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Aniversarios (CCXXXVII) [Julio / July 11-15]

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Todos los aniversarios de Julio aquí / All anniversaries for July here.
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El 11 de Julio es el cumple de

John Macvicar Anderson, pintor y arquitecto escocés nacido en Glasgow en 1835.
Era hijo de John Anderson, comerciante y sobrino del arquitecto William Burn y su esposa, Eliza Macvicar. Fue educado en la Collegiate School y la Universidad de Glasgow y luego se mudó a Londres para completar sus estudios con su tío. Fue admitido ARIBA (Asociado del Real Instituto de Arquitectos Británicos) el 19 de diciembre de 1864.
Aunque diseñó el Sailors 'Home en Bombay en 1869, Anderson continuó con el concepto exclusivo de la casa de campo de la práctica de Burn, pero desde principios de la década de 1880 aceptó una gama más amplia de negocios comerciales y eclesiásticos, particularmente de clientes escoceses, especialmente la iglesia de St Columba en Pont Street, Londres, de la que era miembro, la sede del London Scottish, Christie's Galleries, King Street, Lloyd's Bank, Coutts Bank y British Linen Bank, cuya oficina de Threadneedle Street diseñó en 1913. Todas estas obras le fueron encargadas directamente.

"El palacio de Westminster desde el Támesis / The Palace of Westminster From the Thames"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 81 x 152 cm., 1867. Sotheby's

Fue presidente del Royal Institute of British Architects en 1891-94. También fue arquitecto honorario del Royal Scottish Hospital y Royal Caledonian Asylum.
Se había casado con Janet Crum de Thornliebank, escocesa, y tenía tres hijos. Su práctica fue continuada por su hijo mediano, Henry Lennox Anderson, nacido en 1894, quien estudió en la Architectural Association y se asoció en 1905.
Murió en 1915.

"Vista de Westminster desde Lambeth / View Of Westminster From Lambeth", 1859. Pixels

On July 11 is the birthday of

John Macvicar Anderson, Scottish painter and architect born in Glasgow in 1835.
He was the son of John Anderson, merchant and the nephew of architect William Burn and his wife, Eliza Macvicar. He was educated at the Collegiate School and the University of Glasgow and then moved to London to complete his studies with his uncle. He was admitted ARIBA (Associate of the Royal Institute of British Architects) on 19 December 1864.
Although he designed the Sailors’ Home in Bombay in 1869, Anderson continued the exclusively country house nature of Burn’s practice but from the early 1880s accepted a wider range of commercial and ecclesiastical business, particularly from Scottish clients, notably St Columba's church in Pont Street, London of which he was a member, the Headquarters of the London Scottish, Christie’s Galleries, King Street, Lloyd’s Bank, Coutts Bank and the British Linen Bank whose Threadneedle Street office he designed as late as 1913. All of these were directly commissioned.

"Vista de la Abadía de Westminster y los edificios del Parlamento /
A View of Westminster Abbey and the Houses of Parliament", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1870. VdV

He was President of the Royal Institute of British Architects in 1891-94. He was also honorary architect to the Royal Scottish Hospital and Royal Caledonian Asylum.
He had married Janet Crum of Thornliebank, Scotland and had three sons. His practice was continued by his middle son, Henry Lennox Anderson, born 1894, who studied at the Architectural Association and was taken into partnership in 1905.
He died in 1915.

"Vista de Londres / View of London", óleo sobre lienzo / oil on canvas. Fine Art America


El 12 de Julio es el cumple de

Fredrik Marinus Kruseman, pintor holandés nacido en Haarlem en 1816.
Mostró un talento temprano para el dibujo. Fue el cuarto hijo de Benjamin Philip Kruseman, fabricante de sombreros luteranos, y primo de Cornelis Kruseman, director de la Real Academia de Bellas Artes de Amsterdam y pintor de temas históricos y bíblicos, y Jan Adam Kruseman, pintor histórico y retratista. Estudió con muchos de los grandes paisajistas holandeses de la escuela del siglo XIX.
Desde 1833 fue aprendiz de Jan Reekers, de quien aprendió dibujando del natural y las reglas de la perspectiva. Entre 1832 y 1833 también asistió a clases en la Escuela de Dibujo de la Ciudad y estudió pintura con Nicholas Roosenboom, que tenía un estudio cerca de donde vivía Kruseman. Roosenboom era el yerno y discípulo del gran artista Andreas Schelfhout y es probable que Kruseman haya entrado en contacto con Schelfhout ya que era un visitante habitual del estudio.
En septiembre de 1833 el artista hizo su debut en la Exposición de Maestros Vivientes en La Haya, exhibiendo un paisaje.

"Figuren op een bevroren rivier in een winterlandschap /
Figuras sobre un río helado en un paisaje invernal / Figures on a Frozen River in a Winter Landscape"
Óleo sobre panel / oil on panel, 55 x 74 cm., 1849. Wikimedia Commons

Kruseman viajó extensamente por el norte de Europa antes de establecerse definitivamente en Bruselas en 1841. Entre 1852 y 1856 vivió una vez más en las inmediaciones de Haarlem, donde realizó muchos viajes por las cercanías de la ciudad, pero regresó a Bruselas en 1856 donde permaneció por el resto de su vida. Expuso en Amsterdam y La Haya entre 1833 y 1856.
Los paisajes de invierno representan alrededor de dos tercios de su obra, y alrededor de 1860 su arte llegó a su apogeo. Sus grupos de árboles se hicieron cada vez más convincentes e introdujo sus primeras ramas de árbol similares a corales. La profundidad de sus paisajes panorámicos se hizo más marcada y los frescos tonos azul grisáceos dieron paso a una paleta mucho más cálida. Kruseman perfeccionó su interpretación de la superficie espejada color negro azabache del hielo y las marcas dejadas por los patinadores, y sus mejores obras se desarrollan a la luz difusa de la tarde mostrando a menudo el calor de una luz que emana de un pequeño interior en algún lugar de la pintura.
Trabajó bien hasta finales de los años setenta y murió en 1882.

"Zomerlandschap met oogstende boeren bij een windmolen /
Paisaje de verano con granjeros cosechando / Summer Landscape with Harvesting Farmers"
Óleo sobre panel / oil on panel, 28,5 x 38,1 cm., 1850. Wikimedia Commons

On July 12 is the birthday of

Fredrik Marinus Kruseman, Dutch painter born in Haarlem in 1816.
He showed an early talent for drawing. He was the fourth son of Benjamin Philip Kruseman, a Lutheran hat-maker, and cousin to both Cornelis Kruseman, Director of the Royal Academy of Fine Arts of Amsterdam and a painter of historical and biblical subjects, and Jan Adam Kruseman, a historical painter and portraitist. Fredrik studied under many of the great Dutch landscapists of the nineteenth century school. 
From 1833 he was apprenticed to Jan Reekers from whom he learnt drawing from nature and the rules of perspective. Between 1832 and 1833 Kruseman also attended classes at the City Drawing School and he studied painting with Nicholas Roosenboom, who had a studio near where Kruseman lived. Roosenboom was the son-in-law and pupil of the great artist Andreas Schelfhout and it is likely that Kruseman would have come into contact with Schelfhout as he was a regular visitor to Roosenboom’s studio.
In the September of 1833 the artist made his debut at the Exhibition for Living Masters in The Hague, exhibiting a landscape.

"Verzamelaars van takkenbossen in een winterlandschap / Recolectores de rábanos en un paisaje invernal /
Faggot Gatherers in a Winter Landscape"
Óleo sobre panel / oil on panel, 26,4 x 34,9 cm., 1853. Wikimedia Commons

Kruseman travelled extensively in Northern Europe before finally settling in Brussels in 1841. Between 1852 and 1856, Kruseman lived once again in the environs of Haarlem where he took many trips around the vicinity of the city, but he returned to Brussels in 1856 where he remained for the rest of his life. He exhibited in Amsterdam and The Hague between 1833 and 1856.
Winter landscapes make up about two thirds of Kruseman’s oeuvre and around 1860 his art came into full fruition. His tree groups became increasingly more convincing and he introduced his first coral-like tree branches. The depth of his panoramic landscapes became more marked and the cool grey-blue tones steadily gave way to a much warmer palette. Kruseman perfected his rendering of the jet-black mirror surface of the ice and the marks left by skaters and his best works are set in the fading light of early evening often showing the warmth of a light emanating from a small interior somewhere in the painting.
He worked well until the late seventies and eventually died in 1882.

"Zomer landschap met vee in de buurt van een rivier /
Paisaje de verano con ganado cerca de un río / Summer Landscape With Cattle Near a River"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65 x 45,5 cm., 1873. ARC


El 13 de Julio es el cumple de

Ferdinand Martin Cordt Brütt, pintor alemán nacido en Hamburgo en 1849. Era un pariente lejano del escultor Adolf Brütt.
Tomó sus primeras lecciones de arte en la Escuela de Artes Aplicadas de Hamburgo, donde estudió con Günther Gensler y Friedrich Heimerdinger. Por recomendación suya, se trasladó a la Escuela de Arte Sajón-Gran Ducal de Weimar en 1870, donde sus maestros fueron Albert Baur, Karl Gussow y el pintor de historia Ferdinand Pauwels. Baur sería particularmente influyente en la formación del estilo maduro de Brütt.
Cuando Baur aceptó una cátedra en la Kunstakademie Düsseldorf, Brütt fue con él y se convirtió en un especialista en pintura de escenas de la corte. Fue capaz de sacar provecho de sus propias experiencias, pasando bastante tiempo como jurado, desarrollando el género basado en trabajos anteriores de Louis Gallait y Hendrik Leys.
En 1889 realizó un extenso viaje de estudios a Italia, donde se encontró menos inspirado por los "Viejos Maestros" que por los paisajes. Esto provocó nuevos viajes a los Alpes y el Mar del Norte. En 1893 fue nombrado profesor real prusiano.

"Vor den Richtern / Ante los jueces / In Front of the Judges"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 115 cm. Lempertz

En 1898 su amigo Anton Burger lo invitó a alojarse en la Colonia de Artistas Kronberger en Kronberg im Taunus. Vivió y trabajó allí hasta 1920. Ejecutó varias comisiones municipales en Frankfurt de 1905 a 1913, incluyendo varias decoraciones grandes de paredes y techos para varios edificios públicos y diseños para el Bürgersaale (Salón Cívico) en el Ayuntamiento. En 1920 se fue a vivir con su hijo, un concejal del tribunal de distrito, en Bergen.
Su estilo puede describirse en general como impresionista, aunque prefería escenas con grandes multitudes en entornos urbanos o interiores. Su fase inicial se extendió a través de la década de 1880, cuando desarrolló interés en despliegues más sutiles de luz y color. Después de 1902 se concentró en paisajes grandes.
Murió en 1936.

"Chorgestühl im Dom zu Mainz / Puestos de coro en la Catedral de Mainz /
Choir Stalls in the Cathedral of Mainz"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 82 x 67 cm., 1903. Wikimedia Commons

On July 13 is the birthday of

Ferdinand Martin Cordt Brütt, German painter born in Hamburg in 1849. He was a distant relative of the sculptor Adolf Brütt.
He took his first art lessons at the Hamburg School of Applied Arts, where he studied with Günther Gensler and Friedrich Heimerdinger. On their recommendation, he transferred to the Weimar Saxon-Grand Ducal Art School in 1870, where his teachers were Albert Baur, Karl Gussow and the history painter Ferdinand Pauwels. Baur would be particularly influential in forming Brütt's mature style.
When Baur accepted a professorship at the Kunstakademie Düsseldorf, Brütt went with him and became a specialist in painting courtroom scenes. He was able to draw from his own experiences, having spent quite a bit of time on jury duty, developing the genre based on earlier work by Louis Gallait and Hendrik Leys.
In 1889, he took an extended study trip to Italy where he found himself less inspired by the "Old Masters" than he was by the landscapes. This prompted further trips to the Alps and the North Sea. In 1893, he was appointed a Royal Prussian Professor.

"Gartenfest / Fiesta en el jardín / Garden Party"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 61,5 x 80 cm., 1900. Dorotheum

In 1898, his friend Anton Burger invited him to stay at the Kronberger Artists' Colony in Kronberg im Taunus. He lived and worked there until 1920. He executed several municipal commissions in Frankfurt from 1905 to 1913, including several large wall and ceiling decorations for various public buildings and designs for the Bürgersaale (Civic Hall) in the Rathaus. In 1920, he went to live with his son, a District Court Councillor, in Bergen.
His style may generally be described as impressionistic, although he preferred scenes with large crowds in urban or indoor settings. His initial phase extended through the 1880s, when he developed an interest in more subtle displays of light and color. After 1902, he concentrated on large landscapes.
He died in 1936.

"En la estación / At the Station"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 94,6 x 133,4 cm. The Athenaeum


El 14 de Julio es el cumple de

Juliette Wytsman (de nacimiento Trullemans), pintora impresionista de paisajes y jardines belga nacida en 1866 en Bruselas.
Primero estudió con Henri Hendrickx en el Instituto Bischoffsheim en Bruselas. Más tarde trabajó en el taller de Jean Capeinick en Gante, donde se especializó en pintura de flores.

"Tarde de verano en Mook (Holanda) / Summer Evening at Mook (Holland)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80,5 x 111 cm. Blouin Art

En el taller de Capeinick conoció al pintor Rodolphe Wytsman. Fue miembro fundador de Les XX y la presentó a este círculo de artistas de vanguardia. Se casaron en 1886 y se mudaron a Linkebeek, cerca de Bruselas, en 1892. Durante la Primera Guerra Mundial, huyeron de Bélgica y vivieron en Rotterdam, en los Países Bajos.
Sus pinturas se pueden encontrar en las colecciones de varios museos como el Museo Real de Bellas Artes de Amberes, los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica en Bruselas y el Museo de Bellas Artes de Gante.
Murió en 1925.

"Bruyelles, les Nénuphars / Los nenúfares / The Water Lillies"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 33 x 46 cm. Blouin Art

On July 14 is the birthday of

Juliette Wytsman (née Trullemans), Belgian impressionist painter of landscapes and gardens born in 1866 in Brussels.
She first studied under Henri Hendrickx at the Bischoffsheim Institute in Brussels. She later worked in the workshop of Jean Capeinick in Ghent, where she specialized in the painting of flowers.

"Spirées / Espireas / Spireas", óleo sobre lienzo / oil on canvas
Musée communal des Beaux-Arts (Ixelles, Bélgica / Belgium). Wikimedia Commons

At Capeinick's workshop, she met painter Rodolphe Wytsman. He was a founding member of Les XX and introduced her to this circle of avant-garde artists. They married in 1886 and moved to Linkebeek, near Brussels, in 1892. During World War I, they fled Belgium and lived in Rotterdam in the Netherlands.
Her paintings can be found at the collections of severam museums as The Royal Museum of Fine Arts in Antwerp, the Royal Museums of Fine Arts of Belgium in Brussels, and the Museum of Fine Arts in Ghent.
She died in 1925.

"Coin de jardin / Rincón de un jardín / Corner of a Garden"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 80 cm., 1903. Blouin Art


El 15 de Julio es el cumple de

Elizabeth "Bessie" MacNicol, pintora escocesa nacida en Glasgow en 1869, miembro del grupo de artistas Glasgow Girls adscritas a la Escuela de artistas de Glasgow.
Tuvo algunos problemas de salud como consecuencia de sufrir alergias durante los meses de verano. Asistió a la Glasgow School of Art desde 1887 hasta 1892 y luego, a instancias del director de la escuela Francis Henry Newbery, estudió arte en París en la Académie Colarossi, que fue uno de los primeros estudios de París en ofrecer clases en las que las mujeres se formaban junto a los hombres. Ella fue por lo tanto parte de la primera ola de mujeres artistas que cruzaban a París desde el Reino Unido para promover su educación artística como lo habían estado haciendo sus pares masculinos durante varias generaciones. Sin embargo, aparentemente no consiguió mucho de su tiempo en la Académie Colarossi, sintiendo que estaba siendo constantemente reprimida en lugar de alentada.

"Vanidad / Vanity", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1899. Pixels

A su regreso a Escocia regresó a la casa familiar y poco después adquirió un estudio en St Vincent Street. En 1893 exhibió "Interior de Fifeshire / Fifeshire Interior" en la Royal Scottish Academy (la única vez que expondría allí), y "Estudio de una cabeza / Study of a Head" en el Royal Glasgow Institute. En 1895 expuso su obra en el Stephen Goodden Art Rooms en Glasgow, y en 1896 en la Exposición de la Secesión de Múnich. Ese año pasó un tiempo en la colonia de artistas de Kirkcudbright, donde pintó el retrato del destacado artista de Glasgow Edward Atkinson Hornel. En 1899 se casó con Alexander Frew, médico y artista, y vivieron en la zona de Hillhead en Glasgow, donde instaló un gran estudio en la parte trasera de la casa. Sus dos padres murieron en 1903, y ella estaba en las últimas etapas de un embarazo cuando murió en Glasgow el 4 de junio de 1904, a la edad de 34 años. Su esposo se volvió a casar poco antes de su propia muerte por suicidio en 1908, y su segunda esposa Vendió la casa Hillhead y todas las pinturas de MacNicol el mismo año. Esta podría ser una razón por la que se sabe que existen muy pocos de los trabajos y documentos de MacNicol; solo hay unas pocas cartas y fotografías, y parece que no se han encontrado bocetos.

"Bajo el manzano / Under the Apple Tree", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 75,2 x 64,1 cm.
Glasgow Museums (Escocia / Scotland). ArtUK

Las pinturas de MacNicol en óleo y acuarela están influenciadas por la tradición de pintura al aire libre de la Escuela Barbizon, así como por el impresionismo de James McNeill Whistler y algunos de sus contemporáneos de Glasgow entre los Glasgow Boys como Hornel. Era conocida por su dominio magistral del color, la luz y la textura, mientras que sus retratos son admirados por su sólida composición y profundidad psicológica. Al igual que Berthe Morisot, a menudo pintaba mujeres jóvenes y de moda posando al aire libre, pero con un distintivo juego de sombras de hojas que crea un fuerte patrón general de luz y sombras alternas.

"Autorretrato / Self-portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 40,7 x 30,5 cm., c.1893. Wikimedia Commons
Kelvingrove Art Gallery and Museum (Glasgow, Escocia / Scotland)

On July 15 is the birthday of

Elizabeth "Bessie" MacNicol, Scottish painter born in Glasgow in 1869, member of the Glasgow Girls group of artists affiliated with the Glasgow School of artists.
She had some health problems consequent on suffering from allergies during the summer months. She attended Glasgow School of Art from 1887 until 1892 and afterwards, at the urging of school director Francis Henry Newbery, studied art in Paris at the Académie Colarossi, which was one of the first of the Paris studios to offer classes in which women trained alongside men. She was thus part of the first wave of women artists who were crossing to Paris from the United Kingdom to further their art education as their male peers had been doing for several generations. However, she apparently did not gain much from her time at Académie Colarossi, feeling that she was being constantly repressed rather than encouraged.

"Una chica de los '60 / A Girl of the Sixties"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 81,3 x 61 cm. c.1900
Glasgow Museums Resource Centre (GMRC) (Escocia / Scotland). Pinterest

On her return to Scotland, MacNicol moved back into the family home and not long afterwards acquired a studio in St Vincent Street. In 1893 she exhibited Fifeshire Interior at the Royal Scottish Academy (the only time she would exhibit there), and Study of a Head at the Royal Glasgow Institute. In 1895, she exhibited work at the Stephen Goodden Art Rooms in Glasgow, and in 1896 at the Munich Secession Exhibition. That year she spent time in the artist's colony of Kirkcudbright, where she painted the portrait of leading Glasgow artist Edward Atkinson Hornel. In 1899 she married Alexander Frew, a physician and artist, and they lived in the Hillhead area of Glasgow, where she set up a large studio at the back of the house. Both her parents died in 1903, and she was in the late stages of a pregnancy when she died in Glasgow on 4 June 1904, at the age of 34. Her husband remarried shortly before his own death by suicide in 1908, and his second wife sold the Hillhead house and all of MacNicol's paintings the same year. This could be one reason that so few of MacNicol's works and papers are known to exist; there are only a few letters and photographs, and no sketchbooks appear to have been found.

"Otoño / Autumn", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 61,3 x 51,3 cm., c.1898. ArtUK

MacNicol's paintings in oil and watercolor are influenced by the plein air tradition of the Barbizon School, as well as by the impressionism of James McNeill Whistler and some of her Glasgow contemporaries among the Glasgow Boys such as Hornel. She was known for her masterful command of color, light, and texture, while her portraits are admired for their solid composition and psychological depth. Like Berthe Morisot, she often painted young, fashionable women posing outdoors, but with a distinctive dappling of leaf shadows that creates a strong overall pattern of alternating light and dark.
She died in 1904.

"Joven con tocado para el sol / Young Woman in a Sun Bonnet"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 51,1 x 40,1 cm., 1898. Perth & Kinross Council (Reino Unido / UK). ArtUK


Aniversarios (CCXXXVIII) [Julio / July 16-20]

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El 16 de Julio es el cumple de

Vincenzo Gemito, escultor y artista italiano nacido en Nápoles en 1852.
A pesar de que trabajó en varios estudios de reconocidos artistas en su nativo Nápoles, Roma y París, se lo considera en gran medida autodidacta, razón por la cual produjo obras tan distintivas para esa época, reemplazando el sentimiento por un realismo sobresaliente.
El día después de su nacimiento, su madre lo dejó en los escalones del orfanato dell'Annunziata y lo llevaron a vivir con los demás niños abandonados. Le dieron el apellido Genito, pero esto de alguna manera se convirtió en Gemito en los registros del orfanato.
El 30 de julio de 1852, fue adoptado por una familia joven que había perdido recientemente un hijo. El padre era un artesano, y de niño Gemito probablemente fue animado a usar sus manos. Estaba trabajando como aprendiz en el estudio del pintor y escultor Emanuele Caggiano antes de cumplir los 10 años, demostrando una destreza e inventiva por la que finalmente se hizo famoso. También trabajó en el estudio de Stanislao Lista. A los 12 años se inscribió en la Academia de Bellas Artes de Nápoles (donde se hizo amigo de toda la vida del artista Antonio Mancini), y también asistió a la Academia Domenico Maggiore para recibir clases nocturnas.

"Retrato de una joven / Portrait of a Young Woman"
Tiza negra, aguada gris, iluminado con blanco en papel laminado sobre cartón /
black chalk, washed in gray, heightened with white, laminated on cardboard on paper
40 x 55,5 cm., 1920. Dorotheum

Moldeó la pieza de terracota, "El jugador / Il Giocatore", una de sus obras más famosas, cuando tenía solo 16 años. Generó emoción cuando se exhibió en el Promotrice en Nápoles, tanto que el Rey Victor Emmanuel II lo compró y lo presentó al Museo di Capodimonte para su exhibición permanente.
Gemito se mudó a París en 1877 donde encontró un gran amigo en el famoso artista francés Jean-Louis-Ernest Meissonier. Como estaba creando nuevas obras en varios medios en París, también expuso en destacados salones y galerías y en la Exposición Universal de 1878. Fue en el Salón de París el año anterior donde experimentó un triunfo singular, con la muestra de su Pescador napolitano, en el que había trabajado durante algunos años para perfeccionarlo. La aclamación que rodeó ese trabajo no hizo más que extender su fama, y recibir lucrativos encargos para retratos. Permaneció en París tres años antes de regresar a Nápoles (1880) después de la muerte de su pareja. Fue a Capri por un corto tiempo, donde se casó con Anna Cutolo.

"Il filosofo (Masto Ciccio) o San Paolo / El filósofo o San Pablo / The Philosopher or St. Paul". Wikimedia Commons

En 1883 demostró una vez más su determinación de trabajar fuera de la norma cuando construyó su propia fundición en la vía Mergellina en Nápoles. Lo hizo para revivir el proceso de cera perdida para la fundición de bronce, que se había utilizado durante el Renacimiento.
En 1887 recibió el encargo de crear una estatua de mármol del emperador del Sacro Imperio Romano, Carlos V, que se erigiría frente al Palacio Real de Nápoles. El mármol era el medio menos querido para Gemito, y le preocupaba que este trabajo estuviera por debajo de sus capacidades. Sufrió un colapso mental, se retiró a un departamento de una habitación, y pasó períodos en un hospital psiquiátrico. Durante los siguientes 21 años se dedicó al dibujo, pero permaneció recluido, y no fue hasta 1909 cuando retomó la escultura para volver a producir obras magistrales.
En sus últimos años Gemito recurrió a la herrería de oro y plata, y sus intrincadas y delicadas obras son muy admiradas hoy en día.
Murió en 1929.

"Ritratto di / Retrato de / Portrait of Anna Gemito 'Cosarella'"
Carboncillo y acuarela sobre cartón / charcoal and watercolor on cardboard, 42 x 52 cm., 1909. Wikimedia Commons

"Scorfano / Gallineta / Redfish", 1909. Wikimedia Commons

On July 16 is the birthday of

Vincenzo Gemito, Italian sculptor and artist born in Naples in 1852.
Although he worked in various studios of well-known artists in his native Naples, Rome and Paris, he is considered to have largely been self-taught, the reason he produced such distinctive works for that time, replacing sentiment with outstanding realism.
The day after his birth, his mother left him on the steps of the dell'Annunziata orphanage and he was taken in to live with the other foundlings. He was given the surname Genito, but this somehow became Gemito in orphanage records.
On July 30, 1852, he was adopted by a young family that had recently lost a child. The father was an artisan, and as a young child Gemito was probably encouraged to use his hands. He was working as an apprentice in painter and sculptor Emanuele Caggiano's studio before he was 10 years old, demonstrating a dexterity and inventiveness which he eventually became famous for. He also worked in Stanislao Lista's studio. As a 12-year-old he was enrolled at the Naples Academy of Fine Art (where he became a lifelong friend of artist Antonio Mancini), and also attended the Domenico Maggiore Academy for night classes.

"Autoretrato / Self Portrait"
lápiz, pluma y tinta negra, acuarela y blanco opaco sobre panel /
pencil, pen and black ink, watercolour and opaque white on board, 41,5 x 24 cm, 1913. Dorotheum

He moulded the terracotta piece, The Player, (Il Giocatore), one of his most famous works, when only 16 years old. It created excitement when exhibited at the Promotrice in Naples, so much so that King Victor Emmanuel II purchased it and presented it to the Museo di Capodimonte for permanent display.
Gemito moved to Paris in 1877 where he found a great friend in noted French artist Jean-Louis-Ernest Meissonier. As he was creating new works in various media in Paris, he also exhibited his works in noted salons and galleries, and at the Universal Exposition of 1878. It was at the Paris Salon the previous year where he experienced a singular triumph, with the showing of his Neapolitan Fisherboy, which he had worked on for some years to perfect. The acclaim surrounding that work alone brought him widespread fame, and lucrative commissions for portraits. He remained in Paris three years before returning to Naples (1880) after his partner died. He went to Capri for a short time, where he married Anna Cutolo.

"Profeta / Prophet", 1917. Wikimedia Commons

In 1883 he once again demonstrated his determination to work outside the norm when he constructed his own foundry on the via Mergellina in Naples. He did so to revive the lost-wax process for bronze casting, which had been used during the Renaissance.
In 1887, Gemito was commissioned to create a marble statue of the Holy Roman Emperor, Charles V, to be erected outside the Royal Palace of Naples. Marble was the least liked medium for Gemito, and he fretted that this work was below his capabilities. He suffered a mental breakdown and withdrew to a one-room apartment, and spent periods in a mental hospital. For the next 21 years he worked on drawing but remained a recluse, and it wasn't until 1909 that he resumed sculpting to once again produce masterful works.
In his later years, Gemito turned to gold and silver smithing, and his intricate and delicate works are much admired today.
He died in 1929.

"Chica durmiendo / Sleeping Girl", tiza negra y blanco opaco sobre cartón /
black chalk and opaque white on cardboard, 37,5 x 46 cm., 1916. Wikimedia Commons


El 17 de Julio es el cumple de

Czesław Tański, pintor, pionero de la aviación, inventor, diseñador de aviones y entusiasta de volar y los deportes, nacido en Pieczyska Residence, cerca de la pequeña ciudad de Grojec en Polonia. Se le ha llamado el padre de la aviación polaca.
Su padre, que participó en el Levantamiento de enero contra el Imperio ruso, fue encarcelado y tuvo que pagar contribuciones. Como resultado, la familia noble se volvió pobre.
A los 17 años, después de terminar su educación secundaria, Czesław comenzó a estudiar en una escuela privada de dibujo en Varsovia y completó dos cursos en un año. En 1883
obtuvo una beca y estudió en la Academia de Bellas Artes de Munich durante un año.

"Autoportret / Autorretrato / Self Portrait"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 171 x 97 cm., 1927.
Muzeum Narodowe w Warszawie / Museo Nacional (Varsovia, Polonia / Warsaw, Poland)

En 1885 fue invitado a Moscú por sus familiares y pasó 8 años allí pintando escenas de género, caballos y retratos. En 1893 se trasladó a Janów Podlaski, donde pintó caballos de pura raza para el establo estatal. Además de pintar, comenzó a experimentar con diferentes modelos voladores y planeadores que fueron los primeros en Polonia.
Se fue a Varsovia en 1899. Allí él y Władysław Umiński, cofundador de literatura de ciencia ficción polaca, fundaron el Grupo Aviata. Pronto diseñó su helicóptero.
En 1901 se fue a París donde continuó estudiando arte en la Academia de Bellas Artes. Obtuvo algunas medallas y premios por sus obras. En París se encontró con su hijo Tadeusz, a quien no había visto durante mucho tiempo. Llegó a la aldea de Olszanka, cerca de Puszcza Mariańska, en 1927 o 1928. Allí hizo construir su taller, que luego se convirtió en su único hogar. Su piso en Varsovia fue destruido por una bomba.
Murió en 1942.

"Studium do obrazu „Nasi malarze bataliści” /
Estudio para la obra "Nuestros pintores, luchadores" / Study for painting "Our painters, fighters"
Pastel sobre papel, sobre lienzo / pastel on paper, on canvas, 76 x 180 cm., antes de / before 1927.
Muzeum Narodowe w Warszawie / Museo Nacional (Varsovia, Polonia / Warsaw, Poland)

"Dorożki / Carruajes / Carriages"
Acuarela sobre papel / watercolor on paper, 35,5 x 52 cm., 1903. Pinterest

On July 17 is the birthday of

Czesław Tański, painter, aviation pioneer, inventor, aircraft designer, and an enthusiast of flying and sports, born in Pieczyska Residence near the small town of Grojec in Poland. He is called the Father of Polish Aviation.
His father, who took part in the January Uprising against the Russian Empire, was imprisoned and had to pay contributions. As a result, the noble family became poor.
At the age of 17 – after finishing his secondary education – Czesław started studying at a private drawing school in Warsaw and completed two courses in one year. In 1883
he earned a scholarship and went to study at the Academy of Fine Arts in Munich for a year.

"Kobieta w kapeluszu z piórem siedząca przy stoliku w kawiarni /
Mujer con sombrero sentada a la mesa en un café /
A Woman in a Hat Sitting at a Table in a Cafe"
Lápiz y crayón sobre papel, sobre cartón / pencil and crayon on paper on cardboard, 27,6 x 22,3 cm., c.1910
Muzeum Narodowe w Warszawie / Museo Nacional (Varsovia, Polonia / Warsaw, Poland)

In 1885, Czesław Tański was invited to Moscow by his relatives and spent 8 years there painting genre scenes, horses and portraits. In 1893 he moved to Janów Podlaski, where he painted pure bred horses for the state stable. Besides painting, he started experimenting with different flying models and gliders which were the first ones in Poland.
He left for Warsaw in 1899. There, he and Władysław Umiński, a co-founder of Polish science fiction literature, founded Aviata Group. Soon he designed his helicopter.
In 1901, he went to Paris where he continued to study art at the Academy of Fine Arts. He earned a few medals and awards for his art works. In Paris he met his son Tadeusz,
whom he hadn’t seen for a long time. He came to the village of Olszanka near Puszcza Mariańska in 1927 or 1928. There he had his workshop building which later became his only home. His flat in Warsaw was destroyed by a bomb.
He died in 1942.

"Pejzaż polem kapusty / Paisaje con coles / Landscape With Cabbage"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 26 x 31 cm. one bid


El 18 de Julio es el cumple de

Erwin Speckter, pintor alemán nacido en Hamburgo en 1806, a menudo asociado con el movimiento nazareno.
Su padre fue el pintor Johannes Michael Speckter. Durante el asedio de Hamburgo, su familia buscó refugio en la finca de un banquero local. El litógrafo Heinrich Joachim Herterich vivía allí en ese momento y su colección inspiró el primer interés de Erwin en el arte. Su padre le proporcionó algunas de sus primeras lecciones de pintura, junto con el artista local Friedrich Carl Gröger, mientras asistía a una famosa escuela privada operada por Leonhard Wächter.
En 1823 (con el apoyo de Carl Friedrich von Rumohr) él, su hermano y Carl Julius Milde, otro aspirante a pintor, viajaron por el norte de Alemania, estudiando los monumentos antiguos, pero también se vio influenciado por las obras de Friedrich Overbeck en Lübeck. Dos años más tarde estudió en Munich con Peter von Cornelius y lo ayudó con sus decoraciones para la logia de la Alte Pinakothek.

"Una albanesa / An Albanian", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 88 x 75 cm., 1831
Hamburger Kunsthalle (Hamburgo, Alemania / Hamburg, Germany). Bildindex

Esto reforzó sus inclinaciones artísticas que, a su regreso a casa, se vieron sometidas a la influencia de un encuentro con Philipp Otto Runge, y se manifestaron en pinturas que hizo para una hacienda local en Hamm. Esto fue seguido por una estancia de cuatro años en Italia (principalmente Roma), donde se dedicó en gran medida a las pinturas religiosas, aunque también produjo muchos dibujos. Una vez más de regreso a Hamburgo en 1834, comenzó a poner sus nuevas ideas a trabajar, diseñando frescos para la residencia oficial del alcalde. Durante este trabajo su asma (que lo había atormentado durante años) empeoró y los ataques se hicieron más frecuentes. Murió poco después, antes de que el trabajo pudiera completarse.
Su "Briefe eines deutschen Künstlers aus Italien (Cartas de Italia por un pintor alemán)" fue publicado póstumamente por su cuñado, el profesor Christian Friedrich Wurm. (2 volúmenes, Leipzig 1846).
Su hermano Otto Speckter también se convirtió en un pintor muy conocido.
Murió en 1835.

"Porträt / Retrato de / Portrait ofCarl Julius Milde"
Lápiz sobre papel / pencil on paper, 37,5 x 25,6 cm., 1932. Bildindex

"Doppelporträt der jungen Maler Carl Julius Milde (1803-1875) und Friedrich Nerly (1807-1878)
Doble retrato del joven pintor Carl Julius Milde y Friedrich Nerly /
Double Portrait of Young Painter Carl Julius Milde and Friedrich Nerly"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24 x 19 cm., c.1823. Van Ham

On July 18 is the birthday of

Erwin Speckter, German painter born in Hamburg in 1806, often associated with the Nazarene movement.
His father was the painter Johannes Michael Speckter. During the Siege of Hamburg, his family sought refuge at the estate of a local banker. The lithographer Heinrich Joachim Herterich was living there at the time and his collection inspired Erwin's first interest in art. His father provided some of his first painting lessons, along with the local artist Friedrich Carl Gröger, while he attended a famous private school operated by Leonhard Wächter.
In 1823 (with the support of Carl Friedrich von Rumohr) he, his brother and Carl Julius Milde, another aspiring painter, travelled through Northern Germany, studying the ancient monuments, but he was also influenced by seeing the works of Friedrich Overbeck in Lübeck. Two years later, he studied in Munich with Peter von Cornelius and assisted him with his decorations for the loggia at the Alte Pinakothek.

"Bildnis einer jungen Italienerin im Halbprofil nach rechts, daneben eine Kopfskizze /
Retrato de una joven italiana en medio perfil a la derecha, junto con un boceto de la cabeza /
Portrait of a Young Italian Woman in a Half Profile to the Right, Next to a Head Sketch"
Lápiz sobre papel / pencil on paper, 23,3 x 17,5 cm., 1830. Wikimedia Commons

This reinforced his artistic inclinations which, upon his return home, were further subjected to the influence of a meeting with Philipp Otto Runge, and manifested themselves in paintings he did for a local estate in Hamm. This was followed by a four-year stay in Italy (mostly Rome), where he devoted himself largely to religious paintings, although he produced many drawings as well. Once again returning to Hamburg in 1834, he began putting his new ideas to work, designing frescoes for the Mayor's official residence. During this work, his asthma (which had plagued him for years) grew worse and the attacks became more frequent. He died soon after, before the work could be completed.
His Briefe eines deutschen Künstlers aus Italien (Letters from Italy by a German Painter) were published posthumously by his brother-in-law, the Professor Christian Friedrich Wurm. (2 Volumes, Leipzig 1846).
His brother Otto Speckter also became a well-known painter.
He died in 1835.

"Jakob und Rahel / Jacob y Raquel / Jacob and Rachel"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 26,4 x 35,5 cm., 1827
Hamburger Kunsthalle (Hamburgo, Alemania / Hamburg, Germany). Bildindex


El 19 de Julio es el cumple de

John Randall Bratby, pintor inglés nacido en 1928 en Wimbledon, que fundó el estilo de arte del "realismo de fregadero" que fue influyente a finales de los años cincuenta. Hizo retratos de su familia y celebridades. Sus obras fueron vistas en televisión y cine. Bratby también fue escritor.
Estudió arte en Kingston College of Art. Luego comenzó a asistir al Royal College of Art, completando sus estudios en 1954. Pintó paisajes, naturalezas muertas, retratos y composiciones de figuras, y tuvo su primera exposición individual ese año en la Beaux Arts Gallery de Londres.
Le dieron la oportunidad de viajar a Italia cuando se le otorgó una beca durante sus años universitarios. La experiencia, sin embargo, lo dejó desinteresado en viajar y poco inspirado artísticamente.
Bratby es considerado el fundador del "Realismo de fregadero", un movimiento en el que los artistas usan objetos cotidianos, como botes de basura y botellas de cerveza, como temas de sus obras, que a menudo son retratos o pinturas espesas. Comenzó a principios de la década de 1950 y ha sido considerado un aspecto del "Movimiento de los jóvenes iracundos / Angry Young Men Movement" de John Osborne. Los artistas Derrick Greaves, Edward Middleditch y Jack Smith también participaron activamente en el desarrollo del movimiento. Bratby a menudo pintaba con colores brillantes, capturando la vida cotidiana de su familia de clase media. Las caras de sus sujetos a menudo parecían desesperadas y antiestéticas. Pintó varios objetos de cocina, convirtiendo a menudo utensilios prácticos como tamices y cucharas en formas semi-abstractas. También pintó baños, e hizo tres pinturas de inodoros. Inicialmente hubo cierto interés crítico, pero los críticos ingleses más tarde lo descartaron como un movimiento importante.
En 1958 Bratby creó obras para el artista ficticio Gulley Jimson en la película de Alec Guinness "Un genio anda suelto / The Horse's Mouth". Una parte de la pintura de Bratby "Cuatro Lambrettas y tres retratos de Janet Churchman / Four Lambrettas y Three Portraits of Janet Churchman" (1958) aparece en la portada del álbum de Mark Knopfler "Kill to Get Crimson".

"Interior con fogón y ventana en Greenwich / Interior with fireplace and window at Greenwich"
Óleo sobre panel / oil on panel, 121.8 x 243.8 cm., 1957.
Art Gallery New South Wales (Sydney, Australia)

A medida que maduró, las obras de Bratby se volvieron "más ligeras y exuberantes". Hizo el mural Golgotha ​​para la Capilla de San Martín de Lancaster en 1965. Durante su carrera se promocionó en televisión y radio, y fue uno de los artistas más conocidos de su generación. Se relacionó con celebridades para conseguir encargos de retratos a fines de la década de 1960.
Fue elegido para la Real Academia de las Artes en 1971.
En la década de 1980 viajó e hizo pinturas de las ciudades que visitó. Hizo retratos con posados íntimos de su esposa y autorretratos. Continuó pintando con colores brillantes, pero había desarrollado "una economía de línea". Sus pinturas se muestran en la adaptación de la mini-serie de televisión de 1984 de la novela "Mistral's Daughter" de Judith Krantz, sobre un artista.
La propia obra de Bratby cayó en desgracia con el surgimiento del arte pop, pero sus pinturas han aumentado en valor y apoyo crítico en los últimos años. Paul McCartney ha sido un coleccionista de sus obras.
Murió en 1992.

"Jean en la cama con ictericia / Jean in Bed with Jaundice", óleo sobre lienzo / oil on canvas

On July 19 is the birthday of

John Randall Bratby, English painter born in 1928 in Wimbledon, who founded the kitchen sink realism style of art that was influential in the late 1950s. He made portraits of his family and celebrities. His works were seen in television and film. Bratby was also a writer.
He studied art at Kingston College of Art. He then began attending the Royal College of Art, completing his studies in 1954. He painted landscapes, still lifes, portraits and figure compositions and had his first solo exhibition that year at London's Beaux Arts Gallery.
He was given the opportunity to travel to Italy when he was awarded a bursary during his college years. The experience, though, left him uninterested in travelling and uninspired artistically.
Bratby is considered the founder of kitchen sink realism a movement in which artists use everyday objects, like trash cans and beer bottles as subjects of their works, which are often thickly-laden portraits or paintings. It began in the early 1950s and has been considered an aspect of John Osborne's "Angry Young Men Movement." Artists Derrick Greaves, Edward Middleditch and Jack Smith were also active in the development of the movement. Bratby often painted with bright colours, capturing his middle-class family's daily lives. The faces of his subjects often appeared desperate and unsightly. Bratby painted several kitchen subjects, often turning practical utensils such as sieves and spoons into semi-abstract shapes. He also painted bathrooms, and made three paintings of toilets. Initially there was some critical interest, but English critics later disregarded it as an important movement.

"Naturaleza muerta con freidora / Still Life with Chip Frier"
Óleo sobre panel duro / oil paint on hardboard, 131,4 x 92,1 cm., 1950.
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

In 1958 Bratby created works for the fictional artist Gulley Jimson in the Alec Guinness film The Horse's Mouth. A portion of Bratby's painting Four Lambrettas and Three Portraits of Janet Churchman (1958) is featured on the cover of Mark Knopfler's 2007 album Kill to Get Crimson.
As he matured, Bratby's works became "lighter and more exuberant". He made the mural Golgotha for Lancaster's St Martin's Chapel in 1965. During his career, Bratby promoted himself on television and the radio and was one of his generation's best known artists. He mingled with celebrities to earn portrait commissions in the late 1960s.
Bratby was elected to the Royal Academy of Arts in 1971.
In the 1980s he travelled and made paintings of the cities he visited. He made intimately-posed portraits of his wife and self-portraits. He continued to paint with bright colours, but had developed "an economy of line." His paintings are shown in the 1984 television mini-series adaptation of Judith Krantz's novel "Mistral's Daughter" about an artist.
Bratby's own work fell out of favour with the emergence of Pop art, but his paintings have increased in value and critical support over recent years. Paul McCartney has been a collector of his works.
He died in 1992.

"Tres Lambrettas y dos retratos de Janet Churchman /
Three Lambrettas and Two Portraits of Janet Churchman"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 182,9 x 375,9 cm., c.1958. Offer Waterman


El 20 de Julio es el cumple de

Isidoro Bianchi llamado da Campione, pintor italiano del período barroco nacido en Campione d'Italia, Lombardía, en 1581.
Estudió con Pietro Francesco Mazzuchelli. Destacó en la pintura al fresco de la Basílica de San Ambrosio en Milán y en diferentes iglesias en Como. El duque de Saboya lo eligió para terminar una gran sala en Rivoli, que había quedado sin terminar por la muerte de Mazzuchelli. Después, Bianchi fue nombrado pintor de la corte y nombrado caballero en 1631.
Entre 1598 y 1601 pintó para el monasterio cisterciense de la abadía de SantaMaria dell'Acquafredda sobre Lenno. En los años siguientes trabajó en Praga, mientras que en 1606 pintó la capilla de la Virgen del Carmine en la iglesia de San Esteban en Viggiu. En 1617 completó algunos estucos y frescos en el Palacio Real de Turín. En 1618 completó los frescos de la iglesia parroquial de Santa Maria Assunta en Santa Maria Rezzonico, y el año siguiente trabajó como ingeniero en Orselina. En 1623 completó frescos en el Castillo de Rivoli y en los años siguientes trabajó en el Castillo de Valentino, en la iglesia de Monte Capucchino, en la iglesia de Santo Tomás Apóstol y en la iglesia jesuita de los Santos Mártires, todos en Turín. También trabajó en el santuario de la Virgen de Ghirli en Campione.
Después de 1640 trabajó en la Basílica de San Ambrosio, en la iglesia cisterciense de San Remigio, en la iglesia de Sant'Agostino, en la iglesia del monasterio de Santa Marta, en la iglesia de San Gerolamo y en la iglesia de Santa Maria Assunta en Milán.
Otras obras suyas se encuentran en la iglesia de Santa Maria Immacolata (Lugano), en la iglesia parroquial de San Giovanni Battista di Brenzio, en la iglesia de San Martino di Pianello del Lario, en el presbiterio de la catedral de Monza, en el Sacro Monte di Varese y en la iglesia parroquial de San Giorgio en Castagnola.
Murió en 1662.

"Una alegoría del amor y la sabiduría / An Allegory of Love and Wisdom"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 150,5 x 173 cm. Sotheby's

On July 20 is the birthday of

Isidoro Bianchi called da Campione, Italian painter of the Baroque period born in Campione d'Italia, Lombardy, in 1581.
He studied under Pietro Francesco Mazzuchelli. He excelled in fresco painting for the Basilica of Sant'Ambrogio at Milan and in different churches at Como. The Duke of Savoy chose him to finish a grand hall at Rivoli, which had been left unfinished by the death of Mazzuchelli. Bianchi was afterwards made painter to the Court, and was knighted in 1631.
Between 1598 and 1601 he painted for the Cistercian monastery of the abbey of SantaMaria dell'Acquafredda above Lenno. In the following years he worked in Prague, while in 1606 he painted the chapel of the Madonna of Carmine in thechurch of Saint Stephen in Viggiu. In 1617 he completed some stuccoes and frescoes in the Royal Palace of Turin. In 1618 he completed frescoes for the parish church of Santa Maria Assunta in Santa Maria Rezzonico, while the next year he worked as an engineer in Orselina. In 1623 he completed frescoes in the Castle of Rivoli and in the next years worked in the Castle of Valentino, in the church of Monte Capucchino, in the church of St Thomas the Apostle, in the Jesuit church of the Holy Martyrs,all in Turin. He also worked in the sanctuary of the Madonna of Ghirli at Campione.
After 1640 he worked in the Basilica of Sant'Ambrogio, in the Cistercian church of San Remigio, in the church of Sant'Agostino, in the church of the monastery of Santa Marta, in the church of San Gerolamo and in the church of Santa Maria Assunta in Milan.
Other works from him are in the church of Santa Maria Immacolata (Lugano), in the parish church of San Giovanni Battista di Brenzio, in the church of San Martino di Pianello del Lario, in the presbytery of the cathedral of Monza, in the Sacro Monte di Varese, in the parish church of San Giorgio in Castagnola.
He died in 1662.

"La Caridad / Charity"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 156 x 118 cm., primera mitad s.XVII / 1st half 17th century
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

Aniversarios (CCXXXIX) [Julio / July 21-25]

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El 21 de Julio es el cumple de

Louis Tauzin, pintor paisajista y litógrafo francés nacido en Barsac (Gironda) en 1842.
Fue estudiante en la escuela municipal de Burdeos. Se dedicó a la pintura de paisaje y marinas, mientras seguía una carrera como dibujante industrial.
Produjo numerosos carteles en formato litografiado en Champenois (París), entre otros para las compañías ferroviarias (incluido el PLM), las ediciones Rouff, el champán Ruinart, etc.
Uno de sus paisajes del bosque de Meudon se conserva en el Musée Gétreaud. Otro, que representa el estanque Trivaux del bosque de Meudon, se conserva en el ayuntamiento de Meudon.

"L'étang de Trivaux à Meudon / El estanque de Trivaux en Meudon /
The Pond of Trivaux in Meudon"
Colección del Musée d'art et d'histoire (Meudon, Francia / France). Wikimedia Commons

"Su pincel es brillante, su diseño preciso, sus colores deslumbrantes. Sin excesos ni particularidades atrevidas, pero con un talento asertivo y atractivo que encaja perfectamente con la línea de pintores paisajistas de su tiempo. Un hombre pequeño con cabello ondulado, barba y bigote. Louis Tauzin tiene un buen ojo y un verbo exuberante. Le gusta pintar paisajes y escenas de género, a menudo inspirados por el espectáculo de la vida cotidiana contemporánea ". (Revista de Meudon Chloroville, mayo 2006)
Murió en 1915.

"Chemins de fer de l'Est, Les Vosges / Ferrocarriles del Este, Ferrocarriles del Este, Los Vosgos /
Eastern Railways. Les Vosges. Gérardmer"
Litografía a color / color lithography, 105 x 78 cm., 1900
Bibliothèque nationale (París, Francia / France)

"Chemins de fer de l'Est, Excursions en Alsace, Château de St Ulrich /
Ferrocarriles del Este, Excursiones en Alsacia, Castillo de San Ulrich /
Eastern Railways, Excursions in Alsace, St Ulrich Castle"
Litografía a color / color lithography, 105 x 78 cm., 1900
Bibliothèque nationale (París, Francia / France)

On July 21 is the birthday of

Louis Tauzin, French landscape painter and lithographer born in Barsac (Gironde) in 1842.
He was a student at the municipal school of Bordeaux. He devoted to landscape and marine painting, while following a career as an industrial draftsman. 
He produced numerous posters in lithographed format at Champenois (Paris), among others, for the railway companies (including the PLM), the Rouff editions, the Ruinart champagne, etc.
One of his landscapes of the forest of Meudon is preserved in the Musée Gétreaud. Another, representing the Trivaux pond of the forest of Meudon, is kept at the town hall of Meudon.

"Vue prise depuis la terrasse de Meudon / Vista desde la terraza de Meudon / View From the Terrace of Meudon", 1889
Musée des Beaux-Arts (Bordeaux, Francia / France). Wikimedia Commons

"His brush is bright, his precise design, his shimmering colors. No excess or daring particulars, but an assertive and attractive talent that fits perfectly with the line of landscape painters of his time. A small man with waving hair, beard and mustache, Louis Tauzin has a keen eye and an exuberant verb. He likes to paint landscapes and genre scenes, often inspired by the spectacle of contemporary everyday life." (Magazine de Meudon Chloroville, mai 2006)
He died in 1915.

"Chemins de fer d'Orléans, Touraine, Château de Chambord /
Ferrocarriles de Orleans, Touraine, Castillo de Chambord
Orléans Railways, Touraine, Chambord Castle"
Litografía a color / color lithography, 105 x 78 cm., 1910
Bibliothèque nationale (París, Francia / France)


El 22 de Julio es el cumple de

Eugène Louis Gabriel Isabey, pintor, litógrafo y acuarelista francés de estilo romántico, nacido en París en 1803.
Era hijo de Jean-Baptiste Isabey, un conocido pintor que disfrutaba del patrocinio de la Familia Imperial. Originalmente él quería ser marinero, pero su padre insistió en que estudiara pintura.
Después de estudiar con su padre y copiar a los Viejos Maestros en el Louvre, comenzó a compartir un estudio con el pintor de paisajes Xavier Leprince en Honfleur, en 1824, y luego se mudó a Saint-Siméon después de la muerte prematura de Leprince. Al año siguiente envió algunos paisajes al Salón para su primera exposición formal.
En 1831 fue elegido para acompañar una misión diplomática a Marruecos dirigida por el conde de Mornay, pero se negó educadamente. Acababa de regresar de un breve viaje a Argel, donde pintó escenas de la campaña de la Royal Navy, y le preocupaba que la situación allí todavía no estuviera resuelta para hacer una larga estancia. Fue reemplazado por su amigo, Eugène Delacroix, quien creó más de 100 obras que ahora se consideran clásicos del orientalismo.

"Contrebandier sur la plage / Contrabandista en la playa / Smuggler on the Beach"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 46 x 55 cm., c.1886. Wikimedia Commons

Poco después, sin embargo, Isabey se hizo pintor de la corte para el rey Louis-Philippe y fue nombrado Caballero en la Legión de Honor en 1832. Una de sus pinturas más conocidas fue hecha durante este período, en 1840, y representa el regreso de los restos de Napoleón de Santa Helena a bordo del Belle Poule.
Tuvo predilección por las pinturas históricas, escenas de género y paisajes, pero también ejecutó numerosos lienzos que representan tormentas y naufragios, posiblemente reflejando sus propios planes de carrera frustrados. Era especialmente hábil en la representación de sutilezas en colores más oscuros, podría decirse que en una forma de grisalla. Tuvo estudiantes de forma regular, entre ellos a Eugène Boudin, Johan Barthold Jongkind y Durand-Brager. En sus últimos años pasó de la pintura marina a las escenas históricas, generalmente de naturaleza violenta, como masacres, duelos y robos.
Murió en 1886.

