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Aniversarios (CCL) [Octubre / October 1-7]

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Todos los aniversarios de Octubre aquí / All anniversaries for October here.
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El 1 de Octubre es el cumple de

Léon Germain Pelouse, pintor francés nacido en 1838 en Pierrelaye (Val-d'oise).
Fue un artista autodidacta. A los dieciséis años comenzó a trabajar como vendedor ambulante, realizando su primera pintura cuando tenía veinte años, mientras servía en el ejército francés como conscripto. Comenzó a pintar profesionalmente a los veintisiete, cuando expuso su primera obra, "Les Environs de Précy / Alrededores de Précy", en el Salon de Paris de 1865. A pesar de las severas críticas continuó pintando.

"Les Premieres Feuilles / Las primeras hojas / First Leaves"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 171,5 x 200 cm., 1880. Wikimedia Commons

Se trasladó a Bretaña. Allí, inspirado en la naturaleza en el entorno de Pont-Aven y Rochefort-en-Terre, Pelouse realizó paisajes que se exhibieron en el Salón de París en los años siguientes. Recibió su primera medalla en 1873, por "Vallée de Cernay / Valle de Cernay". Finalmente obtuvo el éxito y la aprobación de la crítica. El gobierno francés compró muchos de sus lienzos que ahora son propiedad de varios museos del país, como el Musée d'Orsay, el Musée Malraux, el Musée des Beaux-Arts de Nantes, etc.
Murió en 1891.

"Estanque de Woodland / Woodland Pond", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 63 x 89 cm. Dorotheum

On October 1 is the birthday of

Léon Germain Pelouse, French painter born in 1838 in Pierrelaye (Val-d'oise).
He was a self-taught artist. At sixteen, he began working as traveling salesman, realising his first painting when he was twenty, as he was serving in the French army as a conscript. He really began professional painting at twenty-seven, exposing his first work, Les Environs de Précy (Near Précy), at the Salon de Paris of 1865. Despite severe criticism, he continued painting.

"Forêt de / Bosque de / Forest of Fontainebleau"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 162 x 240,5 cm. Wikimedia Commons

He moved to Brittany. There, inspired by nature around Pont-Aven and Rochefort-en-Terre, Pelouse realised landscapes which were exhibited at the Salon de Paris in the following years. He received his first medal in 1873, for Vallée de Cernay (Cernay Valley). He finally gained success and critics' approval. The French government bought many of his canvas which are now property of several French museums, like Musée d'Orsay, Musée Malraux, Musée des Beaux-Arts de Nantes, etc.
He died in 1891.

"Paisage / Paisaje / Landscape", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 96 x 140 cm. Sotheby's


El 2 de Octubre es el cumple de

Irma Stern, artista sudafricana nacida en 1894 en Schweizer-Reneke, Transvaal, que alcanzó reconocimiento nacional e internacional en su vida.
En 1913 estudió arte en Alemania en la Academia de Weimar, en 1914 en el estudio Levin-Funcke y, en particular, en 1917, con Max Pechstein, uno de los fundadores del Novembergruppe. Asociada con los pintores expresionistas alemanes de este período. Tuvo su primera exposición en Berlín en 1919.
Irma Stern viajó extensamente por Europa y exploró el sur de África, Zanzíbar y la región del Congo. Estos viajes proporcionaron una amplia gama de temas para sus pinturas y le dieron la oportunidad de adquirir y montar una colección de objetos. Su sueño era viajar mucho en su vida.

"Retrato de una mujer malaya / Portrait of a Malay Woman"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 66 x 52 cm., 1955. GentleWave

Casi cien exposiciones individuales se llevaron a cabo durante su vida tanto en Sudáfrica como en Europa. Aunque fue aceptada en Europa, su obra no fue apreciado al principio en Sudáfrica, donde los críticos ridiculizaron sus primeras exposiciones en la década de 1920 con reseñas tituladas "El arte de la señorita Irma Stern: la fealdad como culto".
El Museo Irma Stern se estableció en 1971 y es la casa donde vivió el artista durante casi cuatro décadas. Se mudó a The Firs en Rondebosch en 1927 y vivió allí hasta su muerte en 1966.

"Joven árabe / Young Arab", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 50 cm., 1942. Wanted

On October 2 is the birthday of

Irma Stern, South African artist born in 1894 in Schweizer-Reneke, Transvaal, who achieved national and international recognition in her lifetime.
In 1913 Stern studied art in Germany at the Weimar Academy, in 1914 at the Levin-Funcke Studio and notably from 1917 with Max Pechstein, a founder of the Novembergruppe. Stern was associated with the German Expressionist painters of this period. She held her first exhibition in Berlin in 1919.
Irma Stern travelled extensively in Europe and explored Southern Africa, Zanzibar and the Congo region. These trips provided a wide range of subject matter for her paintings and gave her opportunities to acquire and assemble a collection of artifacts. Stern's dream was to travel extensively in her lifetime.

"Naturaleza muerta con mujer africana / Still life with African Woman"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 79 x 79 cm., 1945. Mutual Art

Almost one hundred solo exhibitions were held during her lifetime both in South Africa and Europe. Although accepted in Europe, her work was unappreciated at first in South Africa where critics derided her early exhibitionsin the 1920s with reviews titled "Art of Miss Irma Stern - Ugliness as a cult".
The Irma Stern Museum was established in 1971 and is the house the artist lived in for almost four decades. She moved into The Firs in Rondebosch in 1927 and lived there until her death in 1966.

"Retrato de / Portrait Of Rebecca Hourwich Reyher"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91,5 x 67,3 cm., 1925. Pinterest


El 3 de Octubre es el cumple de

John Leith Craxton, pintor inglés nacido en 1922 en St John's Wood, Londres.
Fue a la escuela Clayesmore. Solicitó el ingreso a la Escuela de Arte de Chelsea pero se le consideró demasiado joven para asistir a las clases de desnudo del natural. En cambio estudió en la Académie Julian y la Académie de la Grande Chaumière en París durante 1939, hasta que el estallido de la guerra hizo que tuviera que completar sus estudios en Londres, en la Westminster School of Art y la Central School of Arts and Crafts. Entre 1941 y 1942, habiendo sido rechazado por el servicio militar, asistió a Goldsmiths College, luego recorrió las tierras salvajes de Pembrokeshire con Graham Sutherland en 1943.

"Cuatro figuras en un paisaje de montaña / Four Figures in a Mountain Landscape"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 160 x 213,3 cm., 1950-51
Bristol Museum & Art Gallery (Reino Unido / UK). ArtUK

Su primera exposición individual fue en Londres en 1942 en el Swiss Cottage Café, y su primera gran exposición individual en las Galerías Leicester en 1944. Su obra fue vista como parte del renacimiento neorromántico, y su trabajo anterior a 1945 muestra la influencia de Sutherland y Samuel Palmer. También estuvo muy influenciado por su amigo y mecenas Peter Watson.
Después de la guerra viajó a las Islas de Sicilia, Suiza, Estambul, España, Italia, pero principalmente Grecia, especialmente Creta, de 1946 a 1966. Se trasladó permanentemente a Creta desde aproximadamente 1970, y pasó de vivir en Creta a Londres. Realizó numerosas muestras de sus pinturas en Inglaterra y Grecia.
Murió en 2009.

"Soñador en un paisaje / Dreamer in Landscape"
Tinta y tiza sobre papel / ink and chalk on paper, 54,8 x 76,2 cm., 1942
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

On October 3 is the birthday of

John Leith Craxton, English painter born in 1922 in St John's Wood, London.
He went to Clayesmore School. He applied for Chelsea School of Art but was considered to be too young to attend nude life classes. Instead he studied at the Académie Julian and the Académie de la Grande Chaumière in Paris during 1939, until the outbreak of war meant he had to complete his studies in London, at Westminster School of Art and the Central School of Arts and Crafts. Between 1941 and 1942, having been rejected for military service, he attended Goldsmiths College, then toured the wilds of Pembrokeshire with Graham Sutherland in 1943.

"Paisaje con molino de viento abandonado / Landscape with Derelict Windmill"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 1958. Colección privada / Private Collection. Art Fund_

His first solo exhibition was in London in 1942 at the Swiss Cottage Café, and his first major solo show at the Leicester Galleries in 1944. His work was seen as part of the neo-romantic revival, and his early pre-1945 work shows the influence of Sutherland and Samuel Palmer, and he was also heavily influenced by friend and patron Peter Watson.
After the war he travelled to the Isles of Scilly, Switzerland, Istanbul, Spain, Italy, but mainly Greece especially Crete, from 1946 to 1966. He moved permanently to Crete from about 1970, and switched between living in Crete and in London. He had numerous shows of his paintings in both England and Greece.
He died in 2009.

"Paisaje, Hidra / Landscape, Hydra"
Relleno y témpera sobre panel / filler & tempera on board, 66,7 x 120,7 cm., 1960-61
Arts Council Collection, Southbank Centre (Londres, Reino Unido / London, UK). ArtUK


El 4 de Octubre es el cumple de

Elizabeth Jane Gardner, pintora académica y de salón estadounidense, nacida en 1837 en Exeter, New Hampshire.
Vivió la mayor parte de su vida en París, Francia. Allí estudió con el pintor figurativo Hugues Merle (1823–1881), el conocido pintor de salón Jules Joseph Lefebvre (1836–1911) y, finalmente, con William-Adolphe Bouguereau (1825–1905). Después de la muerte de la esposa de Bouguereau, Gardner se convirtió en su amante y tras de la muerte de su madre, quien se opuso amargamente a la unión, se casó con él en 1896.

"La confidencia / La Confidence", óleo sobre lienzo montado sobre aluminio /
oil on canvas mounted on aluminium, 172,7 x 119,7 cm., c.1880.
Georgia Museum of Art (Athens, Georgia, EE.UU./ GA, USA). Wikimedia Commons

Ella adoptó sus temas, composiciones e incluso su suave factura, canalizando su estilo con tanto éxito que algunas de sus obras podrían ser confundidas con las de él. De hecho, fue citada diciendo: "Sé que soy censurada por no afirmar con más audacia mi individualidad, ¡pero preferiría que se me conozca como mejora imitadora de Bouguereau que nadie!"
La obra más conocida de Gardner puede ser El pastor David (1895), que muestra al joven pastor con el cordero que ha rescatado.
Murió en 1922.

"Joven en la fuente / Young Girl at the Well", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91,4 x 61 cm.
Colección privada / Private Collection. ARC

On October 4 is the birthday of

Elizabeth Jane Gardner, American academic and salon painter, who was born in 1837 in Exeter, New Hampshire.
She lived most of her life in Paris, France. There she studied under the figurative painter Hugues Merle (1823–1881), the well-known salon painter Jules Joseph Lefebvre (1836–1911), and finally under William-Adolphe Bouguereau (1825–1905). After Bouguereau's wife died, Gardner became his paramour and after the death of his mother, who bitterly opposed the union, she married him in 1896.

"El pastor David / The Shepherd David", óleo sobre lienzo / oil on canvas, c.1895

She adopted his subjects, compositions, and even his smooth facture, channeling his style so successfully that some of her work might be mistaken for his. In fact, she was quoted as saying, "I know I am censured for not more boldly asserting my individuality, but I would rather be known as the best imitator of Bouguereau than be nobody!"
Gardner's best known work may be The Shepherd David Triumphant (1895), which shows the young shepherd with the lamb he has rescued. 
She died in 1922.

"El nido de pájaro (En el bosque?) / The Bird's Nest (In the Woods?)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 150,1 x 108 cm., 1889. Wikimedia Commons


El 5 de Octubre es el cumple de

Fu Baoshi (傅抱石), o Fu Pao-Shih, fue un pintor chino nacido en 1904 en Xinyu, provincia de Jiangxi. Fue a Japón a estudiar Historia del Arte Oriental en la Escuela de Bellas Artes de Tokio en 1933. Tradujo muchos libros del japonés y realizó su propia investigación. En la pintura misma, trajo elementos visuales japoneses a la tradición china de pintura con tinta.
Fue Director de la Escuela de Pintura China de la provincia de Jiangsu y Vicepresidente de la Federación de Artistas Chinos. También enseñó en el Departamento de Arte de la Universidad Central (ahora Universidad de Nanjing).

"Paisaje neblinoso / Misty Scenery", tinta y color sobre papel, rollo colgante /
ink and colour on paper, hanging scroll, 47 x 53,4 cm., 1942. Sotheby's

Sus trabajos de pintura de paisaje emplearon un uso hábil de los puntos y los métodos de entintado, creando una nueva técnica que abarca muchas variedades dentro de las reglas tradicionales. Pudo crear un estilo antiguo y elegante a través de su integración de la atmósfera poética y las técnicas de pintura. Realizó muchas exposiciones personales en China y ganó comentarios favorables.
Fu tenía fuertes sentimientos hacia la tierra de China. Durante sus viajes a muchos lugares, registró los esplendores de los ríos y montañas, inspirándose en la naturaleza y convirtiéndose en el pintor paisajista representativo de su tiempo.
Murió en 1965.

"Expedición a la catarata / Expedition to the Waterfall", tinta y color sobre papel /
ink and colour on paper, 96,5 x 37 cm., 1963. Sotheby's

"Dama del río Xiang / Lady of River Xiang", tinta y color sobre papel /
ink and colour on paper, framed, 28 x 39 cm., 1947. Sotheby's

On October 5 is the birthday of

Fu Baoshi (傅抱石), or Fu Pao-Shih, was a Chinese painter born in 1904 in Xinyu, Jiangxi Province. He went to Japan to study the History of Oriental Art in the Tokyo School of Fine Arts in 1933. He translated many books from Japanese and carried out his own research. In painting itself, he brought Japanese visual elements to the Chinese ink painting tradition.
He was the Director of the Jiangsu Province Chinese Painting School and a Vice-Chairman of the Federation of Chinese Artists. He also taught in the Art Department of Central University (now Nanjing University). His works of landscape painting employed skillful use of dots and inking methods, creating a new technique encompassing many varieties within traditional rules. He was able to create an old, elegant style through his integration of poetic atmosphere and painting techniques. He held many personal exhibitions in China and won favourable comments.

"Monte Kunlun / Kunlun Mountain", tinta sobre papel, montado para enmarcar /
ink on paper, mounted for framing, 34,4 x 50 cm. Sotheby's

Fu had strong feelings towards the land of China. During his travel to many places, he recorded the splendors of the rivers and mountains, drawing inspiration from nature and becoming the representative landscape painter of his time.
He died in 1965.

"Jugando al ajedrez / Chess Playing", tinta y color sobre papel /
ink and colour on paper, 87,7 x 59,9 cm., 1943. Sotheby's


El 6 de Octubre es el cumple de

Christian Friedrich Mali, pintor y profesor de arte alemán nacido en 1832 en Darthuizen (cerca de Utrecht), Países Bajos.
Mali era el más joven de los diez hermanos, todos los cuales mostraron talento artístico. Después de la repentina muerte de su padre en 1833, Mali se mudó a Württemberg con su madre y trabajó como xilógrafo hasta 1858. Él y su hermano Johannes se mudaron a Munich en 1860, donde Christian se convirtió en amigo de toda la vida del pintor animalista Anton Braith.
Como resultado de un viaje a Verona, se interesó por la pintura arquitectónica y produjo varias representaciones de los edificios de allí. En 1865, después de la muerte de su hermano, visitó Düsseldorf y luego París, donde se conoció las obras del pintor de animales Constant Troyon recientemente fallecido y, quizás bajo la influencia de su amigo Braith, decidió dedicarse a la pintura animalista.

"Bäuerin und Hirtenjunge mit Rinder- und Schafherde am Seeufer /
Campesina y un pastor con ganado y un rebaño de ovejas a orillas de un lago /
Peasant Woman and Shepherd Boy With Cattle And a Flock of Sheep by the Lakeside"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 93 x 158,5 cm., 1878. Ketterer Kunst

El 14 de abril de 1905 se convirtió en un ciudadano honorario de Biberach an der Riß. Tras su muerte al año siguiente, fue enterrado allí junto a Braith, en el cementerio católico. Legó gran parte de su arte, su estudio y 60,000 marcos a la ciudad de Biberach. Su estudio y el de Braith forman el núcleo del Museo Braith-Mali y se encuentran entre los pocos ejemplos de estudios de arte del siglo XIX completamente conservados.

"Ruhende Schafsherde vor dem Haus am Bergssee /
Rebaño de ovejas descansando frente a la casa en el lago de montaña /
Resting flock of sheep in front of the house on the mountain lake"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 82 × 72,5 cm., 1885. Wikimedia Commons

On October 6 is the birthday of

Christian Friedrich Mali, German painter and art professor born in 1832 in Darthuizen (near Utrecht), Netherlands.
Mali was the youngest of ten siblings, all of whom displayed artistic talent. After the sudden death of his father in 1833, Mali moved to Württemberg with his mother and worked as a xylographer until 1858. He and his brother Johannes moved to Munich in 1860, where Christian became a lifelong friend of the animal painter Anton Braith.
As the result of a trip to Verona, he became interested in architectural painting, and produced several renderings of the buildings there. In 1865, after the death of his brother, Mali visited Düsseldorf and from there went to Paris, where he encountered the works of the recently deceased animal painter Constant Troyon and, perhaps under the influence of his friend Braith, decided to devote himself to animal painting.

"Am Achensee / En el lago Achen / At Achen Lake"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 44 x 31,5 cm., 1906. Wikimedia Commons

On 14 April 1905, he became an honorary citizen of Biberach an der Riß. Upon his death the following year, he was buried there next to Braith in the Catholic Cemetery. He bequeathed much of his art, his studio and 60,000 Marks to the city of Biberach. The studio (and Braith's) form the core of the Braith-Mali Museum and are among the few fully preserved examples of 19th-century art studios.

"Heimtrieb der Herde in winterlicher Landschaft /
Conduciendo el ganado a casa en un paisaje invernal /
Home drive of the herd in wintry landscape"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 55 x 96 cm., c.1906. Wikimedia Commons


Hoy, 7 de Octubre. es el cumple de

John White Alexander, pintor e ilustrador estadounidense de retratos, figuras y decoraciones, nacido en 1856 en Allegheny (ahora parte de Pittsburgh), Pennsylvania.
Huérfano en la infancia, fue criado por sus abuelos y a los 12 años, se convirtió en un chico de telégrafos en Pittsburgh. Edward J. Allen se convirtió en uno de los primeros apoyos y patrocinador de John W. Alexander, adoptándolo mientras trabajaba en el Pacific and Atlantic Telegraph Co. Llevó a Alexander a la casa de los Allen en "Edgehill", donde Alexander pintó a varios miembros de la familia. Su talento para dibujar atrajo la atención de uno de sus empleadores, quien lo ayudó a desarrollarlos.

"Isabela y el cuenco de albahaca / Isabella and the Pot of Basil"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 192 x 91,7 cm., 1897.
Museum of Fine Arts Boston (Massachusetts, EE.UU./ MA, USA)

Se mudó a la ciudad de Nueva York a la edad de dieciocho años y trabajó en una oficina en Harper's Weekly, donde fue ilustrador y caricaturista político al mismo tiempo que Abbey, Pennell, Pyle y otros famosos ilustradores trabajaron allí. Después de un aprendizaje de tres años, viajó a Munich para su primera instrucción formal. Debido a la falta de fondos, se trasladó a la aldea de Polling, Baviera, y trabajó con Frank Duveneck. Viajaron a Venecia, donde se benefició con el consejo de Whistler, y luego continuó sus estudios en Florencia, los Países Bajos y París.

"El manuscrito [escribas medievales] (del ciclo 'Evolución del libro') /
The Manuscript [medieval scribes] (from the cycle 'The Evolution of the Book')"
Mural, c.1896. Biblioteca del Congreso, Edificio Jefferson (Washington, EE.UU.) /
Library of Congress (Thomas Jefferson Building) (Washington, D.C., USA). Link

En 1881 regresó a Nueva York y rápidamente logró un gran éxito en el retrato, contando entre sus asistentes a Oliver Wendell Holmes, John Burroughs, Henry G. Marquand, R. A. L. Stevenson y el presidente McCosh de la Universidad de Princeton.
Su primera exposición en el Salón de París de 1893 fue un éxito brillante y fue seguida por su elección inmediata para la Société Nationale des Beaux Arts. Se le otorgaron muchos honores adicionales.
Muchas de sus pinturas están en museos y lugares públicos en los Estados Unidos y Europa.
Murió en 1915.

"Un momento de ocio / An Idle Moment"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 66 x 86,4 cm., c.1885. ARC

Today, October 7, is the birthday of

John White Alexander, American portrait, figure, and decorative painter and illustrator born in 1856 in Allegheny (now a part of Pittsburgh), Pennsylvania.
Orphaned in infancy, he was reared by his grandparents and, at the age of 12, became a telegraph boy in Pittsburgh. Edward J. Allen became an early supporter and patron of John W. Alexander, adopting the orphaned Alexander while he worked at the Pacific and Atlantic Telegraph Co. as a young man. Allen brought Alexander to the Allen home at "Edgehill" where Alexander painted various members of the family. His talent at drawing attracted the attention of one of his employers, who assisted him to develop them.

"Una flor de la pradera / A Meadow Flower"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 128,3 x 102,9 cm., 1912. ARC

He moved to New York City at the age of eighteen and worked in an office at Harper's Weekly, where he was an illustrator and political cartoonist at the same time that Abbey, Pennell, Pyle, and other celebrated illustrators labored there. After an apprenticeship of three years, he travelled to Munich for his first formal training. Owing to the lack of funds, he removed to the village of Polling, Bavaria, and worked with Frank Duveneck. They travelled to Venice, where he profited by the advice of Whistler, and then he continued his studies in Florence, the Netherlands, and Paris.

"Negro y rojo / Black and Red"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120,7 x 90,2 cm., 1896. ARC

In 1881 he returned to New York and speedily achieved great success in portraiture, numbering among his sitters Oliver Wendell Holmes, John Burroughs, Henry G. Marquand, R. A. L. Stevenson, and president McCosh of Princeton University.
His first exhibition in the Paris Salon of 1893 was a brilliant success and was followed by his immediate election to the Société Nationale des Beaux Arts. Many additional honors were bestowed on him.
Many of his paintings are in museums and public places in the United States and in Europe.
He died in 1915.

"Reposo / Repose", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 132.7 x 161.6 cm., 1895
Metropolitan Museum of Art (MET) (Washington, EE.UU./ USA)


Rinocerontes (XCIII) - Filatelia [Rhinos, Philately] (V)

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Continúo con la colección del blog con esta nueva selección para la serie de filatelia rinoceróntica. Con el mismo criterio más o menos alfabético, aquí les dejo unas cuantas imágenes más para añadir al álbum.
Por favor tengan en cuenta que esto NO ES UNA PÁGINA DE REFERENCIA ESPECIALIZADA EN FILATELIA, con lo cual tal vez puedan encontrarse con imágenes de material editado en forma ilegal o planchas de souvenirs que no tienen por qué ser ejemplares válidos de coleccionismo.

I continue the blog collection with this new selection for the series on Rhinocerotic philately. Following the same criteria roughly alphabetical, here are a few more images to keep adding to the album.
Please note that this is not a SPECIALIZED PHILATEIC REFERENCE PAGE, so maybe you can find images of stamps published illegally or souvenir sheets not valid for collectors.

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Madagascar

Plancha souvenir / Souvenir Sheet, "Rinoceronte / Rhinocéros", 2014. "Ceratotherium simum"

Rinocerontes / Rhinocéros, 2014
"Rhinoceros sondaicus", "Rhinoceros unicornis", "Ceratotherium simum", "Diceros bicornis". Link

La Protection des Animaux / Protección de los animales / Animal Protection, 2017
"Diceros bicornis", "Rhinoceros sondaicus", "Dicerorhinus Sumatrensis". Link

Los rinocerontes / The Rhinos, "Dicerorhinus Sumatrensis". Link
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Malasia / Malaysia

"Mamíferos protegidos en Malasia / Protected Mammals in Malaysia", 1999
"Dicerorhinus Sumatrensis". Link

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Malawi

Animales de África / Animals of Africa. "Ceratotherium simum", 2005. Link


Animales de África / Animals of Africa
"Crocodylus niloticus", "Diceros bicornis", 2008. Link

Animales de África / Animals of Africa
"Leptailurus serval", "Testudo Graeca", "Crocodylus niloticus", "Diceros bicornis", 2008. Link

Animales, Rinocerontes / Animals, Rhinoceros, 2011. Link

Animales, Rinocerontes / Animals, Rhinoceros, 2012. Link

"Vida salvaje de África / Wildlife of Africa"
"Giraffa camelopardalis", "Syncerus cafer", "Panthera leo", "Ceratotherium simum", 2011

"Vida salvaje de Ásca / Wildlife of Asia"
"Panthera tigris tigris", "Rhinoceros unicornis", "Elephas maximus", "Pongo abellii", "Ursus thibetanus", "Panthera leo persica", 2011

Los cinco grandes / The Big Five, 2011
León, leopardo, elefante, rinoceronte, búfalo. Link

Los cinco grandes, Rinoceronte / The Big Five, Rhinoceros, 2011
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Maldivas / Maldives

República de Maldivas / Republic of Maldives
"Rinoceronte de Durero / Rhinoceros by Albrecht Dürer", 1978. Link

 "Especies amenazadas del mundo / Endangered Species of the World", 1993
Rinoceronte negro / Black Rhinoceros"Diceros bicornis". Link
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República de Mali / Republic of Mali

Republique du Mali / República de Mali / Republic of Mali
"Sauvegarde de / Salvaguarda de Mohenjo Daro", UNESCO, 1976. Link
Diseñado y grabado por el artista francés Claude Andréotto (1949-), y emitido en Mali el 6/9/1976 /
designed and engraved by French artist Claude Andréotto (1949- ), and issued by Mali on September 6, 1976

"Les animaux de l'Afrique / Los animales de África / The Animals of Africa", 2005
Tigre, León, Rinoceronte, Hiena / Tiger, Lion, Rhino, Hyena. Link

"Les Rhinocéros / Los rinocerontes / The Rhinos"
"Rhinoceros unicornis", "Dicerorhinus sumatrensis". 2013

Rhinocéros et cactus / Rinoceronte y cactus / Rhinoceros and Cactus, 2014
"Rhinoceros sondaicus", "Obregonia Denegrii". Link

 Plancha souvenir / Souvenir Sheet. "Animales / Animals", 2016
Elefante, Hipopótamo, Cocodrilo, Rinoceronte / Elephant Hippo Crocodile Rhino. Link
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Manama, Ajman


Manama es un municipio de los Emiratos Árabes Unidos (EAU), uno de los dos exclaves del emirato de Ajman (el otro es Masfout).
En 1963, Gran Bretaña cedió la responsabilidad de los sistemas postales de los Estados Truciales. Un empresario filatélico estadounidense, Finbar Kenny, vio la oportunidad de crear una serie de ediciones de sellos dirigidas al lucrativo mercado de coleccionistas y en 1964 llegó a un acuerdo con Ajman para obtener la franquicia para la producción de sellos para el gobierno. Kenny había hecho una especie de especialidad al firmar estos acuerdos, también firmando con el Gobernador de Fujeira en 1964, e involucrarse en un caso de soborno en los Estados Unidos por sus tratos con el gobierno de las Islas Cook.
Estas estampillas, ilustradas de forma escandalosa e irrelevantes para el emirato real de Ajman (las ediciones incluían 'Investigación del espacio' y 'Juegos Olímpicos de Tokio') se dieron a conocer junto con las estampillas producidas por otros Estados de la República en ese momento, como 'dunas'. Su proliferación eventualmente las devaluó. Entre estas ediciones, después de la apertura de una 'oficina de correos' en Manama el 5 de julio de 1966, se publicaron nueve ediciones de 'Manama, Dependencia de Ajman'.
Pocos coleccionistas se darían cuenta de que Manama era una aldea agrícola remota que consistía en unas pocas casas de adobe en una llanura dominada por las montañas Hajar. Wikipedia (English)


Manama is a township in the United Arab Emirates (UAE), one of two exclaves of the emirate of Ajman (the other is Masfout).
In 1963, Britain ceded responsibility for the Trucial States' postal systems. An American philatelic entrepreneur, Finbar Kenny, saw the opportunity to create a number of editions of stamps aimed at the lucrative collector's market and in 1964 concluded a deal with cash-strapped Ajman to take the franchise for the production of stamps for the government. Kenny had made something of a specialty out of signing these deals, also signing with the Ruler of Fujairah in 1964 - and getting involved in a bribery case in the USA over his dealings with the government of the Cook Islands.
These stamps, luridly illustrated and irrelevant to the actual emirate of Ajman (editions included 'Space Research' and 'Tokyo Olympic Games') became known together with stamps produced by other Trucial States at the time, as 'dunes'. Their proliferation eventually devalued them. Among these editions, following the opening of a 'post office' in Manama on July 5, 1966, were nine editions published from 'Manama, Dependency of Ajman'.
Few collectors would realise Manama was a remote agricultural village consisting of a few adobe houses on a plain overlooked by the Hajar Mountains. Wikipedia

Conservación de la vida salvaje, Bebé rinoceronte / Wild Life Conservation, Baby Rhinoceros, 1971
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Estados federados de Micronesia / Federated States of Micronesia

Día de la tierra / Earth Day
Amenazado, Rinoceronte negro / Endangered, Black Rhinoceros, 1999. Link
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República de Moldavia / Republic of Moldova

Animale Disparute din Fauna Moldovei / Animales desaparecidos de la fauna moldava /
Extinct animals of the Moldovan fauna
"Stephanorhinus" por / by Vladimir Molnic, 2010. Link

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Mongolia

"Rinocerontes negros / Black Rhinos", 1991
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Moçambique / Mozambique

Compañía de Mozambique / Moçambique Company, 1937

La Compañía de Mozambique (en portugués: Companhia de Moçambique) era una compañía real que operaba en el Mozambique portugués y tenía la concesión de las tierras en la colonia portuguesa correspondientes a las actuales provincias de Manica y Sofala en el centro de Mozambique.

The Mozambique Company (Portuguese: Companhia de Moçambique) was a royal company operating in Portuguese Mozambique that had the concession of the lands in the Portuguese colony corresponding to the present provinces of Manica and Sofala in central Mozambique.

"Garrapata y rinoceronte / Tick & Rhino - Dermacentor rhinocerinus", 1980. Link

La Dermacentor rhinocerinus adulta parasita tanto el rinoceronte negro, Diceros bicornis, como el rinoceronte blanco, Ceratotherium simum. Aunque varios otros mamíferos grandes se han registrado como hospedadores de D. rhinocerinus, solo las 2 especies de rinocerontes son hospedantes primarios para adultos en varias áreas del este, centro y sur de África. Adultos recolectados de la vegetación en el Parque Nacional Kruger, Transvaal. Sudáfrica se criaron con conejos en el Instituto Veterinario de Onderstepoort, donde se obtuvieron larvas por primera vez. NCBI

Adult Dermacentor rhinocerinus parasitize both the black rhinoceros, Diceros bicornis, and the white rhinoceros, Ceratotherium simum. Although various other large mammals have been recorded as hosts for D. rhinocerinus, only the 2 species of rhinoceros are primary hosts for adults in various areas of east, central and southern Africa. Adults collected from vegetation in the Kruger National Park, Transvaal. South Africa were reared on rabbits at the Onderstepoort Veterinary Institute, where larvae were obtained for the 1st time. NCBI

Meio Ambiente, Rinocerontes / Environment, Rhinos, 2010. Link
  
Fauna de Moçambique, Rinocerontes / Fauna of Mozambique, Rhinoceros, 2011. Link

Ano Internacional das Florestas / Año internacional de las selvas / International Year of Forests
Rinoceronte de Sumatra / Sumatran Rhinoceros. Link


Fauna de Moçambique, Rinocerontes / Fauna of Mozambique, Rhinoceros, 2011. Link

Animales de Asia extintos / Extinct Asian Animals, 2012. Link
"Dicerorhinus sumatrensis lasiotis"


Animales extintos de Europa / Extinct European Animals, 2012. Link
"Coelodonta antiquitatis"

"Rinoceronte de lábio quadrado / White or Square-lipped Rhinoceros - Diceros (Ceratotherium) Simum"
por / by Alfredo. Pinterest

Anna Kubinyi [Arte textil / Textile Art]

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Anna Kubinyi fue una artista textil que desarrollando sus propias técnicas y preparando por sí misma todos los materiales, creó magníficas obras tridimensionales desde los telares, representado paisajes, personajes, animales, formas orgánicas vegetales y elementos relacionados con la cultura de su país.

