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Channel: El Hurgador [Arte en la Red]
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Aniversarios (CCLXI) [Diciembre / December 5-9]

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Todos los aniversarios de Diciembre aquí / All anniversaries for December here.
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El 5 de Diciembre es el cumple de

Hans Guradze, escultor y artista gráfico alemán nacido en 1861 en Kotulin, Reino de Prusia.
Guradze estudió primero en la Academia de Dresde, luego de 1890 a 1892 en el instituto de enseñanza del Museo de Artes Aplicadas de Berlín-Charlottenburg con Otto Lessing. También fue alumno de Max Baumbach, Alexander Calandrelli y Alexander Tondeur en Berlín, donde continuó trabajando artísticamente.

"Gay Paris", bronce patinado sobre base de mármol /
bronze with patina on marble base, 31 x 41 cm. Blouin Art

En 1892 expuso en la Gran Exposición de Arte de Berlín, y en 1898 en el Palacio de Cristal de Múnich su estatua del emperador Wilhelm II como Ulan de Prusia.
Guradze se estableció hasta cerca de 1900 como especialista en pequeños bronces, que a menudo mostraban motivos equinos. Parte de su obra ha sido implementada por el artesano Gliesbeck Glazier, y también por la fundición Braunig y Langlotz.
Murió en 1922.

"El Herrero / The Blacksmith", bronce / bronze. Expertissim

On December 5 is the birthday of

Hans Guradze, German sculptor and graphic artist born in 1861 in Kotulin, Kingdom of Prussia.
Guradze first studied at the Dresden Academy, then from 1890 to 1892 at the teaching institute of the Museum of Applied Arts Berlin-Charlottenburg with Otto Lessing. He was also a student with Max Baumbach, Alexander Calandrelli and Alexander Tondeur in Berlin, where he continued to work artistically.

"Amazona a caballo / Amazon on Horseback", bronce con pátina amarronada sobre pedestal de mármol /
mid-brown patinated bronze on marble pedestal, 31,75 x 20,32 x 8,89 cm. Blouin Art

In 1892 he exhibited at the Great Berlin Art Exhibition and 1898 in the Munich Glass Palace his statue of Emperor Wilhelm II as Prussian Ulan.
Guradze established himself until about 1900 as a specialist for small bronzes, which often showed horse motifs. Some of his work has been implemented by the Gliesbeck Glazier artisanal, others by the foundry Braunig and Langlotz.
He died in 1922.

"Jockey till häst / Jinete a caballo / Jockey on Horseback", bronce / bronze, 48 x 53 cm. Bukowskis

Hans Guradze en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (CXIII)]


El 6 de Diciembre es el cumple de

Jaroslav Vacek, escultor figurativo, artista y medallista eslovaco nacido en 1923 en Veľké Kosihy, Checoslovaquia.
Su obra está orientada hacia la figura humana, estudiando sus volúmenes básicos y relaciones para expresar sentimientos abstractos. Con su obra Vacek se sitúa entre las principales figuras del modernismo artístico de la posguerra (junto con Miloslav Chlupáč, Karel Kronych y Miloš Zet).

"Novias / Girlfriends", bronce / bronze, altura / height: 14,5 cm. Link

Su primera muestra, en el que participó con otros artistas, fue la exposición "Artistas de la Nación" en Olomouc. Después del final de la Segunda Guerra Mundial, comenzó sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Praga bajo la dirección de los profesores Vincence Makovsky y Jan Lauda. En 1950 participó en otra exposición colectiva en la Casa de Bellas Artes de Praga.
Murió en 2012.

"Apoštol / Apóstol / Apostle"
Bronce / bronze, altura / height: 97 cm., 1993. Mutual Art

On December 6 is the birthday of

Jaroslav Vacek, Slovak figurative sculptor, artist and medalist born in 1923 in Veľké Kosihy, Czechoslovaquia.
His work is oriented towards the human figure, studying their basic volumes and relationships to express abstract feelings. With his work, Vacek ranks among the leading figures of post-war art modernism (together with Miloslav Chlupáč, Karel Kronych and Miloš Zeta).

"Amantes / Lovers", bronce / bronze, altura / height: 17 cm. Link

His first show, which he participated with other artists, was the exhibition "Artists of the Nation" in Olomouc. After the end of World War II, he began his studies at the Academy of Fine Arts in Prague under Prof. Vincence Makovsky and prof. Jan Lauda. In 1950 he participated in another collective exhibition at the House of Fine Arts in Prague.
He died in 2012.