"Naufrage du 3 mats 'Emily' en 1823 / Naufragio del navío de tres mástiles 'Emily" en 1823 /
Shipwreck of the Three-Masts 'Emily' in 1823", 1865. Wikimedia Commons

"Arrivée du duc d'Albe à Rotterdam in 1567 / Llegada del Duque de Alba a Róterdam en 1567 /
Arrival of the Duke of Alba at Rotterdam in 1567"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 42,5 x 93,5 cm., 1844.
Musée d'Orsay (París, Francia / France). Wikimedia Commons

On July 22 is the birthday of

Eugène Louis Gabriel Isabey, French painter, lithographer and watercolorist in the Romantic style, born in Paris in 1803.
He was the son of Jean-Baptiste Isabey, a well known painter who enjoyed the patronage of the Imperial Family. Originally, he wanted to be a sailor, but his father insisted that he study painting.
After studying with his father and copying the Old Masters at the Louvre, he began sharing a studio with the landscape painter, Xavier Leprince at Honfleur, in 1824, then moved to Saint-Siméon after Leprince's untimely death. The following year, he sent some landscapes to the Salon for his first formal exhibition.
In 1831, he was chosen to accompany a diplomatic mission to Morocco, led by the Comte de Mornay, but he politely refused. He had just returned from a short trip to Algiers, where he had painted scenes of the Royal Navy's campaign, and was concerned that the situation there was still too unsettled to make a lengthy stay. He was replaced by his friend, Eugène Delacroix, who created over 100 works that are now considered classics of Orientalism.

"Después de una tormenta / After a Storm", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 36,5 x 60 cm., 1869
Museo Hermitage (San Petersburgo, Rusia / St. Petersburg, Russia)

Shortly after, however, Isabey became a court painter for King Louis-Philippe and was named a Knight in the Légion d'Honneur in 1832. One of his best known paintings was done during this period, in 1840, depicting the return of Napoleon's remains from Saint Helena aboard the Belle Poule.
He favored historical paintings, genre scenes and landscapes, but also executed numerous canvases depicting storms and shipwrecks; possibly reflecting his own thwarted career plans. He was especially skillful at rendering subtleties in darker colors; which might be called a form of grisaille. He took in students on a regular basis; including Eugène Boudin, Johan Barthold Jongkind and Durand-Brager. In his later years, he turned from marine painting to historical scenes, usually of a violent nature, such as massacres, duels and robberies.
He died in 1886.

"Le port de / El puerto de / The Port of Dunkerque"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 162,2 x 260,3 cm., 1831
Musée des Beaux-arts (Dunkerke, Francia / France). Wikimedia Commons


El 23 de Julio es el cumple de

HermannDavid Salomon Corrodi, pintor italiano de paisajes y escenas orientalistas, nacido en Frascati (una fuente alternativa cita su lugar de nacimiento como Zurich), en 1844.
Vivió durante muchos años en Roma y estudió en la Academia de San Lucas con su padre, Salomon Corrodi (1810-1892) y en París.
Recibió encargos para pinturas históricas de la familia real británica. Estaba familiarizado con la mayoría de los miembros de la realeza europea de la época, incluida una amistad con la reina Victoria, y viajó mucho por el Lejano Oriente (Egipto, Siria, Chipre y Estambul), lo que le proporció el tema para muchas de sus pinturas. Fue el hermano de Arnold Corrodi.

"Barcos de pesca en una laguna de Venecia / Fishing Boats on a Venetian Lagoon"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 86,3 x 165,2 cm. Wikimedia Commons

Originalmente pintor de paisajes en el estilo académico, gran parte de su obra es también típica del estilo orientalista del siglo XIX. En 1893 fue nombrado Académico de Mérito por la Academia de San Lucas, donde había sido profesor.
Murió en 1905.
La obra de Corrodi se encuentra en el Museo de Arte Frye en Seattle, Washington, el Museo de Arte Dahesh en Nueva York, el Museo Nacional de Qatar y el Museo di Roma en Trastevere.

"Encuentro vespertino de pescadores en una taberna de Mergellina cerca de Nápoles /
Evening Meeting of Fishermen in a Tavern of Mergellina Near Naples"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 164 x 98 cm., c.1905. Wikimedia Commons

"Caminata de los monjes al monasterio del monte Atos /
Walk of the Monks to the Mountain Monastery Athos"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 232 x 130 cm., c.1905. Wikimedia Commons

On July 23 is the birthday of

Hermann David Salomon Corrodi, Italian painter of landscapes and orientalist scenes, born in Frascati (an alternate source lists his birthplace as Zurich), in 1844. 
He lived for many years in Rome and studied at the Academy of St Luke under his father, Salomon Corrodi (1810–1892) and in Paris.
Corrodi received commissions for history paintings from the British royal family. He was acquainted with most of the European royalty of the time, including a friendship with Queen Victoria, and traveled widely in the Far East, including Egypt, Syria, Cyprus and Istanbul, which provided the subject matter for many of his paintings. He was the brother of Arnold Corrodi.

"Un pueblo en Venecia / A Villa in Venice"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 165,1 x 85,7 cm. Bonhams

Originally a landscape painter in the academic style, much of his work is also typical of the Orientalism style of the 19th century. In 1893 he was knighted as an Academic of Merit by the Academy of St Luke, where he had been a professor.
He died in 1905.
Corrodi's work is in the Frye Art Museum in Seattle, WA, the Dahesh Museum of Art in New York, Qatar National Museum, and Museo di Roma in Trastevere.

"Ruinas al atardecer / Ruins at Sunset", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 127,6 x 75,6 cm. Artnet


"Villaggio di montagna sulla costa ligure / Pueblo de montaña sobre la costa de la Liguria /
Mountain Village on the Ligurian Coast (Cinque Terre?)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 58 x 100 cm. Wikimedia Commons


El 24 de Julio es el cumple de

Bernhard Stange, pintor paisajista alemán del romanticismo, nacido en Dresde en 1807.
Era el hijo del actuario del Consejo de la Ciudad Christoph Friedrich Stange, que sucumbió al final de la guerra de liberación en 1813 debido al tifus. Un poco más tarde, en 1817, Bernhard Stange se trasladó a Leipzig para convertirse en el maestro tintorero con quien luego sería pintor historicista Gustav Jäger, que lo crió junto con su propio hijo. En realidad, Stange quería ser tintorero como su padre adoptivo, pero en última instancia con la ayuda de una beca en la Ratsschule Zwickau pudo prepararse para realizar estudios teológicos. Entre sus compañeros de clase estaba Robert Schumann.

"Das Abendläuten / La campana de la tarde / The Evening Bell"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 36 x 28 cm., fines de / later 1880. Wikimedia Commons

En 1827 comenzó a estudiar en la Universidad de Leipzig. El difícil estudio del idioma hebreo lo hizo abandonar el estudio de la teología y cambiarse a las leyes. Tras cuatro años, aprobó el examen con éxito. Pero después de eso, no practicó una profesión legal, sino que optó por las artes. Encontraba un gran placer en las pinturas de Caspar David Friedrich. Fue a la escuela de arte en Múnich, donde se convirtió en miembro de una pequeña colonia de pintores. Realizó varios cuadros, vendiendo el primero en 1831. A partir de entonces recibió numerosos encargos para exposiciones y colecciones privadas. En 1858 recibió la Cruz de Caballero de la Orden del Mérito de San Miguel como agradecimiento por su trabajo creativo del Rey Maximiliano II de Baviera. Durante este tiempo se mudó a una casa de campo en Sindelsdorf, donde trabajó y vivió desde entonces.
Murió en 1880.

"Venecia, la plaza por la noche / Venice, the Piazzetta at Night"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 49,4 x 76,1 cm., 1869. ArtUK
Hunterian Art Gallery, University of Glasgow (Reino Unido / UK). ArtUK

On July 24 is the birthday of

Bernhard Stange, German landscape painter of the Romantic born in Dresden in 1807.
He was the son of the acting at the Council of the City of Dresden actuary Christoph Friedrich Stange, who succumbed at the end of the war of liberation in 1813 to the typhus. A little later in 1817 Bernhard Stange moved to Leipzig to become the dyer master hunter, who raised him together with his own son, the later history painter Gustav Jäger. Actually, Stange wanted to be like his foster father Färber, but ultimately he could with the help of a scholarship in the Ratsschule Zwickau prepare for a theological studies. His schoolmates included Robert Schumann.

"Mondnacht / Claro de luna / Moonlight"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 46,8 x 74 cm., 1862
Bayerische Staatsgemäldesammlungen (Múnich, Alemania / München, Germany). Wikimedia Commons

In 1827 he began studying at the University of Leipzig. The difficult study of the Hebrew language meant that he broke off the study of theology and switched to law. After four years he successfully passed the exam. But after that, he did not practice a legal profession, but opted for the arts. He found great pleasure in the paintings of Caspar David Friedrich. He went to the art school in Munich, where he became a member of a small painter's colony. Several pictures were taken of which he sold the first in 1831. Numerous other orders for exhibitions and private collections followed. In 1858 he received the Knight's Cross of the Order of Merit from St. Michael as a thank-you for his creative work from King Maximilian II of Bavaria. During this time he moved to a country house in Sindelsdorf, where he worked and lived from then on.
He died in 1880.

"Venecia, la columna de San Marcos al claro de luna / 
Venice, St Mark's Column in the Moonlight"
Óleo sobre panel / oil on panel, 33 x 25,5 cm., 1869. MutualArt


El 25 de Julio es el cumple de

Merry-Joseph Blondel, pintor de temas históricos francés de la escuela neoclásica nacido en 1781 en París.
Fue ganador del prestigioso Premio de Roma en 1803. Después del salón de 1824 recibió el rango de Caballero en el orden de la Legión de Honor por Carlos X de Francia y ofreció una cátedra en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, un puesto en el que permaneció hasta su muerte. En 1832 fue elegido para un escaño en la Académie des Beaux-Arts de París.

"Hécuba y Polixena / Hecuba and Polyxena"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 204,63 × 146,21 cm., después de / after 1814
Los Angeles County Museum of Art (LACMA) (California, EE.UU./ CA, USA)

Blondel fue estudiante del maestro neoclásico Baron Jean-Baptiste Regnault, y desde 1809 amigo de toda la vida del pintor Ingres.
Durante gran parte de su carrera estuvo ocupado con encargos públicos de pinturas y frescos en edificios importantes, como palacios, museos e iglesias. Completó importantes trabajos para el Palacio de Fontainebleau, el Palacio de Versalles, el Museo del Louvre, el Palacio Brongniart (también conocido como la Bolsa de París), el Palacio de Luxemburgo y las iglesias de Santo Tomás de Aquino y Notre-Dame-de-la Lorette.
Murió en 1853.

"Retrato de una joven con sombrero de paja / Portrait of a Young Lady with a Straw Hat"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1830. The Athenaeum

"Cabeza de un hombre / Head of a Man"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 39,6 x 31,4 cm., 1818. 
Zimmerli Art Museum at Rutgers University (New Brunswick, Nueva Jersey, EE.UU./ NJ, USA). Wikimedia Commons

On July 25 is the birthday of

Merry-Joseph Blondel, French history painter of the Neoclassical school born in 1781 in Paris.
He was a winner of the prestigious Prix de Rome in 1803. After the salon of 1824, he was bestowed with the rank of Knight in the order of the Legion d'Honneur by Charles X of France and offered a professorship at the École nationale supérieure des Beaux-Arts: a position in which he remained until his death. In 1832, he was elected to a seat at the Académie des Beaux-Arts in Paris.

"Napoleón visitando el Palais Royal para la apertura de la octava sesión del Tribunat en 1807 /
Napoleon visiting the Palais Royal for the opening of the 8th session of the Tribunat in 1807"
Palais Royal (París, Francia / France). Pinterest
Blondel was a student of the Neoclassical master Baron Jean-Baptiste Regnault and from 1809, a lifelong friend of the painter Ingres.
For much of Blondel's painting career, he was occupied with public commissions for paintings and frescoes in important buildings, including palaces, museums and churches. Blondel completed major commissions for the Palace of Fontainebleau, the Palace of Versailles, the Louvre Museum, the Brongniart Palace (also known as the Paris Bourse), the Luxembourg Palace, and the churches of St.Thomas Aquinas and Notre-Dame-de-Lorette.
He died in 1853.

"Retrato de / Portrait of Félicité-Louise-Julie-Constance de Durfort, Maréchale de Beurnonville"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 194,3 x 130 cm., 1808. Wikimedia Commons

Aniversarios (CCXL) [Julio / July 26-31]

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Todos los aniversarios de Julio aquí / All anniversaries for July here.
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El 26 de Julio es el cumple de

Alfred Adinolf Capello Reichsgraf von Wickenburg, pintor austriaco nacido en 1885 en Bad Gleichenberg, Estiria, en una familia aristocrática.
Creció en un ambiente culto y amante del arte. Cuando se propuso formarse como artista, sus elecciones revelaron una personalidad extremadamente interesada con una apertura hacia los movimientos de arte internacionales y contemporáneos. A los diecinueve años fue a Munich y asistió a la Escuela Azbe. Una breve estadía en la colonia de artistas de Dachau fue seguida por cuatro años en París, donde estudió con Jean-Paul Laurens en la Académie Julian. De 1910 a 1914 fue alumno de la Academia de Stuttgart, donde sus maestros incluyeron a Oskar Schlemmer, Willi Baumeister y Adolf Hölzel. Después de la guerra pasó un tiempo en Roma, Florencia y Venecia antes de regresar a Estiria en 1923, equipado con una gran cantidad de impresiones y una educación sobresaliente y rica.

"Rinaldo & Armida", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 110,5 × 159,5 cm., 1923
Belvedere (Viena / Vienna / Wien, Austria)

Las influencias expresionistas, fauvistas, cubistas y futuristas se pueden rastrear en sus obras predominantemente vibrantes y de gran escala. Absorbió principios compositivos de la Pittura Metafisica y el surrealismo, siempre interpretando las influencias estilísticas de una manera individual. Su arte se caracteriza por una reducción cada vez mayor a lo esencial y una interacción equilibrada de línea, forma y color. Durante muchos años fue profesor de arte y el jefe del departamento de pintura al fresco en la escuela de comercio de Graz. En 1923 cofundó la Secesión de Graz. Continuó trabajando como artista hasta los noventa y tres años, una carrera que le trajo muchos premios y honores.
Wickenburg exhibió con frecuencia en Austria y en el extranjero, incluidas las contribuciones a la Bienal de Venecia en 1934, 1936, 1950 y 1958.
Murió en 1978.

"Turismo / Sightseeing", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 140 cm., 1971
Belvedere (Viena / Vienna / Wien, Austria)

"Die Heimkehr / Regreso a casa / The Return Home"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 191,5 x 163 cm., 1936.
Belvedere (Viena / Vienna / Wien, Austria)

On July 26 is the birthday of

Alfred Adinolf Capello Reichsgraf von Wickenburg, Austrian painter born in 1885 in Bad Gleichenberg, Styria, into an aristocratic family.
He grew up in a cultured and art-loving environment. As he set out to train as an artist, his choices reveal an extremely interested personality with an openness towards international, contemporary art movements. At the age of nineteen, Wickenburg went to Munich and attended the Azbe School. A brief sojourn at the Dachau artist colony was followed by four years in Paris where he studied with Jean-Paul Laurens at the Académie Julian. From 1910 to 1914 he was a student at the Stuttgart Academy where his teachers included Oskar Schlemmer, Willi Baumeister, and Adolf Hölzel. After the war, he spent time in Rome, Florence, and Venice before returning to Styria in 1923, equipped with a wealth of impressions and an outstanding, rich education.

"Park der / Parque de / Park of Villa Strohl - Fern / Helecho I"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 62 × 76 cm., 1922
Belvedere (Viena / Vienna / Wien, Austria)

Expressionist, Fauvist, Cubist, and Futurist influences can all be traced in his predominantly vibrant and large-scale works. He absorbed compositional principles from Pittura Metafisica and Surrealism, always interpreting stylistic influences in an individual way. His art is characterized by an increasing reduction to essentials and a balanced interplay of line, form, and colour. For many years, Alfred Wickenburg was an art teacher and the head of the department of fresco painting at Graz trade school. In 1923, he co-founded the Graz Secession. He continued to work as an artist until the age of ninety-three, a career that brought him many prizes and honours.
Wickenburg frequently exhibited in Austria and abroad, including contributions to the Venice Biennale in 1934, 1936, 1950, and 1958.
He died in 1978.

"Selbstbildnis in persischer Tracht /
Autorretrato con traje persa / Selfportrait in Persian Dress"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 81 × 67 cm., 1920
Belvedere (Viena / Vienna / Wien, Austria)

"Burgenländisches Stilleben II / Naturaleza muerta de Burgenland II / Still life from Burgenland II"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 52,5 × 69 cm., 1968
Belvedere (Viena / Vienna / Wien, Austria)


El 27 de Julio es el cumple de

Jan Mirosław Peszke, conocido como Jean Peské, pintor y grabador francés de origen polaco por parte de padre y ruso por parte de madre, nacido en 1870 en Gault, distrito de Ananiv, gobierno de Kherson, Imperio Ruso.
Estudió en la Escuela de Pintura de Kiev, luego en la Escuela de Bellas Artes de Odessa y Varsovia. Habiendo heredado de su padre en 1891, emigró ese mismo año a Francia.
Se matriculó en la Académie Julian en los talleres de Jean-Paul Laurens y Benjamin-Constant. Se vinculó a los círculos polacos en la capital donde conoce a Marie Curie, con quien permaneció vinculada durante mucho tiempo, así como a Guillaume Apollinaire.
Rápidamente entró en contacto con Signac, Pissarro, Bonnard y Vuillard. Bajo la influencia de Signac experimentó con el puntillismo. Entre 1895 y 1900 también frecuentó el grupo de los Nabis, y expuso en Le Barc de Boutteville con Sérusier, Bonnard y Vuillard. Desde 1900 encontró su lugar entre los postimpresionistas y pintó al aire libre en varios sitios, incluyendo Barbizon, donde conoció al pintor Constantin Kousnetzoff.

"Paisaje con camino / Landscape with Road", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 73 cm., c.1910. Desa

Peské exhibió regularmente desde 1895 en el Salon des Indépendants, el Salon d'Automne, y posteriormente en las galerías más grandes. Logró una gran reputación entre los años 1920 y 1940.
En el período de entreguerras, contó especialmente con Hennesy y Llinas entre sus coleccionistas. También presentó sus dibujos a Georges Clemenceau, uno de sus admiradores, y la Chalcographie du Louvre compró sus grabados. Pintó muchos paisajes, incluyendo los de Vendée, Bretaña, Bormes-les-Mimosas, Collioure, donde fundó un museo de arte, el actual Museo de Arte Moderno.
Murió en 1949.

"Paisaje con árboles / Landscape With Trees", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 69 x 95 cm., 1936. Desa

On July 27 is the birthday of

Jan Mirosław Peszke, known as Jean Peské, French painter and engraver of Polish origin by his father and Russian by his mother, born in 1870 in Gault, district of Ananiv, government of Kherson, Russian Empire.
He studied at the Kiev School of Painting, then at the Odessa and Warsaw School of Fine Arts. Having inherited from his father in 1891, he emigrated the same year to France.
He enrolled at the Académie Julian in the workshops of Jean-Paul Laurens and Benjamin-Constant. He linked friendships in Polish circles in the capital where he met Marie Curie, with whom he remained for a long time linked, as well as Guillaume Apollinaire.
He quickly got in touch with Signac, Pissarro, Bonnard, Vuillard. Under the influence of Signac, he experimented with pointillism. Between 1895 and 1900 he also frequented the group of Nabis, and exhibited at Le Barc de Boutteville with Sérusier, Bonnard and Vuillard. From 1900, he found his place among the post-Impressionists and painted outdoors, including Barbizon where he met the painter Constantin Kousnetzoff.

"En el lago / By the Lake", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 73 x 54 cm., 1932. Desa

Peské exhibited regularly from 1895 at the Salon des Indépendants, the Salon d'Automne, and subsequently in the largest galleries. He attained a great reputation between the years 1920 and 1940.
Between the two wars, he counted especially Hennesy and Llinas among his collectors. He also presented his drawings to Georges Clemenceau, one of his admirers, and the Chalcographie du Louvre buyed his engravings. He painted many landscapes, including Vendée, Brittany, Bormes-les-Mimosas, Collioure, where he founded an art museum, the current Museum of Modern Art.
He died in 1949.

"Sin título (Paisaje) / Untitled (Landscape)", óleo sobre lienzo / oil on canvas, Artvalue


El 28 de Julio es el cumple de

Louis Vivin, pintor francés nacido en 1861 en Hadol. Se mudó a París en 1889, donde vivió con su esposa en el distrito de Montparnasse.
Fue autodidacta y representante de la pintura naïf. Mostró gran entusiasmo por la pintura cuando era niño, pero su carrera lo llevó en una dirección completamente diferente: trabajó como empleado postal hasta 1922, dedicándose a su arte tan sólo en su tiempo libre. Eventualmente fue descubierto por el crítico de arte alemán Wilhelm Uhde (1874-1947), una asociación que lo ayudó a iniciar exhibiciones y construir una reputación como artista serio. Mientras estuvo en el servicio postal trabajó como inspector. Una vez que se retiró en 1923 finalmente pudo dedicarse al arte a tiempo completo.

"Quai aux fleurs / Muelle de Flores / Flower Quay"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 54,3 x 73,3 cm. Christie's

Los temas de las pinturas de Vivin eran la naturaleza muerta, los temas de caza y la ciudad de París. Vivin fue contemporáneo de Henri Rousseau, Camille Bombois, André Bauchant y Séraphine Louis, conocidos colectivamente como los "Pintores del Sagrado Corazón" y como maestros de la pintura naïf francesa. También era conocido por pintar de memoria. Fue influenciado por la obra y los detalles de las pinturas de Jean-Louis-Ernes Meissonier. Sus cuadros representan escenas de género, piezas florales, escenas de caza y vistas de París, "notables por sus efectos de perspectiva encantadoramente tambaleantes".
La primera exposición individual de Louis Vivin fue presentada en la Galerie des Quatre Chemins, y fue organizada por Wilhelm Uhde en 1927. Se consideró que su trabajo posterior se volvió menos dependiente del estado de ánimo melancólico, y se centró más en bloques de color y forma .
Murió en 1936.

"La boda / The Wedding", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 46,3 x 54,9 cm., c.1925
Museum of Modern Art (MoMA) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)
https://www.moma.org/collection/works/79882

"Yendo a la iglesia en una tarde invernal / Going to Church in a Wintery Evening"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 61 x 50 cm. Neumeister

On July 28 is the birthday of

Louis Vivin, French painter born in 1861 in Hadol. He moved to Paris  in the year of 1889, where he lived with his wife in the district of Montparnasse.
Vivin was self-taught and a representative of naïve painting. He showed great enthusiasm for painting as a child, but his career took him in a completely different direction: he worked as a postal clerk until 1922, pursuing his art only in his spare time. Eventually, he was discovered by the German art critic Wilhelm Uhde (1874–1947), an association which helped him start exhibitions and build a reputation as a serious artist. When he worked in the postal service, his job was an inspector. Once he retired in the year of 1923, Louis Vivin finally took up the full-time part of being an artist.

"Sacré Coeur", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 73 x 92 cm. Christie's

The subjects of Vivin's paintings were still life, hunting subjects, and the city of Paris. Vivin was a contemporary of Henri Rousseau, Camille Bombois, André Bauchant, and Séraphine Louis, known collectively as the "Sacred Heart Painters" and as masters of French naïve painting. He was also known for painting from his memory. Louis Vivin was influenced by the work and details of Jean-Louis-Ernes Meissonier’s paintings. His works depicted genre scenes, flower pieces, hunting scenes and views of Paris, "notable for their charmingly wobbly perspective effects".
Louis Vivin’s first one-man exhibition was placed at the Galerie des Quatre Chemins, and it was organized by Wilhelm Uhde in 1927. His later work was considered to become less dependent of the melancholy mood, and it focused more on blocks of color and form.
He died in 1936.

"L'église de / La iglesia de San Vicente de Paul / The Church of Saint Vincent de Paul"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 46,5 x 61 cm. Artnet


El 29 de Julio es el cumple de

Carl Eduard Ferdinand Blechen, pintor paisajista alemán y profesor de la Academia de las Artes de Berlín, nacido en Cottbus en 1798. Su estilo distintivo era característico de los ideales románticos de la belleza natural.
Su padre era un funcionario tributario menor de Regensburg. De 1805 a 1815 asistió al Lyceum en Oberkirche St.Nikolai en Cottbus. Sus padres no podían pagar ninguna educación adicional, por lo que lo hicieron aprendiz de un banquero, y se dedicó a esa profesión hasta 1822, cuando un creciente interés en el arte lo llevó a la Academia de Berlín.
Después de un breve viaje de estudios a Dresde y la Suiza sajona, regresó a Berlín y obtuvo un puesto como decorador del Teatro Real en la Alexanderplatz. Se casó en 1824 y se convirtió en miembro de la Asociación de Artistas de Berlín en 1827. Más tarde ese año fue expulsado del teatro debido a una disputa en curso con la cantante Henriette Sontag. Después de eso intentó mantenerse a sí mismo como artista independiente. En 1828 realizó un viaje de estudio al Mar Báltico, seguido de otro a Italia en los que produjo cientos de bocetos que luego elaboró en su estudio de Berlín. Había quedado profundamente impresionado por los paisajes que vio y aquello alteró su forma de pintar para reflejar lo que había visto.

"Der gesprengte Turm des Heidelberger Schlosses / La torre en ruinas del Castillo de Heidelberg /
The Ruined Tower of Heidelberg Castle", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80,5 × 92 cm.
Kunsthalle Bremen (Alemania / Germany). Wikimedia Commons

En 1831, por recomendación de Karl Friedrich Schinkel, fue nombrado profesor de pintura de paisaje en la Academia de Berlín. En 1835 se convirtió en miembro de pleno derecho de la Academia y realizó un viaje de estudios a París. Fue entonces cuando aparecieron los primeros síntomas de su enfermedad mental.
Su condición se deterioró y sufrió severos episodios de depresión que lo obligaron a tomarse un permiso de ausencia de la Academia en 1836. Al año siguiente tuvo que ser ingresado en un hospital. Pudo hacer un último viaje a Dresde, donde realizó sus últimos dibujos. Murió cuatro años después (1940), en un estado de trastorno mental total. Fue enterrado en el cementerio Holy Trinity, pero la ubicación exacta se desconoce.
Una calle, un parque y una escuela primaria en Cottbus fueron nombrados en su honor. En 2008 el edificio de la escuela se convirtió en parte del "Blechen Carré", un importante centro comercial. La mayoría de sus obras están en colecciones privadas. Fue uno de los primeros pintores europeos en representar la industrialización temprana como parte de sus paisajes.

"Gotische Kirchenruine / Iglesia gótica en ruinas / Gothic Church Ruins"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 129,5 x 96,5 cm., 1826.
Staatliche Kunstsammlungen (Dresde, Alemania / Dresden, Germany). Wikimedia Commons

On July 29 is the birthday of

Carl Eduard Ferdinand Blechen, German landscape painter and a Professor at the Academy of Arts, Berlin, born in Cottbus in 1798. His distinctive style was characteristic of the Romantic ideals of natural beauty.
His father was a minor tax official from Regensburg. From 1805 to 1815 he attended the Lyceum at the Oberkirche St.Nikolai in Cottbus. His parents could not afford to pay for any further education, so they apprenticed him to a banker and he was engaged in that profession until 1822, when an increasing interest in art led him to the Berlin Academy.
After a short study trip to Dresden and Saxon Switzerland, he returned to Berlin and obtained a position as a decorator for the Royal Theater on the Alexanderplatz. He married in 1824 and became a member of the Berlin Artists' Association in 1827. Later that year, he was dismissed from the Theater because of an ongoing dispute with singer Henriette Sontag. After that, he tried to support himself as a free-lance artist. In 1828, he took a study trip to the Baltic Sea, followed by a trip to Italy which produced hundreds of sketches that were later elaborated in his Berlin studio. He had been deeply impressed by the landscapes there and altered his entire manner of painting to reflect what he had seen.

"Walzwerk Neustadt-Eberswalde / El laminador Neustadt-Eberswalde /
The Neustadt-Eberswalde Rolling Mill", óleo sobre panel / oil on panel, 25,5 x 33 cm., c.1830
Alte Nationalgalerie (Berlín, Alemania / Germany). GAP

In 1831, upon the recommendation of Karl Friedrich Schinkel, he was appointed Professor of Landscape Painting at the Berlin Academy. In 1835 he became a full member of the Academy and took a study trip to Paris. It was then that the first symptoms of his mental illness appeared.
His condition deteriorated and he suffered severe bouts of depression that forced him to take a leave of absence from the Academy in 1836. The following year, he had to be admitted to a hospital. He was able to make one final trip to Dresden, where he made his last drawings. He died four years later (1940), in a state of total mental derangement. He was buried in the Holy Trinity Cemetery, but the exact location is no longer known.
A street, a park and an elementary school in Cottbus were named after him. In 2008, the school building became part of the "Blechen Carré", a major shopping center. Most of his works are in private collections. He was one of the first European painters to represent early industrialization as part of his landscapes.

"Bau der Teufelsbrücke / Construyendo el Puente del Diablo / Building the Devil's Bridge"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 77,8 x 104,5 cm., c.1830-32.
Neue Pinakothek (Múnich, Alemania / Germany). Wikimedia Commons


El 30 de Julio es el cumple de

Werner Tübke, pintor y artista gráfico alemán nacido en Schönebeck (Elba), cerca de Magdeburgo, en 1929.
Fue uno de los pintores más destacados de la RDA y perteneció a la Escuela de Leipzig, junto a Bernhard Heisig, Wolfgang Mattheuer y Heinz Zander.
Después de estudiar pintura en Schönebeck, estuvo formándose desde 1948 hasta 1953 en la Escuela de Artes Aplicadas de Magdeburgo, en la Escuela Superior de Artes Gráficas y Diseño de Libros de Leipzig y, posteriormente, educación y psicología artísticas en la Universidad de Greifswald. Trabajó a partir de 1964 como profesor adjunto en la Escuela Superior de Arte Gráfico y Diseño de Libros de Leipzig. Años más tarde sería rector de esta institución (1973-1976). A principios de los años setenta viajó a Italia, conociendo así de primera mano a la pintura clásica, lo que influiría en su obra posterior. Tübke participó como representante de la RDA en Documenta 3 (1964) y 6 (1977) de Kassel. En 1984 dio clases en la Academia de Verano de Salzburgo.

"Happening in Pompeji", técnica mixta sobre tabla / mixed media on wood, 103 x 136 cm., 1980. Kunst Presseschau

Realizó sobre todo cuadros y pinturas murales de gran tamaño. Su principal género es la pintura histórica, en concreto la historia socialista. Su estilo se aparta del realismo socialista con el que se le suele relacionar, encuadrándose más bien en un realismo mágico con corrientes surrealistas. Consideraba que sus modelos artísticos eran Lucas Cranach y Alberto Durero, siendo evidente en su obra la influencia de los maestros antiguos como los mencionados, El Bosco, Andrea Mantegna y Pedro Pablo Rubens. El estilo de Tübke destacó por su distorsión manierista, hasta el punto de ser considerado «virtuoso neomanierista», con figuras a menudo vestidas a la antigua.

"Gen Narragonien (II)", óleo sobre tabla / oil on wood, 80 x 126 cm., 1982. Lempertz

Su lista de obras comprende varios miles de dibujos, más de 500 acuarelas y 353 pinturas. Su obra más conocida es "La temprana revolución burguesa de Alemania" o "Panorama de la revuelta campesina", realizado en Bad Frankenhausen con varios ayudantes, sobre la guerra de los campesinos alemanes del siglo XVI. La obra abarca 1722 metros cuadrados, por lo que se considera que es la pintura al óleo más grande del mundo.
Murió en 2004.

"Selbstportrait / Autorretrato / Self-Portrait"
Grafito sobre papel beige / graphite on beige paper, 88 x 66 cm., 1970. Lempertz

On July 30 is the birthday of

Werner Tübke, German painter and graphic artist born in Schönebeck (Elbe), near Magdeburg, in 1929.
He was one of the most outstanding painters of the GDR and belonged to the Leipzig School, together with Bernhard Heisig, Wolfgang Mattheuer and Heinz Zander.
After studying painting at Schönebeck, he was trained from 1948 to 1953 at the School of Applied Arts in Magdeburg, the Higher School of Graphic Arts and Book Design in Leipzig, and later artistic education and psychology at the University of Greifswald. He worked as an adjunct professor in 1964 at the Higher School of Graphic Art and Book Design in Leipzig. Years later he would be rector of this institution (1973-1976). At the beginning of the seventies he traveled to Italy, knowing firsthand the classical painting, which would influence his later work. Tübke participated as representative of the GDR in Documenta 3 (1964) and 6 (1977) in Kassel. In 1984 he taught at the Salzburg Summer Academy.

"Frühbürgerliche Revolution in Deutschland (Bauernkriegspanorama) /
La temprana revolución burguesa en Alemania (Panorama de la revuelta campesina) /
Early Bourgeois Revolution in Germany (Peasants' War Panorama)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 145 x 1230 cm. 1976-87 (detalle / detail)
Bad Frankenhausen (Alemania / Germany). Wikipedia

"Bauernkriegspanorama / Panorama de la revuelta campesina / Peasants' War Panorama" (detalle / detail). Flickr

He made mostly large mural paintings and paintings. His main genre is historical painting, specifically socialist history. His style departs from the socialist realism with which he is usually related, framing rather in a magical realism with surrealist currents. He considered that his artistic models were Lucas Cranach and Alberto Durero, being evident in his work the influence of the old masters such as those mentioned, El Bosco, Andrea Mantegna and Peter Paul Rubens. Tübke's style stood out for his Mannerist distortion, to the point of being considered a «neo-manist virtuoso», with figures often dressed in the old fashioned way.

"Bauernkriegspanorama / Panorama de la revuelta campesina / Peasants' War Panorama" (detalle / detail). Flickr

"Bauernkriegspanorama / Panorama de la revuelta campesina / Peasants' War Panorama" (detalle / detail). Aquí y ahora

Se puede ver una amplia selección de imágenes de esta obra aquí /
You can see a wide selection of images of this work here.

His list of works includes several thousand drawings, more than 500 watercolors and 353 paintings. His best known work is "The early bourgeois revolution of Germany" or "Panorama of the peasant revolt", painted in Bad Frankenhausen with several assistants, on the war of the German peasants of the sixteenth century. The work covers 1722 square meters, so it is considered to be the largest oil painting in the world.
He died in 2004.

"Chilenisches Requiem / Réquiem por Chile / Chilean Requiem"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 54 x 115 cm., 1974
Museum der bildenden Künste (Leipzig, Alemania / Germany). Kunst in der DDR


El 31 de Julio es el cumple de

Vojtěch Preissig, tipógrafo, grabador, diseñador, ilustrador, pintor y profesor checo nacido en Světec, Bohemia del norte, en 1873.
Su padre era ingeniero de minas. En 1884 se mudó a Praga donde estudió en la Escuela de Arte Industrial Aplicado desde 1892 hasta 1896, luego en la Escuela de Arquitectura Decorativa desde 1897 hasta 1898. En 1897 se mudó a París y trabajó durante dos años con el artista checo Art Nouveau Alphonse Mucha. Su obra temprana, secesionista, fue influenciada por el arte japonés y el simbolismo. Regresó a Praga en 1903, donde fundó el periódico Česká grafika ("Gráficos checos"), publicó el libro Barevný lept a barevná rytina ("Aguafuertes en color y Grabados en color") en 1909, y abrió su propio estudio de gráficos en 1905. Desafortunadamente el estudio de artes gráficas no fue un éxito financiero, por lo que se mudó a los Estados Unidos en 1910 y trabajó como instructor de arte.

"Jezdec na velbloudu / Jinete de camellos / Camel Rider"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30 x 19 cm. Sotheby's

Preissig permaneció en los Estados Unidos hasta 1930. Dio clases en la Universidad de Columbia y en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York a partir de 1912. Se mudó a Boston en 1916 y dio un curso de artes gráficas para el Instituto Wentworth. Se convirtió en director de la Escuela de Imprenta y Artes Gráficas hasta 1926. Durante su tiempo en el Instituto Wentworth, diseñó carteles de reclutamiento para las fuerzas armadas de los Estados Unidos de la Primera Guerra Mundial, que estaban principalmente dirigidos a inmigrantes checos.

"Meditace (Na balkoně) / Meditación (En el balcón) / Meditation (On The Balcony)"
Aguafuerte en color sobre papel / color etching on paper, 1899-1900. Harmonie on line

Preissig, junto con su hija Irena Bernášková, apoyó la resistencia checa durante ambas guerras mundiales y fue arrestado en 1940 por hacer trabajos de diseño gráfico para una de las revistas más importantes de la resistencia, llamada V boj ("En la lucha"), que había sido proscrito por las autoridades alemanas.
Murió el 11 de junio de 1944 en el campo de concentración de Dachau.

"Náborová pohlednice pro Čs. legie (Do zbroja! Kto si syn svojho rodu hodný!) /
Póster de reclutamiento para la legión checoslovaca (¡A las armas! ¡Vosotros, dignos hijos de nuestra raza!) /
Recruitment poster for CS Legion (To arms! Ye Worthy Sons of your Race!)"
EE.UU./ USA, 1918. Antikvariát Valentinská

On July 31 is the birthday of

Vojtěch Preissig, Czech typographer, printmaker, designer, illustrator, painter and teacher born in Světec, northern Bohemia, in 1873.
His father was a mining engineer. In 1884 he moved to Prague where he studied at the School of Applied Industrial Art from 1892 to 1896, then at the School of Decorative Architecture from 1897 to 1898. In 1897 he moved to Paris and worked for two years with the Czech Art Nouveau artist, Alphonse Mucha. His early, Secessionist, work was influenced by Japanese art and Symbolism. He returned to Prague in 1903 where he founded the periodical Česká grafika ("Czech Graphics"), published the book Barevný lept a barevná rytina ("Color Etchings and Color Engravings") in 1909, and opened his own graphics studio in 1905. Unfortunately, the graphics studio was not a financial success so he moved to the United States in 1910 and worked as an art instructor.

"Un árbol en flor / A Tree in Bloom", aguatinta a color / color aquatint, 36 x 29 cm., 1904. Mutual Art

Preissig remained in the United States until 1930. He taught at Columbia University and the Art Students League of New York starting in 1912, then moved to Boston by 1916 and taught a course in graphic arts for the Wentworth Institute. He became the director of the School of Printing and Graphic Arts, until 1926. During his time with the Wentworth Institute he designed recruitment posters for the United States armed forces of World War I, which were principally aimed at Czech immigrants.

"Tarde / Evening", aguafuerte a color, aguatinta / coloured etching, aquatint, 1905. Mutual Art

Preissig, along with his daughter Irena Bernášková, supported the Czech resistance during both World Wars and was arrested in 1940 for doing graphic design work for one of the most important magazines of the resistance, called V boj ("Into the Fight"), that had been outlawed by German authorities.
He died on 11 June 1944 in Dachau concentration camp.

"Pájaro azul / Bluebird", aguafuerte coloreada / coloured etching, 49 x 37 cm., 1903. Mutual Art

David Eichenberg [Pintura / Painting]

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David Eichenberg


David Eichenberg es un artista estadounidense nacido en 1972 en Ohio, donde actualmente vive y trabaja.
Tiene una Licenciatura en Bellas Artes de la Universidad de Toledo, Ohio, 1998, especialización en escultura con Thomas Lingeman, y graduado en pintura con Linda Ames-Bell.
Ha mostrado su obra en varias exposiciones individuales y colectivas desde 1999, y recibió varios premios y honores en Estados Unidos, el Reino Unido y España.
«Cuando era estudiante en la universidad, recuerdo haber tenido conversaciones sobre arte figurativo y recuerdo cuántos de mis compañeros pensaron que estaba muerto. Siempre pensé lo contrario y vi signos en el mundo del arte de que en realidad estaba experimentando un renacimiento. Siento que estoy bien posicionado ahora y que con suerte puedo hacer algunas contribuciones significativas a este renovado interés en el género. También me encanta la extrema diversidad de la escena artística actual. No hay ningún arte que actualmente esté recibiendo atención que no me guste. Como pintor figurativo, no limito mis intereses sólo a ese rincón de la escena artística ».

"Aimee en azul / Aimee in Blue", óleo sobre panel / oil on panel, 7" x 9" © David J. Eichenberg

"Birdie y pato / and Duck"
Óleo sobre panel de aluminio / oil on aluminium panel, 9,5" x 12" © David J. Eichenberg

«Siempre me esfuerzo por avanzar no solo con mi trabajo, sino también con mi comprensión del mundo que me rodea. Aunque es con mi obra que espero compartir la belleza de las personas a las que encuentro a diario. Las personas que elijo como modelos son personas que parecen vestirse por fuera. Ya sea a través de adornos corporales, tatuajes o simplemente por la forma en que eligen peinar su cabello. Mi objetivo no es solo compartir con otros mis encuentros personales con estos modelos, sino también crear un registro histórico de la gran variedad de belleza que se puede encontrar a comienzos del siglo XXI. Estas son caras de personas que históricamente no se habrían considerado sujetos apropiados para el retrato.»

"Alan", óleo sobre panel / oil on panel, 6" x 6" © David J. Eichenberg

Eichenberg conoció a Alan Coulson, colega figurativo y retratista, en Londres. Fascinado por su pelo rojo y su aspecto idiosincrásico, Eichenberg tomó una instantánea de Coulson en un pasillo y luego pintó su retrato. Esta pieza destila habilidad técnica y un buen ojo para capturar la personalidad. Eichenberg afirma: "Esta es la pieza más compacta que he pintado". Los detalles son tan minuciosos, incluso la firma de monograma de Eichenberg que se encuentra en el borde de las gafas apenas se puede ver sin una lupa, teniendo en cuenta el tamaño de esta pieza. Eichenberg dice: "Una vez que sepas cómo manejar la técnica, tiene que haber más. Cómo incorporar ese algo extra para alcanzar un nuevo nivel es diferente en cada nueva pintura".

Eichenberg met Alan Coulson, fellow realist figure painter and portrait artist, in London. Fascinated by his red hair and idiosyncratic looks, Eichenberg took a snapshot of Coulson in a hallway and later painted his portrait. This piece exudes technical skill and a keen eye for capturing personality. Eichenberg states, “This is the tightest piece I’ve ever painted.” Details are so minute, even Eichenberg’s monogram signature found on the rim of the glasses can hardly be seen without a magnifying glass—note the size of this piece. Eichenberg says, “Once you know how to handle the technique, there has to be more. How to incorporate that something extra to reach a new level is different in each new painting.” 

"Devan y colcha de punto / Devan and Afghan
Óleo sobre panel de aluminio / oil on aluminium panel, 26" x 30"

"Aimee con pieles / Aimee in Fur", óleo sobre panel / oil on panel, 12" x 16" © David J. Eichenberg

«Veo estos retratos casi como los viejos grabados de Audubon. Son una herramienta y una forma para que las personas estudien el mundo que les rodea, dentro de sus propias zonas de confort y en su tiempo libre sin tener que involucrarse directamente con los sujetos. Al hacerlo, espero que sus experiencias y percepciones cambien en el mundo real, cuando se encuentren con personas que muestran adornos similares.
Utilizo fotos de referencias para mi trabajo. La mayoría de mis tomas de referencia son simples instantáneas rápidas. Sé que en el mundo del arte hay mucha resistencia, entre los pintores, al uso de la fotografía. La fotografía para mí es simplemente una herramienta que me permite registrar información relevante rápidamente, sin tener que cargar a mis modelos con tener que sentarse durante horas. Como puede tomar hasta 4 semanas terminar una pieza de 4 "x 6", fotografiar mis modelos es la única opción viable.»

"Doug", óleo sobre panel de aluminio / oil on aluminium panel, 10" x 13" © David J. Eichenberg

«Pensé que podría compartir un poco el "detrás de las escenas" de cómo trabajo. La imagen abajo muestra (a la derecha) la imagen original o instantánea (sin editar para su placer visual) que utilicé como referencia para la pintura de "Doug", a la izquierda. Como puede verse, hay muchas decisiones que deben tomarse antes de que se inicie una pintura, y esta fue una pieza bastante directa.»

«I thought I would share a little behind the scenes of how I work. The following image shows (on the right) the original image or snapshot (unedited for your viewing pleasure) that I used as a reference for the painting of "Doug" on the left. As you can see there are a lot of decisions that have to be made way before a painting is even started and this was a pretty straight forward piece.»

Izq./ Left: "Doug" - Der./ Right: Foto de referencia / Reference snapshot

"Grace", óleo sobre panel de aluminio / oil on aluminium panel, 12" x 12"

«Trabajo principalmente en óleo sobre panel compuesto de aluminio. Trabajar con óleos siempre ha sido mi preferencia. Me gusta la forma en que me dan tiempo de sobra para hacer cambios antes de fijarse. El uso de paneles de aluminio como sustrato ha requerido mucha experimentación. Hay muchos sustratos diferentes para elegir. Me decidí por los paneles de aluminio compuesto porque no se deforman ni se degradan y puedo lograr una superficie extremadamente lisa para pintar. La más mínima textura de superficie en mi sustrato crea sombras diminutas en la superficie que pueden alterar cómo se perciben mis representaciones. Considero que la textura de la superficie es una herramienta útil si se aplica donde es necesario, pero también una distracción donde no se desea, como con los patrones de tejido del lienzo o el lino.»

"Aimee con sudadera de capucha III / Aimee in Hoodie III"
Óleo sobre panel / oil on panel, 30" x 40" © David J. Eichenberg

"Hule / Rubber", óleo sobre panel de aluminio / oil on aluminium panel, 66 x 76,25 cm.

Todo en esta pintura tiene un significado. El piso de tablero de ajedrez evoca iglesias europeas que simbolizan la continua influencia del dogma religioso en nuestro pensamiento actual. Contrasta marcadamente con la pared verde y plana, un color que Eichenberg describe como un "verde institucional" que recuerda a los muros de la vieja escuela y a los ambientes regimentados similares a la prisión. Es el color de las narrativas falsas y las reglas duras que representan "cómo deben ser las cosas". La cómoda blanca no solo equilibra la composición descentrada, sino que está desgastada y astillada, simbolizando la idea de que uno debería avergonzarse del cuerpo y que el sexo no es por placer. Es una metáfora de la reprimenda de la sociedad para cubrirnos y esconder nuestro ser más íntimo. Esta pintura explora las costumbres sexuales de una manera confrontacional pero novedosa.
Mirando las figuras despersonalizadas no vemos ningún acto sexual, ninguna erección, ningún erotismo curvilíneo, ningún placer carnal, ningún gesto lascivo. Aunque su postura incómoda y tensa todavía logra sugerir una sensación de compasión y amor, las figuras están vestidas con trajes de goma que reducen las sensaciones físicas, las desensibilizan unas a otras y las deshumanizan ante nosotros, los espectadores. El hombre usa una máscara de pelota inflable que refleja el halo del sufrimiento de Cristo de Pietà, un artilugio de privación sensorial que efectivamente lo vuelve sordo y ciego. La única piel desnuda visible (además de los agujeros de la boca y los ojos) es la mano de la mujer que acuna tiernamente y sostiene la cabeza del hombre. El único pezón visible es el vástago de la válvula en la parte superior de la campana del globo que se utiliza para inflarlo; otro símbolo sardónico de la naturaleza represiva de los sistemas de valores sociales en relación con la desnudez.

Everything in this painting has a meaning. The checkerboard floor is evocative of European churches symbolizing the continued influence of religious dogma in our current thinking. It contrasts starkly against the flat green wall, a color Eichenberg describes as “institutional green” reminiscent of old school walls and prison-like regimented environments. It is the color of false narratives and harsh rules representing “the way things have to be.” The white dresser not only balances the off-center composition but is distressed and chipped, symbolizing the idea that one should be ashamed of one’s body and that sex is not for pleasure. It is a metaphor for society’s dressing-down (pun intended) to cover ourselves up and hide away our innermost being. This painting explores sexual mores in a confrontational yet novel way.
Looking at the depersonalized figures we see no sexual act, no erection, no curvaceous eroticism, no carnal pleasure, no lewd gestures. Although their uncomfortable, strained pose still manages to suggests a sense of compassion and love, the figures are clad in constricting rubber suits that reduce physical sensations, desensitizing them from each other and dehumanizing them to us, the viewers. The male wears an inflatable ball mask hood mirroring the halo of Pietà’s suffering Christ, a sensory deprivation contraption that effectively renders him deaf and blind. The only visible bare skin (besides mouth and eye holes) is the woman’s hand that tenderly cradles and supports the man’s head. The only visible nipple is the valve stem on top of the balloon hood used to blow it up; another sardonic symbol for the repressive nature of societal value systems regarding nudity. 

"Devan en blanco II / Devan in White"
Óleo sobre panel / oil on panel, 7" x 9" © David J. Eichenberg

"Tad", óleo sobre panel / oil on panel, 10,25 x 8,25" © David J. Eichenberg

David Eichenberg is an American artist born in 1972 in Ohio, where he currently lives and works.
He has a B.F.A. from the University of Toledo, Toledo, Ohio, 1998, Major in sculpture with Thomas Lingeman, and Minor in painting with Linda Ames-Bell. 
He showed his work in a number of solo and collective exhibitions since 1999, and received several awards and honors in USA, UK and Spain.
«When I was a student back in college I remember having conversations about representational art and I remember how many of my fellow students thought it was dead. I always thought otherwise and saw signs in the art world that it was actually experiencing a rebirth of sorts. I feel like I am positioned nicely now and that hopefully I can make some meaningful contributions to renewed interest in genre. I also love the extreme diversity of the current art scene. There is not a whole of art that is currently getting attention that I don not like. As a represenational painter I do not limit my insterests to only that corner of the art scene.»

"Jade (El ensayo / The Rehearsal)", óleo sobre panel / oil on panel, 19" x 19" © David J. Eichenberg

"Devan y bandas / Devan and Stripes"
Óleo sobre panel de aluminio / oil on aluminium panel, 20" x 31,5"© David J. Eichenberg

A primera vista, "Devan y bandas" es una versión moderna de una Madonna caída o una adaptación contemporánea de "La gran odalisca" de Ingres. El realismo detallado se establece contra un fondo plano rayado indescriptible que muestra a una mujer semidesnuda voluptuosa recostada sensualmente en una silla. Sin embargo, las primeras impresiones son engañosas. La mujer mira de soslayo a través de lentes oscuros, una mirada desafiante e inquisitiva, que sugiere una historia subyacente. Quizás ella no es simplemente el objeto sexual que imaginamos.
Saber que Devan es una persona transgénero da vida a la narrativa esencial de esta pintura. Fue el deseo de la modelo ser representada como un ideal de feminidad, para, de alguna manera, desafiar o purgar las dificultades y el sufrimiento inimaginables que implica vivir dentro del cuerpo "equivocado". Devan, nacida mujer, se identifica como un hombre. Esta toma de conciencia rompe la barrera entre Devan y el espectador, que con suerte pasará de ver un objeto sexual a preguntarse qué tortuosas tragedias jugaron en una vida en la que sentirse fuera de lugar es una dolorosa realidad cotidiana desde la primera infancia. Esta pintura nos confronta con las formas en que percibimos y juzgamos a los demás y a nosotros mismos. Examina la tragedia de no ser visto por lo que realmente somos.

At first glance Devan & Stripes is a modern-day version of a fallen Madonna or a contemporary adaptation of Ingres’ La Grande Odalisque. Detailed realism is set against a nondescript flat striped background showing a voluptuous seminude woman sensually reclining in a chair. However, first impressions are deceptive. The woman’s sideways gaze through dark glasses—a stare both challenging and inquisitive—suggests there’s an underlying story. Perhaps she’s not merely the sexual object we imagine.
Knowing that Devan is a transgender person brings this painting’s essential narrative to life. It was the model’s wish to be depicted as an ideal of femininity, to somehow defy or purge the unimaginable hardships and suffering that living inside the ‘wrong’ body implies. Devan, born female, identifies as a male. This realization breaks down the barrier between Devan and the viewer, who will hopefully switch from seeing a sexual object to wondering what tortuous tragedies played in a life where feeling out of place is a painful daily reality since early childhood. This painting confronts us with the ways in which we perceive and judge others and ourselves. It examines the tragedy of not being seen for who we truly are.

"Devan con pañuelo III / Devan in Scarf III"
Óleo sobre panel de aluminio / oil on aluminium panel, 13" x 18"© David J. Eichenberg

"Tim II", óleo sobre panel / oil on panel, 13,25" x 13,25" © David J. Eichenberg

«I am always striving to move ahead not only with my work but in my understanding of the world around me. It is though my work that I hope to share the beauty of the people that I ecounter an a daily basis. The people that I choose as my subjects are peopel who seem to wear themselves on the outside. Be it through body adornment, tattoos or simply by the way they choose to style their hair. My goal is not only to share with others my personal encounters with these subjects but it is also to create a historical record of the wide variety of beauty that can be found at the beginning of the 21st century. These are faces of people that historically would not have been considered appropriate subjects for portraiture.»

"Brittany en azul / Brittany in Blue"
Óleo sobre panel de aluminio / oil on aluminium panel, 6" x 7"© David J. Eichenberg

«I view these portraits almost like the old Audubon prints. They are a tool and way for people to study the world around them, within their own comfort zones and at their leisure without having to engage the subjects directly. In doing so, I hope their experiences and perceptions will be changed in the real world, when they encounter people displaying similar adornment.
I do use photo references for my work. Most of my reference shots are simple quick snapshots. I know within the art world there is a lot of resistance, among painters, to the use of photography. Photography to me is simply a tool which allows me to record relevant information quickly, without having to burden my models /sitters with having to sit for hours. Since it can take up to 4 weeks to finish a 4” x 6” piece, photographing my subjects is the only viable option.»

"Fiona", óleo sobre panel / oil on panel, 11,25" x 11,25" © David J. Eichenberg

"Devan", óleo sobre panel / oil on panel, 8,25" x 10,25" © David J. Eichenberg

«I work primarily in oil on aluminium composite panel. Working in oil have always been my preference. I like the way in which they are forgiving and give me the plenty of time to make changes before they set. The use of aluminium panels as my substrate has required a lot of experimentation. There are a lot of different substrates to choose from . I settled on composite aluminium panels because they do not warp or degrade and I can achieve an extremely smooth surface to paint on. The slightest surface texture on my substrate creates minute shadows on the surface which can alter how my renderings are perceived. I find surface texture to be a useful tool if applied where needed but also a distraction where it is not wanted, such as with the weave patterns of canvas or linen.»

