineidad, de femineidad divina o fuente de vida]. También es algo que me identifica, ya que siempre he tenido el pelo largo. He tenido flequillo o me he afeitado los costados, pero he conservado la longitud toda mi vida. Encarna la fuerza que solía aplicarse a ambos géneros, no tanto para los hombres a menos que consideres las religiones ortodoxas. El cabello también representa una sensación de estabilidad y fragilidad para mí. Es una parte tan poderosa de nuestro cuerpo, atrayendo o repeliendo según cómo se presente. Las personas fácilmente emiten juicios basados en cómo se ve en cualquier parte de su cuerpo. Se puede unir sensualmente al cuerpo pero se vuelve abyecto inmediatamente una vez que se despega. Encuentro estas dualidades fascinantes. El reino animal incluso basa sus elecciones de apareamiento en cómo se ven el cabello y los cuernos. Con el paso de los años he llegado a usar cabello para representar todas estas ideas dentro de mi obra.»

"La concesión / The Bestowal", carboncillo y papel Washi, enmarcado en plexiglás /
charcoal and washi paper, framed with plexi, 23,5" x 43.5"

Stephanie Inagaki. Foto / Photo: Allan Amato

Stephanie Inagaki is an American artist, a Southern California native who received her Bachelor of Fine Arts from Boston University's College of Fine Arts and her Master of Fine Arts from the San Francisco Art Institute. After studying abroad in Italy and living in major cities around the United States, she has returned to her roots to establish herself as a multifaceted artist in Los Angeles.
«I have an underlying aesthetic sensibility throughout all the work I make that I believe weaves the connecting line. I tend to go through waves of what I’m focusing on and will switch between jewelry and art. Not many people realize that I went to school for sculpture, since the two galleries that have represented me have only shown my drawings.»
In this post I'll focused in those beautiful black and white drawings, often collaged with Washi Paper, and a couple of photographs with Stephanie as a model.

"(dentro) restricción / (within) constraint", carboncillo y papel Washi / charcoal and washi paper, 24" x 46,5"

"Pilares / Pillars - Stephanie"
Carboncillo y papel Washi / charcoal and Washi paper, 20" x 40", 2014

«It is human nature to place certain meanings to objects, ideas, and moments in our lives in order to compartmentalize our histories and stories so that we continue living and moving forward. By contextualizing the female body, hair, feathers, and crows into surrealistic compositions, I am creating my own mythology through these corporeal re-imaginings. My body is the landscape where double self examinations occur through portraiture and self ruminations of the negative and positive aspects of hair and crows.»

Izq./ Left: "Ama de títeres / Puppetmaster", carboncillo sobre / charcoal on Rives BFK, 42" x 91"
Der./ Right: "Sin título / Untitled (Mantegna)", carboncillo sobre / charcoal on Rives BFK, 42,5" x 56,5", 2008

"Arrasando almas sin cuerpo / Razing Disembodied Souls"
Carboncillo sobre papel, enmarcado en plexiglás / charcoal on paper, framed with plexi, 25,5" x 33,5"

«I have two full time careers being a fine artist and metalsmith which is under the company name, Miyu Decay. I have both my BFA and MFA in Sculpture but my career path has led me to predominately create drawings. I would love to get back into large scale sculptures but it’s been difficult finding galleries for that. My sculptures and drawings have always been influenced by personal experiences. There has been quite a bit of trauma so making art is the best way to synthesize those moments from my life. I also make my own costuming as I have been a Middle Eastern dancer for almost half my life and performing necessitated costumes. I sell some of my costume headdresses and fascinators through my jewelry company.  My jewelry is a mixture of the macabre, Old World, and tribal. Most of my pieces are originally hand carved.»

«I love the Old World. I amalgamate vintage and antique fabrics, patterns, and jewelry pieces that come from around that world for my costuming that I sell an also incorporate those patterns into the jewelry I sculpt. Since I was buying vintage kimono fabrics, it was a natural transition to buy washi paper that has similar patterning.»

"La derrota vampírica de las (almas) incorpóreas / The Vampiric Deception of Disembodied (Souls)"
Carboncillo y papel Washi sobre / charcoal and Washi paper on Rives BFK, 20" x 40", 2014

"La tempestad / Tempest"
Carboncillo sobre papel, enmarcado en plexiglás / charcoal on paper, framed with plexi, 48" x 75"

«They [Crows] are brilliantly fantastic creatures. One of my past residences had a murder of crows that would always hang out in the parking lot by my house. I’d talk to them and they’d talk back. Sometimes they would sit on my chimney and I’d heard them cackling through the hole, leaving a warm fuzzy feeling inside my heart. I love that they mainly mate for life.If a human or another animal does something good or bad, they’re intelligent enough to tell their murder for subsequent generations about those deeds. They represent love and loyalty to me. Crows and ravens, being carrions by nature are directly associated to death. I’ve always seen life and death as cyclical so death isn’t necessarily a negative thing because it leads back to growth and renewal.»

Diseño y Maquillaje / Designer and MUA: J-Chan - Foto / Photo: Tas Limur
Peinado / Hair: Michaela Limur - Modelo / Model: Stephanie Inagaki

Yurei (*) - Yokai Series. "Cimitarra / Scimitar II"
Carboncillo y papel Washi / charcoal and Washi paper, 14" x 25", 2016

(*) Yūrei (幽霊) are figures in Japanese folklore, analogous to Western legends of ghosts. Like their Western counterparts, they are thought to be spirits removed from a peaceful life after death due to something that happened to them in life, lack of an adequate funeral ceremony, or committing suicide. They usually appear between two in the morning and at dawn, to frighten and torment those who offended them in life, but without causing physical harm.

(**) Yōkai (妖怪, ghost, phantom, strange apparition) are a class of supernatural monsters, spirits and demons in Japanese folklore. Yōkai range diversely from the malevolent to the mischievous, or occasionally bring good fortune to those who encounter them. Often they possess animal features (such as the kappa, which is similar to a turtle, or the tengu which has wings), other times they can appear mostly human, some look like inanimate objects and others have no discernible shape. Yōkai usually have spiritual or supernatural power, with shapeshifting being one of the most common. Yōkai that have the ability to shapeshift are called bakemono (化物) / obake (お化け).

(***) Kitsune (狐) is the Japanese word for the fox. Foxes are a common subject of Japanese folklore. Stories depict them as intelligent beings and as possessing paranormal abilities that increase with their age and wisdom. According to Yōkai folklore, all foxes have the ability to shapeshift into human form. While some folktales speak of kitsune employing this ability to trick others— as foxes in folklore often do— other stories portray them as faithful guardians, friends, lovers, and wives.

"El paso renuente / The Reluctant Passing"
Carboncillo y papel Washi / charcoal and Washi Paper, 30" x 26", 2017

«Hair is all those things for me [a symbol of potent womanhood, of divine femininity or life source]. It is also an identifier since I have always had long hair. I’ve had bangs or had the sides shaved but I have kept the length my whole life. It embodies strength which used to apply to both genders, not so much for men anymore unless you consider Orthodox religions. Hair also represents a sense of stability and fragility for me. It is such a powerful part of our body, attracting or repelling depending on how its presented. People easily pass judgement based on how it looks on any part of your body. It can be sensually attached to the body but becomes immediately abject once its detached. I find these dualities fascinating. The animal kingdom even bases their mating choices on how hair and horns look. Over the years I’ve come to use hair to represent all these ideas within my work.»

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Fuentes / Sources
* Website
* Presentando a la artista / Featured Artist SI. Every Day Original
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Perfil y obras / Profile and works. Booth Gallery
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Allan Amato en "El Hurgador" / in this blog[Allan Amato (Fotografía)], [Aniversarios Fotografía (CLXXXVII)]

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Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Stephanie!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Stephanie!)

Pintando perros / Painting Dogs (LX)

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Ignacio Zuloaga Zabaleta

"Mi familia / My Family", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1937.
Museo Ignacio Zuloaga (Castillo de Pedraza, Segovia, España / SpainCEPA Moncloa

Ignacio Zuloaga Zabaleta fue un pintor español nacido en 1870, uno de los más importantes de finales del s.XIX y principios del XX, fundamentalmente conocido por sus cuadros costumbristas y retratos. Ya hemos visto un par de veces obras de este artista en el blog. Ahora nos centramos en sus obras con perros.