"Pieta", bronce / bronze, 38,5 cm., 1983. Mutual Art


El 7 de Diciembre es el cumple de

Shinkichi Tajiri, escultor estadounidense nacido en 1923 en Los Ángeles, que residió en Holanda desde 1956 en adelante. También tuvo actividad en pintura, fotografía y cinematografía.
Japonés-estadounidense, Tajiri nació en Watts, un barrio de clase trabajadora de Los Ángeles. Fue el quinto de siete hijos de Ryukichi Tajiri y Fuyo Kikuta, emigrantes de primera generación (issei), que se mudaron de Japón a los Estados Unidos en 1906 y 1913.
En 1942 la familia de Tajiri fue evacuada al Centro de Reubicación de la Guerra Poston en Arizona. Fue soldado con el equipo de combate de regimiento 442, al igual que su hermano Vincent. Lucharon en Europa, a partir de 1943, y él fue herido en Italia. Regresó a Chicago para estudiar en el Instituto de Arte de 1946 a 1948.

"Wachter / Guardián / Watchman"
Nassauplein, La Haya, Holanda / Den Haag, Netherlands. Wikimedia Commons

En 1949 viajó a París para estudiar con Ossip Zadkine y luego con Fernand Léger. Conoció a Karel Appel y Corneille en París y expuso en la muestra COBRA de 1949 en el Stedelijk Museum, Amsterdam. En 1951 fue a Alemania y enseñó en la Werkkunstschule Wuppertal. En 1955 ganó una Palma de Oro en Cannes por su primer cortometraje, "The Vipers", debido a su uso experimental del lenguaje cinematográfico. Desde 1956 vivió en Holanda. Desde 1962 en Baarlo. Trabajó como escultor y pintor. Expuso en la famosa documenta Kassel II, 1959; III, 1964 y IV, 1968. Desde 1969 enseñó en la Hochschule für Bildende Künste en Berlín. Durante 1969 y 1970 fotografió todas las partes del Muro de Berlín. En 1970 fue a Dinamarca y dirigió el galardonado documental "Bodil Joensen - en sommerdag juli 1970" sobre Bodil Joensen. En 1975 y 1976 recrea el daguerrotipo: retratos surrealistas, desnudos y daguerrotipos del Muro.
Murió en 2009.

"De Knoop / El nudo / The Knot", 1976
Rotterdam, Holanda / Netherlands. Wikimedia Commons

On December 7 is the birthday of

Shinkichi Tajiri, American sculptor born in 1923 in Los Angeles, who resided in the Netherlands from 1956 onwards. He was also active in painting, photography and cinematography.
A Japanese American, Tajiri was born in Watts, a working-class neighborhood of Los Angeles. He was the fifth of seven children born to Ryukichi Tajiri and Fuyo Kikuta, first generation emigrants (issei), who moved from Japan to the United States in 1906 and 1913.
In 1942, Tajiri's family was evacuated to Poston War Relocation Center in Arizona. He was a soldier, with the 442nd Regimental Combat Team, like his brother Vincent. They fought in Europe, from 1943 on and he was wounded in Italy. Shinkichi went back to Chicago to study at the Art Institute from 1946 to 1948.

"Hecho en Estados Unidos / Made in USA", latón (aleación) / brass (alloy), 180 × 135 cm., 1964
Rijksmuseum (Ámsterdam, Holanda / Netherlands)

In 1949 he went to Paris to study with Ossip Zadkine and then Fernand Léger. He met Karel Appel and Corneille in Paris and shows at the 1949 COBRA exhibition at the Stedelijk Museum, Amsterdam. In 1951 he went to Germany and taught at the Werkkunstschule Wuppertal. In 1955 he won a Golden Palm at Cannes, for his first short film, The Vipers, because of his experimental use of the language of film. From 1956 he lived in the Netherlands, since 1962 in Baarlo. He worked as a sculptor and painter. He exhibited at the famous Kassel documenta II, 1959; III, 1964 and IV, 1968. From 1969 Tajiri Shinkichi taught at the Hochschule für Bildende Künste at Berlin. 1969 and 1970 Shinkichi took pictures of every part of the Berlin Wall. In 1970 he went to Denmark and directed the award-winning documentary Bodil Joensen - en sommerdag juli 1970 about Bodil Joensen. In 1975 and 1976 he recreated the Daguerreotype: surreal portraits, nudes and daguerreotypes of the Wall.
He died in 2009.

"Nudo por todo lo alto / Overhand Knot", 1968. Wikimedia Commons


El 8 de Diciembre es el cumple de

Antoine-Laurent Dantan, escultor académico francés, conocido como 'Dantan el Viejo' para distinguirlo de su hermano un poco más joven, Jean-Pierre Dantan (1800–1869), que también era escultor.
Los hermanos Dantan se confunden a veces en la literatura. De hecho, ambos entraron en el estudio de François-Joseph Bosio, en la École nationale supérieure des beaux-arts de París, al mismo tiempo, en 1823.