"Aimee", óleo sobre panel / oil on panel, 6" x 7"© David J. Eichenberg

Fuentes / Sources:
* Website
* Revista Poetas y artistas / Poets and Artists Magazine
Kloosterboer sobre / on Eichenberg, por / by Lorena Kloosterboer, Feb., 2017
* Entrevista en Revista Poetas y artistas / Interview in Poets and Artists Magazine, Edición / Issue #51, 2013
* Belleza poco común / Uncommon Beauty, LAB, Edición / Issue #4

Más sobre / More about David Eichenberg: Website, facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, David!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, David!)



Entrevista (inglés, sin subtítulos) / Interview: Toledo Alumni Magazine


Miriam Escofet [Pintura]

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Miriam Escofet

Miriam Escofet. Foto / Photo: Aliona Adrianova

Miriam Escofet es una artista española nacida en 1967 en Barcelona, que se mudó al Reino Unido en 1979.
Creció en un hogar de arte y artistas; su padre es el pintor español José Escofet (nacido en 1930), y su madre también era artista.
«Recuerdo particularmente haber visto a mi padre dibujar y estar completamente fascinada por su habilidad. También recuerdo pasar horas revisando sus libros de arte y descubriendo el mundo del arte en todas sus múltiples expresiones. En particular fueron las obras de pintores renacentistas y góticos las que me cautivaron; Bosch, Da Vinci, Van Eyck, Mantegna, Piero della Francesca, los mundos mágicos y místicos que representan sus obras. En cierto sentido, supongo que aprendí desde muy temprana edad el lenguaje "especial" del arte, que sobrepasa el intelecto y conecta directamente con la imaginación y las emociones ".

"Tinteros en azul / Inkwells on Blue", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 46 x 56  cm. © Miriam Escofet

"Tinteros en azul / Inkwells on Blue" (detalle / detail) © Miriam Escofet

Estudió en la Epsom School of Art & Design (1986) y Diseño en 3D en la Brighton School of Art, graduándose en 1991. Su carrera como pintora comenzó poco después de graduarse y desde entonces trabaja como artista. Su obra está dedicada a sus influencias en la arquitectura del período clásico, gótico y renacentista. El tema de cada una de sus obras de arte se relaciona normalmente con la estética, la imaginación y el simbolismo.
La obra de Miriam Escofet ha sido publicada y presentada en numerosas exposiciones individuales y colectivas desde 1994 en el Reino Unido, Francia e Italia, ha sido seleccionada para el BP Portrait Award en 2009, 2010 y 2012 y para la exposición anual de la Royal Society of Portrait Painters.

"Los cinco sólidos platónicos / The Five Platonic Solids"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 51 x 41 cm © Miriam Escofet

"Un ángel en mi mesa - Retrato de mi madre / An Angel at my Table - Portrait of my Mother"
Óleo sobre lino, sobre panel / oil on linen over panel, 100 x 70 cm. © Miriam Escofet
Ganador del Premio de Retrato BP 2018 en la National Portrait Gallery de Londres /
 Winner of the BP Portrait Award 2018 at the National Portrait Gallery, London

El ganador del Premio de Retrato BP 2018 ha sido anunciado en la National Portrait Gallery en Londres, en el año 29 que BP patrocina esta competición.
La obra ganadora fue seleccionada entre 2.667 entradas de 88 paises. Un panel de jueces que incluye a la periodista Rosie Millard y el artista Glenn Brown, han seleccionado de forma anómina las obras ganadoras.
El primer premio fue para la artista con sede en Londres Miriam Escofet, por "Un ángel en mi mesa", un retrato de su madre bebiendo té.
Tras recibir el premio, Miriam Escofet dijo: "Creo que el Premio de Retrato se ha convertido en una de las mayores competiciones a nivel global, así que es un honor increíble."BP

Los jueces apreciaron "la reserva e intimidad de la composición de Escofet, que evoca tanto la calma interior de la modelo como la idea de la 'madre universal".
La pintora había sido seleccionada previamente otras cuatro veces para este galardón, que finalmente consigue con una obra realista y etérea con la que ella misma dijo que quería capturar la figura de esa "madre universal". EFE

"Un ángel en mi mesa... / An Angel at my Table..." (detalle / detail) © Miriam Escofet

The winner of the BP Portrait Award 2018 has been announced at the National Portrait Gallery in London, in the 29th year of BP’s sponsorship of the competition.
The winning work was selected from 2,667 entries from 88 countries. A panel of judges, including journalist Rosie Millard and artist Glenn Brown, anonymously selected the winning works.
First prize went to the London-based artist, Miriam Escofet, for An Angel at my Table, a portrait of her mother drinking tea.
After receiving her prize, Miriam Escofet said, “I think the Portrait Award has become one of the major art competitions globally so it’s an incredible honour.” BP

The judges appreciated "the reserve and intimacy of Escofet's composition, which evokes both the inner calm of the model and the idea of ​​the 'universal mother.'"
The painter had previously been selected four times for this award, which finally achieves a realistic and ethereal work with which she said she wanted to capture the figure of that "universal mother". EFE

"Estudio al pastel de mi madre - Un ángel en mi mesa /
Pastel Study of my Mother - An Angel at My Table"
Pastel sobre panel / pastel on board, 80 x 55 cm. © Miriam Escofet

"Gravedad / Gravity", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 51 x 61 cm. © Miriam Escofet

«Mi obra ha evolucionado a lo largo de los años a través de muchos temas e ideas, como la naturaleza muerta, la arquitectura y la perspectiva, la alegoría, la composición imaginaria y, más recientemente, el retrato. Pero la pasión unificadora en todas mis pinturas es describir una sensación de espacio, volumen, atmósfera y detalle, llegando a una especie de expresión hiperreal del tema. Estoy muy interesada en el hacer, el proceso y la técnica. Mi obra es de inspiración clásica y el viaje a una pintura puede ser muy multidisciplinario, a menudo con la construcción de accesorios, dioramas o elaboradas maquetas, y el uso de una perspectiva compleja.»

"Si he visto más allá, es por estar subido a hombros de gigantes /
If I Have Seen Further it is by Standing on the Shoulders of Giants"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas 106 x 91 cm. © Miriam Escofet

"Shubha", óleo sobre lienzo, sobre panel / oil on canvas on panel, 70 x 50 cm. © Miriam Escofet

«Honestamente puedo decir que nunca me he sentido artísticamente bloqueada. Tengo el problema opuesto, que es que no hay suficientes horas en el día para trabajar en todas las ideas que tengo. Siempre tengo un atraso en proyectos que intentan llegar, algunos más formados que otros. Debido a mi técnica y al nivel de detalle en mi trabajo, mis pinturas tardan unos meses en completarse. Una pintura en particular, "Los cielos / The Heavens", tomó un año desde la etapa de idea hasta el final.
Tan pronto como estoy en la etapa final de una pintura, empiezo a tener una idea muy clara del próximo trabajo. Algunas ideas están en el fondo de mi mente, siendo reflexionadas durante años hasta que aparecen de repente. Otras nacen muy rápidamente. Es casi como si cada idea encontrara su propio momento para venir al mundo.»

"Los cielos / The Heavens", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 147 x 102 cm.

 Los tres órdenes sagrados (tríptico) / The Three Sacred Orders (triptych), óleo sobre lienzo / oil on canvas
"El orden jónico / The Ionic Order", 66 x 40cm. - "El orden corintio / The Corinthian Order", 86 x 46 cm.
"El orden dórico / The Doric Order", 66 x 40 cm. © Miriam Escofet

«Pinto principalmente al óleo, aunque exploro otros medios. Mi técnica es extremadamente detallada, aplicando muchas capas y esmaltes para lograr una sensación de espacio y estado de ánimo. Una pintura al óleo me puede llevar meses hasta estar terminada. Sigo trabajando en una pieza hasta que siento que he llegado a una expresión de espacio y atmósfera palpables. Miro las pinturas como portales: mundos en los que uno puede visualmente entrar y ser transportado e incluso transformado. Creo que la función principal del arte es provocar un momento de trascendencia en el espectador, en resumen, llenarlo de asombro.

"Olivo II / Olive Tree II", aguada sobre papel / gouache on paper, 50 x 60 cm. © Miriam Escofet

Miriam Escofet en la inauguración de "Los arboristas y otros pintores", en la galería John Davies,
frente a tres de sus pinturas: "Olivo y luna", "Terra", "Tríptico de la floración"
Miriam Escofet at the opening of ‘The Arborealists & Other Painters’ the John Davies Gallery
in front of her three paintings "Olive Tree and Moon", "Terra", and "Blossom Triptych"

Miriam Escofet is a Spanish artist born in 1967 in Barcelona, moved to the UK in 1979.
She grew up in a home of artists and art; her father is the Spanish painter Jose Escofet (b. 1930), and her mother were also an artist.
«I particularly remember watching my father draw and being completely entranced by his ability. I also remember spending hours pouring through his art books and discovering the world of art in all its manifold expressions. In particular it was the works of renaissance and Gothic painters that captivated me; Bosch, Da Vinci, Van Eyck, Mantegna, Piero della Francesca, the magical, mystical worlds their works depicted. In a sense I suppose I learned from a very early age the ‘special’ language of art, which bypasses the intellect and connects straight to the imagination and emotions.»

"Bultos / Bundles", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 66 x 71 cm. © Miriam Escofet

"El orden de las cariátides / The Order of the Caryatids"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 122 x 91 cm. © Miriam Escofet

She studied a Foundation course at Epsom School of Art & Design (1986), and 3D Design at the Brighton School of Art, graduated in 1991. Her painting career began soon after graduating and she has been working as an artist ever since. Her work is dedicated to her influences on the architecture of the classical, Gothic and renaissance period. Her theme of each artwork is commonly related to aesthetics, imagination, and symbolism.
Miriam Escofet's artwork has been published and featured in many solo and collective exhibitions since 1994 in UK, France, and Italy. Her work has been selected for the BP Portrait Award exhibitions in 2009, 2010 and 2012 and for the Royal Society of Portrait Painters annual exhibition.

"Anthony", óleo sobre lienzo, sobre panel / oil on canvas on board, 70 x 50 cm. © Miriam Escofet

"Anthony", carboncillo y bodycolour sobre papel enyesado /
charcoal conte and bodycolour on gessoed paper, 43 x 33 cm. © Miriam Escofet

"Geometría / Geometry", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 46 x 46 cm. © Miriam Escofet

«My work has evolved over the years through many themes and ideas, including still life, architecture and perspective, allegory, imaginary composition and most recently portraiture. But the unifying passion in all my paintings is describing a sense of space, volume, atmosphere and detail, arriving at a kind of hyper real expression
of the subject matter. I am very interested in making, process and technique. My work is classically inspired and the journey to a painting can be very multi-disciplinary, often involving the construction of props, dioramas or elaborate maquettes, and the use of complex perspective.»

"Venus", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 46 x 36 cm. © Miriam Escofet

"El panteón / The Pantheon", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 96 x 107 cm. © Miriam Escofet

"Jose Escofet", óleo sobre lienzo, sobre panel / oil on canvas on board", 50 x 40 cm. © Miriam Escofet

«Llegué al retrato después de haber pasado muchos años explorando diferentes géneros de la pintura ... Mi primer retrato fue en realidad un retrato de mi padre que pinté en 2007... primero retrato a mi padre ... y el último es uno de mi madre. Ese fue mi primer retrato y me sentí segura porque era mi padre, pero en realidad estaba muy feliz de cómo resultó ... fue una hermosa señal de que algo iba bien, y fue el comienzo de mi viaje hacia el retrato, pero me traje todas las habilidades que aprendí a través de todos estos diferentes tipos de pinturas que estaba haciendo.»

«I arrived to portrait having spent many years exploring all these different genres of painting... My first portrait was actually a portrait of my father that I painted it in 2007... first I portrait my father... and the last one is one of my mother. That was my first portrait and I felt safe because it was my father, but actually I was really happy with how it turned out... it was a lovely sign that something was getting right, and it was the beginning of my journey into portraiture, but I brought to that all the skills I was learnt through all these different types of paintings that I was doing.»

"La yesoteca / The Gypsotheque", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 107 x 97 cm. © Miriam Escofet

«I can honestly say that I have never felt artistically blocked. I have the opposite problem, which is that there aren’t enough hours in the day to work on all the ideas that I have. I always have a backlog of projects trying to come through, some more fully formed than others. Because of my technique and the level of detail in my work, my paintings take a few months each to complete. One painting in particular, The Heavens, took a year from idea stage to finish.
As soon as I am at the end stage of a painting, I start to get a very clear idea of the next work. Some ideas are sitting in the back of my mind, being mulled over for years until they suddenly pop through, others are born very quickly. It is almost as if each idea finds it’s own moment to come into the world.»

"La yesoteca / The Gypsotheque" (detalle / detail) © Miriam Escofet

"Pequeños artefactos / Small Artefacts", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 51 x 66 cm. © Miriam Escofet

«I paint mainly in oils, although I do explore other media. My technique is extremely detailed, applying many layers and glazes to achieve a sense of space and mood. An oil
painting can take months to finish. I keep working at a piece until I feel that I have arrived at an expression of palpable space and mood. I look at paintings as portals - worlds one can visually step into and be transported and sometimes even transformed by. I believe the primary function of art is to trigger a moment of transcendence in the viewer, in short to fill one with wonder.»

"Vanitas - Autorretrato / Self Portrait", técnica mixta sobre papel de acuarela /
mixed media on watercolour paper, 70 x 50 cm. © Miriam Escofet
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Fuentes / Sources:
* Wikipedia
* Website
* Video que puede verse más abajo / Video you can see below. En / in"Making a Mark", 6/2018
* Entrevista de / Interview by Trek Lexington, The Blue Review, 3/2017
* La española Miriam Escofet gana el Premio BP con un retrato de su madre /
The Spanish Miriam Escofet wins the BP Portrait Award with a portrait of her mother.
EFE, Londres / London, 6/2018
* Premio de Retrato BP 2018 - anuncio de ganadores /
BP Portrait Award 2018 – winners announced, BP Global

Más sobre / More about Miriam Escofet en: Website, facebook, Wikipedia (English)

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Miriam!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Miriam!)


Entrevista de Katherine Tyrrell (en inglés, sin subtítulos), en la que Miriam habla sobre su arte, estudios, proceso de pintura, el retrato ganador del premio BP y lo que ha significado para ella.
In this interview by Katherine Tyrrell, Miriam talks about her art, studies, painting process, the portrait winner of BP Portrait Prize, and what it has meant to her.


Aniversarios (CCXLI) [Agosto / August 1-5]

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Todos los aniversarios de Agosto aquí / All anniversaries for August here.
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El 1 de Agosto es el cumple de

Gustav S. Seeberger, pintor de arquitectura y litógrafo alemán nacido en 1812.
Estudió con Albert Reindel en la Escuela de Arte de Nurembert. Pronto comenzó a vender paisajes, pero tendía con especial cariño a la reproducción fiel de monumentos más antiguos. Sus creaciones siempre atrajeron el interés debido a la seguridad del dibujo y la presentación limpia.
El tema más importante de Seeberger fue la Perspectiva. Aquí se sentía completamente a sus anchas. El hombre, por lo demás seco, se abría cuando conseguía extender su red constructiva sobre una imagen.

"Gerichtsszene / Escena en la corte / Court Scene"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 40 x 48 cm., 1847. The Saleroom

Desde 1854 fue profesor de perspectiva en la Academia de Múnich. En este tema era consultado por todos los colegas dentro y fuera de la Academia: Kaulbach, Piloty, Schraudolph e incluso Foltsz de Bingen.
Sus principios autoproclamados se publicaron en "Principien der Perspektive und deren Anwendung nach einer neuen Methode / Fundamentos de un nuevo método para la perspectiva aplicada" (Múnich 1860, 1874, Regensburg 1880 y Múnich 1884).
Murió en 1888.

"Händler in der Toreinfahrt einer alten Klosteranlage /
Mercaderes en la puerto de entrada del complejo de un antiguo monasterio /
Merchants at the Entrance Gate of an Old Monastery Complex"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 46 x 54 cm., 1844. Artnet

On August 1 is the birthday of

Gustav S. Seeberger, German architectural painter and lithographer born in 1812.
He studied under Albert Reindel at the Art School in Nurembert. Soon he started to sold landscapes, but tended with particular fondness for faithful reproduction of older monuments. His creations always attracted interest due to the security of the drawing and the clean presentation.
Seeberger's most important subject was the Perspective. Here he swam completely in his fairway. The otherwise dry man suddenly threw up when he could pull his constructive net over a picture.

"Die Neukirche zu Amsterdam / La Iglesia Nueva de Ámsterdam / The New Church of Amsterdam"
Litografía sobre cartón fino en base a una pintura de / Lithograph on light cardboard after a painting byJohannes Bosboom
49 x 40,5 cm. 1837-42. Lot Search

Since 1854 he was teacher of perspective at the Munich Academy. In this sbuject, he was consulted by all the collegues in and out of the Academy of Munich: Kaulbach, Piloty, Schraudolph, and even Foltsz of Bingen.
His self-proclaimed principles were published in "Principien der Perspektive und deren Anwendung nach einer neuen Methode / Fundamentals of a new method for applied Perspective" (Munich 1860, 1874, Regensburg 1880, and Munich 1884). 
He died in 1888.

"Die lieferung ist angekommen / La entrega ha llegado / The Shipment has Arrived"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50 x 76 cm., 1867. Blouin Art


El 2 de Agosto es el cumple de

Gustave van de Woestijne (Woestyne), pintor y grabador belga nacido en 1881 en Gante.
Fue alumno de la Academia de Bellas Artes de Gante, pero, debido a su frágil salud, tuvo que trasladarse al campo muy joven. Desde 1899 estableció su residencia en Laethem Saint Martin, un pequeño pueblo a las orillas del Lys, en compañía de su hermano, el poeta flamenco Karel van de Woestijne. Hizo numerosas visitas a la famosa Feria de Brujas de 1902 dedicado a los pintores flamencos primitivos, que influyeron fuertemente en su estilo, lo cual resulta especialmente evidente en sus retratos.
En los primeros años van de Woestijne pintó sobre todo pequeños retratos, de expresión soñadora, con una técnica minuciosa inspirada en los pintores flamencos y que nos recuerdan el espíritu de los prerrafaelitas ingleses. Otros de estos pequeños retratos son campesinos cuya expresión se obtiene mediante un dibujo agudo, directamente inspirado en Brueghel.
Una segunda fase de su obra está consagrada a composiciones religiosas, tratadas al modo simbólico de Maurice Denis, representando paisajes campestres bajo una luz idílica, como "Dimanche après-midi" (1914), actualmente en Bruselas.

"Gaston en zijn zuster / Gastón y su hermana / Gaston and his Sister", 1923
Koninklijk Museum voor Schone Kunsten (Amberes, Bélgica / Antwerpen, Belgium). Wikimedia Commons

Durante la Primera Guerra Mundial se refugió en Inglaterra, donde coincidió con Tytgat, Daeye y, más tarde, Permeke.
Aristócrata de gustos y de naturaleza, van de Woestijne realizaba una pintura de una sobria distinción. Sin embargo, en los años 20, su dibujo se endureció, se geometrizó, el color se hizo más insistente y la expresión general más dramática. En su pintura religiosa desistió de la elegía en favor de la expresión del sufrimiento físico y de la soledad moral, lo que se tradujo en emotivos rostros de Cristo.
De 1925 a 1928 fue director de la Academia de Bellas Artes de Malinas, teniendo entre sus alumnos a su hijo Maximilien. También fue profesor en el Instituto Superior de Bellas Artes de Amberes, y más tarde en el Instituto Superior de Artes Decorativas de Bruselas.
Murió en 1947.

"De blinde / El ciego / The Blind", 1910
Koninklijk Museum voor Schone Kunsten (Amberes, Bélgica / Antwerpen, Belgium). Wikimedia Commons

On August 2 is the birthday of

Gustave van de Woestijne (Woestyne), Belgian painter and engraver born in 1881 in Ghent.
He was a student at the Academy of Fine Arts of Ghent, but due to his fragile health, had to move to the countryside very young. From 1899 he established his residence in Laethem Saint Martin, a small village on the banks of the Lys, in the company of his brother, the Flemish poet Karel van de Woestijne. He made numerous visits to the famous Bruges Fair of 1902, dedicated to the primitive Flemish painters, who strongly influenced his style, which is especially evident in his portraits.

"Adrienne", 1919. Wikimedia Commons

In the first years van de Woestijne painted mainly small portraits, of dreamy expression, with a meticulous technique inspired by the flemish painters and that remind us of the spirit of the English pre-Raphaelites. Other of these small portraits are peasants whose expression is obtained by a sharp drawing, directly inspired by Brueghel.
A second phase of his work is dedicated to religious compositions, treated in the symbolic way of Maurice Denis, representing country landscapes under an idyllic light, such as "Dimanche après-midi" (1914), currently in Brussels.
During the First World War he took refuge in England, where he coincided with Tytgat, Daeye and, later, Permeke.

"Boerin", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 58 cm., c.1925. Wikimedia Commons

Aristocrat of tastes and nature, van de Woestijne made a painting of a sober distinction. However, in the 1920s, his drawing hardened, geometrized, the color became more insistent and the general expression more dramatic. In his religious painting he gave up the elegy in favor of the expression of physical suffering and moral solitude, which translated into emotional faces of Christ.
From 1925 to 1928 he was director of the Academy of Fine Arts of Mechelen, having among his students his son Maximilien. He was also a professor at the Higher Institute of Fine Arts in Antwerp, and later at the Higher Institute of Decorative Arts in Brussels.
He died in 1947.

"De likeurdrinksters / Los bebedores de licor / The Liqueur Drinkers", 1922. Wikimedia Commons


El 3 de Agosto es el cumple de

Irmgart Wessel-Zumloh, pintora y artista gráfica alemana nacida en 1907 en Grevenbrück, hoy Lennestadt.
Después de graduarse de la escuela secundaria comienza, por deseo expreso del padre, la continuación de la tradición familiar: una licenciatura en derecho en Munich. Allí también asiste a conferencias de historia del arte. Ella termina sus estudios de derecho y estudia en la Staatliche Kunstakademie Königsberg con Fritz Burmann (1892-1945), pintor y dibujante cercano a la Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad), e inmediatamente recibe un premio en el primer semestre en un concurso para diseñar un monumento conmemorativo de la academia.

"Im Atelier / En el estudio / At the Studio"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90 x 130 cm., 1964. Villa-Wessel

Como su padre estaba preocupado por que su hija obtuviera un doctorado, ella cambia después de dos años estudiando en Königsberg a la Escuela de Arte del Estado en Berlín, el "Instituto de Formación Académica para el Magisterio Artístico". Allí estudia con el pintor y artista gráfico Georg Tappert (1880-1957), un expresionista de segunda generación. Justo al comienzo de sus estudios en Berlín conoce a su futuro esposo Wilhelm Wessel.
En 1932 aprobó su examen estatal para la Oficina de Enseñanza Artística en las escuelas secundarias. En 1934 se casó con el pintor Wilhelm Wessel y vivió en Hemer, Recklinghausen e Iserlohn.
Después de una exposición en 1933 en el Städtisches Gustav-Lübcke-Museum en Hamm, el Wallraf-Richartz-Museum en Colonia en 1934 se convirtió en la primera institución pública en adquirir obra gráfica de Irmgart Wessel-Zumloh. En la Exposición Görlitz de Arte Gráfico de Alemania y en Wallraf-Richartz-Museum su obra de Colonia fue confiscada por los nacionalsocialistas como "arte degenerado". Una visita de estudio de varias semanas a Roma se convirtió en una experiencia artística clave. Al encontrarse con la pintura italiana, se pasó a la pintura al óleo, después de haber trabajado predominantemente en gráficos.

"Abenteuerliche Tische (Triptychon) / Mesas aventureras (tríptico) / Adventurous Tables (Triptych)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 x 340 cm., 1963. Villa-Wessel

En 1946 la pareja Wessel es cofundadora de la Asociación de Artistas de Alemania Occidental. De 1952 a 1957, Wilhelm Wessel fue el presidente. Siguieron numerosas exposiciones individuales y colectivas. En 1950 los Wessel viajan a la XXV Bienal a Venecia y experimentan allí la espectacular aparición de Jackson Pollock. En 1957, Irmgart Wessel-Zumloh era miembro del Deutscher Künstlerbund, y desde 1961 hasta 1967 estuvo allí en el consejo. En el volumen publicado por Wolfgang Rothe en Heidelberg en 1962 "Wegzeichen im Unbekannten. Neunzehn deutsche Maler zu Fragen der zeitgenössischen Kunst / Diecinueve pintores alemanes sobre cuestiones de arte contemporáneo", fue la única mujer representada.
Murió en 1980.

"Großes Stilleben (Feriengruß 1973) / Gran bodegón (Tarjeta de felicitación 1973) /
Great Still Life (Holiday greeting)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 x 180 cm., 1967-1973. Villa-Wessel

On August 3 is the birthday of

Irmgart Wessel-Zumloh, German painter and graphic artist born in 1907 in Grevenbrück, today Lennestadt.
After graduating from high school she starts - at the express wish of the father, the continuation of the Family tradition - a law degree in Munich. There she also hears art history lectures. She breaks off her law studies, and studies at the Staatliche Kunstakademie Königsberg with Fritz Burmann (1892-1945), a painter and draftsman close to Neue Sachlichkeit and immediately receives a prize in the first semester in a competition to design a memorial of the academy.

"Fiesta", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 90 cm., 1973. Villa-Wessel

Because her father is worried about the future existence of his daughter on a teacher's degree, Irmgart Zumloh changes after about two years studying in Königsberg to the State Art School in Berlin, the "Academic Training Institute for the Artistic Magisterium". There she studies with the painter and graphic artist Georg Tappert (1880-1957), a second-generation expressionist. Right at the beginning of her studies in Berlin she meets her future husband Wilhelm Wessel.
In 1932, Irmgart Zumloh passed her state examination for the Artistic Teaching Office at secondary schools. In 1934 she married the painter Wilhelm Wessel and lived in Hemer, Recklinghausen and Iserlohn.
After an exhibition in 1933 in the Städtisches Gustav-Lübcke-Museum in Hamm, the Wallraf-Richartz-Museum in Cologne in 1934 became the first public institution to acquire graphics by Irmgart Wessel-Zumloh. In the Görlitz German Graphic Art Exhibition and in the Wallraf-Richartz-Museum Cologne graphics by her were confiscated by the National Socialists as "degenerate". A several-week study visit to Rome became a key artistic experience. By encountering Italian painting, she turned to oil painting, after she had previously worked predominantly in graphics.

"In der Bar / En el bar / At the bar White Horse"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 81 x 116 cm., 1966. Galerie Roche

In 1946, the couple Wessel are co-founders of the West German Artists' Association. From 1952 to 1957 Wilhelm Wessel was the chairman. Numerous solo and group exhibitions follow. In 1950, Wessels travel to the XXV Biennale to Venice and experienced there the spectacular appearance of Jackson Pollock. In 1957 Irmgart Wessel-Zumloh was a member of the Deutscher Künstlerbund, from 1961 to 1967 she was there on the board. In the volume published by Wolfgang Rothe in Heidelberg in 1962 "Wegzeichen im Unbekannten. Neunzehn deutsche Maler zu Fragen der zeitgenössischen Kunst / Nineteen German painters on questions of contemporary art", she was the only woman represented. 
She died in 1980.

"Stilleben mit Fisch (Krug mit Pflanzen) / Bodegón con pez (Jarra con plantas) /
Still Life With Fish (Pitcher with Plants)"
Óleo sobre madera prensada / oil on hardboard, 60 x 80 cm., 1955. Villa-Wessel


El 4 de Agosto es el cumple de

John Henry Twachtman, pintor estadounidense nacido en 1853 en Cincinnati, Ohio, conocido por sus paisajes impresionistas, aunque su estilo de pintura varió ampliamente a lo largo de su carrera. Los historiadores del arte consideran que el estilo de Twachtman de impresionismo estadounidense se encuentra entre los más personales y experimentales de su generación. Era un miembro de "The Ten / Los diez", un grupo de artistas estadounidenses insatisfechos con las organizaciones de arte profesionales, que se unieron en 1898 para exhibir sus trabajos como un grupo estilísticamente unificado.
Twachtman recibió su primera instrucción artística bajo la dirección de Frank Duveneck. Al igual que la mayoría de los artistas de la época, se dirigió luego a Europa para continuar su educación. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Munich desde 1875 hasta 1877, y visitó Venecia con Duveneck y William Merritt Chase. Sus paisajes de esta época exhiben la técnica de pinceladas vagas y oscuras que se enseñaba en Munich. Twachtman también aprendió a grabar, y algunas veces llevaba placas que podía utilizar para grabar espontáneamente una escena.
Tras un fugaz regreso a Estados Unidos, Twachtman estudió de 1883 a 1885 en la Académie Julian de París, y sus pinturas cambiaron drásticamente hacia un estilo tonalista suave, gris y verde. Durante este tiempo pintó lo que algunos historiadores de arte consideran sus más grandes obras maestras, incluyendo "Arques-la-Bataille", en la colección del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, y "Springtime", en la colección del Museo de Arte de Cincinnati.
En 1886 regresó a los Estados Unidos y se estableció en Connecticut, y finalmente compró una granja en Greenwich. A menudo pintó y exhibió con su colega Julian Alden Weir, y pasó un tiempo considerable en la colonia de arte en Cos Cob. Su presencia fue vital para la colonia.

"Cascada / Waterfall", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 63,8 x 76,4 cm., 1895-99
Cincinnati Art Museum (Ohio, EE.UU./ USA)

Además de sus pinturas al óleo, Twachtman continuó creando grabados y dibujos en colores pastel. Twachtman enseñó pintura en la Art Students League desde 1889 hasta su muerte en 1902. Twachtman era amigo íntimo de Julian Alden Weir. Los dos solían pintar juntos y ambos también tenían una estrecha relación con el pintor nacido en Dinamarca Emil Carlsen. En 1893 Twachtman recibió una medalla de plata en pintura en la Exposición Colombina; el mismo año, también expuso su trabajo con Claude Monet en una galería de Nueva York.
En Connecticut su estilo de pintura cambió nuevamente, esta vez a una técnica impresionista muy personal. Pintó muchos paisajes de su granja y jardín en Greenwich, a menudo representando el paisaje cubierto de nieve. Ejecutó docenas de pinturas de una pequeña cascada en su propiedad, capturando la escena en diferentes estaciones y horas del día. A finales de su vida Twachtman visitó Gloucester, Massachusetts, otro centro de actividad artística a fines del siglo XIX, y produjo una serie de escenas vibrantes que anticipaban un estilo más modernista y que ganaban protagonismo en el arte estadounidense.

"Bloody Run", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30,9 x 61,2 cm., 1882
Cincinnati Art Museum (Ohio, EE.UU./ USA)

On August 4 is the birthday of

John Henry Twachtman, American painter born in 1853 in Cincinnati, Ohio, best known for his impressionist landscapes, though his painting style varied widely through his career. Art historians consider Twachtman's style of American Impressionism to be among the more personal and experimental of his generation. He was a member of "The Ten", a loosely allied group of American artists dissatisfied with professional art organizations, who banded together in 1898 to exhibit their works as a stylistically unified group.
Twachtman received his first art training there under Frank Duveneck. Like most artists of the era, Twachtman then proceeded to Europe to further his education. He studied at the Academy of Fine Arts in Munich from 1875 to 1877, and visited Venice with Duveneck and William Merritt Chase. His landscapes from this time exhibit the loosely brushed, shadowy technique taught at Munich. Twachtman also learned etching, and sometimes carried etching plates with him that he could use to spontaneously record a scene.
After a brief return to America, Twachtman studied from 1883 to 1885 at the Académie Julian in Paris, and his paintings dramatically shifted towards a soft, gray and green tonalist style. During this time he painted what some art historians consider to be his greatest masterpieces, including Arques-la-Bataille, in the collection of the Metropolitan Museum of Art in New York, and Springtime, in the collection of the Cincinnati Art Museum.

"El puente blanco / The White Bridge", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 75 x 75 cm., después de / after 1895

In 1886, he returned to America and settled in Connecticut, eventually buying a farm in Greenwich. He often painted and exhibited with fellow artist Julian Alden Weir, and spent considerable time at the art colony in Cos Cob. His presence was vital to the colony.
In addition to his oil paintings, Twachtman continued to create etchings as well as drawings in pastel. Twachtman taught painting at the Art Students League from 1889 until his death in 1902. Twachtman was close friends with Julian Alden Weir and the two often painted together and both also had close associations with the Danish-born painter Emil Carlsen. In 1893, Twachtman received a silver medal in painting at the Columbian Exposition; the same year, he also exhibited his work with Claude Monet at a New York gallery.
In Connecticut his painting style shifted again, this time to a highly personal impressionist technique. Twachtman painted many landscapes of his farm and garden in Greenwich, often depicting the snow-covered landscape. He executed dozens of paintings of a small waterfall on his property, capturing the scene in different seasons and times of day. Late in life Twachtman visited Gloucester, Massachusetts, another center of artistic activity in the late 19th century, and produced a series of vibrant scenes that anticipated a more modernist style yet to gain prominence in American art.

"Barcas de pesca en Gloucester / Fishing Boats at Gloucester"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 63,7 x 76,7 cm., 1901.
Smithsonian American Art Museum (Washington, EE.UU./ USA)


Hoy, 5 de Agosto, es el cumple de

Ferdinand Keller, o von Keller, pintor de género e historia alemán nacido en 1842 en Karlsruhe.
En 1857, cuando tenía quince años, su padre recibió un contrato para diseñar puentes, carreteras y presas en Brasil. Ferdinand y su hermano Franz lo acompañaron. En el transcurso de una estadía de cuatro años, aprendió a dibujar los paisajes tropicales del país. Poco después de su regreso se matriculó en la Academia de Bellas Artes de Karlsruhe, donde estudió con Johann Wilhelm Schirmer, el antiguo Director de la Academia. Después de la muerte de Schirmer, continuó estudiando con Ludwig des Coudres.
Sin embargo no estaba satisfecho con la Academia y tomó lecciones privadas en el estudio de Hans Canon. Esto fue seguido, en 1866 y 1867, por viajes de estudio a Suiza y Francia. Logró su primer reconocimiento con su pintura "La muerte de Felipe II" en la Exposición Internacional. De 1867 a 1869 vivió en Roma, donde conoció a Anselm Feuerbach y mantuvo un estudio conjunto con él.

"Nymphe an der Quelle / Ninfa en la fuente / Nymph at the Spring"
Óleo sobre carton / oil on cardboard, 69,6 x 73,5 cm., 1905
Colección privada / Private Collection. Pictorem

En 1870 se convirtió en maestro de pintura de retrato e historia en la Academia de Karlsruhe y fue nombrado profesor en 1873. De 1880 a 1913 se desempeñó como Director.
Además de sus pinturas regulares, proporcionó decoraciones y cortinas para el nuevo Karlsruhe Court Theatre y la Dresden Semperoper. Sus decoraciones para el King Carl Hall en el Landesmuseum Württemberg complacieron tanto al Rey que le otorgó a Keller el título de nobleza. Federico I, Gran Duque de Baden, le encargó que pintara la "Historia de Baden", ahora en exhibición en la Staatliche Kunsthalle de Baden-Baden. En una escala más pequeña, sus grabados se han utilizado para ilustrar numerosos libros.
Murió en 1922.

"Einsame Centaur / Centauro solitario / Lonely Centaur"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas. Imagination is the star in man

"Brasilianische Flusslandschaft / Paisaje de un río brasileño / Brazilian River Landscape"
Acuarela sobre papel / watercolor on paper, 25,4 x 35,5 cm., 1871. Christie's

Today, August 5, is the birthday of

Ferdinand Keller, or von Keller, German genre and history painter born in 1842 in Karlsruhe.
In 1857, when he was fifteen, his father was awarded a contract to design bridges, roads and dams in Brazil. Ferdinand and his brother Franz were able to accompany him. Over the course of a four-year stay, he was able to teach himself drawing by sketching the tropical landscape. Shortly after their return, he enrolled at the Academy of Fine Arts, Karlsruhe, where he studied with Johann Wilhelm Schirmer, the former Director of the Academy. After Schirmer's death, he studied with Ludwig des Coudres.
He was unsatisfied with the Academy, however, and took private lessons in the studio of Hans Canon. This was followed, in 1866 and 1867, by study trips to Switzerland and France. He achieved his first recognition with his painting "The Death of Philip II" at the International Exposition. From 1867 to 1869, he lived in Rome, where he made the acquaintance of Anselm Feuerbach and maintained a joint studio with him.

"Jagender Jüngling / Joven cazador / Young Hunter"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 104 x 72,5 cm., 1881. Sotheby's

In 1870, he became a teacher of portrait and history painting at the Karlsruhe Academy and was appointed a Professor in 1873. From 1880 to 1913, he served as Director.
In addition to his regular paintings, he provided decorations and curtains for the new Karlsruhe Court Theater and the Dresden Semperoper. His decorations for the King Carl Hall at the Landesmuseum Württemberg pleased the King so much that he awarded Keller a title of nobility. Frederick I, Grand Duke of Baden, commissioned him to paint the "History of Baden", now on display at the Staatliche Kunsthalle Baden-Baden. On a smaller scale, his etchings have been used to illustrate numerous books.
He died in 1922. 

"Un trovador con una copa de vino en una taberna / A minstrel with a wine glass in a tavern"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 35,5 x 24,5 cm., 1880. Wikimedia Commons

Joan Brotat [Pintura / Painting]

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Joan Brotat Vilanova


Joan Brotat Vilanova, nacido en Barcelona en 1920, fue uno de los artistas más originales y, sin embargo, hoy peor conocidos de la reconstrucción de la modernidad en los años de posguerra en España.
Su procedencia humilde, la experiencia dura de la participación en la Guerra Civil como miembro de la Quinta del Biberón (un hecho que, significativamente, ocultó toda su vida) y una posguerra muy dura, económica y moralmente, explican la dificultad y la tardanza en la carrera de Joan Brotat, que sólo se hizo pública cuando ya había cumplido los treinta años. La pintura y la creación de un mundo de inocencia absoluta fueron la respuesta a esa amargura. Después de un éxito de crítica que fue un espejismo, las circunstancias de la vida y la dinámica del sistema del arte lo relegaron posteriormente a un olvido injusto.

"Afligido / Afflicted", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65 x 81 cm. Blouin Art

"Los jugadores de dominó / The Domino Players", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65 x 81 cm. Blouin Art

Antes de su primera exposición, Brotat tuvo un breve período de informalismo y experimentación con collages y técnica gestual, pero en 1949 su obra empezó a adquirir un estilo primitivista muy personal como una reinvención de la pintura románica catalana. Fue determinante conocer al crítico José María Sucre, quien descubrió la obra de Brotat y se dispuso ayudarle y orientarle. Lo presentó al también crítico Angel Marsá, responsable de las galerías Jardín, donde expondrían Guinovart, Tharrats y el grupo Lais entre otros.

"Personajes / Characters", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50 x 73 cm. Blouin Art

"El Camino / The Path", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65 x 81 cm. Liveauctioneers

Con treinta años Brotat realizó su primera exposición en noviembre de 1950 en las Galerías Jardín, dentro del III Ciclo Experimental de Arte Nuevo. En su segunda exposición en las Galerías Jardín, en 1951, se produce el encuentro con Rodríguez Aguilera, que sería un apoyo firme durante toda su carrera. Este lo presentó a Eugenio d’Ors, que se entusiasmó con Brotat y lo incorporó en 1953 al X Salón de los Once de Madrid exponiendo con Miquel Villá, Antoni Tápies, Josep Guinovart, Rafael Zabaleta, Manolo Millares, Antonio Saura...

"Pajarero / Birdcatcher", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 81 x 65 cm. Blouin Art

"Dos limones / Two Lemons", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 46 x 55 cm. Blouin Art

En 1954 volvió a participar en el XI Salón de los Once, en Galerías Biosca, junto a Cristino Mallo, Angel Ferrant, Manuel Capdevila, Ramón Rogent, Carlos Pacual de Lara y Manuel Gil Pérez. Participó en Bienales Internacionales, como Venecia, Tokio, Hispano-americana, Alejandria o Bilbao. Practicó en Valencia y Manises la cerámica de la mano de Salvador Faus realizando numerosas piezas.

"Guerrero / Warrior", crayón, 50 × 35 cm. El marco verde

"Incomunicación / Incommunication"", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 81 cm. Blouin Art

Buscó un lenguaje primigenio y sus exploraciones lo llevaron a una figuración primitiva, ruda y elemental, casi brutalista en algunos momentos, que luego se fue sofisticando y haciéndose preciosista. En sus inicios, el gesto es ágil, espontáneo y dinámico; recuerda claramente la crudeza y la fuerza del arte infantil. Pero a diferencia de los naifs, en Brotat hay una voluntad culta y reflexiva, como demuestran la vinculación al modelo románico y los esbozos abstractos, que preceden a la opción figurativa. Brotat enlazó con la corriente de primitivismo estético que se desarrolló en la Europa de posguerra y que tuvo una constancia muy notable en España, vinculada a la herencia de Joan Miró y a los debates surgidos alrededor de la llamada Escuela de Altamira. Fue, tal vez, uno de los más fructíferos representantes de esa tendencia.

"La torre / The Tower", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 75 x 92 cm., c.1972. Blouin Art

"La sardana de les cinc dones / La sardana de las cinco mujeres / The Sardana of the Five Women"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 97 x 130 cm. Galerías de Arte

Hijo de zapateros y vecino de un barrio tradicional de artesanos, una de las temáticas clave de Brotat es el mundo del trabajo, pero no el de la industria y la tecnología, que sería el propio de las dinámicas de su tiempo, en la era atómica y de los inicios de la sociedad de consumo, sino el de la artesanía y la agricultura, el de las tareas y los modos de hacer anteriores a la alienación. Había en él una especie de ética genuina del artesano.
Murió de cáncer en 1990.

"Campesino / Peasant", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1955. Universidad de Jaén

"Sin título / Untitled", óleo / oil, 46 x 55 cm., c.1955. Ars Magazine

Joan Brotat Vilanova, born in Barcelona in 1920, was one of the most original artists - however, worse known today - of the reconstruction of modernity in the postwar years in Spain.  
His humble origin, the hard experience of participating in the Civil War as a member of the Quinta del Biberón (a fact that, significantly, hid his whole life) and a very hard postwar period, economically and morally, explain the difficulty and the delay in Joan Brotat's career, which only became public when he was thirty years old. Painting and the creation of a world of absolute innocence were the answer to that bitterness. After a critical success that was a mirage, the circumstances of life and the dynamics of the art system subsequently relegated him to an unjust oblivion.

"Personaje / Character", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 93 x 73. Blouin Art

"El carrer des flors / La calle de las flores / The Street of the Flowers"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 54 x 65 cm., 1953.
Museu des Valls (Tarragona, España / Spain). La caja de laca

Before his first exhibition, Brotat had a brief period of informalism and experimentation with collages and gestural technique, but in 1949 his work began to acquire a very personal primitivist style as a reinvention of Catalan Romanesque painting. It was crucial to meet the critic José María Sucre, who discovered the work of Brotat and decided to help and guide him. He presented Brotat to the critic also Angel Marsá, responsible for the Garden galleries, where they would exhibit Guinovart, Tharrats ... and the Lais group among others.

"Jeune fille et lion dans paysage / Niña y león en un paisaje / Young Girl And Lion in a Landscape"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 54 x 65 cm., 1958
Galeria Joan Gaspar (Barcelona, España / Spain)

"Mujer / Woman", óleo sobre cartón / oil on cardboard, 62 x 35 cm. Blouin Art

With thirty years old, Brotat made his first exhibition in November of 1950 in the Galerías Jardín, within the III Experimental Cycle of New Art. In his second exhibition at the Galerías Jardín, in 1951, happened the meeting with Rodríguez Aguilera, which would be a firm support throughout his career. He presented it to Eugenio d'Ors, who became enthusiastic about Brotat and incorporated him in 1953 into the X Salón de los Once in Madrid, exhibiting with Miquel Villá, Antoni Tápies, Josep Guinovart, Rafael Zabaleta, Manolo Millares, Antonio Saura ...

"Sin título / Untitled", óleo sobre cartón / oil on cardboard, 38 x 46 cm., 1953
Colección privada / Private Collection (Barcelona, España / Spain). La caja de laca

"Sin título / Untitled", 92 x 73 cm., 1964. MacVac

In 1954 he returned to participate in the XI Salón de los Once, in Galerías Biosca, along with Cristino Mallo, Angel Ferrant, Manuel Capdevila, Ramón Rogent, Carlos Pacual de Lara, and Manuel Gil Pérez. He participated in International Biennials, such as Venice, Tokyo, Hispano-American, Alejandria or Bilbao. He practiced in Valencia and Manises the ceramics under Salvador Faus, making numerous pieces.

"Dos mujeres y el gato / Two Women and The Cat"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65 x 54 cm. Subastas Durán

"Marinero / Sailor"
Óleo sobre lienzo montado sobre panel / oil on canvas laid on board, 45,5 x 38 cm., 1974. Blouin Art

He sought a primitive language and his explorations led him to a primitive figuration, rude and elemental, almost brutalist in some moments, which later became sophisticated and becoming precious. In the beginning, the gesture is agile, spontaneous and dynamic; clearly recalls the rawness and strength of children's art. But unlike the naïfs, in Brotat there is a cultured and reflective will, as shown by the link to the Romanesque model and the abstract sketches, which precede the figurative option. Brotat linked with the movement of aesthetic primitivism that developed in post-war Europe and had a very remarkable record in Spain, linked to the legacy of Joan Miró and the debates that arose around the so-called School of Altamira. He was, perhaps, one of the most fruitful representatives of that trend.

"La dama de las tortugas / The Lady of the Turtles"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 33 x 47 cm. Subastas Durán

"Dos figuras con paloma / Two Figures With a Dove"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 93 x 73 cm. Subastas Durán

Son of shoemakers and neighbor of a traditional neighborhood of artisans, one of the key themes of Brotat is the world of work, but not that of industry and technology, which would be typical of the dynamics of his time, in the atomic age and from the beginnings of the consumer society, but that of craftsmanship and agriculture, that of tasks and ways of doing prior to alienation. There was a kind of genuine craftsman ethic in him.
He died of cancer in 1990.

"Adán y Eva en el Paraíso / Adam and Eve in Paradise"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 128,9 x 161,9 cm. Doyle

Fuentes / Sources:
* Reseña de la muestra "Paraíso melancólico" / Review of the show "Melancholic Paradise", 10/2017 - 1/2018
* Perfil del artista / Artist's profile. Col·lecció Gelonch Viladegut


Niko Pirosmani [Pintura / Painting]

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En mi reciente viaje a Georgia, he tenido la oportunidad de visitar el Museo de Arte de Tiflis (Tbilisi), cuya colección cuenta con una abundante muestra de obras del pintor primitivista Niko Pirosmani, probablemente la personalidad artística más importante del país. Uno de los tantos ejemplos de creadores que desarrollan su trabajo al margen de las corrientes y círculos artísticos, en la más absoluta pobreza, y cuyo reconocimiento llega tras el "redescubrimiento" de su obra, bastante tiempo después de su muerte en condiciones lamentables. Espero que disfruten tanto como yo con la sensibilidad, espontaneidad y frescura de una obra tan singular como su propio creador.

During my recent trip to Georgia, I had the opportunity to visit the Art Museum of Tbilisi, whose collection has an abundant set of works by the primitive painter Niko Pirosmani, probably the most important artistic personality in the country. One of the many examples of creators who develop their work outside the currents and artistic circles, in the most absolute poverty, and whose recognition comes after the "rediscovery" of his work, long after his death in deplorable conditions. I hope you enjoy as much as I do with the sensitivity, spontaneity and freshness of a work as unique as its own creator.
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Niko Pirosmani
ნიკო ფიროსმანი
Nikoloz Aslanis Dze Pirosmanashvili / ნიკოლოზ ასლანის ძე ფიროსმანაშვილი

"ავტოპორტრეტი / Autorretrato / Self Portrait", óleo sobre hule / oil on oilcloth, 38 x 49 cm., 1900
Colección privada / Private Collection. WikiArt

Pirosmani nació en 1865 en la aldea georgiana de Mirzaani, en la provincia de Kajeti (Kakheti), en el seno de una familia de campesinos. Sus padres, Aslan Pirosmanashvili y Tekle Toklikishvili, eran agricultores que poseían un pequeño viñedo con algunas vacas y bueyes. Más tarde quedó huérfano y al cuidado de sus dos hermanas mayores, Mariam y Pepe. Se mudó con ellas a Tbilisi en 1870. En 1872, mientras vivía en un pequeño apartamento no lejos de la estación de trenes de Tbilisi, trabajó como sirviente de familias adineradas y aprendió a leer y escribir ruso y georgiano. En 1876 regresó a Mirzaani y trabajó como pastor.
Pirosmani gradualmente se enseñó a sí mismo a pintar. Una de sus especialidades era pintar directamente en hule negro. En 1882, con el también autodidacta George Zaziashvili, abrió un taller de pintura, donde hicieron letreros. En 1890 trabajó como conductor de un ferrocarril. En 1893 cofundó una granja lechera en Tbilisi, que abandonó en 1901. A lo largo de su vida Pirosmani, que era pobre, estuvo dispuesto a aceptar trabajos ordinarios, como pintar casas y blanquear edificios. También trabajó para tenderos en Tbilisi, creando letreros, pinturas y retratos, según sus órdenes. Aunque sus pinturas tenían cierta popularidad local (alrededor de 200 sobreviven) su relación con los artistas profesionales seguía siendo incómoda; ganarse la vida era siempre más importante para él que las abstracciones estéticas.
En abril de 1918 murió de desnutrición e insuficiencia hepática. Fue enterrado en el cementerio de Nino; la ubicación exacta no fue registrada y se desconoce.

"მალაკნების ქეიფი / Fiesta de los malayos / Feast of the Malakans"
Óleo sobre hule / oil on oilcloth, 112 x 179,5 cm., c.1905
Museo Sighnaghi (Kajeti / Kakheti, Georgia). WikiArt

"დათვი მთვარან ღამეს / Oso al claro de luna / Bear on a Moonlit Night"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 100 x 80 cm., 1914
საქართველოს ხელოვნების მუზეუმი / Museo de Arte Shalva Amiranashvili (Tbilisi, Georgia)
Foto / Photo: Javier Fuentes, 7/2018

Las pinturas de Pirosmani fueron influenciadas por las condiciones sociales de su tiempo y lugar. Hay muchas obras sobre comerciantes, tenderos, obreros y grupos de nobles. Pirosmani era aficionado a la naturaleza y la vida rural. Rara vez pintaba paisajes de ciudad. Hizo muchas pinturas de animales; era el único animalista georgiano. También se sintió atraído por figuras históricas y personajes como Shota Rustaveli, la reina Tamar, Giorgi Saakadze, así como el pueblo georgiano común y su vida cotidiana.
Por lo general pintaba sobre hule. A diferencia de otros artistas, Niko no apuntó a una imitación pura de la naturaleza y no prestó atención a los detalles. Algunas de sus pinturas son monocromáticas. Sus cuadros demuestran la aguda consideración compositiva del autor. Las ubicaciones de las figuras son frontales, mientras que las caras no muestran un estado de ánimo específico.

"სააღდგომო ბატკანი / Cordero de navidad / Easter Lamb"
Óleo sobre hule / oil on oilcloth, 60 x 42 cm., 1914. Colección privada / Private Collection. WikiArt

"Campesina con un muchacho / Peasant Woman With Boy"
Óleo sobre hule / oil on oilcloth, 75 x 56 cm. WikiArt
საქართველოს ხელოვნების მუზეუმი / Museo de Arte Shalva Amiranashvili (Tbilisi, Georgia)

En la década de 1910 se ganó el entusiasmo del poeta ruso Mikhail Le-Dantyu, el artista Kirill Zdanevich y su hermano Ilia Zdanevich. Ilia Zhdanevich escribió una carta sobre Pirosmani al periódico Zakavkazskaia Rech, que éste publicó el 13 de febrero de 1913. Se comprometió a publicitar la pintura de Pirosmani en Moscú. El periódico moscovita Moskovskaia Gazeta del 7 de enero escribió sobre la exposición "Mishen" donde exhibieron pintores autodidactas, entre ellos cuatro obras de Pirosmani: "Retrato de Zhdanevich", "Naturaleza muerta", "Mujer con jarra de cerveza", y "The Roe". Los críticos que escribieron más tarde en el mismo periódico quedaron impresionados con su talento.
En el mismo año, un artículo sobre Niko Pirosmani y su arte fue publicado en el periódico georgiano Temi.
La Sociedad de pintores georgianos, fundada en 1916 por Dito Shevardnadze, invitó a Pirosmani a sus reuniones y comenzó a encumbrarlo, pero sus relaciones con la sociedad siempre fueron incómodas. Presentó su pintura "Boda georgiana" a la Sociedad. Uno de los miembros hizo una caricatura, que lo ofendió mucho. Su continua pobreza, agravada por los problemas económicos causados ​​por la Primera Guerra Mundial, llevaron a que su vida acabara con su obra poco reconocida.

"ქეიფი მეარღნე დათიკო ზემელთან / La fiesta con el organista de barril /
The feast with barrel organist Datiko Zemeli"
Óleo sobre hule / oil on oilcloth, 106 x 198 cm., 1906. WikiArt
საქართველოს ხელოვნების მუზეუმი / Museo de Arte Shalva Amiranashvili (Tbilisi, Georgia)

"ჟირაფი / Jirafa / Giraffe", óleo sobre hule / oil on oilcloth, 139 x 111 cm., 1905
საქართველოს ხელოვნების მუზეუმი / Museo de Arte Shalva Amiranashvili (Tbilisi, Georgia)
Foto / Photo: Javier Fuentes, 7/2018

Se sabe que Pirosmani creaba muy rápido; solo dedicaba algunas horas al días a pintar. Trabajaba rápida y espontáneamente. Una cierta clave para desvelar la concepción artística de Pirosmani son las inscripciones y los nombres en las pinturas, cuya connotación significativa define el orden artístico de la obra. En cada caso específico, la estructura compositiva común, el tiempo, la interpretación del espacio, el ritmo, la manera de transmitir la forma y la expresión del color responden directamente al papel definitorio de la imagen artística.