Anna Kubinyi was a textile artist who developing her own techniques and preparing all materials by herself, creating magnificent three-dimensional works from the looms, representing landscapes, characters, animals, organic vegetable forms and elements related to the culture of her country.
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Anna Kubinyi


Anna Kubinyi fue una artista textil húngara, diseñadora de tapices, nacida en 1949 en Makó.
Un año después del nacimiento de Anna, la familia se mudó a Szeged. Completó la escuela secundaria en la Escuela István Tömörkény. Entre 1970 y 1976 fue estudiante en la Academia Húngara de Artes Aplicadas; sus principales maestros artísticos fueron Plesnivy Károly y Margit Szilvitzky. Originalmente quiso dedicarse a la cerámica, pero como ella misma cuenta "debido a un error administrativo, mis documentos se enviaron a la facultad equivocada y me ubicaron en el departamento de textiles como estudiante de la técnica del gobelino. Ahora considero esto como predestinación; desde entonces el tejido se ha convertido en una parte integral de mi vida".

"Csíksomlyó Imatextil / La plegaria textil de / The Prayer Textile from Csíksomlyó", 180 x 145 cm., 2014

"Barokk / Barroco / Baroque", 720 x 290 cm., 1985
Casa de descanso / Rest-House"Rába"

«Cuando me gradué, en 1976, ya había desarrollado un estilo personal de relieve textil, que puede haber sido inspirado por mi experiencia anterior en la cerámica. Mi trabajo se basa en la técnica de gobelino, que se teje en un telar manual, pero utilizando materiales más ásperos e irregulares para realzar la superficie en bruto con diversos elementos escultóricos. Esto incluye el uso de tiras de cartón, que se ha convertido en una parte característica de la técnica, rollos de cáñamo, que he utilizado para crear motivos de raices, y un enfoque de dos capas, en el que la capa superior de material se abre para revelar una inferior en relieve. Mis últimas obras son completamente tridimensionales, pero siguen siendo tejidas a mano en el telar.
Considero que estas técnicas son necesarias porque me ofrecen la forma más efectiva de expresar mi mensaje. El dinamismo de las olas, la superficie arrugada de las rocas, el poder de los cataclismos y las erupciones serían imposibles de describir utilizando solo la técnica tradicional del gobelino. Su naturaleza refinada y meticulosa inhibe el libre flujo de la pasión y la emoción, y por eso la he modificado para satisfacer mis necesidades.»

"Erővonalak / Líneas de fuerza /  Lines of Force", 290 x 190 cm., 2002
Kormányzati Rezidencia / Residencia del Primer Ministro / Residency of Prime Minister
(Budapest, Hungría / Hungary)

"Sár és Arany / Barro y oro / Mud and Gold", 200 x 100 cm., 2000
Colección privada / Private Collection

«Mis trabajos iniciales fueron una celebración optimista de la vida y la naturaleza, una suave cabalgata de colores y movimientos, pero luego mi atención se desvió hacia motivos más profundos: el tiempo, el movimiento perpetuo, el poder interno de las fuerzas naturales y los conceptos de creación y muerte. Estos se han convertido en mis símbolos centrales, a menudo representados por árboles y raíces. Como resultado, la superficie de mis textiles se ha vuelto aún más escultórica, llevando el género del relieve al límite. A veces se permite que las raíces y los zarcillos estallen a través de las capas superficiales y, a veces, las capas tejidas se rompen para dar un sentido más profundo de los fenómenos que se encuentran debajo. En los últimos años he dejado de lado algunos de estos pensamientos a favor de utilizar el antiguo mundo de motivos que descubrí durante mis viajes a Transilvania. Fue allí donde comencé a estudiar las puertas de Székely, que veo como un testimonio de la antigua fe y cultura del pueblo húngaro. Son monumentos culturales que simbolizan el sentido de identidad, la lealtad genuina y la preservación de la tradición».

"Égi Vadász / Cazador del cielo / Hunter of the Sky - Nimród", 125 x 125 cm., 2011
Colección de la artista / Artist's Collection

"Égi Vadász / Cazador del cielo / Hunter of the Sky - Nimród", obra en el telar / piece on the looom

«Mi elección de materiales en casi todos los casos pasa por el cáñamo en bruto de Szeged, que yo misma enrollo, blanqueo o coloreo. Si la pieza lo requiere, a veces uso seda, metal o fibra de oro, pero el cáñamo es el claro favorito. Un material maravilloso, sutil pero rústico, capaz de expresar ternura y fuerza.
Como para mí es muy importante que yo misma cree toda la obra de arte, preparo todos mis materiales y esto me permite mejorar o alterar continuamente mi técnica. Creo que es justo que sea yo quien luche a través del proceso físico de tejer mi mensaje en una pieza de textil para crear una forma que pueda actuar como un vehículo para hacer pensar a la gente. Esta es la esencia de mi arte.»

Como otros artistas de éxito internacional, vivió y trabajó en Francia con interrupciones más o menos largas entre 1990 y 2000.
Murió en 2015 en Budapest.

"Dombvidék / Colinas campestres / Contryside Hills", 200 x 100 cm., 1989
Magyar Mozgókép Alapítvány / Fundación del cine húngara /
Hungarian Motion Picture Foundation (Budapest, Hungría / Hungary)

"Élő Törésvonal / Línea de ruptura vital / Live Break Line"125 x 125 cm., 1999
Colección privada / Private Collection, París

La artista trabajando en / The artist at work with Altar de Csoma

Anna Kubinyi was an Hungarian textile artist, designer of tapestries, born in 1949 in Makó.
One year after Anna's birth the family moved to Szeged. She completed secondary school at István Tömörkény Secondary School. Between 1970 and 1976 she was a student at the Hungarian Academy of Applied Arts; her major artistic Masters were Plesnivy Károly and Margit Szilvitzky. Originally she wanted to be a ceramist, but as she told, "due to an administrative error, however, my documents were sent to the wrong faculty and I was placed in the textile department as a student of the Gobelin technique. I now regard this as predestination, and textile weaving has since become an integral part of my life."

"Csoma Oltár / Altar de Csoma", 108 x 108 cm., 2013. Colección de la artista / Artist's Collection

Sándor Csoma de Kőrös, nacido Sándor Csoma en 1784/8, fue un filólogo y orientalista húngaro, autor del primer diccionario y libro de gramática tibetano-inglés. El grupo étnico Magiar los Székelys, a los que pertenecía, creían que se derivaban de una rama de los Hunos de Atila que se habían establecido en Transilvania en el siglo V. Con la esperanza de estudiar la afirmación y encontrar el lugar de origen de los Székelys y los Magiares mediante el estudio del parentesco lingüístico, partió a Asia en 1820 y pasó toda su vida estudiando el idioma tibetano y la filosofía budista. Csoma de Kőrös es considerado como el fundador de la tibetología. Se dice que podía leer en diecisiete idiomas. Murió en Darjeeling mientras intentaba hacer un viaje a Lhasa en 1842 y la Sociedad Asiática de Bengala erigió un monumento en su honor.

Sándor Csoma de Kőrös, born Sándor Csoma in 1784/8 was a Hungarian philologist and Orientalist, author of the first Tibetan-English dictionary and grammar book. The Magyar ethnic group, the Székelys, to which he belonged believed that they were derived from a branch of Attila's Huns who had settled in Transylvania in the fifth century. Hoping to study the claim and to find the place of origin of the Székelys and the Magyars by studying language kinship, he set off to Asia in 1820 and spent his lifetime studying the Tibetan language and Buddhist philosophy. Csoma de Kőrös is considered as the founder of Tibetology. He was said to have been able to read in seventeen languages. He died in Darjeeling while attempting to make a trip to Lhasa in 1842 and a memorial was erected in his honour by the Asiatic Society of Bengal.

Izq./ Left: "Mementó / Memento", 130 x 115 cm, 2004. Colección de la artista / Artist's Collection
Der./ Right: "Rozsda / Moho / Rust", 125 x 125 cm., 2001. Colección de la artista / Artist's Collection

«By the time I graduated in 1976, I had already developed a personal style, textile-relief, which may have been inspired by my earlier background in ceramics. My work is based on the Gobelin technique, being woven on a hand-loom, but utilising harsher, more ragged materials to emboss the raw surface with various sculptural elements. This includes the use of cardboard strips, which has become a characteristic part of the technique, rolled bunches of hemp, which I used to create root motifs, and a two-layered approach, in which the top layer of material is torn open to reveal the embossed lower layer. My latest works are completely 3-dimensional, but they are still hand-woven on the loom.
I consider these techniques necessary because they offer the most effective way for me to express my message. The dynamism of waves, the creased surface of rocks, the power of cataclysms and eruptions would be impossible to depict using only the traditional Gobelin technique. Its refined, meticulous nature inhibits the free flow of passion and emotion, and therefore I have modified it to meet my needs.»

"Szaturnusz / Saturno / Saturn", 180 x 125 cm., 2004. Colección privada / Private Collection

"Sebzett madár / Pájaro herido / Wounded Bird", 200 x 100 cm., 1989. Colección privada / Private Collection

«My initial works were an optimistic celebration of life and nature, a soft cavalcade of colours and movement, but later my attention shifted toward more profound motifs – time, perpetual motion, the internal power of natural forces and the concepts of creation and death. These have become my core symbols, often represented by trees and roots. As a result, the surface of my textiles has become even more sculptural, pushing the genre of relief to the limit. Sometimes roots and tendrils are allowed to burst through the surface layers and sometimes the woven layers are torn apart to give a deeper sense of the phenomena that lie beneath. In the last few years, I have put some of these thoughts aside in favour of utilising the ancient world of motifs that I discovered during my travels in Transylvania. It was here that I began to study Székely gates, which I see as a testimony to the ancient faith and culture of the Hungarian people. They are cultic monuments that have come to symbolise a sense of identity, genuine loyalty and the preservation of tradition.»

"Indák / Zarcillos / Tendrils", 120 x 110 cm., 1999. Colección privada / Private Collection

"Tenger / Mar / Sea"135 x 130 cm., 1992. Colección privada / Private Collection. Pinterest

«My choice of material in almost all cases is raw hemp from Szeged, which I spool, whiten or colour myself. If the piece requires it, I sometimes use silk, metal or gold fibre, but hemp is the clear favourite. A marvellous material, subtle yet rustic, it is capable of expressing both tenderness and strength. 
Since it is very important to me that I create the entire work of art myself, I prepare all of my own materials, and this enables me to continuously improve or alter my technique. I think it only fair that I should be the one who struggles through the physical process of weaving my message into a piece of textile to create a form that can act as a vehicle to make people think. This is the essence of my art.»

As other internationally successful artists, she lived and worked in France with minor and major interruptions between 1990 and 2000.
She died in 2015 in Budapest.

Izq./ Left: "Székelykapu III / Puerta de Székely III / Székely Gate III"
290 x 170 cm., 2008. Colección de la artista / Artist's Collection
Der./ Right: "Székelykapu II / Puerta de Székely II / Székely Gate II"
290 x 170 cm., 2006. Colección de la artista / Artist's Collection

"Balatonfelvidék / Paisaje de Balaton / Balaton Landscape", 200 x 100 cm., 1989.
Colección privada / Private Collection

La artista trabajando / The artist at work

Más sobre / More about Anna Kubinyi: BlogWikipedia (húngaro / Hungarian)
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Muchas gracias a Adrienn, hija de Anna, por su autorización para publicar este post.
Agradezco también a Shirley Rebuffo, tan interesada siempre en los textiles, el descubrimiento de esta notable artista./
Thanks a lot to Adrienn, daughter of Anna, for her permission to publish this post.
Thank also to Shirley Rebuffo, always so interested in textiles, the discovery of this remarkable artist.

DiegoKoi [Dibujo / Drawing]

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La notable habilidad para captar y reproducir los más sutiles tonos del claroscuro permite al italiano Diegokoi crear retratos que van más allá del puro hiperrealismo. En sus obras busca transmitir sus propias emociones a través de las de los modelos, con especial atención a la mirada. Para Diego, "los ojos son el alma".

The remarkable ability to capture and reproduce the most subtlest tones of chiaroscuro allows the Italian Diegokoi to create portraits that go beyond pure hyperrealism. In his works he seeks to transmit his own emotions through those of the models, with special attention to the look. For Diego, "the eyes are the soul".
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DiegoKoi
Diego Fazio

Diego trabajando en su "Cisne negro" / at work with "Black Swan"

Diego Fazio, conocido como "DiegoKoi", es un joven artista italiano nacido en Lamezia Terme en 1989. Actualmente vive y trabaja en Feroleto Antico, en la provincia de Catanzaro. Hace gala de una técnica caracterizada por una extrema precisión y cuidado del detalle.
Inicialmente creaba diseños para tatuajes al estilo asiático "carpa koi", de donde tomó la idea de su apodo de artista.
En la cultura japonesa la "carpa koi" es un símbolo de amor y amistad. Con el tiempo, Diego desarrolló su técnica de pintura reinventando la delicadeza y la belleza que cada matiz puede recrear. Después de los tatuajes se sintió atraído por el hiperrealismo, un concepto en filosofía y arte que describe la hipotética incapacidad de la conciencia para distinguir la realidad de la fantasía.

"Cigno nero / Cisne negro / Black Swan"
Lápiz sobre papel / pencil on paper, 100 x 70 cm. © Diego Koi

"Aconito / Acónito / Aconite"
Lápiz sobre papel / pencil on paper, 105 x 116 cm., 2018 © Diego Koi

"Apparenza / Apariencia / Appearance"
Lápiz sobre papel / pencil on paper, 25 x 50 cm., 2011 © Diego Koi
Colección privada de / Private Collection of J.J. Abrams (California, EE.UU./ CA, USA)

Diego utiliza una de las técnicas básicas del dibujo: el lápiz sobre papel. Las primeras emociones que sus obras producen en el espectador son una mezcla de asombro, incredulidad y admiración. Sus trabajos impresionan por su realismo y la riqueza de los detalles. La habilidad de Diego para percibir los más sutiles tonos del claroscuro, le permite crear contrastes que tocan el alma del observador.
Ha expuesto en galerías y ferias de arte a nivel internacional, obteniendo diversos reconocimientos. Sus obras pueden encontrarse en colecciones de todo el mundo, desde Estados Unidos a Francia, pasando por Colombia o Singapur.

"Batman", lápiz sobre papel / pencil on paper, 50 x 50 cm., 2017 © Diego Koi
Colección pública / Public Collection Caran d'Ache - Svizzera

"Impeto / Ímpetu / Impetus"
Lápiz y pastel sobre papel / pencil and pastel on paper, 135 x 80 cm., 2014 © Diego Koi

"Riflesso / Reflexión / Reflection"
Lápiz sobre papel / pencil on paper, 80 x 85 cm., 2015 © Diego Koi

"Occhio 2.0 / Ojo 2.0 / Eye 2.0", lápiz sobre papel / pencil on paper, 35 x 50 cm., 2018 © Diego Koi
Colección privada, Francia / Private Collection, France

De formación autodidacta (Diego dice que básicamente su escuela ha sido Internet), descubrió su "don" cuando realizó un retrato de su hermana.
«Sólo dibujo retratos, porque el ser humano es el tema que prefiero. Y es lo que más me apasiona. Me encanta dibujar, especialmente, la mirada de la persona, porque los ojos son el alma. En los ojos puedo dibujar mis emociones de tal forma que encajen perfectamente con las del modelo.»
«Escojo mis modelos entre la gente que conozco, cercanos a mí, para así ser capaz de captar sus emociones.»
"Mosca / Fly", lápiz sobre papel / pencil on paper, 30 x 30 cm., 2012 © Diego Koi
Colección privata / Private Collection, Colombia

"Non c'e buio senza luce / No hay oscuridad sin luz / There's No Darkness Without Light"
Lápiz sobre papel / pencil on paper, 95 x 70 cm., 2013 © Diego Koi

"Implosione / Implosión / Implossion"
Lápiz sobre papel / pencil on paper, 70 x 78 cm., 2013 © Diego Koi
Colección privada / Private Collection, México

Diego trabajando en / at work with "Federica"

Diego Fazio, known as "DiegoKoi", is a young Italian artist born in Lamezia Terme in 1989. He currently lives and works in Feroleto Antico, in the province of Catanzaro. It boasts a technique characterized by extreme precision and care of detail.
Initially he created designs for tattoos in Asian style “carp koi”, from where he took the idea for his artist nickname.
In Japanese culture, “carp koi” is a symbol of love and friendship. Over time, Diego developed his technique of painting by reinventing the delicacy and beauty that every nuance can re-create. After tattoos Diego was drawn to hyperrealism – a concept in philosophy and art that describes hypothetical inability of consciousness to distinguish reality from fantasy.

"Federica", lápiz sobre papel / pencil on paper, 105 x 132 cm., 2018 © Diego Koi

"Lincoln", lápiz sobre papel / pencil on paper, 130 x 150 cm., 2017 © Diego Koi
Colección privada de / Private Collection of Arnold Schwarzenegger (EE.UU./ USA)

Abraham Lincoln en "El Hurgador" / in this blog:

"Luccicanza / Brillantez / Glossiness", lápiz sobre papel / pencil on paper, 100 x 70 cm. © Diego Koi
Colección pública / Public Collection Camera commercio VV Italia 
Ganador del Premio Internacional / Winner of International Prize Limen 2012

"Trapasso / Transferencia / Transfer"
Lápiz sobre papel / pencil on paper, 69 x 77 cm., 2012 © Diego Koi
Colección privada / Private Collection Monaco

Diego uses one of the basic techniques of drawing: the pencil on paper. The first emotions that his works produce in the viewer are a mixture of astonishment, disbelief and admiration. His works impress with their realism and richness of details. Diego's ability to perceive the subtlest tones of chiaroscuro allows him to create contrasts that touch the soul of the observer.
He has exhibited in galleries and art fairs internationally, being awarded several times. His works can be found in collections around the world, from the United States to France, through Colombia or Singapore.

"Rancore / Rencor / Rancor", lápiz sobre papel / pencil on paper, 46 x 35 cm., 2013 © Diego Koi
Colección pública / Public Collection Canran d'ache - Svizzera

"Mediano", lápiz sobre papel / pencil on paper, 105 x 132 cm., 2018 © Diego Koi

"Inconsistenza / Inconsistencia / Inconsistency"
Lápiz sobre papel / pencil on paper, 35 x 50 cm., 2013 © Diego Koi
Colección privada, Francia / Private Collection, France

"Il vuoto / El vacío / The Void", lápiz sobre papel / pencil on paper, 35 x 50 cm., 2012 © Diego Koi
Colección privada, Hawai, EE.UU./ Private Collection, HI, USA

Self-taught -Diego says that basically his school has been the Internet-, he discovered his "gift" when he made a portrait of his sister.
«I just drawing portraits, because the human being is the subject that I prefer. And “what I’m most passionate about”. I love to draw especially the look of a person, because the eyes are the soul. In the eyes, I can draw my emotions making them perfectly match those of the subject.»
«I choose my models among the people I know, who are close to me, in order to be able to capture their emotions.»

"Sgravo", grafito sobre papel / graphite on canvas, 38 x 34 cm. © Diego Koi

"Sensazioni / Sensación / Sensation"
Lápiz sobre papel / pencil on paper, 63×77 cm., 2012 © Diego Koi
Colección privada, Singapur / Private Collection, Singapore
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Fuentes / Sources:
* Website
* Entrevista de / Interview by Tsvetelina Mareva, 6/2014. Public Republic
* Videos que pueden verse más abajo / videos you can see below

Más sobre / More about Diego Koi: Website, deviantART, Instagramfacebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Diego!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Diego!)


Diego entrevistado en su primera muestra internacional "Sensaciones" en Lamezia Terme, 2013 /
Interview to Diego in his first international show "Sensations", at Lamezia Terme, 2013


Diego trabajando / at work


Aniversarios (CCLI) [Octubre / October 8-14]

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Todos los aniversarios de Octubre aquí / All anniversaries for October here.
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El 8 de Octubre es el cumple de

Jarosław Modzelewski, pintor, ilustrador y educador polaco nacido en Varsovia en 1955.
En los años 1970-1975 asistió a la Escuela Técnica Electrónico-Mecánica, donde se graduó con el título de Técnico en Electrónica. Al mismo tiempo asistió a clases de arte en el Palacio de la Juventud.
Estudió en la Academia de Bellas Artes de Varsovia, obteniendo un diploma en 1980 en el estudio del prof. Stefan Gierowski.

"Wisła, Broniewski, próg / Umbral / Threshold"
Tintografia sobre papel / inkography on paper, 46 x 60 cm. Personalart

En el período comprendido entre julio de 1980 y mayo de 1981 sirvió en el ejército en Łódź, junto con Marek Sobczyk.
Fue cofundador de Gruppa y participó en sus exposiciones de 1982-1983. Fue coeditor del órgano de Gruppa "Oj dobrze już" (1984-1988). Desde 1982 trabaja como profesor en su alma mater. En el otoño de 1984, junto con Marek Sobczyk, obtuvo una beca en Alemania Occidental. En la década de 1990, también con Marek Sobczyk y Piotr Młodożeniec, dirigió una Escuela de Arte privada en Varsovia.
En el período inicial creó pinturas abstractas, a veces usando plantillas. En los años 1986-1989 creó pinturas figurativas realistas caracterizadas por el ambiente del surrealismo.
En los años noventa, la pintura de Modzelewski se caracterizó por un enfoque esquemático de las figuras humanas.

"Siewca i żniwiarz / El sembrador y segador / The Sower and Reaper"
Zachęta National Gallery of Art (Varsovia, Polonia / Warsaw, Poland). Wikimedia Commons

"Zjednoczone narzędzia / Utensilios unidos / United Tools"
Tintografia sobre papel / inkography on paper, 46 x 60 cm. Personalart

On October 8 is the birthday of

Jarosław Modzelewski, Polish painter, illustrator and educator born in Warsaw in 1955.
In the years 1970-1975 he attended the Electronic-Mechanical Technical School, which he graduated with the title of Electronics Technician. At the same time, he attended art classes at the Youth Palace.
He studied at the Warsaw Academy of Fine Arts, obtaining a diploma in 1980 in the studio of prof. Stefan Gierowski.
In the period from July 1980 to May 1981 he served in the army in Łódź, along with Marek Sobczyk.

"Przejażdżka po Wiśle / Navegación por el Vístula / A Ride on the Vistula"
Tintografia sobre papel / inkography on paper, 46 x 60 cm. Personalart

He was a co-founder of Gruppa and participated in its 1982-1983 exhibitions. He co-edited the Gruppa organ "Oj dobrze już" (1984-1988). From 1982 he works as a teacher at his alma mater. In the autumn of 1984, together with Marek Sobczyk, he stayed on a scholarship in West Germany. In the 1990s, also with Marek Sobczyk and Piotr Młodożeniec, he ran a private School of Art in Warsaw.
In the initial period he created abstract paintings, sometimes using templates. In the years 1986-1989 he created realistic figural paintings characterized by the mood of surrealism.
In the nineties, Modzelewski's painting was characterized by a schematic approach to human figures.

"Porządki / Orden / Order", 60 x 80 cm., 2016. O.pl


El 9 de Octubre es el cumple de

Jan Voss, pintor, acuarelista, escultor, ceramista y grabador alemán, nacido en 1936 en Hamburgo y residente en Francia.
Se fue de la casa familiar y terminó en Turquía haciendo autostop. Se quedó allí durante seis meses. Su padre le envió un billete de tren para regresar. Luego se inscribió en la Academia de Bellas Artes de Munich, donde estudió desde 1956 hasta 1960. Son los dibujos que trajo de Turquía los que le permitieron competir en la Academia.
En 1960, habiendo obtenido una beca para pasar un año en el extranjero, optó por vivir en París. De 1960 a 1972 expuso regularmente junto a otros artistas pertenecientes al grupo de Figuración Narrativa. En 1964 produjo una serie de dibujos titulados "La Vie Parisienne / La vida parisina", e hizo su primera exposición individual en París en la Galerie du Fleuve.

"Justiciers / Justicieros / Avengers", 2015 
Galeire Lelong Paris © Photo Éric Simon. Pinterest

Instalado entre París y Berlín, enseñó desde 1966 hasta 1967 en la Escuela de Bellas Artes de Hamburgo. En 1987 fue nombrado profesor en la Escuela Nacional de Bellas Artes de París, donde enseñó hasta 1992.
Su obra busca dar cuenta de una realidad diaria mediante la invención de pequeñas historias en sus lienzos, que incluyen animales y personajes. Además, superpone objetos cotidianos, animales, plantas, siluetas de hombres y mujeres.

"La galerie des ancetres / La galería de los antepasados / The Ancestors Gallery"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 114 x 145 cm., 1961. Sothebys

Su obra se está alejando gradualmente de la influencia de la figuración narrativa. Sus cuadros "Dibujado con la linea", están saturadas de signos negros y líneas de acuarelas. Desde la década de 1980 ha agregado nuevos materiales en sus obras y realizado pequeñas esculturas (tótems, cubos apilados...).

"Un K isolé / Una K aislada / An isolated K", técnica mixta y collage sobre lienzo /
mixed media and collage on canvas, 210 x 180 cm., 2012. Art Basel

On October 9 is the birthday of

Jan Voss, German painter, watercolourist, sculptor, ceramist and engraver, born in 1936 in Hamburg, living in France.
Jan Voss fled the family home and ends up in Turkey hitchhiking. He stood there for six months. His father sent him a train ticket for the return. He then enrolled at the Academy of Fine Arts in Munich where he studied from 1956 to 1960. It is the drawings he brought from Turkey that allowed him to compete in the Academy.

"¿Estás hambriento? / Are You Hungry?"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 64 1/4" x 51 1/4", 2014. Galerie Leleong

In 1960, having obtained a scholarship to spend a year abroad, he chose to live in Paris. From 1960 to 1972, he regularly exhibited alongside other artists belonging to the group of Narrative Figuration. In 1964, he produced a series of drawings entitled La Vie Parisienne / Parisian Life and made his first Paris solo show at the Galerie du Fleuve.
Installed between Paris and Berlin, he taught from 1966 to 1967 at the School of Fine Arts in Hamburg. In 1987, he was appointed professor at the National School of Fine Arts in Paris where he taught until 1992.

"Dramaturgie / Dramaturgia / Dramaturgy", acrílico y crayones oleosos sobre lienzo /
acrylic, oilsticks on canvas, 78 13/16" x 98 2/4", 2014. Galerie Lelong

His work tries to give an account of a daily reality by inventing small stories in his canvases which include animals and characters. In addition he superimposes everyday objects, animals, plants, silhouettes of men and women.
His work is gradually moving away from the influence of narrative figuration. His works, "Drawn with the line", are saturated with black signs and lines of watercolors. From the 1980s, he added new materials in his works and made small sculptures (totems, stacks of cubes ...).

"¿Dónde has estado toda la noche? / Where Have You Been All Night?"
Acrílico, crayones y collage sobre lienzo /
acrylic, oilsticks and collage on canvas, 82 3/4" x 120 3/16", 2015. Galerie Lelong


El 10 de Octubre es el cumple de

Johannes (o Johann) Lingelbach, pintor holandés de la Edad de Oro nacido en Fráncfort en 1622, asociado a la segunda generación de los Bambocciate, un grupo de pintores de género que trabajaron en Roma de 1625 a 1700.
Era el hijo de David Lingelbach, un técnico alemán que en 1634 se estableció en Ámsterdam con su esposa e hijos. En 1638 el padre contrató y más tarde estableció un laberinto en el Jordaan. Lo equipó con máquinas, que podían moverse o tocar música y representar escenas bíblicas o mitológicas. A finales de los años 40, Johannes Lingelbach viajó a Francia (?) e Italia. Después de regresar a Amsterdam, alrededor de 1653, Johannes se casó. Alrededor de 1662, Lingelbach vivía en Reestraat, una pequeña calle cerca de Prinsengracht.

"Figuras frente a una posada, con una vista de la Plaza del Pueblo, Roma /
Figures before a Locanda, with a View of the Piazza del Popolo, Rome"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 63,2 x 72,6., c.1645-50. Royal Collection

Su obra comenzó a mostrar una influencia de los paisajes de Philips Wouwermans. Su habilidad para pintar figuras de género no es menos importante en sus representaciones de objetos arquitectónicos y naturales. A menudo se lo invitaba a pintar figuras y animales en obras de paisajes de otros artistas, como el maestro de paisajes holandés Meindert Hobbema y Jan van der Heyden. Su estudio de las formas arquitectónicas provino de la observación de las pinturas de otro Bamboccianti, Viviano Codazzi, un Vedutisti arquitectónico, o pintor de vistas.
Lingelbach siguió el estilo del Bamboccianti original, Pieter van Laer, llamado Il Bamboccio, que llevó su propio estilo italiano a influenciar a los pintores del norte de Europa. Es uno de los pocos pintores holandeses de la Bamboccianti, cuyas obras están documentadas en profundidad, haciendo que su influencia sea mayor en la progresión del estilo. Algunas de sus obras en Roma se atribuyeron una vez a Pieter van Laer, pero ahora se estima que son de Lingelbach, como su "Escena en una calle romana con jugadores de naipes" (Galería Nacional). Estas obras muestran la influencia italiana de Caravaggio en su realismo y refinado efecto de claroscuro, como puede verse en "Figuras frente a una posada, con una vista de la Plaza del Pueblo, Roma" (Royal Collection)
Las formas de Lingelbach están muy logradas en cuanto a los efectos de la luz y la precisión espacial, pero son mucho más libres que las de Codazzi.
Murió en 1674.

"Batalla naval con una explosión a bordo de un barco, y en primer plano figuras enfrascadas en un combate cuerpo a cuerpo en un bote /
Marine Battle With an Explosion Aboard a Ship, and Figures Engaged in Hand-to-hand Combat on a Boat in the Foreground"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 117,1 x 155,1 cm. Sotheby's

"Vista de un puerto con figuras orientales y una elegante dama con su paje cubriéndola con una sombrilla /
View of a Port With Oriental Figures and an Elegant Lady With Her Page Shading Her With a Parasol"
Trazos de tiza negra, pluma y tinta marrón, aguada gris, iluminado con bodycolour blanco y ocre, sobre papel azul preparado /
traces of black chalk, pen and brown ink, grey wash, heightened with white and ochre bodycolour, on prepared blue paper, 23 x 18,5 cm. Christie's

On October 10 is the birthday of

Johannes (or Johann) Lingelbach, Dutch Golden Age painter born in Frankfurt am Main in 1622, associated with the second generation of Bambocciate, a group of genre painters working in Rome from 1625–1700.
He was the son of David Lingelbach, a German technician, who in 1634 settled in Amsterdam with his wife and children. In 1638 the father hired and later established a labyrinth in the Jordaan. He furnished it with machines, that could move or play music and depicting biblical or mythological scenes. In the late 40s Johannes Lingelbach travelled to France (?) and Italy. After returning to Amsterdam, around 1653, Johannes married. Around 1662 Lingelbach lived in Reestraat, a small street near Prinsengracht.

"Campesinos bailando la tarantela por fuera de un albergue en un paisaje de colinas italiano /
Peasants Dancing the Tarantella Outside an Inn in a Hilly Italianate Landscape"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 109,6 x 90 cm. Sotheby's

His work began to show an influence from Philips Wouwermans' landscapes. His skill in painting genre figures is no less accomplished in his depictions of architectural and natural objects. He was often invited to paint the figures and animals within other artists landscape pieces, such as the Dutch master landscape painter, Meindert Hobbema and Jan van der Heyden. His study of architectural forms came from observing the paintings of another Bamboccianti, Viviano Codazzi, an Architectural Vedutisti, or view painter.
Lingelbach followed the style of the original Bamboccianti, Pieter van Laer, called Il Bamboccio, bringing his own Italianate style into influence of Northern European painters. He is one of the few Dutch painters of the Bamboccianti, whose works are documented in depth, making his influence greater in the progression of the style. Some of his works in Rome were once attributed to Pieter van Laer, but are now rightfully claimed to be Lingelbach’s, such as his, Roman Street Scene with Card Players, (National Gallery). These works show the Italian influence of Caravaggio in their realism and refined chiaroscuro effect, also seen in works such as Lingelbach's, Figures before a locanda with a view of the Piazza del Popolo, Rome, (Royal Collection).
Lingelbach’s forms were accomplished in there effects of light and spatial accuracy, but much freer than that of Codazzi.
He died in 1674.