"Mi familia / My Family" (detalle / detail)

"Mi tío Daniel y su familia / My Uncle Daniel and his Family"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 205,1 x 289,5 cm., 1910
Museum of Fine Arts (Boston, Massachusetts, EE.UU./ MA, USA)

Este cuadro fue pintado en Segovia, en la antigua Iglesia de San Juan de los Caballeros (hoy Museo Zuloaga de Segovia). En él puede verse a Daniel Zuloaga Boneta (1852-1921) pintando en exteriores con su paleta, pinceles y caballete de campo, y junto a él su familia. De izquierda a derecha: su mujer Emilia Estringana Benavente, sentada junto a la perrita (que se llamaba "Poli"), sus hijas Esperanza y Candida Zuloaga Estringana, Daniel pintando, su hija Teodora y su hijo Juan Zuloaga Estringana (con el rostro oculto tras Teodora) y al fondo un paisaje castellano con casas donde se puede reconocer el monasterio del Parral de Segovia. facebook

This was painted in Segovia, in the old Church of San Juan de los Caballeros (now Zuloaga Museum in Segovia). In it you can see Daniel Zuloaga Boneta (1852-1921) painting outdoors with his palette, brushes and field easel, and with him his family. From left to right: his wife Emilia Estringana Benavente, sitting next to the dog (called "Poli"), his daughters Esperanza and Candida Zuloaga Estringana, Daniel painting, his daughter Teodora and his son Juan Zuloaga Estringana (with his face hidden behind Teodora) and in the background a Castilian landscape with houses where you can recognize the Parral de Segovia monastery. facebook

"Víspera de la corrida / Eve of the Bullfight"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 222 x 302 cm., 1898
Musées royaux des Beaux-Arts (Bruselas, Bélgica / Brussels, Belgium)

"Retrato de la señora S. W. de S. / Portrait of Mrs. S. W. de S."
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 196 x 127,4 cm., 1934
Museo de Bellas Artes (Buenos Aires, Argentina)

Los perros que más abundan en la obra de Zuloaga son los galgos y los perritos falderos que acompañan a sus dueños en los retratos, aunque también podemos ver otras razas, como el pastor alemán del primer cuadro, "Mi familia".

"Retrato de la señora S. W. de S. / Portrait of Mrs. S. W. de S." (detalles / details)

"Doña Rosita Gutiérrez", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 222 x 302 cm., c.1914-15
1er. cuarto de siglo XX / 1st. quarter of 20th Century, 1898. Museo de Bellas Artes (Bilbao, España / Spain)

"La Fuente de Eibar / The Spring Of Eibar", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1888.
Museo Ignacio Zuloaga (Castillo de Pedraza, Segovia, España / Spain). del Rosso

Ignacio Zuloaga Zabaleta was a Spanish painter born in 1870, one of the most important in the late nineteenth century and early twentieth century, best known for his genre paintings and portraits. We have already seen a couple of times the works of this artist in the blog. Now we focus on his works with dogs.

"Retrato ecuestre de Doña Mª del Rosario Cayetana Fitz-James Stuart y Silva, XVIII Duquesa de Alba /
Equestrian portrait of Mme. Mª del Rosario Cayetana Fitz-James Stuart y Silva, XVIII Duchess of Alba"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1930
Colección Fundación Casa de Alba / Collection Casa de Alba Foundation
Palacio de Liria (Madrid, España / Spain)

"El Duque de / The Duke of Berwick y Alba", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1912 o 1918. Link
Retrato de / Portrait of Jacobo FitzJames-Stuart y Falcó Palafox Portocarrero y Osorio, XVIIº Duque de Alba de Tormes, G.E., Xº Duque de Berwick, Xº Duque de Liria y de Xérica, G.E. (1878-1953). Ministro de Estado y de Instrucción Pública, Embajador de España en Londres, Caballero Gran-Cruz de la Orden de Carlos III y de la Insigne Orden del Toisón de Oro /
Portrait of Jacobo FitzJames-Stuart y Falcó Palafox Portocarrero y Osorio, XVIIº Duke of Alba de Tormes, G.E., Xº Duke of Berwick, Xº Duke of Liria and Xérica, G.E. (1878-1953). Minister of State and Public Instruction, Ambassador of Spain in London, Knight Grand-Cross of the Order of Carlos III and of the Insigne Order of the Golden Fleece.

"Mi tío y mis primas / My Uncle and My Cousins"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 209,5 x 167,5 cm., 1898,
Musée D'Orsay (París, Francia / France)


The dogs that abound most in the work of Zuloaga are the greyhounds and the lapdogs that accompany their owners in the portraits, although we can also see other breeds, such as the German shepherd of the first painting, "My Family".

"Majas a la orilla del mar o Mujeres en el mar / Majas by the Sea or Women by the Sea"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1899-1900
Museo Ignacio Zuloaga (Castillo de Pedraza, Segovia, España / Spain)

"Majas a la orilla del mar o Mujeres en el mar / Majas by the Sea or Women by the Sea" (detalle / detail)

Ignacio Zuloaga en "El Hurgador" / in this blog[Manos a la obra (IX)], [Aniversarios (XXII)]
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Jacob Adriaensz Backer

"Descanso de Diana y sus ninfas / Rest of Diana and Her Nymphs"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 150,5 x 193 cm., 1649. 
Museo Hermitage (San Petersburgo, Rusia / St. Petersburg, Russia)

Jacob Adriaensz Backer fue un pintor holandés de la Edad de Oro nacido en 1609 en Harlingen, Países Bajos. Produjo unas 140 pinturas en veinte años, incluidos retratos, temas religiosos y pinturas mitológicas. En su estilo fue influenciado por Wybrand de Geest, Rubens y Abraham Bloemaert. También destaca por sus dibujos de desnudos masculinos y femeninos.
Se ha destacado particularmente su extrema rapidez en pintar retratos. Joachim von Sandrart escribió en su "Teutsche Academie" que una mujer vino de Haarlem y se fue a su casa el mismo día. En ese corto período completó su retrato a tamaño natural, con sus puños, pieles, cuello, junto con el resto de su vestido y ambas manos.

"Descanso de Diana y sus ninfas / Rest of Diana and Her Nymphs" (detalle / detail)

Atribuido a / Attributed to J.A.Backer 
"La parábola del invitado a la boda indigno / The Parable of the Unworthy Wedding Guest"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 112 ×  156 cm., c.1630-51
Rijksmuseum (Ámsterdam, Holanda / Netherlands)

Además de ser un importante pintor de retratos (unos 70 se le pueden atribuir con certeza), Backer fue un excelente pintor de pinturas religiosas y mitológicas. Estaba especialmente interesado en temas pastorales y temas de la historia contemporánea, como Granida y Daifilo.
Backer, quien se unió al estudio de Rembrandt entre 1632 y 1634, fue uno de los más independientes de sus alumnos, aunque absorbió el espíritu de su estilo, que se refleja en su "Retrato de mujer (Saskia van Uylenburgh?)", en el Museo Nacional de Varsovia (hacia 1633). Destacó en la pintura de manos y pies. Nunca pintó una ciudad o un paisaje. Fue un artista líder en Amsterdam hasta su prematura muerte en 1651.

"La parábola del invitado... / The Parable of..." (detalle / detail)

"Granida & Daifilo", óleo sobre lienzo / oil on canvas, c.1635, Sotheby's

Jacob Adriaensz Backer was a Dutch Golden Age painter born in 1609 in Harlingen, Netherlands. He produced about 140 paintings in twenty years, including portraits, religious subjects, and mythological paintings. In his style he was influenced by Wybrand de Geest, Rubens and Abraham Bloemaert. He is also noted for his drawings of male and female nudes.
His extreme quickness in painting portraits has been particularly noticed, and Joachim von Sandrart wrote in his Teutsche Academie that a woman came from Haarlem and went home the same day, in which short period of time her portrait, cuffs, fur, collar, together with the rest of her dress and both hands, was handsomely completed in a life-sized half-length.

"Granida & Daifilo", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 132 x 163 cm., c.1640.
Bader Collection, Agnes Etherington Art Centre (Kingston, Ontario, Canadá). Wikimedia Commons

"Granida & Daifilo" (detalle / detail)

Besides being an important portrait painter—some 70 portraits can be attributed to him with certainty—Backer was an excellent painter of religious and mythological paintings. He was especially interested in pastoral subjects, and themes from contemporary history, like Granida and Daifilo.
Backer, who joined Rembrandt's studio between 1632 and 1634, was one of the most independent of his pupils although absorbed the spirit of Rembrandt's style which is reflected in his Portrait of a Woman (Saskia van Uylenburgh?) in the National Museum in Warsaw (c. 1633). The artist excelled in painting hands and feet. He never painted a town or landscape. He was a leading artist in Amsterdam until his premature death in 1651.