Sala Pirosmani / Pirosmani Hall
საქართველოს ხელოვნების მუზეუმი / Museo de Arte Shalva Amiranashvili (Tbilisi, Georgia)
Foto / Photo: Javier Fuentes, 7/2018

"მეთევზე / Pescador con camisa roja / Fisherman in a Red Shirt"
Óleo sobre hule / oil on oilcloth, 113 x 93 cm., 1908.
საქართველოს ხელოვნების მუზეუმი / Museo de Arte Shalva Amiranashvili (Tbilisi, Georgia)
Foto / Photo: Javier Fuentes, 7/2018

Las pinturas de Niko Pirosmani estuvieron representadas en la primera gran exposición de pintores georgianos en 1918. A partir de 1920 se publicaron pocos artículos sobre él. El interés en Pirosmani aumentó en la década de 1950. Se creó una película biográfica y obras de teatro, y se compuso música. Sus pinturas fueron exhibidas en lugares, incluyendo la Unión Soviética y Europa Occidental. Se instaló un monumento en Tiflis y se abrió un museo en Mirzaani. Hoy 146 de sus obras se conservan en el Museo de Arte de Georgia y dieciséis pinturas se exhiben en el Museo Histórico-Etnográfico de Sighnaghi.
Desarrolló una reputación internacional después de la guerra, cuando fue admirado como un pintor "naif" en París y en otros lugares. El primer libro sobre Pirosmani fue publicado (en georgiano, ruso y francés) en 1926.

"დიდი მარანი ტყეში / Gran Marani en el bosque / Big Marani in the Forest"
Óleo sobre latón / oil on tin, 100 x 170 cm.
საქართველოს ხელოვნების მუზეუმი / Museo de Arte Shalva Amiranashvili (Tbilisi, Georgia)
Foto / Photo: Javier Fuentes, 7/2018

"ლომი და მზე / El león y el sol / Lion and the Sun"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 80 x 100 cm. WikiArt
საქართველოს ხელოვნების მუზეუმი / Museo de Arte Shalva Amiranashvili (Tbilisi, Georgia)

"El descubrimiento del arte de Pirosmani llegó en un momento muy oportuno con respecto a los problemas en el desarrollo universal del arte en aquellos años. Independiente de las tradiciones artísticas profesionales, sus obras respondieron a las tendencias y al gusto estético de la época.
A comienzos del siglo XX, el arte original de Henri Rousseau, un artista "primitivo" autodidacta, comenzaba a surgir en Francia. Los artistas de vanguardia, que estaban enemistados con el "arte académico" (M. de Vlaminck, H. Matisse, G. Braque, P. Picasso y otros), vieron el arte de Henri Rousseau como un puente entre el pasado distante y el presente. En la primera década del siglo XX, el arte ingenuo se convirtió en una tendencia en la cultura rusa y georgiana. Pirosmani fue en verdad "un descubrimiento misterioso" para los neoprimitivistas rusos (M. Larionov, N. Goncharova, A. Shevchenko, M. Le Dantiu, V. Chekrigin y otros). Para ellos, las pinturas del artista sirvieron de ejemplo de una expresión altamente artística del concepto de arte primitivo.
En la historia de Georgia, este período está marcado por un particular interés en el pasado del país; existía un gran deseo de crear un arte moderno basado en el intento de revivir las tradiciones culturales y artísticas nacionales, su aproximación a la cultura y el arte europeos. Para los escritores, poetas y artistas georgianos, las pinturas de Pirosmani eran una encarnación artística sofisticada de esta deseable síntesis".
[Extracto de un texto de Irina Arsenishvili, en" Niko Pirosmani, 'Naif' Sanatta Bir Efsane / Una leyenda en el arte 'naif'" , Pera Müzesi, 2007]. Google Books

"კახეთის მატარებელი / Tren de Kajeti / Train of Kakheti"
Óleo sobre hule / oil on oilcloth, 70 x 106 cm. WikiArt
საქართველოს ხელოვნების მუზეუმი / Museo de Arte Shalva Amiranashvili (Tbilisi, Georgia)

Pirosmani was born in 1865 in the Georgian village of Mirzaani, in Kakheti province, to a peasant family. His parents, Aslan Pirosmanashvili and Tekle Toklikishvili, were farmers, who owned a small vineyard, with a few cows and oxen. He was later orphaned and left in the care of his two elder sisters, Mariam and Pepe. He moved with them to Tbilisi in 1870. In 1872, while living in a little apartment not far from Tbilisi railway station, he worked as a servant to wealthy families and learned to read and write Russian and Georgian. In 1876, he returned to Mirzaani and worked as a herdsman.
Pirosmani gradually taught himself to paint. One of his specialties was painting directly into black oilcloth. In 1882, with self-taught George Zaziashvili, he opened a painting workshop, where they made signboards. In 1890, he worked as a railroad conductor. In 1893, he co-founded a dairy farm in Tbilisi, which he left in 1901. Throughout his life, Pirosmani, who was poor, was willing to take ordinary jobs including housepainting and whitewashing buildings. He also worked for shopkeepers in Tbilisi, creating signboards, paintings, and portraits, according to their orders. Although his paintings had some local popularity (about 200 survive) his relationship with professional artists remained uneasy; making a living was always more important to him than aesthetic abstractions.
In April 1918, he died of malnutrition and liver failure. He was buried at the Nino cemetery; the exact location was not registered and is unknown.

"ნატურმორტი / Naturaleza muerta / Still Life", óleo sobre hule / oil on oilcloth, 102 x 133 cm.
საქართველოს ხელოვნების მუზეუმი / Museo de Arte Shalva Amiranashvili (Tbilisi, Georgia)
Foto / Photo: Javier Fuentes, 7/2018

"აქტრისა მარგარიტა / La actriz Margarita / Actress Margarita"
Óleo sobre hule / oil on oilcloth, 117 x 94 cm., 1909
საქართველოს ხელოვნების მუზეუმი / Museo de Arte Shalva Amiranashvili (Tbilisi, Georgia)
Foto / Photo: Javier Fuentes, 7/2018

Se sabe que Margarita era una bailarina francesa. Ella fue a Georgia en 1905 y conoció a Niko Pirosmani. Él estaba tan encantado con su belleza, que le regaló literalmente un mar de flores. Esta historia se hizo ampliamente conocida durante su vida y llegó a la escritora Shalva Dadiani. Simon Papiashvili escribió sobre él: "No tiene familia. Una mujer francesa lo amaba, supongo, todo el año ...". La hermana de Niko, Pepe, le escribió a Dadiani: "Nunca tuvo familia, pero estoy segura que tenía una amante".
¿Quién era esa mujer, a quien Niko amaba y a quien inmortalizó en su lienzo? No se sabe casi nada sobre esto.
Un admirador del talento del pintor, K. Zdanevich, describió esta historia en su libro con las siguientes palabras: "Niko no sabía qué era el amor antes de conocer a la cantante-bailarina en el café-shaitan. En Mushtaid Garden, en un escenario iluminado, acompañado con sonidos de mazurca, la hermosa y seductora señora Margarita apareció ante un público asombrado, estaba bailando y cantando canciones alegres y encantadoras de París ... Niko no podía dejar de mirarla, estaba cautivado".
En su cumpleaños, Pirosmani vendió todas sus posesiones y compró todas las flores en la ciudad. Enormes carritos cargados de flores fueron entregados en la casa de Margarita. Fueron descargados cerca de su ventana, y pronto toda la calle se llenó de flores. La leyenda dice que eran rosas, de hecho, no solo había rosas, sino también lilas, acacias, lirios y otras flores hermosas. Esa mañana clara Margarita escuchó el ruido y sintió un aroma increíble en el aire. Emocionada, se acercó a la ventana. Una increíble alfombra de flores se extendía frente a ella, y Pirosmani se acercaba a su casa a través de las flores. La actriz salió corriendo de la casa con su vestido más hermoso y le dio al artista su primer y último beso. Por supuesto, esta historia está cubierta de leyendas, y nadie puede decir exactamente cómo fue en realidad. Se dice que Niko nunca volvió a ver a la actriz después de ese día, ya que se fue de Georgia con un admirador rico.

It is known that Margarita was french dancer. She went to Georgia in 1905 and met Niko Pirosmani. He was so charmed with her beauty, that gave her literally the sea of flowers. This story became widely known during his life and it reached the writer Shalva Dadiani. Simon Papiashvili wrote about him: "He has no family. One french woman loved him, I guess, whole year..." Niko's sister -- Pepe wrote to Dadiani: "He never had family, but I know for sure he had a lover."
Who was that woman, whom Niko loved and whom he made immortal on his canvas? There is almost nothing known about this.
An admirer of the painter's talent, K. Zdanevich described this story in his book with following words: "Niko didn't know what is love before he met singer-dancer in cafe-shaitan. In Mushtaid Garden, on lightened stage, accompanied with sounds of mazurka beautiful and alluring madam Margarita appeared before of amazed public, she was dancing and singing charming and cheerful Paris songs... Niko couldn't stop gazing at her, he was captivated."
Niko's happiness didn't have any boundaries, all he spared during his whole life he spent for her, for the woman he loved. But Margarita got to know one day that he wasn't count and he wasn't rich and he was just common person who gave her all he had... and once Niko found out that Margarita left for Paris.
On his birthday Pirosmani sold all his possessions and bought all the flowers in the city. Huge carts laden with flowers have been delivered to the home of Margarita. They were unloaded near her window, and in some time the whole street was filled with flowers. The legend says that it was roses, in fact, there were not only roses but also lilac, acacia, lilies and other beautiful flowers. That clear morning Margarita heard the noise and felt an incredible aroma in the air. Excited she came up to the window. An amazing carpet of flowers stretched in front of her, and Pirosmani was approaching her house through the flowers. The actress ran out of the house in her most beautiful dress and gave the artist her first and last kiss. Of course, this story is covered with legends, and nobody can exactly tell how it was actually. It is said that Niko never seen the actress after that day, as she left Georgia with a rich admirer.

Sala Pirosmani / Pirosmani Hall
საქართველოს ხელოვნების მუზეუმი / Museo de Arte Shalva Amiranashvili (Tbilisi, Georgia)
Foto / Photo: Javier Fuentes, 7/2018

Pirosmani’s paintings were influenced by the social conditions of his time and place. There are many works about merchants, shopkeepers, workmen, and noblemen groups. Pirosmani was fond of nature and rural life. He rarely employed city landscapes. He made many animal paintings. He was the only Georgian animalist. Pirosmani also was attracted by historical figures and themes such as Shota Rustaveli, Queen Tamar, Giorgi Saakadze, as well as ordinary Georgian people and their everyday lives.
Usually, Pirosmani painted on oilcloth. Unlike other artists, Niko didn’t aim at a pure imitation of the nature and paid no attention to details. Some of his paintings are monochrome. His paintings demonstrate the author's sharp compositional consideration. Placements of the figures are frontal, while faces do not demonstrate a specific mood.

"არწივმა კურდღელი დაიჭირა / El águila atrapó un conejo / The Eagle Took a Rabbit"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 100 x 80,3 cm.
საქართველოს ხელოვნების მუზეუმი / Museo de Arte Shalva Amiranashvili (Tbilisi, Georgia)
Foto / Photo: Javier Fuentes, 7/2018

"თეთრი დათვი ბელებით / Osa blanca con sus oseznos (en un maizal) /
White Bear With Her Cubs (In Cornfield)"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 100 x 140 cm., 1917. WikiArt
საქართველოს ხელოვნების მუზეუმი / Museo de Arte Shalva Amiranashvili (Tbilisi, Georgia)

In the 1910s, he won the enthusiasm of the Russian poet Mikhail Le-Dantyu and the artist Kirill Zdanevich and his brother Ilia Zdanevich. Ilia Zhdanevich wrote a letter about Pirosmani to the newspaper Zakavkazskaia Rech, which it published on February 13, 1913. He undertook to publicise Pirosmani's painting in Moscow. The Moscow newspaper Moskovskaia Gazeta of 7 January wrote about the exhibition "Mishen" where self-taught painters exhibited, among them four works by Pirosmani: "Portrait of Zhdanevich", "Still Life", "Woman with a Beer Mug", and "The Roe". Critics writing later in the same newspaper were impressed with his talent.
In the same year, an article about Niko Pirosmani and his art was published in Georgian newspaper Temi.
The Society of Georgian Painters, founded in 1916 by Dito Shevardnadze, invited Pirosmani to its meetings and began to take him up, but his relations with the society were always uneasy. He presented his painting "Georgian Wedding" to the Society. One of the members published a caricature of him, which greatly offended him. His continuing poverty, compounded by the economic problems caused by the First World War, meant that his life ended with his work little recognised.

"გოგოს საფრენი ბუშტი უჭირავს ხელში / Chica con un globo / Girl With Balloon"
Óleo sobre hule / oil on oilcloth, 65 x 41 cm. WikiArt
საქართველოს ხელოვნების მუზეუმი / Museo de Arte Shalva Amiranashvili (Tbilisi, Georgia)


It is known that Pirosmani created quickly; it only took him several hours or days to paint. He worked rapidly and spontaneously. A certain clue to unveiling Pirosmani’s artistic conception is the inscriptions and names on the paintings, the meaningful connotation of which defines the artistic order of the painting. In each specific case, the common compositional structure, time, space interpretation, rhythm, manner of conveying the form and colour expression directly respond to the defining role of the artistic image.

"რუსეთ–იაპონიის ომი / La guerra Ruso-Japonesa / The Russian-Japanese War"
Óleo sobre hule / oil on oilcloth, 103 x 131 cm. WikiArt

"Ciervo en un arroyo / Roe at a Stream"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 58 x 70 cm.
საქართველოს ხელოვნების მუზეუმი / Museo de Arte Shalva Amiranashvili (Tbilisi, Georgia)
Foto / Photo: Javier Fuentes, 7/2018

Niko Pirosmani’s paintings were represented at the first big exhibition of Georgian painters in 1918. From 1920, few articles were published about him. Interest in Pirosmani increased in the 1950s. A biographical film and plays were created, and music was composed. His paintings were exhibited in places, including the Soviet Union and Western Europe. A monument was installed in Tbilisi and a museum opened in Mirzaani. Today, 146 of his works are shown in the Art Museum of Georgia and sixteen paintings are exhibited in the Historical-Ethnographic Museum of Sighnaghi.
He developed an international reputation after the war, when he became admired as a 'naïve' painter in Paris and elsewhere. The first book on Pirosmani was published (in Georgian, Russian, and French) in 1926.

"ხილის გამყიდველი თათარი / Frutero tártaro / Tartar Fruit Seller"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 80 x 106 cm. WikiArt
საქართველოს ხელოვნების მუზეუმი / Museo de Arte Shalva Amiranashvili (Tbilisi, Georgia)

"Granjero con un toro / Farmer With a Bull", 1916. WikiArt
Centro M. T. Abraham de Artes Visuales (París, Francia / France)

"The discovery of Pirosmani's art arrived at a very opportune moment with respect to problems in the universal development of art in those years. As independent from professional art traditions, his works responded to the trends and aesthetic taste of the epoch.
At the turn of the 20th century, the original art of Henri Rousseau - a self-trained "primitive" artist - was beginning to emerge in France. Avant garde artists, who were antagonistically disposed toward "Academic Art" (M. de Vlaminck, H. Matisse, G. Braque, P. Picasso and others), viewed Henri Rousseau's art as a bridge across the distant past and present. In the first decade of the 20th century, naïve art became a trend in Russian and Georgian culture. Pirosmani was indeed "a mircaculous discovery" for Russian neo-primitivists (M. Larionov, N. Goncharova, A. Shevchenko, M. Le Dantiu, V. Chekrigin and others). For them, the artist's paintings served an example of a highly artistic expression of the concept of primitive art.
In the history of Georgia, this period is marked by a particulary keen interest towards the past of the country; there was a great desire to create a modern art based on the attempt to revive national cultural and artistic traditions, their rapprochment with European culture and art. For Georgian writters, poets and artists Pirosmani's paintings were a sophisticated, artistic embodiment of this desirable synthesis."
[Excerpt from a text by Irina Arsenishvili, in "Niko Pirosmani, 'Naif' Sanatta Bir Efsane / A Legend in 'Naïve' Art", Pera Müzesi, 2007]. Google Books

"La fiesta de los cuatro ciudadanos / Feast of the Four Citizens"
Óleo sobre hule / oil on oilcloth, 107,5 x 202 cm. WikiArt

Pirosmani en el billete georgiano de / in the Georgian banknote of 1 Lari

Fuentes / Sources:
* Website
* Wikipedia
* El segundo georgiano más famoso / The Second Most Famous Georgian, Eclectic Light
(animales / animals - gente y lugares / people & places)
* Exposición / Exhibition, "Niko Pirosmani", Albertina (Viena / Vienna, Austria)
* Pirosmani (1969). Película dirigida y co-escrita por /
Film directed and cowritten by Giorgi Shengelaia. MoMA
* La leyenda de / The Legend of Niko Pirosmani, MyGeo
* Pirosmani, Una leyenda del arte naif / A legend in Naïve Art, Pera Museum
* Dcplace

Niko Pirosmani en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (CXXII)]
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Pirosmani por / by Lado (Vladimir Davidovich) Gudiashvili
ლადო გუდიაშვილი

"Retrato de / Portrait of Niko Pirosmani"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90,5 x 72 cm., 1928

"Nuestro Niko, (Retrato de Niko Pirosmani) / Our Niko, (Portrait of Niko Pirosmani)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24 x 16 cm., 1956. Link

"Retrato de / Portrait of Niko Pirosmani", 1964. Link
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Pirosmani por / by Picasso

La Primera edición de "Pirosmanichvili 1914" (78 copias) se imprimió en papel japonés antiguo, firmado con lápiz rojo sobre el colofón de Iliazd y con el grabado original firmado por Picasso, un estudio de la figura del artista georgiano Pirosmanachvili pintando en su caballete. El grabado a punta seca fue impreso por Atelier Lacourière Frélaut.


Ilya Zdanevitch (ილია ზდანევიჩი), también conocido como Iliazd, fue un artista, tipógrafo y editor georgiano. Es conocido como miembro fundador del llamado Futurismo ruso. Pasó de los libros futuristas hechos a mano de todo tipo de material a los livres d'artiste. Comenzó a publicarlos en la década de 1940. Lo hacía todo el mismo, pero la tipografía en sus livres d'artiste es mucho más estricta en contraste con su trabajo anterior.
Iliazd era conocido por crear múltiples capas de hermosos papeles, que el lector debe descubrir lentamente hasta llegar al texto, como un regalo muy esperado. Su viejo amigo Picasso ilustró nueve de sus libros.
Iliazd regresó a su tierra natal en 1912 y con su hermano, el artista Kirill Zdanevitch, conoció al pintor georgiano Niko Pirosmani. Se entusiasmaron mucho con él. Iliazd estaba alarmado por la difícil situación económica en la que se encontraba el pintor y escribió un manifiesto para promover su arte, que se publicó en el periódico local Zakavkazskaya Rech en 1913 bajo el título "Khudozhnik-samorodok" (Un artista por naturaleza). Fue su primera publicación. En junio de 1914, el periódico Vostok publicó su artículo "Niko Pirosmani", en el que mitificaba la biografía del artista ya más viejo, vinculándolo con la Edad de Plata y la vanguardia rusa.
"En el verano de 1971 Iliazd, decidido a reimprimir el artículo, convenció a su amigo Picasso para el frontispicio del pintor georgiano. La impresión se completó y firmó en diciembre de 1972, cuatro meses antes de la muerte de Picasso" (Johnson, p 165). Bookvica

Pablo Picasso
"Retrato de / Portrait of Pirosmani", punta seca / drypoint, 1972
Frontispicio para / Frontispice for"Pirosmanichvili 1914", por / by Iliazd (Ilya Zdanevich)
París: Le Degré Quarante et Un, 1972. Link

The First edition of "Pirosmanichvili 1914" (78 copies) was printed on Japon ancien paper, signed in red pencil on the colophon by Iliazd and with the original etching signed by Picasso, a figure study of the Georgian artist Pirosmanachvili painting at his easel. The dry-point etching was printed by Atelier Lacourière Frélaut.
Ilya Zdanevitch (ილია ზდანევიჩი), also known as Iliazd, was a Georgian artist, typographer, and publisher. He is known as a founder member of what has come to be known as Russian Futurism. He went from futurist books hand-made out of all kinds of material to livres d'artiste. He started to publish them in 1940s. He set up everything by himself but typography in his livres d'artiste is much more strict in contrast to his previous work.
Iliazd was well known for creating multiple layers of beautiful paper, which the reader must slowly uncover until they reach the text, like some highly anticipated present. His old friend Picasso illustrated nine of his books.
Iliazd returned to his homeland in 1912 and with his brother, artist Kirill Zdanevitch, he met Georgian painter Niko Pirosmani. They became very enthusiastic about him. Iliazd was alarmed by the difficult economic straits that the painter was in and wrote a manifesto to promote his art; it was published in a local paper Zakavkazskaya Rech' in 1913 under the title "Khudozhnik-samorodok" (A natural-born artist). It was his first publication. In June 1914 the journal Vostok published his article "Niko Pirosmani," in which he mythologized the biography of the older artist, linking him with the Silver Age and the Russian avant-garde.
"In the summer of 1971, Iliazd decided to reprint the article he convinced his friend Picasso to create this frontispiece of the Georgian painter. The printing was completed and signed by December 1972, four months before Picasso's death" (Johnson, p. 165). Bookvica

Pablo Picasso en "El Hurgador" / in this blog:
[Watson, Penn, Shinoyama, Johnsen], [Manos a la obra (X)], [Arte & Humor (II)], [Pintando perros (XI)], [Zhang Daqian (Pintura)], [Yousuf Karsh (Fotografía)], [Pablo Morales de los Ríos (II), Desvariaciones (Pintura)], [Manos a la obra (XIX)], [Arte y Videos (III)], [Adam Lister (Las obras, Anexo / The Works, Annex)], [Flóra Borsi (Fotografía, Fotomanipulación)], [Arte perdido (VI)], [Judy y los fotógrafos (II)], [Aniversarios (XL)], [Sucedió en el museo (V-Anexo)], [Asonancias (VIII)], [Asonancias (XIII)], [Asonancias (XIII), Anexo], [Arte y Humor (XII)]

Pintando perros / Painting Dogs (LXIV) - Dana Hawk y otros retratos caninos / and other canine portraits

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Dana Hawk


Dana Hawk es una artista estadounidense nacida en St. Louis, Missouri, que actualmente vive y trabaja en la parte baja de Catskills, en el área metropolitana de Nueva York.
Estudió Biología Celular y Molecular en la Universidad Estatal de Missouri y Fisioterapia en el Centro de Ciencias de la Salud de la Universidad de Colorado.
Se considera una retratista, ya sea un retrato de una persona, un perro u otra criatura. "Encuentro esta área de la pintura la más intrigante para mí, y es lo que parece que hago mejor. Cualquier otra característica en mi trabajo sirve en gran medida como elemento de apoyo para el retrato como tema".

"Supergirl", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 48"

"Sofie", óleo sobre panel / oil on panel, 14" x 11"

"Riley", óleo sobre panel / oil on panel, 14" x 11"

«Crecí en una pequeña ciudad al oeste de St. Louis, Missouri. Para ser más específica, me crié en las afueras de esa pequeña ciudad. Mis compañeros de juego eran mis perros y me encantaba salir con ellos. Siempre estaban felices, listos para ir de excursión por el bosque y parecían sentir mis emociones antes que nadie. Tal vez mis pinturas de perros sean un homenaje a estos canes de mi infancia, ya que la vida parece tener una forma de equilibrar lo que das y lo que recibes.»

"Gracie", óleo y pan de oro sobre panel / oil & gold leaf on panel, 14" x 11"

"Maxx", óleo sobre panel / oil on panel, 14" x 11"

"Alden", óleo sobre panel / oil on panel, 14" x 11"

«Pintar retratos requiere que el artista tenga algún tipo de relación con sus modelos o, al menos, que intente comprenderlos. Disfruto de la conexión inmediata que tengo con los perros, y ver su verdadero yo siempre es agradable, y por lo general bastante gracioso.»

"Lucie", óleo sobre panel / oil on panel, 28" x 18"

"Maddie", óleo sobre panel / oil on panel, 12" x 12"

«Como todo el mundo, tengo ciertos intereses y muchas preocupaciones. En mi primer año como estudiante de arte, ciertamente me interesaba el arte, pero definitivamente me preocupaba no terminar ganando lo suficiente como para pagar los préstamos estudiantiles a los que recurría. Así que me pasé a la ciencia y practiqué como fisioterapeuta durante aproximadamente una década. Tuve una vida dual durante 9 de esos años, hasta que pude concentrarme en la pintura a tiempo completo en 2011. Creo que para pintar bien cualquier cosa, un artista necesita la capacidad de descubrir un nivel más profundo de verdad sobre un tema, y esta curiosidad es lo que me mantiene inspirada. Los perros y otros animales son una buena fuente de inspiración para mí porque una relación o un encuentro con un perro es siempre real y sin trabas, y puedes llegar a la verdad de la personalidad de ese perro muy rápidamente. Por lo general, esa verdad es muy divertida, así que es una búsqueda muy agradable para mí.»

"Leroy", óleo sobre panel / oil on panel, 14" x 11"

"Los perros Duke / Duke Dogs", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 15" x 30"

Dana Hawk is an American artist born in St. Louis, Missouri, currently living and working in the lower Catskills, greater New York City area.
She studied Cell & Molecular Biology at the State University of Missouri, and Physical Therapy at the University of Colorado Health Sciences Center.
She consider herself a portraitist, whether it be a portrait of a person, dog, or other critter. "I find this area of painting the most intriguing for me, and what I seem to do best. Any other features in my work are largely to serve as supporting elements to the portrait subject."

"Georgia", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 18" x 24"

"Halo (Mi perro / My Dog Clinker)", óleo sobre panel / oil on panel, 10" x 8"

«I grew up in a small town west of St. Louis, MO. To be more specific, I grew up outside of that small town. My playmates were my dogs and I loved hanging out with them. They were always happy, ready to go for hikes in the woods and seemed to sense my emotions before anyone else. Perhaps my dog paintings are a tribute to these childhood canines, as life seems to have a way of balancing out the giving and taking.»

"Maxwell", óleo sobre panel / oil on panel, 14" x 11"

"Spike", óleo sobre panel / oil on panel, 30" x 15"

"Meat", óleo sobre panel / oil on panel, 12" x 12"

«Painting portraits requires an artist to have some sort of relationship with their subject, or at least, be striving to understand them.  I enjoy the immediate connection that I have with dogs, and seeing their true selves is always enjoyable, and usually pretty humorous.»

"Coalby", óleo sobre panel / oil on panel, 14" x 11"

"Mungmung", óleo sobre panel / oil on panel, 30" x 24"

"Sophie", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 36"

«Like everyone else, I have a few interests and a lot of concerns. My first year as an art student, I was certainly interested in art, but definitely concerned that I wouldn't end up earning enough income to pay back the student loans I was incurring. So I switched to science and practiced as a Physical Therapist for about a decade. I had a dual-life for about 9 of those years, until I was able to concentrate on painting full time in 2011. I believe that to paint anything well, an artist needs the ability to uncover a deeper level of truth about a subject, and this curiosity is what keeps me inspired. Dogs and other animals are a good source of inspiration for me because a relationship or an encounter with a dog is always real and unencumbered, and you can get to the truth of that dog’s personality very quickly. Usually that truth is pretty humorous, so it’s a very enjoyable quest for me.»

"La banda caótica / Chaos Gang", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 16" x 40"

Fuentes / Sources:
* Website
* Perfil de la aritsta / Artist's profile, West End Gallery
* Perfil de la aritsta / Artist's profileAbend Gallery

Más sobre / More about Dana Hawk: Website, Instagram, facebook

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Dana!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Dana!)
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Vincenzo Gemito
(Nápoles, Italia / Naples, Italy, 1852 - 1929)

"Perro sentado / Sitting Dog", tiza negra, acuarela y blanco opaco sobre panel /
black chalk, watercolour and opaque white on board, 58 x 40,5 cm., 1913

Vincenzo Gemito en "El Hurgador" / in this blog[Aniversario (CCXXXVIII)]
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Hans Neubert
(Dresde, Alemania / Dresden, Germany, 1924 - Feldafing, 2011)

"Der kleine große Cormak / El pequeño gran Cormak / The Big Little Cormak"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 74 x 65,5 cm., 1978. Wikimedia Commons
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Fátima Ronquillo
(Filipinas / Philippines, 1976-)
en / at Santa Fe, Nuevo México, EE.UU. / New Mexico, USA

Fátima Ronquillo es una artista nacida en Filipinas en 1976, que vive y trabaja en Nuevo México, EE.UU.
La imaginería de inspiración clásica de la pintora Fatima Ronquillo evoca un mundo de serenidad y encanto. Sus pinturas de personajes misteriosos, a menudo en paisajes pastorales e idílicos, se acentúan con un sentido subyacente de drama y alegría. Estas obras íntimas están pintadas al estilo de los viejos maestros europeos, junto con un realismo mágico arraigado en las tradiciones folklóricas y coloniales de América Latina. La suya es una voz auténtica que se hace eco de un mundo interior donde la historia del arte se encuentra con la nostalgia y los personajes imaginarios de la literatura, el teatro y la ópera.
Muchos de los personajes de sus retratos aparecen acompañados de animales, y hay también algunos en los que los protagonistas son los propios animales, como estos dos perros.

"Perro con el ojo del amo I / Dog With Master's Eye I"
Acrílico y acuarela sobre papel / acrylic and watercolor on panel, 12" x 12", 2011
Colección privada / Private Collection

Fátima Ronquillo is an artist born in Philippines in 1976, who lives and works in New Mexico, USA.
The classically inspired imagery of painter Fatima Ronquillo evokes a world of serenity and charm. Her paintings of mysterious personages, often set against pastoral and idyllic landscapes, are accented with an underlying sense of drama and playfulness. These intimate works are painted in the style of European old masters coupled with a magical realism rooted in folk and colonial Latin American traditions. Hers is an authentic voice that echoes from an inner world where art history meets with nostalgia and imagined characters from literature, theatre and opera.
Many of the characters in her portraits are accompanied by animals, and there are also some in which the protagonists are the animals themselves, like these two dogs.

"Perro con el ojo del amo II / Dog With Master's Eye II"
Acrílico y acuarela sobre papel / acrylic and watercolor on panel, 12" x 12", 2011
Colección privada / Private Collection

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Will Wilson
(Baltimore, Maryland, EE.UU./ USA, 1957-)

"Sookie", óleo sobre lino / oil on linen, 12" x 8", 1986

Will Wilson es un pintor estadounidense nacido en 1957 en Baltimore, Maryland, cuya obra ya repasamos en profundidad en los posts previos (enlaces más abajo). Aquí les dejo sus retratos caninos.

"Hito / Milestone", óleo sobre panel / oil on panel, 15" x 15", 2012

Will Wilson is an American painter born in 1957 in Baltimore, Maryland, whose work was already reviewed in depth in previous posts (links below). Here you have his canine portraits.

"Diente de león / Dandelion", óleo sobre panel / oil on panel, 7 3/4" x 9 3/4", 2014

Will Wilson en "El Hurgador" / in this blog[Will Wilson (Pintura)], [Will Wilson (II, Pintura)]

Más sobre / More about Will Wilson: WebsiteWikipedia (English)
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George Stubbs
(Liverpool, Reino Unido / UK, 1724 - 1806)

"Retrato de un Terranova Spaniel marrón oscuro y blanco /
Portrait of a Dark Brown and White Newfoundland Spaniel"
Óleo sobre panel / oil on panel, 68,7 x 92,7 cm., 1784. Sotheby's

Asiduo visitante del blog, ya hemos disfrutado unas cuantas veces de la maestría de George Stubbs para la pintura animalista, incluido un post con especial atención a sus perros (enlaces más abajo). Aquí les dejo algunos retratos caninos más.

Regular visitor to the blog, we have already enjoyed George Stubbs' mastery of animal painting a few times, including a post with special attention to his dogs (links below). Here you have some more canine portraits.

"Fino & Tiny", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 102 x 127,4 cm., 1790-93
The Royal Collection (Reino Unido / UK)

La Colección Real cuenta con un importante grupo de pinturas de George Stubbs. Todas fueron adquiridas por Jorge IV cuando era Príncipe de Gales y todas ellos (con la excepción de una) fueron enviados en 1822 de Carlton House a King's Lodge (más tarde Royal Lodge) en Windsor Great Park, presumiblemente como un entorno apropiado para pinturas deportivas. En 1793 Thomas Allwood presentó una factura al Príncipe por £ 110, por 'Tallar y dorar ocho marcos de cuadros de tamaño medio [40 x 50 pulgadas] para varias imágenes pintadas por Mr Stubbs'. Esta es una de las trece pinturas en la colección de estas dimensiones (40 x 50 pulgadas), todas en marcos idénticos y todas fechadas entre 1790 y 1793. No es posible decir cuáles fueron las ocho mencionadas en la factura de Allwood, y cómo podrían haberse agrupado o emparejado; pero todas parecen haber sido concebidas vagamente como un conjunto. El perro Spitz blanco y negro, Fino, está parado de perfil a la izquierda, con su cabeza medio vuelta hacia la izquierda, el pequeño Spaniel marrón, Tiny, está sobre sus patas traseras hacia la parte inferior izquierda. Fondo montañoso, con un lago o mar a la derecha.
Abajo, aunque Stubbs es más conocido como pintor de caballos, esta representación de un perro grande y amable que yace debajo de un árbol en un paisaje rocoso con una vista del mar a lo lejos es una buena muestra del alcance de sus habilidades.

"Un perro hirsuto / A Rough Dog", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 101,5 x 127,1 cm., 1790
The Royal Collection (Reino Unido / UK)

The Royal Collection holds an important group of paintings by George Stubbs; all of them were acquired by George IV when Prince of Wales and all of them (with the exception of one) were sent in 1822 from Carlton House to the King’s Lodge (later Royal Lodge) in Windsor Great Park, presumably as an appropriate setting for sporting paintings. In 1793 Thomas Allwood presented a bill to the Prince for £110 16s, for ‘Carving & Gilding eight Picture frames of half length size [40 x 50 inches] for sundry Pictures painted by Mr Stubbs’. This is one of thirteen paintings in the collection of these dimensions (40 x 50 inches), all in identical frames and all dated between 1790 and 1793. It is not possible to say which were the eight mentioned in Allwood’s bill, and how they might have been grouped or paired off; but they all seem to have been conceived loosely as a set. The black and white Spitz dog, Fino, standing in profile to the left, with its head turned half to the left, the small brown Spaniel, Tiny, on its hind legs to the lower left; mountainous background, with a lake or sea to the right.
Above, even when Stubbs is most renowned as a painter of horses, this depiction of a large, amiable dog lying under a tree in a rocky landscape with a glimpse of the sea beyond is a reminder of the scope of his abilities.

"Caniche en una barca / White Poodle in a Punt"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 127 x 101,5 cm., c.1780.
National Gallery of Art (Washington, EE.UU./ USA)

"Un perro rojo y blanco, en un paisaje, una torre fortificada y un estuario a lo lejos /
A Red and White Dog, in a Landscape, a Fortified Tower and an Estuary Beyond"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76 x 63,5 cm. Christie's

"Turk", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1778
© Belvoir Castle, Leicestershire, UK / The Bridgeman Art Library. Link

George Stubbs en "El Hurgador" / in this blog:
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B.A. Howe
(Reino Unido / UK, Activo entre / active 1844 - 1857)

"Carlino con un guante / Pug with a glove"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50,8 x 61 cm. Artnet
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Edmond Jean-Baptiste Tschaggeny
(Bruselas, Bélgica / Brussels, Belgium, 1818 - 1873)

Edmond Jean-Baptiste Tschaggeny, pintor belga de paisajes y animales, acuarelista y grabador, nacido en Bruselas en 1818.
En el período 1834-1835 Tschaggeny y su hermano mayor Charles fueron alumnos de Eugène Verboeckhoven (1799-1881), pintor de animales en Bruselas. Edmond Tschaggeny fue durante un breve período (1837-38) estudiante en la Academia de Arte de Bruselas.
Entre los años 1846-1848 estuvo ocasionalmente en Kempen: Genk, Kelchterhoef, Gelieren. Entre 1854 y 1859 visitó con frecuencia la zona, fascinado por la belleza de la naturaleza y la desolación de los páramos. Esto lo convirtió, junto con Théodore Fourmois, Edouard Huberti, Alfred De Knyff, Edmond De Schampheleer, François Roffiaen y François Lamorinière, en uno de los primeros pintores en descubrir el potencial pictórico del paisaje de Kempen, en lo que más tarde se conocería como Escuela Genk.
Enfermó durante sus últimos años de vida. Pasó los meses de invierno en Argelia, esperando encontrar allí la recuperación para su salud. Continuó dibujando y pintando acuarelas. Las obras orientalistas así producidas sirvieron como estudios preliminares para pinturas importantes.
Murió en 1873.

"Un perrito faldero sentado en un cojín / A Toy Dog Seated on a Red Cushion"
Óleo sobre panel / oil on panel, 51,5 x 65 cm., 1859. Artnet

Edmond Jean-Baptiste Tschaggeny, Belgian landscape and animal painter, watercolorist and etcher, born in Brussels in 1818.
In the period 1834-1835 Tschaggeny and his older brother Charles were pupils of Eugène Verboeckhoven (1799-1881), animal painter in Brussels. Edmond Tschaggeny was then briefly a student at the Brussels Art Academy in the period 1837-1838.
In the years 1846-1848 Tschaggeny stayed at Kempen occasionally: Genk, Kelchterhoef, Gelieren. Between 1854 and 1859 he frequently visited the area, fascinated by the beauty of nature and the desolation of the heathland. This makes him, together with Théodore Fourmois, Edouard Huberti, Alfred De Knyff, Edmond De Schampheleer, François Roffiaen and François Lamorinière one of the earliest painters to discover the pictorial landscape potential of the Kempen. Later will be known as the Genk School.
He became ill during his last years of life. He spent the winter months in Algeria, hoping to find recovery for his health there. He continued drawing and watercolor painting. The Orientalist works thus produced served as preliminary studies for important paintings.
He died in 1873.
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Sophie Wilhelmina Hirschmann
(La Haya, Holanda / The Hague, Netherlands, 1871 - 1937)

"Un compañero fiel / A Faithful Companion"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 113 x 86,5 cm., 1894. Artnet
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James Yates Carrington
(Heathfield, Stockport, Inglaterra / England, 1857 - 1892)

"Los huérfanos / The Orphans"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 44 x 51,5 cm., 1889. Artnet
Con la inscripción: 2619 perros / retirados de las calles de Londres / durante el mes de septiembre / perrera
Also inscribed: 2619 dogs / removed from the streets of London / during the month of September / dog's home

Nacido en abril de 1857, en Heathfield, Stockport, James Yates Carrington era el cuarto hijo del Sr. Samuel Ratcliffe Carrington (el jefe de una firma de fabricantes de sombreros de Stockport). Carrington recibió su primera lección de pintura del Sr. J.H.E. Partington y estudió en la Academia de Bellas Artes de Munich. Sin embargo, al momento de comprar su terrier Teufel, que se hizo famoso gracias a las tres pinturas originales exhibidas en la Royal Academy en 1883, Carrington no era un pintor de animales y, en cambio, había tratado de establecerse como pintor paisajista. Teufel el Terrier pasó a ser inmensamente popular, y Carrington se convirtió en un muy buen pintor animalista.
Murió en 1892.

"Perro tocando el piano / Dog Playing the Piano"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 44 cm., 1888.
Stockport Heritage Services (Inglaterra / England). ArtUK

Born in April 1857, at Heathfield, Stockport, James Yates Carrington was the fourth son of Mr. Samuel Ratcliffe Carrington (the head of a firm of Stockport hat manufacturers). Carrington received his first lesson in painting from Mr. J.H.E. Partington and went on to study at the Academy of Fine Arts in Munich. However, at the time of purchasing his Terrier Teufel, who became famous thanks to the original three paintings displayed at the Royal Academy in 1883, Carrington was not an animal painter at all and, instead, had tried to establish himself as a landscape painter. Teufel the Terrier went on to be immensely popular, and Carrington became a very good animalist painter.
He died in 1892.

"Expolio / Spoliation", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 13" x 17", 1883. Hamshere Gallery

Óleo de 'Teufel El Terrier' documentado en 'La vida y aventuras del perro de un artista' de James Yates Carrington y del escritor Charles Morley.
En la página 53 de este libro, una versión del artista a pluma y tinta de esta pintura se ilustra con el permiso de Messrs, McLean, Haymarket, los dueños del copywright.

Oil of 'Teufel The Terrier', documented in 'The Life and Adventures of Of An Artist's Dog' by James Yates Carrington and the writer Charles Morley.
On page 53 of this book, a pen and an ink version by the artist of this painting is illustrated by permission of Messrs, McLean, Haymarket, the then owners of the copywright.

Aniversarios (CCXLII) [Agosto / August 6-12]

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Todos los aniversarios de Agosto aquí / All anniversaries for August here.
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El 6 de Agosto es el cumple de

Hans Neubert, pintor y artista gráfico alemán nacido en 1924 en Dresde, especialmente conocido por sus retratos ("imágenes humanas") y pinturas de paisajes.
Enseñó bellas artes a una edad temprana y durante visitas extensas a la Gemäldegalerie de Dresde, trabajó intensamente con las obras de antiguos maestros como Tiziano, Rubens y Rembrandt. 1941/1942 estudió, después de un aprendizaje en litografía en la empresa Meinhold & Söhne, brevemente con Ernst Richard Dietze (1880-1961) en la Academia de Bellas Artes de Dresde. Fue reclutado en 1942 y hecho prisionero durante la Segunda Guerra Mundial, que pasó en parte en antiguos campos de concentración. Encuentros de estos años, que llevaron al artista a Noruega, Polonia, Rusia y Eslovaquia, los registró en varios cuadernos de bocetos.

"Selbstbildnis / Autorretrato / Self Portrait"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 105 x 86 cm., 2003. Wikimedia Commons

Después de la guerra y el cautiverio, Neubert reanudó sus estudios en la Academia de Artes de Dresde desde 1947 hasta 1949. Sus maestros incluyeron a Reinhold Langner (1905-1957) y Max Erich Nicola (1889-1958). Sin un título, Neubert se convirtió en autónomo como pintor y artista gráfico en Dresde. Por ejemplo, creó 10 murales para el Friedrich-Loeffler-Institut en la isla de Riems, que tratan el tema de la virología de una manera única. Además durante este tiempo ilustró varios libros, uno de los cuales, "Wo die Nashörner suhlen / Donde se revuelcan los rinocerontes", fue premiado como uno de los más hermosos de 1959. En 1958 realizó un viaje de estudios a Suiza, donde, entre otras cosas, retrató al escritor Hermann Hesse. Otros retratos de estos años tuvieron como modelos al director Kurt Masur, así como a los pianistas Arthur Rubinstein y Vladimir Horowitz; estas obras, así como los retratos de los cantantes Elvis Presley, Billie Holiday y Michael Jackson, dan testimonio de la clara pasión de Neubert por el mundo de la música.
Neubert era un solitario que rechazó sus dictados artísticos o políticos, corrientes y modas a lo largo de su vida. Sin embargo, había modelos formativos para él; no solo los antiguos maestros con los que estudió en Dresde, sino también artistas contemporáneos como Max Beckmann, Pablo Picasso y Oskar Kokoschka.
Murió en 2011.

Zyklus Sinn und Praxis der Virologie, Zehn Wandbilder /
Serie sobre el Significado y la práctica de la virología, diez murales /
Meaning and practice of virology Series, Ten murals, 1957-60
"Impfstoff gegen Schweinepest / Vacuna contra la fiebre porcina / Vaccine against swine fever"
Vestíbulo y las escaleras del Friedrich-Loeffler-Institut en la isla de Riems (Alemania) /
Foyer and stairwell of the Friedrich-Loeffler-Institut on the island of Riems (Germany). Welt

Mural de la época de la RDA: se obtuvo previamente una vacuna contra la peste porcina. El motivo pertenece a un "ciclo al trabajo del investigador del virus". A finales de la década de 1950, el pintor de Dresde Hans Neubert creó un total de diez pinturas al estilo del realismo socialista que ahora cuelgan en el vestíbulo y las escaleras del Friedrich-Loeffler-Institut en la isla de Riems.

Mural from the GDR era: a vaccine against swine fever was previously obtained. The motif belongs to a "cycle to the work of the virus researcher". At the end of the 1950s, the Dresden painter Hans Neubert created a total of ten paintings in the style of socialist realism that are now hanging in the foyer and stairwell of the Friedrich-Loeffler-Institut on the island of Riems.

Izq./ Left: "Krug mit Sonnenblume / Jarra con girasol / Jug with Sunflower"
Óleo sobre panel de fibra / oil on fiberboard, 39,5 x 46 cm. Artnet
Der./ Right"Stillleben mit Blumen, Flasche und Kerze  / Naturaleza muerta con flores, botella y vela / Still Life With Flowers, Bottle and Candle"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 111 x 85 cm. Artnet

On August 6 is the birthday of

Hans Neubert, German painter and graphic artist born in 1924 in Dresden, especially known for his portraits ("human images") and landscape paintings.
He self taught fine arts at a young age and during extensive visits to the Dresden Gemäldegalerie, dealt intensively with the works of old masters such as Titian, Rubens and Rembrandt. 1941/1942 he studied - after a lithography apprenticeship in the company Meinhold & Söhne - briefly with Ernst Richard Dietze (1880-1961) at the Academy of Fine Arts in Dresden. He was recruited in 1942 and was taken prisoner during the Second World War, which he had to spend partly in former concentration camps. Encounters of these years, which took the artist to Norway, Poland, Russia and Slovakia, he recorded in several sketchbooks.

"Untergehende Sonne / Puesta de sol / Sunset" (1992) von Hans Neubert
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 120 cm., 1992. Wikimedia Commons

After war and captivity, Neubert resumed his studies at the Dresden Academy of Arts from 1947 to 1949. His teachers included Reinhold Langner (1905-1957) and Max Erich Nicola (1889-1958). Without a degree, Neubert then became self-employed as a painter and graphic artist in Dresden. For example, 10 murals were created for the Friedrich-Loeffler-Institut on the island of Riems, which deal with the topic of virology in a unique way. Furthermore, Neubert illustrated during this time several books, of which the African band "Wo die Nashörner suhlen / Where the rhinos wallow" was awarded as one of the most beautiful books of 1959. In 1958 he undertook a study trip to Switzerland, where, among other things, a portrait of the writer Hermann Hesse was created. Other portraits of these years show the conductor Kurt Masur as well as the pianists Arthur Rubinstein and Vladimir Horowitz; these works, as well as the portraits of singers Elvis Presley, Billie Holiday and Michael Jackson, testify to Neubert's distinct passion for the world of music.
Neubert was a loner who refused his artistic or political dictates, currents and fashions throughout his life. Nevertheless, there were formative role models for him; not only the old masters he studied in Dresden were groundbreaking, but also contemporary artists such as Max Beckmann, Pablo Picasso and Oskar Kokoschka.
He died in 2011.

"Eberschädel, Plastik und Uhr / Cráneo de jabalí, escultura y reloj / Boar Skull, Sculpture and Clock"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1959. Wikimedia Commons

Hans Neubert en "El Hurgador" / in this blog[Pintando perros (LXIV)]


El 7 de Agosto es el cumple de

Hugo Wilhelm Kauffmann, pintor alemán nacido en Hamburgo en 1844. Era hijo de Hermann Kauffmann.
En 1861 fue a Frankfurt y trabajó allí con Jakob Becker, Eduard Jakob von Steinle y Johann Nepomuk Zwerger. De 1863 a 1871 vivió en Kronberg en el Taunus. Durante este tiempo pasó un invierno en Hamburgo y también un período de cinco meses en Düsseldorf. Luego pasó un año y medio en París, hasta 1870 cuando la guerra lo expulsó. Vivió hasta 1871 en Munich.

"Auf dem Prüfstand / En el banco de pruebas / On the Test Bench"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 18,5 x 25 cm., 1881. Wikimedia Commons

El poder creativo de Kauffmann, apoyado por la observación fina y el humor saludable, combinado con el dibujo característico y el color más fino, le dio a su trabajo un algo fresco y animado. Prefería tomar sus lienzos de los círculos más bajos de la población urbana y en parte también a la población rural, y les infundía un gran realismo.
Murió en 1915.

"Die täglichen Nachrichten / Las noticias del día / The Daily News"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 10,5 x 8 cm. 
Colección privada / Private Collection. Wikimedia Commons

Atribuido / Attributed
"Postillon bläst schlafendem Gastwirt auf der Ofenbank in das Ohr /
Postillón sopla en la oreja del posadero que duerme en el banco junto de la estufa /
Postillon Blows in the Ear of the Innkeeper Sleeping on the Stove Bench"
Óleo / oil, 30 x 39 cm., c.1915. Wikimedia Commons 

On August 7 is the birthday of

Hugo Wilhelm Kauffmann, German painter born in Hamburg in 1844. He was the son of Hermann Kauffmann.
In 1861 he went to Frankfurt and worked there under Jakob Becker, Eduard Jakob von Steinle and Johann Nepomuk Zwerger. From 1863-71 he lived in Kronberg in the Taunus. During this time he spent one winter in Hamburg and a five-month period in Düsseldorf too; afterwards he spent 1½ years in Paris, until 1870 when the war drove him out. He lived until 1871 in Munich.

"Im Gespräch / Conversando / Talking"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 18 x 13,5 cm., c.1905. Wikimedia Commons

Kauffmann's creative power, supported by fine observation and healthy humor, combined with characteristic drawing and the finest color, gave his work something fresh and lively. He preferred to take his canvases from the lower circles of the urban and partly also the rural population and presented them with a sense of reality.
He died in 1915.

"Porträt eines Tiroler Bergbauern in Sonntagstracht /
Retrato de un granjero de montaña tirolés en traje de domingo /
Portrait of a Tyrolean Mountain Farmer in a Sunday Dress"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 14,3 x 11,5 cm., 1907. Wikimedia Commons


El 8 de Agosto es el cumple de

Fritz Eberhard Werner, artista y pintor paisajista alemán nacido en 1924 en Glogau, Silesia.
Era hijo del editor e impresor de periódicos Friedrich Werner y su esposa Emma Margarete (de nacimiento Löchel). Mostró un talento artístico temprano. Debido a las limitaciones de la adaptación política en el III Reich, buscó un escape en la naturaleza y en las Montañas de los Gigantes. Este giro hacia la naturaleza como un "punto de fuga" siguió siendo decisivo durante toda su vida y, sobre todo, para su trabajo artístico.

"Birken in der Herbstsonne / Abedules en el sol de otoño / Birches in the Autumn Sun"
Acuarela / watercolor, 1987. Galerie-e-Werner

Las sombras de la Segunda Guerra Mundial pronto cayeron sobre estos jóvenes también: después de 12 años de escuela, es decir, acortados por un año, se graduó en 1942 de la escuela secundaria y luego fue reclutado en la Wehrmacht. Después de entrenar como operador de radio, estuvo a principios de 1944 en Francia en un bombardeo y recibió una herida de metralla en la cabeza, cuyas consecuencias lo acompañaron a lo largo de su vida. En 1945 cayó cautivo de los rusos en la confusión de la rendición. Solo gracias a una gran suerte escapó a la deportación a Siberia.
A pesar de su éxito como profesor de arte y como artista, dejó la RDA en 1959 debido a restricciones político-artísticas.

"Violette Margariten im Stillleben / Margaritas violetas en naturaleza muerta /
Violet Margarites in Still Life"
Óleo y témpera / oil and tempera. Galerie-e-Werner

Además de su profesión y su productividad artística ininterrumpida, Eberhard realizó un sueño de toda la vida en la década de 1960: creó para sí mismo y su familia un hogar nuevo y definitivo. Construyó una casa en Obermehnen cerca de Lübbecke en East Westphalia. Por lo tanto, la vida problemática de la "zona de refugiados" encontró un lugar de descanso temporal. El amplio estudio proporcionó la base para un período creativo rico e intenso.
Profesionalmente, se le concedió la satisfacción de que su formación de docente de arte a principios de los años 70 fuera reconocida en Occidente y ahora ya no como maestro de escuela primaria y secundaria, sino trabajar el resto de su carrera como profesor de arte en el Minden Ratsgymnasium. Debido a su estado de salud, sin embargo, se retiró en 1985.
Werner perdió gradualmente su visión a finales de la década de 1990, lo que detuvo su actividad artística, y murió el 23 de septiembre de 2002 después de una larga enfermedad en Lübbecke.

"Selbstportrait / Autorretrato / Self Portrait"
Dibujo temprano a pluma y tinta / Early drawing, pen and ink. Galerie-e-Werner

On August 8 is the birthday of

Fritz Eberhard Werner, German artist and landscape painter born in 1924 in Glogau, Silesia.
He was son of the newspaper publisher and printer Friedrich Werner and his wife Emma Margarete (née Löchel). He showed an early artistic talent. Because the constraints of political adaptation in the III Reich, he tried to escape in nature and gliding in the Giant Mountains. This turn to nature as a "vanishing point" remained decisive for his entire life and above all for his artistic work.