"Una familia y un viajero conversando junto a un árbol, con sus caballos y un perro en un paisaje /
A Family and a Traveller Conversing Near a Tree, Together With Their Horses and a Dog in a Landscape"
Óleo sobre panel / oil on panel, 20,2 x 23,9 cm. Sotheby's


El 11 de Octubre es el cumple de

Anton Zwengauer, pintor alemán del período Biedermeier, nacido en 1810 en Munich, Baviera.
Estudió en la Academia de Arte en su ciudad natal con, entre otros, Peter von Cornelius. Zwengauer se sintió atraído por la pintura de paisajes, para la cual no había instrucción formal en la Academia, y a la edad de 17 años comenzó a viajar por los Alpes bávaros y austriacos, regresando de cada viaje con grandes cantidades de bocetos y acuarelas. Su avance artístico se produjo con su pintura Sonnenuntergang im Dachauer Moos ("Atardecer en Dachauer Moos"), que se convirtió de inmediato en una imagen muy conocida y discutida en el mundo del arte de Munich. Sus puestas de sol se hicieron tan conocidas que todas las pinturas con puestas de sol fueron referidas, con mitad admiración, mitad ironía, como "Zwengauers".

"Rehe in Landschaft mit Sonnenuntergang /
Ciervo en un paisaje con puesta de sol / Deer in a Landscape With Sunset"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 83 x 110 cm., 1847. Wikimedia Commons
Städelsches Kunstinstitut und Städtische Galerie (Fráncfort, Alemania / Frankfurt am Main, Germany)

En 1835 Maximiliano II, rey de Baviera, lo nombró conservador de la galería de cuadros de Schloss Schleissheim y, en 1869, lo ascendió al mismo puesto en la galería de cuadros real, la que posteriormente sería la Alte Pinakothek.
En la selección de sus motivos, Zwengauer siempre trató de representar la fuerza y ​​la paz inherentes de los paisajes naturales en un estado de ánimo casi solemne.
Murió en 1884.

"Landschaft mit Hütte im Sonnenuntergang /
Paisaje con cabaña en la puesta de sol / Sunset Scene with a Hut"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 28,5 x 23,7 cm., 1849. Lampertz

On October 11 is the birthday of

Anton Zwengauer, German painter of the Biedermeier period, born in 1810 in Munich, Bavaria.
He studied at the Academy of Art in his home town under, among others, Peter von Cornelius. Zwengauer found himself attracted to landscape painting, in which there was no formal training at the Academy, and at the age of 17 he therefore began to travel through the Bavarian and Austrian Alps, returning from each trip with large quantities of sketches and watercolours. His artistic breakthrough came with his painting Sonnenuntergang im Dachauer Moos ("Sunset in the Dachauer Moos"), which immediately became well-known and much-discussed in the Munich art world. His sunsets became so well known that all paintings with sunsets were referred to, half admiringly and half ironically, as "Zwengauers".

"Moorsee im Abendlicht mit einem Hirsch am ufer
Lago Moor en la luz de la tarde con un ciervo en la orilla
Moor Lake in the Evening Light With a Deer on the Shore"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 35,5 x 51,5 cm., 1844. Hampel

In 1835 Maximilian II, King of Bavaria, appointed him conservator of the picture gallery of Schloss Schleissheim and in 1869 promoted him to the same post in the royal picture gallery, the later Alte Pinakothek.
In the selection of his motifs Zwengauer always tried to represent the inherent strength and peace of natural landscapes in an almost solemn mood.
He died in 1884.

"Sonnenuntergang an einem See / Atardecer en un lago / Sunset in a Lake"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50 x 38,5 cm.., 1847. Lampertz


El 12 de Octubre es el cumple de

Maximilian Franz Viktor Zdenko Marie "Max" Kurzweil, pintor y grabador austriaco, nacido en 1867 en Bisenz. Se trasladó cerca de Viena en 1879.
Estudió en la Academia de Bellas Artes de Viena con Christian Griepenkerl y Leopold Carl Müller, y asistieron a la Académie Julian en París desde 1892, donde expuso por primera vez en el Salón en 1894. Fue cofundador de la Secesión de Viena en 1897, y editor e ilustrador de la influyente revista Secesionista Ver Sacrum (Primavera Sagrada).

"Dame in Gelb Kleid / Mujer con vestido amarillo / Woman in a Yellow Dress"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1907. 
Museen der Stadt Wien / Museo de Viena (Viena / Vienna / Wien, Austria). Wikimedia Commons

Kurzweil también fue profesor en la Frauenkunstschule, y en 1905 recibió el premio Villa Romana. Sus obras posteriores muestran la influencia de Edvard Munch y Ferdinand Hodler. Como consecuencia de circunstancias privadas, empeoradas por su sentido innato de melancolía, se suicidó en 1916 junto con su estudiante y amante, Helene Heger. A pesar de su relativamente corta carrera, Kurzweil fue uno de los representantes más significativos del movimiento secesionista vienés después de Gustav Klimt y Egon Schiele.

"En el arroyo / By the Stream", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 44 x 70 cm., Sotheby's

On October 12 is the birthday of

Maximilian Franz Viktor Zdenko Marie "Max" Kurzweil, Austrian painter and printmaker, born in 1867 in Bisenz. He moved near Vienna in 1879.
He studied at the Academy of Fine Arts Vienna with Christian Griepenkerl and Leopold Carl Müller, and attended the Académie Julian in Paris from 1892, where he exhibited his first paining at the Salon in 1894. He was co-founder of the Vienna Secession in 1897, and editor and illustrator of the influential Secessionist magazine Ver Sacrum (Sacred Spring).

"Der Polster / El cojín / The Cushion", xilografía a color / color woodcut, 10,25" x 11,25", 1903
Iris & B. Gerald Cantor Center for Visual Arts at Stanford University (California, EE.UU./ CA, USA). GAP

Kurzweil was also professor at the Frauenkunstschule. and in 1905, he was awarded the Villa Romana prize. His later works show influence from Edvard Munch and Ferdinand Hodler. As a consequence of private circumstances, made worse by his innate sense of melancholy, he committed suicide in 1916 together with his student and lover, Helene Heger. Despite his relatively short career, Kurzweil belongs to the most significant representatives of the Viennese Secessionist movement after Gustav Klimt and Egon Schiele.

"Der Hafen von / El puerto de / The Port of Concarneau"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 82 cm., c.1900
Österreichische Galerie Belvedere (Viena / Vienna / Wien, Austria). Wikimedia Commons


El 13 de Octubre es el cumple de

Eugène Ernest Hillemacher, pintor histórico, de género y retratista académico francés, nacido en 1818 en París.
Su madre era la hermana más joven del pintor y grabador belga Frédéric Théodore Faber. En 1838 se matriculó en la École des Beaux-arts, donde estudió con Léon Cogniet. Tuvo su primera exposición en el Salón en 1840, en la que se expuso su obra sobre Cornelia la Africana, madre de los Gracos.

"Psyché aux enfers / Psique en el inframundo / Psyche in the Underworld"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 117 × 90 cm., 1865.
National Gallery of Victoria (Melbourne, Australia)

Después de eso participo con frecuencia en varias exposiciones regulares y recibió numerosos encargos. Muchas de sus obras fueron reproducidas como fotograbados. Entre los más populares se encontraban los de Molière, Boileau, varios miembros de la realeza y personas que jugaban al whist. Ganó medallas de primera clase en 1861 y 1863. Su pintura del confesionario en la Basílica de San Pedro (1855) se puede ver en el Palacio de Luxemburgo.
Fue nombrado Caballero de la Legión de Honor en 1869. Su hermano Frédéric Désiré era un conocido grabador. Sus hijos Paul y Lucien se convirtieron en compositores que a menudo trabajaban juntos, ganando el Premio de Roma para la música en 1876 y 1880.
Murió en 1887.

"Oedipe et Antigone s'exilant de Thèbes / Edipo y Antígona se exilian de Tebas /
Oedipus and Antigone Exiled From Thebes"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 115 x 147 cm., 1843
Musée des Beaux-Arts (Orléans, Francia / France). Wikimedia Commons

"Boceto de un chico joven / Sketch of a Young Boy"
Pastel y tiza negra / pastel and black chalk, 21,6 x 14 cm., 1857
The Metropolitan Museum (MET) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA

On October 13 is the birthday of

Eugène Ernest Hillemacher, French history, portrait and genre painter in the Academic style, born in 1818 in Paris.
His mother was the youngest sister of the Belgian painter and etcher, Frédéric Théodore Faber. In 1838, he enrolled at the École des Beaux-arts, where he studied with Léon Cogniet. He had his first exhibition at the Salon in 1840, featuring his depiction of Cornelia Africana, mother of the Gracchi.

"Cérès moquée par Ascalabos / Ceres burlado por Ascalabos / Ceres Mocked by Ascalabos"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 74 ×91 cm., 1877. Wikimedia Commons

After that, he was a frequent participant in several regular exhibitions and received numerous commissions. Many of his works were reproduced as photogravures. Among the most popular were those featuring Molière, Boileau, various royalty and people playing whist. He won first-class medals in 1861 and 1863. His painting of the confessional at Saint Peter's Basilica (1855) may be seen at the Luxembourg Palace.
He was named a Knight of the Légion d'Honneur in 1869. His brother Frédéric Désiré was a well-known engraver. His sons Paul and Lucien became composers who often worked together; winning the Prix de Rome for music in 1876 and 1880.
He died in 1887.

"Oración a la hora de acostarse / Bedtime Prayer"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 61,3 x 82,5 cm., ARC
Colección de / Collection of Fred & Sherry Ross (EE.UU./ USA)


Hoy, 14 de Octubre. es el cumple de

Alesso Baldovinetti, pintor italiano del Renacimiento temprano, nacido en Florencia en 1425.
En 1448 fue registrado como miembro del Gremio de San Lucas: "Alesso di Baldovinetti, dipintore".
Fue un seguidor del grupo de realistas científicos y naturalistas en el arte, que incluía a Andrea del Castagno, Paolo Uccello y Domenico Veneziano.
En 1462 fue contratado para pintar el gran fresco de la Anunciación en el claustro de la basílica de Annunziata. Los restos, tal como los vemos, evidencian el poder del artista tanto para imitar los detalles naturales con una fidelidad minuciosa como para espaciar sus figuras en un paisaje con un gran sentido del aire y la distancia.

"Retrato de una dama / Portrait of a Lady (Francesca Galli?)"
Óleo sobre panel / oil on wood, 62,9 x 40,6 cm., c.1465.
National Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

Su método favorito en la pintura mural era realizar sus composiciones al fresco y terminarlas con una mezcla de yema de huevo y barniz líquido. Esto, dice Vasari, lo hacía con el objetivo de proteger la pintura de la humedad; pero en el transcurso del tiempo, las partes ejecutadas con esta técnica se escamaron, de modo que el gran secreto que esperaba haber descubierto resultó ser un fracaso.
En 1471 realizó importantes trabajos para la iglesia de Santa Trinidad por encargo de Bongianni Gianfigliazzi.
Sus contemporáneos lo consideraban el único artesano que había redescubierto y comprendido completamente el arte en desuso desde largo tiempo atrás del mosaico, y fue empleado en consecuencia entre 1481 y 1483 para reparar los que había sobre la puerta de la iglesia de S. Miniato, así como varios otros tanto dentro como fuera del baptisterio de la catedral.
Uno de sus alumnos fue Domenico Ghirlandaio.
Murió en 1499.

"Natividad / Nativity", fresco, 400 x 430 cm., entre / between 1460 - 1462
Basilica della Santissima Annunziata (Florencia, Italia / Florence, Italy). Wikimedia Commons

Today, October 14, is the birthday of

Alesso Baldovinetti, Italian early Renaissance painter, born in 1425 in Florence.
In 1448 he was registered as a member of the Guild of St. Luke: "Alesso di Baldovinetti, dipintore."
He was a follower of the group of scientific realists and naturalists in art which included Andrea del Castagno, Paolo Uccello and Domenico Veneziano.
In 1462 Alesso was employed to paint the great fresco of the Annunciation in the cloister of the Annunziata basilica. The remains as we see them give evidence of the artist's power both of imitating natural detail with minute fidelity and of spacing his figures in a landscape with a large sense of air and distance.

"Madonna col bambino / La virgen y el niño / Virgin and Child"
Témpera sobre tabla / tempera on wood, 106 x 75 cm., entre / between 1460 - 1465
Musée du Louvre (París, Francia / France). Wikimedia Commons

His favourite method in wall-painting was to lay in his compositions in fresco and finish them a secco with a mixture of yolk of egg and liquid varnish. This, says Vasari, was with the view of protecting the painting from damp; but in course of time the parts executed with this vehicle scaled away, so that the great secret he hoped to have discovered turned out a failure.
In 1471 Alesso undertook important works for the church of Santa Trìnita on the commission of Bongianni Gianfigliazzi.
He was regarded by his contemporaries as the one craftsman who had rediscovered and fully understood the long disused art of mosaic, and was employed accordingly between 1481 and 1483 to repair the mosaics over the door of the church of S. Miniato, as well as several of those both within and without the baptistery of the cathedral.
One of his pupils was Domenico Ghirlandaio.
He died in 1499.

"Annunciazione / Anunciación / Annunciation"
Témpera sobre tabla / tempera on wood, 167x137 cm., c. 1457
Galleria degli Uffizi (Florencia, Italia / Florence, Italy). Wikimedia Commons

Muere Eduardo Arroyo / R.I.P. Eduardo Arroyo

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Muere Eduardo Arroyo a los 81 años /
Eduardo Arroyo dies aged 81

Eduardo Arroyo
(Madrid, España / Spain, 1937 - 2018)

Foto / Photo: Ladrones de fuego

Pintor, escultor, artista gráfico, autor, escenógrafo, Eduardo Arroyo fue una figura clave tanto de la figuración narrativa como de la Neofiguración (o Nueva Figuración) española y vinculado al pop art. Refugiado en París desde 1958 por causa de su antifranquismo, Arroyo cobró protagonismo en el circuito artístico nacional tardíamente, a partir de los años 1980, tras un alejamiento de dos décadas forzado por el régimen franquista.
Falleció en su casa de Madrid el 14 de Octubre.

"El camarote de los hermanos marxistas o Retrato del artista adolescente /
The Marxist Brothers’ Cabin or Portrait of the Artist as a Young Man"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 260,5 x 361 cm., 1991
Bilboko Arte Ederren Museoa / Museo de Bellas Artes (Bilbao, España / Spain)

Painter, sculptor, graphic artist, author, set designer, Eduardo Arroyo was a key figure in both narrative figuration and the Spanish Neo-figurative art, and linked to pop art. Refugee in Paris since 1958 because of his anti-Francoism, Arroyo took center stage in the national artistic circuit belatedly, from the 1980s, after a distance of two decades forced by the Franco regime.
He died at his home in Madrid on October 14.

"Anónimos en el café Byron / Anonymous at the Byron Cafe"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 97 x 130 cm., 2006. © Eduardo Arroyo
Colección particular / Private Collection. Link

Más información: El País, El Mundo / More info: EFE

Eduardo Arroyo en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (CXII)]

Más sobre / More about Eduardo Arroyo: Wikipedia

Recolección / Compilation (CXIV) - Autorretratos / Self Portraits

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Thomas Bardwell
(Inglaterra / England, 1704 - 1767) 

"Autorretrato / Self portrait"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 74 x 61,5 cm., 1765. Wikimedia Commons
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Thomas Beach
(Milton Abbas, Dorset, Inglaterra / England, 1738 - 1806)

"Autorretrato / Self portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 75,7 × 62,5 cm., 1802
National Portrait Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK). NPG
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Sir Godfrey Kneller
(nacido / born Gottfried Kniller), 1st Baronet
(Lübeck, Sacro Imperio Romano Germánico / Holy Roman Empire, 1946 - 
Londres, Reino Unido / London, UK, 1723)

"Autorretrato / Self Portrait"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 75,6 × 62,9 cm., 1685. NPG, Wikimedia Commons

Godfrey Kneller en "El Hurgador" / in this blog[Arte y humor (VIII) - Referencias], [Recolección (CVI)]
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Georges Émile Lebacq
(Jemappes, Bélgica / Belgium, 1876 - Brujas / Bruges, 1950)

"Autorretrato / Self Portrait", 1914. Wikimedia Commons

Georges Lebacq en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (CX)]
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Dame Laura Knight
(Laura Johnson)
(Long Eaton, Derbyshire, Reino Unido / UK, 1877 - Nottingham, 1970)

"Autorretrato / Self Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 23,5" x 23,5", 1913
Museum Te Papa Tongarewa (Nueva Zelanda / New Zealand). Art Stack

Laura Knight en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (LXXXIV)], [Recolección (XCII)], [Recolección (CX)]
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Segundo Matilla i Marina
(Madrid, España / Spain, 1862 - Teiá / Teyá, Barcelona, 1937)

"Autorretrato / Self Portrait", óleo sobre tela / oil on canvas, 167 x 85,5 cm., 1907 
Museu Nacional d'Art de Catalunya (Barcelona, España / Spain)
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Thérèse Schwartze
(Ámsterdam, Holanda / Netherlands, 1851 - 1918)

"Autorretrato con paleta / Self Portrait with Palette", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1888
Galleria degli Uffizi (Florencia, Italia / Florence, Italy). Wikimedia Commons

Thérèse Schwartze en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (CX)]
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Charles Maurin
(Le Puy-en-Velay, Francia / France, 1856 - Grasse, 1913)

"Autorretrato / Self Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, c.1890. Link
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Wilhelm Heinrich Otto Dix
(Gera, Alemania / Germany, 1891 - Singen (Hohentwiel), 1969)

"Autorretrato con clavel / Self Portrait With Carnation"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 73,7 x 49,5 cm., 1912
Detroit Institute of Arts (Detroit, EE.UU./ USA). Link

Otto Dix en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All Links]
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Adriaen Hanneman
(La Haya, Holanda / The Hague, Netherlands, c.1603-4 - 1671)

"Autorretrato / Self Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 81,5 x 64 cm., 1656.
Rijksmuseum (Ámsterdam, Holanda / Netherlands)
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Ida Gerhardi
(Hagen, Alemania / Germany, 1862 - Lüdenscheid, 1927) 

"Selbstbildnis I / Autorretrato I / Self Portrait I (Paris)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 73 x 61 cm., 1903. Märkisches Museum (Witten, Alemania / Germany)

"Selbstbildnis / Autorretrato / Self Portrait (Paris)", 1905
Städtische Galerie (Lüdenscheid, Alemania / Germany). Link

Ida Gerhardi en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (CVI)]
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Ottilie Wilhelmine Roederstein 
(Zürich, Suiza / Switzerland, 1859 -
Hofheim am Taunus, Alemania / Germany, 1937)

"Selbstbildnis / Autorretrato / Self Portrait", 1918. Link

Ottilie Roederstein en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (CLXXIII)], [Recolección (CX)]
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Edvard Munch
(Løten, Noruega / Norway, 1863 - Oslo, 1944)

"Selvportrett ved vinen / Autorretrato con una botella de vino / Self-portrait with a Bottle of Wine"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 110 x 120 cm., 1906
Munchmuseet (Oslo, Noruega / Norway). GAP

"Selvportrett med bredbremmet hat / Autorretrato con sombrero de ala ancha /
Self-Portrait in Broad Brimmed Hat", 1905-1906
Munchmuseet (Oslo, Noruega / Norway)

Edvard Munch en "El Hurgador" / in this blog[Todos los enlaces / All Links]
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Henri Julien Félix Rousseau
(Laval, Francia / France, 1844 - París, 1910)

"Portrait de l'artiste à la lampe / Autorretrato del artista con una lámpara / Artist's Self Portrait with a Lamp
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 23 x 19 cm., 1903
Musée Picasso (Paris, Francia / France). Link

Henri Rousseau en "El Hurgador" / in this blog[Todos los enlaces / All Links]
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Pietro Annigoni
(Milán, Italia / Milano, Italy, 1910 - Florencia / Florence, 1988)

"Autoritratto con Pennello / Autorretrato con pincel / Self Portrait With Brush". Link

Pietro Annigoni en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (LXIX)], [Aniversarios (CLXXXI)]
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Rita Henrietta Catalina Angus
(Rita McKenzie)
(Hastings, Nueva Zelanda / New Zealand, 1908 - Wellington, 1970)

"Autorretrato / Self Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 47 x 38 cm., 1929
Museum of New Zealand Te Papa Tongarewa (Wellington, Nueva Zelanda / New Zealand). Link

Rita Angus en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (LXI)]
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Laurits Tuxen
(Copenhague, Dinamarca / Copenhagen, Denmark, 1853 - 1927)

"Autorretrato / Self Portrait", 33 x 35 cm., 1911
Skagens Museum (Skagen, Dinamarca / Denmark). GAP

Laurits Tuxen en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (CVI)]
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Robert Colquhoun
(Kilmarnock, Escocia / Scotland, 1914 - Londres / London, 1962)

"Autorretrato / Self-Portrait", c.1940. Pinterest

Robert Colquhoun en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (CVI)]
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Agda Holst
(Kristianstad , Skåne, Suecia / Sweden, 1886 - 1976)

"Självporträtt / Autorretrato / Self-Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 66,5 x 54 cm., 1925
Malmö Konstmuseum (Malmö, Suecia / Sweden). MyNewDesk
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Victor Hume Moody
(Inglaterra / England, 1896 - 1990)

"Autorretrato / Self-Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 35,8 x 35,8 cm., c.1941. Link
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Stanley Spencer
(Cookham, Inglaterra / England, 1891 - Cliveden, Buckinghamshire, 1959)

"Autorretrato / Self-Portrait", óleo sobre panel / oil on board, 70 x 96 cm., 1936. ebay

"Autorretrato (Calle Adelaida) / Self portrait (Adelaide Road)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1939. Colección privada / Private Collection
© The Estate of Stanley Spencer / Bridgeman Images. Link

"Autorretrato / Self-Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50,8 x 406 cm., 1959
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)
© The Estate of Stanley Spencer / Bridgeman Images. Link

Stanley Spencer en "El Hurgador" / in this blog[Pintando perros (IX)]

Uruguayos (XXXIII) - Hermenegildo Sábat [Caricatura, Pintura / Caricature, Painting]

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Me he enterado por mi amiga y colaboradora Shirley Rebuffo del fallecimiento hace un par de semanas del genial "Menchi" Sábat. Mi homenaje a un notable artista uruguayo que desarrolló su carrera en Argentina, agudo observador y crítico de la realidad social, artística y política, cuyos protagonistas retrató en infinidad de magistrales caricaturas.

I heard about my friend and collaborator Shirley Rebuffo about the death a week ago of the great "Menchi" Sábat. My tribute to a remarkable Uruguayan artist who developed his career in Argentina, keen observer and critic of social, artistic and political reality, whose protagonists he portrayed in countless masterful caricatures.
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Hermenegildo Mariano"Menchi" Sábat Garibaldi

Foto / Photo: TN

Hermenegildo Mariano «Menchi» Sábat Garibaldi fue un caricaturista, dibujante de prensa y pintor uruguayo nacido en Montevideo en 1933, que vivió y trabajó en Buenos Aires, Argentina.
El diario de noticias más importante de Montevideo, El País, publicó por primera vez un dibujo suyo, un retrato del delantero del equipo de fútbol nacional uruguayo Juan Schiaffino, cuando el joven artista tenía solo 15 años.
La primera experiencia laboral de Sábat en el periodismo comenzó en 1955 como grafista en Acción, y regresó a El País en 1957. Su carrera prosperó en El País y Sábat se convirtió en editor del diario, además de colaborar como corresponsal, fotógrafo e ilustrador. Su autoría apareció en otros periódicos uruguayos en años posteriores, como Marcha, Lunes y Reporte, y trabajó como diseñador gráfico de manera independiente.

"Jean Paul Sartre", Revista Vigencia, Buenos Aires, 1981. ONE

Izq./ Left: "Henri de Toulouse-Lautrec"
Del libro / from the book"Monsieur Lautrec", por / by Julio Cortázar, Hermenegildo Sábat, 1980. Link
Der./ Right: "Joaquín Torres García", 1995. Revista Dossier

Se casó con Blanca Rodríguez en 1961, y la pareja tuvo dos hijos. Sin embargo una disputa con los propietarios de El País llevó a Sábat a emigrar a la vecina Argentina en 1966. Luego de un período en la bonaerens Editorial Abril, sus caricaturas pronto se incluyeron en Primera Plana y Crisis (entonces la principal revista de noticias argentina), y en los principales diarios como Clarín y La Opinión, de la que Sábat se convirtió en el único ilustrador. El cierre de La Opinión por la nueva dictadura en 1977 llevó al traslado de Sábat a Clarín, donde permanecería a lo largo de los años.
El interés de Sábat por el jazz y el tango lo llevó a escribir numerosos libros sobre estos géneros, entre ellos una biografía del vocalista de tango Carlos Gardel - "Al troesma con cariño" (1971),; del trompetista Bix Beiderbecke "Yo Bix, Tú Bix, Él Bix (1972)", y "Scat: una interpretación gráfica del jazz" (1974).
"Julio Cortázar". ONE


Convertido en ciudadano argentino naturalizado en 1980, Sábat continuó con sus trabajos para Clarín y contribuyó ocasionalmente a otros diarios, como el Heraldo de Buenos Aires. Se convirtió en un habitual en Clarín con sus ilustraciones de las columnas semanales del comentarista político Eduardo van der Kooy. Sus caricaturas lo hicieron cada vez más conocido, y parodió incluso a líderes autoritarios como Juan Perón y los jefes del Proceso de Reorganización Nacional.
Siguió trabajando después del regreso de Argentina a la democracia, en 1983. El manejo ineficaz del presidente Raúl Alfonsín de la crisis de la deuda externa y las demandas militares le valieron las interpretaciones de Sábat como bailarina de ballet esforzándose para impresionar a los generales con cara de piedra o, en el mejor de los casos, a un equilibrista que lucha para mantener el equilibrio. Las figuras políticas o militares que se sabe que están especialmente cerca de la poderosa Iglesia Católica incluyen un pequeño halo, y el líder sindical de la CGT, Saúl Ubaldini (el mayor opositor de Alfonsín) pagó sus frecuentes funciones teatrales en la cámara con el retrato de Sábat de sus desgarradoras rupturas y uso de el codo (un insulto típicamente italiano). Su enfoque intrépido del humor le ayudó a ganar el prestigioso premio Maria Moors Cabot, en 1988 (entre sus numerosos reconocimientos).

"Retrato de / Portrait of Juan Carlos Onetti", 1975. Revista Dossier


El sucesor de Alfonsín, Carlos Menem, demostró ser particularmente útil como forraje para los humoristas argentinos. Las extravagantes patillas de Menem y el empuje continuo para forzar los límites constitucionales se prestaron fácilmente a la representación que de él hizo Sábat un hombre fusionado con su sillón presidencial.
Sus caricaturas retrataron figuras políticas, así como artistas y otras personalidades. La muerte de los conocidos iconos culturales argentinos fue infaliblemente seguida por el homenaje de Sábat en forma de ángel.
Representó a la presidenta Cristina Fernández de Kirchner en 2008 en Clarín, con cinta adhesiva en la boca, durante el cierre patronal de 2008. Ella lo consideró un "mensaje cuasi-mafioso". La dibujó con un puñetazo en la cara en referencia a un fallo judicial que benefició a Clarín en el conflicto entre el kirchnerismo y los medios de comunicación. La legislatura de Buenos Aires lo acusó de violencia contra las mujeres y José Pablo Feinmann dijo que "no debería dibujar lo que piensa".

"Frida Kahlo y Diego Rivera". Revista Dossier

Carboncillo sobre papel, sin fecha / charcoal on paper, undated
Colección privada / Private Collection

"Roberto Fontanarrosa". ONE

Hermenegildo Mariano «Menchi» Sábat Garibaldi was an Uruguayan caricaturist, press draftsman and painter born in Montevideo in 1933, who lived and worked in Buenos Aires, Argentina.
Montevideo's leading news daily, El País, first published a drawing of his - a portrait of Uruguayan national football team forward Juan Schiaffino - when the young artist was but 15 years old.
Sábat's first work experience in journalism began in 1955 as a graphist in Acción, returning to El País, in 1957. His career prospered in El País, and Sábat became an editor at the daily, as well as contributing work as a staff correspondent, photographer and illustrator. His byline was featured in other Uruguayan periodicals in subsequent years, such as Marcha, Lunes and Reporte, and he freelanced as a graphic designer.

"Cristina Fernández de Kirchner", Clarín, 4/2008 y 1/2017
Los dibujos de Sábat en Clarín que despertaron la ira de la ex-presidenta argentina /
The drawings of Sábat in Clarín that aroused the anger of the former Argentine President. TN

"Jorge Luis Borges", acrílico / acrylic, 80 x 80 cm., 1975
Colección / Collection Diario Clarín (Argentina). Link

He married Blanca Rodríguez, in 1961, and the couple had two children. A dispute with El País' owners, however, led Sábat to emgirate to neighboring Argentina, in 1966. Following a stint at Editorial Abril, a Buenos Aires publishing house, his caricatures were soon included in Primera Plana and Crísis (then the leading Argentine news magazines), as leading dailies such as Clarín, and La Opinión, for which Sábat became the sole illustrator. The closure of La Opinión by the new dictatorship in 1977 led to Sábat's transfer to Clarín, where he would remain over the years.
Sábat's interest in jazz and tango resulted in his writing numerous books on the genres, including: a biography of tango vocalist Carlos Gardel - Al troesma con cariño (To the Maestro, with Love, 1971); of trumpeter Bix Beiderbecke - Yo Bix, Tú Bix, Él Bix (1972); and Scat: una interpretación gráfica del jazz (1974).

"Carlos Gardel"
Lápiz y tinta sobre papel / pencil and ink on paper, 43 x 34 cm. Castells

"Carlos Saúl Menenm". Airevisión

Izq./ Left: "Jorge Rafael Videla", Clarín, 2013

Becoming a naturalized Argentine citizen in 1980, Sábat continued his commission with Clarín while contributing occasionally to other dailies, such as the Buenos Aires Herald. He became a fixture in Clarín with his illustrations of political commentator Eduardo van der Kooy's weekly columns. His caricatures made him increasingly well-known, and parodied even authoritarian leaders such as Juan Perón and the heads of the National Reorganization Process.
He kept working after Argentina's return to democracy, in 1983. President Raúl Alfonsín's ineffective handling of the foreign debt crisis and military demands earned him Sábat's portrayals as a ballet dancer straining to impress stone-faced generals, or, at best, a tightrope walker struggling to retain balance. Political or military figures known to be especially close to the powerful Catholic Church included a small halo, and CGT labor union leader Saúl Ubaldini (Alfonsín's most vocal opponent) paid for his frequent on-camera theatrics with Sábat's portrayal of his tearful breakdowns and use of the elbow (a typically Italian insult). His dauntless approach to humor helped earn him the prestigious Maria Moors Cabot prize, in 1988 (among his numerous other recognititons).

"Pichuco (Aníbal Troilo)"
Lápiz y tinta sobre papel / pencil and ink on paper, 42 x 33 cm. Castells

"Aníbal Troilo". ONE

"James Joyce, Aníbal Troilo & Pablo Picasso", 34 x 50 cm. Mercadolibre

"Astor Piazzolla", reproducción en cerámica de una acuarela /
reproduction in ceramic from a watercolor
Pasaje Lima (entre la Línea A y la C) / Lima Passage between lines A & C
Metro (Buenos Aires, Argentina). Buenos Aires Ciudad

Alfonsín's successor, Carlos Menem, proved particularly useful as fodder for Argentine humorists. The flamboyant Menem's prominent sideburns and ongoing push to extend constitutional term limits lent itself easily to Sábat's portrayal of him as a man fused to his presidential chair.
His caricatures portrayed political figures, as well as artists and other personalities. The death of well-known Argentine cultural icons were infallibly followed by Sábat's homage in the form of an angel.
He portrayed President Cristina Fernández de Kirchner in 2008 in Clarín, with tape over her mouth, during the 2008 agrarian lockout. She considered it a "quasi-mafioso message". He draw her with a punch to the face during the 7D, in reference to a judicial ruling that benefited Clarín in the conflict between Kirchnerism and the media. The legislature of Buenos Aires accused him of violence against women, and José Pablo Feinmann said that "he should not draw what he thinks".