"Venus & Adonis", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 200 x 237 cm., c.1650
Schloss Museum / Museo del Castillo Fasanerie / Fasanerie Castle Museum
(Eichenzell, Alemania / Germany). Wikimedia Commons

Aleksandr Savichev [Fotografía]

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Aleksandr Savichev
Александр Савичев


Aleksandr Savichev es un fotógrafo ruso nacido en 1977. 
«Tomo fotografías desde los 6 años. Mis géneros son el desnudo artístico y el retrato.»
Aleksandr trabaja habitualmente con cámaras Canon. A falta de más información sobre el artista, disfrutamos de sus bellas imágenes.

© Aleksandr Savichev 2016

© Aleksandr Savichev 2015

© Aleksandr Savichev 2017

© Aleksandr Savichev

© Aleksandr Savichev 2017 

© Aleksandr Savichev 2015

Model / Model: Kate Rich© Aleksandr Savichev 2015

© Aleksandr Savichev 2015

© Aleksandr Savichev 2015

© Aleksandr Savichev

Aleksandr Savichev is a Russian photographer born in 1977.
«I take pictures where it's already years 6. Genre in general: art nude and portrait.»
Aleksandr works regularly with Canon cameras. In the absence of more information about the artist, we enjoy his beautiful images.

© Aleksandr Savichev 2016

© Aleksandr Savichev 2015

© Aleksandr Savichev 2015

© Aleksandr Savichev

Modelo / Model: Kate Rich© Aleksandr Savichev 2016

© Aleksandr Savichev

Modelo / Model: Marina Nesterova© Aleksandr Savichev 2015

© Aleksandr Savichev 2015

© Aleksandr Savichev

© Aleksandr Savichev 2017

© Aleksandr Savichev 2017

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Aniversarios (CCXIV) [Febrero / February 12-18]

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Todos los aniversarios de Febrero aquí / All anniversaries for February here.
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El 12 de Febrero es el cumple de

Basil Ede, artista de vida silvestre inglés nacido en 1931 en Surrey, especializado en retratos de aves, conocido por la precisión ornitológica de sus pinturas.
El interés de Ede en el dibujo comenzó temprano en la vida. Creció durante la Segunda Guerra Mundial, y llenaba sus cuadernos de ejercicios con dibujos de aviones militares y caricaturas poco favorecedoras de los maestros de su escuela. Fue educado en St John's School, Leatherhead. Luego asistió a la Escuela de Arte Kingston en Surrey. Sin embargo, en 1949, lo llamaron para el servicio militar obligatorio en el ejército británico. Al dejarlo en 1951 se unió a la Marina Mercante, tomando un trabajo como contador a bordo del barco de Orient Line Empire Orwell. La ruta establecida del barco estaba entre Southampton y Japón, vía Suez, Colombo, Hong Kong, Singapur y Pusan. Además de estas tareas, el barco ayudaba a transportar tropas y equipos británicos hacia y desde la Guerra de Corea. Ede se fascinaría por el Lejano Oriente y, en particular, por su arte. Sin duda esto tuvo una influencia en su trabajo posterior. Cuando abandonó para siempre la navegación se unió a la línea Cunard como joven ejecutivo. Pasaría su tiempo libre pintando pájaros, incluyendo diseños que vendió a sus empleadores, Cunard, para obtener sus tarjetas de menú de primera clase en RMS Queen Elizabeth y RMS Queen Mary.
La primera exposición individual de la obra de Basil Ede se realizó en la Rowland Ward Gallery de Londres en 1958. En 1964 se convirtió en el primer artista vivo en ser honrado con una exposición individual en la Colección Nacional de Bellas Artes, Washington DC. El evento fue patrocinado por la Embajada Británica, la Unión de Habla Inglesa y la Sociedad Nacional Audubon.

"Cuco / Cuckoo", 1965
de "Aves del pueblo y la ciudad" / from "Birds of Town and Village". Link

En 1965 el primer libro de Ede, "Aves del pueblo y la ciudad / Birds of Town and Village" fue publicado por Country Life Books, presentando treinta y seis láminas de su obra a todo color. La publicación presentaba un prólogo escrito por el Príncipe Felipe, Duque de Edimburgo y textos del ornitólogo W. D. Campbell. Fue reeditado por Chartwell Books en 2004.
En 1971 un encuentro casual con otro coleccionista estadounidense, Jack Warner, condujo a la puesta en marcha de la serie "Aves Silvestres de Estados Unidos / The Wild Birds of America". Descrito como un "proyecto muy ambicioso", el encargo consistía en pintar todas las especies de aves silvestres de América del Norte, 650 en total, en tamaño natural. Robert McCracken Peck, en su ensayo "Cuatro siglos de retratos de aves / Four Centuries of Avian Portraiture", dice que el proyecto "... se ha comparado en alcance al esfuerzo de veintiocho años de John James Audubon para documentar y celebrar las aves de América del Norte", pero agrega: "Una comparación tan limitada no logra poner en perspectiva adecuada la tradición mucho más amplia de la pintura de aves en Estados Unidos con la que Audubon y Ede están íntimamente relacionados". El proyecto fue interrumpido en 1989, luego de que Ede sufriera un derrame cerebral severo. Sin embargo, entre 1975 y 1989, Ede completó un total de noventa y cinco retratos a la acuarela de tamaño natural de aves de América del Norte.
Ede quedó con el brazo derecho paralizado y aprendió a pintar con la mano izquierda. Cambió su medio favorito de la acuarela a los óleos. En un año, nuevamente pintaba de manera competente y en tres años pudo hacerlo con considerable detalle.
Murió en 2016.

"La urraca / The Magpie", 1965
de "Aves del pueblo y la ciudad" / from "Birds of Town and Village". Pinterest

On February 12 is the birthday of

Basil Ede, English wildlife artist born in 1931 in Surrey, specialising in avian portraiture, noted for the ornithological precision of his paintings.
Ede's interest in drawing began early in life. As a schoolboy growing up during the Second World War, he filled his exercise books with sketches of military aircraft and unflattering caricatures of his school teachers. He was educated at St John's School, Leatherhead. He later attended Kingston School of Art in Surrey. However, in 1949, he was called up for compulsory military service in the British Army. On leaving the army in 1951, Ede joined the Merchant Navy, taking a job as a purser on board the Orient Line ship Empire Orwell.

"Cernícalo vulgar / Common Kestrel", 1965
de "Aves del pueblo y la ciudad" / from "Birds of Town and Village". Pinterest

The ship's established route was between Southampton and Japan, via Suez, Columbo, Hong Kong, Singapore and Pusan.  In addition to these duties, the ship was at this time deployed to help transport British troops and equipment to and from the Korean War. Ede was to become fascinated by the Far East and in particular by its art. This was undoubtedly to have an influence on his later work. Coming ashore for good, Ede then joined the Cunard line as a young executive. He would spend his spare time painting birds, including designs that he sold to his employers, Cunard, for their first class menu cards on the RMS Queen Elizabeth and RMS Queen Mary. 
The first one-man exhibition of Basil Ede's work was held at the Rowland Ward Gallery in London in 1958. In 1964, Ede became the first living artist to be honoured with a one-man show at the National Collection of Fine Arts, Washington D.C. The event was sponsored by the British Embassy, the English Speaking Union and the National Audubon Society.
In 1965, Ede's first book, "Birds of Town and Village" was published by Country Life Books, featuring thirty six plates of his work in full colour. The publication features a foreword written by Prince Philip, Duke of Edinburgh and text by ornithologist W. D. Campbell, republished by Chartwell Books in 2004.

"Somormujo Lavanco / Great Crested Grebe"
Acuarela / watercolor, 19,6 x 29,8 cm., 1976. Rountree Tyron Galleries

In 1971, a chance encounter with another American collector, Jack Warner, led to the commissioning of "The Wild Birds of America" series. Described as a "very ambitious project", the commission was to paint every species of wild bird in North America, 650 in all, in life size. Robert McCracken Peck, in his essay "Four Centuries of Avian Portraiture", says that the project "...has been compared in scope to John James Audubon's twenty eight year effort to document and celebrate the birds of North America", but adds, "so limited a comparison fails to put into proper perspective the much larger tradition of bird painting in America with which both Audubon and Ede are intimately interlinked." The project was cut short in 1989, after Ede suffered a severe stroke. However, a total of ninety five life sized portraits of North American birds, in watercolour, were completed for the collection by Ede, between 1975 and 1989.
Ede was left with his right arm paralysed and taught himself to paint with his left hand instead. He switched his chosen medium from watercolour to oils. Within a year he was once again painting competently and within three he was able to paint in considerable detail.
He died in 2016.