"Bauerngarten / Jardín de la cabaña / Cottage Garden"
Acuarela / watercolor, 1985. Galerie-e-Werner

The shadows of the Second World War soon fell on these young people too: After 12 years of school - ie shortened by one year - he graduated in 1942 from high school and then was drafted into the Wehrmacht. After training as a radio operator he was in early 1944 in France in a bombing raid and pulled by a shrapnel to a head injury, whose consequences have accompanied him throughout his life. In 1945 he came in the turmoil of surrender in Russian captivity. Only luckily he escaped the deportation to Siberia.
Despite his success both as an art teacher and as an artist, he left the GDR in 1959 because of political-artistic restrictions.

"Selbstportrait / Autorretrato / Self Portrait"
Acuarela / watercolor. Galerie-e-Werner

In addition to his profession and his uninterrupted artistic productivity, Eberhard realized a lifelong dream in the 1960s: he created himself and the family a new and final home, he built a house in Obermehnen near Lübbecke in East Westphalia. Thus, the troubled life of the "zone refugee" found a temporary resting place. The spacious studio provided the basis for a rich and intense creative period.
Professionally, he was granted the late satisfaction that his art teacher education in the early 70s was recognized in the West and he now no longer as a primary and secondary school teacher, but for the rest of his career at the Minden Ratsgymnasium act as an art teacher. Because of his health situation, however, he retired in 1985.
Werner gradually lost his eyesight in the late 1990s, which brought his artistic activity to a standstill, and died on 23 September 2002 after a long illness in Lübbecke.

"Obermehnen Gartenhaus / Casa Jardín / Garden House Obermehnen"
Acuarela / watercolor, 1981. Galerie-e-Werner


El 9 de Agosto es el cumple de

Cornelia Paczka-Wagner, pintora y artista gráfica alemana nacida en 1864 en Göttingen.
Era la hija del economista Adolph Wagner. Se formó en Berlín con Karl Stauffer-Bern, en la Real Academia de Bellas Artes de Munich con Johann Caspar Herterich y en una academia privada en París.
En 1888 se mudó a Roma para continuar su educación artística. En 1890 se casó con el pintor húngaro Franz Paczka (Ferenc Paczka, 1856-1925).

"Die Parze (Profil einer mahnenden Frau mit Schleier) /
La parca (Perfil de una mujer amonestando con velo) / The Fate (Profile of a Admonishing Woman With Veil)"
Litografía de tiza en papel japonés / chalk lithograph on Japan paper, 39,5 x 25,5 cm. Blouin Art

Desde 1891 tuvo un contacto cercano con Max Klinger y con frecuencia modeló para él. En 1894 se fue a Madrid con su esposo. Desde 1895 estuvieron activos en Berlín. Paczka-Wagner fue miembro de la Asociación de Artistas de Berlín (VdBK) de 1896 a 1930.
Participó en la Bienal de Venecia (1910) y en la Reat Berlin Art Exhibition, Berlín, con la obra "Great Women's Well" (1926)
Murió en 1930.

"Mujer bordando / Woman Embroidering"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 58 × 45 cm., entre / between 1900 & 1939. Artnet

"De Profundis", 1902. Le Prince Lointain

On August 9 is the birthday of

Cornelia Paczka-Wagner, German painter and graphic artist born in 1864 in Göttingen.
She was the daughter of the economist Adolph Wagner. She was trained in Berlin under Karl Stauffer-Bern, at the Royal Academy of Fine Arts in Munich with Johann Caspar Herterich and at a private academy in Paris.
In 1888 she moved to Rome to continue his artistic education. In 1890 she married the Hungarian painter Franz Paczka (Ferenc Paczka, 1856-1925).

"Porträt, Fräul. / Retrato de la Srta. / Portrait of Miss Margit Paczka"
Aluminografía / aluminium engraving. Curiator

Since 1891 she had close contact with Max Klinger and was often modeled to him. In 1894 she went to Madrid with her husband. From 1895 they were active in Berlin. Paczka-Wagner was a member of the Association of Berlin Artists (VdBK) from 1896 to 1930.
She participated in the Venice Biennial (1910), and the reat Berlin Art Exhibition, Berlin, with the work "Great Women's Well" (1926)
She died in 1930.

"Italienerin mit Kind / Italiana con niño / Italian Woman With Child"
Litografía de tiza en papel japonés / chalk lithograph in red on Japan, 55,5 x 44,5 cm., c.1900, Blouin Art


El 10 de Agosto es el cumple de

Francesco Vinea, pintor italiano nacido en Forlì en 1845, conocido por sus temas de género con vestuario de época.
Estudió primero en la Academia de Bellas Artes de Florencia, pero tuvo que suspender sus estudios debido a su pobreza, y pasó un tiempo viajando sin hogar. Trabajó para un fotógrafo, también como diseñador de revistas ilustradas, pero regresó a Florencia y estudió con el profesor Enrico Pollastrini, pero solo durante un año.

"Serenata en la taberna / Serenade in the Tavern"
Óleo sobre panel / oil on panel, 45,7 x 54,6 cm., 1887. Sotheby's

No sentía inclinación hacia a las pinturas históricas o literarias eruditas, ni a las representaciones serias de escenas naturales favorecidas por algunos contemporáneos académicos. Se didicó a realizar representaciones disolutas, coquetas y siempre distinguidas de dramas en elegantes trajes de época que se producen en interiores igualmente ornamentados. Las pinturas resultaron populares en Inglaterra y Francia, y Vinea pudo llevar una vida cómoda. Su estudio en el bulevar Prince Eugene en Florencia se representa como un tesoro de artículos exóticos, muebles eclécticos y elementos decorativos: una colección que encuentra fácilmente su camino como ornamentos de sus pinturas. Gubernatis describe su estudio como su mejor obra de arte. El techo estaba pintado al temple con dioses olímpicos, en alegoría de las bellas artes, y sus objetos recogidos al azar almacenados.

"Un momento de relax / A Moment's Relaxation", óleo sobre panel / oil on panel, 39,3 x 29 cm. Bonhams

Gubernatis describe su temática como:
"Nada serio, nada sólido, ningún concepto clásico, nada robusto, sin ideas elevadas, sin pensamientos profundos. Sus lienzos, como las pinturas de género de Meissonier, son ingenios bien diseñados, con colores sonrientes, interiores llenos de vida y de garbo, disfraz escenas acicaladas con gracia y ligereza trivial: todo rezuma la moda de los salones pasados. Una vez aceptado el género, Vinea es sin duda alguna los pocos que lo tratan con fertilidad de imaginación, estudio cuidadoso de los detalles y esplendor de la paleta. Los sujetos de sus lienzos se desvanecen de la memoria como burbujas de jabón iridiscentes que revolotean desde nuestra visión".
Murió en 1902.

"El caballero feliz / The Merry Cavalier"
Óleo sobre panel / oil on panel, 35,5 x 45,8 cm., 1876. Bonhams

On August 10 is the birthday of

Francesco Vinea, Italian painter born in Forlì in 1845, known for his period costume genre subjects.
He studied first at the Academy of Fine Arts of Florence, but had to discontinue his studies due to his poverty, and spent some time traveling without home. He worked for a photographer, also as a designer of illustrated magazines, but returned to Florence and studied under professor Enrico Pollastrini, but only for a year.

"En la taberna / In the Tavern", óleo sobre panel / oil on panel, 41 x 30 cm. Bonhams

He was not inclined to the erudite historical or literary paintings, or earnest depictions of natural scenes, favored by some academic contemporaries. He meddled in an imaginative, often raffish or coquettish, and always elegant depictions of dramas in elegant period costume occurring in equally ornamented interiors. The paintings proved popular in England and France, and Vinea gained a comfortable living. His studio on boulevard Prince Eugene in Florence is depicted as hoard of exotic items, and eclectic furniture and decorative items: a collection easily finding his way as ornaments of his paintings. Gubernatis describes his studio as his best work of art. The ceiling painted in tempera with Olympic gods, in allegory to the fine arts, and his collected items haphazardly stored.

"Colpo di vento / Golpe de viento / Blow of Wind"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 70,5 x 46 cm., 1882. Sotheby's

Gubernatis describes his subject matter as:
"Nothing serious, nothing solid, no classical concepts, not robust, no lofty ideas, no deep thoughts. His canvases, like the genre paintings of Meissonier, are well-designed witticisms, smiling color, interiors full of life and of panache, costume scenes preening with grace and trivial levity: everything exudes the fashion of the past salons. Once you have accepted the genre, Vinea is no doubt that the few who treat it with fertility of imagination, careful study of detail and splendor of the palette. The subjects of his canvases fade from memory like iridescent soap bubbles flit from our vision."
He died in 1902.

"En la bodega / In the Wine Cellar"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 58,4 x 72,3 cm., 1889. Bonhams


El 11 de Agosto es el cumple de

Samuel Birmann, pintor paisajista romántico suizo nacido en Basilea en 1793.
Las obras paisajistas de sus incios estaban fuertemente influenciadas por su padre, Peter Burman, por quien fue formado. Al principio buscó sus motivos en el barrio de Jura y Baden, luego sus temas favoritos fueron el Oberland bernés, Valais y Saboya.

"Figuras descansando cerca de un establo con ovejas y vacas pastando y un paisaje montañoso al fondo /
Figures resting by a farm house with sheep and cow grazing and mountainous landscape beyond"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 44 x 59 cm., 1827. Blouin Art

Muchas de sus obras, las más importantes del período alrededor de 1820, se encuentran ahora en el Kunstmuseum de Basilea.
Estuvo casado con Juliana Birmann-Vischer (1785-1859), quien adoptó a Martin Grieder, quien ingresó a través de su compromiso social y político en la historia del cantón de Basel-Landschaft.
Birmann murió en 1847.

"Bodenseelandschaft / Paisaje de / Landscape of Bodensee"
Acuarela / watercolor, 1920. Colección / Collection Gugelmann. Helvetic Archives

On August 11 is the birthday of

Samuel Birmann, Swiss landscape painter of the Romantic, born in 1793 in Basel.
His works of landscape painting are at the beginning strongly influenced by his father Peter Burman, by whom he was trained. At first, he sought his motifs in the Jura and the Baden neighborhood, later his favorite subjects were in the Bernese Oberland, Valais and Savoie.

"Le Prieuré et le Montblanc / El Priorato y el Mont Blanc / The Priory and Montblanc"
de / from Souvenirs de la vallée de Chamonix, pub. Basle, 1826
Aguatinta coloreada a mano / handcoloured aquatint, 24 x 29,2 cm. Christie's

Many of his works, the most important from the period around 1820, are now in the Kunstmuseum Basel.
He was married to Juliana Birmann-Vischer (1785-1859), who adopted Martin Grieder, who entered through his social and political commitment in the canton history of Basel-Landschaft.
Birmann died in 1847.

"Fuente del / Source of L'Arveron", aguatinta coloreada / colored aquatint.
Alpenverein-Museum (Innsbruck, Suiza / Switzerland). Wikimedia Commons


Hoy, 12 de Agosto, es el cumple de

Mario Prassinos, pintor modernista, grabador, ilustrador, escenógrafo y escritor francés nacido en 1916 en Constantinopla, Imperio otomano (ahora Turquía).
En 1922, a la edad de seis años, emigró a Francia con su familia, que había escapado de la brutal persecución de los griegos y otras minorías étnicas por parte del gobierno otomano. Se convirtió en ciudadano francés naturalizado en 1949.
Asistió a la Sorbona en París a partir de 1932 y se formó brevemente en el estudio del pintor francés Clement Serveau (1886-1972).
A través de los intereses literarios de su padre, Prassinos se familiarizó con el surrealismo, conociendo a Paul Eluard, André Breton, Salvador Dalí, Man Ray, Max Ernst, Marcel Duchamp y otros en 1934, y decidió convertirse en artista. De 1932 a 1936 trabajó en un estilo surrealista, introduciendo procedimientos de automatismo y ambigüedades formales que retuvo en su obra posterior.

"Le Chat / Gato, estado III / Cat, state III"
Aguatinta, grabado y punta seca / aquatint, engraving, and drypoint, 26,6 x 21,8 cm., 1949.
Museum of Modern Art (MoMA) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Su primera exposición tuvo lugar en 1938 en la Galerie Billiet-Pierre Vorms en París. Ese mismo año se casó con Yolande Borelly. Su hija Catherine Prassinos nació en 1946.
Prassinos se ofreció para el servicio militar en 1940, fue gravemente herido y más tarde recibió la Cruz de Guerra (Croix de Guerre). También trabajó con la resistencia francesa durante la Segunda Guerra Mundial, ayudando a los soldados aliados a escapar de la Francia ocupada por los nazis.
Durante el período de 1942 a 1950 conoció a Raymond Queneau y Albert Camus y produjo obras para Editions Gallimard.

Suite "L'Instant Fatal / El momento fatal / The Fatal Moment
"Sin título / Untitled", aguafuerte / etching, 23,5 x 29,5 cm., 1946. Goldmark

La obra de Prassinos se encuentra en los principales museos de arte de Europa y Estados Unidos, incluido el Stedelijk Museum de Ámsterdam, el Museo Nacional de Arte Moderno, París, Kunsthalle Bremen, Alemania, Victoria and Albert Museum, Londres, Museo de Arte Moderno y Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, Art Institute of Chicago, y otros.
Murió en 1985. Después de su muerte, se hizo una donación de 800 de las obras del artista al estado francés. La colección "Donation Mario Prassinos" se encuentra en la capilla de Notre-Dame de Pitié (también llamada Notre-Dame des Sept Douleurs) en Saint Remy de Provence, Francia.

Suite "L'Instant Fatal / El momento fatal / The Fatal Moment
"Sin título / Untitled", aguafuerte / etching, 23,5 x 30,5 cm., 1946. Goldmark

Today, August 12, is the birthday of

Mario Prassinos, French modernist painter, printmaker, illustrator, stage designer, and writer born in 1916 in Constantinople, Ottoman Empire (now Turkey).
In 1922, at the age of six, he immigrated to France with his family, who had escaped the brutal persecution of Greeks and other ethnic minorities by the Ottoman government. Prassinos became a naturalized French citizen in 1949.
He attended the Sorbonne in Paris beginning in 1932 and briefly trained in the studio of the French painter Clement Serveau (1886–1972).
Through his father's literary interests Prassinos became acquainted with Surrealism, meeting Paul Eluard, André Breton, Salvador Dalí, Man Ray. Max Ernst, Marcel Duchamp and others in 1934, and decided to become an artist. From 1932 to 1936 he worked in a Surrealist style, introducing procedures of automatism and formal ambiguities that he retained in his later work.

"Le tombeau / La tumba / The Tomb"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 x 97 cm., 1960. Christie's

His first exhibition took place in 1938 at the Galerie Billiet-Pierre Vorms in Paris. That same year he married Yolande Borelly. His daughter Catherine Prassinos was born in 1946.
Prassinos volunteered for military service in 1940, was seriously wounded and later received the Croix de Guerre (Cross of War). He also worked with the French Resistance during World War II, helping Allied soldiers escape Nazi-occupied France.
During the period 1942 to 1950 he met Raymond Queneau and Albert Camus and produced work for Editions Gallimard.
Prassinos' work is found in major art museums in Europe and North America, including the Stedelijk Museum, Amsterdam; Musée National d'Art Moderne, Paris; Kunsthalle Bremen, Germany; Victoria and Albert Museum, London; Museum of Modern Art, New York; Metropolitan Museum of Art, New York; Art Institute of Chicago, and others.
He died in 1985. After his death, a donation of 800 of the artist's works was made to the French state. The "Donation Mario Prassinos" collection is housed in the Chapel of Notre-Dame de Pitié (also called Notre-Dame des Sept Douleurs) in Saint Remy de Provence, France.

Suite "L'Instant Fatal / El momento fatal / The Fatal Moment
"Sin título / Untitled", aguafuerte / etching, 23,5 x 30,5 cm., 1946. Goldmark

Recolección / Compilation (CVII) - Animales / Animals (V)

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Merab Abramishvili
მერაბ აბრამიშვილი
(Tiflis / Tbilisi, Georgia, 1957 - 2006)

Pantera negra / Black Panther. Wikimedia Commons

"Devorador de hombres de Kumaon / Man-Eater of Kumaon", 2005. Pinterest

"Pavoreal / Peacock". Wikimedia Commons

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Carlo Russo
(Filadelfia, Pensilvania, EE.UU./ Philadelphia, PA, USA, 1976-)

"El mayor / The Major"
Óleo sobre lino / oil on linen,  19" x 20", 2014. Colección privada / Private Collection

"La mensajera / The Messenger", óleo sobre lino / oil on linen, 14" x 18".
Colección privada / Private Collection
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Teresa Berenice Vitelli (Suor Veronica)
(Florencia, Italia, activa entre / Florence, Italy, active 1706 - 1729)

"Loro, alionín, dos lagartijas y vasijas / Parrot, Blue Tit, Two Lizards, and Vases"
Aguada sobre pergamino / gouache on parchment, 15,5 x 19,5 cm., 1706
Palazzo Pitti (Florencia, Italia / Florence, Italy). Wikimedia Commons
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Chatchawan Rodklongtan
ชัชวาล รอดคลองตัน
(Bangkok, Tailandia / Thailand, 1974-)

"อาชาแห่งจันทรา / Asha de Chandra", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 80 x 100 cm., 2014. facebook

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Chalermchai Kositpipat
เฉลิมชัย โฆษิตพิพัฒน์
(Mueang Chiang Rai, Chiang Rai, Tailandia / Thailand, 1955-)

“กระต่ายทิพย์ / Conejo / Rabbit”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, Pantip.com

“ม้าทิพย์ / Caballo / Horse", óleo sobre lienzo / oil on canvasPantip.com

“เสือทิพย์ / Tigre / Tiger", óleo sobre lienzo / oil on canvasPantip.com

“จิตแห่งความมุ่งมั่น”/ Compromiso espiritual / Spiritual Commitment", 97 x 69 cm. Uamulet
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Bruno Ertz
(EE.UU./ USA, 1873 - 1956)

"Flamenco / Flamingo", aguada / gouache, 27,5" x 19,5", 1929. Invaluable

"Papagayo / Parrot", acuarela / watercolor, 49,53 x 39,37, c.1940. 1stdibs

"Cacatúa / White Parrot", aguada / gouache, 27,5" x 19,5", 1929. Invaluable
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Raden Saleh Sjarif Boestaman
(Semarang, Java, Indias Orientales Holandesas (hoy Indonesia) /
Dutch East Indies (present-day Indonesia), 1807 - Buitenzorg, 1880)

"León herido / Wounded Lion"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90 x 112 cm., 1838. Colección privada / Private collection. Christie's

"Estudio de un tigre caminando / Study of a Walking Tiger", acuarela / watercolor. Wikimedia Commons
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Lucy Elizabeth Kemp-Welch
(Bournemouth, Reino Unido / UK, 1869 - Watford, 1958)

"Cormorán limpiándose / Cormorant Preening", óleo sobre papel / oil on paper, 24 x 27 cm.
Bushey Museum and Art Gallery (Reino Unido / UK). ArtUK
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Brenda Moore
(EE.UU./ USA)
en / at Chicago

"El sueño de Endimión o Efecto de Luna / The Sleep of Endymion or Moon Effect, 1791"
Óleo sobre lino / oil on linen, 44" x 75", 2016. LWP

«La idea original de este cuadro surgió del deseo de hacer una gran pintura de una fotografía de un caballo durmiente llamado Blackie an Azteca (mezcla andalusí / cuarto de milla) entrenado por Mario Contreras en Medieval Times. Conocí a Blackie en 2007, pertenecía a mi instructor de equitación que lo compró en Medieval Times. Blackie tiene ahora 25 años y está en plena jubilación. Tuve el placer de montarlo, él es un maestro maravilloso. La imagen de él profundamente dormido en su establo era tan hermosa que quería usarla de alguna manera. Mientras buscaba una idea, recordé haber visto la obra de Anne-Louis Girodet "El sueño de Endimión" en 2006, en préstamo para la retrospectiva llamada "Girodet: Romántico rebelde / Romantic Rebel" en el Art Institute of Chicago. Decidí tomar prestada la composición de Girodet y presentar a Blackie en el papel de Endimión, el hermoso pastor que Zeus arroja al sueño eterno para la diosa de la luna Selene (representada como un rayo de luz de luna) que se enamoró del pastor visitándolo todas las noches. Hay muchas versiones del mito de Endimion, sin embargo, la historia siempre habla del mismo sueño eterno, hermoso y joven por siempre. Hay incluidas pistas de la pintura de Girodet, personajes y objetos que también tienen un significado especial para mí. El perro de mi pintura está tomado de una fotografía del artista y amigo contemporáneo rumano, Cătălin Petrişor, quien actualmente documenta la población de perros sin hogar en su país. También hay un bastón de pastor y una piel de leopardo pintada a partir de una auténtica piel de leopardo, un regalo de Roberta Shute, una artista para la que solía trabajar. La piel le fue entregada en la década de 1940 por un amigo que lo había cazado. Representar a Blackie como Endymion es un acto de retrato conmemorativo y preservación. Un esfuerzo por frenar su proceso de envejecimiento para que exista en la eternidad.»

"Endimión / Endymion"
Litografía impresa en / lithograph printed on Somerset, 41,9 x 48,9 cm., 2015. Artsy

«The original idea for this painting came from a desire to make a large painting from a photograph of a sleeping horse named Blackie an Azteca (Andalusian/Quarterhorse mix) trained by Mario Contreras at Medieval Times. I met Blackie in 2007 he belonged to my horse riding instructor who purchased him from Medieval Times. Blackie is now 25 years old and in full retirement. I had the pleasure of riding him, he is a wonderful teacher. The image of him fast asleep in his stall was so beautiful I wanted to use it in some way. While trying to come up with an idea I remembered viewing Anne-Louis Girodet’s painting The Sleep of Endymion back in 2006 loaned for the retrospective called Girodet: Romantic Rebel at the Art Institute of Chicago. I decided to borrow Girodet’s composition and cast Blackie in the role as Endymion the most beautiful shepherd who is cast into eternal sleep by Zeus for the moon goddess Selene (featured by a moon beam) who fell in love with the shepherd visiting him nightly. There are many versions of the myth of Endymion however the story stays the same eternal sleep, forever beautiful and young. Included are clues from Girodet’s painting, characters and objects that have special meaning for me as well. The dog in my painting is taken from a photograph by Romanian contemporary artist and friend, Cătălin Petrișor who is currently documenting the homeless dog population in his country. There is also a shepherd staff and leopard skin painted from a real leopard hide, a gift from Roberta Shute an artist I used to work for. The skin was given to her in the 1940s by a friend who had hunted it. To cast Blackie as Endymion is an act of commemorative portraiture and preservation. An effort to slow down his aging process for him to exist in eternity.»
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Friedrich Gauermann
(Miesenbach, Austria, 1807 - Viena / Vienna, 1862)

"Hirsch am Gosausee im Hintergrund der Dachstein /
Ciervo en el Gosausee con Dachstein al fondo /
Stag by the Gosausee with Dachstein in the Background"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 33 x 29 cm. Dorotheum

"Rehbock mit Geiss und Kitz / Corzo con cabra y fauno / Roebuck with Goat and Fawn"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 55 x 44 cm. Link

"Hirsch und Tier an der Tränke / Ciervo y animales en el abrevadero / Deer and Animales at the Trough"
Óleo sobre panel / oil on panel, 35,7 x 29 cm., c.1862. Wikimedia Commons
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Anton Schmitz
(Düsseldorf, Alemania / Germany, 1855 - Morken, 1935)

"Ciervo rojo / Red Deer", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 52 x 47 cm. Dorotheum
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Brian Keith Stephens
(EE.UU./ USA, 1973-)

"Una pequeña chispa / A Tiny Spark", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 38" x 77", 2015

"Beso tus labios / I Kiss Your Lips", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 114,3 × 218,4 cm., 2016

"Mi amuleto / My Lucky Charm", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60" x 100"
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Holly Sears
(Virginia, EE.UU./ USA)

Norte Nº5, "Garzas" / North #5, "Herons", óleo sobre papel, laminado sobre panel /
oil on paper, laminated on board, 15" x 29 1/8", 2011 © 2000-2018 Holly Sears

El proyecto, titulado "Exploradores del río Hudson", está inspirado en la gran majestad y elocuencia de ese río, e inspirado en su rica historia de descubrimientos viajes y exploraciones. 

The project, entitled – "Hudson River Explorers" is inspired by this great river‘s majesty and eloquence, and informed by its rich history of discovery, exploration, and travel.

"Agua grande / Big Water", óleo sobre lino / oil on linen, 45" x 76"© 2000-2018 Holly Sears

"Elefantes / Elephants"
Óleo sobre papel, laminado sobre panel / oil on paper, laminated on board, 15" x 29 1/2", 2011
Colección de la artista / Collection of the artist © 2000-2018 Holly Sears
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Greg Beecham
(Goshen, Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1954-)

"Sin título - Ciervo mulo / Untitled - Mule Deer"
Óleo sobre panel / oil on panel, 9 1/2" x 12". Artsy

"Salpicaduras de pintura - Sementales salvajes del Onaqi / Paint Splashes - Wild Stallions of the Onaqui"
Óleo sobre lino / oil on linen, 36" x 50"

"Se acerca la tormenta - Puma / Storm Comin' - Mountain Lion"
Óleo sobre lienzo panel / oil on linen board, 9" x 12"
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Ewoud de Groot
(Holanda / Netherlands, 1969-)

"Avocetas descansando / Resting Avocets", óleo sobre lino / oil on linen, 81,3 x 81,3 cm. Artsy

"Lobo y cuervo / Wolf and Raven", óleo sobre lino / oil on linen, 139,7 × 139,7 cm. Artsy
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Hinke Posthuma
(Lemmer, Holanda / Netherlands, 1971-)

"Geitenkop / Cabeza de cabra / Goat Head", óleo sobre panel / oil on panel, 20 x 50 cm.

"Lam / Corderlo / Lamb", 15 x 41 cm.

"Schaap en wol / Oveja y lana / Sheep and wool", 66 x 118 cm.
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Juan Kelly
(Limón, Costa Rica, 1958-)
en EE.UU./ at USA

"Un bote para abordar / A Boat To Take", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 68" x 86". Nüart Gallery

"La piedra filosofal / The Philosopher's Stone", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 81" x 127", 2010

"Sirope / Syrup", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 30". Nüart Gallery
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Marzio Tamer
(Schio, Veneto, Italia / Italy, 1964-)

"Lupo italiano / Lobo italiano / Italian Wolf"
Temple al huevo sobre panel / egg tempera on board, 15" x 24,4", 2008. The Art Stack

"E.", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 94,5" x 70,8", 2011

"Buscando la noche / Searching Night", témpera sobre panel / tempera on board, 65,5 x 38 cm. Pinterest
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John Randall Bratby
(Wimbledon, Londres, Inglaterra / London, England, 1928 - Hastings, 1992)

"León / Lion", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 121,9 x 91,4 cm., 1962. Artnet

"El tigre rugiendo / The Roaring Tiger", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91,4 x 71,1 cm.
pintado para la película de Sir Alec Guinnes "Un genio anda suelto" /
painted for Sir Alec Guinness's film The Horses Mouth (1958)Christie's

"Tigre de taxidermia (boca grande) / Taxidermy Tiger (Big Mouth)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 111,8 x 86,4 cm, 1961. Sotheby's
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John Leith Craxton
(St John's Wood, Londres, Reino Unido / London, UK, 1922 - 2009)

"Cabra, roca y árboles, hydra / Goat, Rock and Trees, Hydra", óleo sobre panel / oil on panel. Glebe House & Gallery

"Camello en campo de lava / Camel in Lava Field (Lanzarote)"
Acrílico, témpera y polvo de lava sobre panel /
acrylic, tempera and lava dust on board, 26,6 x 51,4 cm., 1973. Christie's

"Cabra gris / Grey Goat", 29,9 x 40 cm., fines de / late 1940s. Christie's
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Suzanne Scherer
(Buffalo, Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1964-)
Pavel Ouporov
(Ekaterinburg, Rusia / Russia, 1966-)

"Ciervo blanco / White Hart"
Temple al huevo, gemas y cristales Swarovski sobre panel de álamo /
egg tempera, gems, swarovski crystals on poplar panel, 43,2 × 33 cm. Artsy

Rinocerontes / Rhinos (XCII)

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Bruno Pontiroli
(Francia / France)

Bruno Pontiroli es un artista francés cuya obra tuvimos oportunidad de disfrutar hace un tiempo en el blog, que pinta un mundo vuelto del revés, en el que las leyes de la física se distorsionan y nada es como debería ser. Obviamente sus rinocerontes sufren las mismas consecuencias...

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24 x 30 cm. facebook

Bruno Pontiroli is a French artist whose work we enjoyed some time ago in this blog, that paints a world turned upside down, in which the laws of physics are distorted and nothing is as it should be. Obviously his rhinos suffer the same consequences...

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30 x 24 cm. facebook

Bruno Pontiroli en "El Hurgador" / in this blog[Bruno Pontiroli (Pintura)]

Más sobre / More about Bruno Pontiroli: Website, facebook
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Norbertine Bresslern-Roth
(Graz, Austria, 1891 - 1978)

Norbertine von Bresslern-Roth fue una pintora y artista gráfica austríaca. Recomiendo fervientemente una visita a los posts previos (enlaces más abajo) para disfrutar de su excelente obra animalista, en particular grabados y pinturas utilizando para sus óleos un soporte poco frecuente: el yute.

"La maravillosamente extraña (y única dentro de la obra de Norbertine Bresslern-Roth), representación de un poderoso rinoceronte muestra la inclinación de la pintora por los elementos de imagen de aspecto surrealista. Su descripción enfáticamente realista del tema tiende a contradecir a Bresslern-Roth con detalles que se refieren al mundo de lo fantástico.
Perezosamente, el rinoceronte se ha tomado un descanso. Casi llenando todo el espacio pictórico, su cuerpo se ve muy pesado en el suelo de aspecto suave, y muy cerca del observador. La piel gruesa y arrugada del animal tiene una sorprendente presencia háptica. Su gran cuerno puntiagudo, que se eleva abruptamente hacia arriba, parece lo suficientemente cerca como para tocarlo. La forma bellamente curva del cuerno se corresponde con el cuello de un pájaro sentado con otros dos en una rama al lado, en la esquina superior derecha de la imagen. Al igual que las dos pequeñas graciosas ranas en el primer plano de la imagen, estas aves parecen proteger la paz del gran animal. Sin embargo, el sueño del poderoso rinoceronte no parece demasiado profundo de todos modos: el oído derecho permanece atento.
La pintura es absurda e ingeniosa, probablemente una de las creaciones más notables de Norbertine Bresslern-Roth. Su estilo pictórico sigue siendo distintivo y se caracteriza por una textura superficial aterciopelada. Los colores y las formas permiten que la pintora los fusione sin problemas entre sí; las imágenes representadas se ven como a través de un velo aterciopelado. La artista prefiere usar el yute, cuya superficie granulada reduce la nitidez del contorno del dibujo y otorga a la pintura un carácter suave." (CMG)

"Rhinozeros / Rinoceronte / Rhino", óleo sobre yute / oil on jute, 80 × 100 cm., c.1970. im Kinsky

Norbertine von Bresslern-Roth was an Austrian painter and graphic artist born in 1891 in Graz. I strongly recommend a visit to the previous posts (links below) to enjoy her excellent animalist work, in particular engravings, and paintings using for her oils a not very frequent support: jute.

"The wonderful bizarre - and within Norbertine Bresslern-Roth's oeuvre unique - representation of a mighty "Rhinoceros" shows the painter's penchant for surreal looking picture elements. Her emphatically realistic description of the subject tends to contradict Bresslern-Roth with details that refer to the world of the fantastic.
Lazily, the Rhinoceros has taken a rest. Almost filling the entire pictorial space, his body feels very heavy on the soft-looking floor and in close proximity to the viewer. The thick, wrinkled skin of the animal has a striking haptic presence. The large pointed horn of the animal, which rises steeply upwards, seems close enough to touch. The beautifully curved shape of the horn corresponds to the neck of a bird sitting with two others on a branch next to it, in the upper right corner of the picture. Just like the two humorous little frogs in the foreground of the picture, these birds seem to guard the peace of the big animal. However, the sleep of the mighty Rhinoceros does not seem too deep anyway: the right ear remains attentively pointed.
The painting is in its absurdity and imaginative ingenuity probably one of the most notable creations by Norbertine Bresslern-Roth. Her painting style remains distinctive and is characterized by a velvety surface texture. Colors and forms allow the painter to merge seamlessly into each other, the depicted looks as if seen through a velvety veil. Bresslern-Roth prefers to use jute, the granular surface of which reduces the sharpness of the contour drawing and gives the painting a soft character." (CMG)

Norbertine Bresslern-Roth en "El Hurgador" / in this blog:

Más sobre / More about Norbertine Bresslern-Roth:
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Kisung Koh
(Corea del Sur / South Korea, 1985-)

Kisung Koh es un artista coreano que en 2006 emigró con su familia a Toronto, Canadá. En el post sobre su obra publicado en abril puede verse un repaso a su singular obra animalista. Aquí su rinoceronte, con un cuerno que recuerda las estructuras explotadas de Dalí, contemplado por risueñas figuras fantasmagóricas que se revelan tras las colinas, y parecen dedos de una mano gigantesca.

2012

Kisung Koh is a Korean artist who emigrated with his family in 2006 to Toronto, Canada. In the post about his work published in April, you can see a review of his unique animal work. Here his rhino, with a horn that recalls the exploited structures of Dalí, contemplated by smiling phantasmagorical figures that reveal themselves behind the hills, and look like the fingers of a gigantic hand.

Kisung Koh en "El Hurgador" / in this blog[Kisung Koh (Pintura)]

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Bill Mayer
(Birmingham, Alabama, EE.UU./ USA, 1951-)

Bill Mayer es un ilustrador y pintor estadounidense, cuya obra también repasamos hace unos meses. Aquí un rinoceronte guerrero, ataviado con una conveniente armadura, con la que quizá Bill nos envía el mensaje de que necesitamos protegerlo de una extinción inminente.

"El guerrero Nº2 / The Warrior #2", aguada sobre papel / gouache on paper

Bill Mayer en "El Hurgador" / in this blog[Bill Mayer (Pintura)], [Asonancias (XIV)]

Más sobre / More about Bill Mayer: WebsitefacebookBehance
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Tyson Grumm
(Newcastle, Wyoming, EE.UU./ USA, 1972-)

Nunca pasa mucho tiempo sin que el estadounidense Tyson Grumm nos regale algún rinoceronte, siempre en situaciones curiosas y exóticas, como este que, no sabemos bien cómo, abandona tranquilamente un cohete muy poco mayor que él mismo.

"Pequeño cohete rinoceronte / Little Rocket Rhino". facebook

It never takes long for the American Tyson Grumm to give us a rhino, always in strange and exotic situations, like this one, we do not know how, quietly leaves a rocket very little bigger than himself.

"Número uno / Number One", 15" x 20". facebook

Tyson Grumm en "El Hurgador" / in this blog:

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Su Yeong Kim
(Corea del Sur / South Korea)

No hay mucha información de este artista 3D, conceptual y escultor, que también dedica algún tiempo al dibujo, como en el ejemplo que les dejo.

"Rinotauro / Rhinotaur", boceto / sketch, 2013. ArtStation

There's not much information about this 3D, concept artist and sculptor, who also dedicates some time to drawing, as in this example.

Más sobre / More about Su Yeong Kim: deviantART, facebook, Instagram
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Marzio Tamer
(Schio, Veneto, Italia / Italy, 1964-)

"Rinoceronte blanco / White Rhino", acuarela y pincel seco / watercolour and dry brush, 2014

"Rinoceronte blanco / White Rhino" (detalle / detail)

Marzio Tamer nació en 1964 en Schio, una ciudad en la región de Veneto, en el norte de Italia. Estudió en Milán, donde vive y trabaja. Pintor autodidacta y profundo conocedor de la naturaleza y de sus ritmos, deja de lado la pintura acrílica y comienza a experimentar con el temple al huevo. En unos pocos años, esta técnica se convierte en la más importante para el artista. La atención meticulosa que subyace en las pinturas en temple de huevo absorbe a Tamer en tiempos de entrega muy largos. En 2002 comienza a profundizar en la acuarela utilizando el pincel seco, técnica que en pocos años domina como pocos artistas, pudiendo beneficiarse de la frescura típica de este lenguaje, sin descuidar su perfeccionismo habitual y sin traicionar su punto de vista impecable, reconocible a pesar de la variedad de temas representados.
A pesar del virtuosismo técnico, su pintura está impregnada de profunda poesía, unicidad y modernidad. Su principal fuente de inspiración es la naturaleza: paisajes y retratos de animales. A pesar de que inventa y hace sus paisajes en un estudio, la verosimilitud es sorprendente. En cambio, el retrato de los animales es un proceso diferente. Primero observa en profundidad la naturaleza, y luego, una vez captada la fisonomía exacta de los animales, los sitúa en un ambiente sin elementos, vacío, que el artista llama "fondos suspendidos". Sin embargo, aunque son irreales, dan una sensación de espacio, y es este entorno el que hace que su producción no tenga precedentes.
La aparente simplicidad que caracteriza a todas sus pinturas deriva de una profunda atención a la composición que le permite interpretar las atmósferas más complejas, que representa con una pulcritud ejemplar.
Otro punto fuerte de las pinturas de Tamer es la elección de la paleta tan refinada, a menudo limitada a pocos colores por pintura, o eso parece, de rara elegancia formal. Salamon Fine Art

"Sobre el rinoceronte / About Rhino", acuarela / watercolor, 180 x 130 cm., 2014

"Rinoceronte / Rhino", acuarela / watercolour, 58,74" x 43,39"

Marzio Tamer was born in 1964 in Schio, a city in the Veneto region of northern Italy. He studied in Milan, where he lives and works. Self-taught painter and profound expert on nature and its rhythms, he leaves aside acrylic paint and begins to experiment with egg tempera. In a few years, this technique becomes the most important for the artist. The meticulous attention that underlies the paintings in egg tempera absorbs Tamer in very long delivery times. In 2002 Tamer begins to deepen in the watercolor using the technique of the dry brush. A few years later he dominates this new technique like few artists, being able to benefit from the typical freshness of this language, without neglecting his habitual perfectionism and without betraying his impeccable point of view, recognizable in spite of the variety of subjects represented.
Despite the technical virtuosity, his painting is imbued with deep poetry, uniqueness and modernity. His main source of inspiration is nature: landscapes and portraits of animals. Although he invents and makes his landscapes in a studio, the verisimilitude is surprising. In contrast, the portrait of animals is a different process. First he observes in depth the nature, and then, once captured the exact physiognomy of the animals, Tamer places them in an environment without elements, empty, which the artist calls "suspended backgrounds". However, although they are unreal, they offer a sense of space. And it is this environment that makes his production unprecedented.
The apparent simplicity that characterizes all his paintings derives from a deep attention to composition that allows him to interpret the most complex atmospheres, which he represents with exemplary neatness.
Another strong point of Tamer's paintings is the choice of the palette so refined, often limited to a few colors by painting, or so it seems, of rare formal elegance. Salamon Fine Art

"Rinoceronte / Rhino"

"Microceronte", tempera on panel / tempera on board, 8,5" x 12"

Marzio Tamer en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (CVII)]

Más sobre / More about Marzio TamerfacebookSalamon Fine Art
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Roberto Rizzo
(Nápoles, Italia / Naples, Italy, 1972-)

Roberto Rizzo nació en Nápoles, Italia. Ahora vive y trabaja en el sur de España. Después de realizar estudios clásicos asistió en el IED (Instituto Europeo de Diseño) en Milán y trabajó como ilustrador para varias editoriales. Desde 1996 parte de su actividad artística está dedicada al arte de la pintura rupestre, y en 2004 publicó con Mondadori el manual 'Sassi Dipinti', que obtuvo un notable éxito editorial en Italia.
Su talento creativo, combinado con un gran profesionalismo, lo han convertido en uno de los artistas más respetados en la escena del arte contemporáneo. Con una carrera de más de veinte años, Roberto ha pasado por las ilustraciones naturalistas hasta el arte de vida salvaje, desde piedras pintadas hasta trampantojos, siempre garantizando la calidad absoluta en cada una de sus obras de arte. Sus pinturas son reconocidas y apreciadas en todo el mundo y siempre son muy demandadas.

"El último rinoceronte / Last Rhino", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 23" x 48"

Roberto Rizzo was born in Naples, in Italy. Now he lives and works in Southern Spain. After classical studies he attended IED (European Institute of Design) in Milan and worked as an illustrator for various publishing houses. Since 1996, part of his artistic activity is dedicated to rock painting art and in 2004, he has published with Mondadori the manual ‘Sassi Dipinti‘ which received a remarkable editorial success in Italy.
His creative talent, combined with great professionalism, have made him one of the most respected artists in the contemporary art scene. Within a more than twenty-year career Roberto has ranged from naturalist illustrations to wildlife art, from painted stones to trompe l’oeil, always guaranteeing absolute quality on each of his artworks. His paintings are recognized and appreciated worldwide and are always more demanded.

Roberto Rizzo en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (CIV)]

Mas sobre / More about Roberto Rizzo: Website
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Kerby Rosanes
(Filipinas / Philippines)
en / at Manila

Bestias geométricas, Rinoceronte / Geometric Beasts, Rhino, 2016

Kerby Rosanes es un dibujante e ilustrador que vive y trabaja en Manila. Trabaja principalmente con tinta y marcadores para ilustrar su mundo de "garabatos". Considera su arte como un pasatiempo personal que se convirtió en trabajo independiente a tiempo parcial después de ser reconocido por varios blogs de diseño, revistas internacionales y comunidades de arte online.
En 2014 dejó su trabajo como diseñador gráfico de una compañía local para finalmente dedicarse a su pasión: crear más arte para proyectos personales y clientes mientras colaboraba con otros artistas, marcas globales y agencias de diseño de todo el mundo.
A los 25 ya ha publicado cinco libros, incluido el best-seller de The New York Times "Animorphia" en 2015, que ahora está disponible en ediciones en 30 idiomas, en más de 40 países. El éxito de sus libros allanó el camino para que viajara por el mundo mientras hacía arte y asistía a eventos, incluyendo apariciones en TV en vivo en BBC World News y ABC's Good Morning America en 2016.

Sobre "Bestias geométricas"
«Una serie de dibujos a tinta que representan mi propia interpretación de la lucha de uno por separarse de las normas sociales y simplemente ser quienes realmente somos como individuos únicos.
Representada por animales que escapan de sus formas geométricas, la serie nos alienta a liberar a la "bestia" dentro de nosotros mismos: tomadores de riesgos, salvajes, libres y aventureros.»

Para / for Sudan, 2018

Kerby Rosanes is a draftsman and illustrator who lives and works in Manila. He works mainly with ink, fineliners and markers to illustrate his “doodle” world. He considers his art as a personal hobby which became his part-time freelance work after being recognized by various design blogs, international magazines and online art communities.
In 2014, Kerby left his job as a graphic designer from a local company to finally pursue his passion: creating more art for personal projects and for clients while collaborating with other artists, global brands and design agencies around the world.
At 25, Kerby has already published five books including The New York Times best-seller, Animorphia in 2015, which is now available in 30 language editions in over 40 countries. The success of his books paved the way for him to travel the world while making art and attending events including live TV appearances on BBC World News and ABC’s Good Morning America in 2016.

About "Geometric Beasts"
«A series of ink drawings depicting my own interpretation of one’s struggle on breaking away from societal norms and just be who we truly are as unique individuals.
Represented by animals escaping out of their geometric forms, the series encourages us to unleash the “beast” within ourselves - risk taker, wild, free and adventurous.»

Más sobre / More about Kerby Rosanes: Website, facebook, Behance, Instagram
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Alexis Keunen
(Lieja, Bélgica / Liège, Belgium, 1921 - Rouen, Francia / France, 1989)

"Canto del rino alla luna / Canto del rinoceronte a la luna /
Song of the Rhino to the Moon". Pinterest

Alexis Keunen es un pintor surrealista belga. A falta de más información sobre el artista, una muestra de sus obras con rinoceronte.

"Libertad del rinoceronte / Rino Liberty". Pinterest

Alexis Keunen is a Belgian surrealist painter. In the absence of more information about the artist, a sample of his works with rhinoceros.

"Rino-chiocciola / Rino-caracol / Rhino-Snail". Pinterest
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Ashot Grigoryan
(Ashot Yan) Աշոտ Յան
(Erevan / Yerevan, Armenia, 1983-)


Ashot Yan (Grigoryan) es un pintor armenio nacido en Ereván en 1983. Se graduó en la escuela de arte de H. Kojoyan (2000), y en el departamento de pintura de la Academia Estatal de Bellas Artes de Ereván (2006). 
Sus composiciones figurativas están creadas a partir de historias de amor y paisajes. Aprender y experimentar son estrategias importantes para él. Después de pasar un tiempo en pequeños pueblos en Armenia, se ha sentido motivado por el espíritu de la naturaleza y por la idea de encontrar soluciones creativas a los problemas ambientales. Sus obras se han presentado en exposiciones colectivas en Armenia, Estonia, Francia, Alemania, Canadá y Estados Unidos. Ashot es miembro de la Unión de Artistas de Armenia.


 "Paseando a la Reina Naama / Traveling the Queen Naama"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 41,3" x 53,1" x 1,2". Saatchi

Ashot Yan (Grigoryan) is an Armenian painter born in Yerevan in 1983. He graduated from art school after H. Kojoyan (2000), and also from Yerevan State Fine Arts Academy, department of painting (2006)
His figurative compositions are created by love stories and landscapes. Learning and experimenting are important strategies for him. After spending time in small villages in Armenia, he has been motivated by a spirit of nature and by the idea to find creative solutions to environmental issues. His works were featured at group exhibitions in Armenia, Estonia, France, Germany, Canada and USA. Ashot is a member of the Artist's Union of Armenia. 



Más sobre / More about Ashot Yan: Instagram, Flickr, facebook, Air
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Brian Keith Stephens
(EE.UU./ USA, 1973-)

"No por tu cuenta / Not On Your Own", 152,4 × 254 cm.

Brian Keith Stephens es un artista estadounidense nacido en 1973. Licenciatura en Bellas Artes de Lyme Academy Facultad de Bellas Artes, Lyme, Connecticut (1998), Máster en Bellas Artes del City College de Nueva York, Nueva York (2004)

«Cómo capturar el pasado, el presente y el futuro al mismo tiempo; esto está en el centro de mi trabajo como artista y como padre, hijo, amigo y amante. A medida que navegamos en nuestra vida diaria, debemos enfrentar pensamientos, ansiedades, alegrías y emociones, y a menudo al mismo tiempo. Emociones aparentemente opuestas: lujuria, odio, deseo, amor, orgullo, inhibición, existen simultáneamente entre estos momentos en el tiempo. Para algunos de nosotros, algunas emociones superan a otras, atrapando nuestra atención y transfigurando nuestras mentes, a veces asumiendo el control de la forma en que vivimos y respiramos. Para mí, las emociones que ocupan mi mente y capturan mi energía son las del amor, el deseo y el miedo al dolor o la desilusión. Y así, en el centro de mi trabajo están estas emociones enérgicas: guían mi mano para pintar y mi corazón y mi mente para vivir. Mi obra explora las emociones que nos guían, que nos atraen y empujan y, en última instancia, definen quiénes somos, en relación con los demás y con nosotros mismos.»

Serie Corre conmigo, nena / Run With Me Baby Series
"Hermano, adónde piensas ir / Brother, Where Do You Plan To Go", 40" x 68"

Brian Keith Stephens is an American artist born in 1973. BFA Lyme Academy College of Fine Art, Lyme, Connecticut (1998), MFA City College of New York, New York (2004)

«How to capture the past, present and future at the same time; this is at the center of my work as an artist and as a father, son, friend and lover. As we navigating our daily lives, we must face thoughts, anxieties, joys and emotions from all three of these tenses, and often at the same time. Seemingly opposite emotions -- lust, hatred, desire, love, pride, inhibition -- exists simultaneously between these moments in time. For some of us, some emotions outweigh others, grabbing our attention and transfixing our minds, sometimes taking over the way we live and breathe. For myself, the emotions that occupy my mind and capture my energy are that of love, desire, and the fear of hurt or disappointment. And so, at the center of my work are these forceful emotions--they guide my hand to paint and my heart and mind to live. My work explores the emotions that guide us, that pull us and push is and ultimately define who we are, in relation to others and to ourselves.»

Serie Corre conmigo, nena / Run With Me Baby Series
"Quiero que seas mi orgullo / I Want You To Be My Pride", 40" x 50"

Brian Keith Stephens en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (CVII)]

Más sobre / More about Brian Keith Stephens: Website, facebook, M Fine Art Gallery
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Marc Davet
(Fécamp, Normandía, Francia / Normandy, France, 1951-)

"Macchinarhino / Rinomáquina / Rhinomachine", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 61 x 50 cm.

Marc Davet nació en Fécamp, Normandía (Francia) en 1951. Desde 1965 estudió en los cursos en la "Academie Charpentier" en París, luego en el "Atelier du Mai" en Malakoff (suburbio de París) para prepararse para los exámenes de ingreso a la escuela de arte. En 1969 ingresó en la "Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs" en París.
Entre 1974 y 1985 trabajó como freelance:
- Diseño conceptual y planos de fabricación para DMC, Mulhouse (Francia)
- Diseño creativo y dibujos de bufandas y patrones textiles para Guy Laroche, Daniel Hechter, Dior y Ungaro.

Las torres / The Towers - "Voyage en solitaire / Viaje en solitario / Solitary Travel"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 146 x 114 cm.

"Les ombrelles / Las sombrillas / The Umbrellas", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 46 x 33 cm.

Marc Davet was born in Fécamp, Normandie (France) in 1951. From 1965, he followed the courses at the "Academie Charpentier" in Paris, then at the "Atelier du Mai" in Malakoff (suburb of Paris) to prepare for art school entrance exams. In 1969, he entered the "Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs" in Paris.
1974 to 1985 worked as a freelance:
- Conceptional design and manufactoring drawings for DMC, Mulhouse (France)
- Creative design and drawings of scarves and textile pattern for Guy Laroche, Daniel Hechter, Dior and Ungaro.

"Eléphantaisie / Elefantasía / Elephantasy", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 116 x 89 cm.

"Sin título / Untitled", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 46 x 33 cm.

Más sobre / More about Marc Davet: Website, facebook

Recolección / Compilation (CVIII) - Orientalismo / Orientalism (IV)

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Hermann David Salomon Corrodi
(Frascati, Italia / Italy, 1844 - Roma / Rome, 1805)

"En los bancos del Nilo / At the Nile Bank"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 84 x 164,5 cm., c.1905. Wikimedia Commons

Hermann David Salomon Corrodi fue un pintor italiano de paisajes y escenas orientalistas nacido en 1844 en Frascati (una fuente alternativa cita su lugar de nacimiento como Zurich), y fallecido en 1905.
Más imágenes e información en el post previo.

"Caravan in una tempesta di sabbia / Caravana en una tormenta de arena / Caravan in a Sandstorm"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65,5 x 127 cm. Hampel

"La fontana delle acque dolci dell'Asia, sul Bosforo / La fuente de agua dulce de Asia, sobre el Bósforo /
The Fountain of the Fresh Water of Asia, on the Bosphorus"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 86,5 x 165 cm. Sotheby's

Hermann David Salomon Corrodi was an Italian painter of landscapes and orientalist scenes born 1844 in Frascati (an alternate source lists his birthplace as Zurich). He died in 1905.
More images and information in previous post.

"El quiosco de Trajano, Filae en el Nilo / The kiosk of Trajan, Philae on the Nile"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 102 x 64,5 cm. Bonhams

Hermann Corrodi en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (CCXXXIX)]
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Jean-Joseph Constant (Benjamin-Constant)
(París, Francia / France, 1845 - 1902)

"La favorita del emir / The Favorite of the Emir", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 142,2 x 221 cm., 1879
National Gallery of Art (Washington, EE.UU./ USA)

Jean-Joseph Benjamin-Constant (también conocido como Benjamin Constant) fue un pintor y grabador francés nacido en 1845 en París, conocido por sus temas y retratos orientalistas.
Estudió en la Ecole des Beaux-Arts en Toulouse, donde fue alumno de Alexandre Cabanel. Un viaje a Marruecos en 1872 influyó fuertemente en su temprano desarrollo artístico y lo llevó a producir escenas románticas bajo el hechizo del orientalismo. Entre sus obras más destacadas en este sentido están"Los últimos rebeldes", "Justicia en el harén" (ambas en la Galería de Luxemburgo), "Les Chérifas" y "Prisioneros marroquíes" (Burdeos). Su gran lienzo, "La entrada de Mahoma II en Constantinopla" (Museo de los Agustinos de Toulouse), recibió una medalla en 1876.
Después de 1880, cambió su estilo, dedicándose a decoraciones murales y retratos. Ejemplos destacados incluyen el gran plafond en el Hôtel de Ville, París, titulado "Paris Convocando al mundo", sus pinturas en la Nueva Sorbona, que representan la literatura, las ciencias y la Academia de París, y el plafond del teatro Opéra Comique. Destacó como pintor de retratos, especialmente en Inglaterra, donde era un favorito de la aristocracia. Su retrato "Mi hijo André" (Luxemburgo) fue galardonado con una medalla de honor en el Salón en 1896.
Pintó al Papa León XIII, a la Reina Alexandra del Reino Unido (1901), a Lord John Lumley-Savile y a Henri Blowitz (1902). Fue nombrado miembro del Instituto en 1893 y comandante de la Legión de Honor. Visitó los Estados Unidos varias veces y pintó varios retratos. El Museo Metropolitano de Arte de Nueva York posee una gran decoración mural de Benjamin-Constant titulada "Justiniano en Consejo".
También enseñó, y entre sus alumnos estuvo la miniaturista Alice Beckington. Fue un escritor de renombre, contribuyendo con una serie de estudios sobre pintores franceses contemporáneos. Junto con otros artistas, Nasreddine Dinet, Paul Leroy, Jean-Léon Gérôme y el curador / historiador de arte, Léonce Bénédite, fue uno de los fundadores de la Société des Peintres Orientalistes Français.
Murió en 1902.