"Vinicius de Moraes", tinta sobre papel / ink on paper, 29 x 28 cm. VERBO

Sábat murió en su casa en Buenos Aires el 2 de octubre de 2018 /
Sábat died at his home in Buenos Aires, on October 2, 2018

Más información: El País / More info: EFE

Más sobre / More about Hermenegildo Sábat: Website, Wikipedia
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Los personajes en el blog / The personalities in this blog:

Arte / Art
Henri de Toulouse-Lautrec[Todos los enlaces / All links]
Joaquín Torres García[Uruguayos (XII)], [Aniversarios (XXVII)], [Arte perdido (X)]

Literatura / Literature


Matthieu Soudet (II) [Fotografía / Photography]

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Presenté por primera vez las fotografías de Matthieu Soudet en el blog hace ya cuatro años. Nacido en 1992 en Francia, su trabajo destaca por el uso de entornos y luz naturales, la escenificación y el desnudo femenino como protagonista de su obra personal, aunque también encontramos paisajes, fotografía de moda y otros trabajos por encargo.
Les dejo una nueva selección con creaciones más recientes, y algunos extractos de sus comentarios en una entrevista que podemos ver en video más abajo.

Matthieu Soudet's photographs were featured for the first time in this blog four years ago. Born in 1992 in France, his work stands out for the use of natural environments and light, the staging, and the female nude as main subject in his personal work, although we can also find landscapes, fashion photography and other commisioned works.
Here you have a new selection with more recent creations, and some excerpts of his comments in an interview whose video you can see below.
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Matthieu Soudet


«Claramente, cuando empecé la fotografía, el único interés tenía eran los animales. Solo me centraba en los animales. Cuando me pedían que hiciera otra cosa, no me interesaba. Para mí era lo único. Caminando por el bosque quise inmortalizar esos encuentros. Luego, paso a paso, no sé ... tal vez las hormonas, la adolescencia, empecé a fotografiar personas desnudas (bromea). Empecé a apreciar realmente el medio por lo que es. Me empezó a gustar por ello. Así es como entiendo lo que puede ofrecer la creación. Es verdaderamente una forma de expresarme. Y lo descubrí bastante tarde en realidad. Al principio lo utilizaba como un reportaje fotográfico, para inmortalizar escenas. Y con el tiempo comencé a escenificar la realidad.»

© Matthieu Soudet

© Matthieu Soudet

© Matthieu Soudet

© Matthieu Soudet

«Hoy trabajo en digital. Por extraño que parezca, el duro trabajo de la puesta en escena lo hago en digital. Y cuando hago fotografías espontáneas, utilizo cámaras de época, lo cual es un poco contradictorio porque generalmente hacemos lo contrario. Fotografiamos de forma espontánea con digital, y nos tomamos tiempo para trabajar con la fotografía de época. Tengo este lado... Creo que hay algo más humano en las cámaras de película, así que cuando me salgo de la puesta en escena precisa y disparo de forma espontánea, prefiero las cámaras de película.»

© Matthieu Soudet

© Matthieu Soudet

© Matthieu Soudet

«Realmente me gusta la luz natural, y a menudo trabajo en condiciones de luz difíciles. Tengo muchas fotos tomadas en cuevas. Es lo que me gusta, cuando casi todo está oscuro por dentro, solo tienes líneas finas de luz que vienen de aquí y de allá, y que puedes ver a simple vista. Y a partir de ahí, instalas el trípode de la cámara. Tomas una larga exposición. Aquí estás en el sentido etimológico del término "fotografía". Empiezas a pintar con luz, la ves aparecer, y al final es mejor que la vista con el ojo desnudo. Esto es lo que me interesa, la iluminación difícil.»

© Matthieu Soudet

© Matthieu Soudet

© Matthieu Soudet

«Clearly, when I first started photography, the only interest I could see was in animals. I could only see animals. When I was asked to do something else, I didn't care. To me it was the only thing. Walking in the forest I wanted to immortalize those encounters. Afterwards, step by step, I don't know... maybe the hormones, teens, I started shooting naked people (joke). I started to really appreciate the medium for what it is. I started to like it for what it is. This is how I understand what it could bring to creation. It is truly a way to express myself. And I discovered it quite late actually. At the beginning, I was using it like a photographic report, to immortalize scenes. And with the time I started to stage reality.»

© Matthieu Soudet

© Matthieu Soudet

© Matthieu Soudet

© Matthieu Soudet

«Today I work in digital. Strangely enough, hard work staging, I do it with digital. And when I do spontaneous photography, I take out vintage cameras, which is a bit contradictory because usually we do the opposite. We shoot spontaneously with digital, and we take time to work with vintage photography. I have this side... I think there is something more human in film cameras, so when I get out of precise staging and shoot spontaneously I prefer film cameras.»

© Matthieu Soudet

© Matthieu Soudet

© Matthieu Soudet

«I really like natural light, and I often work with light conditions that are difficult. I have picture taken from caves, many pictures. It's what I like, when everything is dark inside, nearly, you just have thin lines of lights coming in here and there that you can see with naked eyes. And from there, you set your camera tripod. You take a long exposure. Here, you are in the etymological sense of photography's term. You start painting with lights, you see it appearing, and it's better than eyesight in the end. This is what interests me, difficult lighting.»

© Matthieu Soudet

© Matthieu Soudet

© Matthieu Soudet
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Matthieu Soudet - Entrevista / Interview Findspire

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Matthieu Soudet en "El Hurgador" / in this blog[Matthieu Soudet (Fotografía)]

Más sobre / More about Matthieu Soudet en: Website, Blog, Flickr, Facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Matthieu!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Matthieu!)

Aniversarios (CCLII) [Octubre / October 15-21]

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Todos los aniversarios de Octubre aquí / All anniversaries for October here.
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El 15 de Octubre es el cumple de

Ulrich Leman, pintor alemán nacido en 1885 en Düsseldorf.
Se interesó por la pintura a una edad temprana y en 1919 cofundó el grupo "The Young Rheinland" con otros pintores jóvenes de la época, entre ellos Otto Dix y Gert Heinrich Wollheim.
A principios de la década de 1920 fue un Meisterschüler bajo la dirección de Heinrich Nauen en la Kunstakademie Düsseldorf.
En 1927 se hizo amigo de Johanna Ey, quien como "Mutter Ey" se hizo muy conocida por su administración de artistas jóvenes y futuros de la época. Leman se convirtió en miembro de su círculo, y sus obras comenzaron a aparecer en sus galerías.

"Vista de / View Of Deià, Mallorca"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80,3 x 100,3 cm. Mallorca en pintura

A finales de la década de 1920 hizo su primer viaje a Mallorca y decidió mudarse allí. En 1930 el artista se afincó en Deià.
Así comenzó un perído intenso, de grandes logros, que duró hasta su muerte en 1988. Con su renombrado estilo incorporó los temas de la isla española, sus paisajes, su gente y sus personalidades. Ningún otro artista ha entendido tan bien los rasgos característicos de la isla y su atractivo, y los ha captado tan bien en sus obras.

"Blick aus dem Fenster des Uphagenhauses auf das spätwinterliche Danzig /
Vista desde la ventana de Uphagenhouse en Gdansk a fines del invierno /
View from the window of the Uphagenhaus on the late winter Gdansk"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 110 x 133 cm., 1916. Pinterest

On October 15 is the birthday of

Ulrich Leman, German painter born in 1885 in Düsseldorf. 
He became interested in painting at an early age and in 1919 he co-founded the group "The Young Rheinland" with other young painters of the day, including Otto Dix and Gert Heinrich Wollheim.
During the early 1920s Ulrich Leman was a Meisterschüler under Heinrich Nauen at the Kunstakademie Düsseldorf.
In 1927 he befriended Johanna Ey, who as "Mutter Ey" became well known for her stewardship of young and upcoming artists of the day. Leman became a member of her circle, and his works began to appear in her galleries.

"Stillleben mit Schildkröte / Naturaleza muerta con tortuga / Still Life With Turtle"
Aguada sobre papel fino / gouache on thin paper, 68 x 54 cm., 1966. Van Ham

At the end of the 1920s Leman made his first trip to Majorca and decided to move there. In 1930 the artist made his home in Deià, Majorca.
This began an intense time, up until his death in 1988, of major accomplishments. With his renowned style he incorporated the themes of the Spanish island, its landscapes, people and their personalities. No other artist has understood quite so well, the characteristic features of the island, its appeal, and captured it so well in his works.

"Olivenbäume auf / Olivos en / Olive Trees in Mallorca"
Aguada sobre papel / gouache on paper, 54,3 x 66,1 cm., 1963. MutualArt


El 16 de Octubre es el cumple de

Ippolito Caffi, pintor italiano de temas arquitectónicos, paisajes marinos y vedute urbanas nacido en 1809 en Belluno.
Sus primeras obras las produjo en la Academia de Bellas Artes de Venecia. Para 1830 había ganado premios por sus vedute en la Academia. Posteriormente se trasladó a Roma, se hizo famoso por su tratado sobre la perspectiva, así como por sus investigaciones sobre la arqueología romana. En 1843 visitó Grecia y Oriente (Atenas, Constantinopla, Siria, Egipto y Malta).

"Venecia, vista de la ciudad bajo la nieve con la Iglesia de La Salud /
Venice, a View of the City Under Snow With The Church of The Salute"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 56,2 x 72,5 cm., 1852. Sotheby's

La primera de sus obras que causó sensación fue "El Carnaval de Venecia", que se exhibió en París, en 1846 y fue admirado por sus brillantes efectos de luz. Se unió a los movimientos revolucionarios en Venecia en 1848 y tuvo que retirarse a Piamonte. Su objetivo de conmemorar con una pintura el primer combate naval italiano se frustró cuando el "Re d'Italia", en el que viajaba, fue destruido el 20 de julio de 1866 por la flota austro-veneciana en la batalla de Lissa, ahogándolo junto con sus compañeros.
En 2005-2006 una exposición sobre Ippolito Caffi se llevó a cabo en su Belluno natal.

"El partenón / The Parthenon", acuarela / watercolor, c.1863
Galleria internazionale d'arte moderna (Venecia, Italia / Venice, Italy). Wikimedia Commons

"El canal de Venecia, desde el Puente de la Academia, con Santa María de la Salud /
The Grand Canal, Venice, from the Ponte dell'Accademia, with Santa Maria della Salute"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 47 x 60,9 cm. Christie's

On October 16 is the birthday of

Ippolito Caffi, Italian painter of architectural subjects and seascapes or urban vedute born in 1809 in Belluno.
His first works were produced at the Academy of Fine Arts of Venice. By 1830, he had won awards for his vedute at the Academy. He subsequently moved to Rome, made some reputation by his treatise on perspective, as well as by his investigations on Roman archaeology. In 1843 he visited Greece and the East (Athens, Constantinople, Syria, Egypt, and Malta).

"Bombardeo de Maghera por parte del ejército austríaco la noche del 24 de mayo de 1849 /
Bombardment of Marghera made by the Austrian Army on the Night of May 24, 1849"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1949. Wikimedia Commons
Galleria internazionale d'arte moderna (Venecia, Italia / Venice, Italy)

"Festa notturna a / Fiesta nocturna en / Night party in San Pietro di Castello"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 67,5 x 95,5 cm., 1841
Museo Civico di Belluno (Italia / Italyizi Travel

The first work of his that created a sensation was Carnival at Venice. This was exhibited at Paris in 1846, and was admired for its brilliant effects of light. He joined revolutionary movements in Venice in 1848, and had to retire into Piedmont. His aim of commemorating in paint the first Italian naval engagement was frustrated when the Re d' Italia, on which he traveled was destroyed on July 20, 1866, by Austro-Venetian fleet at the battle of Lissa, drowning him along with his comrades.
In 2005-2006, an exhibition on Ippolito Caffi was held in his native Belluno.

Atribuido / Attributed. "Plaza de San Marcos en Venecia a la luz de la luna /
St. Marks Square in Venice Under the Moonlight"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 32,5 x 40 cm. Wikimedia Commons


El 17 de Octubre es el cumple de

Frederick Childe Hassam, pintor impresionista estadounidense nacido en 1859 en Boston, Massachusetts, conocido por sus escenas urbanas y costeras. Junto con Mary Cassatt y John Henry Twachtman, jugó un papel decisivo en la promulgación del impresionismo a los coleccionistas, comerciantes y museos estadounidenses. Produjo más de 3.000 pinturas, óleos, acuarelas, grabados y litografías a lo largo de su carrera, y fue un artista influyente a principios del siglo XX.
Hassam mostró interés en el arte desde muy temprana edad. Tuvo sus primeras lecciones de dibujo y acuarela mientras asistía a la escuela Mather. De niño destacó en el boxeo y la natación en la Dorchester High School. Un desastroso incendio en noviembre de 1872 destruyó gran parte del distrito comercial de Boston, incluido el negocio de su padre. A pesar de la oferta de su tío de pagarle una educación en Harvard, Hassam prefirió ayudar a mantener a su familia trabajando. Estudió el arte del grabado en madera y encontró empleo con el grabador George Johnson. Rápidamente demostró ser un hábil dibujante, y produjo diseños para grabados comerciales como membretes y periódicos. Alrededor de 1879 comenzó a crear sus primeras pinturas al óleo, pero su medio preferido era la acuarela, en su mayoría estudios al aire libre.

"El jardín acuático / The Water Garden", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 61 x 91,4 cm., 1909.
Metropolitan Museum of Art (MET) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Para 1883 había exhibido acuarelas en su primera exposición individual en la Williams and Everett Gallery en Boston. Se unió a su amigo y miembro de Boston Art Club Edmund H. Garrett en un viaje de estudios de dos meses a Europa durante el verano de 1883. Sesenta y siete de las acuarelas que Hassam pintó en este viaje fueron la base de su segunda exposición en 1884.
A mediados de la década de 1880 comenzó a pintar paisajes urbanos. Se mudó a Francia para estudiar dibujo y pintura de figuras en la prestigiosa Académie Julian, pero rápidamente se dedicó al autoaprendizaje y descubrió que encontraba la enseñanza rutinaria poco edificante, prefiriendo sus propios métodos. Hassam finalmente se convirtió en uno de los integrantes del grupo de impresionistas estadounidenses conocidos como "The Ten". Él y su esposa regresaron a los Estados Unidos en 1889, y residieron en la ciudad de Nueva York. A lo largo de la década de 1890 su técnica evolucionó cada vez más hacia el impresionismo, tanto en el óleo como en la acuarela, incluso cuando el movimiento en sí estaba dando paso al post impresionismo y al fauvismo.

"Al final de la tarde, Nueva York, Invierno / Late Afternoon, New York, Winter"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 93,8 x 73,7 cm., c.1900
Brooklyn Museum (Nueva York, EE.UU./ NY, USA). Wikimedia Commons

Al comenzar el nuevo siglo, unas tres décadas después de las primeras exposiciones de los impresionistas en Francia, el impresionismo finalmente ganó legitimidad en la comunidad artística estadounidense, y Hassam comenzó a vender a los principales museos, recibiendo premios y medallas del jurado, reivindicando su creencia en su visión. En 1919 compró una casa en East Hampton, Nueva York. Muchas de sus pinturas tardías trataron temas cercanos a esa ciudad y otras partes de Long Island. El mercado del arte de la posguerra tuvo un auge en la década de 1920, y los precios de su obra escalaron, aunque algunos críticos pensaban que se había vuelto estático y repetitivo, ya que el arte estadounidense había comenzado a avanzar hacia el realismo de la Escuela Ashcan y artistas como Edward Hopper y Robert Henri. Denunció las tendencias modernas en el arte hasta el final de su vida en 1935.
Hasta el resurgimiento del interés en el impresionismo estadounidense en la década de 1960, Hassam fue considerado uno de los "genios abandonados". Cuando las pinturas impresionistas francesas alcanzaron precios estratosféricos en la década de 1970, Hassam y otros impresionistas estadounidenses ganaron un interés renovado y también se pujó por sus obras.

"Tormenta de nieve, Plaza Madison / Snowstorm, Madison Square"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 51,4 x 40,6 cm., c.1890
Baltimore Museum of Art (Maryland, EE.UU./ USA). Wikimedia Commons

On October 17 is the birthday of

Frederick Childe Hassam, American Impressionist painter born in 1859 in Boston, Massachusetts, noted for his urban and coastal scenes. Along with Mary Cassatt and John Henry Twachtman, Hassam was instrumental in promulgating Impressionism to American collectors, dealers, and museums. He produced over 3,000 paintings, oils, watercolors, etchings, and lithographs over the course of his career, and was an influential American artist of the early 20th century.
Hassam demonstrated an interest in art early. He had his first lessons in drawing and watercolor while attending The Mather School. As a child, Hassam excelled at boxing and swimming at Dorchester High School. A disastrous fire in November 1872 wiped out much of Boston's commercial district, including his father's business. Despite his uncle's offer to pay for a Harvard education, Hassam preferred to help support his family by working. Hassam studied the art of wood engraving and found employment with George Johnson, a wood engraver. He quickly proved an adept draftsman, and he produced designs for commercial engravings such as letterheads and newspapers. Around 1879, Hassam began creating his earliest oil paintings, but his preferred medium was watercolor, mostly outdoor studies.

"La garganta / The Gorge, Appledore"
Acuarela transparente con toques de acuarela opaca cremosa, moderadamente gruesa, sobre papel texturizado /
transparent watercolor with touches of opaque watercolor oncream, moderately thick, moderately textured wove paper,
35,1 x 50,5 cm., c.1912. Brooklyn Museum (Nueva York, EE.UU./ NY, USA). Wikimedia Commons

By 1883, Hassam had exhibited watercolors in his first solo exhibition at the Williams and Everett Gallery in Boston. He joined his friend and fellow Boston Art Club member Edmund H. Garrett on a two-month "study trip" to Europe during the summer of 1883. Sixty-seven of the watercolors that Hassam painted on this trip formed the basis of his second exhibition in 1884.
By the mid-1880s, Hassam began painting cityscapes. He moved to France to study figure drawing and painting at the prestigious Académie Julian, but quickly moved on to self-study, finding that he found the teaching routinary, preferring his own method. Hassam eventually became one of the group of American Impressionists known as "The Ten". He and his wife returned to the United States in 1889, taking residence in New York City. Through the 1890s, his technique increasingly evolved toward Impressionism in both oil and watercolor, even as the movement itself was giving way to Post-Impressionism and Fauvism.

"Abril (El vestido verde) / April (The Green Gown)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 142,2 x 208,9 cm., 1920.
Gibbes Museum of Art (Charleston, Carolina del Sur, EE.UU./ South Carolina, USA). GAP

As the new century began, some three decades after the Impressionists' first exhibitions in France, Impressionism finally gained a legitimacy in the American art community, and Hassam began to sell to major museums and receive jury awards and medals, vindicating his belief in his vision. In 1919, Hassam purchased a home in East Hampton, New York. Many of his late paintings employed nearby subjects in that town and elsewhere on Long Island. The post-war art market boomed in the 1920s, and Hassam commanded escalating prices, though some critics thought he had become static and repetitive, as American art had begun to move on to the Realism of the Ashcan School and artists like Edward Hopper and Robert Henri. He denounced modern trends in art to the end of his life.
He died in 1935.
Until a revival of interest in American Impressionism in the 1960s, Hassam was considered among the "abandoned geniuses". As French Impressionist paintings reached stratospheric prices in the 1970s, Hassam and other American Impressionists gained renewed interest and were bid up as well.

"Día lluvioso / Rainy Day, Boston", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 66,3 x 122 cm., 1885
Toledo Museum of Art (Ohio, EE.UU./ USA). GAP


El 18 de Octubre es el cumple de

Lucas van Uden, destacado pintor paisajista, dibujante y grabador flamenco nacido en 1595 en Amberes, donde vivió y trabajó. Como paisajista colaboró ​​con varios pintores de figuras locales. Sus obras más originales son sus dibujos.
Su padre era el pintor de la ciudad de Amberes, una posición que le exigía pintar los edificios de la ciudad, y restaurar y dorar las estatuas y las piezas utilizadas en el ommegang (un tipo de espectáculo medieval). Probablemente estudió con su padre, ya que nunca fue registrado en el Gremio de San Lucas como alumno. Lucas tenía un hermano, Jacob, que también se convirtió en un pintor paisajista. 
Aunque nunca formó parte del estudio de Peter Paul Rubens, sus obras están en parte en deuda con el principal maestro de Amberes. Su técnica con su atención al detalle, particularmente en sus obras más pequeñas, y su búsqueda de elementos decorativos en las pinturas más grandes, lo colocan en la misma tradición que Jan Brueghel el Viejo y Joos de Momper. Sus composiciones generalmente se construyen de la siguiente manera: en el primer plano hay un banco con árboles frondosos, uno de los cuales está inclinado para romper la monotonía y dirigir la vista del espectador hacia el centro de la composición, donde aparecen como motivos principales grupos de árboles, campos o aldeas, que se muestran recortados contra un fondo de montañas, sin ninguna alusión dramática.

"Flusslandschaft / Paisaje fluvial / River Landscape"
Óleo sobre cobre / oil on copper, 27 x 40 cm.
Colección privada / Private Collection. Wikimedia Commons

Si bien sus pinturas de paisajes son más bien esquemáticas, sus dibujos que, según se informa, fueron hechos directamente de la naturaleza, son más espontáneos y realistas, y muestran su verdadero talento. Se sabe que Van Uden colaboró con David Teniers el Joven y Jan Brueghel el Joven que pintaba las personas en sus paisajes.
Van Uden se asocia a menudo con su compañero paisajista Jan Wildens, quien colaboró ​​frecuentemente con Rubens. Sin embargo, a diferencia de Wildens, no hay evidencia de que Van Uden haya pintado los paisajes para Rubens. Éste nunca agregó las personas a los paisajes de van Uden, quien sí hizo varias copias de composiciones de Rubens, como el "Paisaje con un arco iris "(Kunsthistorisches Museum, ver más abajo), que es una copia del "Paisaje con un arco iris" de Rubens en el Hermitage. También produjo muchos grabados, algunos de los cuales son parte de las colecciones del Rijksmuseum y el Museo Británico.
Murió en 1672.

Lucas van Uden & Jan Brueghel el Joven / the Younger
"Rivierlandschap met reizigers en dansende boeren op een pad /
Paisaje fluvial con viajeros y campesinos bailando en un camino /
River landscape with travelers and dancing peasants on a path"
Óleo sobre panel / oil on panel, 44,7 x 66,9 cm. Wikimedia Commons

On October 18 is the birthday of

Lucas van Uden, leading Flemish landscape painter, draughtsman and engraver, born in 1595 Antwerp where he lived and worked. He was a leading landscape painter who collaborated with various local figure painters. His most original works are his drawings.
His father was Antwerp's city painter, a position which required him to paint the City's buildings and refurbish and gild the statues of the city and the pieces used in the ommegang. Lucas had a brother Jacob who also became a landscape painter. Lucas likely studied with his father as he was never registered with the Guild of Saint Luke as a pupil. 
Although he was never part of Peter Paul Rubens' studio, his works are partly indebted to that leading Antwerp master. His technique with its attention to detail, particularly in his smaller works, and his search for decorative elements in the larger paintings place him in the same tradition as Jan Brueghel the Elder and Joos de Momper. His compositions are usually built up as follows: in the foreground there is a bank with leafy trees, one of which is inclined in order to break the monotony and lead the view of the spectator towards the center of the composition, in which appear as the main motive groups of trees, fields or villages, which are shown cut out against a background of mountains, lacking any dramatic allusion.

"Paisaje invernal con cazadores / Winter Landscape With Hunters"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 41 x 66 cm.
Colección privada / Private Collection. Wikimedia Commons

While his landscape paintings are rather schematic, his drawings which were reportedly made directly from nature are more spontaneous and realistic and display his true talent. Van Uden is known to have collaborated with David Teniers the Younger and Jan Brueghel the Younger who painted the staffage in his landscapes.
Van Uden is often associated with fellow landscape painter Jan Wildens who frequently collaborated with Rubens. However, unlike for Wildens, there is no evidence van Uden ever painted the landscapes for Rubens. Rubens also never added the staffage to van Uden's landscapes. Van Uden made various copies of Rubens' compositions such as the Landscape with a rainbow (Kunsthistorisches Museum, see below), which is a copy of Rubens' Landscape with a rainbow in the Hermitage. He also produced many etchings some of which are part of the collections of the Rijksmuseum and the British Museum.
He died in 1672.

"Het Oosterhuis in Antwerpen / La Oosterhuis en Amberes / The Oosterhuis in Antwerp"
Óleo sobre panel / oil on panel, 41 x 71 cm., c.1660. Wikimedia Commons
Koninklijk Museum voor Schone Kunsten / Real Museo de Bellas Artes (Amberes, Bélgica / Antwerp, Belgium)
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"Paisaje con arcoiris / Landscape with Rainbow"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 63,7 x 84 cm., 1642.
Kunsthistorisches Museum (Viena / Vienna / Wien, Austria). Wikimedia Commons

Peter Paul Rubens
"Paisaje con arcoiris / Landscape with Rainbow"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 86 x 130 cm., entre / between 1632-35
Hermitage (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia)

Peter Paul Rubens en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]


El 19 de Octubre es el cumple de

Søren Emil Carlsen, pintor impresionista estadounidense nacido en 1853 en Copenhague, Dinamarca, que emigró a los Estados Unidos.
Se hizo conocido por sus naturalezas muertas y, aunque algunos lo han calificado como "el Chardin estadounidense", en realidad era un artista con una orientación estética mucho más sensible. En una era en la que muchos artistas sucumbieron a la presión resultante de The Armory Show para seguir los "desarrollos" modernistas, Carlsen se mantuvo fiel a su sentido estético innato y siguió creando a un nivel cualitativo extremadamente alto. No es exagerado verlo como uno de los grandes artistas estadounidenses del siglo XX. Avanzada su carrera, Carlsen amplió su gama de temas y se hizo conocido también por paisajes y marinas.

"Ola rompiendo / Surf Breaking"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 39 1/2" x 45 1/8", 1911. Link

Durante su larga carrera recibió muchos de los reconocimientos más importantes en el arte estadounidense y fue elegido miembro de la Academia Nacional de Diseño. Durante más de cuarenta años fue también un maestro respetado en Chicago, San Francisco y Nueva York.
Murió en 1932.

"Chica con un violín / Girl With a Violin"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 14 1/2" x 16 3/4", 1887. Bonhams

"Bodegón con jarras de cerámica / Still Life With Pottery Jars"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 63,2 x 76,2 cm., 1903. Sotheby's

On October 19 is the birthday of

Søren Emil Carlsen, American Impressionist painter born in 1853 in Copenhagen, Denmark, who emigrated to the United States.
He became known for his still lifes and while by some he has been described as "The American Chardin" he was in fact a far more sensitive aesthetically oriented artist. In an era when many artists succumbed to the pressure resulting from The Armory Show to follow modernistic "developments" Carlsen remained faithful to his inborn aesthetic sense continuing to create at an extremely high qualitative level. It is not a stretch to view him as one of the truly great American artists of the twentieth century. Later in his career Carlsen expanded his range of subjects and becoming known for landscapes and marines as well.

"Retrato de Dines Carlsen (también llamado Retrato de Dines Nº 3 /
Portrait of Dines Carlsen (also called Portrait of Dines No. 3)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24 1/2" x 23 1/2", 1914. Link

During his long career he won many of the most important honors in American art and was elected to membership in the National Academy of Design. For more than forty years he was also a respected teacher in Chicago, San Francisco and New York.
He died in 1932.

"El mar abierto / The Open Sea", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 40" x 50", c.1919. Link


El 20 de Octubre es el cumple de

Johann Georg Schwartze, pintor holandés nacido en 1814 en Ámsterdam.
Creció en Filadelfia y se formó en Düsseldorf. Fue un pintor de retratos y temas históricos, y fue el padre de la pintora Therese Schwartze y la escultora Georgine Schwartze.
A los tres años su familia se fue de Ámsterdam a Filadelfia, donde su padre comenzó con una fábrica de pinturas y barnices. Allí el joven Johann fue enseñado por Emanuel Leutze. En 1838 regresó a Europa y pasó seis años en la Academia de Düsseldorf con Von Schadow y Sohn. Al mismo tiempo, tomó lecciones privadas del pintor paisajista Lessing. En 1846 en Koblenz contrajo matrimonio con Maria Elisabeth Therese Herrmann.

"Prof. Dr. Joannes Matthias Schrant II (1823-1864)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 136 × 105 cm., 1867
Museum De Lakenhal (Leiden, Holanda / Netherlands). Wikimedia Commons

Tuvieron cinco hijas y un hijo. Además de la pintora Thérèse y la escultora Georgine, su hijo George Washington también se convirtió en artista. Otra hija, Clara Theresia, se convirtió en la madre de las artistas Lizzy Ansingh y Sorella Peizel-Ansingh. En 1845 regresó a Ámsterdam, donde se convirtió en miembro de la Academia Koninklijke y en 1847 miembro de Arti et Amicitiae. Es conocido por sus retratos, paisajes y obras de género. Además de sus hijos, también fue el maestro de la pintora María Vos.
Murió en 1874.

"Autorretrato / Self-Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 78,6 × 58,3 × 7,4 cm., 1869
Rijksmuseum (Ámsterdam, Holanda / Netherlands)

On October 20 is the birthday of

Johann Georg Schwartze, Dutch painter born in 1814 in Amsterdam.
He grew up in Philadelphia and was trained in Düsseldorf. He was a painter of portraits and historical themes and became the father of painter Therese Schwartze and the sculptor Georgine Schwartze.
At the age of three his family left Amsterdam for Philadelphia, where his father began a paint and varnish factory. There the young Johann was taught by Emanuel Leutze. In 1838 he returned to Europe and spent six years at the Düsseldorf Academy under Von Schadow and Sohn. At the same time, he took private lessons from the landscape-painter Lessing. In 1846 in Koblenz he married Maria Elisabeth Therese Herrmann.

"Retrato de Joahnn Joseph Hermnn, suegro del artista, con su nieta Ida Schwartze, la hija mayor del artista /
Portrait of Johann Joseph Hermann, the Artist's Father-in-Law, with his Grandchild Ida Schwartze, the Artist's oldest Daughter"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 62,3 × 77,8 cm., 1844 - 1857
Rijksmuseum (Ámsterdam, Holanda / Netherlands)

They had five daughters and a son. Besides the painter Thérèse and the sculptor Georgine, their son George Washington also became an artist. Another daughter, Clara Theresia, became the mother of the artists Lizzy and Sorella Ansingh. In 1845 he was back in Amsterdam where he became a member of the Koninklijke Academie and in 1847 he became a member of Arti et Amicitiae. He is known for portraits, landscapes, and genre works. Besides his children he is known as the teacher of the painter Maria Vos.
He died in 1874.

"Abraham Willet a los 28 años en su estudio / Aged 28 in his Study"
Color sobre lienzo / color on canvas, 103 x 82,5 cm., 1853.
Amsterdam Museum (Holanda / Netherlands)


Hoy, 21 de Octubre. es el cumple de

Sir Wyke Bayliss, pintor, autor y poeta británico nacido en 1835 en Madeley, Shropshire. Pintó casi exclusivamente interiores de iglesias y catedrales británicas y europeas, y fue conocido en la época victoriana tardía como una autoridad académica en el arte. Desde el comienzo de su carrera s su interés principal fue representar la arquitectura, encontrando un "encanto infinito" en la "variedad infinita de los aspectos del interior de una catedral".
Su padre, el Reverendo John Cox Bayliss, era un ingeniero ferroviario que enseñó dibujo militar y matemático, y también fue un artista conocido por su obra "Vistas de Shropshire", publicado en 1839. Formó a su hijo menor cuando constató que mostraba aptitudes para el dibujo a temprana edad.
La familia se mudó de Madeley a Londres debido a una oferta de trabajo demasiado buena para rechazarla, y le dio a Bayliss la oportunidad de sumergirse en la escena artística emergente de la época victoriana temprana. Como joven estudiante de la Royal Academy y la School of Design se afilió a los prerrafaelitas, y contó entre sus amigos a John Millais, Frederic Leighton, William Holman Hunt y Edward Burne-Jones. Aunque distante de los prerrafaelitas en tema y técnica, sus pinturas a menudo reflejan la yuxtaposición de detalles y colores que caracterizan gran parte de la obra de Millais y Leighton.