"Joven bañista jugando con su perro / Young Bather Playing With His Dog"
Mármol / marble, 105 x 59 x 58 cm., 1833
Musée du Louvre (París, Francia / France). Wikimedia Commons

Antoine fue objeto de un artículo en el periódico francés L'Illustration en 1850. Fue autor de estatuas que adornaban ciertos monumentos de las ciudades de Francia, por ejemplo, en París, las estatuas de Jacques Lemercier y Philippe Delorme para el patio del Palacio del Louvre, o la estatua del Arcángel Rafael para la iglesia de la Magdalena.
Ganó el Premio de Roma de escultura en 1828.
Tuvo un hijo, Édouard Joseph Dantan (1848-1897), quien se convirtió en un pintor conocido durante su vida.
Murió en 1878.

"La mort d'Hercule sur le mont Œta / La muerte de Hércules en el monte Oeta /
The Death of Hercules on Mount Oeta", yeso / plaster, 1828
École Supérieure des Beaux-Arts (París, Francia / France). Wikimedia Commons

On December 8 is the birthday of

Antoine Laurent Dantan, French academic sculptor, known as 'Dantan the Elder' to distinguish him from his slightly younger brother, Jean-Pierre Dantan (1800–1869), who was also a sculptor.
The Dantan brothers are sometimes confused in the literature. Indeed, they both entered the studio of François-Joseph Bosio, at the École nationale supérieure des beaux-arts in Paris, at the same time in 1823.

"La Puissance / El poder / The Power", piedra / stone
Pavillon Mollien, Musée Du Louvre (París, Francia / France) © www.eutouring.com

Antoine was the subject of an article in the French newspaper L'Illustration in 1850. He was the author of statues adorning certain monuments of the cities of France, for example in Paris the statues of Jacques Lemercier and Philippe Delorme for the courtyard of the Louvre Palace, or the statue of the Archangel Raphael for the church of the Madeleine.
He won the Prix de Rome for sculpture in 1828.
He had a son, Édouard Joseph Dantan (1848–1897), who became a well-known painter in his lifetime.
He died in 1878.

"Busto de / Bust of William Alexander Louis Stephen Douglas-Hamilton, 
Marqués de Douglas / Marquess of Douglas (1845-1895)
Mármol / marble, altura / height: 61 cm., 1863. Sotheby's

Antoine-Laurent Dantan en "El Hurgador" / in this blog[Manos a la obra (XXV)]


Hoy, 9 de Diciembre, es el cumple de

Raffaele Belliazzi, escultor y pintor italiano nacido en Nápoles en 1835.
Su padre era escultor de decoraciones arquitectónicas. Belliazzi recibió su primera instrucción de Tommaso Solari en Nápoles, pero siguió los estilos de Alfonso Balzico y Stanislao Lista.
Completó una de las estatuas del rey Carlos III de España fuera del Palacio Real de Nápoles. En 1869 en Nápoles y en 1870 en Parma, expuso una "Pinzochera" en terracota, por la que recibió una medalla de plata. En 1872 en Milán exhibió una "Primavera", que tenía características de género y representaba a los campesinos napolitanos. En 1873 expuso en Viena una expresiva "Orfanella". Por otras obras ganó una medalla de oro en la Esposizione de Florencia de 1874.

"Il riposo / El descanso / The Rest", terracota, 148 x 71 x 47 cm. base: 147 x 69 x 61,5 cm., 1875

En la Exposición de Nápoles de 1877, expuso un "Riposo del pastore" y un grupo "L'avvicinarsi della procella / Se avecina la tormenta" (Museo Capodimonte). Cuando este último grupo escultórico de mármol fue exhibido en la Exposición de Nápoles, ganó un primer premio, una medalla de oro en la Exposición Mundial de París en 1878 y otra en la exposición de Mónaco de 1880. El gobierno italiano le otorgó el título de caballero en la Orden de la Corona de Italia. En la Mostra de Turín de 1880, exhibió una estatuilla titulada "Vendedor de pollos".
De 1895–96 a 1912 fue profesor de decoración ornamental en la Academia de Bellas Artes de Nápoles.
Murió en 1917.

"La gioia nell'innocenza dopo il lavoro / La alegría de la inocencia después del trabajo /
The Joy of Innocence After Labour"
Mármol de Carrara / Carrara marble, 191,77 x 77,47 x 44,45 cm. c.1870-80. 1stdibs

"La gioia nell'innocenza dopo il lavoro / La alegría de la inocencia después del trabajo /
The Joy of Innocence After Labour"

Today, December 9, is the birthday of

Raffaele Belliazzi, Italian sculptor and painter born in 1835 in Naples.
His father carved architectural decorations. Belliazzi received his first training from Tommaso Solari in Naples, but followed the styles of Alfonso Balzico and Stanislao Lista.
Belliazzi completed one of the statues of King Charles III of Spain, outside of the Royal Palace of Naples. In 1869 at Naples and in 1870 at Parma, he exhibited a Pinzochera in terra cotta, for which he was awarded a silver medal. In 1872 in Milan, he exhibited a Springtime, which had genre characteristics and depicted Neapolitan peasants. In 1873 at Vienna he exhibited an expressive Orfanella. For other works, he earned a gold medal at the 1874 Esposizione of Florence.