"La odalisca / The Odalisque", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 109 x 211 cm., 1882. Wikimedia Commons

"Odalisca reclinada / Reclining Odalisque"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 115 x 149 cm., c.1870
Colección / Collection Ger Eenens (Holanda / Netherlands). Wikimedia Commons

Jean-Joseph Benjamin-Constant (also known as Benjamin Constant) was a French painter and etcher born in 1845 in Paris, best known for his Orientalist subjects and portraits.
He studied at the Ecole des Beaux-Arts in Toulouse, where he was a pupil of Alexandre Cabanel. A journey to Morocco in 1872 strongly influenced his early artistic development and lead him to produce Romantic scenes under the spell of Orientalism. Among his noted works in this vein are Last Rebels, Justice in the Harem (both in the Luxembourg Gallery), Les Chérifas, and Moroccan Prisoners (Bordeaux). His large canvas, The Entrance of Mahomet II into Constantinople (Musée des Augustins Toulouse), received a medal in 1876.
After 1880, he changed his manner, devoting himself to mural decorations and to portraits. Prominent examples include the great plafond in the Hôtel de Ville, Paris, entitled Paris Convening the World; his paintings in the New Sorbonne, representing Literature, The Sciences, and the Academy of Paris; and the plafond of the Opéra Comique theatre. He was distinguished as a portrait painter, especially in England, where he was a favorite of the aristocracy. His portrait Mon fils André (Luxembourg) was awarded a medal of honor at the Salon in 1896.
Benjamin-Constant painted Pope Leo XIII, Queen Alexandra of the United Kingdom (1901), Lord John Lumley-Savile, and Henri Blowitz (1902). He was made a member of the Institute in 1893, and was a commander of the Legion of Honor. He visited the United States several times, and painted a number of portraits. The Metropolitan Museum of Art in New York owns a large mural decoration by Benjamin-Constant entitled Justinian in Council.
Benjamin-Constant also taught; among his pupils was the miniaturist Alice Beckington. He was a writer of repute, contributing a number of studies on contemporary French painters. Along with fellow artists, Nasreddine Dinet, Paul Leroy, Jean-Léon Gérôme and curator/ art historian, Léonce Bénédite, he was one of the founders of the Société des Peintres Orientalistes Français.
He died in 1902.

"Horas del crepúsculo / Twilight Hours", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 102,2 x 151,1 cm. Sotheby's

Jean-Joseph Benjamin-Constant en "El Hurgador" / in this blog[Manos a la obra (XXV)]
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Gyula Tornai
(Görgö, Hungría / Hungary, 1861 - Budapest, 1928)

"Fumador con narguile y marabú / Smoker With Hookah and Marabou"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 58,4 x 69,9 cm. Sotheby's

Gyula Tornai fue un pintor húngaro nacido en 1861 en Görgö.
Recibió su educación artística en academias en Viena, Munich y en los estudios de Benczúr en Budapest, donde estudió con Hans Makart y Gyula Benczúr. Sus primeras pinturas fueron imágenes de temas cotidianos populares. Su estilo fue fuertemente influenciado por Makart.
Después de sus viajes a España, Argelia y Marruecos, recurrió a temas más exóticos y pintó obras que representan la vida en la calle, mercaderes, músicos y harenes. Pasó 10 años en Marruecos y vivió en Tánger durante un año entre 1890 y 1891. En 1900 exhibió fotos en la Exposición Universal de París con gran aclamación, ganando la medalla de bronce. En 1904 vendió muchas de sus obras para recaudar dinero para seguir viajando.
En el verano de 1905 viajó al Lejano Oriente donde continuó su interés en temas orientalistas, recorriendo la India y Japón. Poco después de su llegada a este país, pintó un retrato del ex primer ministro, el conde Okuma, que se convirtió en un patrón influyente para él. Este mecenazgo le dio un acceso sin precedentes a muchas facetas de la vida y las costumbres japonesas que previamente habían estado ocultas a los europeos. Esto le permitió explorar el budismo y el sintoísmo en profundidad. Tornai permaneció en Japón durante 16 meses, tiempo durante el cual pintó obras como "Princesa japonesa yendo a la iglesia", "Geisha", "La casa de la Geisha" y "Guerrero samurai", entre otras.
En 1907 exhibió en París y Londres, en 1909 en Budapest en el Műcsarnok y en 1917 en el Salón Nacional.
Sus trabajos orientalistas le ganaron reconocimiento internacional en vida. Una fuente contemporánea comentó que sus obras de este período, "por su glorioso colorido y la intensa apreciación del pintoresco oriente, no se habían visto antes". Sus pinturas también se caracterizan por su ironía, humor y ingenio. Por ejemplo, su pintura "Los entendidos" presenta a un grupo de lugareños, posiblemente bereberes, reunidos en el estudio del artista examinando críticamente una pintura de hombres orientales. Estos hombres probablemente fueron el tema de la pintura. También le dio a los espectadores vislumbres de otro mundo con sus representaciones de costumbres y prácticas orientales. Varias de las pinturas de Tornai se conservan en la Galería Nacional Húngara.
Murió en 1928.

"El barbero / The Barber", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 68,5 x 44 cm. Sotheby's

"El fumador de pipa de agua / The Water-Pipe Smoker"
Óleo sobre panel / oil on panel, 58 x 34 cm., 1903. Wikimedia Commons

Gyula Tornai was a Hungarian painter born in 1861 in Görgö.
He received his art education at academies in Vienna, Munich and at Benczúr's Studios in Budapest where he studied under Hans Makart and Gyula Benczúr. His initial paintings were pictures of popular everyday themes. His style was heavily influenced by Makart.
Following his travels to Spain, Algeria and Morocco, he turned to more exotic themes and painted works depicting street life, merchants, musicians and harems. He spent 10 years in Morocco and lived in Tangiers for a year between 1890 and 1891. In 1900, he exhibited pictures in the Exposition Universelle in Paris to great acclaim, winning the bronze medal. In 1904, he sold many of his works to raise money for further travel.
In the Summer of 1905, he travelled to Far-East where he continued his interest in Orientalist themes. During this period he travelled through India and Japan. Shortly after his arrival in Japan, he painted a portrait of the former Prime-Minister, Count Okuma, who became an influential patron. This patronage gave him unprecedented access to many facets of Japanese life and customs that had previously been hidden from Europeans. This allowed him to explore Buddhism and Shintoism in depth. Tornai remained in Japan for 16 months during which time he painted such works as A Japanese Princess Going to Church, Geisha, The Geisha House and the Samurai Warrior amongst other paintings.
In 1907 he was exhibited in Paris and London; in 1909 at Budapest in the Műcsarnok; in 1917 at the National Salon.
His Oriental works gained him international recognition during his own lifetime. A contemporary source commented that his works from this period, ”the like of which for glory of colour and intense appreciation of the picturesqueness of the east had not been seen before.” His paintings are also noted for their irony, humour and wit. For instance, his painting The Connoisseurs features a group of locals, possibly Berbers, gathered in the artist's studio critically examining a painting of Oriental men. These men were probably the subject of the painting. He also gave viewers glimpses of another world with his depictions of Oriental customs and practices. Several of Tornai's paintings are held in the Hungarian National Gallery.
He died in 1928.

"Los entendidos / The Connoisseurs", óleo sobre panel / oil on panel, 71,1 x 45,7 cm., 1892.
Colección privada / Private Collection. Wikimedia Commons
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Alphonse-Etienne Dinet (Nasr'Eddine Dinet)
(París, Francia / France, 1861 - 1929)

"La mensajera de Satanás / The Messenger of Satan", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 112 x 148 cm., 1908
Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires, Argentina)

Nasreddine Dinet, nacido  Alphonse-Étienne Dinet en 1861 en París, fue un pintor orientalista francés. Quedó tan encantado con el norte de África y su cultura, que se convirtió al Islam y que dominaba el árabe. Además de sus pinturas, tradujo la literatura árabe al francés.
Desde 1871 estudió en el Lycée Henry IV, donde el futuro presidente Alexandre Millerand también estaba entre los estudiantes. Después de graduarse en 1881 se matriculó en la École nationale supérieure des Beaux-Arts y entró en el estudio de Victor Galland. Al año siguiente estudió con William Bouguereau y Tony Robert-Fleury en la Académie Julian. También expuso por primera vez en el Salon des artistes français.
Dinet hizo su primer viaje a Bou Saâda por el Ouled Naïl Range en el sur de Argelia en 1884, con un equipo de entomólogos. Al año siguiente hizo un segundo viaje con una beca del gobierno, esta vez a Laghouat. En ese momento pintó sus dos primeras imágenes argelinas: Les Terrasses de Laghouat y L'Oued M'Sila après l'orage.
Ganó la medalla de plata por una pintura en la Exposición Universal en 1889, y en el mismo año fundó la Société Nationale des Beaux-Arts junto con Meissonier, Puvis de Chavannes, Rodin, Carolus-Duran y Charles Cottet. En 1887 fundó con Léonce Bénédite, director del Musée du Luxembourg, la Société des Peintres Orientalistes Français.
En 1903 compró una casa en Bou Saâda y pasó tres cuartos de cada año allí. Dinet quedó tan encantado con el norte de África y su cultura, que finalmente se convirtió al Islam. Anunció su conversión al Islam en una carta privada de 1908, y la completó formalmente en 1913, después de lo cual cambió su nombre a Nasr'Eddine Dinet. En 1929, él y su esposa emprendieron la peregrinación a La Meca. En julio de 1896 fue nombrado Caballero de la Legión de Honor y participó en la exposición internacional del Centenario de la Litografía (París). Murió en 1929, y el respeto que se ganó de los nativos de Argelia quedó reflejado en los 5.000 que asistieron a su funeral el 12 de enero de 1930 en Bou Saâda. Allí fue elogiado por el ex gobernador general de Argelia, Maurice Viollette.

"Spectateurs admirant une danseuse / Espectadores admirando a una bailarina /
Spectators Admiring a Dancer"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 84 x 102,5 cm., 1905. Sotheby's

"La prière / El rezo / The Prayer", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 25 x 37 cm. Sotheby's

Nasreddine Dinet, born as Alphonse-Étienne Dinet in 1861 in Paris, was a French orientalist painter. He became so enchanted with North Africa and its culture, that he converted to Islam, and was proficient in Arabic. In addition to his paintings, he translated Arabic literature into French.
From 1871, he studied at the Lycée Henry IV, where the future president Alexandre Millerand was also among the students. Upon graduation in 1881 he enrolled in the École nationale supérieure des Beaux-Arts and entered the studio of Victor Galland. The following year he studied under William Bouguereau and Tony Robert-Fleury at the Académie Julian. He also exhibited for the first time at the Salon des artistes français.
Dinet made his first trip to Bou Saâda by the Ouled Naïl Range in southern Algeria in 1884, with a team of entomologists. The following year he made a second trip on a government scholarship, this time to Laghouat. At that time he painted his first two Algerian pictures: les Terrasses de Laghouat and l’Oued M’Sila après l’orage.
He won the silver medal for painting at the Exposition Universelle in 1889, and in the same year founded the Société Nationale des Beaux-Arts along with Meissonier, Puvis de Chavannes, Rodin, Carolus-Duran and Charles Cottet. In 1887 he further founded with Léonce Bénédite, director of the Musée du Luxembourg, the Société des Peintres Orientalistes Français.
In 1903 he bought a house in Bou Saâda and spent three quarters of each year there. Dinet became so enchanted with North Africa and its culture, that he eventually converted to Islam. He announced his conversion to Islam in a private letter of 1908, and completed his formal conversion in 1913, upon which he changed his name to Nasr’Eddine Dinet. In 1929 he and his wife undertook the Hajj to Mecca. In July 1896, he was named Chevalier of the Legion of Honour and participated in the international exhibition of the Centenary of Lithography (Paris). He died in 1929, and the respect he earned from the natives of Algeria was reflected by the 5,000 who attended his funeral on 12 January 1930 in Bou Saâda. There he was eulogized by the former Governor General of Algeria Maurice Viollette.

"Meddah aveugle chantant l’épopée du prophète ou Le conteur arabe /
Meddah ciego cantando la Epopeya del Profeta o El cuentacuentos árabe /
Blind Meddah singing The Epic of the Prophet or The Arab Storyteller"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 x 163 cm., antes de / before 1923. Wikimedia Commons
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Théodore Jacques Ralli or Theodorus Rallis
(Theodoros Rallis-Scaramanga, Θεόδωρος Ράλλης)
(Constantinopla [Estambul] / Constantinople [Istanbul], Turquía / Turkey, 1852 -
Lausana, Suiza / Lausanne, Switzerland, 1909)

"En la mezquita / In the Mosque"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 47 x 73 cm., 1891. Bonhams

Théodore Jacques Ralli o Theodorus Rallis (nombre completo: Theodoros Rallis-Scaramanga, griego: Θεόδωρος Ράλλης) fue un pintor, acuarelista y dibujante griego nacido en Constantinopla (Estambul) en 1852, que pasó la mayor parte de su vida laboral en Francia y Egipto.
Murió en 1909.
Más imágenes e información en el post previo.

"Concubina dormida / Sleeping Concubine"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 21,5 x 49 cm., 1885. Sotheby's

"Mujer turca fumando en el patio / Turkish Woman Smoking in the Courtyard"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1887. Link

Théodore Jacques Ralli or Theodorus Rallis (full name: Theodoros Rallis-Scaramanga; Greek: Θεόδωρος Ράλλης) was a Greek painter, watercolourist and draughtsman, born in 1852 in Constantinople (Istanbul), who spent most of his working life in France and Egypt.
He died in 1909.
More images and information in previous post.

"Marionetas en el harén / Marionettes in the Harem"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 65 cm Sotheby's

Théodore Jacques Ralli en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (CCXIV)]
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Franz (Ferencz) Eisenhut
(Nova Palanka, Voivodato de Serbia y Banato de Temeschwar, Imperio Austríaco /
Voivodeship of Serbia and Banat of Temeschwar, Austrian Empire, 1857 -
Munich, Reino de Bavaria / Kingdom of Bavaria, 1903 o 1906)

"Odalisca reclinada / Reclining Odalisque"
Óleo sobre panel / oil on panel, 21,5 x 27,3 cm., 1892. Christie's

Franz (Ferencz) Eisenhut fue un destacado pintor orientalista y realista danubiano nacido en 1857 en Nova Palanka, Voivodato de Serbia y Banato de Temeschwar, Imperio austríaco. Es considerado uno de los mejores pintores académicos de Austria-Hungría en la segunda mitad del siglo XIX. Sus pinturas más famosas y reconocibles incluyen "La muerte de Gül Baba", "La batalla de Zenta", "El comercio de esclavos" y "Peleas de gallos" y muchas otras, que representan en su mayoría motivos de Oriente. Sus obras se pueden encontrar en muchos museos europeos en todo el continente.
Su padre había esperado que Franz se convirtiera en comerciante, pero el pintor húngaro Telepy Károly descubrió su talento para la pintura. Los influyentes ciudadanos de Palanka en ese momento, dirigidos por el abogado Karl Mezey y el farmacéutico Karlo Harliković, recaudaron dinero para sus estudios. Estudió en la Escuela Real de Dibujo de Hungría en Budapest desde 1875 hasta 1877. Posteriormente se convirtió en estudiante de la Real Academia de Bellas Artes en Munich. Estudió allí hasta 1883 en la clase del pintor húngaro Gyula Benczúr.
Después de terminar la Academia realizó su primer viaje a Oriente visitando el Cáucaso. El año siguiente realizó su primera exposición en Budapest. Oriente se convirtió en su principal fuente de inspiración y las pinturas orientalistas se convertirán en sus obras más famosas. En 1883 y 1884 viajó nuevamente al Cáucaso, visitando Tbilisi y Bakú. En 1886 y 1887 viajó desde Nápoles a Túnez y Argelia. Su primer gran éxito fue la pintura de 1886 "Sanación a través del Corán en Beirut".
Muchas de sus pinturas fueron reproducidas por talleres de talla de madera en toda Europa, porque, como afirmaba su amiga Lyka Karoly, "sus pinturas mostraban el auténtico Oriente". Otra pintura famosa hecha en ese momento fue "La muerte de Gül Baba", por la cual ganó la Medalla de oro estatal en una exposición en Budapest. Posteriormente realizó exposiciones en Munich, París y Madrid. En 1894 pintó el interior del Palacio de Nueva York en Budapest.
La obra más famosa de Franz Eisenhut es la pintura "Batalla de Zenta", realizada en 1896 para la Exposición del Milenio Húngaro, que celebraba 1000 años desde el asentamiento húngaro en la Gran Llanura Húngara. La pintura fue ordenada por el condado de Bács-Bodrog y todavía se exhibe en el Ayuntamiento de Sombor, ya que Sombor era la sede del condado en ese momento. Esta pintura, con dimensiones de 7 x 4 metros, es la pintura al óleo más grande de los Balcanes en la actualidad.
Murió en 1903.

"Vor dem Urteil / Antes del veredicto / Before Veredict"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 160 x 324 cm., c.1890. Wikimedia Commons

"Cautiva en el harén / Captive in the Harem"
Óleo sobre panel / oil on panel, 60 x 39,5 cm. Sotheby's

Franz (Ferencz) Eisenhut  was a prominent Danube Swabian Realist and Orientalist painter born in 1857 in Nova Palanka, Voivodeship of Serbia and Banat of Temeschwar, Austrian Empire. He is considered one of Austria-Hungary's greatest academic painters in the second half of the 19th century. His most famous and recognizable paintings include Death of Gül Baba, Battle of Zenta, Slave trade and Cock fighting and many other, depicting mostly motifs from the Orient. His works can be found in many European museums across the continent.
His father had hoped for Franz to become a merchant, but the Hungarian painter Telepy Károly discovered his talent for painting. Influential citizens of Palanka at the time, led by lawyer Karl Mezey and pharmacist Karlo Harliković, collected money for his studies. He studied at Hungarian Royal Drawing School in Budapest from 1875 until 1877. Afterwards, he became a student of the Royal Academy of Fine Arts in Munich. He studied there until 1883 in class of Gyula Benczúr, the Hungarian painter.
After finishing the Academy, he went on a trip to the Orient for the first time, visiting the Caucasus. The next year, he held his first exhibition in Budapest. The Orient became his main source of inspiration and Orientalist paintings will become his most famous works. In 1883 and 1884, he went to the Caucasus once again, visiting Tbilisi and Baku. In 1886 and 1887, he traveled from Naples to Tunisia and Algeria. His first great success was the 1886 painting "Healing through the Koran in Beirut".
Many of his paintings were reproduced by woodcutting workshops across Europe, because, as his friend Lyka Karoly claimed, "his paintings showed the authentic Orient". Another famous painting made at the time was Death of Gül Baba, for which he won the State Gold Medal at an exhibition in Budapest. Afterwards, he had exhibitions in Munich, Paris and Madrid. In 1894, he painted the interior of New York Palace in Budapest.
Franz Eisenhut's most famous work is the painting "Battle of Zenta", made in 1896 for the Hungarian Millennium Exhibition, celebrating 1000 years since the Hungarian settlement in the Great Hungarian Plain. The painting was ordered by the Bács-Bodrog County and is still exhibited in Sombor City Hall, as Sombor was the county seat at the time. This painting, with dimensions of 7x4 meters, is the largest oil painting in the Balkans today.
He died in 1903.

"Caravana por fuera de una mezquita / A Caravan Outside of a Mosque"
Óleo sobre panel / oil on panel, 39,4 x 60,3 cm., 1891. Sotheby's

Aniversarios (CCXLIII) [Agosto / August 13-19]

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Todos los aniversarios de Agosto aquí / All anniversaries for August here.
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El 13 de Agosto es el cumple de

Christian Krohg, pintor naturalista, ilustrador, autor y periodista noruego, nacido en 1852 en Vestre Aker (hoy Oslo). Fue director y el primer profesor de la Academia Noruega de las Artes entre 1909 y 1925.
Desde 1861 asistió a la escuela Hartvig Nissen. Su padre le había pedido que siguiera una carrera legal. Krohg estudió derecho en la Universidad de Oslo (entonces Christiania) graduándose en 1873. Durante 1869-70, también estudió en la escuela de arte de Johan Fredrik Eckersberg en Lille Grensen en Christiania. También se educó en Alemania, primero en la Escuela de Arte de Baden en Karlsruhe bajo la dirección de Hans Gude en 1874. También se formó bajo Karl Gussow a partir de 1875. Siguió con sus estudios en la Königliche Akademie en Berlín, a partir de 1875 y hasta 1878.

"Chica enferma / Sick Girl", óleo sobre panel / oil on panel, 58 x 102 cm., 1880-81
Nasjonalgalleriet / Galería Nacional (Oslo, Noruega / Norway). GAP

Recibió una asignación para viajes del gobierno durante 1877-78 y en 1881. En 1879, con el apoyo del artista Frits Thaulow, visitó la colonia de artistas de Skagen. Volvió allí en 1882-84 y 1888. A través de su residencia periódica futura en Skagen, influiría en otros artistas, como Anna y Michael Ancher, y brindó su apoyo inicial a Edvard Munch.
Krohg trabajó en París desde 1881 hasta 1882. Inspirado por las ideas de los realistas, eligió motivos principalmente de la vida cotidiana, a menudo sus lados más oscuros o socialmente inferiores. Particularmente bien conocidos son sus cuadros de prostitutas. La prostitución también es el tema de su novela Albertine (1886), que causó un escándalo cuando se publicó por primera vez y fue confiscada por la policía. El estilo de Krohg lo convirtió en una figura destacada en la transición del romanticismo al naturalismo.

"Retrato del pintor sueco / Portrait of the Swedish PainterKarl Nordström"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 46,5 x 61 cm., 1882
Nasjonalgalleriet / Galería Nacional (Oslo, Noruega / Norway). GAP

Fue el fundador y editor en jefe de la revista Kristiania Bohemian, Impressionisten desde 1886 hasta 1890. Luego se convirtió en periodista del periódico Verdens Gang de Oslo de 1890 a 1910. También estuvo asociado con Politiken 1893-1894.
Enseñó en la Académie Colarossi en París desde 1902 hasta 1909. Más tarde se convirtió en profesor y director en la Academia Noruega de las Artes (Statens Kunstakademi) desde 1909 hasta 1925, año en que falleció.
Hay colecciones notables de arte de Christian Krohg en el Museo Nacional de Arte, Arquitectura y Diseño en Oslo y en el Museo Skagens en Dinamarca.

"Lucha por la supervivencia / Struggle for Survival"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 300 x 225 cm., 1888-89. 
Nasjonalgalleriet / Galería Nacional (Oslo, Noruega / Norway). GAP

On August 13 is the birthday of

Christian Krohg, Norwegian naturalist painter, illustrator, author and journalist, born in 1852 in Vestre Aker (now Oslo). He was the director and served as the first professor at the Norwegian Academy of Arts from 1909 to 1925.
From 1861, he attended Hartvig Nissen School. His father had asked him to pursue a legal career. Krohg studied law at the University of Oslo (then Christiania) graduating in 1873. During 1869–70, he had also studied at the art school of Johan Fredrik Eckersberg at Lille Grensen in Christiania. He was additionally educated in Germany, first at the Baden School of Art in Karlsruhe under Hans Gude in 1874. He also trained under Karl Gussow from 1875. He followed with study at the Königliche Akademie in Berlin from 1875 to 1878.

"Madeleine", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1883.
Lillehammer kunstmuseum (Bergen, Noruega / Norway). Wikimedia Commons

He received a government travel allowance during 1877–78 and in 1881. In 1879, on the encouragement of artist Frits Thaulow, he visited the Skagen artists colony. He returned to Skagen in 1882–84 and 1888. Through his periodic future residence at Skagen, he would influence other artists including Anna and Michael Ancher and provided early support to Edvard Munch.
Krohg worked in Paris from 1881 to 1882. Inspired by the ideas of the realists he chose motives primarily from everyday life – often its darker or socially inferior sides. Particularly well known are his pictures of prostitutes. Prostitution is also the subject of his novel Albertine (1886), which caused a scandal when first published, and was confiscated by the police. Krohg’s style made him a leading figure in the transition from romanticism to naturalism.

"Sovende mor med barn / Madre dormida con niño / Sleeping Mother With Child"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1883
Colección / Collection Rasmus Meyer (Noruega / Norway). Link

Krohg was the founding and editor-in-chief of the Kristiania Bohemian journal, Impressionisten from 1886 until 1890. He then became a journalist for the Oslo newspaper Verdens Gang from 1890 to 1910. Christian Krohg was also associated with Politiken 1893-1894.
He taught at Académie Colarossi in Paris from 1902 until 1909. Later he became a professor-director at the Norwegian Academy of Arts (Statens Kunstakademi) from 1909 until 1925, the year he died.
There are notable collections of art by Christian Krohg in the National Museum of Art, Architecture and Design in Oslo and at Skagens Museum in Denmark.

"Et farvel / El adiós / Farewell", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100,5 x 83 cm., 1876
Göteborgs Konstmuseum (Goteburgo, Suecia / Göteborg, Sweden)

Christian Krohg en "El Hurgador" / in this blog[Manos a la obra (XVII)]


El 14 de Agosto es el cumple de

Adolf von Becker, pintor de género y profesor de arte finlandés de ascendencia alemana, nacido en Helsinki en 1831. Fue uno de los primeros artistas finlandeses en estudiar en París.
Comenzó sus estudios artísticos en la recién fundada Escuela de Dibujo de la Sociedad de Arte Finlandesa. También estudió leyes. En 1853 completó su licenciatura en derecho y se convirtió en aprendiz en el Tribunal de Apelaciones de Turku. Mientras estuvo allí, continuó haciendo expediciones de dibujo al campo y conoció a Robert Wilhelm Ekman, quien lo animó a estudiar en la Real Academia Danesa de Bellas Artes. Siguiendo el consejo de Ekman, se graduó allí en 1856.
En 1858 recibió una recomendación para estudiar con Thomas Couture en París, pero se vio abrumado por la enorme y cosmopolita ciudad y en cambio se inscribió en la Kunstakademie de Düsseldorf. El curso le resultó decepcionante, por lo que regresó a París para volver a intentarlo. Cuando Couture cerró sus estudios de enseñanza en 1860, Becker presentó la solicitud y fue aceptado en la École des Beaux-Arts, donde estudió con Felix-Joseph Barrias, Ernest Hébert, Leon Cogniet y Leon Bonnat.
En 1864 viajó a España con una beca e hizo copias de los Viejos Maestros en Madrid. Más tarde visitó Italia, y a su regreso a Francia alquiló un estudio a las afueras de París a Alfred Wahlberg, a quien había conocido en Düsseldorf. En 1868 regresó a Finlandia para tomar un puesto en la escuela de dibujo de la Universidad de Helsinki, reemplazando al difunto Magnus von Wright. Fue nombrado profesor allí en 1879.

"Päivällisen jälkeen / Después de la cena / After the Dinner"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 112 x 142 cm., 1877. 
Palacio Presindencial, Helsinki, Finlandia / Presidential Palace, Helsinki, Finland. Wikimedia Commons

Mientras tanto, en 1872, había comenzado su propia escuela privada de dibujo, probablemente para poner modelos desnudos a disposición de sus alumnos. Era conocido como un maestro muy estricto, por lo que esta también puede haber sido una forma de tener más control sobre el plan de estudios. Los estudios allí fueron, sin embargo, interrumpidos por sus frecuentes viajes. Entre sus alumnos más conocidos se encuentran Helene Schjerfbeck, Elin Danielson-Gambogi, Helena Westermarck y Akseli Gallen-Kallela.
A medida que el siglo XIX llegaba a su fin, fue criticado cada vez más por la generación más joven de artistas por ser demasiado conservador. Esto llegó a un punto crítico en la Exposición Universal en 1889, cuando la generación anterior, representada por Becker, Walter Runeberg y Berndt Lindholm, entró en abierta confrontación con una facción más joven liderada por Ville Vallgren y Albert Edelfelt. Poco después se produjeron ciertos desacuerdos entre él y la Asociación de Arte de Finlandia y comenzó a exhibir de forma independiente.
Se retiró de la Universidad en 1892 y regresó a París. A medida que se hacía mayor descubrió que los inviernos allí eran demasiado fríos, por lo que se mudó a Niza en 1904.
Murió en 1909.

"Sisäkuva ranskalaisesta maalaistalosta / Vista general de una granja francesa /
General View of a French Farm", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 39,5 x 47,5 cm.
Kansallisgalleria / Galería Nacional (Helsinki, Finlandia / Finland)

On August 14 is the birthday of

Adolf von Becker, Finnish genre painter and art professor of German descent, born in Helsinki in 1831. He was one of the first Finnish artists to study in Paris.
He began his artistic studies at the newly founded Finnish Art Society Drawing School; he also studied law. In 1853, he completed his law degree and became a trainee at the Court of Appeals in Turku. While there, he continued to make drawing expeditions into the countryside and made the acquaintance of Robert Wilhelm Ekman, who encouraged him to study at the Royal Danish Academy of Fine Arts. He took Ekman's advice and graduated there in 1856.
In 1858, he received a recommendation to study with Thomas Couture in Paris, but was overwhelmed by the huge, cosmopolitan city and left to enroll at the Kunstakademie Düsseldorf instead. The course of study there proved to be disappointing, so he returned to Paris to try again. When Couture closed his teaching studios in 1860, Becker applied to and was accepted at the École des Beaux-Arts, where he studied with Felix-Joseph Barrias, Ernest Hébert, Leon Cogniet and Leon Bonnat.
In 1864, he travelled to Spain on a scholarship and made copies of the Old Masters in Madrid. Later, he visited Italy and, on his return to France, he rented a studio outside Paris from Alfred Wahlberg, who he had met in Düsseldorf. In 1868, he returned to Finland to take a position at the University of Helsinki drawing school; replacing the late Magnus von Wright. He was appointed a Professor there in 1879.

"Kukkakuva / Cuadro de una flor / A Flower Picture"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 36 x 26,5 cm., 1862. 
Kansallisgalleria / Galería Nacional (Helsinki, Finlandia / Finland)

Meanwhile, in 1872, he had started his own private drawing school, probably to make nude models available to his students. He was known as a very strict teacher, so this may have also been a way to gain more control over the curriculum. Studies there were, however, interrupted by his frequent travels. Among his best-known students were Helene Schjerfbeck, Elin Danielson-Gambogi, Helena Westermarck and Akseli Gallen-Kallela.
As the 19th-Century drew to a close, he came under increasing criticism from the younger generation of artists for being too conservative. This came to a head at the Exposition Universelle in 1889, when the older generation, represented by Becker, Walter Runeberg and Berndt Lindholm, came into open confrontation with a younger faction led by Ville Vallgren and Albert Edelfelt. Soon after, disagreements developed between him and the Finnish Art Association and he began to exhibit independently.
He retired from the University in 1892 and returned to Paris. As he grew older, he found the winters there a bit too cold, so he moved to Nice in 1904.
He died in 1909.

"El experto en arte / The Art Expert", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1880-90
EMMA - Espoon modernin taiteen museo / Museo de Arte Moderno (Espoo, Finlandia / Finland). GAP


El 15 de Agosto es el cumple de

Walter Crane, artista e ilustrador de libros inglés nacido en 1845 en Liverpool, Lancashire.
Se le considera uno de los creadores de libros infantiles más influyentes y prolíficos de su generación y, junto con Randolph Caldecott y Kate Greenaway, uno de los principales contribuyentes al tema de la guardería infantil que el género de la literatura ilustrada infantil exhibió en sus etapas de desarrollo a fines del siglo XIX.
La obra de Crane presentó algunos de los comienzos más coloridos y detallados motivos del "niño en el jardín" que caracterizarían muchas rimas e historias infantiles en las décadas siguientes. Formó parte del movimiento Arts and Crafts y produjo una variedad de pinturas, ilustraciones, libros para niños, azulejos de cerámica y otras piezas de artes decorativas. Crane también es recordado por su creación de una serie de imágenes icónicas asociadas con el movimiento socialista internacional.

"La dama de Shalott / The Lady of Shalott"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24,1 x 29,9 cm., 1862.
Yale Center for British Art (New Haven, Connecticut, EE.UU./ USA). GAP

Walter Crane fue el segundo hijo del artista Thomas Crane, pintor de retratos y miniaturas. A temprana edad recibió la influencia de la Hermandad pre-Rafaelita, y se interesó por la obra de John Ruskin. Una colección de diseños para ilustrar la obra Lady of Shalott de Tennyson logró la aprobación del grabador William James Linton, de quien Crane fue aprendiz durante tres años, entre 1859 y 1862.
Como grabador de madera tuvo abundantes oportunidades de estudiar la obra de artistas contemporáneos que pasaban por sus manos, entre ellos Dante Gabriel Rossetti, John Everett Millais, Sir John Tenniel y Frederick Sandys, como así mismo de los maestros del renacimiento italiano. Sin embargo su principal influencia fueron los mármoles de Elgin conservados en el Museo Británico.
Un elemento posterior en el desarrollo de su talento consistió en el estudio de impresos coloreados de Japón, cuyos métodos imitó en una serie de libros infantiles con los que inició una nueva moda.
Murió en 1915.

"El rollo del destino / The Roll of Fate"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 71,1 x 66 cm., 1882. Wikimedia Commons

Un ángel intenta alterar el curso de los acontecimientos, evitando que el Tiempo desenrolle el rollo de papel en el cual está registrado el destino de la humanidad. Ilustra dos versos de la traducción de Edward FitzGerald del Rubaiyat de Omar Khayyam:

XCVIII
Si antes de ser más tarde algún Ángel alado
El arcano registro del Hado detuviere;
Anotar de otro modo los sucesos hiciere,
O borrar por completo cuanto hubiese marcado.

XCVIII
Oh Amor! Con Él unidos tu y yo conseguiríamos
Ese mísero mundo tomar en nuestra mano;
Y hacerlo mil pedazos: luego lo reharíamos
Conforme a los deseos del corazón humano.

(Traducido por Jose Castellot)

An angel attempting to alter the course of events by preventing Time from unrolling the scroll on which the destiny of mankind is recorded. It illustrates two verses from Edward FitzGerald's translation of the Rubaiyat of Omar Khayyam:

XCVIII
Would but some wingéd Angel ere too late
Arrest the yet unfolded Roll of Fate,
And make the stern Recorder otherwise
Enregister, or quite obliterate!

XCIX
Ah, Love! could you and I with Him conspire
To grasp this sorry Scheme of Things entire,
Would not we shatter it to bits--and then
Re-mould it nearer to the Heart's Desire!

On August 15 is the birthday of

Walter Crane, English artist and book illustrator born in 1845 in Liverpool, Lancashire.
He is considered to be the most influential, and among the most prolific, children’s book creators of his generation and, along with Randolph Caldecott and Kate Greenaway, one of the strongest contributors to the child's nursery motif that the genre of English children's illustrated literature would exhibit in its developmental stages in the latter 19th century.
Crane's work featured some of the more colourful and detailed beginnings of the child-in-the-garden motifs that would characterize many nursery rhymes and children's stories for decades to come. He was part of the Arts and Crafts movement and produced an array of paintings, illustrations, children's books, ceramic tiles and other decorative arts. Crane is also remembered for his creation of a number of iconic images associated with the international Socialist movement.

"Renacimiento de Venus / The Renaissance of Venus"
Témpera sobre lienzo / tempera on canvas, 138,4 x 184,1 cm., 1877
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

Walter Crane was the second son of the artist Thomas Crane, painter of portraits and miniatures. At an early age he received the influence of the pre-Raphaelite Brotherhood, and became interested in the work of John Ruskin. A collection of designs to illustrate Tennyson's Lady of Shalott achieved the approval of engraver William James Linton, of whom Crane was apprenticed for three years, between 1859 and 1862.
As a wood engraver he had abundant opportunities to study the work of contemporary artists that passed through his hands, including Dante Gabriel Rossetti, John Everett Millais, Sir John Tenniel and Frederick Sandys, as well as the masters of the Italian Renaissance. However, his main influence was the Elgin marbles preserved in the British Museum.
A later element in the development of his talent was the study of colored prints of Japan, whose methods he imitated in a series of children's books with which he started a new fashion.
He died in 1915.

Ilustración de "La bella y la bestia" / Illustration from "Beauty and the Beast"
por / by Crane, Walter, 1845-1915; Evans, Edmund, 1826-1905
Publicado en Londres & Nueva York / Publisher London & New York: George Routledge and Sons, 1974


El 16 de Agosto es el cumple de

Gerard Victor Alphons "Gé" Röling, pintor y artista gráfico holandés nacido en 's-Hertogenbosch en 1904.
Pintó en el estilo naturalista y fue influenciado por pintores realistas como Raoul Hynckes y los métodos y técnicas de los antiguos pintores holandeses de los siglos XV y XVI. Hizo su propia pintura, que mezcló con aceites hechos a mano. Solo su hija, Marte Röling, tiene la clave de sus recetas, que escribió en un lenguaje secreto.
Fue alumno de, entre otros, Hendrik Jan Wolter y Johannes Hendricus Jurres. En 1932 ganó la Thérèse de Duyl-Schwartzeprijs, con un retrato de su esposa, la pintora Martine Antonie. Después de sus estudios viajó a Italia y Francia. Fue miembro de Arti et Amicitiae en Amsterdam. En una de las exposiciones de Arti ganó el premio Willink van Collen con su dibujo River Landscape, un premio de incentivo para artistas jóvenes.

"Mosselen, citroenen en pot met zure haring op het strand /
Mejillones, limones y frasco con arenque agrio en la playa /
Mussels, Lemons and Pot With Sour Herring On The Beach"
Óleo sobre panel / oil on board, 21,9 x 29,7 cm., 1966. Simonis & Bunk

En 1940 Röling se convirtió en profesor en la Academia de Ámsterdam, como sucesor de Jurres. Fue el líder del departamento de dibujo de la academia. En 1949-1950 enseñó en el Ontario College of Art en Toronto. Röling enseñó clases como Karel Appel, Corneille, Constant, Ad Dekkers, Hubertine Heijermans y su hija Marte Röling. Allí enseñó, entre otros, a Corneille y Karel Appel. Se especializó en retratos, paisajes y naturalezas muertas.
Murió en 1981.

"Portret van / Retrato de / Portrait of Lenny de Graan", c.1941
Museum voor modern realisme (Gorssel, Holanda / Netherlands)

On August 16 is the birthday of

Gerard Victor Alphons "Gé" Röling, Dutch painter and graphic artist born in 's-Hertogenbosch in 1904.
He painted in the Naturalist style and was influenced by Realist painters such as Raoul Hynckes and the methods and techniques of the old Dutch painters from the 15th and 16th century. He made his own paint, which he mixed with hand-made oils. Only his daughter, Marte Röling, has the key to his recipes, which he wrote down in a secret language.
He was a pupil of, among others, Hendrik Jan Wolter and Johannes Hendricus Jurres. In 1932 he won the Thérèse of Duyl-Schwartzeprijs, with a portrait of his wife, the painter Martine Antonie. After his studies he traveled to Italy and France. He was a member of Arti et Amicitiae in Amsterdam. At one of Arti's exhibitions he won the Willink van Collen award with his drawing River Landscape, an incentive prize for young artists.

"Haringen op blauw bord / Arenques en plato azul / Herring on Blue Plate"
Óleo sobre panel / oil on board, 35 x 39,5 cm., 1951
Het Noordbrabants Museum ('s-Hertogenbosch, Holanda / Netherlands). Pictify

In 1940 Röling became a professor at the Amsterdam Academy, as a successor to Jurres. He was the leader of the drawing department of the academy. In 1949-1950 he taught at the Ontario College of Art in Toronto. Röling taught classes such as Karel Appel, Corneille, Constant, Ad Dekkers, Hubertine Heijermans and his daughter Marte Röling.There, he taught among others Corneille and Karel Appel. He specialised in portraits, landscapes and still lives.
He died in 1981.

"Stilleven met perziken, eieren en vijgen / Naturaleza muerta con melocotones, huevos e higos /
Still Life With Peaches, Eggs and Figs"
Óleo sobre panel / oil on board, 25 x 30,1 cm., 1949. Simonis & Bunk


El 17 de Agosto es el cumple de

Larry Rivers (de nacimiento Yitzroch Loiza Grossberg), artista, músico, cineasta y actor ocasional estadounidense nacido en 1923 en el Bronx, Nueva York.
De 1940 a 1945 trabajó como saxofonista de jazz en la ciudad de Nueva York, cambiando su nombre a Larry Rivers en 1940 después de haber sido presentado como "Larry Rivers and the Mudcats" en un pub local. Estudió en la Juilliard School of Music en 1945-46, junto con Miles Davis, de quien fue amigo hasta la muerte de Davis en 1991.
Rivers es considerado por muchos académicos como el "Padrino" y "Abuelo" del arte pop, porque fue uno de los primeros artistas en fusionar el arte no-objetivo y no-narrativo con la abstracción narrativa y objetiva.

"Chaplin temprano / Early Chaplin", litografía a color / colour lithograph, 94.2 × 73.6 cm., 1991.
Ed. 76/150 © Larry Rivers/VAGA, New York
National Gallery of Victoria (Melbourne, Australia)

Charlie Chaplin en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (CXC)], [Aniversarios Fotografía (CLXXXI)]

Rivers comenzó a pintar en 1945 y estudió en la Escuela Hans Hofmann de 1947-48. Obtuvo una licenciatura en educación artística de la Universidad de Nueva York en 1951. Fue un artista pop de la Escuela de Nueva York, reproduciendo objetos cotidianos de la cultura popular estadounidense como arte. Fue uno de los once artistas de Nueva York presentados en la exposición inaugural en la Galería Terrain en 1955. Durante la década de 1960 Rivers vivió en el Hotel Chelsea, notable por sus residentes, artistas tales como Bob Dylan, Janis Joplin, Leonard Cohen, Arthur C. Clarke, Dylan Thomas, Sid Vicious y varias personas asociadas con "The Factory" de Andy Warhol's, y adonde trajo a varios de sus amigos franceses de renombre como Yves Klein, quien escribió allí en abril de 1961 su "Manifiesto del Hotel Chelsea", Arman, Martial Raysse, Jean Tinguely, Niki de Saint-Phalle, Christo, Daniel Spoerri o Alain Jacquet, varios de los cuales dejaron, como él, algunas piezas de arte en el lobby del hotel como pago de sus habitaciones. En 1965 Rivers tuvo su primera retrospectiva integral en cinco importantes museos estadounidenses.

"Castillo de naipes - Azul / House of Cards - Blue"
Litografía a color / colour lithograph, 73,8 × 77,0 cm., 1990.
Ed. 77/150 © Larry Rivers/VAGA, NY
National Gallery of Victoria (Melbourne, Australia)

En 1968 viajó a África por segunda vez con Pierre Dominique Gaisseau para terminar su documental "Africa y yo", que fue parte de la revolucionaria serie de NBC "Experimentos en televisión". Durante este viaje escaparon por poco a la ejecución como presuntos mercenarios.
Durante la década de 1970 trabajó estrechamente con Diana Molinari y Michel Auder en muchos proyectos de cintas de video, incluida las infame "Tits", y también trabajó en neón.
Su galería principal es la Galería Marlborough en la ciudad de Nueva York. En 2002 se realizó una importante retrospectiva del trabajo de Rivers en la Corcoran Gallery of Art en Washington, D.C.
Murió en 2002.

"Tinguely & Rivers en / in 1978", pastel y lápiz sobre papel /
pastel and pencil on paper, 1998. EPPH

Nótese cómo Rivers ha retratado a cada hombre en un estilo completamente diferente. El propio Rivers es una figura más completamente formada con gradaciones de tono relativamente suaves. Tinguely, por otro lado, parece toscamente dibujado, tal vez incluso sin terminar. Las líneas del pastel son claramente visibles. La diferencia intencional es un método que Rivers podría haber aprendido de cualquier cantidad de grandes maestros antes que él. Aunque la imagen se basó en una vieja instantánea, los dos hombres están en dos niveles diferentes de realidad. Rivers es "real" porque él es el artista, mientras que Tinguely, más obviamente dibujado con pastel y lápiz, es "su obra de arte". La mano en el brazo sugiere este vínculo íntimo entre los dos, un vínculo que cualquier artista tiene con su propia creación.

Note how Rivers has portrayed each man in a completely different style. Rivers himself is a more fully formed figure with relatively smooth gradations of tone. Tinguely, on the other hand, seems roughly drawn, perhaps even unfinished. The lines of the pastel are clearly visible. The intentional difference is a method Rivers could have learnt from any number of great masters before him. Even though the image was based on an old snapshot, the two men here are on two different levels of reality. Rivers is “real” because he is the artist while Tinguely, more obviously drawn with pastel and pencil, is “his work of art”. The hand on the arm suggests this intimate link between the two, a link that any artist has with his own creation.

Jean Tinguely en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (CXLV)]

On August 17 is the birthday of

Larry Rivers [born Yitzroch Loiza Grossberg], American artist, musician, filmmaker and occasional actor born in 1923 in the Bronx, NY.
From 1940–45 he worked as a jazz saxophonist in New York City, changing his name to Larry Rivers in 1940 after being introduced as "Larry Rivers and the Mudcats" at a local pub. He studied at the Juilliard School of Music in 1945–46, along with Miles Davis, with whom he remained friends until Davis's death in 1991.
Rivers is considered by many scholars to be the "Godfather" and "Grandfather" of Pop art, because he was one of the first artists to really merge non-objective, non-narrative art with narrative and objective abstraction.

"El arte y el artista: Ernst y El rapto de las sabinas /
Art and the Artist: Ernst and the Rape of the Sabine Women"
Óleo sobre lienzo montado sobre panel de espuma (construido) /
Oil on canvas mounted on sculpted foamboard (Construct), 163,2 × 137,2 × 11,4 cm., 1992. Artsy

Rivers took up painting in 1945 and studied at the Hans Hofmann School from 1947–48. He earned a BA in art education from New York University in 1951. He was a pop artist of the New York School, reproducing everyday objects of American popular culture as art. He was one of eleven New York artists featured in the opening exhibition at the Terrain Gallery in 1955. During the early 1960s Rivers lived in the Hotel Chelsea, notable for its artistic residents such as Bob Dylan, Janis Joplin, Leonard Cohen, Arthur C. Clarke, Dylan Thomas, Sid Vicious and multiple people associated with Andy Warhol's Factory and where he brought several of his French nouveau réalistes friends like Yves Klein who wrote there in April 1961 his Manifeste de l'hôtel Chelsea, Arman, Martial Raysse, Jean Tinguely, Niki de Saint-Phalle, Christo, Daniel Spoerri or Alain Jacquet, several of whom left, like him, some pieces of art in the lobby of the hotel : for payment of their rooms. In 1965 Rivers had his first comprehensive retrospective in five important American museums.
In 1968, Rivers traveled to Africa for a second time with Pierre Dominique Gaisseau to finish their documentary Africa and I, which was a part of the groundbreaking NBC series "Experiments in Television". During this trip they narrowly escaped execution as suspected mercenaries.
During the 1970s Rivers worked closely with Diana Molinari and Michel Auder on many video tape projects, including the infamous Tits, and also worked in neon.
His primary gallery being the Marlborough Gallery in New York City. In 2002 a major retrospective of Rivers' work was held at the Corcoran Gallery of Art in Washington, D.C.
He died in 2002.


"Bill & Elaine de Kooning y "Mujer 1" / and "Woman I"
Óleo sobre lienzo montado sobre panel de espuma esculpido /
oil on canvas mounted on sculpted foamboard, 141 × 165,1 × 17,8 cm., 1997. Artsy

Elaine de Kooning en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (XXX)]

Willem de Kooning
(Rotterdam, Holanda / Netherlands, 1904 - Long Island, EE.UU./ USA, 1997)
"Mujer 1 / Woman I"
Óleo y pintura metálica sobre lienzo /oil and metallic paint on canvas, 192.7 x 147.3 cm., 1950-52
© 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Museum of Modern Art (MoMA) (Nueva York, EE.UU./ USA)


El 18 de Agosto es el cumple de

Jean Leon Gerome Ferris, pintor estadounidense nacido en 1863 en Filadelfia, Pensilvania, conocido por su serie de 78 escenas de la historia de Estados Unidos, titulada "La marcha de una nación / The Pageant of a Nation", la serie más grande de pinturas históricas estadounidenses realizadas por un solo artista.
Era el hijo de Stephen James Ferris, un pintor retratista que era un devoto de Jean-Léon Gérôme (de quien recibió su nombre) y también admirador de Mariano Fortuny. Creció en un ambiente artístico; fue instruido por su padre y sus tíos Edward Moran y Thomas Moran, ambos también aclamados pintores.
Ferris se matriculó en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania en 1879 y se formó más en la Académie Julian a partir de 1883 bajo la dirección de William-Adolphe Bouguereau. También conoció a su tocayo Jean-Léon Gérôme, quien influyó mucho en su decisión de pintar escenas de la historia estadounidense. Ferris escribió, "el axioma de [Gérôme] era que uno pintaría mejor aquello con lo que está más familiarizado".

"La inauguración de Washington en Filadelfia / Washington's Inaugration at Philadelphia"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas. Colección privada / Private Collection. Wikimedia Commons

Sus primeros temas eran de naturaleza orientalista ya que ese movimiento estaba en boga cuando era joven. En 1882 exhibió una pintura titulada "Alimentando al ibis", que fue valorada en $ 600. En 1895 se había ganado una reputación como pintor histórico, y se embarcó en su sueño de crear una serie de pinturas que contaran una narración histórica. En 1898 vendió "The Levee de General Howe, 1777", pero más tarde se dio cuenta de que una serie así no podría completarse si las pinturas no se pudieran mantener juntas. En consecuencia, nunca vendió otro, pero vendió los derechos de reproducción a varias compañías editoriales. Esto tuvo el efecto de popularizar en gran medida su trabajo, ya que estas compañías hacían grabados, tarjetas postales, calendarios y tarjetas comerciales sobre fondo blanco para usar en publicidades. Las tarjetas laminadas de estas obras todavía se vendían en fecha tan tardía como 1984.
Murió en 1930.

"El regreso de Franklin a Filadelfia / Franklin's Return to Philadelphia, 1785"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas. Colección privada / Private Collection. Wikimedia Commons

Benjamin Franklin en "El Hurgador" / in this blog[Arte y Humor (IX) - Referencias]

Las pinturas muestran representaciones idealizadas de momentos famosos de la historia estadounidense. La serie completa se exhibió en el Independence Hall en Filadelfia de 1913 a 1930, luego se trasladó al lado del Palacio de Congresos. En años posteriores, se mostró en varios lugares, incluida la Smithsonian Institution, antes de ser devuelta a la familia Ferris. Estas obras fueron ampliamente populares durante muchos años, pero los críticos modernos son mucho menos generosos en sus elogios. La American Philosophical Society afirma que sus pinturas históricas confunden "verdad con verosimilitud", y el historiador de arte Gerald Ackerman las describe como "espléndidas en la precisión de los accesorios, la ropa y especialmente en los detalles de transportes terrestres y barcos", pero "extremadamente secas en ejecución y bastante monótonas en las composiciones".

On August 18 is the birthday of

Jean Leon Gerome Ferris, American painter born in 1863 in Philadelphia, Pennsylvania, best known for his series of 78 scenes from American history, entitled The Pageant of a Nation, the largest series of American historical paintings by a single artist.
He was the son of Stephen James Ferris, a portrait painter who was a devotee of Jean-Léon Gérôme (after whom he was named) and also an admirer of Mariano Fortuny. He grew up around art; he was trained by his father and his uncles Edward Moran and Thomas Moran were both acclaimed painters.
Ferris enrolled in the Pennsylvania Academy of the Fine Arts in 1879 and trained further at the Académie Julian beginning in 1883 under William-Adolphe Bouguereau. He also met his namesake Jean-Léon Gérôme, who greatly influenced his decision to paint scenes from American history. Ferris wrote, "[Gérôme's] axiom was that one would paint best that with which he is most familiar".

"Escribiendo la Declaración de la Independencia / Writing the Declaration of Independence, 1776"
Impresión fotomecánica: semitono, color (postal hecha a partir de una pintura), publicada por /
photomechanical print: halftone, color (postcard made from painting), published by
The Foundation Press, Inc., 1932.
Thomas Jefferson (derecha), Benjamin Franklin (izquierda) y John Adams (centro) se reunen en la residencia de Jefferson, en la esquina de las calles Séptima y High (Market), en Filadelfia, para revisar un borrador de la Declaratoria de la Independencia /
Thomas Jefferson (right), Benjamin Franklin (left), and John Adams (center) meet at Jefferson's lodgings, on the corner of Seventh and High (Market) streets in Philadelphia, to review a draft of the Declaration of Independence.
Reproducción de una pintura al óleo de la serie / Reproduction of oil painting from the artist’s series
Virginia Historical Society (Richmond, EE.UU./ USA) Wikimedia Commons

His early subjects were Orientalist in nature since that movement was in vogue when he was young. In 1882, he exhibited a painting entitled Feeding the Ibis which was valued at $600. By 1895, he had gained a reputation as a historical painter, and he embarked on his dream of creating a series of paintings that told a historical narrative. In 1898, he sold General Howe's Levee, 1777, but he later realized that such a series could not be complete if the separate paintings could not be kept together. Consequently, he never sold another, but he did sell the reproduction rights to various publishing companies. This had the effect of greatly popularizing his work, as these companies made prints, postcards, calendars, and blank-backed trade cards to use in advertisements. Laminated cards of these works were still being sold as late as 1984.
He died in 1930.

"Lincoln y los contrabandos / Lincoln and the Contrabands, 1863"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas. Colección privada / Private Collection. American Gallery

Abraham Lincoln en "El Hurgador" / in this blog[Trigo, Dullaway, Walker, Church]

The paintings shows idealized portrayals of famous moments from American history. The complete series was shown at Independence Hall in Philadelphia from 1913 to 1930, then moved next door to Congress Hall. In later years, it was shown in a number of locations, including the Smithsonian Institution, before being returned to the Ferris family. His works were widely popular for many years, but modern critics are far less generous in their praise. The American Philosophical Society claims that his historical paintings confuse "verity with verisimilitude", and art historian Gerald Ackerman describes them as "splendid in the accuracy of accessories, clothing and especially in the details of land conveyances and ships", but "extremely dry in execution and rather monotonous in composition."