"Tarde, Catedral de Amiens, Francia / Evening, Amiens Cathedral, France", 1889
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 122 x 150 cm., 1889. ArtUK
Atkinson Art Gallery Collection (Southport, Reino Unido / UK)

También fue autor, publicando varios libros de crítica de arte, análisis de los cambios en las representaciones de Jesús a lo largo de los siglos y un volumen de poemas.
Bayliss sucedió a James McNeill Whistler como presidente de la Royal Society of British Artists (RBA) en junio de 1888, cuando Whistler y sus seguidores se separaron de la sociedad. Bayliss había apoyado inicialmente la nominación de Whistler al comité, pero pronto lideró a la mayoría que no estaba de acuerdo con los planes radicales de este último, y cuando llegó a Presidente regresó a las líneas tradicionales. Sin embargo apoyó notablemente algunas innovaciones, como defender el estatus de las mujeres como artistas profesionales y abogar por la inclusión de lo "nuevo y extraño" en las exposiciones de RBA. Ocupó el cargo hasta su muerte en 1906.

"La Dama Blanca de Nuremberg / The White Lady of Nuremburg"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 155 x 111,8 cm., 1887. ArtUK

Today, October 21, is the birthday of

Sir Wyke Bayliss, British painter, author and poet born in 1835 in Madeley, Shropshire. He almost exclusively painted interiors of British and European churches and cathedrals, and was known in the late Victorian era as an academic authority on art. From the start of his career Bayliss' main interest was in depicting architecture, finding "infinite charm" in the "infinite variety of the aspect of a Cathedral interior".
His father, Rev. John Cox Bayliss was a railway engineer who taught military and mathematical drawing, and was also an artist known for his work Views of Shropshire published in 1839. He gave his younger son training after he showed drawing aptitude at an early age.
The family moved from Madeley to London following a job offer too good to refuse, giving Bayliss the opportunity to immerse himself in the emerging art scene of the early Victorian period. As a young student at the Royal Academy and the School of Design he became affiliated with the Pre-Raphaelites, and he counted amongst his friends John Millais, Frederic Leighton, William Holman Hunt and Edward Burne-Jones. While distant from the Pre-Raphaelites in subject and technique, his paintings often reflect the juxtaposition of detail and colour that characterise much of Millais' and Leighton's work.

"Iglesia de San Pedro, Louvain, Bélgica / St. Peter's Church, Louvain, Belgium"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 116 x 151,5 cm. ArtUK
Croydon Museum (Inglaterra / England)

He was also an author, publishing a number of books of art critique, accounts of changing depictions of Jesus through the ages, and a volume of poems.
Bayliss succeeded James McNeill Whistler as president of the Royal Society of British Artists (RBA) in June 1888 when Whistler and his followers split from the society. Bayliss had initially supported Whistler's nomination to the committee, but soon led the majority who disagreed with the latter's radical plans, and as president restored its running to traditional lines. He was nevertheless notably supportive of some innovations, such as defending the status of women as professional artists and advocating the inclusion of the "new and strange" in RBA exhibitions. He held the post until his death in 1906.

"Basílica de San Marcos, Venecia, Interior / The Basilica of St Mark's, Venice, Interior"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 79,5 x 123,5 cm. 
Comprado al artista en / purchased to the artist 1892. ArtUK
Gallery Oldham (Manchester, Inglaterra / England)

Allen Williams [Dibujo, Arte de concepto / Drawing, Concept Art]

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Este es el primero de un par de posts que dedico a la obra de Allen Williams. Aunque también pinta, es un genial artista del grafito, que crea dibujos a lápiz e imaginativos trabajos de concepto para la industria del cine. Con un gusto especial por lo oscuro y lo sobrenatural, sus creaciones rezuman una inquietante belleza.

This is the first of a couple of posts that I dedicate to the work of Allen Williams. Although he also paints, he is a great graphite artist, who creates pencil drawings and imaginative concept works for the film industry. With a special taste for the dark and the otherworldly, his creations exude a disturbing beauty.
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Allen Williams


Allen Williams es un artista estadounidense nacido en 1965 en Tennessee.
Desde una edad muy temprana el lápiz y el papel han sido un escape y un refugio para Allen. Conocido a nivel nacional e internacional desde hace más de 28 años, ha aplicado su talento a todo, desde ilustración para compañías de juegos y portadas de libros, hasta el trabajo de concepto para grandes películas y televisión. Su visión para tales proyectos abarca desde ilustración hasta el concepto y diseños de personajes y criaturas.

Su obra personal está sólidamente basada en la realidad, pero siempre fluye hacia aspectos sobrenaturales. Trabaja principalmente en grafito, gouache y óleos. Imágenes de varias capas surgen en su obra, en la que se cuestiona la fragilidad e inestabilidad de nuestra realidad aparentemente cierta. Los dibujos de Allen responden directamente a su entorno y utiliza experiencias y objetos cotidianos como punto de partida para muchas de sus piezas.

"Ella / Her", grafito / graphite, 2014 © Allen Williams

"El guardián de su hermana / Her Sister's Keeper", grafito en polvo y lápiz sobre panel /
powdered graphite and pencil on Ampersand Claybord, 9" x 12"© Allen Williams

«Siempre me ha gustado dibujar, desde que tengo memoria. Tengo cuadros de monstruos que hice a los tres años y me siento como en casa con un lápiz en la mano. También trabajo en acrílicos, óleos y, en ocasiones, en digital ... pero todo siempre comienza con el dibujo. Fui a la universidad por unos años, pero me fui cuando empecé a dedicarme más a hacer ilustraciones que las tareas del curso. Me convertí en artista profesional independiente en 1988 y desde entonces he trabajado en muchas publicaciones, juegos y proyectos. Comenzando con TSR, la revista Dragon y más tarde avanzando en gráficos por ordenador, como en Magic: The Gathering and Rage.
En 2001, con la perspectiva de un niño a la vista, decidí ponerme serio. Renové mis esfuerzos, comencé a buscar mi propia educación autodirigida y construir una disciplina más sólida. Me permití obsesionarme con lo que amo hacer.»

"Ocultación / Occultation", làpiz y óleo sobre panel de abedul enyesado /
pencil and oil on gesso birch board, 2017 © Allen Williams

"El hombre torcido / The Crookt Man", grafito / graphite, 2016 © Allen Williams

"Mantente alejado oh lobo, este pastor no duerme"
"Stand thee well away o' wolf, this Shepherd does not sleep." 

«Comencé mirando libros de historietas y dibujando a partir de ellos cuando era joven. En la escuela mis influencias se convirtieron, y siguen siendo, John William Waterhouse, Williams-Adolphe Bouguereau, Jean-Leon Gerome, Jules Bastien-Lepage, Maxfield Parrish, Frederic Leighton y Alphonse Mucha. Luego encontré a los pintores holandeses Hyeronimus Bosch (El Bosco) y Ter Borch y a otros cuyos cuadros eran pequeños en tamaño pero intrincados en detalles. Me encantan las obras de Hans Bellmer, John Jude Palencar, Frank Frazetta, H.R. Giger, Zdzislaw Beksinski y Andrej Dugin y Olga Dugina. También hay escultores que me encanta estudiar; Shifflet Brothers, SpiderLee y Tanoo Choorat, por nombrar algunos.
Me estoy dejando gente fuera, pero mi biblioteca es extensa y siempre estoy buscando pintores y escultores contemporáneos. Creo que tienes que mirar a tus contemporáneos para comprender el lenguaje visual actual y cómo se está aplicando, y luego decidir qué adoptar y de qué apartarte. Recuerda mantenerte fiel a tí mismo y hacer tu propio trabajo en todo lo que haces.»

"Reyes perdidos / Foregone Kings", grafito sobre papel /
graphite on paper, 17 1/4" x 13 1/2", 2014 © Allen Williams

«Esta pieza es parte de una historia mía más larga, "Los reyes de la tierra".
La historia gira en torno a una joven que ha aprendido a despertar a los gigantes de la Tierra; Los Trece Reyes. Doce de los reyes permanecerán a sus órdenes hasta que el decimotercer rey se levante para mandarlos a todos. Sin el conocimiento de los otros Reyes, ella ya había resucitado al decimotercer rey y lo había destruido, convirtiéndola en la Primera Reina de la Tierra.»

«This piece is part of a larger story of mine; The Kings of Earth.
The story revolves around a young girl who has learned how to awaken the giants of the Earth; the Thirteen Kings. Twelve of the Kings will remain in her command until the Thirteenth King arises to command them all. Unbeknownst to the other Kings she has already resurrected the Thirteenth and destroyed him making Her the First Queen of Earth.»

"Tomadora de nombres / Taker of Names", lápiz sobre papel de dibujo Strathmore /
pencil on Strathmore drawing paper, c.11" x 15"© Allen Williams

"La estrella caída / The Fallen Star", grafito en polvo, lápiz y óleo sobre panel /
graphite, pencil and oil on Ampersand Claybord, 8" x 10"© Allen Williams

«En 2010 pasaron dos cosas importantes. Escribí, ilustré y publiqué una novela para adultos jóvenes llamada "La cocina de las brujas" para Little Brown y conocí a Guillermo Del Toro, quien me pidió que hiciera un trabajo de concepto de preproducción de la película "En las montañas de la locura" (que actualmente está en espera). Más recientemente, he realizado trabajos de concepto para "Pacific Rim" de Guillermo (ver más abajo), la película "Noé" de Darren Aronofsky y trabajo de portada de libro para TOR. En 2013 tuve el honor de recibir el Premio de Oro Spectrum para el arte de concepto.
Sigo dibujando la mayor parte del tiempo, me paguen o no... ocasionalmente escribo y ahora estoy empezando a pintar, otra vez.»

«Una pieza a lápiz (grafito) me puede insumir de 3 días a 3 semanas, dependiendo del tamaño y complejidad de la obra. El proceso para una pintura es más complejo y puede llevar de 1 a 4 semanas según el tamaño y la complejidad.»

"Sarcófago III / Sarcophagus III"© Allen Williams

"Tengo dentro de mí todo mal, cada cosa miserable que ha venido antes que yo.
Todas las cosas con deseos oscuros que han intentado cruzar mi camino están aquí.
Su presencia ha corrompido, torturado mi forma manifiesta, pero nunca los liberaré ...
Yo soy su infierno ".

"I hold within me every evil, every wretched thing that has come before me.
Everything with dark desire that has tried to cross my path is herein.
Their presence has corrupted, tortured my manifest form, but I will never release them...
I am their Hell."

"Si la belleza fuera un libro / If Beauty Were a Book"
Grafito sobre papel de la serie / graphite on paper Stillman & Birn Zeta Series, 2014 © Allen Williams

Allen Williams is an American artist born in 1965 in Tennessee.
From a young age a pencil and paper with an escape and a refuge for Allen. Now nationally and internationally known, for over 28 years Allen has applied his talents to everything from illustration for gaming companies and book covers, to concept work for major motion pictures and television. His vision for such projects ranges from illustration to concept work and creature and character designs. 

His personal work has a strong basis in reality but always flows into otherworldly aspects. He primarily works in graphite, gouache, and oils. Multilayered images arise in his work, in which the fragility and instability of our seemingly certain reality is questioned. Allen’s drawings directly respond to his surrounding environment and he uses everyday experiences and objects as a starting point for many of his pieces.

"El perro sol / The Sun Dog"
Lápiz sobre papel de la serie / pencil on paper Stillman & Birn Zeta Series, 2016 © Allen Williams
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Allen trabajando en "El rey loto" / at work with "Lotus King"


Camina sin miedo,
Lo divino ha prohibido mi voluntad sobre ti y ha dado poder a tu voluntad sobre mí.
Soy tu siervo, pero me riges bien...
No estoy obligado a dañar a otros sino a tu orden.

Walk without fear,
the divine hath forbade my will upon thee and given power to thy will upon me.
I am your servant but reign me well...
I am not bound from harming others but by your warrant.

"El rey loto / The Lotus King", óleo sobre panel / oil on cradle board, 24" x 48"© Allen Williams
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"La coleccionista / The Collector"
Lápiz sobre papel Stonehenge / pencil on Stonehenge paper © Allen Williams

«I've always loved drawing for as long as I can remember. I have pictures of monsters that I did at the age of three and I feel most at home with a pencil in my hand. I also work in acrylics, oils and occasionally digital... but everything always starts with drawing. I went to college for a few years but left when I started doing more illustration than actual homework assignments. I became a professional freelance artist in 1988 and have worked on many publications, games and projects since then. Beginning with TSR, Dragon magazine and later progressing into ccg's such as Magic: The Gathering and Rage.
In 2001, with the prospect of a child coming into view, I decided to get serious. I renewed my efforts, began seek out my own, self directed, education and build a stronger discipline. I allowed myself to obsess on what I love to do.»

"El rey de amarillo / The King in Yellow"
Lápiz sobre papel Stonehenge / pencil on Stonehenge paper, 12/2015 © Allen Williams

"El manto / The Mantle"
Grafito sobre papel / graphite on paper Stillman & Birn on Zeta Series, 12/2015 © Allen Williams

«I started by looking at comic books and drawing from those when I was young. In school my influences became and still are John William Waterhouse, Williams-Adolphe Bouguereau, Jean-Leon Gerome, Jules Bastien-Lepage, Maxfield Parrish, Frederic Leighton, and Alphonse Mucha. I then found the Dutch painters Jheronimus Bosch and Ter Borch and the others whose paintings were tiny in size but intricate in detail. I love the works of Hans Bellmer, John Jude Palencar, Frank Frazetta, H.R. Giger, Zdzislaw Beksinski and Andrej Dugin and Olga Dugina. There are also sculptors that I love to study; the Shifflet Brothers, SpiderLee and Tanoo Choorat to name a few.
I am leaving people out, but my library is extensive and I am always looking at contemporary painters and sculptors. I believe you must look at your contemporaries to understand the current visual language and how it is being applied and then decide what to adopt and what to deviate from. Remember to stay true to yourself and make your work your own in everything you do.»

"Aparta la mirada / Look Away", óleo sobre panel / oil on board, 2017 © Allen Williams

"Sin perdón / Unforgiven", lápiz sobre papel / pencil on paper, 2014 © Allen Williams

«In 2010 two major things happened. I wrote, illustrated and published a young adult novel called "The Witches' Kitchen" for Little Brown and I met Guillermo Del Toro and was asked to do pre-production concept work on the film "At the Mountains of Madness" (which is currently on hold). Most recently I've done concept work for Guillermo's "Pacific Rim" (see below), Darren Aronofsky's film "Noah" and book cover work for TOR. In 2013 I was honored to be the recipient of the Spectrum Gold Award for concept art. 
I still just draw most of the time whether anyone pays me to or not... occasionally I write and now I am beginning to paint, again.»

«A pencil (graphite) piece can take 3 days to 3 weeks depending on the size and complexity of the piece. The process for a painting is more complex and can take 1 to 4 weeks depending on size and complexity.»
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Pacific Rim
(Arte de concepto / Concept Art)


Estos son algunos de los trabajos de concepto que Allen realizó para la película de Guillermo del Toro "Pacific Rim", de 2013. En la película, los "kaijus" son monstruos colosales que atacan la superficie de la Tierra desde un portal en el fondo del Océano Pacífico llamado "El Abismo". Wikipedia

«Estuve en San Diego Comic-Con (Convención Internacional de Cómics de San Diego) durante muchos años, pero de repente ese año decidí que solo mostraría un trabajo que era exactamente lo que me gustaba hacer y nada más. 
Eso hizo la diferencia.
Entré en mi puesto una mañana y Guillermo estaba allí de pie. En realidad no sabía quién era él. Nunca había prestado atención al aspecto de los directores. Él dijo: "¿Quieres hacer algún trabajo concepto para mí?"»



Here you have some of the concept works Allen did for Guillermo del Toro's "Pacific Rim" film (2013). In the film, the "kaijus" are colossal monsters that attack the surface of the Earth from a portal at the bottom of the Pacific Ocean called "The Abyss". Wikipedia

«I’d been setting up at San Diego Comic-Con for many years, but suddenly that year I decided I would only show work that was exactly what I liked to do and nothing else. That made the difference.
I walked into my booth one morning and Guillermo was standing there. I actually didn’t know who he was. I’d never paid attention to what directors look like. He said, “You want to do some concept work for me?”»

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Fuentes / Sources:
* Website
* Perfil del artista / Artist's profile. IX Arts
* Cuestionario al artista de concepto de "Pacific Rim" y "Noé" Allen Williams /
Q&A: Pacific Rim and Noah concept artist Allen Williams. CG Channel

Más sobre / More about Allen Williams: Website, Blog, Instagram, facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Allen!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Allen!)

Recolección / Compilation (CXV-1) - Dibujo / Drawing

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Peter Paul Rubens
(Siegen, Nassau-Dillenburg [hoy Renania del norte-Westfalia], Alemania /
[now North Rhine-Westphalia], Germany), 1577 -
Amberes, Bélgica / Antwerp, Belgium, 1640)

"Nicolaas Rubens con un collar de coral / Wearing a Coral Neckless"
Tiza blanca, tiza negra y sanguina sobre papel / white chalk, black chalk and sanguine on paper, c.1619
Albertina (Wien / Viena / Vienna, Austria). GAP

"Joven mirando hacia abajo (Estudio para la cabeza de Santa Apolonia) /
Young Woman Looking Down (Study for the Head of St. Apollonia)"
tiza negra y roja, iluminado con blanco, retocado con pluma y tinta marrón /
black and red chalk heightened with white, retouched with pen and brown ink, 16 5/16 x 11 1/4., 1628
Galería Uffizi (Florencia, Italia / Florence, Italy) La estirga burlona

"El hijo de Rubens, Nicolás, con gorro de fieltro rojo / Rubens's Son Nicolaas Wearing a Red Felt Cap"
Tiza blanca, tiza negra y sanguina sobre papel /
white chalk, black chalk and sanguine on paper, 29 x 33 cm., 1625-27
Albertina (Wien / Viena / Vienna, Austria). GAP

Peter Paul Rubens en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]
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Catherine Murphy
(Cambridge, Massachusetts, EE.UU./ USA, 1946-)

"Respaldo de la silla / Chairback"
Grafito sobre papel / graphite on paper, 67,9 x 93 cm., 2016. Peter Freeman

"Medio llena / Half Full", grafito sobre papel (lápiz de General) /
graphite on paper (General's pencil), 30,5 x 31,6 cm., 2012. Peter Freeman

Catherine Murphy en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (CIX)]
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Eugène Burnand
(Moudon, Suiza / Switzerland, 1850 - 1921)

"La Fileuse / La hilandera / The Spinner"
Dibujo / drawing, Colección privada / Private Collection. Eugène Burnaud Museum Website

"Mujer durmiendo en una silla / Woman Sleeping in Chair"
Dibujo a pluma y tinta / pen and ink drawing, 43 x 56 cm.
Colección privada / Private Collection. Eugène Burnaud Museum Website

Eugène Burnand en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (CCXLV)]
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Stephen Wiltshire
(Londres, Reino Unido / London, UK, 1974-)

"Vista aérea del skyline de Manhattan / Aerial view of Manhattan Skyline", 594 x 420 cm., 2011. Link

Stephen Wiltshire es un artista inglés diagnosticado con autismo.
Es conocido por su habilidad para dibujar un paisaje (especialmente con motivos arquitectónicos o urbanísticos) después de haberlo visto sólo una vez. Estudió Bellas Artes en City & Guilds Art College. Su obra es popular en todo el mundo, y se conserva en un buen número de importantes colecciones.

"Taxi de Londres / London Taxi", 297 x 210 cm. Link

Stephen Wiltshire is an English artist diagnosed with autism born in London in 1974.
He is known for his ability to draw a landscape (especially with architectural or urbanistic motifs) after having seen it only once. He studied Fine Arts at City & Guilds Art College. His work is popular all over the world, and it is held in a number of important collections.

SW dibujando Ciudad de México / drawing Mexico City, 2016. Link
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Jean-Antoine Watteau
(Valenciennes, Francia / France, 1684 - Nogent-sur-Marne, 1721)

"Chica de pie, inclinada a la izquierda y levantándose la falda /
Standing Girl, Leaning To The Left And Raising her Skirt"
Tiza roja, negra y blanca sobre papel beige rojizo /
red, black and white chalk on reddish beige paper, 26,2 x 14 cm., c.1715-17.
Städel Museum (Frankfurt am Main, Alemania / Germany)

"Estudio de un persa sentado con un gorro de piel / Study of a Seated Persian Wearing a Fur Hat"
Tiza roja y negra / red and black chalk, 25 x 21,2 cm., 1715.
Teylers Museum (Haarlem, Holanda / Netherlands)

Jean-Antoine Watteau en "El Hurgador" / in this blog[Arte perdido (IV)], [Aniversarios (CXLV)]
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Käthe Kollwitz
(Königsberg, actual Kaliningrado, Alemania / today Kaliningrad, Germany, 1867 -
Moritzburg, Sajonia, 1945)

"Trabajadora doméstica / Home Worker"
Carboncillo sobre papel amarillento / charcoal on yellowish paper, 58 x 45 cm., 1909
Colección privada / Private Collection. Museo Rando (Málaga, España / Spain)

"Die Eltern / Los padres / The Parents", carboncillo / charcoal, 42 x 56 cm., 1920
Colección privada / Private Collection. Museo Rando (Málaga, España / Spain)

"Die Eltern (Krieg) / Los padres (de "Guerra") / The Parents (from War)"
Grabado en madera de una carpeta de 7 grabados y otro de cubierta /
Woodcut from a portfolio of seven woodcuts and one woodcut cover
obra (irregular) / composition (irreg.): 35,1 x 42,5 cm., folio (irregular) / sheet (irreg.): 47,3 x 65,3 cm.
1921–22, publicado en / published 1923
Museum of Modern Art (MoMA) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Käthe Kollwitz en "El Hurgador" / in this blog:
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Gustav Klimt
(Baumgarten, Austria, 1862 - Alsergrund, 1918)

"Hombre en vista de tres cuartos (Estudio para El teatro de Shakespeare en el Burgtheater) / 
Man in Three-Quarter View (Study for Shakespeare's Theater at the Burgtheater)", 1886-87. Flickr

"Estudio de 'Lascivia' para 'El friso de Beethoven' / Study of ‘Lasciviousness’ from ‘The Beethoven Frieze’"
Tiza negra sobre papel / black chalk on paper, 1901
Albertina (Wien / Viena / Vienna, Austria). Link

"Beethovenfries / Friso de Beethoven / Beethoven Frieze"

Pinturas de caseína, recubrimientos de estuco, chapado en oro, aplicaciones de diversos materiales en morteros /
casein paints, stucco overlays, gold plating, applications of various materials on mortar, 217 x 1400 cm., 1901
Edificio de la Secesión, Wien, Viena, Austria / Secession Building, Vienna, Austria. Wikimedia Commons



En 1901, Klimt pintó el Friso de Beethoven para la 14ª exposición secesionista de Viena en celebración del compositor, y presentó una monumental escultura policromada de Max Klinger. Pensado sólo para la exposición, el friso se pintó directamente en las paredes con materiales ligeros. Después de la muestra la pintura se conservó, aunque no se volvió a exhibir hasta 1986. El Friso de Beethoven se encuentra en exhibición permanente en el Edificio de la Secesión de Viena en una sala de sótanos especialmente construida y climatizada. Toda la obra pesa cuatro toneladas.
El friso ilustra el deseo humano de felicidad en un mundo sufriente y tempestuoso en el que uno se enfrenta no solo con las fuerzas del mal externas sino también con las debilidades internas.




In 1901, Klimt painted the Beethoven Frieze for the 14th Vienna Secessionist exhibition in celebration of the composer, and featured a monumental polychrome sculpture by Max Klinger. Meant for the exhibition only, the frieze was painted directly on the walls with light materials. After the exhibition the painting was preserved, although it did not go on display again until 1986. The Beethoven Frieze is on permanent display in the Vienna Secession Building in a specially built, climate-controlled basement room. The entire work weighs four tons.
The frieze illustrates human desire for happiness in a suffering and tempestuous world in which one contends not only with external evil forces but also with internal weaknesses.

Vista general / General View

Gustav Klimt en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]
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Sonja Gangl
(Graz, Austria, 1965-)

"Capturado en papel, ojos (Repulsión) / Captured on Paper, Eyes (Repulsion)"
Lápiz sobre papel / pencil on paper, 113,5 x 154,5 cm., 2014 © Sonja Gangl

"Sin título Nº 43 / Untitled # 43"
Lápiz sobre papel / pencil on paper, 33 x 55 cm., 2016. Foto / Photo: Thomas Gorisek. artmap

"Capturado en papel, Fin / Captured on Paper, The End 1011001"
Lápiz sobre papel / pencil on paper, 61 x 80,5 cm., 2011. Albertina (Wien / Viena / Vienna, Austria)

Recolección / Compilation (CXV-2) - Dibujo / Drawing

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Leonardo da Vinci
(Leonardo di ser Piero da Vinci)
(Anchiano, Vinci, República de Florencia / Republic of Florence, 1452 -
Amboise, Castillo de Clos-Lucé, Francia / Castle of Clos-Lucé, France, 1519)

"Cabeza de mujer / Female Head"
Carboncillo, tiza roja y blanco de plomo sobre papel / charcoal, red chalk, white lead on paper
Segunda mitad del s.XV / 2nd half of 15th century.
Galería Uffizi (Florencia, Italia / Florence, Italy). Wikimedia Commons

"Estudios para las cabezas de dos soldados en la Batalla de Anghiari /
Studies for the Head of Two Soldiers in the Battle of Anghiari"
Lápiz negro y sanguina sobre punta metálica / black pencil and salguine on metallic point, 19,1 x 18,8 cm., 1503-04
Szépművészeti Múzeum / Museo de Bellas Artes / Museum of Fine Arts (Budapest, Hungría / Hungary). Flickr

Leonardo Da Vinci en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]
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Johannes Theodorus 'Jan' Toorop
(Poerworedjo, Java, Indias Orientales Holandesas (hoy Indonesia) /
Dutch East Indies (today Indonesia), 1858 -
La Haya, Holanda / The Hague, Netherlands, 1928)

"Estudio de un hombre / Study of a Man", dibujo a pluma / pen drawing, 44 x 29.5 cm. MutualArt

Jan Toorop en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (XLVIII)]
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Nikolai Dmitrievich Blokhin
Николай Дмитриевич Блохин
(Leningrado (San Petersburgo), Rusia / Leningrad (St. Petersburg), Russia, 1968-)

"Un hombre con periquitos / A Man With Parrots", 18" x 24", 2010

"Автопортрет с голубями / Autorretrato con palomas / Self Portrait With Pigeons" 24" x 31,5", 2008

"Подготовительный рисунок к Масленице / Boceto, dibujo preparatorio para 'Carnestlolendas' /
Sketch, Preparatory drawing for 'Shrovetide'"

"Подготовительный рисунок к Масленице / Boceto, dibujo preparatorio para 'Carnestlolendas' /
Sketch, Preparatory drawing for 'Shrovetide'"

"Carnestolendas / Shrovetide", óleo sobre lino / oil on linen, 68" x 118", 1995
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Andrea del Sarto (Andrea d'Agnolo)
(Florencia, Italia / Florence, Italy, 1486 - 1530)

"Estudio de la cabeza de una mujer joven / Study of the Head of a Young Woman"
Tiza roja / red chalk, c.1523. JHI Blog
Gabinetto Disegni e Stampe, Gallerie degli Uffizi (Florencia, Italia / Florence, Italy). JHIBlog

"Estudio para la cabeza de Julio César /
Study for the Head of Julius Caesar", tiza roja / red chalk, 21,5 x 18,4 cm., c.1520-21
The Metropolitan Museum of Art (MET) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Andrea del Sarto en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (XXV)]
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Herbert James Draper
(Londres, Reino Unido / London, UK, 1864 - 1920)

"Estudio de Florrie Bird para ninfa de las aguas en 'Prospero invocando a ninfas y deidades' /
Study of Florrie Bird for a Water Nymph, in 'Prospero Summoning Nymphs and Deities'"
Tiza blanca y negra sobre papel gris / black and white chalks on grey paper, 61 x 46,5 cm. MutualArt

"Prospero invocando a ninfas y deidades / Prospero Summoning Nymphs and Deities"
óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1903
Draper's Hall (Londres, Reino Unido / London, UK). Wikimedia Commons

"Estudio de Florrie Bird para 'El lamento de Ícaro' / Study of Florrie Bird for 'The Lament for Icarus'"
Tiza blanca y negra sobre papel gris / black and white chalks on grey paper, 54 x 33 cm., 1898 MutualArt

"El lamento de Ícaro / The Lament of Icarus"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 182,9 x 155,6 cm., 1898.
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK). GAP

"Estudio para 'La Kelpie' / Study for The Kelpie"
Tiza blanca y negra sobre papel color piedra, con cuadriculado para transferencia /
black and white chalk on stone-coloured paper, squared for transfer, 66 x 38,1 cm. Christie's

"Estudio para 'La Kelpie' / Study for The Kelpie"
Tiza blanca y negra sobre papel gris / black and white chalk on grey paper, 65,5 x 41,5 cm. Sotheby's

"La kelpie / The Kelpie", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 135 x 193 cm., 1913. Wikimedia Commons
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Gregory Mortenson
(St. George, Utah, EE.UU./ USA, 1976-)

"Orveda con la 23 / in 23", grafito sobre papel / graphite on paper, 14" x 11"

"Ana Nina", grafito y carboncillo sobre papel / graphite and charcoal on paper, 11" x 14", 2008
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Jean-Auguste-Dominique Ingres
(Montauban, Francia / France, 1780 - París, 1867)

"Retrato del escultor / Portrait of the SculptorCharles Dupaty"
Blanco de plomo / lead white, 18 x 14,2 cm., 1810. Sotheby's

"Retrato de / Portrait of Guillaume Guillon-Lethiere"
Lápiz sobre papel / pencil on wove paper, 8,75" x 11", 1815. Wikimedia Commons
The Morgan Library & Museum (Nueva York, EE.UU./ NY, USA). GAP

Jean-Auguste-Dominique Ingres en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]
Guillaume Guillon-Lethiere en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (CLIX)]
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David Roberts
(Stockbridge, Edimburgo, Escocia / Edinburgh, Scotland, 1796 -
Londres, Reino Unido / London, UK, 1864)

"Interior de un teatro / Interior of a Theatre", pluma y tinta / pen and ink, 39,9 x 30,7 cm.
The Metropolitan Museum of Art (MET) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)
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Julián Maroto Fernandez
(Madrid, España / Spain, 1962-)

"Sonia en la cama / Sonia in Bed", lápiz de grafito sobre lienzo / graphite pencil on canvas, 146 x 114 cm.
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Alexei Alekseievich Harlamov (Harlamoff)
Алексе́й Алексе́евич Харла́мов
(también / also Alexej Harlamoff, Alexei Kharlamoff o / or Alexej Charlamoff)
(Saratov, Imperio Ruso / Russian Empire, 1840 -
París, Francia / France, 1922)

"Retrato de una joven / Portrait of a Young Woman"
Carboncillo sobre papel / charcoal on paper, 51 x 37 cm. Link
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François Boucher
(París, Francia / France, 1703 - 1770)

"Estudio académico de un desnudo masculino reclinado / Academic Study of a Reclining Male Nude", c.1750
The Art Institute of Chicago (EE.UU./ USA). Wikimedia Commons

"Estudio de medio cuerpo de un hombre / Half-Length Study of a Man"
Tiza blanca y negra sobre papel verjurado beige (antes azul probablemente)
Black and white chalk on beige (probably formerly blue) laid paper, 17,2 x 15,7 cm.
The Metropolitan Museum of Art (MET) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

François Boucher en "El Hurgador" / in this blog[Sucedió en el museo (III) - Anexo], [Pintando perros (LXI)]
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Hendrick Goltzius
(Bracht, cerca de Venlo, Holanda / near Venlo, Netherlands, 1558 - Haarlem, 1617)

"Estudio de una mano / Study of a Hand
Pluma y tinta marrón / pen and brown ink, 25 x 34 cm., 1588. Antiques Trade Gazette

Hendrik Goltzius en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (LIV)]
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Giovanni [Giambattista Valentino] Battista Piazzetta
(Venecia, Italia / Venice, Italy, 1683 - 1754)

"El hijo del artista Giacomo sosteniendo un libro / The Artist's Son Giacomo Holding a Book"
Tiza negra, contoques de realce blanco, sobre papel azul grisáceo pálido /
black chalk, with stumping and touches of white heightening, on pale blue-grey paper, 39,8 x 30,2 cm. Artnet

Giovanni Battista Piazzetta en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (II)]

Heinz Zander (I) [Pintura / Painting]

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La abundante obra de Heinz Zander está muy dispersa, y no es fácil encontrar imágenes de calidad, suficientemente bien catalogadas, pero hace tiempo que quería dedicar un post a este notable y prolífico artista alemán. Les dejo una selección de sus pinturas. Más adelante intentaré compartir algo de su obra gráfica.