"Un joven / A Young", terracotta, 1873
Foto / Photo: Carlo Raso. Wikimedia Commons

At the 1877 Esposizione of Naples, he exhibited a Riposo del pastore and a group L'avvicinarsi della procella (Capodimonte Museum). When this latter sculptural group was exhibited as a marble sculpture at the Esposizione of Naples, it won a first prize, gold medal at the World's Exhibition in Paris in 1878, and another at the 1880 Monaco exhibition. The Italian government awarded him knighthood in the Order of the Crown of Italy. At the 1880 Mostra of Turin, he exhibited a statuette titled Chicken Salesman.
From 1895–96 to 1912 he was professor of ornamental decoration at the Academy of Fine Arts of Naples. 
He died in 1917.

"L'Avvicinarsi della Procella / Se avecina la tormenta / Approaching storm", mármol / marble, 1789
Museo Capodimonte (Nápoles, Italia / Naples, Italy)
Foto / Photo: Carlo Raso. Flickr

"L'Avvicinarsi della Procella / Se avecina la tormenta / Approaching storm", mármol / marble, 1789
Museo Capodimonte (Nápoles, Italia / Naples, Italy)
Foto / Photo: Carlo Raso. Flickr


Steve Axford [Fotografía, Hongos / Photography, Fungi]

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Steve Axford


Stephen "Steve" Axford vive en la región de Northern Rivers de Nueva Gales del Sur, Australia. Primero trabajó como minero y luego, durante la mayor parte de su vida laboral, como diseñador de sistemas informáticos. Pero en el 2000 compró una pequeña cámara digital Canon. Se retiró y se mudó desde Melbourne al lugar donde reside ahora. Se convirtió en un especialista en fotografía de la naturaleza con una pasión particular por la fotografía y videos time-lapse de hongos.
«Como no parecía haber informes de hongos aquí, asumí que no había ninguno. Estaba muy equivocado en esa suposición. Northern Rivers y particularmente el Big Scrub, es uno de esos lugares que podrían considerarse un "punto caliente" para los hongos. Yo estaba en mi elemento. Compré una pequeña propiedad cerca de Booyong y continué con mi afición, a la que agregué mi interés por la regeneración de la selva tropical.»

"Panus fasciatus"

"Hygrocybe graminicolor"

"Anthracophyllum"

Stephen es embajador de Sony Australia y se ha ganado una reputación internacional como fotógrafo de la naturaleza.
«Los hongos cubren una increíble variedad de colores, formas y tamaños. Comencé a catalogar mis fotos de hongos por color, pero pronto me di cuenta de que eso no era muy bueno taxonómicamente y, de todos modos, algunas especies de hongos podían cambiar de color según la situación. Los hongos son un reino entero de la vida, como las plantas o los animales, por lo que la variedad es casi infinita ".
Ha encontrado varias especies desconocidas y no registradas, pero como ha dicho "a menudo es bastante difícil estar seguro de que lo que has encontrado es nuevo. Solo puedes hacerlo preguntando a un micólogo que conozca todas las especies actuales. En realidad es bastante fácil encontrar nuevas especies, pero es muy difícil conseguir que se les asigne un nombre."

"Favolaschia manipularis"

"Cookeina"

"Pleurotus purpurea-olivaceus"

«Es genial tener un pasatiempo que te obliga a detenerte y mirar realmente el bosque (o cualquier otra cosa). Hay una variedad infinita escondida dentro de un bosque y se necesita una búsqueda cuidadosa para encontrarlo. Solo tienes que saber dónde y cuándo mirar, y eso sólo se consigue gracias al tiempo y experiencia. La fotografía es una gran excusa para detenerte y mirar de verdad. A menudo voy a una caminata de una hora, que termina durando cinco. Buscando una cosa frecuentemente encuentro otras sorpresas. La fotografía me da una excusa para ahondar en todo tipo de cosas y adquirir conocimientos que nunca hubiera obtenido de otra manera.»