"Pito real / Green Woodpecker", 1965
de "Aves del pueblo y la ciudad" / from "Birds of Town and Village". Link


El 13 de Febrero es el cumple de

Georg Schrimpf, pintor y artista gráfico alemán nacido en 1889 en Munich.
Junto con Otto Dix, George Grosz y Christian Schad, Schrimpf es ampliamente reconocido como representante principal de la Neue Sachlichkeit (Nueva objetividad), que se desarrolló, en la Alemania de Weimar en la década de 1920 como un movimiento contrario al expresionismo y abstracción. Schrimpf fue catalogado como creador de arte degenerado por el gobierno nacionalsocialista en la década de 1930.
Entre 1905 y 1914 Schrimpf deambuló por Bélgica, Francia, Suiza e Italia del norte, trabajando como camarero, panadero y repartidor de carbón.
Con el estallido de la Primera Guerra Mundial, el antimilitarista Schrimpf "empleó exitosamente todos los trucos posibles para evitar el servicio militar. Al hacerlo, sin embargo, arruinó su salud". De 1915-1918 vivió en Berlín, donde trabajó como artista independiente. En su tiempo libre empleaba cada minuto en dibujar, pintar y tallar madera. Mayormente autodidacta como artista, aprendió copiando los Viejos Maestros.
En 1916 el famoso publicista y experto en arte Herwarth Walden expuso algunas de las pinturas y tallas de madera de Schrimpf en su galería de Berlín "Der Stumm", donde fueron muy bien acogidas por el público.
Participó con el "November Group / Grupo Noviembre", y fue incluido en sus exposiciones de 1919, 1920, 1924 y 1929. Publicó sus obras en revistas expresionistas tales como "Der Weg", "Die Bücherkiste" y "Die Sichel". En 1919 participó en la efímera República Soviética de Munich que intentó establecer un estado socialista en Baviera, y fue detenido cuando el movimiento fue aplastado. En 1921 el marchante de arte Hans Goltz exhibió su obra en Múnich.

"Liegende Mädchen im Grünen / Chicas reclinadas en el campo / Reclining Girls in the Countryside"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 54 x 101 cm., 1930.
Staatsgalerie Stuttgart (Alemania / Germany). Art Blart

Ya en la década de 1920 se consideraba que Schrimpf representaba el "ala derecha" del movimiento de la Nueva Objetividad. Otros representantes prominentes del ala incluyen a Alexander Kanoldt y Franz Lenk. El ala llamada "verista" del movimiento incluía a Otto Dix, George Grosz y Georg Scholz. En 1924 se mudó a Italia.
En 1925 participó en la exposición Neue Sachlichkeit en Mannheim Kunsthalle. Dos años más tarde comenzó a enseñar en la Meisterschule für Dekorationskunst, en Munich. La "derecha" del movimiento no fue tenida en cuenta de inmediato por el régimen nazi en su etapa temprana, y pudieron asumir cátedras de pintura después de que el régimen tomó el poder en 1933. El trabajo de Schrimpf era visto como una forma aceptable del romanticismo alemán por parte de las autoridades.
En 1932 se fundó el Grupo Siete y dio comienzo una exposición itinerante del grupo. Los otros otros miembros fueron Theo Champion, Adolf Dietrich, Hasso von Hugo y Franz Radziwill, así como Kanoldt y Lenk.
Schrimpf se convirtió en profesor en la Real Escuela de Arte de Berlín en 1933, pero fue despedido en 1937 debido a su "pasado rojo". Fue miembro por un corto período de Rote Hilfe, una organización socialista. Por esa razón, el régimen nazi prohibió sus obras en exposiciones públicas.
Murió en 1938.

"Am Morgen / Por la mañana / In the Morning"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 82 x 48 cm., 1931. Lempertz

On February 13 is the birthday of

Georg Schrimpf, German painter and graphic artist born in 1889 in Munich.
Along with Otto Dix, George Grosz and Christian Schad, Schrimpf is broadly acknowledged as a main representative of the art trend Neue Sachlichkeit (usually translated New Objectivity), which developed, in Weimar Germany, in the 1920s as a counter-movement to Expressionism and Abstraction. Schrimpf was listed as a producer of Degenerate Art by the German National Socialist government in the 1930s.
From 1905 to 1914 Schrimpf wandered through Belgium, France, Switzerland and Northern Italy, working as a waiter, baker, and coal shuffler. 
With the outbreak of the First World War, the antimilitaristic Schrimpf "successfully employed every possible trick to avoid military service; in so doing, however, he ruined his health". From 1915–1918 Schrimpf lived in Berlin, where he worked as a freelance artist. In his free time he used every minute for drawing, painting, and wood carving. Mostly self-taught as an artist, he learned by copying the Old Masters. 
In 1916 the famous publicist and art expert Herwarth Walden exhibited some of Schrimpf's paintings and woodcarvings in his Berlin gallery Der Stumm where they received much public attention. 

"Stillleben / Bodegón / Still Life", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1929.
Städtische Galerie  im Lenbachhaus (Munich, Alemania / Germany). Wikimedia Commons

He participated with the November Group and was included in their exhibitions of 1919, 1920, 1924 and 1929. Schrimpf published works, in such the Munich expressionist magazines as Der Weg, Die Bücherkiste and Die Sichel. In 1919 he was involved in the short-lived Munich Soviet Republic which attempted to establish a socialist state in Bavaria and was arrested after the movement was crushed. In 1921 his works were shown in Munich by art dealer Hans Goltz.
As early as the 1920s, Schrimpf was regarded as being a representative of the "right wing" of the Neue Sachlichkeit movement. Other prominent representatives of the wing included Alexander Kanoldt and Franz Lenk. The movement's so called "verist" wing included such artists as Otto Dix, George Grosz and Georg Scholz. In 1924 he moved to Italy.
In 1925 Schrimpf participated in the Neue Sachlichkeit exhibition at the Mannheim Kunsthalle. Two years later, he began teaching at the Meisterschule für Dekorationskunst in Munich. The "right-wing" of the movement were not immediately condemned by the Nazi regime at an early stage and were able to take on professorships in painting after the regime seized power in 1933. Schrimpf's work was seen as an acceptable form of German Romanticism by the authorities.
1932 saw the foundation of the Group Seven and the start of a touring exhibition by the group; the other members were Theo Champion, Adolf Dietrich, Hasso von Hugo, Franz Radziwill, as well as Kanoldt and Lenk.
Schrimpf became professor at the Royal School of Art in Berlin in 1933, but was fired in 1937 because of his “red past”. He had been a short-time member of Rote Hilfe, a socialist organization. For the same reason the Nazi regime banned his works from public exhibitions. 
He died in 1938.

"Stillleben mit Katze (Ofenecke) / Bodegón con gato / Still Life With Cat"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60,7 x 45,4 cm., 1923
Pinakothek der Moderne (Munich, Alemania / Germany). Wikimedia Commons


El 14 de Febrero es el cumple de

Maximilian Emanuel Ainmiller, artista alemán y pintor de vitrales nacido en 1807.
Bajo la tutela de Friedrich von Gärtner, director de la Real Fábrica de Porcelana de Nymphenburg, Ainmiller estudió la pintura de vidrio, como proceso mecánico y como arte, en la Academia de Bellas Artes de Munich. En 1828 fue nombrado director de la recién fundada fábrica real de vidrio pintado en Munich. El método que gradualmente perfeccionó fue un desarrollo del proceso del esmalte adoptado en el Renacimiento, y consistió en pintar el diseño sobre el vidrio, que era sometido, según se aplicaba cada color, a un calentamiento cuidadosamente ajustado.