The huge Heinz Zander's body of work is very dispersed, and it is not easy to find quality images, sufficiently well cataloged, but for a long time I wanted to dedicate a post to this remarkable and prolific German artist. Here you have a selection of his paintings. Soon I will try to share some of his graphic work.
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Heinz Zander


Heinz Zander es un pintor, dibujante, artista gráfico, ilustrador y escritor alemán nacido en 1939 en Wolfen.
Estudió con Bernhard Heisig en la Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig de 1959 a 1964. De 1967 a 1970 fue Meisterschüler con Fritz Cremer en la Academia de Artes de Berlín. Desde 1970 vive y trabaja en Leipzig y está asociado con la Escuela de Leipzig.
Sus pinturas al óleo están influenciadas por el manierismo, algo que llevó más lejos que cualquier otro alemán de su generación. Sus temas a menudo provienen de la mitología, la literatura antigua, las leyendas medievales y los cuentos de hadas. También ha escrito novelas, cuentos y ensayos.

"Zug am Strand / Tren en la playa / Train on the Beach"
Óleo sobre masonita / oil on masonite, 80 x 90 cm., 1993. Blouin Art

"Die schöne Schäferin der Hochebene / La hermosa pastora de la meseta /
The Beautiful Shepherdess of the Plateau"
Óleo sobre panel / oil on fireboard, 56 x 35,5 cm., 1990. Blouin Art

"König Phineus (Triptychon) / Rey Fineo (tríptico) / King Phineus (triptych)"
Óleo sobre panel / oil on hardboard, 80 x 200 cm., 1986. Links

"Mädchen und Fabelwesen / Chica y criatura mítica / Girl and Mythical Creature"
Óleo sobre panel / oil on fireboard, 34,2 x 28,5 cm., 1979. Artnet

"Heinz Zander pertenece a la segunda generación de la llamada "Escuela de Leipzig". Desde sus estudios en la Academia de Artes Visuales de Leipzig en la primera mitad de la década de 1960, ha sido capaz de realizar un arte pictórico que lo distingue como virtuoso e imaginativo fabulador, literariamente informado, como se desprende de sus numerosas reminiscencias poéticas, mitológicas o filosóficas. Su extensa obra, ahora ampliamente distribuida en colecciones públicas y privadas, es una expresión significativa de la preocupación y confusión sobre la creciente alienación del individuo y la objetivación de la cultura. La destacada contribución de Zander a este tema es un arte de contrastes marcados, que reúne los cuentos de hadas y las amenazas, lo vital y lo morbosoo, lo seductor y lo repulsivo, para yuxtaponer apariencias hermosas con verdades crueles y el  mundo ficticio con los abismos de la realidad."

"Das Fräulein vom Goldenen Zeitalter / La señorita de la edad de oro / The Miss of the Golden Age"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 60 cm., 2014 © VG Bild-Kunst, Bonn. Pinterest

"Pastorale voller Zaertlichkeit / Pastoral llena de ternura / Pastorale Full of Tenderness"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 80 cm., 2016. Museen Schloss Voigtsberg

"Liegende (mit Flügel) / Reclinada (con alas) / Reclined (With Wings)"
Óleo sobre panel / oil on hardboard, 42 x 73 cm., 1989. Panorama Museum

"Galantes Vorkommnis nach dem großen Jagdunfall /
Incidente galante después del gran accidente de caza
Galant Incident After the Great Hunting Accident"
Óleo sobre panel / oil on hardboard, 80 x 60 cm., 2009. Galerie Himmel

"Las inconfundibles invenciones pictóricas de Zander se basan en la riqueza de formas y el contenido intelectual de un teatro mundial escenificado de forma opulenta. Un cambio constante es una de las principales características de su arte. A través de una ingeniosa técnica de cruce e intersección de motivos, crea figuras y escenarios sintéticos, a menudo grotescos y horripilantes, logrando así combinar muchos eventos y capas de significado simultáneamente en un solo modelo. Al mismo tiempo, las imágenes de Zander se asemejan a representaciones casi extravagantes de colores y tintes, elementos extraños y familiares de formas y decoraciones, que a menudo se entremezclan con apariencias muy poéticas.
Por encima de todo, el manierismo del siglo XVI, el arte de la fantasía caprichosa, demasiado refinada o extraña, dio forma sostenible al concepto básico pictórico y a la autocomprensión artística de Zanders. Su tesoro de conocimiento casi enciclopédico incluye otros períodos del arte, ya que se refiere a varios logros de la literatura y el teatro en el desarrollo de sus propias creaciones."

"Rast im Gebirge / Descanso en las montañas / Rest in the Mountains"
Óleo sobre panel / oil on hardboard, 90 x 110 cm, 1993
Kunsthalle der Sparkasse (Leipzig, Alemania / Germany)

"Der Wächter am Ausgang des Gartens / El guardia a la salida del jardín /
The Guard at the Exit of the Garden", óleo / oil on Malpatte, 60 x 50 cm., 2016. Museen Schloss Voigtsberg

"Pastoral / Pastorale"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 74 x 81 cm., 1994 © VG Bild-Kunst Bonn. nnz

Heinz Zander is a German painter, draughtsman, graphic artist, illustrator and writer born in 1939 in Wolfen.
He studied under Bernhard Heisig at the Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig from 1959 to 1964. From 1967 to 1970 he was Meisterschüler under Fritz Cremer at the Academy of Arts in Berlin. Since 1970 he lives and works in Leipzig and is associated with the Leipzig School.
His oil paintings are influenced by mannerism, something he took further than any other German in his generation. His subjects are often drawn from mythology, ancient literature, medieval legends and fairy tales. He has also written novels, short stories and essays.

"Ungehöriges Spiel auf freiem Feld / Juego inapropiado en el campo / Inappropriate Game in the Field", 1986
Óleo sobre panel / oil on fireboard, 80 x 75 cm, 1986
Kunsthalle der Sparkasse (Leipzig, Alemania / Germany)

"Quellnymphe / Ninfa del manantial / Source Nymph"
Óleo / oil on Malplatte, 40 x 50 cm., 1989. Colección privada / Private Collection. Schloss Voigtsberg

"Dame mit Zephyr / Dama con céfiro / Lady With Zephyr"
Óleo sobre panel / oil on hardboard, 80 x 60 cm., 1988. Blouin Art

"Heinz Zander belongs to the second generation of the so-called "Leipzig School". Since his studies at the Leipzig Academy of Visual Arts in the first half of the 1960s, he has been capable of pictorial art that distinguishes him as a virtuoso virtuoso and imaginative fabulizer, seemingly literate through numerous poetic, mythological or philosophical reminiscences. His extensive image oeuvre, now widely distributed in public and private collections, is a significant expression of concern and confusion about the increasing alienation of the individual and the objectification of culture. Zander's outstanding contribution to this theme is an art of stark contrasts, which brings together fairytale and threatening, vital and morbid, seductive and repulsive, in order to juxtapose beautiful appearance with a cruel truth and a fictitious world with the abysses of reality."

"Die Landvermesser und ein Engel / Los topógrafos y un ángel / The Surveyors and an Angel"
Óleo sobre panel duro / oil on hard fiberboard, 70 x 76 cm., 1995. Blouin Art

Izq./ Left: "Diana", óleo sobre madera prensada / oil on hardboard, 80 x 60 cm., 2011
Der. / Right: "Die schöne Fischerin / La hermosa pescadora / The Beautiful Fisherwoman"
Óleo sobre madera prensada / oil on hardboard, 80 x 60 cm., 2009

"Desnudo con pinzas de cangrejo / Nude With Crab Pincers"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50 x 90 cm., 1992. Artnet

"Der Engel John Silver betritt den Strand / El ángel John Silver entra a la playa /
The Angel John Silver Enters the Beach", óleo / oil, 70 x 80 cm., 1990. Erfurt

"Zander's unmistakable pictorial inventions are based on the richness of forms and intellectual content of an opulently staged world theater. A constant change is one of the main features of his art. Through a clever technique of crossing and intersecting the motifs, creating synthetic, often grotesque to gruesome figures and sceneries, he manages to combine many events and layers of meaning simultaneously and in a model. At the same time, Zander's pictures resemble almost extravagant performances of colors and tints, alien and familiar elements of form and decoration, which are often interspersed with highly poetic appearances.
Above all, the Mannerism of the 16th century, the art of the capricious, over-refined or bizarre fantasy shaped sustainable the pictorial basic concept and the artistic self-understanding Zanders. His almost encyclopaedic treasure of knowledge includes other periods of art, as he refers to various achievements of literature and theater in the development of his own creations."

"Selbst als Manierist mit Schlafmütze / Autorretrato como manierista con gorro de dormir /
Self Portrait as a mannerist with a sleepyhead"
Óleo sobre panel / oil on hardboard, 1989
Kunsthalle der Sparkasse (Leipzig, Alemania / Germany)
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Fuentes / Sources:
* Heinz Zander, Perfil / Profile. Galerie Thoms (Mühlhausen/Thüringen, Alemania / Germany)
* "In verschwiegener Landschaft - Heinz Zander, Malerei und Zeichnung /
En un paisaje secreto - Heinz Zander, pintura y dibujo /
In Secret Landscape - Heinz Zander, painting and drawing"
Meininger Museen (Alemania / Germany), 10/2010
* Wanderungen mit Wächtern / Caminatas con guardianes / Walks with Guards"
Museen Schloß Voigtsberg (Oelsnitz/Vogtl., Alemania / Germany), 3/2017
* Heinz Zander, Perfil / Profile. Galerie Himmel (Dresde, Alemania / Dresden, Germany)

Aniversarios (CCLIII) [Octubre / October 22-28]

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Todos los aniversarios de Octubre aquí / All anniversaries for October here.
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El 22 de Octubre es el cumple de

Achille Etna Michallon, pintor francés nacido en 1796 en París.
Era hijo del escultor Claude Michallon. Después de la muerte de su madre en 1813, fue criado por su tío Guillaume Francin. En 1817 fue el primer galardonado con el Premio de Roma de paisaje histórico, instituido en 1816 por iniciativa de Pierre-Henri de Valenciennes, del cual fue alumno. También estuvo en el estudio de Jacques-Louis David.
Viajó a Italia en 1818 y permaneció allí durante más de dos años. Este viaje tuvo una profunda influencia en su obra.

"Le Forum triangulaire à Pompéi / El foro triangular de Pompeya / The Triangular Forum in Pompeii"
Óleo sobre papel montado sobre lienzo / oil on paper mounted on canvas, 26,5 x 37,5 cm.
Musée du Louvre (París, Francia / France). Wikimedia Commons

Al regresar a Francia en 1820 abrió su propio estudio. Antoine Guindrand fue su alumno, así como Jean-Baptiste Camille Corot, quien tomó de su maestro el apego a la luz, la construcción del espacio y el rechazo de lo anecdótico. Con sus alumnos iba al bosque de Fontainebleau para pintar sobre el terreno. Aunque fue un pintor neoclásico, Michallon es considerado uno de los precursores de la escuela de Barbizon.
Murió en 1822 (con 25 años) de neumonía, una tragedia que truncó la vida de un artista talentoso y muy respetado.

"Cabrero con el fondo de las cataratas de Tivoli / Goatherd Opposite the Falls of Tivoli"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 15 1/2" x 11 5/8", c.1817-19
Indianapolis Museum of Art (Indiana, EE.UU./ USA)

On October 22 is the birthday of

Achille Etna Michallon, French painter born in 1796 in Paris.
He was the son of the sculptor Claude Michallon. After the death of his mother in 1813, he was raised by his uncle, Guillaume Francin. In 1817, he was the first laureate of the Prix de Rome of historical landscape, instituted in 1816 at the instigation of Pierre-Henri de Valenciennes, of which he was a student. He also studied in the studio of Jacques-Louis David. 
He travelled to Italy in 1818 and remained there for over two years. This trip had a profound influence on his work.

"La rama caída / The Fallen Branch, Fontainebleau"
Óleo sobre lienzo, sobre cartulina / oil on canvas on card, 41,28 x 51,44 cm., c.1816
Minneapolis Institute of Art (Minnesota, EE.UU./ USA)

Returning to France in 1820, he opened his own studio. Antoine Guindrand was his pupil, as well as Jean-Baptiste Camille Corot who took from his master the attachment to the light, the construction of space and the refusal of the anecdotal. He went with his students to the Fontainebleau forest to paint on the ground. Although neo-classical painter, Michallon is considered one of the precursors of the Barbizon school.
He died in 1822, aged 25, of pneumonia, a tragedy which cut short the life of a talented and well respected artist.

"Paysage inspire de la vue de Frascati / Paisaje inspirado en la vista de Frascati /
Landscape Inspired by the View of Frascati", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 127 x 171 cm., 1822
Musée du Louvre (París, Francia / France). Joconde


El 23 de Octubre es el cumple de

Lawren Stewart Harris, pintor canadiense nacido en 1885 en Brantford, Ontario.
Es conocido como miembro del Grupo de los Siete, que fue pionero en un estilo de pintura canadiense distintivo a principios del siglo XX.
Asistió a la Central Technical School y el St. Andrew's College. Desde los 19 años (1904 a 1908) estudió en Berlín. Le interesaba la filosofía y el pensamiento oriental. Más tarde se involucró en la teosofía y se unió a la Logia de Toronto de la Sociedad Teosófica Internacional. Poco después de conocer y hacerse amigo de J. E. H. MacDonald en 1911, formaron el famoso Grupo de los Siete. Él financió la construcción de un edificio de estudio en Toronto con el amigo Dr. James MacCallum. El estudio proporcionó a los artistas un espacio barato o gratuito donde trabajar.

"Monte / Mt. Lefroy", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 133,5 × 153,5 cm., 1930
Colección McMichael de Arte Canadiense / McMichael Canadian Art Collection (Kleinburg, Ontario, Canadá)

En 1918 y 1919 Harris financió viajes en vagones para los artistas del Grupo de los Siete a la región de Algoma, a lo largo del ferrocarril central de Algoma, pintando en áreas como el río Montreal y el cañón de Agawa. En el otoño de 1921 se aventuró más allá de Algoma a la costa norte del Lago Superior, donde regresaría anualmente durante los próximos siete años. Si bien sus pinturas de Algoma y urbanas de finales de la década de 1910 y principios de la de 1920 se caracterizaron por colores ricos y brillantes, y motivos de composición decorativa, el descubrimiento del Lago Superior como tema catalizó una transición hacia un estilo más austero y simplificado, con paletas limitadas, a menudo colores brillantes con una gama de tonos neutros. También dejó de firmar y fechar sus obras para que la gente las juzgara por sus propios méritos y no por el nombre artista o por cuándo fueron pintadas.

"Depósito de hielo, Cadwell, Lago Superior / Ice House, Cadwell, Lake Superior"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 94,1 x 114,1 cm., c.1930
Art Gallery of Hamilton (Ontario, Canadá) © Family of Lawren S. Harris. Link

En 1924 un viaje para hacer bocetos con A.Y. Jackson hasta el Parque Nacional Jasper en las Montañas Rocosas canadienses marcó el inicio de los temas de montaña de Harris, que continuó explorando con viajes anuales hasta 1929, recorriendo áreas en los alrededores del Parque Nacional Banff, el Parque Nacional Yoho y el Parque Provincial Mount Robson. En 1930 realizó su último gran viaje recorriendo el Ártico a bordo del barco de suministros SS. Beothic durante dos meses, tiempo durante el cual completó más de 50 bocetos. Los lienzos árticos resultantes que desarrolló a partir de los paneles al óleo marcaron el final de su período paisajista, y desde 1935 en adelante abrazó con entusiasmo la pintura abstracta. Después de la disolución del Grupo de los Siete en 1933, Harris y los otros miembros sobrevivientes, incluidos A. J. Casson, Arthur Lismer, A. Y. Jackson y Franklin Carmichael, fueron fundamentales para formar su sucesor, el grupo nacional más grande, el Grupo Canadiense de Pintores / Canadian Group of Painters.
En 1969, fue nombrado Camarada de la Orden de Canadá.
Murió en 1970.

"Bahía Lago, Costa sur, Isla de Baffin, Mañana / Lake Harbour, South Shore, Baffin Island, Morning"
Óleo sobre panel / oil on beaverboard, 30,2 × 38,2 cm., 1930
National Gallery (Ottawa, Canadá) © Family of Lawren S. Harris. Photo © NGC. Hammer

On October 23 is the birthday of

Lawren Stewart Harris, Canadian painter born in 1885 in Brantford, Ontario.
He is best known as a member of the Group of Seven who pioneered a distinctly Canadian painting style in the early twentieth century. 
He attended Central Technical School and St. Andrew's College. From age 19 (1904 to 1908) he studied in Berlin. He was interested in philosophy and Eastern thought. Later, he became involved in Theosophy and joined the Toronto Lodge of the International Theosophical Society. Soon after meeting and becoming friends with J. E. H. MacDonald in 1911, they together formed the famous Group of Seven. He financed the construction of a studio building in Toronto with friend Dr. James MacCallum. The Studio provided artists with cheap or free space where they worked.

"Monte Tule, Isla Byot / Mount Thule, Bylot Island"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 82 × 102,3 cm., 1930
Vancouver Art Gallery (Columbia Británica / British Columbia, Canadá) © Family of Lawren S. Harris. Hammer

In 1918 and 1919, Harris financed boxcar trips for the artists of the Group of Seven to the Algoma region, travelling along the Algoma Central Railway and painting in areas such as the Montreal River and Agawa Canyon. In the fall of 1921, Harris ventured beyond Algoma to Lake Superior's North Shore, where he would return annually for the next seven years. While his Algoma and urban paintings of the late 1910s and early 1920s were characterized by rich, bright colours and decorative composition motifs, the discovery of Lake Superior subject material catalyzed a transition to a more austere, simplified style, with limited palettes - often jewel colours with a range of neutral tones. He also stopped signing and dating his works so that people would judge his works on their own merit and not by the artist or when they were painted.

"Día gris en el pueblo / Grey Day in Town"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 32 3/8" x 38 1/2", 1923. Rehecho / reworked c.1930s
Art Gallery of Hamilton (Ontario, Canadá) © Family of Lawren S. Harris. Canadianart

In 1924, a sketching trip with A.Y. Jackson to Jasper National Park in the Canadian Rockies marked the beginning of Harris' mountain subjects, which he continued to explore with annual sketching trips until 1929, exploring areas around Banff National Park, Yoho National Park and Mount Robson Provincial Park. In 1930, Harris went on his last extended sketching trip, travelling to the Arctic aboard the supply ship SS. Beothic for two months, during which time he completed over 50 sketches. The resulting Arctic canvases that he developed from the oil panels marked the end of his landscape period, and from 1935 on, Harris enthusiastically embraced abstract painting. After the disbanding of the Group of Seven in 1933, Harris and the other surviving members including A. J. Casson, Arthur Lismer, A. Y. Jackson, and Franklin Carmichael, were instrumental in forming its successor, the larger national group, the Canadian Group of Painters.
In 1969, he was made a Companion of the Order of Canada.
He died in 1970.

"Lago Superior / Lake Superior", óleo sobre lienzo / oil on canvas, c.1924
Art Gallery of Ontario, Canadá. © 2016 Estate of Lawren S. Harris. Canadianart


El 24 de Octubre es el cumple de

David Roberts, pintor escocés nacido en 1796 en Stockbridge, cerca de Edimburgo.
Es especialmente conocido por una prolífica serie de detallados grabados litográficos de Egipto y el Cercano Oriente que realizó a partir de bocetos que realizó durante largos viajes por la región (1838–1840). Estas y sus grandes pinturas al óleo de temas similares lo convirtieron en un destacado pintor orientalista. Fue elegido como Real Académico en 1841.
A partir de los 10 años fue aprendiz durante siete para un pintor y decorador de casas. El comienzo de su carrera fue como pintor de escenografías para el circo de James Bannister. En 1819 se convirtió en el pintor de escenografías en el Teatro Real de Edimburgo. Aunque se ganaba la vida con este tipo de  pinturas, fue alrededor de 1820 que Roberts comenzó a producir pinturas al óleo en serio. En 1822 el Teatro Coburg, ahora el Old Vic en Londres, le ofreció un trabajo como diseñador escénico y escenógrafo, por lo que se mudó allí.

"El mercado de Blé en Abbeville, desde la Plaza Mayor /
Le Marché au Blé at Abbeville, from the Grande Place"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 64,5 x 80,5 cm. Sotheby's

En el otoño de 1824 visitó Normandía. Sus pinturas basadas en este viaje comenzaron a sentar las bases de su reputación. En 1832 viajó por España y Tánger. Regresó a fines de 1833 con una serie de bocetos que elaboró ​​en pinturas atractivas y populares.
J. M. W. Turner persuadió a Roberts para que abandonara la pintura de escenarios y se dedicara al arte a tiempo completo. Roberts zarpó a Egipto el 31 de agosto de 1838. Su intención era producir dibujos que luego pudiera usar como base para pinturas y litografías que se venderían al público. Egipto estaba muy de moda en aquél momento, y los viajeros, coleccionistas y amantes de las antigüedades estaban ansiosos por comprar obras inspiradas en Oriente o representando los grandes monumentos del antiguo Egipto. Roberts realizó una larga gira por Egipto, Nubia, el Sinaí, Tierra Santa, Jordania y el Líbano, a lo largo de la cual produjo una vasta colección de dibujos y bocetos a la acuarela. A su regreso a Gran Bretaña trabajó con el litógrafo Louis Haghe desde 1842 hasta 1849 para producir las láminas profusamente ilustradas de los bocetos de Tierra Santa y Siria, 1842-1849 y las series de Egipto y Nubia.

"La puerta de Zuweyleh, El Cairo / Bab (The Gate of) Zuweyleh, Cairo"
Acuarela sobre lápiz, iluminada con bodycolour /
watercolour over pencil, heightened with bodycolour, 34,4 x 24,4 cm., 1838. Sotheby's

Roberts visitó Italia en 1851 y nuevamente en 1853, pintando el Palacio Ducal de Venecia, comprado por Lord Londesborough, el interior de la Basílica de San Pedro, Roma, el día de Navidad de 1853 y Roma desde el Convento de San Onofrio, que fue presentado a la Academia Real Escocesa.
Su último volumen de ilustraciones, "Italia, clásica, histórica y pintoresca", se publicó en 1859. Los últimos años de su vida estuvo ocupado con una serie de vistas de Londres desde el Támesis.
Murió en 1864.

"Baalbec - Ruinas del Templo de Baco / Ruins of the Temple of Bacchus"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 182,2 x 132 cm., 1840
Walker Art Gallery (Liverpool, Inglaterra / England). Wikimedia Commons

On October 24 is the birthday of

David Roberts, Scottish painter born in 1796 in Stockbridge near Edinburgh.
He is especially known for a prolific series of detailed lithograph prints of Egypt and the Near East that he produced from sketches he made during long tours of the region (1838–1840). These and his large oil paintings of similar subjects made him a prominent Orientalist painter. He was elected as a Royal Academician in 1841.
At the age of 10, he was apprenticed for seven years to a house painter and decorator. The beginning of his career as a painter was as a painter of scenery for James Bannister's circus. In 1819 he became the scene painter at the Theatre Royal in Edinburgh. Although he was making a living from scene painting, it was around 1820 that Roberts began to produce oil paintings seriously. In 1822 the Coburg Theatre, now the Old Vic in London, offered Roberts a job as a scenic designer and stage painter, so he moved there.
In the autumn of 1824 he visited Normandy. His paintings based on this trip began to lay the foundation of his reputation. In 1832 he travelled in Spain and Tangiers. He returned at the end of 1833 with a supply of sketches that he elaborated into attractive and popular paintings.

"El bazar de los cobreros / The Bazaar of the Coppersmiths"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 143 x 112 cm., 1842. Sotheby's

J. M. W. Turner persuaded Roberts to abandon scene painting and devote himself to becoming a full-time artist. Roberts set sail for Egypt on 31 August 1838. His intent was to produce drawings that he could later use as the basis for the paintings and lithographs to sell to the public. Egypt was much in vogue at this time, and travellers, collectors and lovers of antiquities were keen to buy works inspired by the East or depicting the great monuments of ancient Egypt. Roberts made a long tour in Egypt, Nubia, the Sinai, the Holy Land, Jordan and Lebanon. Throughout, he produced a vast collection of drawings and watercolour sketches. On his return to Britain, Roberts worked with lithographer Louis Haghe from 1842 to 1849 to produce the lavishly illustrated plates of the Sketches in the Holy Land and Syria, 1842–1849 and Egypt & Nubia series. 

"El pórtico de San Maclou, Rouen / The Porch of St Maclou, Rouen"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 54,6 x 40,6 cm., 1829
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

In 1851, and again in 1853, Roberts visited Italy, painting the Ducal Palace, Venice, bought by Lord Londesborough, the Interior of the Basilica of St Peters, Rome, Christmas Day, 1853, and Rome from the Convent of St Onofrio, presented to the Royal Scottish Academy.
His last volume of illustrations, Italy, Classical, Historical and Picturesque, was published in 1859. The last years of his life were occupied with a series of views of London from the Thames. 
He died in 1864.

"El Santuario de Eduardo el Confesor / The Shrine of Edward the Confessor"
Acuarela y aguada sobre papel / watercolour and gouache on paper, 32,1 x 46 cm., 1830
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

David Roberts en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (CXV-2)]


El 25 de Octubre es el cumple de

Antonio Ciseri, pintor suizo-italiano de temas religiosos nacido en 1821 en Ronco sopra Ascona, Suiza.
Se fue a Florencia en 1833 para estudiar dibujo con Ernesto Bonaiuti. Un año después fue alumno de Niccola y Pietro Benvenuti en la Accademia di Belle Arti en Florencia; luego fue enseñado por Giuseppe Bezzuoli, quien tuvo una gran influencia en la primera parte de su carrera. En 1849 comenzó a ofrecer instrucción a pintores jóvenes y, finalmente, dirigió una escuela de arte privada. Entre sus primeros alumnos se encontraba Silvestro Lega.

"Ecce Homo (¡Aquí está el hombre! / Behold the Man!)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, c.1860-80.
Kantonales Kunstmuseum / Museo cantonal (Lugano, Suiza / Switzerland). Wikimedia Commons

Las pinturas religiosas de Ciseri son rafaelescas en sus perfiles compositivos y sus superficies pulidas, pero tienen un efecto casi fotográfico. Cumplió muchos encargos importantes de iglesias en Italia y Suiza. Ciseri también pintó un número significativo de retratos. Entre sus otros alumnos se encontraban los pintores Oreste Costa, Giuseppe Guzzardi, Alcide Segoni, Andrea Landini, Raffaello Sorbi, Niccolò Cannicci, Emanuele Trionfi, Girolamo Nerli y Egisto Sarri.
Murió en 1891.

"Il Martirio dei sette fratelli maccabei / El martirio de los siete hermanos macabeos /
The Martyrdom of the Seven Maccabean Brothers"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 500 x 300 cm., 1873
Chiesa Santa Felicita (Firenze / Florencia, Italia / Florence, Italy). Flickr

On October 25 is the birthday of

Antonio Ciseri, Swiss-Italian painter of religious subjects born in 1821 in Ronco sopra Ascona, Switzerland.
He went to Florence in 1833 to study drawing with Ernesto Bonaiuti. Within a year, by 1834 he was a pupil of Niccola and Pietro Benvenuti at the Accademia di Belle Arti in Florence; he was later taught by Giuseppe Bezzuoli, who greatly influenced the early part of his career. In 1849, he began offering instruction to young painters, and eventually ran a private art school. Among his earliest students was Silvestro Lega.

"L'Esule / El exilio / The Exile"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 40 x 31 cm., entre / between 1860-1870
Museo d'Arte (Lugano, Suiza / Switzerland). Artribune

Ciseri's religious paintings are Raphaelesque in their compositional outlines and their polished surfaces, but are nearly photographic in effect. He fulfilled many important commissions from churches in Italy and Switzerland. Ciseri also painted a significant number of portraits. Among his other pupils were the painters Oreste Costa, Giuseppe Guzzardi, Alcide Segoni, Andrea Landini, Raffaello Sorbi, Niccolò Cannicci, Emanuele Trionfi, Girolamo Nerli, and Egisto Sarri.
He died in 1891.

"Il trasporto di Cristo al sepolcro / Die Grablegung Christi /
El entierro de Cristo / The Entombment of Christ"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 190 x 273 cm., c.1864-70
Santuario della Madonna del Sasso (Orselina, Suiza / Switzerland). PieroEffeNews


El 26 de Octubre es el cumple de

Zdeněk Rykr, pintor, ilustrador, periodista y diseñador de teatro checo nacido en 1900 en la estación de tren de Chotěboř.
Cuando tenía siete años su familia se mudó a Kolín donde su padre, un inspector de ferrocarriles, había sido trasladado. Allí fue donde pasó su infancia y sus años de estudiante. Después de graduarse de la escuela primaria no fue aceptado en la Academia de Bellas Artes de Praga, por lo que decidió estudiar Historia del Arte y arqueología clásica en la facultad de filosofía, donde completó un doctorado en 1924. A pesar de los conocimientos que acumuló durante sus estudios, sus habilidades artísticas fueron autodidactas. Al principio se dedicó principalmente a la pintura, y posteriormente se pasó al diseño gráfico.
En 1925 ilustró el Bidýlko de Emil Vachek y de 1925 a 1927 fue diseñador de teatro en el Teatro Nacional (Praga). Paralelamente trabajó como diseñador gráfico para publicidad, por ejemplo para la compañía Baťa. Sus diseños para la compañía de chocolate Maršner, para la que creó la estrella azul de Orión para la envoltura de chocolate Kofila, siguen siendo famosos hoy en día. También creó diseños para la refinería de petróleo Kolín, el café Kulík, Čedok y Škoda.

"Chyše / Naturaleza muerta / Still Life"
Óleo sobre lienzo, sobre panel / oil on canvas on plywood, 1920
Galería Nacional (Praga, República Checa / Prague, Czech Republic)

Su arte se desvió gradualmente del realismo de sus pinturas tempranas, y desde la década de 1930 se centró en la creación de ensamblajes y collages, que anunciaban su obra de los años sesenta. Se inspiró en sus numerosos viajes por todo el mundo y fue fuertemente influenciado por el surrealismo y la caligrafía oriental.
En la década de 1920 también trabajó como periodista: contribuyó a la creación de la revista satírica Trh, escribió folletos y en 1930-31 editó la revista Domov a svět. Sus críticas acentuadas y opiniones controvertidas lo convirtieron en una figura impopular en los años veinte y treinta. Está asociado con la generación Devětsil de artistas de vanguardia, más bien como un forastero o un lobo solitario. Probó muchos estilos, que rápidamente descartó como inútiles. Su generación lo vio como un ecléctico inconexo o como la conciencia oscura de la vanguardia.
Al principio expuso como invitado con el grupo de pintores Tvrdošíjni, y luego realizó varias exposiciones individuales e incluso expuso su trabajo en la "Société des Artistes Indépendants Salon des Indépendants en París" donde, a diferencia de lo que ocurría en su país natal, tuvo un gran éxito.
Para evitar a la Gestapo, se suicidó lanzándose debajo de un tren en Barrandov, Praga, el 15 de enero de 1940.