"Chlorociboria aeruginascens", Yunnan, 8/2015

"Hypholoma sp"

"Coprinus sp"

En los últimos años Steve ha compartido la ciencia de los hongos y sus experiencias al fotografiarlos en presentaciones a sala llena en Australia, China y Chile. Una nueva dirección en su trabajo son sus colaboraciones con universidades internacionales y organizaciones micológicas para fotografiar y documentar hongos en bosques de todo el mundo.
Por invitación de la Academia de Ciencias de China, Steve fotografió hongos en las únicas selvas tropicales que quedan en el país. Estas fotografías se han utilizado posteriormente para ilustrar una guía de campo completa de hongos de Yunnan.

"Cyathus aff. striatus", Hongo nido de pájaro / Birds Nest Fungi, Booyong
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El agua es muchas cosas para muchas personas, pero para este fotógrafo de la Costa Norte de Nueva Gales del Sur, Steve Axford, agua = hongos.
En este video de ABC Open "El agua es ...", Steve te invita al mundo mágico y en miniatura creado cuando llueve y donde descubre hongos en todas las formas, tamaños y colores, incluidas especies que nunca se han visto antes en Australia.

Water is many things to many people but to this NSW North Coast photographer, Steve Axford, water = fungi. 
In this ABC Open "Water Is ..." video, Steve invites you into the magical, miniature world created when it rains and where he discovers fungi in all shapes, sizes and colours, including species that have never been seen before in Australia. 

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"Leratiomyces sp"

Stephen "Steve" Axford lives Northern Rivers region of New South Wales, Australia. He worked first as a miner and then, for most of his working life, as a computer systems designer. But in 2000 he bought an small Canon digital camera. He retired and moved from Melbourne to the place where he's based now. He became a specialist in nature photographer with a particular passion in photography and time-lapse photography of fungi.
«Since there seemed to be no reports of fungi up here, I assumed there were none. I was very wrong in that assumption. The Northern Rivers and particularly the Big Scrub, is one of those places that could be considered a “hot spot” for fungi. I was in my element. I bought a small property near Booyong and continued with my hobby, to which I added rainforest regeneration.»

"Micena peludo, Bola de nieve / Hairy Micena, Snowball"

"Sect Sici", Nueva Zelanda, Cruce Tongariri / New Zealand, Tongariri crossing

"Phillipsia subpurpurea"

Stephen is an ambassador for Sony Australia and has an international reputation as a nature photographer.
«Fungi cover an incredible varieties of colours, shapes and sizes. I started off cataloguing my fungus photos by colour, but soon realised that that wasn’t very good taxonomically and anyway, some fungus species could change colour depending on the situation. Fungi are an entire kingdom of life, like plants or animals, so the variety is almost infinite.»
He has found several unknown and unrecorded species, but as he said "It is often quite difficult to be sure that what you have found is new.  You can only do that by asking a mycologist who knows what all the current species might be. It is actually quite easy to find new species, but very difficult to get them named."

"Panus lecomtei"

"Mycena chlorophos", Northern Rivers, Nueva Gales del Sur / NSW

"Orange crepidotus"

«It is great to have a hobby that forces you to stop and really look at the forest (or anything else for that matter). There is infinite variety hidden inside a forest and it takes careful looking to find it. You just have to know where, and when, to look, and you only get that by time and experience. Photography is a great excuse to slow down and really look. I will often go for an hour walk that will take 5 hours. When I am looking for one thing I frequently find other surprises. Photography gives me an excuse to delve into all sorts of things, and to gain knowledge, that I would never have discovered otherwise.»

"Schizophyllum commune"

Posiblemente / Possibly "Gymnopilus purpuratus", Perth, Australia Occidental / Western Australia

In recent years Stephen has shared the science of fungi and his experiences photographing fungi to packed houses in presentations in Australia, China and Chile. And, a new direction in his work is his collaborations with international universities and fungi organisations to photograph and document fungi in forests around the world.
At the invitation of the China Academy of Science Stephen had photographed the fungi in China’s only remaining tropical rainforests. These have subsequently been used to illustrate a comprehensive field guide of fungi in Yunnan.

"Crinipellis sp"

"Marasmius subsect. Haematocephali"
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Presentación de "El quinto reino", una serie en dos partes que revela cómo los hongos extrajeron la vida de las rocas estériles en condiciones hostiles y cómo han prosperado durante más de mil millones de años a pesar de enfrentar las guerras más feroces de la naturaleza.
Time-lapse photography by Steve Axford.

Presentation of "The Fifth Kingdom", a two-part series revealing how fungi eked out life from barren rocks in hostile conditions and how they’ve thrived for more than a billion years despite facing the fiercest wars of nature.
Fotografía time-lapse de Steve Axford.