Hoy, 19 de Agosto, es el cumple de

Wilhelm August Rudolf Lehmann, retratista y autor germano-inglés nacido en 1819 nacido en Ottensen (ahora parte de Hamburgo) en el Ducado de Holstein, hijo del pintor Leo Lehmann. Se mudó al Reino Unido en 1866.
Él y su hermano mayor, Henri Lehmann, estudiaron en París en la École des Beaux-arts, en Roma, y ​​con los pintores Peter von Cornelius y Wilhelm von Kaulbach. La pintura principal de Lehmann," La bendición de las Marismas Pontinas de Sixto V" se mostró en París en 1846 y fue comprada por el gobierno francés.
En 1866 se instaló en Londres, se hizo ciudadano británico y pintó sus retratos más conocidos.

"(William) Wilkie Collins", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 66,7 x 54 cm., 1880
National Portrait Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

Se casó con Amelia Chambers, hija del autor y naturalista escocés Robert Chambers. La hermana de Amelia, Nina, se casó con el hermano menor de Lehmann, Frederick, y el amplio círculo social de las dos parejas incluía a Charles Dickens, George Eliot, Robert Browning, Lord Leighton y otras figuras prominentes.
En 1896, varios de sus retratos grabados fueron recogidos y publicados como Hombres y Mujeres del Siglo.
Murió en 1905.

"Eine Mediterrane Schönheit / Una belleza mediterránea / A Mediterranean Beauty"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 118,1 x 83,8 cm., 1872. Heritage Auctions

"Retrato de / Portrait ofMichelangelo Pittatore"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 61 x 50 cm., 1874
Palazzo Mazzetti (Asti, Italia / Italy). Wikimedia Commons

Today, August 19, is the birthday of

Wilhelm August Rudolf Lehmann, German-English portraitist and author born in 1819 born in Ottensen (now part of Hamburg) in the Duchy of Holstein, the son of painter Leo Lehmann. He moved to the United Kingdom in 1866.
He and his elder brother Henri Lehmann studied in Paris at the École des Beaux-arts, in Rome, and with the painters Peter von Cornelius and Wilhelm von Kaulbach. Lehmann's major painting, The Blessing of the Pontine Marshes by Sixtus V was shown in Paris in 1846 and bought by the French government.
In 1866 he settled in London, became a British citizen, and painted his best known portraits.

"Miss Helena Faucit (1814–1898), actriz / actress"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 134.6 x 101 cm., 1873.
Royal Shakespeare Theatre (Stratford-upon-Avon, Inglaterra / England). ArtUK

He married Amelia Chambers, daughter of the Scot author and naturalist Robert Chambers. Amelia's sister Nina married Lehmann's younger brother Frederick, and the extended social circle of the two couples included Charles Dickens, George Eliot, Robert Browning, Lord Leighton, and other prominent figures.
In 1896, a number of his engraved portraits were collected and published as Men and Women of the Century.
He died in 1905.

"Retrato de la Srta. / Portrait de Miss Emily Leo", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1849.
Musée d'arts (Nantes, Francia / France). Wikimedia Commons


Anna Wypych [Pintura / Painting]

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Anna Wypych

Anna con su obra "Ojos amarillos" / with her work "Yellow Eyes"

Anna Wypych es una joven pintora polaca que crea pinturas hiperrealistas (generalmente de mujeres), con elementos surrealistas. A menudo complementa sus obras de arte con poemas y textos cortos sobre sus inspiraciones.

Recibió Máster de la Academia de Bellas Artes en 2011. Durante sus estudios recibió ocho premios y becas nacionales. Ganó el Gran Premio en el concurso nacional "Artistic Journey of Hestia 2010", "Pomeranian Artistic Hope 2011" y el Certificado de Excelencia, Palm Art Award 2012, Alemania. La pintura Wypych está incluida en la colección permanente del Museo Europeo de Arte Moderno de Barcelona, España, y el Museo Nacional en Gdansk, Polonia.

"Ojos amarillos / Yellow Eyes", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50 x 70 cm., 2014 © Anna Wypych 

"Ojos amarillos / Yellow Eyes" (detalle / detail) © Anna Wypych

«Soy artista, mamá, esposa y humana. Vivo en la costa del hermoso mar Báltico y mis tradiciones artísticas son como Polonia, situadas en algún lugar entre la Europa oriental tradicional y el oeste más moderno. Me encanta el taller de arte tradicional, celebro las largas horas calmas de trabajo en mis pinturas. También me gusta usar herramientas modernas, y soy activa en las redes sociales; gracias a Internet me siento ciudadana del mundo. Mi arte es una mezcla del artista romántico clásico con una actitud tradicional de trabajo duro, pero el estilo realista se amplía con elementos de hiperrealismo, surrealismo e imaginación pura. Mi arte es como yo, como la persona sobreexcitada que siempre tiene que hacer más de lo que se necesita, y me resulta muy fácil.»

"Negrura / Blackness", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 90 cm., 2016 © Anna Wypych

"Ducha fría / Cold Shower", óleo sobre panel / oil on panel, 30 x 30 cm., 2017 © Anna Wypych

"Chica de rojo / Girl in Red", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 40 x 50 cm., 2014 © Anna Wypych

«Pinté a mi modelo y mi amiga Nina. La elegí por su mirada increíblemente intensa. Sin embargo esta pintura no va de una persona en particular. Me inspiré en la obra "Negra", pintada por Anna Bininska en 1884 (en el blog aquí) . Este cuadro, que sufrió un azaroso destino, fue recuperado en Polonia en 2012. Una mujer está pintada desde una vista ligeramente baja, como si estuviera asustada. Durante mucho tiempo, por alguna razón no pude dejar de pensar en este trabajo. Pensaba en las mujeres entonces y en lo que son ahora. Las mujeres siguen siendo bellas y sensibles, pero también son fuertes, valientes, libres, ambiciosas y apasionadas. Somos como un fuego, que domesticado se apaga fácilmente, pero sin restricciones puede devorar bosques enteros, y al mismo tiempo somos como el agua que se supone que está en calma, pero que podría perforar y aplastar rocas. Todavía conservamos nuestras emociones, pero esto ya no es una desventaja sino nuestra fortaleza. Nuestros defectos nos hacen verdaderamente hermosas. Mi mujer de rojo tiene una mancha en el hombro, pero el defecto es lo que la hace perfecta. El siglo XXI es el momento en que las mujeres se dan cuenta de que son fuertes.»

«I painted my model and friend Nina. I chose her because of her incredibly intense gaze. However, this painting, is not about particular person. I was inspired by the work "Negress" painted by Anna Bininska in 1884 (in this blog here). This image after a tumultuous fate, retrieved to Poland in 2012. A woman painted is shown slightly from the bottom as if frightened. For a long time, for some reason I could not stopped thinking about this work. I was thinking about women then and what they are now. Women now are still beautiful and sensitive, but they are also strong, brave, free, ambitious and passionate. We are like a fire, that tamed easily put out, but unrestricted can devour entire forests, and at the same time we are as the water which is supposed to be calm but could bore, and crush rocks. We are still emotional but this is no longer a disadvantage but our strength. Our defects make us true beautiful. My woman in red has a blemish on her shoulder but the flaw is what makes her perfect. Twenty-first century is the time when women just realised that they are strong.»

"Cerrado / labios - Close / lips", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 70 x 70 cm., 2016 © Anna Wypych 

"La dama del tiempo / The Lady of Time, Boson 6"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 70 cm., 2018 © Anna Wypych

«En mis pinturas comparto emociones y pensamientos, impresiones para conmover al espectador, pero siempre de forma positiva. Quiero compartir sólo las cosas buenas; de las malas, tenemos suficiente alrededor. Creo que todos tienen a veces que pensar en la vida, en "grandes" asuntos importantes, como el amor, el significado de la vida, los valores por los que quieren ser guiados. Creo que cuando tenemos que tomar una decisión vital importante, pensamientos como ese ocurren en nuestra mente, en algún lugar en el límite de la conciencia. Creo que es cuando nos convertimos en lo que realmente somos. Como si, por cierto, nos aclaramos a nosotros mismos, en todo esto. Mis pinturas son solo eso. Me gustaría que inspiraran experiencias, pensamientos y sentimientos. Creo que estoy difundiendo el pensamiento humanista, y en términos más simples, comparto el bien que experimento.»

"Sólo algo entre hermanas / Just a Sister’s Thing", díptico / diptych
Óleo sobra panel de icono / oil on icon panel, c/u - each: 30 x 40 cm., 2015 © Anna Wypych

«Una un poco molesta, otra un poco asustada, ambas bellas y fuertes.
La hermandad entre hombres, tanto como entre mujeres, es algo más profundo y verdadero que lo que vemos en las series de televisión y películas. Es algo mucho más complicado. Mi pintura trata de un vínculo único que se crea entre las mujeres cercanas entre sí. La consanguinidad no es lo más importante aquí. Un dulce "me gustas" y "mejor amigo" no es suficiente. El verdadero vínculo es mucho más complicado. Solo las hermanas sabrán de lo que estoy hablando. Hay algunas cosas que simplemente sabemos y no necesitamos hablar de ellas, otros casos deben ser cuidadosamente discutidos, generalmente durante conversaciones casuales sin importancia, sobre cosas sin importancia. Por ejemplo, tienes una conversación con tu hermana sobre el color de las uñas y de repente, te sientes mejor respecto a tus preocupaciones y sabes qué hacer. No sé cómo funciona, pero lo hace. Una hermana es siempre una hermana. Es bueno saber eso; en algún lugar donde hay una chica como yo, pero completamente diferente. Mi hermana.»

«One little bit annoyed, other one a little bit scared, both beautiful and strong.
Sisterhood as brotherhood, is something deeper and truer, than what we see in the TV series and movies. It’s something much more complicated. My painting is about unique bond that is created between the women close to each other. Blood relation is not the most important here. Sweet „liking” and „best friend” is not enough. True bond is much more complicated. Only the sisters will know about what I am talking about. Some things we just know and we do not need to talk about them, other cases should be carefully talked over, usually during casual unimportant conversations, about unimportant things. For example, you have conversation with your sister about colours of nails and suddenly afterward, you feel better with your worries and know what to do. I do not know how it works, but it does. Sister is always a sister. This is nice to know that , somwhere there is a girl just like me, but completely different. My sister.»

"Rojo / Red", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 70 x 90 cm., 2016 © Anna Wypych 

"Doble libertad / Double Freedom, Boson 4", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 70 cm., 2017 © Anna Wypych

«Para mí es muy importante crear algo que sea verdadero para mí, algo mío, único en cierto modo. Creo que es detectable cuando el artista trata de seguir tendencias que él / ella no sienten realmente. Creo que tiene que tocar tu alma, y entonces la obra tiene la oportunidad de ser grandiosa. Lo que significa para mí "Ser creativo" está conectado con mi definición de artista, arte y obra de arte. Esos son conceptos muy difíciles de definir, es un trabajo para filósofos más inteligentes que yo.»

"El cohete tejido de los colores de la esperanza / The Rocket weaved from the colors of hope”
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 90 cm., 2018 © Anna Wypych

(intenta leerlo lentamente, como si probaras un postre muy dulce)

Olor salado del mar ...
textura de una arena húmeda bajo los pies desnudos
Viento suave y fresco en tu piel ...

Sientes como tus músculos se relajan, lo mismo que tu mente
te sientes leve
estás sólo aquí, en este lugar y momento.
/
La niña estaba dibujando
cohetes en la arena en la playa,
estaba tejiendo los colores de la esperanza.
Niña grande
devolviwendo al suelo/tierra todas las versiones hipotéticas,
todas las opciones, possibillities,
reflexiones de decisiones y errores.

Ella mira su trabajo.
Ahora es lo que es. Está hecho.
Ella entrará y volará lejos.
De algun modo.
Para esas aventuras.
¡Nos vemos! ¡Adiós!

(try to read it slowly, like tasting very sweet dessert)

Salty smell of the sea …
texture of a wet sand under naked feet
gentle, cool wind on your skin …

You feel as your muscles relax, the same as your mind
you feel lightly
you are only here, right in this place and moment.
/
The little girl was drawing
rockets in the sand on the beach,
was weaving the colors of hope.
Big girl
give back to the ground/earth all hypothetical versions,
all options, possibillities,
reflections of decisions and mistakes.

She looks at her work.
Now it is what it is. Done.
She will get in and fly away.
Somehow.
For that adventures.
See You! Bye!

Anna con su obra "Verdad primitiva" / with her work "Primitive Truth"

Anna Wypych is a young Polish painter who creates hyper-realistic oil paintings, usually with women, with surreal elements. She often complements her artworks with poems and short texts about her inspirations.

She received the master’s degree from the Academy of Fine Arts in 2011. During her studies received eight national awards and grants. She won the Grand Prix in the national competition "Artistic Journey of Hestia 2010", "Pomeranian Artistic Hope 2011" and the Certificate of Excellence, Palm Art Award 2012, Germany. Wypych painting is included in the permanent collection of the European Museum of Modern Art, Barcelona in Spain, and National Museum in Gdansk, Poland.

"Verdad primitiva / Primitive Truth", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 150 x 200 cm., 2013 © Anna Wypych 

"(...) y sonríe / (…) and smile", óleo sobre panel de icono / oil on icon panel, 20 x 30 cm., 2015 © Anna Wypych 

"Gris / Grey”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 80 cm., 2016 © Anna Wypych

«I am an artist, mom, wife, and human. I live on the coast of the beautiful Baltic sea and my art traditions are like Poland, located somewhere between traditional eastern Europe and more modern west. I love traditional art workshop, I celebrate long calm hours of work on my paintings. I also like to use modern tools, and am active in social media, because of the internet I feel like a citizen of the world. My art is a mixture of classic romantic artist with a hard working traditional attitude, but realist style is extended by elements of hyper-realism, surrealism and pure imaginative. My art is like me, like the overexcited person who always has to do more than it is needed, and is moody easy.»

"Lugar seguro / Safe Place", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 81 cm., 2014 © Anna Wypych 

"Azul / Blue", óleo sobre panel de icono / oil on icon panel, 70 x 50 cm., 2015 © Anna Wypych 

"El agua / The water", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50 x 70 cm., 2018 © Anna Wypych

«In my paintings I share emotions and thoughts, impressions to move the viewer, but always in a positive way. I want to share only with good things, bad ones we have enough around. I believe that everyone has a sometimes think about life, about important “big” matters, like love, the meaning of life, the values that he/she wants to be guided by. I think that when we have to make an important life decision, thoughts like that happens in our mind, somewhere on the borderline of consciousness. I think that’s when we become who we really are. As if, by the way, we clarify ourselves, in all of this. My paintings are just about that. I would like them to inspire to experiences, thinking and feeling. I think I’m spreading humanistic thought, and in the simplest terms, I share the good that I experience.»

"La flor del helecho / The Flower of Fern, Boson 1"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 70 cm., 2017 © Anna Wypych 

"Historia de la carne / History of the Flesh"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 90 cm., 2016 © Anna Wypych 

«Raramente hago cambios en un  proyecto ya comenzado. Esta vez tuve que hacerlos. Se suponía que era la pintura de un cuerpo que quería envolver con un capullo de encaje cuidadosament tejido. Cuando comencé a pintar me di cuenta de algo y decidí renunciar a todos los aditivos, y mirira la piel muy de cerca. Lo carnoso, a veces ardiente, a veces verdoso, con venas translúcidas aquí y allá  lunares claros, estrías, celulitis, cicatrices del cuerpo, con todos esos finos detalles (tu historia) es fascinante. Es fácil y mundano decir simplemente que el cuerpo es grandioso y maravilloso, no siendo ideal, pero es mucho más difícil pensar y sentirlo realmente. Intenta ver tu cuerpo más amablemente. Es sorprendente lo que puede hacer y de hecho hace cada vez que respiras. Mira cómo millones de cosas hacen un trabajo muy duro para darle constantemente todo lo que necesita. El cuerpo no es tu esclavo que tiene que mirar, actuar y ser como esperas. Es su mejor amigo, que a veces puede hacer cosas increíbles, pero al mismo tiempo necesita descanso, cuidado y comprensión. Agradece a su cuerpo lo que le hace por tí, porque existe y es increíblemente grandioso e irremplazable para mantenete vivo.»

«I very rarely do changes in my already begun project. This time I had to. It was supposed to be the painting about a body which I wanted to wrap with a cocoon of painstakingly woven laces. When I started to paint I realized something and decided to resign from all additives, taking a really close look at the skin. The fleshy, sometimes burning, sometimes greenish, with here and there translucent veins, clear moles, stretch marks, cellulite, scars body, with all such finest details – your history – is fascinating. It is easy and mundane to just say that the body is great and wonderful being not ideal, but it is much more difficult to think and feel so, truly. Try to see your body more kindly. It is amazing what it can make and what it does with the every breath you take. See how the millions of things work very hard, constantly giving everything you need. The body is not your slave, who has to look, act and be, like you expect them. It is your best friend, who sometimes can make incredible things, but at the same time needs a rest, care and understanding. Thank your body for what it does to you, because it exists and is so incredibly great and irreplaceable in keeping you alive.»

"Juego en blanco y negro / Black and White Play, Boson 2"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 70 cm., 2017 © Anna Wypych

Mundo blanco y negro de personajes en blanco y negro
decisiones en blanco y negro
¿qué hacer?
ella pinta marcas de guerra en su rostro, en el color de la esperanza
yendo con pasos de baile
donde quiera / no hay extremismo en el mundo
como si no hubiera fundamentalismo
ni nacionalismo
solo personas

Gente envenenada por malas ideologías
O los buenos, pero con demasiada concentración

ella es una persona libre
"Sé el cambio, que esperas ver en otras personas".
simplemente
A ella no le importan los ejemplares o los roles que obtuviste de fuera
¿Cómo es sentir la libertad pura?

piel sucia
persona sucia
decisiones sucias
ella enfrenta - todas las cosas malas - por su cuenta - con una gran confianza en sí misma - y una sonrisa un poco loca
asume tu propia responsabilidad y decide - porque siempre hay personas que "saben más" y están felices de hacerlo por usted.

la libertad está en la cabeza
la libertad es el estado mental

Black and white world of black and white characters
black and white decisions
what to do?
she paints war marks on her face – in the color of hope
going with the dancing step
wherever she wants / it’s like there’s no extremism in the world
as if there is no fundamentalism
no nationalism
only people.

People poisoned by bad ideologies
Or the good ones, but with too much concentration

she is free person
„Be change, you expect to see in other people.”
simply
She does not care about exemplars, or roles that you got from outside
how it is to feel pure freedom?

dirty skin
dirty person
dirty decisions
she face it – all bad stuff – by her own – with strong self-confidence – and a bit crazy smile
take your own responsibility, and decide – because there are always people who „know better” and are happy to do it for you.

freedom is in the head
freedom is the state of mind

"Dejando los hábitos tóxicos / Leaving Toxic Habits"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 80 cm., 2015 © Anna Wypych 

"Princesa mordedora / Biting Princess", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 40 x 50 cm., 2018 © Anna Wypych

Como una princesa
que camina por la vida con pasos de baile
como esa malvada Eva

como la depredadora salvaje, quien realmente eres
como la persona verdaderamente hambrienta
mordiendo la vida con grandes bocados,

Porque la vida debe ser vivida.
Con todos los errores que puedas permitirte.

Like a Princess
who walks through life with a dancing steps
like that evil Eve

like wild predator, who you really are
like really hungry person
bitting life with big bites,

Because life should be lived.
With all the mistakes you can afford.

"Demasiado dulce para ser cierto / Too Sweet to be Serious, Boson 3"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 70 cm., 2017 © Anna Wypych 

"Venus - Demonio / Venus - Demon"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 90 cm., 2017 © Anna Wypych

«For me it is very important to create something what is true for me, and something my own, unique in a way. I think it is detectable when artist try to follow trends which he/she do not feel truly. I belief it have to touch your soul, then the work have chance to be great. What mean for me “Being creative” is connected with my definition of artist, art and artwork. Those are very difficult to define concepts, it is a job for smarter philosophers than I am.»

El estudio de Anna con su obra "Venus - Demonio" / 
Anna's Studio with her work "Venus - Demon"
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Fuentes / Sources
* Website
* Interview de / Interview by Laura Gomez, 8/2018. Klassik International

Más sobre / More about Anna Wypych: Website, Blog, Instagram, facebook, Behance

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Anna!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Anna!)

Arte perdido / Lost Art (X)

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Desde luego la pérdida de obras de arte no siempre tiene lugar por motivos fortuitos; muchas veces es deliberada, como en estos ejemplos.

Of course, the loss of works of art does not always take place for fortuitous reasons; many times it is deliberate, as in those examples.

René François Ghislain Magritte
(Lessines, Bélgica / Belgium, 1898 - Bruselas / Brussels, 1967)

"La Pose Enchantée / La pose encantada / The Enchanted Pose", 1927
Fotografía en blanco y negro reproducida en /
Black and white photograph reproduced in RMCR. © Ch. Herscovici, Belgium. Science Journal

Durante años la obra se creyó perdida, hasta que en 2013 se descubrió parte de la obra en la parte de atrás de otro de sus cuadros. Una investigación realizada por el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York descubrió que "La pose enchantée" se había disgregado en cuatro partes. Gracias a los Rayos X los especialistas descubrieron que una parte estaba en Nueva York, debajo de "Le Portrait / El Retrato" (1935), otro trozo en Estocolmo, detrás de "Le modèle rouge / El modelo rojo", (1935), y en 2016 se descubrió que una tercera parte se encontraba en Norwich bajo "La Condición Humana" (1935). No hubo noticias del trozo faltante hasta el año pasado, cuando un grupo de investigadores de la Universidad de Lieja descubrió la última pieza del puzzle escondida entre los colores de "Dios no es un santo", un cuadro expuesto en el Museo Magritte de Bruselas realizado entre 1935 y 1936.


For years this work it was believed lost, until in 2013 part of the work was discovered in the back of another of his paintings. An investigation carried out by the Museum of Modern Art (MoMA) in New York found that "La pose enchantée" had broken up into four parts. Thanks to the X-rays the specialists discovered that one part was in New York, under "Le Portrait / The Portrait" (1935), another piece in Stockholm, behind "Le modèle rouge / The Red Model", (1935), and in 2016 it was discovered that a third part was in Norwich under "The Human Condition" (1935). There was no news of the missing piece until last year, when a group of researchers from the University of Liège discovered the last piece of the puzzle hidden among the colors of "God is not a saint", a painting exhibited at the Magritte Museum in Brussels. between 1935 and 1936.

Las partes / The Pieces

"Le modèle rouge / El modelo rojo / The Red Model"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 72 × 48,5 cm., 1935
Moderna Museet (Estocolmo, Suecia / Stockholm, Sweden)

"Le Portrait / El retrato / The Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 73,3 x 50,2 cm., 1935
The Museum of Modern Art (MoMA) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)
© Charly Herscovici – ADAGP – ARS, 2013

"La condition humaine / La condición humana / The Human Condition"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 54,2 × 73,2 cm., 1935. Norwich Castle (Norfolk, Reino Unido / UK)

"Dieu n'est pas un saint / Dios no es un santo / God is not a Saint"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 67,2 × 43 cm., 1935-36
Musée Magritte (Bruselas, Bélgica / Brussels, Belgium)

XRR e IRR de Dios no es un santo, en orientación horizontal, revelando un desnudo femenino truncado (desde arriba de la cabeza hasta el pecho inferior) debajo de la imagen actual /
XRR and IRR of Dieu n’est pas un saint, in landscape orientation, revealing a truncated female nude (from above the head to the lower breast) beneath the current picture
Foto / Photo: Science Journal

"La Pose Enchantée / La pose encantada / The Enchanted Pose"
Coloreado virtual de la fotografía en blanco y negro, basado en el análisis de rayos X /
Virtual colourisation of a black and white photograph on the basis on MA-XRF analysis. Science Journal

Fuentes / Sources
* Descubrimiento y análisis multi-analítico del último cuarto perdido de La pose encantada de René Magritte /
Discovery and multi-analytical study of the last missing quarter from René Magritte’s La pose enchantée
Por / by Catherine Defeyt, Elodie Herens, Frederik Leen, Francisca Vandepitte and David Strivay
* El último misterio de ‘La pose enchantée’ de Magritte, al descubierto /
The last mystery of Magritte's The Enchanted Pose discovered.
Artículo de / Article by David Ruiz Marull, La Vanguardia, 11/2017
* La pieza perdida de la pintura de Magritt ha sido descubierta en Norwich /
Missing piece of lost Magritte painting is discovered in Norwich
Artículo de / Article by Dalya Alberge. The Guardian, 9/2016
* El descubrimiento de La pose encantada / The Discovery of Magritte’s The Enchanted Pose 
Posteado por / Posted by Michael Duffy, Painting Conservator Cindy Albertson, Assistant Conservator

René Magritte en "El Hurgador" / in this blog:
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Joaquín Torres-García
(Montevideo, Uruguay, 1874 - 1949)

Torres-García fue un destacado pintor, profesor, escritor, escultor y teórico del arte uruguayo. En 2004 se publicó la siguiente noticia:

"Dos obras de Joaquín Torres-García (1874-1949) fechadas en la década de 1930 han sido borradas por un coleccionista con el fin de recuperar las pinturas, del propio artista uruguayo, que escondían. Se trata de Gran copa constructiva (1935) y Composición con hombre y reloj (1939), que fueron exhibidas en la gran antológica dedicada al pintor presentada con el título Torres-García, un mundo construido en la Fundación ICO de Madrid, entre octubre de 2002 y enero de 2003.
Cuando a principios de 2004 se presentó la exposición en el Museo Picasso de Barcelona, estas obras ya no estaban incluidas. Es bastante normal que en las grandes exhibiciones itinerantes haya cambios, pues no todos los particulares o instituciones están dispuestos a prescindir de sus piezas por demasiado tiempo; de hecho, la exposición de Barcelona varió bastante respecto a la de Madrid, pues se incluyeron muchas más obras. Pero da la casualidad de que estos dos cuadros no se expusieron porque ya no existían. En realidad, Gran copa constructiva sí llegó a participar, pero de una forma tan inverosímil que nadie podía saberlo, pues de ella solamente quedaban la fecha y la firma.
Los dos cuadros procedían de la familia Torres-García de Montevideo y estaban en el mercado madrileño, pero padecían de un grave inconveniente comercial: en los dos casos, su autor había pintado una obra encima de otra, y con el tiempo transparentaban. Es algo bastante común en Torres-García, que utilizaba técnicas mixtas, como la mezcla de óleo con aguada, y soportes humildes, en este caso cartón. Al parecer, un coleccionista barcelonés adquirió ambos cuadros y procedió a borrarlos para recuperar las obras tapadas. Así, Gran copa constructiva pasó a ser Constructivo animista, de 1934, que fue expuesta en el Museo Picasso, y Composición con hombre y reloj dejó paso a un paisaje constructivista de finales de los años veinte, que se puso a la venta en la pasada edición de Arco."

La situación que se generó con estas modificaciones de las obras originales dio lugar a un interesante debate sobre el derecho moral del artista a que sus obras se preserven en las condiciones que el propio artista estableció, por ejemplo el derecho a pintar encima y que la obra original no sea difundida, como se refleja en este comentario de la nuera del artista, la galerista de Nueva York Cecilia de Torres, que se ha negado a certificar las obras descubiertas al opinar que "quien cometió esta acción radical olvidó el derecho moral del artista de pintar encima de otros cuadros suyos, y además cometió fraude, porque para validar la actual pintura borró la fecha de Composición con hombre y reloj pero dejó la firma".
"Análisis de los problemas de la gestión de la propiedad intelectual en las instituciones museísticas", por Eva Lucía Anido Merino. Link
La noticia aquí:
"Dos obras de Torres-García, destruidas por un coleccionista", El Pais, 11/2004

Izq./ Left: "Composición con hombre y reloj / Composition With Man and Clock", 1939
Der./ Right: "Gran copa constructiva / Big Constructivist Cup"
Óleo y aguada sobre cartón / oil and gouache on cardboard, 1935

Torres-García was a leading Uruguayan painter, professor, writer, sculptor and theoretician of art. In 2004, the following news was published:

"Two works by Joaquín Torres-García (1874-1949), dated in the 1930s, have been erased by a collector in order to recover the paintings of the Uruguayan artist, which were hiding: the Great Constructive Cup (1935) and Composition with Man and Clock (1939), which were exhibited in the great anthology dedicated to the painter presented with the title "Torres-García, a world built" at the ICO Foundation in Madrid, between October 2002 and January 2003.
When at the beginning of 2004 the exhibition was presented at the Picasso Museum in Barcelona, ​​these works were no longer included. It is quite normal that in large itinerant exhibitions there are changes, because not all individuals or institutions are willing to dispense with their pieces for too long; In fact, the exhibition in Barcelona varied considerably compared to that of Madrid, since many more works were included. But it so happens that these two paintings were not exposed because they no longer existed. Actually, Great Constructive Cup did participate, but in such an improbable way that no one could know, because only the date and the signature were left.
The two paintings came from the Torres-García family of Montevideo and were in the Madrid market, but they suffered from a serious commercial inconvenience: in both cases, the author had painted one work on top of another, and over time they were transparent. It is something quite common in Torres-García, who used mixed techniques, such as the mixture of oil with gouache, and humble supports, in this case cardboard. Apparently, a Barcelona collector bought both paintings and proceeded to erase them to recover the covered works. Thus, the Great Constructive Cup became Animistic Constructive, from 1934, which was exhibited at the Picasso Museum, and Composition with Man and Clock gave way to a constructivist landscape of the late twenties, which was put on sale in the past edition of Arco."

The situation generated with these modifications of the original works gave rise to interesting considerations about the moral right of the artist to have his works preserved in the conditions that the artist established, for example the right to paint over and that the original work not be diffused, as reflected in this comment by the artist's daughter-in-law, the gallerist of New York Cecilia de Torres, who has refused to certify the works discovered to say that "whoever committed this radical action forgot the moral right of the artist paint over other paintings of his, and also committed fraud, because to validate the current painting erased the composition date with man and clock but left the signature".

"Constructivo animista / Animist Constructive", 1934

About this issue, you can deepen reading this text:
Analysis of the problems of the management of the intellectual property in the museistic institutions, by Eva Lucía Anido Merino. Link
The news (in Spanish) here: 
"Two works by Torres-Garcia destroyed by a collector / Dos obras de Torres-García, destruidas por un coleccionista", El Pais, 11/2004

Joaquín Torres García en "El Hurgador" / in this blog[Uruguayos (XII)], [Aniversarios (XXVII)]
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Mu Pan
潘慕
(Taichung City, Taiwan, 1976-)

Mu Pan es un sigular artista taiwanés de cuya obra ya disfrutamos previamente en el blog.
En este caso, la destrucción corre por cuenta del artista, aunque no para repintar el lienzo. Él mismo explica los motivos en en una entrevista:

- Cuéntanos tu opinión sobre tus trabajos más recientes o más importantes. ¿Por qué este trabajo en particular atrae a tu núcleo? ¿Cuáles son los temas que te hablan y te mantienen produciendo el trabajo por amor a él?

- Como puedes ver en mi sitio web, produje una variedad de trabajos en diferentes formas. Del dibujo realmente detallado de la acuarela de la vieja escuela, pasé a algunas pinturas mitad abstractas y mitad figurativas, también mi invención de la escultura de papel llamada "origaMU". Para mí, simplemente disfruto el proceso de cada obra, y no quiero enterrar mi habilidad solo con un tipo de trabajo. Solía ​​hacer comics hasta que hace unos años descubrí que ya no me resulta difícil, también abandoné la posibilidad de obtener fama instantánea al cambiar mi estilo de pintura dando un giro de 180 grados. Realmente no me preocupo por el resultado de mi trabajo, creo que el proceso de cada trabajo es lo significativo para mí, y créanme o no, destruiría cualquier cosa popular entre las personas que no me gustan, por ejemplo la pintura de una ballena que ves en el Meathaus SOS fue cortada de derecha a izquierda con una navaja de afeitar porque una chica me estaba molestando por esa pieza, y odio que las palabras increíble y asombroso se usen para describir mi trabajo, ¿qué sabemos nosotros qué es increíble? Meathaüs


Mu Pan is a noted Taiwanese artist whose work we previously enjoyed in this blog.
In this case, the destruction is at the expense of the artist, but not to repaint the canvas. He himself explains the reasons in an interview:

- Please tell us your thinking about your latest or most significant works. Why does this particular work appeal to your core? What are the themes that speak to you and keep you producing the work for the love of it?

- As you can see from my website, I produced a range of work in different form. From the really detailed rendered old school watercolor drawing moved to some half abstract and half representative paintings, also my invention of so called “origaMU” paper sculpture. To me I just enjoy the processing of working, and I do not want to bury my ability just with one type of work. I used to do comic until few years ago I found there are no more challenging to me in it, I also gave up the chance of getting an instant fame by changed my painting style to 180 degree. 

I do not really concern the outcome of my work, I believe the process of each work I ever produced are all significant to me, and believe me or not, I would destroy whatever is popular among the people who I don’t like, for example that whale painting you see in the Meathaus S.O.S was cut from right to left with a razor because some girl was bugging me about that piece, and I hate the words amazing and awesome to used on my work, what do we know what amazing is? Meathaüs

Mu Pan en "El Hurgador" / in this blog[El Gato Chimney (Pintura)], [Mu Pan (Pintura)]
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Continuamos con obras cuya pérdida no tiene que ver con las decisiones del artista, o al menos se desconoce este extremo.

We continue with works whose loss does not have to do with the decisions of the artist, or at least this is unknown.

 Echena
José Ignacio Luis Etxenagusia (Echenagusía) Errazkin
(Hondarribia [Fuenterrabía], Guipúzcoa, España / Spain, 1844 - 
Roma, Italia / Rome, Italy, 1912)

Jose Ignacio Luis Etxenagusia (Echenagusía) Errazkin "Echena", fue un pintor de género y orientalista vasco nacido en 1844 en Hondarribia.
Su pintura más ambiciosa fue Cristo en el Gólgota, que en 1884 ganó una Medalla de 2ª Clase en la Exposición Nacional de Madrid. Luego fue dada a conocer en reproducciones por la firma Goupil & Cie.
Dicha pintura se da por perdida y apenas subsiste una versión reducida (colección del Grupo Santander, Boadilla del Monte).

"Llegada al Calvario o Cristo en el Gólgota / The Arrival at Calvary or Christ on Golgotha"
Aguada y grisalla sobre papel / wash drawing en grisaille on paper, 100 x 169 cm., 1884
Fundación Banco Santander (España / Spain). GAP

Jose Ignacio Luis Etxenagusia (Echenagusía) Errazkin "Echena", was a Basque painter of genre and orientalist subjects born in 1844 in Hondarribia.
His most ambitious painting was The Arrival at Calvary / Christ on Golgotha, which in 1884 won a 2nd Class Medal at the National Exposition of Madrid. Then it was released in reproductions by the firm Goupil & Cie.
This painting is considered lost and only exist a reduced version.

Echena en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (LXI)], [Aniversarios (CCXII)]
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Paulino Vicente Rodríguez (padre / father)
(Oviedo, España / Spain, 1900 - 1990)

Paulino Vicente Rodríguez (padre) fue un pintor español, destacado retratista, nacido en Oviedo en 1900.
Ya pudimos ver una muestra de su obra en la celebración de su aniversario. En "El blog de Acebedo" podemos ver esta obra, uno de los retratos que el artista realizó de su esposa, y del cual se informa a pie de foto que fue "uno de los más innovadores, parcialmente destruido, del que se conserva la cara y la mano"

"Retrato íntimo de su primera esposa / Intimate Portrait of his First Wife, Pilar Serrano", 1929. Link

Paulino Vicente Rodríguez (father) was a Spanish painter, prominent portraitist, born in Oviedo in 1900.
We have already seen a sample of his work in celebration of his anniversary. In "El Acebedo blog" we can see this work, one of the portraits that the artist made of his wife, and which is reported at the end of the photo that was "one of the most innovative, partially destroyed, of which the face and hand"

Paulino Vicente Rodríguez en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (CXLVIII)]
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Sir William Beechey
(Burford, Oxfordshire, Reino Unido / UK , 1753 - Londres / London, 1839)

La obra muestra a Jorge III y sus hijos George, Prince of Wales y Frederick, Duke of York en una revista imaginada en Hyde Park. George monta a Adonis (su caballo favorito), mientras que el Príncipe de Gales usa el uniforme del 10º de Dragones Ligeros, de los cuales fue coronel. Al lado de Frederick está David Dundas (General de Cuartel General, que había ordenado maniobras en Windsor y Weymouth ante el rey) y la pintura también muestra a Philip Goldsworthy (uno de los representantes del rey y ayudantes de campo) y William Fawcett, Coronel de la 3ª Guardia de los Dragones. 

James Ward
(Londres, Inglaterra / London, England, 1769 - Cheshunt, Hertfordshire, 1859)

"Su majestad pasando revista al tercer regimiento de la guardia de Dragones del Príncipe de Gales /
HIS MAJESTY Reviewing the Third or Prince of Wales Regiment of DRAGOON GUARDS", 1799
Según la obra de / Afte Beechey. Mediatinta / Mezzotint, 58,6 x 66,7 cm.
Royal Collection Trust (Reino Unido / UK)

La pintura fue encargada por Jorge III y expuesta en la Royal Academy en 1798. Los bocetos preliminares no incluían al Príncipe de Gales, y aunque acudió a posar para Beechey, sobreviven algunas versiones sin él. El original estaba colgado en el Comedor del Estado en el Castillo de Windsor en el momento del incendio de 1992 y, demasiado grande para ser trasladado, fue el único que se destruyó. Su lugar ahora está ocupado por el retrato de grupo similar de 1751 de George III, su madre, hermanos y hermanas pintado por por George Knapton. Una versión más pequeña sobrevive en la colección del Museo del Ejército Nacional, probablemente copiada alrededor de 1830 por el hijo de Beechey, George Duncan Beechey. La obra estuvo en exhibición antes del cierre del Museo en 2014, pero no lo está en el Museo rediseñado. Wikipedia

George Duncan Beechey
(Londres, Reino Unido / London, UK, 1798 - Lucknow, India, 1852)

George Duncan Beechey (1798 - 1852) 
"Jorge III y el Príncipe de Gales pasando revista a las tropas /
George III and the Prince of Wales Reviewing Troops", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1798. 
National Army Museum (Londres, Reino Unido / London, UK). Wikipedia

The painting shows George III and his sons George, Prince of Wales and Frederick, Duke of York at an imagined review in Hyde Park. George rides Adonis (his favourite horse), whilst the Prince of Wales wears the uniform of the 10th Light Dragoons, of which he was colonel. Beside Frederick is David Dundas (Quartermaster General, who had commanded manoeuvres at Windsor and Weymouth before the king) and the painting also shows Philip Goldsworthy (one of the king's equerries and aides-de-camp) and William Fawcett, the 3rd Dragoon Guards' Colonel.

The painting was commissioned by George III and exhibited at the Royal Academy exhibition in 1798. The preliminary sketches do not include the Prince of Wales - though he later sat to Beechey for the work, some versions of it survive without him. The original was hanging in State Dining Room at Windsor Castle at the time of the 1992 fire and - too large to move out - it was the only painting to be destroyed. (Its place is now filled by the similarly-sized 1751 group portrait of George III, his mother, brothers and sisters by George Knapton.) A smaller version survives in the collection of the National Army Museum, probably copied around 1830 by Beechey's are George Duncan Beechey - it was on display prior to the Museum's closure in 2014 but it is not on show in the re-designed Museum. Wikipedia

William Beechey en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (L)]
John Ward en "El Hurgador" / in this blog[Pintando perros (L)], [Recolección (LX)]
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David Eichenberg
(Ohio, EE.UU./ USA, 1972-)

David Eichenberg es un artista estadounidense de quien presenté un post hace un par de meses. Mientras recopilaba el material para publicar, descubrí que, según consta en su sitio web, la presenta obra, "Devan con pañuelo II", se perdió durante el envío, en 2016.

"Devan con pañuelo II / Devan in Scarf II"
Óleo sobre panel de aluminio / oil on aluminium panel, 12" x 15"

David Eichenberg is an American artist of whom I presented a post a couple of months ago. While compilating stuff to publish, I discovered that, as you can read in his website, this work, "Devan in Scarf II", was los during shipping, in 2016.

David Eichenberg en "El Hurgador" / in this blog[David Eichenberg (Pintura)]
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Merry-Joseph Blondel
(París, Francia / France, 1781 - 1853)

"La Circassienne au Bain / La circasiana (cherquesa) en el baño / The Cherkess at the Bath"
Grabado / engraving, 1823. Según la obra de Blondel de 1914 / after Blondel's work from 1914
Fotografía del grabado del "Almanaque de las Damas para el año 1823?" /
Photograph of engraving from 'Almanach des Dames pour l'An 1823?'. Wikimedia Commons

"La Circassienne au Bain / La circasiana (cherquesa) en el baño / The Cherkess at the Bath"
Grabado en acero por / Steel engraving by Cavernier, 1850. Akg Images

John Francis Edmund Parker
(1964-)

"La Circassienne au Bain / La circasiana (cherquesa) en el baño / The Cherkess at the Bath"
Réplica según el óleo original de Blondel / Replica after an original oil by Blondel
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 200 x 140 cm., 2014. Wikimedia Commons / Saatchi

Merry-Joseph Blondel en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (CCXXXIX)]
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Respecto a las obras de arte perdidas durante el hundimiento del Titanic, según podemos leer en el siguiente artículo: 

"... el recuento real de las obras perdidas sigue siendo bastante oscuro, especialmente debido a que muy pocas obras fueron reclamadas por las aseguradoras. Y parece que, a pesar de la increíble opulencia de los interiores, muy pocas obras de arte originales fueron encargadas por la empresa.

Sin embargo, la evidencia que tenemos sugiere que aún así habían importantes obras de arte perdidas en el viaje. Téngase en cuenta por ejemplo la espectacular edición enjoyada de El Rubaiyat, una colección de aproximadamente 1.000 poemas del matemático y astrónomo persa del siglo XI Omar Khayyam. La encuadernación de este libro increíblemente lujoso contenía 1.500 piedras preciosas, cada una engarzada en oro. Había abordado el fatídico Titanic para ser transportado a un comprador estadounidense, vendido en una subasta en marzo de 1912 por una suma entonces sustancial de $ 1.900.

Otra obra perdida conocida es la pintura de 4' x 8' de Blondel, de gran valor, llamada 'La Circassienene au Bain'. Sabemos acerca de esto ya que su propietario, Haken Bjornstrom-Steffansen (que no iba a bordo), reclamó $ 100,000 de dinero del seguro por la obra. De manera similar, Emilio Portaluppi reclamó $ 3,000 por un retrato autografiado de Garibaldi que se dice que se perdió". Artlyst

Regarding the works of art lost during the sinking of the Titanic, as we can read in the following article:

"... the actual count of lost artworks remains fairly obscure, especially since very little artwork was filed and claimed for from insurers. And it does appear that, despite the incredible opulence of the interiors, very little original artwork was newly commissioned by the company.

Nevertheless, the evidence we have suggests that there was still important art lost on the voyage. Take the spectacular jewelled edition of The Rubaiyat – a collection of about 1,000 poems by the 11th-century Persian mathematician and astronomer Omar Khayyam. The binding of this incredibly luxurious book contained 1,500 precious stones, each set in gold. It had boarded the fateful Titanic so as to be transported to an American buyer, sold at auction in March 1912 for a then-substantial sum of $1,900.

Another known lost work is the desperately valuable 4′ x 8′ painting by Blondel called ‘La Circassienene au Bain’. We know about this one since its owner, Haken Bjornstrom-Steffansen (not on board), claimed $100,000 insurance money for the work. Similarly, Emilio Portaluppi claimed $3,000 for an autographed portrait of Garibaldi said to have been lost."Artlyst
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Casto Plasencia y Maestro
(Cañizar, Guadalajara, España / Spain, 1846 - Madrid, 1890)

“Ninfa de las mariposas / Nimph of Butterflies
Boceto de "Juegos de amor", perdido en la actualidad / Sketch for "Games of Love", today lost

Casto Plasencia y Maestro, pintor guadalajareño nacido el 17 de julio de 1846 en la localidad de Cañizar, practicó la pintura histórica, el retrato, el paisaje, la pintura costumbrista y decorativa a la vez que el gran mural, todo ello caracterizado por un estilo académico dotado de cierta sensualidad, que más tarde abandonaría por la pintura natural y al aire libre.
El presente lienzo titulado “Ninfa de las mariposas” es un boceto del definitivo, perdido en la actualidad, que tituló “Juegos de amor” y que formaba parte del segundo envío como becado de la Academia de Roma. Su temática es de carácter mitológico, con una gran carga de efectos decorativos, realizado al modo pompeyano. La mujer desnuda y recostada en un triclinio refleja una sensualidad un tanto banal y escasamente sutil, ya que lo que domina plásticamente la pintura es la superficialidad decorativa. Fuente

“Ninfa de las mariposas / Nimph of Butterflies” (detalle / detail)

Casto Plasencia y Maestro, a painter from Guadalajara born on July 17, 1846 in the town of Cañizar, practiced historical painting, portraiture, landscape, genre and decorative painting at the same time as the great mural, all characterized by a style academic endowed with a certain sensuality, which he would later abandon by natural and open air painting.
The present canvas titled "Nymph of the butterflies" is a sketch of the definitive one, lost at present, that titled "Games of love" and that was part of the second shipment like grant of the Academy of Rome. Its theme is mythological, with a large amount of decorative effects, made in the Pompeian way. The naked woman reclining in a triclinium reflects a somewhat banal and scarcely subtle sensuality, since what dominates the painting plastically is decorative superficiality. Source

Casto Plasencia y Maestro en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (CXXXIII)]
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Para cerrar el post, más de las alrededor de 417 obras perdidas durante el incendio de la torre del castillo austríaco de Immendorf, que habían sido almacenadas allí por el Reich para salvarlas de las incursiones aéreas sobre Viena, algunas de las cuales ya hemos repasado en post anteriores de esta serie. 

To close the post, more of the about 417 works lost during the fire of the tower of the Austrian castle of Immendorf, , stored there by the Reich to save them from air raids on Vienna, some of which we have already reviewed in previous post of this series.

Abraham I Janssens (Jansens) van Nuyssen
(Amberes, Bélgica / Antwerpen, Beligium, c.1575 - 1632)

Abraham Janssens I, Abraham Janssen I o Abraham Janssens van Nuyssen fue un pintor flamenco, conocido principalmente por sus grandes obras religiosas y mitológicas, que muestran la influencia de Caravaggio. Fue el pintor de historia más importante de Flandes antes del regreso de Rubens de Italia.
Era el hijo de Jan Janssens y Roelofken van Huysen o Nuyssen. Existe cierta incertidumbre con respecto a su año de nacimiento. Anteriormente se pensaba que había nacido en 1567, pero ahora se asume generalmente que su fecha de nacimiento fue 1575.
Estudió con Jan Snellinck y se inscribió como alumno en el Gremio local de San Lucas en 1585. Viajó a Italia, donde residió principalmente en Roma entre 1597 y 1602. Después de regresar a su país de origen se convirtió en maestro en el Gremio de Amberes en el año del gremio 1601-1602.
En 1607 se convirtió en decano del Gremio de Amberes de San Lucas. Este es también el momento en que recibió sus primeros encargos importantes, que iniciaron el período más importante de su carrera. Hasta el regreso de Rubens a Amberes en 1608, Janssens fue considerado quizás el mejor pintor de historia de su tiempo. Después de que Rubens se convirtiera en la fuerza dominante de los grandes retablos en el mercado de Amberes, Janssens tuvo que encontrar encargos para grandes obras monumentales de los patrones provinciales.
En 1610 se unió a la Cofradía de los Romanistas, una sociedad de humanistas y artistas de Amberes que habían viajado a Roma. La diversidad y los altos cargos de la membresía de la Confrerie le ofrecieron una buena oportunidad para reunirse con posibles clientes.

"Meleagro y Atalanta / Meleager and Atalanta", óleo sobre panel / oil on panel, 118 x 93 cm.

Abraham Janssens I, Abraham Janssen I or Abraham Janssens van Nuyssen was a Flemish painter, who is known principally for his large religious and mythological works, which show the influence of Caravaggio. He was the leading history painter in Flanders prior to the return of Rubens from Italy.
He was the son of Jan Janssens and Roelofken van Huysen or Nuyssen. There is some uncertainty regarding his year of birth. He was previously thought to have been born in the year 1567, but it is now more generally assumed that his date of birth was 1575.
He studied under Jan Snellinck and was registered as a pupil in the local Guild of Saint Luke in 1585. He travelled to Italy where he resided mainly in Rome between 1597 and 1602. After returning to his home country he became a master in the Antwerp Guild in the guild year 1601-1602.
In 1607 he became the dean of the Antwerp Guild of St Luke. This is also the time when he received his first major commissions, which initiated the most important period of his career. Until the return of Rubens to Antwerp in 1608, Janssens was considered perhaps the best history painter of his time. After Rubens became the dominant force for large altarpieces in the Antwerp market, Janssens had to find commissions for large monumental works from provincial patrons.
Janssens joined in 1610 the Confrerie of Romanists, a society of Antwerp humanists and artists who had travelled to Rome. The diversity and high positions held by the Confrerie's membership offered him a good opportunity to meet with potential patrons.

"Vertumno y Pomona / Vertumnus and Pomona"
Óleo sobre panel / oil on panel, 124 x 93 cm.

Domenico di Giacomo di Pace Beccafumi
(Montaperti, Asciano, Provincia de Siena, Italia /
Siena Province, Italy, 1486 - 1551)

Domenico di Pace Beccafumi fue un pintor renacentista-manierista italiano activo principalmente en Siena. Es considerado uno de los últimos representantes puros de la escuela de pintura de Siena.
Domenico era el hijo de Giacomo di Pace, un campesino que trabajaba en la finca de Lorenzo Beccafumi. Al ver su talento para el dibujo, Lorenzo lo adoptó y lo encomendó para aprender a pintar con Mechero, un artista menor de Siena. En 1509 viajó a Roma, donde aprendió de los artistas que acababan de hacer su primera obra en el Vaticano, pero pronto regresó a Siena. Sin embargo, mientras que las incursiones romanas de dos artistas de Siena de aproximadamente su generación (Il Sodoma y Peruzzi) los habían imbuido con elementos del estilo clásico de Umbría y Florencia, el estilo de Beccafumi siguió siendo, de manera llamativa, provinciano. En Siena, pintó piezas religiosas para las iglesias y de decoraciones mitológicas para clientes particulares, solo levemente influenciadas por las tendencias manieristas gesticuladas que dominaban la vecina escuela florentina. Hay excentricidades medievales, a veces fantasmagóricas, detalles emocionales superfluos y una brumosa calidad no lineal, a menudo irregular de sus dibujos, con una tonalidad primigenia a su coloración que lo separa de los clásicos maestros romanos.

"Martirio de Santa Lucía / Martyrdom of Saint Lucy"
Óleo sobre panel / oil on panel, 57,7 x 82,5 cm., c.1520-1527

Domenico di Pace Beccafumi was an Italian Renaissance-Mannerist painter active predominantly in Siena. He is considered one of the last undiluted representatives of the Sienese school of painting.
Domenico was the son of Giacomo di Pace, a peasant who worked on the estate of Lorenzo Beccafumi. Seeing his talent for drawing, Lorenzo adopted him, and commended him to learn painting from Mechero, a lesser Sienese artist. n 1509 he traveled to Rome, where he learned from the artists who had just done their first work in the Vatican, but soon returned to Siena. However, while the Roman forays of two Sienese artists of roughly his generation (Il Sodoma and Peruzzi) had imbued them with elements of the Umbrian-Florentine Classical style, Beccafumi's style remains, in striking ways, provincial. In Siena, he painted religious pieces for churches and of mythological decorations for private patrons, only mildly influenced by the gestured Mannerist trends dominating the neighboring Florentine school. There are medieval eccentricities, sometimes phantasmagoric, superfluous emotional detail and a misty non-linear, often jagged quality to his drawings, with primal tonality to his coloration that separates him from the classic Roman masters.

Joseph Roos
(Viena / Wien / Vienna, Austria, 1726 - 1805)

Joseph Roos fue un pintor austríaco que trabajó especialmente en Dresde.
Su bisabuelo fue el pintor Johann Heinrich Roos (1631-1685) y su abuelo Philipp Peter Roos (1651-1705). Fue enseñado por su padre Cajetan Roos (1690-1770), llamado "Gaetano Rosa". Después de su aprendizaje en Viena, con 21 años viajó a Dresde para trabajar como pintor de decoración bajo la guía de Giuseppe Galli da Bibiena. Roos participó en la renovación de la ópera en el Zwinger (1749-50) y su transformación renovada en 1753 bajo la dirección de Giovanni Niccolo Servandoni (1695-1766). Mientras tanto, Roos se quedó en Berlín y creó seis dibujos, ahora propiedad del Berlin Kupferstichkabinett. Desde 1758 vivió permanentemente en Dresde y trabajó como pintor de la corte y profesor. Con la fundación de la Academia en Dresde en 1764, se convirtió en miembro de la misma y enseñó diseño de paisaje. Un año después, ocupó el puesto de profesor de pintura paisajista. Debido a las diferencias insuperables entre Roos y su colega de la academia Giovanni Battista Casanova, en las que incluso sus alumnos estaban involucrados, Roos se trasladó a Viena en 1769 y encontró empleo como director de la Galería Imperial de Pinturas.

"Pastor y rebaño cerca del viejo sauce / Shepherd and Flock at the Old Willow Tree"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 71 x 86 cm., 1763.