"Po Koupeli / Después del baño / After Bath". Wikimedia Commons

"Kalvárie / Calvario / Calvary", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91 x 72 cm., 1938
Galerie moderního umění (Hradci Králové, República Checa / Czech Republic). Wikimedia Commons

On October 26 is the birthday of

Zdeněk Rykr, Czech painter, illustrator, journalist and theatre designer born in 1900 in the Chotěboř train station. 
When he was seven his family moved to Kolín, where his father, a railway inspector, had been transferred. There was where he spent his childhood and student years. After graduating from the grammar school he was not accepted to the Academy of Fine Arts in Prague, and so he chose to study Art History and Classical archaeology at the faculty of philosophy, where he completed a doctorate in 1924. Despite the knowledge he accumulated during his studies, his artistic abilities were self-taught. At the beginning his artwork is mostly paintings, and subsequently evolves into graphic design.
In 1925 he illustrated Emil Vachek’s Bidýlko and from 1925 to 1927 he was a theatre designer at the National Theatre (Prague). In parallel, he worked as a graphic designer for advertising, for example for the Baťa company. His designs for the Maršner chocolate company, for which he created the blue Orion star for the Kofila chocolate wrapper, are still famous today. He also created designs for the Kolín oil refinery, Kulík coffee, Čedok and [Škoda Auto]
His art gradually strayed from his early paintings realism, and from the 1930s he focused on the creation of assemblages and collages, which foreshadowed his work of the 1960s. He got inspired by his numerous travels across the globe, and was strongly influenced by Surrealism and Oriental Calligraphy.

"Podobizna muže / Retrato de un hombre / Portrait of a Man", 1920. Wikimedia Commons

In the 1920s he also worked as a journalist, contributed to the creation of the satiric magazine Trh, authored pamphlets, and in 1930-31 edited the magazine Domov a svět. His pointed criticism and controversial opinions made him an unpopular figure in the 1920s and 30s. He is associated with the Devětsil generation of avant-garde artists rather as an outsider or lone wolf. He tried on many styles, which he quickly discarded as worthless. His generation saw him as a disjointed eclectic or as the dark conscience of the avant-garde.
At first he exhibited as a guest with the Tvrdošíjni group of painters, and later had several solo shows and even exhibited his work at the [Société des Artistes Indépendants Salon des indépendants in Paris], where unlike in his native country it was a great success.
To avoid the Gestapo he committed suicide by throwing himself under a train at Barrandov, Prague, on 15 January 1940.

"Composición con candelabro / Composition with Candle Holder"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1937
Galería Nacional (Praga, República Checa / Prague, Czech Republic)


El 27 de Octubre es el cumple de

Sigrid Hjertén, pintora modernista sueca nacida en 1885 en Sundsvall.
Estudió en la Escuela Universitaria de Artes, Artesanía y Diseño en Estocolmo y se graduó como profesora de dibujo. A partir de 1909 estudió con Henri Matisse en París. Quedó impresionada por la forma en que él y Paul Cézanne trataban el color. Hjertén se esforzó por encontrar formas y colores que pudieran transmitir sus emociones. A este respecto, su trabajo está más estrechamente relacionado con los expresionistas alemanes, como Ernst Ludwig Kirchner, que con los pintores franceses, con su elegante juego de líneas.
Regresó a Suecia, y en 1912 participó en una exposición colectiva en Estocolmo. Fue su primera muestra como pintora. En los siguientes diez años participó en numerosas exposiciones tanto en Suecia como en el extranjero.

"Hamnbild / Vista del puerto / View of the Port"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65 x 55 cm., 1914
Colección privada / Private Collection. Antik & Auktion

Entre 1920 y 1932 Sigrid Hjertén y su familia vivieron en París e hicieron muchas excursiones a la campiña francesa y a la Riviera italiana para pintar. Esta fue una época relativamente armoniosa en el arte de Hjertén, pero sus exposiciones fueron muy limitadas en este período.
En 1932 decidió regresar a Estocolmo, pero mientras empacaba se derrumbó. Llegó a Suecia y fue trasladada temporalmente al hospital psiquiátrico de Beckomberga con síntomas de esquizofrenia. Se recuperó periódicamente, y en los dos años siguientes (1932–34) su arte culminó en un crescendo, donde, como una poseída, hizo cuadros que expresaban una fuerte carga de sentimientos. Se dedicó a la pintura de forma intensiva, creando una imagen al día, "el libro ilustrado de su vida", según una entrevista en la revista de arte sueca Paletten. Algunas pinturas irradian horror mientras que otras dan una impresión cálida y armoniosa.
Durante 1934, viajó con su familia al sur de Europa, donde siguió pintando.

"Ateljéinteriör / Interior del estudio / Interior of the Studio", 1916
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 176 x 203 cm., 1916
Moderna Museet (Estocolmo, Suecia / Stockholm, Sweden) © Sigrid Hjertén

Recién obtuvo reconocimiento público en 1936, cuando realizó una exitosa exposición individual en la Real Academia de las Artes de Suecia en Estocolmo. "Después de ver las casi 500 obras en su retrospectiva de 1936, los críticos se mostraron unánimes: la exposición fue considerada como una de las más notables de la temporada y Sigrid Hjerten fue reconocida como una de las artistas modernas más grandes y originales de Suecia. Así ella obtuvo reconocimiento, pero demasiado tarde."
A finales de los años '30 la enfermedad mental de Sigrid fue en aumento, se le diagnosticó esquizofrenia y fue hospitalizada permanentemente en el Hospital Psiquiátrico Beckomberga en Estocolmo, donde permaneció el resto de su vida.
Murió en 1948.

"Isaac med pipa / Isaac con una pipa / Isaac With A Pipe"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 46 x 38, 1911
Colección privada / Private Collection. Art History Project

On October 27 is the birthday of

Sigrid Hjertén, Swedish modernist painter born in 1885 in Sundsvall.
She studied at the University College of Arts, Crafts and Design in Stockholm and graduated as a drawing teacher. From 1909 she studied under Henri Matisse in Paris, she was impressed by the way he and Paul Cézanne dealt with colour. Hjertén strove to find forms and colours that could convey her emotions. In that respect her work is more closely related to the German Expressionists, such as Ernst Ludwig Kirchner, than to the French painters, with their graceful play of lines.
She returned to Sweden. In 1912 Sigrid Hjertén participated in a group show in Stockholm. It was her debut exhibition as a painter. In the following ten years she took part in many exhibitions both in Sweden and abroad.
Between 1920 and 1932, Sigrid Hjertén and her family lived in Paris, and made many excursions to the French countryside and the Italian Riviera for painting. This was a relatively harmonious era in Hjertén's art, but her exhibits were very limited in this period.

"Parisgata / Calle de París / Street of Paris", 1928
Foto / Photo: © Moderna Museet. Barnebys

In 1932 she decided to return to Stockholm. But during packing she collapsed. She got to Sweden and was temporarily taken to the psychiatric hospital of Beckomberga with symptoms of schizophrenia. She recovered periodically, and in the following two years (1932–34) Hjertén's artistry culminated in a crescendo, where, like one possessed, she made pictures that expressed strongly loaded feelings. She devoted herself to intensive painting, creating one picture a day, the picture-book of her life, according to an interview in the Swedish art magazine Paletten. Some paintings radiate horror while others give a warm and harmonious impression.


"Jardín Nº 2 (En el jardín Fontenay-Aux-Roses) / Garden #2 (In the Garden Fontenay-Aux-Roses)
Panel, 32,5 x 41 cm., 1920. Bukowskis

During 1934, she traveled with her family in the south of Europe, where she painted. 
She won public recognition only in 1936, when she had a well-received solo exhibition at the Royal Swedish Academy of Arts in Stockholm. "After viewing the nearly 500 works in her 1936 retrospective, the critics were unanimous: the exhibition was hailed as one of the most remarkable of the season and Sigrid Hjerten was honored as one of Sweden's greatest and most original modern artists. Thus, she gained recognition—but too late."
In the late 30s, Sigrid suffered from escalating mental illness, diagnosed with schizophrenia, and was permanently hospitalised at Beckomberga Psychiatric Hospital in Stockholm, where she remained the rest of her life.
She died in 1948.

"Den blå båten / El barco azul / The Blue Boat, Collioure"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 73 x 92 cm., 1934. Antik & Auktion
Foto / Photo: © Stockholms Auktionsverk. Antik Auktion


Hoy, 28 de Octubre. es el cumple de

Karl Otto Hy, arquitecto, pintor, artista comercial y dibujante alemán nacido en 1904 en Rüdesheim am Rhein.
En 1911 su familia se mudó a Wiesbaden. Hy asistió a las escuelas en Heidelberg y Wiesbaden. De 1916 a 1918 recibió sus primeras lecciones de arte en la escuela privada de pintura de Hermann Bouffier en Wiesbaden. También visitó el estudio de Kaspar Kögler. Después de la Primera Guerra Mundial, inicialmente tuvo el deseo de convertirse en cerrajero, pero como no tenía un puesto de aprendiz vacante en esta profesión, comenzó a formarse como pintor decorativo.
En los años siguientes (1925 a 1929) asistió a las escuelas de artes y oficios de Mainz y Wiesbaden. Sus maestros incluyeron a Hans Christiansen, Otto Fischer Trachau y Otto Arpke. Junto con Fischer-Trachau, participó en el desarrollo del Rheingauviertel. Además de sus estudios, Hy trabajó para el arquitecto de Wiesbaden Johann Wilhelm Lehr. Desde 1930 trabajó principalmente como artista comercial. Entre sus clientes se contaban grandes almacenes, cervecerías y hoteles. Además de trabajar como artista comercial también comenzó a trabajar como arquitecto. Durante este tiempo encontró contacto con otros artistas de Wiesbaden, como Ernst Wolff-Malm, Edmund Fabry, Willy Mulot, Paul Dahl y Alexei von Jawlensky. De 1934 a 1939, Hy también trabajó junto con Edmund Fabry en proyectos arquitectónicos. Además de los contratos privados, también recibió pedidos del sector público.

"Fabrikarbeiterin / Trabajadora de una fábrica / Factory Worker"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 98,5 x 58 cm., 1931. Ketterer Kunst

En 1942 fue reclutado en la Wehrmacht y se convirtió en prisionero de guerra soviético. En 1948 regresó del cautiverio y llegó primero a Pforzheim. Desde allí regresó a Wiesbaden y reanudó su trabajo como arquitecto. Entre 1949 y 1956 recibió el encargo del arquitecto de la ciudad Eberhard Finsterwalder para la restauración y el rediseño de interiores públicos. Por ejemplo, participó en obras en el Teatro Estatal de Hesse, en el Kaiser-Friedrich-Therme, en la sala funeraria del cementerio del sur y en la sala de juntas del magistrado en Wiesbaden.
En 1962 se mudó a Georgenborn.
Además de su trabajo como artista comercial y arquitecto, Hy también estuvo activo en las artes hasta la vejez. Esto dio lugar a dibujos, acuarelas y pinturas. Pintó paisajes, paisajes urbanos, retratos, naturalezas muertas y obras abstractas. Especialmente sus paisajes urbanos frescos y nuevos de Wiesbaden son pinturas extremadamente finas y detalladas, que revelan su faceta de arquitecto.
Murió en 1992.

Izq./ Left: "Portät der Gattin des Malers Theodor Schütt / Retrato de la esposa del pintor Theodor Schütt /
Portrait of the Wife of the Painter Franz Theodor Schütt"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80,5 x 68 cm., 1927. Blouin Art
Der./ Right: "Straße / Calle / Street"
Óleo sobre panel / oil on board, 45,8 x 64 cm., 1937. Blouin Art

Today, October 28, is the birthday of

Karl Otto Hy, German architect, painter, commercial artist and draftsman born in 1904 in in Rüdesheim am Rhein
In 1911 his family moved to Wiesbaden. Hy attended schools in Heidelberg and Wiesbaden. From 1916 to 1918 he received his first art lessons in the private painting school of Hermann Bouffier in Wiesbaden. He also visited the studio of Kaspar Kögler. After the First World War, Hy initially had the desire to become a locksmith, but since there was no vacant apprenticeship in this profession, he began training as a decorative painter.
In the following years he attended from 1925 to 1929 the arts and crafts schools in Mainz and Wiesbaden. His teachers included Hans Christiansen, Otto Fischer Trachau and Otto Arpke. Together with Fischer-Trachau he was involved in the development of the Rheingauviertel. In addition to his studies, Hy worked for the Wiesbaden architect Johann Wilhelm Lehr. From 1930 he worked mainly freelance as a commercial artist. His clients included, department stores, breweries and hotels. In addition to working as a commercial artist, Hy also started working as an architect. During this time he found contact with other artists from Wiesbaden, such as Ernst Wolff-Malm, Edmund Fabry, Willy Mulot, Paul Dahl, Alexei von Jawlensky. From 1934 to 1939 Hy ​​also worked together with Edmund Fabry on architectural projects. In addition to private contracts, he also received orders from the public sector.

"Anna", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 95 x 67,5 cm., 1932. Ketterer Kunst

In 1942 he was drafted into the Wehrmacht and became a Soviet prisoner of war. In 1948 he returned from captivity and arrived first in Pforzheim. From there he returned to Wiesbaden and resumed his work as an architect. Between 1949 and 1956 he was commissioned by city architect Eberhard Finsterwalder for the restoration and redesign of public interiors. For example, he was involved in works at the Hessian State Theater, the Kaiser-Friedrich-Therme, the funeral hall at the South Cemetery and the boardroom of the magistrate in Wiesbaden.
In 1962, Hy moved to Georgenborn.
In addition to his work as a commercial artist and architect Hy was also active in the arts until old age. This resulted in drawings, watercolors and paintings. Hy painted landscapes, cityscapes, portraits, still lifes and abstractions. Especially his cool, new Wiesbaden cityscapes are extremely fine and detailed painted works, which reveal the look of the architect.
He died in 1992.

"Unbekannte Helferin / Colaboradora desconocida / Unknown Helper"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 102 x 74 cm. Blouin Art


Aniversarios (CCLIV) [Octubre / October 29-31]

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Todos los aniversarios de Octubre aquí / All anniversaries for October here.
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El 29 de Octubre es el cumple de

Hans Thuar, pintor alemán nacido en Treppendorf, hoy Lübben, en 1887.
Desde que el padre de Thuars se convirtió en jefe de una compañía de seguros, la familia tuvo que mudarse en 1892 a Colonia. Allí asistió a la escuela de 1893 a 1907 y en 1897 conoció a August Macke, con quien inició una amistad de por vida. El 12 de mayo de 1899 perdió ambas piernas en un accidente. Macke lo visitó a diario en el hospital y se aseguró de que pudiera recuperar el valor en su nueva vida. Hizo los primeros intentos de pintar y se mantuvo en contacto después de que Macke se mudó a Bonn.
Thuar realizó su primera pintura al óleo en 1903, y tomó lecciones del profesor Wegelin en Colonia. De 1907 a 1908 asistió a la Academia de Artes de Düsseldorf. En 1911 participó por primera vez en la secesión de Cölner. Esto fue seguido por otras exposiciones colectivas en 1912 y 1913. Después de la muerte de su amigo en las primeras semanas de la Primera Guerra Mundial, no pintó durante años. Sólo después de la guerra volvió a la pintura. Su período creativo más importante se desarrolló desde 1920 hasta 1926. Después de eso estuvo artísticamente activo de forma intermitente.

"Blühende Obstbäume / Frutales en flor /
Flowering Fruit Trees (Endenich)", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1911. Online Focus

Durante este tiempo, Thuar se dedicó intensamente a la investigación de todos los temas relacionados con los aceites esenciales y la aromaterapia. Para este propósito, comercializó bajo el nombre "HATERA" (Hans Thuar Ramersdorf) o bajo "RA Laboratory", y desarrolló y vendió especialmente el producto desarrollado por él sobre la base de aceites esenciales y otras ceras, Cerapin, que estaba disponible en tres variantes
El 18 de octubre de 1944, su casa en Ramersdorf fue destruida, y él fue evacuado. Pocos meses después del final de la guerra murió en Bad Langensalza (1945).

"Endenicher Straße"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50,5 x 65,5 cm., 1911. Lempertz

"Reiher / Garzas / Herons", acuarela sobre papel japonés /
watercolor on Japanese paper, 34,5 x 24,5 cm., 1933. Lempertz

On October 29 is the birthday of

Hans Thuar, German painter born in Treppendorf, today Lübben, in 1887.
Since Thuars father became head of an insurance company, the family had to move in 1892 to Cologne. There he attended the school from 1893 to 1907 and in 1897 met August Macke, with whom he had a lifelong friendship. On May 12, 1899, he lost both legs in an accident. Macke visited him daily in the hospital and made sure that he could regain new life courage. He made first attempts at painting and remained in contact after Macke's move to Bonn.
Thuar's first oil painting was made in 1903, and he took lessons from Professor Wegelin in Cologne. From 1907 to 1908 he attended the Academy of Arts in Düsseldorf. In 1911 he was first involved in the Cölner Secession. This was followed by other group exhibitions in 1912 and 1913. After the death of his friend in the first weeks of the First World War, he did not paint for years. Only after the war did he return to painting. His most important creative period lasted from 1920 to 1926. After that, he was artistically active only at longer intervals.

"Porträt eines Freundes / Retrato de un amigo / Portrait of a Friend"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 49,5 cm., 1923. Lempertz

During this time Thuar devoted himself intensively to the research of all topics around essential oils and aromatherapy. For this purpose, he traded under the name "HATERA" (Hans Thuar Ramersdorf) or under "RA Laboratory" and developed and sold especially the product developed by him on the basis of essential oils and other waxes product, Cerapin, which was available in three variants.
On October 18, 1944, his house in Ramersdorf was destroyed, and he was evacuated. A few months after the end of the war he died in Bad Langensalza (1945).

"Moorlandschaft in / Páramos en / Moorland in Ried"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 1938
Foto / Photo: © Privatsammlung/Schloßmuseum Murnau. kunst


El 30 de Octubre es el cumple de

María Izquierdo, pintora mexicana nacida María Cenobia Izquierdo Gutiérrez en 1902 en San Juan de los Lagos, en el estado de Jalisco. Después de la muerte de su padre, cuando ella tenía cinco años, vivía con sus abuelos y su tía, en los pequeños pueblos de Aguascalientes, Torreón y Saltillo. Tanto su abuela como su tía eran católicas devotas y gran parte de su educación giraba en torno a las tradiciones católicas cotidianas. A los catorce años tenía un matrimonio concertado con un oficial del ejército, el coronel Cándido Posadas, y a los 17 años tenía tres hijos.

"Maternidad / Maternity"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 85 x 70,2 cm., 1944. Christie's

En 1920 ella y su familia se mudaron a Ciudad de México, donde comenzó a convertirse en una artista profesional. Tuvo un matrimonio de corta duración y se convirtió en madre soltera a muy temprana edad. Se dice que su hija influyó en algunos de sus trabajos, incluyendo "Niñas Durmiendo". Izquierdo y su familia se mudaron a la Ciudad de México donde ella pudo ir a la escuela para estudiar arte. Allí conoció a sus mentores Diego Rivera y Rufino Tamayo, de quienes también se decía que era su amante. Tuvo un segundo matrimonio, también de corta duración, con el pintor chileno Raúl Uribe.
"Autorretrato / Self Portrait"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1944. Colección privada / Private Collection. Newington-Cropsey, CSC

Siempre interesada en el arte, pasó gran parte de su tiempo sola, enseñándose nuevas técnicas artísticas. Cuando ella y su familia se mudaron a la Ciudad de México en la década de 1920, actuó de acuerdo con su pasión y dejó a su esposo.
María Izquierdo es conocida por ser la primera mujer mexicana en exhibir sus obras de arte en los Estados Unidos. Dedicó su vida y su carrera al arte de la pintura, mostrando sus raíces mexicanas.
En diciembre de 1955 murió de un derrame cerebral en Ciudad de México.
"Mis sobrinas / My Nieces", 1940
Museo Nacional (Ciudad de México / Mexico City, México). Newington-Cropsey, CSC

"Los caballitos pony en su camerino / The Pony Horses in Their Dressing Room"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 45,7 x 55,9 cm., 1945. Christie's

On October 30 is the birthday of

María Izquierdo, Mexican painter born María Cenobia Izquierdo Gutiérrez in 1902 in San Juan de los Lagos in the state of Jalisco. After her father died, when she was five years old, she lived with her grandparents and aunt, afterward in small towns of Aguascalientes, Torreón, and Saltillo. Both her grandmother and aunt were devout Catholics and much of her upbringing revolved around daily Catholic traditions.At age fourteen she had an arranged marriage to a senior army officer, Colonel Cándido Posadas, and bore three children by the time she was 17 years old.

"Autorretrato / Self Portrait"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 140 x 87 cm., 1940
Museo Andrés Blaisten (Ciudad de México / Mexico City, México)

In 1920 she and her family moved to Mexico City from San Juan de los Lagos where she first began to develop into a professional artist. She had a short-lived marriage and became a single mother at a very young age. It is said that her daughter has influenced some of Izquierdo's work, including "Ninas Durmiendo". Izquierdo and her family moved to Mexico City where she was able to go to school to study art. There she met her mentors Diego Rivera and Rufino Tamayo, who was also said to be her lover. Izquierdo had a second marriage, also short-lived, with Chilean painter Raul Uribe.
Always interested in art, Izquierdo spent much of her time alone teaching herself new art techniques. When she and her family moved to Mexico City in the 1920s, she acted on her passion and left her husband.

"Mi tía, un amiguito y yo / My Uncle, a Little Friend and I"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 138 x 87 cm., 1942. Tout Lyon
© Collection Andrés Blaisten

María Izquierdo is known for being the first Mexican woman to have her artwork exhibited in the United States. She committed both her life and her career to painting art that displayed her Mexican roots.
In December 1955 she died of a stroke in Mexico City.

"Caballos en el río / Horses in the River", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50 x 70 cm., 1946. Expresión con arte


El 31 de Octubre es el cumple de

Antonín Machek, pintor checo en los estilos clásico y biedermeier nacido en 1775 en Podlažice, que fue conocido por sus retratos.
Nació en una familia de agricultores arrendatarios. Su padre también trabajaba como sastre y, durante los veranos, era contratado como músico en la residencia cercana del obispo Jan Leopold Hay, pero murió en 1785, cuando Antonín tenía diez años.

"Retrato de una dama con una carta / Portrait of a Lady With a Letter"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 93 x 68,5 cm., 1816
Národní galerie v Praze / Galería Nacional (Praga, República Checa / Czech Republic)

Su madre estaba demasiado enferma para cuidarlo, por lo que el canónigo local lo presentó al obispo Hay, quien lo recibió y lo presentó al pintor de la corte Wenzel Zitta (? -?), quien fue su instructor durante dos años. Viajó con el obispo a Praga en 1790 y 1792 para las coronaciones de Leopoldo II y Francisco I como reyes de Bohemia. Después de la segunda visita se quedó allí para estudiar con el maestro de Zitta, Wenzel Bluma (? -1794). El obispo murió poco después de Bluma, por lo que se convirtió en un trabajador vinculado al pintor de frescos y decorador Antonín Tuvora (1747-1807) y pasó las noches estudiando dibujo con Ludvík Kohl. En 1796 ganó un premio en un concurso patrocinado por la "Sociedad de Amigos Patrióticos de las Artes". Después de aquello el nuevo obispo, Maria Thaddäus von Trautmannsdorff, le encomendó decorar la capilla del castillo de Chrast.

"Portrét neznámého chlapce / Retrato de un niño desconocido /
Portrait of An Unknown Boy", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1813
Sbírka Patrika Šimona / Colección / Collection Patrick Simon. Harmonie Line

Cuando su madre murió en 1798 vendió la casa familiar, se mudó a Viena y se inscribió en la Academia de Bellas Artes. Se quedó sin dinero en 1801 y regresó a Bohemia, estableciéndose en Hradec Králové y trabajando como retratista. Un año más tarde decidió ser un artista itinerante, viajando por el norte de Austria y estableciendo estudios de retratos en Linz y Steyr. En 1813 se estableció en Praga, donde se casó y se involucró en los círculos patrióticos checos. También mantuvo conexiones con la Academia de Bellas Artes, especialmente con los profesores František Tkadlík y Joseph Bergler, quienes le enseñaron litografía y otras técnicas gráficas. En 1835 fue uno de los que protestó formalmente por el abrumador contenido alemán de los cursos en la Academia y la supuesta incompetencia de su Director.
En total, creó más de 300 retratos, muchos de los cuales fueron realizados en litografías por su alumno, František Šír (1804-1864).
Murio en 1844

"Alois Jelen en el papel de / in the Role of Max from Der Freischütz", 1826
Národní galerie v Praze / Galería Nacional
(Praga, República Checa / Czech Republic). Wikimedia Commons

On October 31 is the birthday of

Antonín Machek, Czech painter in the Classical and Biedermeier styles born in 1775 in Podlažice. He was best known for his portraits.
He was born into a family of tenant farmers. His father also worked as a tailor and, during the summers, was engaged as a musician at the nearby residence of Bishop Jan Leopold Hay, but died in 1785, when Antonín was ten.

"Retrato de una dama con un pañuelo / A Portrait of a Lady With a Scarf"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91 x 68 cm., c.1830. The Saleroom

His mother was too ill to care for him, so the local canon presented him to Bishop Hay, who took him in and apprenticed him to the court painter Wenzel Zitta (?-?), who was his instructor for two years. He travelled with the Bishop to Prague in 1790 and 1792 for the coronations of Leopold II and Francis I as the Kings of Bohemia. After the second visit, he remained there to study with Zitta's teacher, Wenzel Bluma (?-1794). The Bishop died shortly after Bluma, so he became a journeyman attached to the fresco painter and decorator Antonín Tuvora (1747-1807) and spent his evenings studying drawing with Ludvík Kohl. In 1796, he won an award at a contest sponsored by the "Society of Patriotic Friends of the Arts". After that, the new Bishop, Maria Thaddäus von Trautmannsdorff, entrusted him with decorating the chapel of the castle in Chrast.

"Retrato de Barbara Smetanova, de nacimiento Lynková, madre de Bedřich Smetana /
Portrait of Barbara Smetanova, nee Lynková, mother of Bedřich Smetana", 1832

When his mother died in 1798, he sold the family home, moved to Vienna and enrolled at the Academy of Fine Arts. He ran out of money in 1801 and returned to Bohemia, settling in Hradec Králové and working as a portrait painter. A year later, he decided to be an itinerant artist, travelling through northern Austria and setting up portrait shops in Linz and Steyr. In 1813, he came to a stop in Prague, where he got married and became involved in Czech patriotic circles. He also maintained connections with the Academy of Fine Arts there, especially with Professors František Tkadlík and Joseph Bergler, who taught him lithography and other graphic techniques. In 1835, he was one of those who formally protested the overwhelmingly German content of courses at the Academy and the alleged incompetence of its Director. In all, he created over 300 portraits, many of which were made into lithographs by his student, František Šír (1804-1864).
He died in 1844

"Anna Kolářová"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 77,5 x 60,2 cm.
Národní muzeum - České muzeum hudby / Museo Nacional - Museo Checo de la Música
(Praga, República Checa / Czech Republic). Europeana

Aniversarios (CCLV) [Noviembre / November 1-4]

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El 1 de Noviembre es el cumple de

Jules Bastien-Lepage, pintor francés nacido en 1848 en el pueblo de Damvillers, Mosa, asociado estrechamente con el comienzo del naturalismo, un estilo artístico que surgió de la fase posterior del movimiento realista.
El primer maestro de Jules Bastien-Lepage fue su padre, que era artista. Su primera instrucción formal fue en Verdún. Impulsado por su amor por el arte se marchó a París en 1867, donde fue admitido en la École des Beaux-arts, trabajando bajo la dirección de Cabanel. Se le otorgó el primer lugar por sus dibujos, pero pasó la mayor parte del tiempo trabajando solo, apareciendo solo ocasionalmente en clase. Aún así completó tres años en la École.
Durante la guerra franco-prusiana, en 1870, luchó y resultó herido. Después de la guerra regresó a casa para pintar a los aldeanos y recuperarse de su herida. En 1873 pintó a su abuelo en el jardín, una obra que traería al artista su primer éxito en el Salón de París.

"La Communiante / La Primera Comunión / First Communion"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 53 x 37,7 cm., 1875. 
Musée des Beaux-Arts (Tournai, Bélgica / Belgium). Wikimedia Commons

Su éxito inicial fue confirmado en 1875 por "La Primera Comunión", una imagen de una niña minuciosamente elaborada, de tal manera que fue comparado con Hans Holbein, y un "Retrato de M. Hayern". Al salón de 1877 envió el retrato de cuerpo entero Lady L. y "Mis padres", y en 1878 un "Retrato de M. Theuriet" y "El heno" (Les Foins). Este últime cuadro, actualmente en el Musée d'Orsay, fue ampliamente elogiado por la crítica y el público. Aseguró su estatus como uno de los primeros pintores en la escuela naturalista.
Su Retrato de La Srta. Sarah Bernhardt (1879), pintado en clave de luz, le hizo ganarse la cruz de la Legión de Honor. En 1879 le encargaron pintar el príncipe de Gales.
Entre 1880 y 1883 viajó a Italia. El artista, durante mucho tiempo enfermo, había intentado en vano restablecer su salud en Argel.
Murió en París en 1884, cuando planeaba una nueva serie de temas rurales.

"Retrato de / Portrait of Sarah Bernhardt", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 109,73 x 82,04 cm., 1879.
Colección Privada / Private Collection. Wikimedia Commons

Sarah Berhardt en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (CLXVII)], [Asonancias (XIV)]

"Les Foins / El heno / Haymaking"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 160 x 195 cm., 1877. GAP

On November 1 is the birthday of

Jules Bastien-Lepage, French painter born in 1848 in the village of Damvillers, Meuse, closely associated with the beginning of naturalism, an artistic style that emerged from the later phase of the Realist movement.
Jules Bastien-Lepage's first teacher was his father, himself an artist. His first formal training was at Verdun. Prompted by a love of art, he went to Paris in 1867, where he was admitted to the École des Beaux-arts, working under Cabanel. He was awarded first place for drawing, but spent most of his time working alone, only occasionally appearing in class. Nevertheless, he completed three years at the école.

"Pauvre Fauvette", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 162,5 x 125,7 cm., 1881
Kelvingrove Art Gallery and Museum (Glasgow, Escocia / Scotland). Wikimedia Commons

During the Franco-Prussian war in 1870, Bastien fought and was wounded. After the war, he returned home to paint the villagers and recover from his wound. In 1873 he painted his grandfather in the garden, a work that would bring the artist his first success at the Paris Salon.
His initial success was confirmed in 1875 by the First Communion, a picture of a little girl minutely worked up in manner that was compared to Hans Holbein, and a Portrait of M. Hayern. To the Salon of 1877 he sent a full-length Portrait of Lady L. and My Parents; and in 1878 a Portrait of M. Theuriet and Haymaking (Les Foins). The last picture, now in the Musée d'Orsay, was widely praised by critics and the public alike. It secured his status as one of the first painters in the Naturalist school.
His Portrait of Mlle Sarah Bernhardt (1879), painted in a light key, won him the cross of the Legion of Honour. In 1879 he was commissioned to paint the Prince of Wales.
Between 1880 and 1883 he traveled in Italy. The artist, long ailing, had tried in vain to re-establish his health in Algiers.
He died in Paris in 1884, when planning a new series of rural subjects.

"Diógenes", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1873
Musée Marmottan Monet (París, Francia / France). Wikimedia Commons


El 2 de Noviembre es el cumple de

Johan Krouthén, artista sueco nacido en 1858 en Linköping.
Cuando tenía 14 años dejó el colegio y comenzó su aprendizaje con Svante Leonard Rydholm, fotógrafo y artista, con quien aprendió las habilidades básicas tanto de la pintura como de la fotografía. En 1875, a los 16 años, ingresó en la Real Academia de las Artes de Suecia en Estocolmo, donde estudió dibujo, pintura de retratos y paisajismo. Además de su educación en la Academia, también recibió clases del artista sueco Edvard Perseus, quien criticó a la Academia y animó a sus estudiantes a pintar de la naturaleza.