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Fuentes / Sources:
* Website
* El mundo mágico de las setas australianas / The Magical World Of Australian Mushrooms
 Artículo de / Article by Dovas, Boredpanda
* El reino de los hongos de Steve Axford / Steve Axford’s Kingdom of Fungi
Artículo de / Article by Sally Wilson, The Planthunter, 4/2016
* SA fotógrafo / SA Photographer
Entrevista de / Interview by Deborah Blakeley, Zone One Arts, 11/2016

Más sobre / More about Steve Axford: Website, Flickr, facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Steve!)
Muchas gracias también a Shirley Rebuffo por esta bella sugerencia.
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Steve!)
Thanks a lot also to Shirley Rebuffo for this beautiful suggestion.

Recolección / Compilation (CXIX-1)

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Ravi Amar Zupa
(Denver, EE.UU./ USA, 1977-)

"Hay otro / There's Another One"
Serigrafías, acrílico, grafito, grabado en cono de tráfico, montado sobre madera /
screen prints, graphite, acrylic, traffic cone block print, mounted to wood, 45,7 × 61 cm., 2016. Artsy

"Ganesha", tinta india, grafito, acrílico, grabado en cono de tráfico, montado sobre madera /
India ink, graphite, acrylic, traffic cone block print, mounted to wood, 30,5 × 22,9 cm., 2016. Hashimoto Contemporary

"Mao", tinta india, grafito, acrílico, grabado en cono de tráfico, montado sobre madera /
India ink, graphite, acrylic, traffic cone block print, mounted to wood, 12" x 9". Hashimoto Contemporary

Mao Zedong en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (CXL)], [Sucedió en el museo (VI, Anexo)]

"Policía / Cop"
Acrílico, lápiz, acuarela, tinta india, tintas de colores, óleo, serigrafía y papel recuperado sobre panel de madera /
acrylic, pencil, watercolor, india ink, color ink, oil, silk screen, and found paper on wood panel, 35,6 × 30,5 cm., 2015. Artsy

Hieronymus Bosch en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All Links]
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Tammam Azzam
تمام عزام
(Damasco, Siria / Syria, 1979-)

Collage de papel / paper collage , 70 x 50 cm., 2018
https://www.facebook.com/profile.php?id=524987352
https://www.instagram.com/tammamazzam/

Tammam Azzam en "El Hurgador" / in this blog[Tammam Azzam (Arte Digital, Pintura)]
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Harald Metzkes
(Alemania / Germany, 1929-)

"Die Tote Taube / La paloma muerta / The Dead Dove", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1956

Harald Metzkes en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (CCXI)]
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Constantin Voronov
Константин Воронов
(Minsk, Bielorrusia / Belarus)

"Reflejo / Reflection", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 78 x 56 cm., 2017

"Tierra inundada (parte I) - Comienzo / Flooded Land (part I) - Inception"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 133 x 100 cm., 2017
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Alejandro Colunga Marín
(Guadalajara, México, 1948-)

"Payaso en triciclo / Clown on Tricycle"
Litografía / lithograph, 87,63 x 63,5 cm. Ed. 8/110. 1stdibs

Alejandro Colunga en "El Hurgador" / in this blog[Pintando Perros (XLIX)], [Aniversarios (CLV)]
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Albert Welti
(Zürich, Suiza / Switzerland, 1862 - Berna / Bern, 1912)

"Nebelreiter / Jinete de la niebla / Fog Rider", 73 x 59,5 cm., 1895-96 
Kunstmuseum (Basilea, Suiza / Basel, Switzerland). Wikimedia Commons
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Weerapong Sansomporn
(Tailandia / Thailand, 1984-)

"Gotas / Drops", tejido metálico (cobre) / knitting metal (copper), 180 x 200 x 40 cm., 2018. Artsy

"Relación / Relationship", acero y acero inoxidable, 170 × 180 × 40 cm., 2018. Artsy

El artista con sus obras "Gotas" y "Relación / The artist with his works "Drops"& "Relationship"

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Taras Loboda
(Ivano-Frankovsk, Ucrania, URSS / Ukraine, USSR, 1961-)
en Praga, República Checa / at Prague, Czech Republic

"Camelia", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 140 x 95 cm., 2013

"Oxana", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 110 x 85 cm.

"Alice", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 170 x 100 cm.
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Charles Alton Pfahl
(Akron, Ohio, EE.UU./ USA, 1946 - Albuquerque, Nuevo México / New Mexico, 2013)

"Ave del paraíso / Bird of Paradise"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 18" x 72", 2009

"Valentine", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90" x 70"
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Jacek Waltoś
(Chorzów, Polonia / Poland, 1938-)

"Spóżniony żal / Sintiendo pena / Feeling Sorry". The Art Stack

"El arrepentimiento tardío / Le Regret Tardif"
Pastel sobre papel / pastel on paper, 46 x 63.3 cm., 1991. Live Auctioneers