"Das Ulmer Münster / La catedral del Ulm / The Ulm Minster"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 116,5 x 92 cm., 1859. Wikimedia Commons

Los primeros ejemplares del trabajo de Ainmiller se encuentran en la catedral de Ratisbona. Con algunas excepciones, todas las ventanas de la catedral de Glasgow son de su mano. También se pueden ver en la catedral de San Pablo y Peterhouse, Cambridge, y la catedral de Colonia contiene algunas de sus mejores producciones. Ainmiller tenía considerable habilidad como pintor al óleo, especialmente de interiores; sus pinturas de la Capilla Real en el Castillo de Windsor y de la Abadía de Westminster eran muy admiradas, la última de las cuales se exhibe en la galería de Neue Pinakothek en Munich.
Maximilian también fue mentor de muchos pintores famosos, incluyendo a su futuro yerno David Dalhoff Neal, y abuelo del dramaturgo Max Neal y del compositor Heinrich Neal, que nació unos meses antes de su muerte en 1870.

"Die Hochzeit Wilhelms V. mit Renata von Lothringen 1568 in der Münchner Frauenkirche /
La boda de Guillermo V con Renata de Lorena 1568 en la Frauenkirche de Munich /
The wedding of William V. with Renata of Lorraine 1568 in the Munich Frauenkirche"
Óleo sobre panel / oil on panel, 152 × 117 cm., 1854.
Münchner Stadtmuseum (Múnich, Alemania / Germany). Wikimedia Commons

On February 14 is the birthday of

Maximilian Emanuel Ainmiller, German artist and glass painter born in 1807.
Under the tutorage of Friedrich von Gärtner, director of the royal Nymphenburg Porcelain Manufactory, Ainmiller studied glass painting, both as a mechanical process and as an art, at the Academy of Fine Arts in Munich. In 1828 he was appointed director of the newly founded royal painted-glass manufactory at Munich. The method which he gradually perfected there was a development of the enamel process adopted in the Renaissance, and consisted in actually painting the design upon the glass, which was subjected, as each colour was laid on, to carefully adjusted heating.

"El coro de la Abadía de Westminster en Londres con la tumba de Eduardo el Confesor /
The choir of Westminster Abbey in London with the tomb of Edward the Confessor /
Der Chor der Westminster Abbey in London mit dem Grabmal Eduards des Bekenners"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 189 x 145 cm., 1807
Neue Pinakothek München (Múnich, Alemania / Germany). Bayerische Staatsgemäldesammlungen

The earliest specimens of Ainmiller's work are to be found in the cathedral of Regensburg. With a few exceptions, all the windows in Glasgow cathedral are from his hand. Specimens may also be seen in St Paul's cathedral and Peterhouse, Cambridge, and the Cologne cathedral contains some of his finest productions. Ainmiller had considerable skill as an oil-painter, especially in interiors, his pictures of the Chapel Royal at Windsor Castle and of Westminster Abbey being much admired, the latter of which is displayed in the gallery of the Neue Pinakothek in Munich.
Maximilian was also mentor to many famous painters, including future son-in-law David Dalhoff Neal, and grandfather to dramatist Max Neal, and composer Heinrich Neal who was born a few month prior to his death in 1870.

"Interior de una iglesia / Interior of a Church"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 68 x 54 cm., 1859.
Museo Hermitage (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia)


El 15 de Febrero es el cumple de

Mary Swanzy, pintora irlandesa de paisajes y escenas de género, nacida en 1882 en Dublín. Conocida por su abordaje ecléctico, pintó en muchos estilos, incluidos el cubismo, el fauvismo y el orfismo, y fue una de las primeras pintoras abstractas de Irlanda.
Swanzy asistió a Alexandra College, Earlsfort Terrace, una escuela en el Lycée en Versalles, Francia, y una escuela diurna en Freiburg, Alemania. Gracias a esta educación dominaba el francés y el alemán. Luego pasó a tomar clases de arte en el estudio de May Mannings, bajo la dirección de John Butler Yeats. Manning alentó a Swanzy a estudiar modelaje con John Hughes en la Escuela Metropolitana de Arte de Dublín. Viviendo a poca distancia de la Galería Nacional de Irlanda, pasó mucho tiempo estudiando y copiando a los grandes maestros. La primera exposición de Swanzy fue con la Royal Hibernian Academy (RHA) en 1905 con "Retrato de un niño", y continuó exhibiendo retratos todos los años hasta 1910. En 1905 viajó a París y trabajó en el estudio Delacluse. Luego asistió al estudio de Antonio de La Gándara en 1906 y tomó clases en la Académie de la Grande Chaumière y la Académie Colarossi. Mientras estuvo en París entró en contacto con las obras de Gauguin, Matisse y Picasso, lo que le causó una impresión duradera.
A su regreso a Dublín pintó retratos y escenas de género, y celebró su primera muestra en Mill's Hall, Merrion Row en 1913.

"Mujer con vestido verde y camafeo / Woman in a Green Dress and Cameo"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76,2 x 64 cm., 1920-40. ArtUK
Ulster Museum (Jardines Botánicos, Belfast, Irlanda del Norte / Botanic Gardens, Belfast, Northern Ireland)

Después de la muerte de sus padres Swanzy fue financieramente independiente y pudo viajar, pasando su tiempo entre Dublín y Saint-Tropez durante la Primera Guerra Mundial, mientras continuaba pintando. También exhibió con la Société des Artistes Indépendants en 1914 y 1916, siendo elegida para el comité en 1920.
Comenzó a viajar a países más exóticos desde la década de 1920, a Honolulu alrededor de 1923, y más tarde a Samoa. Como resultado pintó flores tropicales locales, árboles y mujeres nativas, con una paleta y un estilo similar al del fauvismo. Se quedó un tiempo en Santa Bárbara, California, trabajando en un estudio local y exhibiendo parte de su trabajo de Samoa en la Galería del Club de Artes de Santa Bárbara. Regresó a Irlanda en febrero de 1925. A mediados de la década de 1920 se instaló en Blackheath, Londres, haciendo viajes regulares a Dublín y al extranjero. Por esta época la pintura de Swanzy fue influenciada por el orfismo y recibió reseñas muy positivas. Su obra se volvió más alegórica en años posteriores.
Continuó pintando hasta su muerte en su casa de Londres en 1978.

"Leyendo la columna de ofertas de empleo / Reading the 'Employment Offers' Column"
Óleo sobre panel / oil on board, 34,8 x 26,8 cm., 1972. ArtUK
Ulster Museum (Jardines Botánicos, Belfast, Irlanda del Norte / Botanic Gardens, Belfast, Northern Ireland)

On February 15 is the birthday of

Mary Swanzy, Irish landscape and genre painter born in 1882 in Dublin. Noted for her eclectic style, she painted in many styles including cubism, fauvism, and orphism, and was one of Ireland's first abstract painters.
Swanzy attended Alexandra College, Earlsfort Terrace, a finishing school at the Lycée in Versailles, France, and a day school in Freiburg, Germany. This education meant that Swanzy was fluent in French and German. She went on to take art classes at May Mannings's studio, under the direction of John Butler Yeats. Manning encouraged Swanzy to study modelling with John Hughes at the Dublin Metropolitan School of Art. Living within walking distance of the National Gallery of Ireland, she spent a lot of time studying and copying the great masters. Swanzy's first exhibition was with the Royal Hibernian Academy (RHA) in 1905 with Portrait of a child, continuing to exhibit portraits every year until 1910. In 1905 she went to Paris, and worked at the Delacluse studio. She went on to attend the studio of Antonio de La Gándara in 1906, and took classes at Académie de la Grande Chaumière and Académie Colarossi. Whilst in Paris Swanzy was exposed to the works of Gauguin, Matisse, and Picasso, which made a lasting impression on her.
On her return to Dublin, Swanzy painted portraits and genre scenes and held her first show at Mill's Hall, Merrion Row in 1913.

"Sol en las velas / Sun on the Sails", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76 x 63,5 cm. Sotheby's

After the deaths of her parents, Swanzy was financially independent and could travel, spending her time between Dublin and Saint-Tropez during World War I whilst continuing to paint. She also exhibited with the Société des Artistes Indépendants in 1914 and 1916, being elected to the committee in 1920.
Swanzy began to travel to more exotic countries from the 1920s, Honolulu around 1923, and later Samoa. As a result, she painted local tropical flowers, trees, and native women, with a palette and style similar to that of Fauvism. She stayed for a time in Santa Barbara, California, working in a local studio and exhibiting some of her Samoan work at the Santa Barbara Arts Club Gallery. She returned to Ireland in February 1925. In the mid 1920s Swanzy settled in Blackheath, London, making regular trips to Dublin and abroad. At this time Swanzy's painting was influenced by orphism and was reviewed positively. Her work became more allegorical in later years.
She continued to paint until her death at her home in London in 1978.