Joseph Roos was an Austrian painter who worked especially in Dresden.
His great-grandfather was the painter Johann Heinrich Roos (1631-1685), and his grandfather Philipp Peter Roos (1651-1705). He was taught by his father Cajetan Roos (1690-1770), called "Gaetano Rosa". After his apprenticeship in Vienna, with 21 years old he traveled to Dresden to work as a decoration painter under the guidance of Giuseppe Galli da Bibiena. Roos participated in the renovation of the opera house in the Zwinger (1749-50) and its renewed transformation in 1753 under Giovanni Niccolo Servandoni (1695-1766). In the meantime, Roos stayed in Berlin and created six drawings, now owned by the Berlin Kupferstichkabinett. From 1758 he lived permanently in Dresden and worked as a court painter and teacher. With the founding of the Academy in Dresden in 1764, he became a member of the same and taught in landscape design. One year later, he held the professorship for landscape painting. Due to unbridgeable differences between Roos and his academy colleague Giovanni Battista Casanova, in which even her students were involved, Roos moved to Vienna in 1769 and found employment as director of the Imperial Picture Gallery.

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Otros posts de esta serie / Other posts of this series:


Aniversarios (CCXLIV) [Agosto / August 20-26]

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Todos los aniversarios de Agosto aquí / All anniversaries for August here.
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El 20 de Agosto es el cumple de

Alois Bubák, pintor paisajista e ilustrador checo nacido en 1824 en Kosmonosy.
Era hijo de un tallador de madera. Después de graduarse de un gimnasio en Mladá Boleslav, comenzó a estudiar en la Facultad de Teología de Praga por deseo de sus padres. Sin embargo su talento y amor por el arte pronto lo llevaron a la Academia de Bellas Artes de Praga. Sus maestros fueron el Sr. Ruben, director de la academia, y Maximilian Joseph Haushofer, un pintor paisajista. Ambos apreciaron su rápido progreso y su deseo de una expresión artística original.

"Un lago en las montañas / A Lake in the Mountains", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 49 x 63 cm., 1855
Narodni Galery / Galería Nacional, Palacio Salmovski (Praga, República Checa / Prague, Czech Republic)

Se centró en el arte del paisaje. Como estudiante viajó a Krkonoše (Montañas de los Gigantes), los Alpes y el suroeste de Bohemia. Luego presentó con éxito sus obras en varias exposiciones. Entre los más famosos se cuentan "Paisaje en los alrededores del Elba", "Paisaje bajo Studničov", "El Lago Gossau" y dos pinturas de la zona de Bad Ischl. El emperador Fernando I de Austria compró su representación del estanque de Holná en Bohemia del Sur. Los críticos también apreciaron su "Lago Plökenstein en el bosque de Bohemia", por su realismo, detalles en primer plano y amplia perspectiva al fondo. Según ellos esta pintura sobrepasó las de su maestro Haushofer.
Además de crear óleos y acuarelas, también enseñó pintura en una academia y en una escuela secundaria para niñas en Praga. Contribuyó con muchas ilustraciones a las revistas Květy y Světozor.
Era muy activo y trabajador, pintaba y enseñaba incansablemente para sostener a su gran familia. La tensión persistente y la falta de descanso contribuyeron a que contrajera la tuberculosis en el verano de 1868 y a su muerte prematura dos años más tarde.

"Tarde de verano en las montañas cerca del río Jizera / Summer afternoon in the mountains by the River Jizera"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 105 x 143,5 cm., 1863
Narodni Galery / Galería Nacional, Palacio Salmovski (Praga, República Checa / Prague, Czech Republic). Flickr

On August 20 is the birthday of

Alois Bubák, Czech painter of landscapes and illustrator born in 1824 in Kosmonosy.
He was a son of a wood carver. After graduating from a gymnasium in Mladá Boleslav, he started to study at a college of theology in Prague on the wish of his parents. However, his talent and love of art soon brought him to the Academy of Fine Arts in Prague. His teachers were Mr. Ruben, director of the academy, and Maximilian Joseph Haushofer, a landscape painter. Both appreciated his fast progress and his desire for an original artistic expression.

"Horský potok v úplňku / Arroyo de montaña con luna llena / Mountain Creek Full Moon"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 90 cm. Galerie Vltava

He focused on landscape art. As a student, he traveled to the Krkonoše (Giant Mountains), the Alps and South-West Bohemia. He then successfully presented his works on several exhibitions. The famous ones included Landscape around the Elbe, Landscape under Studničov, Gossau Lake and two paintings from Bad Ischl area. Emperor Ferdinand I of Austria bought his depiction of Holná pond in South Bohemia. Critics also appreciated his Plökenstein Lake in Bohemian Forest, for its realism, detail in the front and broad perspective in the rear. According to them, this painting overpassed those of his teacher Haushofer.
Apart from creating oil paintings and aquarelles, he also taught painting at a business academy and at a high school for girls in Prague. He contributed many illustrations to Květy and Světozor magazines.
He was very active and hard-working, painting and teaching tirelessly to support his large family. The persistent strain and a lack of rest contributed to his contracting of tuberculosis in the summer of 1868 and his premature death two years later.

"La colina Mužský (Hombre), cerca de Mnichovo Hradiště / The Hill Mužský (Male) Near Mnichovo Hradiště"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 115 x 148 cm., 1865
Narodni Galery / Galería Nacional  (Praga, República Checa / Prague, Czech Republic)


El 21 de Agosto es el cumple de

Hendrik Emil (Rik) Wouters, escultor y pintor belga nacido en Malinas en 1882.
Hijo de un ebanista y diseñador de muebles, con doce años comenzó a trabajar la madera en el taller de su padre. En 1897 comenzó a estudiar en la Academia de Malinas y desde 1900 en la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde tuvo de maestro a Charles Van der Stappen en la asignatura de Escultura de la naturaleza. En esta academia entabló amistad con Fernand Verhaegen y Edgard Tytgat.
En 1905 conoció a Nel, modelo de varios artistas, que se convirtió en su esposa y en la musa que nunca dejó de representar. Ante la falta de ingresos, la pareja se vio forzada a irse a vivir con el padre de Rik en Malinas. Debido a las tensiones con este último, regresaron a Bruselas a una miserable casa de Saint-Josse-ten-Noode y poco después se mudaron a Watermael-Boitsfort. En 1907 se establecieron en la calle Sapinière para tratar la tuberculosis Nel, en el límite del Bosque de Soignes que se convirtió en objeto de numerosas pinturas de Rik. Pronto obtuvo el premio Godecharle con su escultura llamada "Rêverie / Ensoñación".
Al comienzo de su carrera, fascinado por la obra de James Ensor, pitaba con espátula bodegones e interiores con figuras, con una luminosidad similar a las obras del Maestro. Pintaba con acuarela y dibujaba con carboncillo, realizando estudios de desnudos y retratos. Hizo varios intentos para pintar la luz y los estudios utilizando colores brillantes aplicados sobre cartón ya que los lienzos eran demasiado caros. Aislado y buscando su propio camino, realizó un busto en yeso de su amigo Edgard Tytgat que no pudo reproducir en bronce hasta mucho más tarde.

"De Opvoeding / Educación / Education"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 108 × 124 cm., c.1912. Wikimedia Commons
Koninklijk Museum voor Schone Kunsten (Amberes, Bélgica / Antwerpen, Belgium)

En 1908 ya disfrutaba de una reputación como escultor, por lo que fue invitado a participar en varias exposiciones y comenzó a recibir una subvención oficial de 500 francos belgas. En 1910 esculpió "La Vierge Folle", inspirado por la bailarina Isadora Duncan.
Como pintor descubrió en 1911 los trabajos de Cézanne a través de una reproducción en blanco y negro. Cambió su técnica dejando la espátula y utilizando el pincel, pero no fue hasta el siguiente año cuando pudo ir a París y descubrir la obra de los impresionistas. Quedó muy impresionado por las pinturas de Cézanne y Van Gogh, por la brillantez de sus colores. Su obra fue descrita como "Fauvisme brabançon" por Fierens en noviembre de 1941.
Firmó un contrato con la galería Giroux por el que obtuvo una pensión mensual a cambio de la mitad de los ingresos procedentes de la venta de sus obras, lo que finalmente le proporcionó cierta seguridad. Inició entonces un período de gran producción, pintando en 1912 unos sesenta lienzos. Obtuvo su consagración tras la exposición en la galería en 1914.
Al estallar la Primera Guerra Mundial ese mismo año fue movilizado e internado en un campo en los Países Bajos. Al poco sufrió los primeros síntomas de un cáncer que se por el cual fue hospitalizado. Se trasladó a Ámsterdam en 1915 con Nel y continuó pintando a pesar del dolor. Perdió un ojo como resultado de una operación. En febrero de 1916 realizó una exposición y murió pocos meses después a los 34 años.

"Zelfportret met ooglap / Autorretrato con parche negro en el ojo / Self Portrait With Black Eye Patch"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 102 x 85 cm., 1915. Wikimedia Commons
Koninklijk Museum voor Schone Kunsten (Amberes, Bélgica / Antwerpen, Belgium)

On August 21 is the birthday of

Hendrik Emil (Rik) Wouters, Belgian sculptor and painter born in Mechelen in 1882.
Son of a cabinetmaker and furniture designer, with twelve years began to work the wood in the workshop of his father. In 1897 he began studying Nature Sculpture at the Mechelen Academy and since 1900 at the Royal Academy of Fine Arts in Brussels under Charles Van der Stappen. In this academy he became friends with Fernand Verhaegen and Edgard Tytgat.
In 1905 he met Nel, a model of several artists, who became his wife and the muse he never stopped representing. In the absence of income, the couple was forced to go live with Rik's father in Mechelen. Due to the tensions with this last one, they returned to Brussels to a miserable house of Saint-Josse-ten-Noode and shortly after they moved to Watermael-Boitsfort. In 1907 they settled down on Sapinière Street to treat Nel tuberculosis, on the edge of the Soignes Forest which became the subject of numerous paintings by Rik. Soon he won the Godecharle prize with his sculpture Rêverie.
At the beginning of his career, fascinated by the work of James Ensor, he painted still lifes and interiors with figures using palette knife, with a luminosity similar to the Master's works. He painted and drawed with charcoal studies of nudes and portraits. He made several attempts to paint the light and the studios using bright colors applied on cardboard since the canvases were too expensive. Isolated and looking for his own way, he made a plaster bust of his friend Edgard Tytgat who could not reproduce in bronze until much later.

"De strijkster / La planchadora / The Ironer", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 108,5 × 124,8 cm., c.1912.
Koninklijk Museum voor Schone Kunsten (Amberes, Bélgica / Antwerpen, Belgium). Wikimedia Commons

In 1908 he already enjoyed a reputation as a sculptor, so he was invited to participate in several exhibitions and began receiving an official grant of 500 Belgian francs. In 1910 he sculpted "La Vierge Folle", inspired by the dancer Isadora Duncan.
As a painter he discovered in 1911 the works of Cézanne through a reproduction in black and white. He changed his technique leaving the spatula and using the brush, but it was not until the following year that he was able to go to Paris and discover the work of the Impressionists. He was very impressed by the paintings of Cézanne and Van Gogh, for the brilliance of their colors. His work was described as "Fauvisme brabançon" by Fierens in November 1941.
He signed a contract with the Giroux gallery for which he obtained a monthly pension in exchange for half of the income from the sale of his works, which finally gave him some security. Then began a period of great production, painting in 1912 about sixty canvases. He obtained his consecration after the exhibition in the gallery in 1914.
At the outbreak of the First World War that same year he was mobilized and interned in a camp in the Netherlands. Soon after he suffered the first symptoms of a cancer that he was hospitalized for. He moved to Amsterdam in 1915 with Nel and continued painting despite the pain. He lost an eye as a result of an operation. In February of 1916 he made an exhibition and died a few months later at the age of 34.

"De Herfst / El otoño / Autumn", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 135 × 140 cm., c.1913
Koninklijk Museum voor Schone Kunsten (Amberes, Bélgica / Antwerpen, Belgium). Wikimedia Commons


El 22 de Agosto es el cumple de

Leiko Ikemura (イケムライイコ), pintora y escultora japonesa-suiza, nacida en 1951 en Tsu, Prefectura de Mie.
Estudió en la Universidad de Osaka desde 1970-1972. Luego se fue de Japón para estudiar en España de 1973 a 1978 en la Academia de Bellas Artes de Granada y Sevilla. En 1979 se mudó a Zurich para vivir y trabajar allí durante 4 años. Realizó la primera de sus pinturas maduras alrededor de 1980. La primera exposición individual en una institución pública tuvo lugar en 1983 en el "Bonn Kunstverein", en Bonn, Alemania. Ese mismo año, pasó a ser artista en residencia en Nuremberg, ("Stadtzeichnerin" por invitación de la ciudad de Nuremberg).

"Zarathustra l", pigmentos sobre yute / pigment on jute, 74 3/4" x 114 1/4", 2014. Rena Bransten Gallery

Durante los siguientes años realizó numerosas exposiciones individuales en galerías e instituciones públicas. Su obra fue presentada en el Museum für Gegenwartskunst Basel (1987) y en la Bienal Internacional de Melbourne, 1999, en el pabellón de Japón. En 1985 se mudó a Colonia. Su interés en trabajar con la escultura comenzó en 1987. En la década de 1990 la figura femenina se convirtió en el foco principal de su trabajo. En 1991 se convirtió en profesora de pintura en la "Universität der Künste" (Universidad de Bellas Artes) en Berlín.
Actualmente vive y trabaja en Berlín y Colonia.

"Chica vestida de rojo con gato rojo / Girl in Red Dress With Red Cat"
Óleo sobre yute / oil on jute, 70 3/4" x 35 1/2", 2010-11. Rena Bransten Gallery

On August 22 is the birthday of

Leiko Ikemura (イケムラレイコ), Japanese-Swiss painter and sculptor born in 1951 in Tsu, Mie Prefecture. 
She studied at Osaka University from 1970-1972. She then left Japan to study in Spain from 1973 to 1978 at the Academia de Bellas Artes in Granada and Seville. In 1979, Ikemura moved to Zurich to live and worked there for 4 years. The first of her mature paintings developed around 1980. The first solo exhibition in a public institution took place in 1983 at the "Bonn Kunstverein", in Bonn, Germany.

"Rostro con pelo rosa / Face with Pink Hair"
Témpera sobre yute / tempera on jute, 120 x 100,5 x 3,2 cm., 2016. artmap

That same year, she spent as an artist in residency in Nuremberg, ("Stadtzeichnerin" upon invitation of the city of Nuremberg). During the next several years, Ikemura had numerous solo exhibitions in galleries and public institutions, such as: the Museum für Gegenwartskunst Basel (1987), Melbourne International Biennial 1999, in the Japan Pavilion. In 1985, she moved to Cologne. Her interest in working with sculpture began in 1987. In the 1990s, the female figure crystallized as the main focus of her work. In 1991, Ikemura became a Professor for Painting at the "Universität der Künste" (University of fine Arts) in Berlin.
Leiko Ikemura lives and works in Berlin and Cologne.

"Génesis con Santa Úrsula / Genesis with St. Ursula"
Témpera y óleo sobre yute / tempera and oil on jute, 190 x 290 cm., 2016. artmap


El 23 de Agosto es el cumple de

Agnes Cleve-Jonand, a menudo solo Agnes Cleve, registrada como Agnes Elizabeth Jonand, fue una pintora sueca nacida en 1876 en Upsala. Fue una de los pioneras del modernismo en Suecia.
Su padre era el profesor Per Teodor Cleve, y su madre la autora Alma Cleve, nacida Öhbom. Se matriculó en Uppsala y luego estudió en la Escuela Superior de Arte y Diseño en Estocolmo. Entre 1901 y 1912 estuvo casada con el abogado Ernst Lindsjöö (1869-1934), con quien tuvo dos hijos. Durante algunos años residió en Gotemburgo y estudió de manera intermitente en Valand School of Art, entre otros, Carl Wilhelmson. Después de su divorcio, Agnes Cleve-Jonand viajó a París en 1913 y estudió con Henri Le Fauconnier en la Académie de la Palette y André Dunuyer.

"Landskap / Paisaje / Landscape"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 51 x 59,5 cm., 1917. Bukowskis

En 1915 se casó con el artista John Jon-And, a quien conoció en Valand. La pareja Jon-And vivió en Estocolmo y luego en Bohuslän. Los felices veranos familiares en Källviken en Gullmarsfjorden en Bohuslän se convirtieron en un punto focal para los artistas. Allí vivieron la pareja de artistas ruso-alemanes Vassily Kandinsky y Gabriele Münter, a quienes conocieron durante la época de París. Ambos eran miembros del grupo de artistas alemanes Der Blaue Reiter, que se consideró que influyeron en Agnes Cleve-Jonand y John Jon-And. La familia también vivió durante algún tiempo en los Estados Unidos.
Agnes Cleve-Jonand debutó en una exposición en la galería de arte Gummeson en Estocolmo en 1917, junto con su marido. Su primera exposición individual fue en 1929, también en Gummeson. En sus pinturas Cleve-Jonand une el cubismo al expresionismo; utilizó una perspectiva cubista y coloración de Matisse. Sus temas son los retratos, paisajes urbanos y la escena de la costa oeste.
Murió en 1951.

"Nakenstudie / Estudio de un desnudo / Nude Study"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 98,5 x 58,5 cm., 1914. Bukowskis

"Självporträtt vid staffliet / Autorretrato al caballete / Self-Portrait by the Easel"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 64 x 74 cm., 1911. Bukowskis

On August 23 is the birthday of

Agnes Cleve-Jonand, often only Agnes Cleve, registered as Agnes Elizabeth Jonand, was a Swedish painter born in 1876 in Upsala. He was one of modernism's pioneers in Sweden.
Her father was the Professor Per Teodor Cleve, and her mother the author Alma Cleve, née Öhbom. She took matriculation in Uppsala and then studied at the Higher School of Art and Design in Stockholm. From 1901-1912 she was married to lawyer Ernst Lindsjöö (1869-1934), with whom she had two children. She was for some years a resident in Gothenburg and studied intermittently at Valand School of Art, with among others, Carl Wilhelmson. After her divorce Agnes Cleve-Jonand traveled to Paris in 1913 and studied with Henri Le Fauconnier at the Académie de la Palette and André Dunuyer.

"Mot dalen / El valle / The Valley"
Óleo sobre panel / oil on panel, 50 x 70 cm., 1934. Bukowskis

In 1915 she married to artist John Jon-And, whom she had met at Valand. The pair Jon-And lived in Stockholm and later in Bohuslän. Happy family summers in Källviken at Gullmarsfjorden in Bohuslän became a focal point for the artists. There lived the Russo-German artist couple Vassily Kandinsky and Gabriele Münter, who they had met their during Paris time. Both were members of the German artist group Der Blaue Reiter, who were considered to have influenced Agnes Cleve-Jonand and John Jon-And . The family also lived for some time in the United States.
Agnes Cleve-Jonand debuted at an exhibition at the art gallery Gummeson in Stockholm in 1917, along with her husband. Her first solo exhibition was in 1929, also on Gummeson. In her paintings Cleve-Jonand unites cubism to expressionism; she used a Cubist perspective and colouring from Matisse. The motives are portraits, cityscapes and the west coast scene. 
She died in 1951.

"Blommor i fönster / Flores en la ventana / Flowers in the Window"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 70 x 40 cm., 1914. Artnet


El 24 de Agosto es el cumple de

Adriaan Meulemans, artista holandés nacido en 1766 en Dordrecht y criado en el orfanato de ciudadanos.
El regente, al encontrar en él una predisposición favorable a pintar en la juventud, lo envió como aprendiz del pintor Michiel Versteeg, cuyo estilo intentó imitar, sin poder elevarse a la altura de su famoso maestro. Durante muchos años pintó en Dordrecht, y enseñó el arte del dibujo, hasta que se mudó a Leyden, donde uno de sus hijos practicaba teología. De allí se fue a Scheveningen, cuando este hijo ocupó el puesto de profesor allí.

"Cocina a la luz de la lámpara / Kitchen by Lamplight", óleo sobre panel / oil on panel, 50 × 40 cm., 1817
Rijksmuseum (Ámsterdam, Holanda / Netherlands)

Sus retratos a la acuarela, sus escenas domésticas a la luz de las velas y sus dibujos de antiguos maestros se basan en diferentes gabinetes. También realizó aguafuertes, entre otros un astrónomo, al estilo de Rembrandt, leyendo a la luz de las velas.
Murió en 1834 en la casa de su hijo en Scheveningen.

"Interior de una tienda a la luz de la vela / A Shop Interior by Candlelight"
Lápiz y tinta negra, aguada gris, iluminado con blanco, sobre papel azul /
pen and black ink, grey wash, heightened with white, on blue paper, 26,5 x 18 cm. Christie's
 'Aan mijnen kunstkundigen kunstvriend / Wel Edelen Heere Brentano te Amsterdam / door zijnen vriend; / Gelijk 't Lanteern licht kan lichten; / Als Gids en Baak, in Donkerheid; / Zoo kan ook JEEZUS leer ons stichten; / Op onze rijs naar d' Eeuwigheid; A. Meulemans Ft.' 

On August 24 is the birthday of

Adriaan Meulemans, Dutch artist born in 1766 in Dordrecht and raised in the citizen's orphanage.
Regent, finding a favorable predisposition to painting in the youth, ordered him as an apprentice by candlelighter Michiel Versteeg, whose style he attempted to imitate, without being able to elevate himself to the height of his famous master. For many years he painted in Dordrecht, and taught in drawing art, until he moved to Leyden, where one of his sons practiced in theology. From there he left for Scheveningen, when this son held the teaching position there.

"Anciana leyendo / Old Woman Reading"
Óleo sobre panel / oil on panel, 25 x 20,4 x 6,4 cm., 1800-1833
Rijksmuseum (Ámsterdam, Holanda / Netherlands)

His portraits in watercolor, his domestic scenes by candlelight, and his drawings to old masters are based in different cabinets. He also etched, among others, an Astronomer, in the style of Rembrandt, reading by candlelight.
He died in 1834 at the home of his son in Scheveningen.

"Escena doméstica nocturna / Nocturnal Domestic Scene"
Óleo sobre panel / oil on panel, 43 x 36 cm., 1820. Mutual Art


El 25 de Agosto es el cumple de

Wacław Wąsowicz, pintor y grabador polaco nacido en 1891 en Varsovia.
Estudió arte con Wojciech Gerson (1909-1910), luego estudió en la Escuela de Bellas Artes de Varsovia (1911-1914), donde fue enseñado por Ignacy Pieńkowski.
También estudió en la Academia de Bellas Artes Jan Matejko en Cracovia, donde fue alumno de Jacek Malczewski (1914). En sus obras utilizó el trampantojo, realizando grabados y acuarelas, pintando en lienzo y cerámica.

"Portret damy z tulipanem / Retrato de dama con tulipanes / Portrait of Lady With Tulips"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 70 x 57 cm., 1921
Muzeum Sztuki w Łodzi / Museo de Arte (Lodz, Polonia / Poland). Wikimedia Commons

Fue miembro de varios grupos artísticos: Formistów / Formistas, Rytmu / Ritmo, and Rytu / Rito.
Su esposa Janina Raabe-Wąsowiczowa era trabajadora social y miembro del Comité Konrad Żegota.
Murió en 1910.

"Portret żony / Retrato de su esposa / Portrait of his Wife"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 62,5 x 41 cm., 1929. Agra Art

On August 25 is the birthday of

Wacław Wąsowicz, Polish painter and printmaker born in 1891 in Warsaw.
He studied art with Wojciech Gerson (1909-1910), afterwards he studied at the School of Fine Arts in Warsaw (1911-1914), where he was taught by Ignacy Pieńkowski.
He had also studied at the Jan Matejko Academy of Fine Arts in Kraków, where he was a student of Jacek Malczewski (1914). He had made his artwork using trompe-l'œil, printmaking, watercolour, he painted on fabric, and on ceramic.

"Czytający gazetę / Leyendo el periódico / Reading the Newspaper"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 71 x 45 cm., 1920. Wikimedia Commons
Muzeum Narodowe w Warszawa / Museo Nacional (Varsovia, Polonia / Warsaw, Poland)

He was a member of artistic groups: Formistów / Formists, Rytmu / Rhythm, and Rytu / Rite.
His wife Janina Raabe-Wąsowiczowa was a social worker, and a member of the Konrad Żegota Committee.
He died in 1910.

"Portret żony / Retrato de su esposa / Portrait of his Wife"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 93 x 73 cm., 1928. Wikimedia Commons
Muzeum Narodowe w Warszawa / Museo Nacional (Varsovia, Polonia / Warsaw, Poland)


Hoy, 26 de Agosto, es el cumple de

Édouard Joseph Dantan, pintor francés en la tradición clásica nacido en 1848 en París. Fue ampliamente reconocido en su época, aunque posteriormente fue eclipsado por pintores con estilos más modernos.
Su abuelo, que había luchado en las Guerras Napoleónicas, era un escultor de madera. Su padre Antoine Laurent Dantan, y su tío Jean-Pierre Dantan, fueron ambos escultores famosos. Dantan fue alumno de Isidore Pils y Henri Lehmann en la École nationale supérieure des Beaux-Arts de París. A los diecinueve años ganó un encargo para una gran pintura mural de La Santísima Trinidad para el hospicio Brezin en Marne (Seine-et-Oise). La primera exhibición de Dantan en el Salón de París fue con "Un episodio en la destrucción de Pompeya" en 1869. En 1870 la guerra franco-prusiana interrumpió su trabajo y se alistó en la fuerza de defensa. Le dieron el rango de sargento, y luego fue ascendido a teniente. Durante la guerra, la casa familiar fue incendiada.
En los años posteriores a la guerra, Dantan exhibió una serie de otras pinturas en el Salón, incluyendo "Hércules a los Pies de Onfale (1871), Muerte de Tusaphane (1875), La ninfa Salmacis (1876), Príamo exigiendo a Aquiles el cuerpo de Héctor ( 1877), Llamado de los Apóstoles Pedro y Andrés (1878), Rincón del estudio (1880) y La rotura del modelo (1881). Continuó exhibiendo en el Salón hasta 1895. En 1890, 1894 y 1895 sirvió como jurado del Salón.

"L'Atelier du Sculpteur / El estudio del escultor / The Sculptor's Studio"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 73 x 54 cm., 1887. Sotheby's

Las obras de Dantan siguieron la tradición académica de la pintura y fueron elogiadas por sus contemporáneos. Su maestría técnica se ilustra con pinturas como Un coin d'atelier / Rincón del estudio (1880), donde muestra a su padre trabajando en un bajorrelieve en su estudio, visto desde atrás. El lugar está abarrotado de pinturas y esculturas. En primer plano, una mujer desnuda está tomando un descanso del modelaje. Un crítico elogió a la pintura por seguir todas las reglas del trampantojo y la fotografía estereoscópica. Al describir la pintura de un grupo de marineros que siguen a un clérigo que va a bendecir el mar, otro crítico dijo en 1881 que "ha escrito una página ante la cual los creyentes y los escépticos deben quitarse el sombrero".

"Una restauración / A Restoration"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 166,4 x 131,5 cm., 1891. Sotheby's

Durante doce años la compañera de Dantan fue la modelo Agostina Segatori, que también había posado para artistas como Jean-Baptiste Corot, Jean-Léon Gérôme, Eugène Delacroix y Édouard Manet. Dio a luz a un niño a Dantan, Jean-Pierre, en 1873. Tras su separación, Agostina abrió el Café du Tambourin en el Boulevard de Clichy, que se convirtió en un lugar de encuentro para artistas. Dantan pasó sus veranos en Villerville, donde murió el 9 de julio de 1897 cuando el carruaje en el que viajaba chocó violentamente contra la iglesia del pueblo.

"Un Moulage sur Nature / Un moldeado del natural / A Casting from Life"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1887. Colección privada / Private Collection. Wikimedia Commons

Izq./ Left: "Un Moulage sur Nature / Un moldeado del natural / A Casting from Life"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 165 × 131,5 cm., 1887
Göteborgs konstmuseum (Goteburgo, Suecia / Gothenburg, Sweden). Wikimedia Commons
Der./ Right: "Un Moulage sur Nature / Un moldeado del natural / A Casting from Life"
Óleo sobre panel / oil on panel, 49 x 37,5 cm. 1887. Wikimedia Commons

Today, August 26, is the birthday of

Édouard Joseph Dantan, French painter in the classical tradition born in 1848 in Paris. He was widely recognized in his day, although he was subsequently eclipsed by painters with more modern styles.
His grandfather, who had fought in the Napoleonic Wars, was a wood sculptor. His father, Antoine Laurent Dantan, and uncle, Jean-Pierre Dantan, were both well-known sculptors. Dantan was a pupil of Isidore Pils and Henri Lehmann at the École nationale supérieure des Beaux-Arts in Paris. At the age of nineteen he won a commission for a large mural painting of The Holy Trinity for the Hospice Brezin at Marne (Seine-et-Oise). Dantan's first exhibit at the Paris Salon was An Episode in the Destruction of Pompeii in 1869. In 1870 the Franco-Prussian War interrupted his work, and he enlisted in the defence force. He was given the rank of a sergeant, and was later promoted to lieutenant. During the war the family home was burned down.
In the years after the war Dantan exhibited a number of other paintings at the Salon including Hercules at the Feet of Omphale (1871), Death of Tusaphane (1875), The Nymph Salmacis (1876), Priam Demanding of Achillees the Body of Hector (1877), Calling of the Apostles Peter and Andrew (1878), Corner of the Studio (1880) and The Breakast of the Model (1881). He continued to exhibit at the Salon until 1895. In 1890, 1894 and 1895 he served on the jury of the Salon.

"Mouleurs dépouillant Rio (coin d’atelier) / Moldeadores desmontando a Rio (rincón del estudio) /
Molders stripping Rio (corner of workshop)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 200 x 200 cm., 1896. Colección privada / Private Collection. Milk

Dantan's works followed the academic tradition of painting, and were praised by his contemporaries. His technical mastery is illustrated by such paintings as Un coin d'atelier / Corner of the Studio (1880), where he depicts his father working on a bas-relief in his studio, seen from behind. The studio is cluttered with paintings and sculptures. In the foreground, a nude woman is taking a break from modelling. A critic praised the painting for following all the rules of trompe-l'oeil and stereoscopic photography. Describing a painting of a group of sailors following a clergyman going to bless the sea, another critic said in 1881 "he has written a page before which believers and skeptics must raise their hats".
For twelve years Dantan's companion was the model Agostina Segatori, who had also posed for artists such as Jean-Baptiste Corot, Jean-Léon Gérôme, Eugène Delacroix and Édouard Manet. She bore a child to Dantan, Jean-Pierre, in 1873. On their separation, Agostina opened Café du Tambourin on the Boulevard de Clichy that became a meeting place for artists. Dantan spent his summers in Villerville, where he died on 9 July 1897 when the carriage in which he was riding crashed violently into the village church.

"L'atelier de mon pére (Un coin d'atelier) / El estudio de mi padre (un rincón del estudio) /
My Father's Studio (a corner of the Studio)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 96.5 by 124 cm., 1881. Sotheby's

Fotógrafos japoneses / Japanese Photographers (XIII) - Hiroshi Watanabe (I)

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Hiroshi Watanabe trabaja básicamente la fotografía en blanco y negro, en formato cuadrado, y su producción abarca una variedad de temas: retratos, lugares y cualquier actividad humana que resulte interesante a los ojos del artista. Observador curioso, Watanabe ha recorrido muchos países buscando concretar en inspiradoras imágenes sus experiencias, contando historias visuales que nos conectan con las vidas cotidianas, celebraciones festivas, manifestaciones artísticas o circunstancias curiosas del resto de la humanidad.
En este primer post les dejo una selección de sus expresivos retratos, presentados de forma cronológica, junto con un apunte biográfico y comentarios del artista (texto y vídeo) sobre su obra y algunas de sus series. 

Hiroshi Watanabe basically works in black and white photography, in square format, and his production covers a variety of subjects: portraits, places and any human activity that could be interesting to the artist. A curious observer, Watanabe has traveled many countries seeking to express his experiences in inspiring images, telling visual stories that connect us with everyday lives, festive celebrations, artistic manifestations or curious circumstances of the rest of humanity.
In this first post here you have a selection of his expressive portraits, presented chronologically, along with a biographical note and comments from the artist (text & video) about his work and some of his series.
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Hiroshi Watanabe
渡邉 博史

Hiroshi Watanabe, Beverly Hills, 2013

Hiroshi Watanabe es un fotógrafo japonés nacido en 1951 en Sapporo, Hokkaido, que se graduó en el Departamento de Fotografía de la Universidad Nihon en 1975. Se mudó a Los Ángeles, donde trabajó como coordinador de producción de comerciales de televisión japoneses y luego cofundó una empresa de coordinación de servicios japonesa. Obtuvo un Máster en Bellas Artes de la UCLA Anderson Business School en 1993. Dos años más tarde, sin embargo, su interés inicial en la fotografía revivió, y comenzó a viajar por todo el mundo, fotografiando extensamente lo que encontraba intrigante en cada momento y lugar. Ha trabajado a tiempo completo en fotografía desde 2000.

"Una fábrica de ladrillos en Udaipur / A Brick Factory in Udaipur 8", 2000

Veo ángeles todos los días / I See Angels Every Day, 2002
"Paciente PV, Esquizofrenia, paranoia / Patient PV, Schizophrenia Paranoia"

«Un día de verano de julio de 2011, entré en el edificio del Hospital Psiquiátrico de San Lázaro. Este edificio colonial se construyó en 1751 como una casa para pobres, sin hogar, enfermos, enfermos mentales, pacientes con lepra y niños abandonados. Me dijeron que su nombre, San Lázaro, venía de Lázaro, que ayudaba a los leprosos en la Biblia. Después de muchos años de cambios, ahora es un enorme edificio de tres pisos que se encuentra en una empinada ladera de la antigua sección colonial de Quito, Ecuador.
Subimos a la sección de mujeres y entramos en una habitación grande con camas igualmente espaciadas alineadas a ambos lados, y había muchos pacientes. Cuando pasamos, una mujer comenzó a caminar a nuestro lado. Veía sus ojos llenos de excitación y curiosidad. Nos siguió hasta el exterior de la habitación donde comencé a hablar. Cuando por fin estábamos a punto de dejarla, ella dijo: "¿Ves a los ángeles? ¿Has visto a los ángeles?", y declaró: "Veo ángeles todos los días".»

Veo ángeles todos los días / I See Angels Every Day, 2002
"Paciente RH, Retraso mental / Patient RH, Mental Retardation"

Veo ángeles todos los días / I See Angels Every Day, 2002. "Paciente AL, Ciego / Patient AL, Blind"

«One summer day of July 2011, I walked into the building of San Lázaro Psychiatric Hospital. This colonial building was made in 1751 as a house for poor, homeless, sick, mental illness, leprosy patients, and abandoned children. I was told its name, San Lázaro, came from Lázaro, who was a leprosy helper in the Bible. After changes of many years, it is now a three-storey massive building standing on a steep hillside of the old colonial section of Quito, Ecuador.
We went upstairs to the women's section and entered a large room with evenly spaced beds lined up on both sides, and there were many patients. As we walked by, a woman started to walk side by side with us. I see her eyes full of excitement and curiosity. She followed us around to the outside of the room I started to talk. When we were finally about to leave her, she said, "Do you see the angels? Have you seen the angels?", and she declared, "I see angels every day."»

Veo ángeles todos los días / I See Angels Every Day, 2002
"Paciente MO, Retraso mental profundo / Patient MO, Deep Mental Retardation"

Actor de Kabuki / Kabuki Player, 2003-04. Azusa Tukamoto como / as Heitaro 1, Matsuo Kabuki

Después de cinco libros auto-publicados, el primero publicado convencionalmente fue "Veo ángeles todos los días", retratos monocromáticos de los pacientes y otras escenas dentro del hospital psiquiátrico San Lázaro en Quito, Ecuador. Este libro ganó el premio Photo City Sagamihara 2007 para fotógrafos profesionales japoneses.
En 2005 una selección de su obra fue presentada en la revista fotográfica Nueva Luz, volumen 10 # 3. En 2007 ganó un premio de "Critical Mass" de Photolucida que le permitió la publicación de su monografía "Hallazgos / Findings".
En 2008 su obra en Corea del Norte ganó el Primer Premio del Concurso de Proyectos del Centro Santa Fe, y el libro titulado "Ideología del Paraíso" se publicó en Japón.
Fue invitado y participó en proyectos por encargo tales como "La Venecia real / Real Venice" en 2010 (su exhibición estuvo programada en la Bienal de Venecia de 2011), "Verano en la ciudad de los toros / Bull City Summer" en 2013 y "El arte de la supervivencia, la agitación duradera del lago Tule / The Art of Survival, Enduring Turmoil of Tule Lake" en 2014.
Las obras de Watanabe se encuentran en colecciones permanentes del Museo de Bellas Artes de Houston, George Eastman House y el Museo de Arte de Santa Bárbara.

Actor de Kabuki / Kabuki Player, 2003-04. Maiko Takaku, Matsuo Kabuki

Hiroshi habla (en inglés) sobre su serie / talks about his Series Kabuki


Actores de Kabuki / Kabuki Player, 2003-04. Susumu Takagi como / as Satsuki, Nakatsugawa Kabuki

«Voy a lugares que me cautivan y me intrigan. Estoy interesado en lo que hacen los humanos. Intento captar personas, tradiciones y lugares que, ante todo, son de interés personal. Me sumerjo en la información sobre los lugares antes de irme, pero trato de evitar ideas firmes y preconcebidas. Me esfuerzo tanto en el cálculo como en el descubrimiento en mi obra, manteniendo mi mente abierta a las sorpresas. A veces imagino imágenes que me gustaría captar, pero cuando miro por el visor, mi mente se queda en blanco y fotografío lo que me llama la atención. Las fotografías con las que vuelvo son generalmente diferentes a mis conceptos originales. Mis fotografías reflejan tanto un interés genuino en mi tema como un respeto por el elemento de la casualidad, mientras que otras veces busco la belleza pura. El disfrute puro de este proceso me impulsa y me inspira. Creo que hay un hilo que conecta todo mi trabajo: mi visión personal del mundo como un todo. Hago todo lo posible para ser una fiel registrador visual del mundo que me rodea, un mundo en constante cambio que, al menos en mi opinión, merece ser preservado.»

Rikishi, 2005. "Kotoyutaka"

Hiroshi Watanabe is a japanese photographer born in 1951 in Sapporo, Hokkaido, graduated from the Department of Photography of Nihon University in 1975. He moved to Los Angeles, where he worked as a production coordinator for Japanese television commercials and later co-founded a Japanese coordination services company. He obtained a MBA from the UCLA Anderson Business School in 1993. Two years later, however, his earlier interest in photography revived, and he started to travel worldwide, extensively photographing what he found intriguing at each moment and place. He has working full time in photography since 2000.

Rikishi, 2005. "Fukujumaru"

Hiroshi Watanabe is a japanese photographer born in Sapporo, Hokkaido, graduated from the Department of Photography of Nihon University in 1975. He moved to Los Angeles, where he worked as a production coordinator for Japanese television commercials and later co-founded a Japanese coordination services company. He obtained a MBA from the UCLA Anderson Business School in 1993. Two years later, however, his earlier interest in photography revived, and he started to travel worldwide, extensively photographing what he found intriguing at each moment and place. He has working full time in photography since 2000.

Ideología en el Paraíso / Ideology in Paradise, 2006-07
Li Min Gyong, Palacio de niños escolares de Pyongyang / Pyongyang Schoolchildren's Palace

En 2006-2007 Watanabe hizo viajes a Corea del Norte para investigar los mitos de los que se hablaba como hechos en su Japón natal. Se describía a Corea del Norte como un país que secuestraba japoneses, permitía que la policía brutalizara a sus ciudadanos y dejaba a los pobres a morir de hambre en las calles. No convencido por esta visión unilateral de los norcoreanos, quiso investigar por sí mismo. Durante su tiempo en Corea del Norte, dejó que su curiosidad lo guiara y permitió que el proceso se desarrollara orgánicamente sin imponer ninguna agenda. Estas imágenes son ricas en contenido y estética, dando al espectador una ventana en un momento en el tiempo, capturado con un respeto genuino que es visible en cada una de sus imágenes.

Ideología en el Paraíso / Ideology in Paradise, 2006-07
Kim Song Mi & Kim Yun Kyong, Escolares de Pyongyang / Pyongyang Schoolchild

From 2006-2007, Watanabe made trips to North Korea to investigate the myths that were spoken as fact in his native Japan.  North Korea was described only as a country that kidnapped Japanese, allowed police to brutalize their citizens, and left the poor to die of starvation on the streets. Unconvinced by this one-sided perspective of North Koreans he wanted to investigate for himself.  During his time in North Korea, he let his curiosity guide him and allowed the process to unfold organically without imposing any agenda. These images are rich in both content and aesthetics, giving the viewer a window into a moment in time, captured with a genuine respect that is visible in each of his images.

Ideología en el Paraíso / Ideology in Paradise, 2006-07
Ri Un Byoi, Casa de descanso Sinphyong, Corea del Norte / Sinphyong Resthouse, North Korea

After five self-published books, Watanabe's first to be published conventionally was I See Angels Every Day, monochrome portraits of the patients and other scenes within San Lázaro psychiatric hospital in Quito, Ecuador. This won the 2007 Photo City Sagamihara award for Japanese professional photographers.
In 2005, a portfolio of his work was featured in Nueva Luz photographic journal, volume 10#3. In 2007 Watanabe won a "Critical Mass" award from Photolucida that allowed publication of his monograph Findings.
In 2008, his work of North Korea won Santa Fe Center Project Competition First Prize, and the book titled "Ideology of Paradise" was published in Japan.
He was invited and participated in commission projects such as "Real Venice" in 2010 (its exhibition was a program in 2011 Venice Biennale), "Bull City Summer" in 2013, and "The Art of Survival, Enduring Turmoil of Tule Lake" in 2014.
Watanabe's works are in the permanent collections of the Houston Museum of Fine Arts, George Eastman House, and Santa Barbara Museum of Art.

Comedia de doble significado / Comedy of Double Meaning, 2010
Michele Modesto Casarin como / as Arlecchino [Arlequín / Harlequin]

Hiroshi Watanabe sentía intensamente la incómoda relación que los venecianos tienen con sus visitantes extranjeros, resentidos pero totalmente dependientes, y se preguntaba si podría insuflar sus imágenes con esta incomodidad. Como las máscaras están destinadas a revelar (verdades y emociones más profundas) y disfrazar (identidad), Watanabe decidió que podían cumplir con su intención de mostrar la inquietud veneciana. Se centraría en la rica tradición de máscaras y disfraces en Venecia. Se dirigió a la Commedia dell'Arte italiana, que finalmente lo llevó a la Compañía Pantakin, y se produjo una fructífera colaboración. (c) William Ewing [Extracto]

Comedia de doble significado / Comedy of Double Meaning, 2010
Paolo Bisetto Trevisin como / as Innamorato [Enamorado / In Love]

Hiroshi Watanabe felt keenly the uneasy relationship the Venetians have with their foreign guests - resentful but wholly dependent - and he wondered if he could inflect his pictures with this discomfort. As masks are meant both to reveal (deeper truths and emotions) and disguise (identity) Watanabe decided they could serve his intention to depict Venetian unease. He would focus on the rich tradition of masks and costumes in Venice. He approached the Italian Commedia dell'Arte, which ultimately led him to Pantakin Company, and a fruitful collaboration ensued. (c) William Ewing [Excerpt]

"Mascaras de Luchador / Masks of Wrestler" 1, 2015

Retratos de nosotros mismos / Portraits of Ourselves
Anntoinette (Reina del Vudú), Nueva Orleans / (Voodoo Queen), New Orleans

«I go to places that captivate and intrigue me. I am interested in what humans do. I seek to capture people, traditions, and locales that first and foremost are of personal interest. I immerse myself with information on the places prior to leaving, but I try to avoid firm, preconceived ideas. I strive for both calculation and discovery in my work, keeping my mind open for surprises. At times, I envision images I’d like to capture, but when I actually look through the viewfinder, my mind goes blank and I photograph whatever catches my eye. Photographs I return with are usually different from my original concepts. My photographs reflect both genuine interest in my subject as well as a respect for the element of serendipity, while other times I seek pure beauty. The pure enjoyment of this process drives and inspires me. I believe there’s a thread that connects all of my work -- my personal vision of the world as a whole. I make every effort to be a faithful visual recorder of the world around me, a world in flux that, at very least in my mind, deserves preservation.» 

Retratos de nosotros mismos / Portraits of Ourselves
"Meeralal, Pueblo Amabatalai / Amabatalai Village, India"

Retratos de nosotros mismos / Portraits of Ourselves. Nataly Tabango, Ecuador
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Hiroshi habla sobre su técnica / talks about his technique


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Fuentes / Sources:
* Website
Wikipedia (English)
* Hallazgos, Kabuki y Sarumawashi / Findings, Kabuki and Sarumawashi
Exposición / Exhibition 2009: 11/9 - 31/10. Catherine Edelman Gallery
* Ideología en el Paraíso / Ideology In Paradise, 2009. 6/6 - 11/7. Kopeikin Gallery

Más sobre / More about Hiroshi Watanabe: Website, facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Hiroshi!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Hiroshi!)

Recolección / Compilation (CIX) - Naturaleza muerta / Still Life (II)

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Beth Sistrunk
(Beallsville, Ohio, EE.UU./ USA)
en / at Naples, Florida

"Receta para un día hermoso / Recipe for a Beautiful Day", óleo / oil, 12" x 16"

La artista trabajando en la obra / The artist at work
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Adriaen Coorte
(Middelburg, Holanda / Netherlands, c.1665 - después de / after 1707)

"Tres melocotones en una repisa de piedra con una mariposa Dama pintada /
Three Peaches on a Stone Ledge With a Painted Lady Butterfly"
Óleo sobre papel montado sobre panel /
oil on paper mounted on panel, 31,3 x 23,3 cm., entre / between 1693 - 1695.
Colección privada / Private Collection. Wikimedia Commons

"Naturaleza muerta con espárragos / Still Life with Asparagus"
Óleo sobre papel montado sobre panel / oil on paper mounted on panel, 25 x 20,5 cm., 1697
Rijksmuseum (Ámsterdam, Holanda / Netherlands)

Adriaen Coorte en "El Hurgador" / in this blog[Asonancias (X)]
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Georg Schrimpf
(Múnich, Alemania / Germany, 1889 - Berlín, 1938)

"Stilleben / Naturaleza muerta / Still Life", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 63,5 x 48,5 cm., 1925. Lempertz

Georg Schrimpf en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (CCXIV)]
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Eberhard Viegener
(Soest, Alemania / Germany - Bilme, 1967-) 

"Stilleben mit Tongefäss, Kaktus und Äpfeln / Naturaleza muerta con cerámica, cactus y manzanas /
Still Life With Ceramic, Cactus and Apples", óleo sobre panel / oil on panel, 60,5 x 51 cm., 1927. Lempertz
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Conor Walton
(Dublín, Irlanda / Ireland, 1970-)

"Leche / Milk", óleo sobre lino / oil on linen, 30 x 24 cm., 2016. Pinterest

"Jarra de leche / Milk Jug", óleo sobre lino / oil on linen, 30 x 23 cm.

Conor Walton en "El Hurgador" / in this blog[Rinocerontes (LXXXIX)]
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Anne Vallayer-Coster
(París, Francia / France, 1744 - 1818)

"Un bodegón con caballas, cristalería, una pieza de pan y limones sobre una mesa con mantel blanco / 
A Still Life of Mackerel, Glassware, a Loaf of Bread and Lemons on a Table With a White Cloth"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 49,4 x 60,5 cm., 1787. Sotheby's
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Alexander Sigov
Александр Сигов
(San Petersburgo, Rusia / St. Petersburg, Russia, 1955-)

"Naturaleza muerta con reloj inglés / Still Life with English clock", 60 х 50 cm., 2007. facebook

Alexander Sigov en "El Hurgador" / in this blog[Alexander Sigov (Pintura)], [Pintando perros (IX)]
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Sir Cedric Lockwood Morris
(Sketty, Swansea, Reino Unido / UK, 1889 - Hadleigh, Suffolk, 1982)

"Yalta", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 81,3 x 109,2 cm., 1945
Ferens Art Gallery (Kingston upon Hull, Yorkshire, Inglaterra / England). ArtUK
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Giuseppe Luigi Carlo Benevenuto Lucioni
(Malnate, Italia / Italy, 1900 -
Greenwich Village, Manhattan, Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1988)

"Un recuerdo / A Remembrance", óleo sobre lino / oil on linen, 11 1/8" x 13 1/8", 1957. DC Moore Gallery

"Arreglo en azul y blanco / Arrangement in Blue and White"
Óleo sobre lino / oil on linen, 20" x 16", 1940. DC Moore Gallery

"Texturas indias / Indian Textures"
Óleo sobre lino / oil on linen, 18" x 27", 1933. DC Moore Gallery
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Nadine Lundahl
(Amberes, Bélgica / Antwerp, Belgium, 1958-)

"Manzanas sobre un mantel rojo / Apples on a Red Cloth"
Óleo sobre panel / oil on board, 29 x 39 cm., 1987. Bukowskis

"Naturaleza muerta con una copa Roemer y un libro / Nature Morte with a Roemer and Book"
Óleo sobre panel / oil on board,  19,5 x 29,5 cm. Blouin Art
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Jakob "Jaap" Nieweg
(Hogebeintum, Holanda / Netherlands, 1877 - Amersfoort, 1955)

"Kweeperen op een tinnen bord / Membrillos en una bandeja de latón / Quinces of a Tin Plate"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 40 x 60.5 cm., 1937. BIES Kunsthandel
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Aurèle René Barraud
(La Chaux-de-Fonds, Suiza / Switzerland, 1903 - Ginebra / Geneve, 1969)

"Bodegón de cocina / Kitchen Still Life", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65 x 81 cm. Koller

"Zinnkanne mit Orangen auf blauem Tuch / Jarra de peltre con naranjas sobre mantel azul /
Pewter Jar With Oranges on Blue Cloth", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 73 x 60 cm. Blouin Art
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Wacław Wąsowicz
(Varsovia, Polonia / Warsaw, Poland, 1891 - Wilanów, 1942)

"Martwa natura z dzbanami / Bodegón con jarras / Still Life with Pitchers"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 46,5 x 65,5 cm., 1941. Agra Art

"Martwa natura z wachlarzem / Naturaleza muerta con un abanico / Still Life With a Fan"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 87,5 x 115,5 cm. Agra Art

Wacław Wąsowicz en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios CCXLIV)]
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Frederick Judd Waugh
(Bordentown, Nueva Jersey, EE.UU./ New Jersey, USA, 1861 -  1940)

"Fila rara / Rum Row", óleo sobre panel / oil on board, 81,28 x 73,66 cm., 1922.
Colección privada / Private Collection. Sotheby's
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Jotje "Jopie" Huisman
(Workum, Holanda / Netherlands, 1922 - 2000)

"Hoeden / Sombreros / Hats", óleo sobre lino / oil on linen, 70 x 85 cm., 1978. Curiator

«Un día todas esas personas llegaron felices a casa con su sombrero nuevo. Un hombre vivía en el garage de abajo; podían en contrarse las huellas grasientas de sus dedos. Uno era un filósofo que amaba la bebida. ¿Y el sombrero rojo con el adorno de metal? Esa mujer era vieja y fea, pero muy orgullosa: "¿No me queda genial?". Veía todo eso mientras estba pintando, pero tenía mucho tiempo. Trabajé en esta pintura durante 3 meses.» Link

«Once all these people came home happy with their new hats. One man lived in the garage downstairs; his greasy fingerprints can be found. One was a philosopher who loved a drink. And the red hat with the metal ornament on it? That woman was old and ugly, but so very proud, "Doesn't it look great on me?" I see all that while painting but I had plenty of time. I worked on this painting for 3 months.» Link

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Catherine Murphy
(Cambridge, Massachusetts, EE.UU./ USA, 1946-)

"Lavabo del baño / Bathroom Sink", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 51½" x 44", 1994
Imágen / image Peter Freeman, Inc., New York. Hyperallergic

"Apilados / Stacked", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 152,4 x 152,4 cm., 2017. Peter Freeman
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Hovsep Pushman
Յովսէփ Փուշման
(Dikranagerd [Diyarbakir], Turquía / Turkey, 1877 -
Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1976)

"Visitante celestial / Celestial Visitant", óleo sobre panel / oil on panel, 82 x 64,1 cm. Christie's

"Sus días dorados / Her Golden Days", óleo sobre panel / oil on panel, 21" x 26", c.1930. Pinterest
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Johannes Bernardus (Johan) Ponsioen
(Nimega, Holanda / Netherlands, 1900 - 1969)

"Stilleven met vogelnestje / Naturaleza muerta con nido de pájaro / Still Life With Bird's Nest"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30 x 40 cm., c.1956. Studio 2000

"Stilleven met schelp / Naturaleza muerta con conchas / Still Life With Shells"
Óleo sobre panel / oil on board, 21 x 27 cm. Uri Premselaar - Kunstzaak
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R. Kenton Nelson
(Los Angeles, California, EE.UU./ CA, USA, 1954-)

"Buzón / Post", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91,4 x 91,4 cm., 2011. Artsy

"Grandes zapatos / Big Shoes", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 228,6 × 337,8 cm., 2011. Artsy
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Barnaby Fitzgerald
(Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1953-)

"Isadora", óleo sobre lino / oil on linen, 152,4 x 127 cm., 2014. 1stdibs

"Mocha Melanzana", 18" x 23", 2006. Link

"Concha y granada / Shell & Pomegrane", 18" x 20", 2006. Link
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Jean-Christophe Gondouin
(Carpentras, Francia / France, 1967-)

"Les pommes / Las manzanas / The Apples", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 33 x 19 cm. 

"Melon / Cantaloupe", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 30 cm.

Jean-Cristophe Gondouin en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (XCVIII)], [Recolección (C)]

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