"Poranek w przytułku / Mañana en el refugio / Morning in the Shelter", 2000-2002. O.pl
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Ali Alışır
(Estambul, Turquía / Istanbul, Turkey, 1978-)

"Almas híbridas / Hybrid Souls #7", copia única / unique fine art print, 113 x 190 cm., 2017

"Almas híbridas / Hybrid Souls #1", copia única / unique fine art print, 171 x 150 cm., 2017

Ali Alışır en "El Hurgador" / in this blog[Ali Alışır (Fotografía, Arte digital)]

Recolección / Compilation (CXIX-2)

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Frederic Leighton
Primer / 1st Barón Leighton
(Scarborough, North Riding of Yorkshire, Inglaterra / England, 1830 -
Kensington, Londres / London, 1896)

"Junio flameante / Flamming June"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120,6 × 120,6 cm., c.1895
Museo de Arte de Ponce (Puerto Rico, EE.UU./ USA). Wikimedia Commons

"Cimón e Ifigenia / Cymon and Iphigenia"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 163 x 328 cm., 1884
Galería de Arte de Nueva Gales del Sur / Art Gallery of New South Wales (Sydney, Australia)

Frederic Leighton en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (CCLX)]
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Arnold Belkin
(Calgary, Canadá, 1930 - Ciudad de México / Mexico City, México, 1992)

"La llegada de los generales Zapata y Villa al Palacio Nacional el 6 de diciembre de 1914 /
The arrival of General Zapata and Villa at the National Palace on December 6, 1914"
Acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 230 x 350 cm., 1979
Museo de Historia Nacional, Castillo de Chapultepec (Ciudad de México / Mexico City, México)

"Pancho Villa y Emiliano Zapata en la Palacio Presidencial de México, c. 12/1914
Francisco "Pancho" Villa and Emiliano Zapata in Mexican Presidential Palace", c. Dec. 1914. Iconic Photos

"Serie Zapata II", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 1978
Colección particular / Private Collection. María Helena Noval

Hugo Brehme (?)
(Eisenach, Alemania / Germany, 1882 - Ciudad de México / Mexico City, México, 1954)
"Emiliano Zapata con rifle, fajín y sable / with Rifle, Sash, and Saber"
Cuernavaca, México, 6/1911
Copia de inyección de tinta de un archivo digital / inkjet print from a digital file, 25,4 x 17,8 cm.
Fondo Casasola, SINAFO-Fototeca Nacional del INAH. Art Blart

Hugo Brehme en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (C)]
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Luo Li Rong
罗丽蓉
(Hongqi, China, 1980-)
en Bélgica / at Belgium

"La mélodie oubliée / La melodía olvidada / The Forgotten Melody"
Bronce / bronze, 205 x 85 x 85 cm., 2017. Artsper



Lu Li Rong con su obra / with her work
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William Newenham Montague Orpen
(Stillorgan, Irlanda / Ireland, 1878 -
Londres, Reino Unido / London, UK, 1931)

"El camisón oriental / The Eastern Gown"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas,  73,5 x 89 cm., 1906
Atkinson Art Gallery and Library (Southport, Reino Unido / UK). Wikimedia Commons

"Retrato de Grace, esposa del artista / Portrait of Grace, Artist's Wife"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90 x 70 cm., 1907
Mildura Arts Centre (Victoria, Australia). Damn Fine Art

William Orpen en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (XLV)], [Recolección (XCI)]
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Mark Lohmiller
(Ruit auf den Fildern, Baden-Württemberg, Alemania / Germany, 1975-)

"Ohne Titel / Sin título / Untitled"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 140 x 170 cm., 2006. Ressler Kunst Auktionen

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Anselm Feuerbach
(Espira, Alemania / Speyer, Germany, 1829 -
Venecia, Italia / Venice, Italy, 1880)

"Medea an der Urne / en la urna / at the Urn"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 192 × 127,5 cm., 1873
Kunsthistorisches Museum (Wien / Viena / Vienna, Austria). Wikimedia Commons

"Medea (Tragödie nach / Tragedia de / Tragedy by'Euripides') 
Color sobre lienzo / color on canvas, 198 x 395,5 cm., 1870
Neue Pinakothek (Múnich, Alemania / München, Germany)
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Marco Ortolan
(Buenos Aires, Argentina, 1973-)

"Ridi, Pagliaccio e ognun applaudirà / Ríe, Payaso, y todos aplaudirán /
Laugh, Clown, and Everyone Will Applaud", óleo sobre tabla / oil on wood, 70 x 50 cm.