"Paisaje iluminado por el sol / Sunlit Landscape"
óleo sobre lienzo / oil on canvas, 81,5 x 99  cm. Sotheby's


El 16 de Febrero es el cumple de

Théodore Jacques Ralli o Theodorus Rallis (nombre completo: Theodoros Rallis-Scaramanga, Θεόδωρος Ράλλης), pintor, acuarelista y dibujante griego nacido en 1852 en Constantinopla. Pasó la mayor parte de su vida activa en París, Francia y en Egipto. Pintó obras de género, retratos, figuras locales, temas arquitectónicos, interiores con figuras y animales, pero se lo conoce fundamentalmente por sus pinturas orientalistas.
Fue enviado a París bajo el patrocinio del rey Otto de Grecia y estudió con Jean-Léon Gérôme, pintor y profesor francés en la Ecole des Beaux-Arts, y bajo la dirección de Jean-Jules-Antoine Lecomte du Nouy, ​​ambos conocidos por sus pinturas orientalistas.
Luego viajó mucho por el norte de África y el Medio Oriente, estableciéndose por un tiempo en El Cairo, Egipto. Allí encontró su inspiración para el misticismo romántico y la sugerente sensualidad de sus muchas pinturas orientalistas. Sus otras obras de género eran a menudo recuerdos nostálgicos de la vida y las costumbres de su tierra griega, que retrató con una reverencia delicada y conmovedora. Sus pinturas fueron elaboradas con gran atención al detalle, a los disfraces y las expresiones faciales. Las diversas fuentes de luz en sus pinturas, como los rayos de luz, las velas o las brasas brillantes en la chimenea, se muestran en colores suaves.

"Escuchando a escondidas / Eavesdropping"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 55,5 x 37 cm., 1880. Bonhams

Su primera exposición fue en el Salón en 1875. Desde 1879 exhibió regularmente en la Royal Academy de Londres. Fue miembro de la Société des Artistes Français, donde recibió una mención honorífica en 1885 y una medalla de plata en 1889 por toda su obra. Expuso sus pinturas en el Salon de Rouen (1897, 1903, 1906 y 1909) y también en Atenas durante los Juegos Olímpicos de 1896. También se desempeñó como miembro del jurado de la competencia en 1900 en la Exposición Universal. En 1901 se convirtió en Caballero de la Legión de Honor.
Después de su muerte en 1909, fue lentamente olvidado. Es revelador que su nombre ni siquiera esté incluido en el Diccionario de Arte Grove. La mayoría de sus cuadros todavía están en colecciones privadas. Solo unos pocos museos alguna vez compraron sus obras. Últimamente, sus pinturas han sido redescubiertas y están siendo subastadas a precios que multiplican por diez lo que se pagaba por ellas hace algunos años, alcanzando cifras de 30,000 a 100,000 euros.

"Una belleza oriental / An Oriental Beauty"
Óleo sobre onix / oil on onyx, 22 x 15,6 cm. Bonhams

On February 16 is the birthday of

Théodore Jacques Ralli or Theodorus Rallis (full name: Theodoros Rallis-Scaramanga; Greek: Θεόδωρος Ράλλης), Greek painter, watercolourist and draughtsman born in 1852 in Constantinople. He spent most of his working life in Paris, France and in Egypt. He painted genre works, portraits, local figures, architectural subjects, interiors with figures and animals. But he is best known for his orientalist paintings.
He was sent to Paris under the patronage of King Otto of Greece and studied under Jean-Léon Gérôme, French painter and professor at the Ecole des Beaux-Arts, and under Jean-Jules-Antoine Lecomte du Nouy, both known for their orientalist paintings.
Ralli then travelled widely in North Africa and the Middle East, settling for a while in Cairo, Egypt. Here he found his inspiration for the romantic mysticism and suggestive sensuality of his many orientalistic paintings. His other genre paintings were often nostalgic recollections of the life and customs of his Greek homeland, which he portrayed with a delicate and moving reverence. His paintings were elaborated with great attention to detail, with great attention to costumes and facial expressions. The varying light sources in his paintings such as rays of light, candles, or the glowing embers in the fireplace are rendered in soft colours.

"Rezando antes de comulgar en Megara / Praying Before the Communion at Megara"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60,4 x 93,4 cm., 1890. Bonhams

Rallis first exhibition was at the Salon in 1875. From 1879 he regularly exhibited at the Royal Academy in London. He was a member of the Société des Artistes Français, where he received an honourable mention in 1885, and a silver medal in 1889 for his whole work He exhibited his paintings in the Salon de Rouen (1897, 1903, 1906 and 1909) and also in Athens during the Olympic Games of 1896. He also served as a member of the competition jury in 1900 at the Exposition Universelle.In 1901 he became a Chevalier of the Légion d’Honneur.
After his death in 1909, he was slowly almost forgotten. It is telling that his name is not even included in the Grove Dictionary of Art. Most of his paintings are still in private collections. Only a few museums ever purchased his works. Lately, his paintings have been rediscovered and are being auctioned at prices that are a tenfold of some years ago, fetching prices from 30,000 to 100,000 euros.

"La ofrenda / The Offering", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 55 x 47 cm. Sotheby's



El 17 de Febrero es el cumple de

Khaled al-Khani, pintor sirio nacido en 1975 en el antiguo barrio de Albarodiah en Hama, que actualmente reside en París.
Emplea una variedad de medios para su trabajo, incluyendo pintura al óleo y mural.
Cuando era niño su madre notó su pasión por el dibujo y la colorimetría y lo alientó a continuar en esta área. De adolescente comienza a visitar el taller de Sohail Alahdab, donde aprende varias técnicas pictóricas y modelado en arcilla. Después de graduarse de la escuela, se muda a Damasco para cursar estudios en la escuela de Bellas Artes. Como estudiante, comienza a vender inmediatamente sus pinturas para pagar sus costos. En 1998 obtiene su diploma en pintura, y su maestría en 2000.
La galería de Damasco Naseer Shura recibe las tres primeras exposiciones de Khaled al-Khani, en 1999, 2000 y 2001. El color dominante en estas series es el marrón, y la estética emplea efectos de contractura. Su presentación en la escena artística árabe comienza en Kuwait, donde tiene su primera exposición en el Museo de Baytlothan en 2001, seguida de otra exposición al año siguiente en la Galería Boushahri. Exposiciones individuales tienen lugar en en Dubai, Jordania y Líbano.

De la serie / From the series Original
"Rotación / Rotation", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 140 x 161 cm., 2016. Artsy

Tres meses después del levantamiento popular, Khaled al-Khani se ve obligado a escapar de su país. Es buscado por tomar parte en las manifestaciones populares en Damas contra el presidente Bachar el-Assad y por haber publicado una serie de artículos denunciando la masacre de 1982 en Hama, durante muchos años un tema tabú en la historia de Siria. Llega a París en junio de 2011, donde espera un año antes de retomar su trabajo. Horrorizado por la violencia desatada en su país, imágenes muy violentas emergen en su pintura, representando figuras deformes, rostros desfigurados y masas agitadas.
El ser humano como individuo o en la multitud está en el corazón de la obra de Al-Khani. La mujer también es un tema importante en sus pinturas.
Encontramos un desarrollo similar al de muchos de los artistas del movimiento expresionista alemán que comenzaron antes del período de la Primera Guerra Mundial, como Otto Dix.

"Seducción revolucionaria / Revolutionary Seduction", 2013. Artfacts

On February 17 is the birthday of

Khaled al-Khani, Syrian painter born in 1975 in the ancient neighborhood of Albarodiah in Hama, currently living in Paris.
He employs a variety of supports for his work, including oil painting, and mural painting.
As a child, his mother notices his passion for drawing and colorimetry and encourages him to pursue this area. As an adolescent, he starts to visit the atelier of Sohail Alahdab, where he learns various pictorial techniques and clay modeling. After graduating from school, he moves to Damascus to pursue studies at the school of Fine Arts. As a student, he starts to sell immediately his paintings to pay his costs. In 1998, he obtains his diploma in painting, in 2000 obtaining his Master's degree.
The Damascus gallery Naseer Shura receives the first three exhibitions of Khaled al-Khani, in 1999, 2000 and 2001. The dominant colour in these series is brown, and the esthetic employs effects of contre-jour. His presentation to the Arab artistic scene begins in Kuwait, where he presents his first exhibition at the Museum of Baytlothan in 2001, followed by another exhibition the following year at the Boushahri Gallery. Individual exhibitions take place in Dubai, Jordan and Lebanon.