"Motiv från halländska nordkusten / Escena de la costa norte de Halland / Scene from Halland North Coast"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 72,5 x 104 cm., 1912. Wikimedia Commons

Krouthén conoció a Oscar Björck y Anders Zorn, que también estudiaron en la Academia de Arte. En el otoño de 1881, cuando el presidente de la Academia, Georg von Rosen, advirtió a Zorn que no estaba siguiendo el plan de estudios prescrito de la academia, éste respondió rápidamente que se iría. Krouthén, que llegó a la oficina del presidente en ese momento, también dijo que se iba.
En 1881 Krouthén pasó un breve período en París, un destino popular para los artistas suecos en la década de 1880, pero pronto regresó a Suecia, donde pintó en Scania y en Bohuslän con sus paisajes rocosos. Su pintura de un paisaje desolado con un niño descalzo en un camino de tierra se exhibió en Estocolmo en 1883, lo que despertó una considerable atención como resultado de su aspecto realista y sin adornos.

"Sommarlandskap med betande kor / Paisaje de verano con vacas pastando /
Summer Landscape With Grazing Cows", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1901. Wikimedia Commons

En el verano de 1883 se unió a Oscar Björck en Skagen, al norte de Jutlandia, donde había una pequeña colonia de artistas de Dinamarca, Noruega y Suecia. Permaneció allí desde mayo hasta al menos octubre. Después de Skagen, Krouthén regresó a Linköping y continuó pintando paisajes.
Durante la década de 1880 comenzó a pintar retratos e interiores. Al igual que en sus pinturas de jardín, sus interiores a menudo incluyen figuras completamente pasivas.
La carrera posterior de Krouthén, con pinturas de casas de madera rojas y árboles en flor, no fue interesante desde un punto de vista artístico. En 1909 se mudó a Estocolmo con su familia, adquiriendo un estudio en Valhallavägen. Expuso bastante a menudo en Estocolmo, y su clientela principal sigue siendo del área de Linköping. No le interesaba especialmente el arte contemporáneo.
Murió en 1932.

"Solbelyst skogsstig / Sendero forestal soleado / Sunlit Forest Path"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 144 x 100 cm., 1909. Stockholm Auktionsverk

On November 2 is the birthday of

Johan Krouthén, Swedish artist born in 1858 in Linköping.
When he was 14, Krouthén left school and started an apprenticeship with Svante Leonard Rydholm, a photographer and artist, where he learnt the basic skills of both painting and photography. In 1875, at the age 16, he joined the Royal Swedish Academy of Arts in Stockholm where he studied drawing, portrait painting and landscaping. In addition to his education at the Academy, he was also taught by Swedish artist Edvard Perseus who was critical of the Academy and encouraged his students to paint from nature.

"I salongen / En el salón / In the Lounge - Minna & Carl-Fredrik von Malmborg"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 45 x 60 cm., 1887. Stockholm Auktionsverk

Krouthén became acquainted with Oscar Björck and Anders Zorn who also studied at the Art Academy. In the autumn of 1881, when the Academy president, Georg von Rosen, warned Zorn that he was not following the academy's prescribed curriculum, he promptly replied that he would leave. Krouthén, who happened to come into the president's office at the time, also said he would leave.
In 1881, Krouthén spent a short period in Paris, a popular destination for Swedish artists in the 1880s, but he soon returned to Sweden where he painted in Scania and in Bohuslän with its rocky landscapes. His painting of a desolate landscape with a barefoot boy on a dirt track was exhibited in Stockholm in 1883, arousing considerable attention as a result of its realistic, unembellished look.

"Marstrand - Tåudden i kvällssol med seglare vid horisonten /
en sol de la tarde con veleros en el horizonte / in Evening Sun With Sailboats on the Horizon"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90 x 116 cm., 1905. Stockholm Auktionsverk

In the summer of 1883, he joined Oscar Björck at Skagen in the north of Jutland, where there was a small colony of artists from Denmark, Norway and Sweden. He stayed there from May until at least October. After Skagen, Krouthén returned to Linköping and continued to paint landscapes.
During the 1880s he began painting portraits and interiors. Just as in his garden paintings, his interiors often include completely passive figures.
Krouthén's later career, with paintings of red wooden cottages and flowering trees, was rather uninteresting from an artistic point of view. In 1909 he moved to Stockholm with his family, acquiring a studio at Valhallavägen. He exhibited quite often in Stockholm, his main clientele continuing to be from the Linköping area. He was not particularly interested in contemporary art.
He died in 1932.

"Gårdsplan med blommande körsbärsträd / Jardín de una granja con cerezos en flor /
Farmyard With Flowering Cherry Trees", 50 x 75 cm., 1915. Stockholm Auktionsverk


El 3 de Noviembre es el cumple de

Loïs Mailou Jones, influyente artista y profesora estadounidense, con una carrera que abarcó siete décadas, nacida en 1905 en Boston, Massachusetts.
Jones fue una de las figuras más notables en alcanzar notoriedad por su arte mientras vivía como una negra expatriada en París durante las décadas de 1930 y 1940. Su carrera comenzó en el diseño textil antes de que decidiera centrarse en las bellas artes. Jones miró hacia África y el Caribe y sus experiencias en la vida al pintar. Como resultado, sus temas fueron algunas de las primeras pinturas de un artista afroamericano que se extendieron más allá del ámbito del retrato.
Su estilo cambió y evolucionó varias veces en respuesta a las influencias en su vida, especialmente sus extensos viajes. Trabajó con diferentes medios, técnicas e influencias a lo largo de su larga carrera.

"Dos peinados africanos / Two African Hairstyles"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 36" x 36", 1982.
University of California (San Diego, California, EE.UU./ CA, USA). Team One's Virtual Art Exhibition

Jones fue influenciada por el movimiento del Renacimiento de Harlem y sus innumerables viajes internacionales. La carrera de Lois Mailou Jones fue duradera y compleja. Su trabajo en diseños, pinturas, ilustraciones y el mundo académico la convirtió en una artista excepcional que continúa recibiendo atención y siendo investigada a nivel nacional.
Ella sentía que su mayor contribución al mundo del arte era "la prueba del talento de los artistas negros". Deseaba ser conocida como una pintora estadounidense sin etiquetas. Su trabajo se hace eco de su orgullo por sus raíces africanas y su ascendencia estadounidense.
Murió en 1998.

"Chica Ubi de la región Tai / Ubi Girl from Tai Region"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 111,1 x 152,4 cm., 1972
Museum of Fine Arts (Boston, Massachusetts, EE.UU./ MA, USA)

"Dos mujeres / Two Women"
Óleo sobre lino-lienzo / oil on linen canvas, 40,5 x 53 cm., c.1950. MutualArt

On November 3 is the birthday of

Loïs Mailou Jones, influential American artist and teacher, during her seven-decade career, born in 1905 in Boston, Massachusetts.
Jones was one of the most notable figures to attain notoriety for her art while living as a black expatriate in Paris during the 1930s and 1940s. Her career began in textile design before she decided to focus on fine arts. Jones looked towards Africa and the Caribbean and her experiences in life when painting. As a result, her subjects were some of the first paintings by an African-American artist to extend beyond the realm of portraiture.
Her style shifted and evolved multiple times in response to influences in her life, especially her extensive travels. She worked with different mediums, techniques, and influences throughout her long career.

"Entrada principal / Main Entrance"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65.4 x 74.3 cm., 1946.
Museum of Fine Arts (Boston, Massachusetts, EE.UU./ MA, USA)

Jones was influenced by the Harlem Renaissance movement and her countless international trips. Lois Mailou Jones' career was enduring and complex. Her work in designs, paintings, illustrations, and academia made her an exceptional artist that continues to receive national attention and research.
She felt that her greatest contribution to the art world was "proof of the talent of black artists". She wished to be known as an American painter with no labels. Her work echoes her pride in her African roots and American ancestry.
She died in 1998.

"Jeanne, de Martinica / Martiniquaise", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 61 x 72.4 cm., 1938.
Museum of Fine Arts (Boston, Massachusetts, EE.UU./ MA, USA)


Hoy, 4 de Noviembre, es el cumple de

Julius Hüther, pintor, dibujante y artista gráfico alemán, nacido en 1881 en Canstatt.
Hüther se unió a la Academia de Munich en 1900 y estudió allí con Gabriel von Hackl y Ludwig von Löfftz. A partir de 1905 fue miembro del gremio de artistas "Die Juryfreien" y más tarde de la Secesión de Munich. En 1925 aceptó una cátedra en la Academia de Múnich.

"Selbstbildnis vor Oktoberfest / Autorretrato antes de la Oktoberfest /
Self Portrait Before Oktoberfest", óleo sobre cartón / oil on cardboard, 50,5 x 65,8 cm., 1932. Ketter

"Sonnenblumen / Girasoles / Sunflowers"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 110 x 70 cm., 1937. Blouin Art

Estilísticamente, las primeras obras de Hüther son parte del entorno de los expresionistas alemanes en su intento de crear imágenes visionarias e imaginativas. Aunque no pertenecía al círculo de Die Brücke / El Puente ni Der Blaue Reiter / El jinete azul, pero formalmente y en términos de contenido estaba cerca de estos artistas. Desnudos al aire libre, temas religiosos, caballos y retratos fueron el foco de su trabajo.
Murió en 1954.

"Mädchen mit Lilie / Chica con lirio / Girl With Lillie"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 69 x 48 cm., 1926. Invaluable

"Benediktbeuern", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90 x 120 cm., 1939. Invaluable

Today, November 4, is the birthday of

Julius Hüther, German painter, draftsman and graphic artist, born in 1881 in Canstatt.
Hüther joined the Munich Academy in 1900 and studied there with Gabriel von Hackl and Ludwig von Löfftz. From 1905 he was a member of the artists' guild "Die Juryfreien" and later the Munich Secession. In 1925 he accepted a professorship at the Munich Academy.

"Nubierin / Nubia / Nubian Woman"
Acuarela sobre papel / watercolor on paper, 58,8 x 38,5 cm. Invaluable

"Susanna im Bade / Susana en el baño / Suzanne Bathing"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 99 x 78 cm., 1932. Blouin Art

Stylistically, Hüther's early works are part of the environment of the German Expressionists in their attempt to create visionary and imaginative imagery. Although he did not belong to the circle of Die Brücke / The Bridge and Der Blaue Reiter / The Blue Rider, but formally and in terms of content he was close to these artists. Outdoors nudes, religious subjects, horses, and portraits were the focus of his work.
He died in 1954.

"Faschingsfest in München / Fiesta de carnaval en Munich / Carnival Party in Munich"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 66 xx 85,5 cm., 1927. Blouin Art

Allen Williams (II) [Dibujo, Arte de concepto / Drawing, Concept Art]

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Este es el segundo post (el primero aquí) que dedico a la obra de Allen Williams. Aunque también pinta, es un genial artista del grafito, que crea dibujos a lápiz e imaginativos trabajos de concepto para la industria del cine. Con un gusto especial por lo oscuro y lo sobrenatural, sus creaciones rezuman una inquietante belleza.

This is the second post - the first one here - that I dedicate to the work of Allen Williams. Although he also paints, he is a great graphite artist, who creates pencil drawings and imaginative concept works for the film industry. With a special taste for the dark and the otherworldly, his creations exude a disturbing beauty.
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Allen Williams

El artista trabajando / the artist at work

Allen Williams es un artista estadounidense nacido en 1965 en Tennessee.
Desde una edad muy temprana el lápiz y el papel han sido un escape y un refugio para Allen. Conocido a nivel nacional e internacional desde hace más de 28 años, ha aplicado su talento a todo, desde ilustración para compañías de juegos y portadas de libros, hasta el trabajo de concepto para grandes películas y televisión. Su visión para tales proyectos abarca desde ilustración hasta el concepto y diseños de personajes y criaturas.
Más imágenes, información y comentarios del artista en el post anterior.

"Esfinge / Sphynx", grafito sobre papel / graphite on paper, 2014 © Allen Williams

"Imperfección Nº 5 / Imperfection #5", grafito en polvo y lápiz sobre panel Ampersand /
powdered graphite and pencil on Ampersand claybord© Allen Williams

"El buen perro / The Good Dog", grafito / graphite, 2014

El buen perro
Los tres se pararon cerca. Los restos de los humanos los envolvían colgados de sus apéndices, como cintas que decoran un árbol. Se deleitaron con su destrucción, de aquello se llevaron la gloria.
Esparcieron su sangre y despojos a su alrededor como una unción sagrada. Esto fue lo más cercano que sintieron a la gratificación ... la ruptura de la carne humana fue orgásmica para ellos. Cuando ya no quedaba nada para desgarrar, comer o usar, se volvieron a buscar otra víctima y así fue como pasaron cada hora del día y la noche ... consumiendo a la humanidad.
Mientras se giraban, buscando, posaron sus órganos similares a ojos "viendo" algo diferente, algo nuevo.
En la distancia, en el capó de un automóvil abandonado, había un gran perro blanco. Estaba perfectamente quieto.
Esto fue sorprendente para ellos. Desde su ascenso los animales de la tierra habían sido invisibles.
Todos habían desaparecido el mismo día en que los demonios se habían manifestado completamente.
Los tres se movieron al unísono hacia el perro, que parecía estar hecho de piedra. Al instante, había docenas y docenas de perros parados en los capós y techos de todos los autos. Pero no solo los perros. Gatos, lobos, coyotes, pumas, leones, tigres e incluso osos estaban en todas partes, hasta donde alcanzaba la vista.
Los tres se detuvieron sin comprender, sin saber lo suficiente como para tener miedo. Habían subyugado al hombre, a su clase. Nada podía oponerse a ellos ... se sabía.
Se escuchó un gruñido sordo cuando todos los animales abrieron la boca al mismo tiempo.
Aparentemente de todas las grietas, de todos los rincones y sombras, llegaron las ratas.
Los demonios comenzaron a bramar y aullar mientras las ratas rodaban como una ola sobre los tres y comenzaron a morder, arrancar, desgarrar y consumir.
Las ratas, las criaturas que habían traído plaga tras plaga sobre el hombre, no para destruirlo sino para prepararlo para esta última plaga final. Sus ojos estaban inyectados de sangre y febriles, y sus cuerpos pequeños, tremendamente calientes mientras consumían a los tres, sin preocuparse por los gritos y chillidos. En un momento estaban acabados. No quedaba nada y las ratas se habían ido tan rápido como habían aparecido.
Todos se habían ido, a excepción del perro, que estaba observando el campo de esta primera batalla. La primera batalla ... pero habría muchas, muchas más.
Resopló una vez en aprobación y se sentó por un momento. Miró a su alrededor de esa manera esperanzada en la que lo hacen los perros, para que alguien juegue con ellos, moviendo ligeramente la cola. Un corto y suave ladrido escapó de sus labios y se puso de pie. Nadie con quien jugar, todavía no, pero sería paciente. Era, después de todo, un perro muy bueno.

The good dog.
The three stood close. The humans’ remains draped between them strung about their appendages like ribbons decorating a tree. They reveled in his destruction, took glory from it.
They spread his blood and offal about them like a sacred anointing. This was the closest thing they felt to gratification...the rending of human flesh was orgasmic to them. When there was nothing left to tear, eat or wear they turned to look for another victim and this was how they spent every hour of the day and night...consuming mankind.
As they turned, seeking, they paused their eye-like organs "seeing" something different, something new.
In the distance, on the hood of an abandoned car, stood a great white dog. It was perfectly still.
This was surprising to them. Since their ascendance the animals of earth had been unseen.
They had all disappeared on the very day the demons had fully manifested.
The three moved in unison towards the dog, which stood as if made of stone. Instantly, there were dozens upon dozens of dogs standing on the hoods and roofs of all the cars. But not just dogs. Cats, Wolves, Coyotes, cougars, Lions, Tigers, even Bears were everywhere, as far as the eye could see.
The three paused not understanding, not knowing enough to be afraid. They had subjugated man, their kind. Nothing could stand against them...it was known.
A low growling sound began to build as all the animals at once opened their mouths.
Seemingly from every crack, from every corner and shadow, the rats came.
The demons began to bellow and howl as the rats rolled like a wave upon the three and began to bite and tear and rend and consume.
The rats, the creatures that had brought plague after plague upon man, not to destroy him but to prepare him for this last final real plague. Their eyes were bloodshot and feverish and their small bodies wickedly hot as they consumed the three, uncaring of the screams and shrieks. In but a moment they were done. There was nothing left and the rats were gone as quickly as they had appeared.
They were all gone, except for the dog, who stood surveying the field of this first battle. The first battle ...but there would be many, many more.
He chuffed once in approval and sat for a moment. He looked around in that hopeful way that dogs do, for someone to play with, his tail wagging slightly. A short gentle bark escaped his lips and he stood. No one to play with, not yet, but he would be patient. He was, after all, a very good dog.

"Mae el Siniestro / Mae the Grim", grafito sobre papel / graphite on paper, 9" x 12", 2016

"Serpentina / Serpantine", grafito sobre papel Stillman & Birn Zeta Series /
graphite on Stillman & Birn Zeta Series paper, 2014 © Allen Williams

"Maelstrom", 8" x 10", grafito en polvo, lápiz y óleo sobre panel Ampersand /
powdered graphite, pencil and oil on Ampersand claybord© Allen Williams

"Kaw", lápiz sobre papel / pencil on paper, 2013 © Allen Williams

"Bruja de las aguas / Water Witch", lápiz sobre papel Stonehenge /
 pencil on Stonehenge Cream Journal Paper, 3/2016 © Allen Williams

"El caminante, el Observador, el Portador de la Luz / The Walker, the Watcher, the Bringer of Light" Grafito sobre papel Stonehenge / graphite on Stonehenge Cream Journal paper© Allen Williams

Allen Williams is an American artist born in 1965 in Tennessee.
From a young age a pencil and paper with an escape and a refuge for Allen. Now nationally and internationally known, for over 28 years Allen has applied his talents to everything from illustration for gaming companies and book covers, to concept work for major motion pictures and television. His vision for such projects ranges from illustration to concept work and creature and character designs. 
More images, information and artist's comments in previous post.

"Floración nocturna / Nightbloom", polvo de grafito y lápiz sobre panel Ampersand /
powder graphite and pencil on Ampersand claybord, 10" x 8"© Allen Williams

"Espina / Thorn", lápiz sobre papel Stonehenge /
pencil on Stonehenge Cream Journal paper, 9,5" x 13"© Allen Williams

"Hiraeth", grafito en polvo y lápiz sobre panel Ampersand /
powdered graphite and pencil on Ampersand claybord, 11" x 14", 12/2017 © Allen Williams

Soy el guardián del Ser
Soy el Pastor en ese Reino entre lo que eras
y lo que puedes llegar a ser
En ese momento de cambio cuando algo se pierde
y algo se gana
es mi guadaña la que hace seguro tu camino.

Allen, "El libro de los pactos"

I am the guardian of Being
I am the Shepard in the Realm between what you were
and what you may become
In that moment of change when something is lost
and something is gained
it is my scythe that makes your way safe.

Allen, The Book of Covenants

"El nacimiento de la muerte / The Birth of Death", grafito en polvo sobre panel Ampersand /
powdered graphite and pencil on Ampersand claybord, 12" x 16"© Allen Williams

"Estudio de la guerra / War Study", grafito en polvo sobre panel Ampersand /
powdered graphite and pencil on Ampersand claybord, 8" x 10"© Allen Williams

"La caída de la noche / The Fall of Night", grafito sobre papel / graphite on paper© Allen Williams

"Hermanita / Little Sister", grafito sobre papel Stonehenge /
graphite on Stonehenge Cream Journal drawing paper© Allen Williams

"Guerra montada / Mounted War", grafito en polvo, lápiz y óleo sobre panel /
powdered graphite, pencil and oil on cradle board, 20" x 16"© Allen Williams

"Oráculo / Oracle"


Allen Williams en "El Hurgador" / in this blog[Allen Williams (Dibujo, Arte de concepto)]

Más sobre / More about Allen Williams: WebsiteBlogInstagramfacebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Allen!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Allen!)

Recolección / Compilation (CXVI-1) - Escultura coreana / Korean Sculpture

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Song Min-ho (송민호) vive en Paju, Corea del sur, y publica periódicamente en su cuenta de Google+ sus propias fotografías. Uno de sus temas frecuentes son las esculturas, generalmente en espacios públicos. Gracias a su gentileza, publico algunas selecciones temáticas sobre escultura coreana, tomando como base sus imágenes y añadiendo otras. No siempre es fácil encontrar información para contextualizar los trabajos (el coreano no es mi fuerte), así que cualquier comentario, corrección o datos sobre las obras y los artistas será bienvenida.

Song Min-ho (송민호) lives in Paju, South Korea, and periodically publishes in his Google+ account his own photographs. One of his frequent themes are the sculptures, usually in public spaces. Thanks to his kindness, I publish some thematic selections on Korean Sculpture, with his pictures as a basis and adding some others. It is not always easy to find information to contextualize the works (Korean is not my forte), so any comments, corrections or any data about artworks and artists will be welcome.
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Lee Yong Baek
이용백
(Corea del Sur / South Korea, 1966-)

"111 años después de Rodin / 111 years after Rodin", 2015
현대백화점 판교점 / Hyundai Department Store Pangyo Branch
Foto / Photo: Song Min-ho (송민호 )

Foto / Photo: b4sunday
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Kim Seon Gu
김선구
(Corea del Sur / South Korea, 1959-)

"Un pionero / A Pioneer". Foto / Photo: Song Min-ho (송민호 )
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Kim Kyung Min
김경민
(Corea del Sur / South Korea, 1972-)

"Ve a trabajar / Go to Work"
Foto / Photo: Song Min-ho (송민호 )
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Seo Oh Jae
서옥재

"Hipopótamo soñando / Hippopotamus Dreaming"
성남아트센터 / Seongnam Arts Center (Corea del Sur / South Korea)
Foto / Photo: Song Min-ho (송민호 )

"고양이 / Gato / Cat". Foto / Photo: Song Min-ho (송민호 )

"고양이 / Gato / Cat". Foto / Photo: Song Min-ho (송민호 )

"북극성 / Estrella polar / Polar Star". Link
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Baek Seung Eob
백승헌
(Corea del Sur / South Korea)

"Mi caja interior / My Inner Box"
Foto / Photo: Song Min-ho (송민호 )
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Gu Bon Ju
구본주
(Pocheon, Provincia de Gyeonggi, Corea del Sur /
Gyeonggi Province, South Korea, 1967 - 2003)

"Sr. Lee / Mr. Lee"
Foto / Photo: Song Min-ho (송민호 )

"El vacío del asistente del gerente Bae / Assistant Manager Bae's Blank"
Madera, hierro, bronce / wood, iron, bronze, 200 x 100 x 200 cm., 1993
Foto / Photo: Song Min-ho (송민호 )

"생존의 그늘 / La penumbra de la existencia / The Gloom of Existence"
Bronce / bronze, 170 x 100 x 200 cm., 1997

"생존의 그늘 / La penumbra de la existencia / The Gloom of Existence"
Bronce / bronze, 170 x 100 x 200 cm., 1997. Foto / Photo: ©구본주 Arario Museum
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Jo Jung Rea
조정래
(Corea del Sur / South Korea)

"천마도 / Caballo celestial / Heavenly Horse"
Acero inoxidable / stainless steel, 230 × 300 × 130 cm., 2017
Foto / Photo: Song Min-ho (송민호 )

Cheonmachong, anteriormente Tumba N ° 155, es un túmulo ubicado en Gyeongju, Corea del Sur. El nombre "Cheonmachong" significa tumba del caballo celestial. Esta tumba fue construida en el estilo de Silla, fue excavada en 1973 y se cree que data probablemente del siglo V o VI CE. La tumba era la de un rey desconocido del Reino de Silla.
El nombre de la tumba se deriva de una famosa pintura de un caballo blanco que se representa en una faldilla de silla de montar de corteza de abedul, también conocida como "guardabarros". El caballo, un Cheonma (caballo volador coreano), tiene ocho patas y está representado con alas en sus patas. Esta pintura es un ejemplo raro de una pintura de Silla e indica una fuerte influencia del Reino de Goguryeo coreano. El entierro de trampas para caballos y el sacrificio de un caballo junto con el rey muestra la importancia de la cultura del caballo en la sociedad de Silla e indica el papel central del rey en el chamanismo practicado por el pueblo. El otro lado de las aletas de la silla de montar representa a jinetes y el fénix.


Cheonmachong, formerly Tomb No.155, is a tumulus located in Gyeongju, South Korea. The name "Cheonmachong" means Sky horse tomb. This tomb was built in the style of Silla. The tomb was excavated in 1973 and is believed to date probably from the fifth century but perhaps from the sixth century CE. The tomb was for an unknown king of the Silla Kingdom.
The name of the tomb derives from a famous painting of a white horse which is depicted on a birch bark saddle flap, also referred to as a mud-guard. The horse, a Cheonma (Korean Flying horse), has eight legs and is depicted with wings on its feet. This painting is a rare example of extant Silla painting and indicates a strong influence by the Korean Goguryeo Kingdom. The burial of horse trappings and the sacrifice of a horse with the king shows the importance of horse culture in Silla society and indicates the central role of the king in shamanism practiced by the people. The other side of the saddle flaps depict horsemen and the phoenix.

"천마도 / Caballo celestial / Heavenly Horse". Foto / Photo: Link

"조정래 부심 / Árbitro asistente / Assistant Referee", 2013. Link

"조정래 부심 / Árbitro asistente / Assistant Referee" (detalle / detail)

"조정래 부심 / Árbitro asistente / Assistant Referee" (vista trasera / back view)
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An Chi Hong
신동진
(Corea del Sur / South Korea)

"Forma / Form", 2017. Foto / Photo: Song Min-ho (송민호 )
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Park Min Sub
박민섭
(Corea del Sur / South Korea)
en / at Paju

"Aguantando / Holding Out"
Madera vieja, acero / old lumber, steel, 330 x 150 x 125 cm., 2014
Foto / Photo: Song Min-ho (송민호 )

 "Aguantando / Holding Out"
Madera vieja (columna de pino de una casa de estilo coreano derrumbada), hierro /
old lumber (column, pine tree from traditional Korean-style house be crashe), iron
340 × 150 × 140 cm., 2013. Link
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Yi Hwan Kwon
이환권
(Seúl, Corea del Sur / Seoul, South Korea, 1974-)

"Vacación / Vacation"
Foto / Photo: Song Min-ho (송민호 )

"Trinidad / Trinity", plástico, cuero, acero / plastic, leather, steel, 233 x 240 x 80 cm., 2009

"Trinidad / Trinity", plástico, cuero, acero / plastic, leather, steel, 233 x 240 x 80 cm., 2009
http://ganaart.com/artists/yi-hwan-kwon/

"Tres hermanos / Three Siblings"
Resina acrílica pintada a mano / hand-painted acrylic resin, 2015. Link

"Tres hermanos (Hermana mayor) / Three Siblings (Elder Sister)"
Resina acrílica pintada a mano / hand-painted acrylic resin, 2015. Huffpost

"Tres hermanos (Hermano menor) / Three Siblings (Younger Brother)"
Resina acrílica pintada a mano / hand-painted acrylic resin, 2015. Huffpost

Recolección / Compilation (CXVI-2) - Escultura coreana / Korean Sculpture

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Song Min-ho (송민호) vive en Paju, Corea del sur, y publica periódicamente en su cuenta de Google+ sus propias fotografías. Uno de sus temas frecuentes son las esculturas, generalmente en espacios públicos. Gracias a su gentileza, publico algunas selecciones temáticas sobre escultura coreana, tomando como base sus imágenes y añadiendo otras. No siempre es fácil encontrar información para contextualizar los trabajos (el coreano no es mi fuerte), así que cualquier comentario, corrección o datos sobre las obras y los artistas será bienvenida.

Song Min-ho (송민호) lives in Paju, South Korea, and periodically publishes in his Google+ account his own photographs. One of his frequent themes are the sculptures, usually in public spaces. Thanks to his kindness, I publish some thematic selections on Korean Sculpture, with his pictures as a basis and adding some others. It is not always easy to find information to contextualize the works (Korean is not my forte), so any comments, corrections or any data about artworks and artists will be welcome.
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Choi Tae Hoon
최태훈
(Corea del Sur / South Korea)

"Caja de los deseos / Wish Box", acero inoxidable / stainless steel, altura / high: 600 cm., 2014
일산풍산역 / Estación Pungsan / Pungsan Station
 Foto / Photo: Song Min-ho (송민호)

Instalación de la obra / Installation of the workLink

"시간의 흔적 / Tiempo de seguimiento / Time of Tracking"
Acero inoxidable / stainless steel, 270 × 700 × 300 cm., 2012. Link
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Park Min Kwang
박민광
(Corea del Sur / South Korea)

"Mundo brillante / Bright World". Foto / Photo: Song Min-ho (송민호)
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Kim Jun Man
김준만
(Corea del Sur / South Korea)

"Jaguar negro / Black Jaguar". Foto / Photo: Song Min-ho (송민호)

"Encuéntrame / Find Me", 50 x 50 x 240 cm., 2016. Foto / Photo: Song Min-ho (송민호)
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Lee Il Ho
이일호
(Corea del Sur / South Korea, 1946-)

"Meditación / Meditation", 2003. Foto / Photo: Song Min-ho (송민호)

"La mujer soñadora / The Dreaming Woman". Foto / Photo: Song Min-ho (송민호)

"Pájaro y mujer / Bird and Woman". Foto / Photo: Song Min-ho (송민호)

"Salto / Leap", 2003. Foto / Photo: Song Min-ho (송민호)

"Utopía". Foto / Photo: Song Min-ho (송민호)
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Ryu In
류인
(Corea del Sur / South Korea, 1956 - 1999)

"입산 / Admisión / Admission". Foto / Photo: Song Min-ho (송민호)

"급행열차-시대의 변 / Tren expreso: el lado de los tiempos /
Express train - the side of the times", 118 × 1550 × 220 cm., 1991. Link

Un estudio de las formas en la obra de Ryu In, por Kim Jong-gil [김종길] (en coreano) /
A study of shapes in Ruy In's work by Kim Jong-gil [김종길] (Korean)
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Jun Jong Moo
전종무 
(Corea del Sur / South Korea, 1961-)

"Paraíso / Paradise". Foto / Photo: Song Min-ho (송민호)

"Amor / Love"
Bronce (fundición a la cera perdida) / bronze (lost-wax casting), 33 x 20 x 52 cm. Link

"Amor paternal 1 / Parental Love 1"
Bronce (fundición a la cera perdida) / bronze (lost-wax casting), 30 x 18 x 48 cm. Link
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Choi Eun Dong
최은동
(Corea del Sur / South Korea)

"먼길 / Un largo camino / A Long Way". Foto / Photo: Song Min-ho (송민호)

"Tacón alto / High-Heel". Foto / Photo: Song Min-ho (송민호)

"Tacón alto / High-Heel". Foto / PhotoOhMyNews
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Kim Young Won
김영원
(Seosan, Corea del Sur / South Korea, 1947-)

"Gente haciendo una reverencia / Bowing People". Foto / Photo: Song Min-ho (송민호)

"El camino / The Road". Foto / Photo: Song Min-ho (송민호)

Kim Young Won en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (LXXX-1)]
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Hong Se Woong
홍세웅
(Corea del Sur / South Korea)

"하루 설이 / Lista de deseos / Bucket List", 2015. Foto / Photo: Song Min-ho (송민호 )
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Sun Do Ho
서도호
(Seúl, Corea del Sur / Seoul, South Korea, 1962-)

"Karma", 721 x 721 x 710 cm. Instalada en / Installation: 2009
Kyobang Times Square (Seúl, Corea del Sur / Seoul, South Korea)
Foto / Photo: Song Min-ho (송민호 )

"Karma" (detalle / detail). Link
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Yi Chul He
이철희
(Seúl, Corea del Sur / Seoul, South Korea, 1960-)

"Christine". Foto / Photo: Song Min-ho (송민호 )

"Luz de la sabiduría / Light of Wisdom", tubo de acero / steel pipe, 300 x 300 x 400 cm., 2014

"Árbol en flor / Blooming Tree", tubo de acero / steel pipe, 1100 x 1100 x 1000 cm., 2015
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