De la serie / From the series Original
"Amor de manifestante / Demonstrator Love"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 50 × 50 cm., 2017. Artsy

Three months following the popular upheaval, Khaled al-Khani is forced to escape his country. He is wanted for his part in popular demonstrations in Damas against the President Bachar el-Assad and for having published a series of articles denouncing the 1982 massacre at Hama, for many years a taboo subject in the history of Syria. He arrives in Paris in June 2011, where he waits for one year before taking up his work again. Horrified by the violence unleashed in his country, very violent imagery emerges in his painting, depicting deformed figures, disfigured faces, and the agitated masses.
The human as an individual or in the crowd is at the heart of the work of Al-Khani. Woman are also an important subject in his paintings.
In Khaled al-Khani's work, we find a development similar to the works of many artists of the German Expressionist movement beginning before the period of the First World War, such as Otto Dix.

"Tres chicas / Three Girls", 2013. Artfacts


El 18 de Febrero es el cumple de

Louis Comfort Tiffany, artista y diseñador estadounidense nacido en la ciudad de Nueva York en 1848, que trabajó en las artes decorativas y es conocido por su trabajo en vidrieras.
Es el artista estadounidense más asociado con los movimientos Art Nouveau y Estética. Estaba afiliado a un prestigioso grupo de diseñadores conocido como Associated Artists, que incluía a Lockwood de Forest, Candace Wheeler y Samuel Colman. Tiffany diseñó vidrieras y lámparas de colores, mosaicos de vidrio, vidrio soplado, cerámica, joyas, esmaltes y carpintería metálica. Fue el primer Director de Diseño en su empresa familiar, Tiffany & Co., fundada por su padre Charles Lewis Tiffany.
Tiffany comenzó como pintor, pero se interesó en la fabricación de vidrio desde aproximadamente 1875 y trabajó en varios invernaderos en Brooklyn entre entonces y 1878.
Al comienzo de su carrera, Tiffany usó botellas y frascos de jaleas y gelatina baratos porque tenían las impurezas minerales de las que carecía el vidrio más fino. Cuando no pudo convencer a los buenos fabricantes de vidrio de que dejaran las impurezas, comenzó a hacer su propio vidrio. Tiffany usó vidrio opalescente en una variedad de colores y texturas para crear un estilo único de vidrieras.

"Ventana para la Exposición Universal de Chicago, 
Window for the World’s Columbian Exposition in Chicago", 1893. Tiffany

Estableció la marca Favrile (de la antigua palabra francesa para hecho a mano) el 13 de noviembre de 1894. Más tarde usó esta palabra para aplicar a todo su vidrio, esmalte y cerámica. Las primeras lámparas de Tiffany producidas comercialmente datan de alrededor de 1895.
Los interiores de Tiffany también hicieron un uso considerable de mosaicos. El taller de mosaicos, en su mayoría formado por mujeres, fue supervisado hasta 1898 por el escultor y diseñador nacido en Suiza, Jacob Adolphus Holzer.
Murió en 1933.

"Lámpara / Lamp"
Fabricante / Maker: Tiffany Studios (1902–32)
Cristal Favrile con plomo y bronce / leaded Favrile glass and bronze
base: 67,3 cm., diam: 37,1 cm., pantalla / shade: 37,1 cm., 1904-15
The Metropolitan Museum (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

On February 18 is the birthday of

Louis Comfort Tiffany, American artist and designer born in New York City in 1848, who worked in the decorative arts and is best known for his work in stained glass.
He is the American artist most associated with the Art Nouveau and Aesthetic movements. He was affiliated with a prestigious collaborative of designers known as the Associated Artists, which included Lockwood de Forest, Candace Wheeler, and Samuel Colman. Tiffany designed stained glass windows and lamps, glass mosaics, blown glass, ceramics, jewelry, enamels, and metalwork. He was the first Design Director at his family company, Tiffany & Co., founded by his father Charles Lewis Tiffany.
Tiffany started out as a painter, but became interested in glassmaking from about 1875 and worked at several glasshouses in Brooklyn between then and 1878.

"Magnolias y lirios / Magnolias and Irises"
Fabricante / Maker: Tiffany Studios (1902–32)
Cristal Favrile con plomo / leaded Favrile glass, 153 x 106.7 cm., c.1908
The Metropolitan Museum (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

In the beginning of his career, Tiffany used cheap jelly jars and bottles because they had the mineral impurities that finer glass lacked. When he was unable to convince fine glassmakers to leave the impurities in, he began making his own glass. Tiffany used opalescent glass in a variety of colors and textures to create a unique style of stained glass.
He trademarked Favrile (from the old French word for handmade) on November 13, 1894. He later used this word to apply to all of his glass, enamel and pottery. Tiffany's first commercially produced lamps date from around 1895.
Tiffany interiors also made considerable use of mosaics. The mosaics workshop, largely staffed by women, was overseen until 1898 by the Swiss-born sculptor and designer Jacob Adolphus Holzer.
He died in 1933.

"Ventana con un paisaje del río Hudson / Window with Hudson River Landscape"
Vitral del Castillo Rochroane, Irvington-on-Hudson, Nueva York /
Stained Glass Window from Rochroane Castle, Irvington-on-Hudson, New York
346,2 x 330,1 x 21,2 cm., 1905
Corning Museum of Glass (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Alejandro Barrón [Pintura / Painting]

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Las pinturas de Alejandró Barrón son mucho más que un minucioso estudio anatómico y gestual de los personajes. El uso del claroscuro que tanto le debe a Caravaggio, acentúa esa sensación de cosa a ser descubierta que nos incita a recorer pausadamente cada detalle, cada tatuaje, cada pliegue. Lejos de esconderse de la intrusión del espectador, a menudo las modelos miran de frente, desafiando e invitando a compartir la sensualidad que desprenden. Alejandro es un enamorado de los detalles, de la piel, de las miradas y las expresiones que nos hacen únicos, y las retrata en toda su naturalidad. Cuepos, rostros, erotistmo... "estos elementos se ligan a mi idea sobre la belleza. Es lo que me mueve, todo lo que veo y me rodea siempre es un campo fértil para interpretar y representar. Me encanta la naturaleza de todas las cosas."

Alejandró Barrón's paintings are much more than a meticulous anatomical and gestural study of the characters. The use of chiaroscuro that owe so much to Caravaggio, accentuates that sensation of a discovered thing that encourages us to scan slowly every detail, every tattoo, every fold of the skin. Far from hiding from the intrusion of the viewer, the models often look straight, challenging and inviting to share the sensuality that they give off. Alejandro is in love with the details, the little things, the looks and the expressions that make us unique, and he portrays them in its naturalness. Bodies, faces, eroticism ... "these elements are linked to my idea of beauty, it is what moves me, everything that I see and surrounds me is always a fertile field to interpret and represent, I love the nature of all things."
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Alejandro Barrón


Alejandro Barrón nació en Ciudad de México en 1980. Se inició estudiando la licenciatura de Artes Visuales en la UNAM en 1998.
«Estuve un poco más de 7 años en la escuela, pero sólo me centré en el aprendizaje de la Litografía del 2000 al 2006, aunque pintaba en casa sólo por gusto, pero sin la formalidad requerida. Al titularme y estar fuera del plantel, empezó mi verdadero oficio por la pintura.»

"El corazón de Venus / The Heart of Venus"
Óleo sobre tela, sobre madera / oil on canvas on wood, 170 x 110 cm., 2015

Obra presentada para el proyecto "El mural del milenio", a cargo de Avelina Lésper, directora de Colección Milenio Arte", en el cual se comisionó a 34 artistas de generaciones y lenguajes distintos a plasmar su visión sobre el éter, el aire, el fuego, la tierra y el agua para reflexionar que la naturaleza va más allá de la ecología.
Según Lesper "queríamos reinterpretar los elementos, dar una visión distinta a la que conocemos como ecología porque es un término muy limitante y utilitario. Buscamos en las pinturas una simbología más filosófica, más humanista."
La muestra "El Mural del Milenio" estará abierta al público hasta el 25/2/2018 en el Hospicio del Instituto Cultural Cabañas, Guadalajara, México.

Work presented for the project "The mural of the millennium", by Avelina Lésper, director of Collection Millienium Art, in which 34 artists of different generations and languages were commissioned to express their vision on the ether, the air, fire, earth and water to reflect that nature goes beyond ecology.
According to Lesper "we wanted to reinterpret the elements, give a different vision to what we know as ecology because it is a very limiting and utilitarian term, we look for a more philosophical, more humanistic symbology in the paintings."
The show "Mural of the Milenium" will be open until February 25th at the Hospicio of Cultural Institute Cabañas, Guadalajara, Mexico.

"Advenimiento / Advent"
Óleo sobre tela, sobre madera / oil on canvas on wood, 75 x 60 cm., 2016

«La escuela quita el dibujo, sólo dan cursos en los primeros años, después les parece obsoleto, pero me metí a todos los talleres de dibujo una y otra vez, incluso dejé de ir a las clases teóricas que no me interesaban. Me enfoqué en el retrato, porque me parece un tema muy vasto.
Así llegué a la oscuridad, que proporciona ambientes intimistas; al desnudo, que ya no es el ideal, sino el que devela detalles, lunares, arrugas, la carne; a objetos que tienen un ánima, que formaron parte de algo o de alguien, con vibra. Son personajes que emergen de la penumbra y todos tienen su historia.»

«La comercialización orilla a los pintores a hacer cuadros decorativos de manera muy rápida. Se pierde la búsqueda y la experimentación. A mí me ayudó caminar solo, y hasta la fecha no me gusta que me digan qué hacer. Hago lo que me llena y tiene posibilidad de moverse, de transformarse, de hacerme avanzar.»

"Ahuyentando Arañas / Scaring Spiders"
Óleo sobre tela, sobre madera / oil on canvas on wood, 35 x 28 cm., 2014

«En mi caso, la pintura es caminar, buscar con todo el tiempo del mundo, dar su espacio a las cosas, porque el cuadro va diciendo qué necesita, y hay que saber escucharlo.»

"San Sebastián / St. Sebastian"
Óleo sobre lino y madera / oil on linen on wood, 130 x 85 cm., 2017

"Gatita de mis sueños / Kitty of my Dreams"
Óleo sobre tela, sobre madera / oil on canvas on wood, 53 x 40 cm., 2017

Tras una fallida exposición en el Centro Cultural Ollin Yoliztli, Barrón pasó por una fase depresiva en la que consideró abandonar la pintura. 
«Fue terrible, no hacía nada más que estar tirado. Pero me hizo levantarme el instinto de supervivencia, porque yo soy esto, mi pintura. Me ayudó un galerista de Monterrey, que cuando vino a mi estudio a ver una obra me dijo: ‘¡Está increíble!’ Me motivó.
Pero el regreso fue frustrante, porque no podía pintar. No es cierto eso de que se tiene el talento o el don. Si dejas de pintar se acaba la magia. Tuve que empezar de nuevo. Pero a pesar del tapón seguí, me costó un año retomar el ritmo.»

"El sueño del gigante / The Dream of the Giant"
Óleo sobre tela, sobre madera / oil on canvas on wood, 80 x 50 cm., 2016

«Mi ideal de belleza es la naturalidad de las cosas, la proporción, la desproporción, el caos, el gesto, todo lo que exalte el aparente “equilibrio” que se encuentra en los detalles de todo lo que nos rodea y de lo que somos.»

"La manera en la que caen los ángeles / The Way the Angels Fall"
Óleo sobre lino / oil on linen, 2012

"Paulina", óleo sobre tela, sobre madera / oil on canvas on wood,  61 x 71 cm., 20177

«Trabajé mucho con retratos y me identifiqué cada vez más con el lenguaje corporal, los detalles, la carne, las texturas, etc. Realmente no creo que esto cambie en el futuro ...
Me gusta representar personas u objetos de una manera sutil en un entorno inusual. Más que relatar algo, busco una obra de arte gesticulada, simbólica y emotiva. Creo que las cosas son hermosas tal como son y no es necesario distorsionar algo para hacerlo interesante. Hay suficientes detalles sobre la piel y las cosas que nos rodean como para deleitarnos de por vida.»

"Devorador de sueños / Dream Eater"
Óleo sobre tela, sobre madera / oil on canvas on wood, 120 x 100 cm., 2017

"Autorretrato a los 35 años / Self Portrait at 35" (obra y detalle / work and detail)
Óleo sobre tela, sobre madera / oil on canvas on wood, 63 x 47 cm., 2015

Alejandro Barrón was born in Mexico City in 1980. He started studying the Visual Arts degree at the UNAM in 1998.
«I was a little over 7 years in school, but I only focused on learning the Lithography from 2000 to 2006, even though I painted at home just for fun, but without the required formality. When I graduated and was off campus, my real job as a painter began.»

"Banana split"
Óleo sobre lino, sobre caoba / oil on linen on mahogany, 36 x 32 cm., 2017

"El presente / The Present"
Óleo sobre tela, sobre madera / oil on canvas on wood, 2013

«The school removes the drawing, they only give courses in the first years, then they seem obsolete, but I went to all the drawing workshops again and again, I even stopped going to the theoretical classes that did not interest me. I focused on portraiture, because it seems a very broad subject.
Thus I arrived at the darkness, which provides intimate atmospheres; to the naked, that is no longer the ideal, but the one that reveals details, moles, wrinkles, the flesh; to objects that have a soul, that were part of something or someone, with vibes. They are characters that emerge from the shadows and all have their history.»

«Marketing marginalizes painters, leading them to make decorative paintings very quickly. You lose the search and the experimentation. It helped me to walk alone, and to this day I do not like to be told what to do. I do what fills me and has the possibility to move, to transform, to move me forward. "

"La belleza y el silencio / Beauty and Silence"
Óleo sobre tela, sobre madera / oil on canvas on wood, 102 x 55 cm., 2016

"Un fragmento del cielo / A Fragment of Heaven", óleo / oil, 61 x 43 cm., 2013

After a failed exhibition at the Ollin Yoliztli Cultural Center, Barrón went through a depressive phase in which he considered abandoning painting.
«It was terrible, I did nothing but lying down. But it made me lift my survival instinct, because I am this, my painting. I was helped by the gallerist from Monterrey, who when he came to my studio to see a picture told me: 'It's incredible!' He motivated me.
But the return was frustrating, because I could not paint. It is not true that you have the talent or the gift. If you stop painting, the magic is over. I had to start over. But despite the blockade I continued, it took me a year to get back on track.»

"Plenitud / Plenitude"
Óleo sobre tela, sobre madera / oil on canvas on wood, 85 x 55 cm., 2012

"La maga / The Magician", óleo / oil, 85 x 55 cm., 2013

«My ideal of beauty is the naturalness of things, proportion, disproportion, chaos, gesture, everything that exalts the apparent "balance" found in the details of everything that surrounds us and what we are.»

"De la domesticación y otros sueños / On Domestication and Other Dreams"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 2014

"El placer que lo fecunda todo / The Pleasure That Fertilizes Everything"
Óleo / oil, 85 x 50 cm., 2013

«I worked a lot with portraits and I got more and more identified with body language, details, the flesh, textures, etc. I really do not think that this will change in the future…
I like to represent people or objects in a subtle way into an unusual environment. More than to relate something, I look for a gestured, symbolic and emotive artwork. I think things are beautiful the way they are and it’s not necessary to distort something to make it interesting. There are so many details on the skin and the things around us to delight us for a lifetime.»

"La noche / The Night"
Óleo sobre tela, sobre madera / oil on canvas on wood, 85 x 55 cm., 2013

"Ojos castrados / Castrated Eyes"
Óleo sobre tela, sobre madera / oil on canvas on wood, 43 x 59 cm., 2010

Fuentes / Sources:
* Website
* Videos que pueden verse más abajo / Videos you can see below
* Entrevista de / Interview by Mónica Mateos-Vega. "La Jornada", Martes / Tuesday 30/12/2014
* Entrevista de / Interview by Pablo Llana. Art-Facto, 2015
* Entrevista de / Interview by Mary Vareli. Paradox Ethereal, 1/3/215
* El Mural del Milenio. Milenio.com. Filias. 28/11/2017

Más sobre / More about Alejandro Barrón: Tumblr, facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Alejandro!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Alejandro!)



Entrevista de / Interview by Avelina Lésper. Milenio.com



Entrevista de / Interview by Francisco Gutiérrez



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