"El Consuelo  Enmascarado / The Masked Consolation"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 110 x 100 cm. Link
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Emilio Giuseppe Dossena
(Cavenago d'Adda, Lodi, Italia / Italy, 1903 - Milán / Milano, 1987)

"Giorno di Mercato / Día de Mercado / Market Day", 1976. Wikimedia Commons
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Eddy Stevens
(Brasschaat, Amberes, Bélgica / Antwerpen, Belgium, 1965-)

"Comportamiento humano 32 / Human Behaviour 32"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 60 cm. Link

"Hedendaags verleden / Pasado contemporáneo / Contemporary Past", 30 x 30 cm. Galerie Van Campen & Rochtus

Eddy Stevens en "El Hurgador" / in this blog[Eddy Stevens (Pintura)]
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Cam de Leon
(Modesto, California, EE.UU./ CA, USA, 1961-)

"El beso / The Kiss", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 12" x 12"
Samantha Levin Fine Art, Flickr

"Incapaz de volar / Flightless", óleo sobre panel / oil on panel, 18" x 24". Copro Gallery

"Sin título 2 / Untitled 2"
Óleo sobre panel / oil on panel, 50,8 x 40,64 cm., 2012. Gallery Nucleus

Kathrin Longhurst [Pintura / Painting]

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Kathrin Longhurst


Kathrin Longhurst nació en la Alemania oriental comunista. Pintora figurativa de formación clásica, comenzó a asistir a clases de dibujo del natural a los catorce años. Cuando solo tenía quince su familia escapó de 'detrás de la cortina de hierro' y se mudó a Suecia. Esta chirriante transición de un régimen totalitario a una democracia despertó la pasión de Kathrin por explorar los conceptos de libertad de discurso y expresión, conceptos que continúan transmitiéndose a través de su obra actual.
Después de viajar por toda Europa, Asia y América, Kathrin se estableció en Sydney con su esposo australiano. Continuó trabajando de manera prolífica, presentando su primera exposición individual en 2004, y se hizo famosa por sus retratos de mujeres hermosas, con poca ropa, en traje militar, cubiertas con símbolos de propaganda comunista.

"Encrucijada / Crossroads", óleo sobre lino / oil on linen, 150 x 150 cm., 2018

"Como el viento / Like the Wind", óleo sobre lino / oil on linen, 91 x 91 cm., 2018

"Kathrin Longhurst es hija de la Guerra Fría: creció en el lado gris del Muro de Berlín. Su infancia se desarrolló en una sociedad adoctrinada y controlada con vigor totalitario a través del estado de derecho y una máquina de propaganda virulenta. El glamour percibido del oeste se filtró a cuando la artista era una niña, a través de revistas satinadas e historias de boca en boca en las que uno solo podía soñar.
La infancia de Longhurst de contar misiles en libros escolares y experimentar de primera mano los resultados de una sociedad en la que todo está vigilado, ha dejado en ella una impresión indeleble." [Ralph Hobbs]

"Valentina", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 180 x 160 cm., 2013

"Abanderada II / Flag Bearer II", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 154 x 122 cm., 2014

Los extensos viajes brindaron a Kathrin una perspectiva única sobre el papel de las mujeres en los medios. Sus obras más recientes hacen referencia no solo a la propaganda comunista sino también al poder de la publicidad en nuestras vidas bajo un sistema capitalista. Sus modelos hábilmente plasmadas abarcan temas de sexualidad y libertad, seduciendo y desafiando al espectador con sus labios rubí, su piel desnuda y luminosa, y su mirada desafiante para ilustrar su mensaje de que:

"La propaganda está a nuestro alrededor. No es específica de un período de tiempo, un país o un régimen ... está en todas partes ".

"Atrapada a contracorriente / Caught in the Riptide", 92 x 122 cm., 2016

"Asesina / Killer", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76 x 70 cm., 2012

"Las figuras de Kathrin se representan en diferentes posturas: a veces miran a la distancia y otras veces directamente hacia nosotros. A veces se mantienen de pie firmemente y otras flotan en el aire. Sin embargo estas son mujeres que forman parte de un movimiento más amplio: retadoras, confrontado, desafiando y desafiantes.
El arte tiene un papel único en nuestra sociedad, siempre lo ha tenido. Al igual que sus predecesores, los artistas de hoy son nuestra consciencia, son un reflejo de las cosas de las que deberíamos sentirnos orgullosos, las cosas que encontramos desafiantes y, a veces, nos recuerdan cosas que preferiríamos olvidar.
La obra de Kathrin cae simultáneamente en cada una de estas categorías. Nos recuerda el poder y el desafío de las mujeres que su obra representa, así como el sufrimiento que las mujeres han soportado y continúan soportando, mientras luchan por la justicia. El momento histórico del #MeToo se refleja en la obra de Kathrin Longhurst, y mucho más." [Profesor James Arvanitakis, Decano de la Escuela Superior de Investigación de la Universidad Occidental de Sydney]

"Maia a los 12 y medio / at 12 and a half", óleo sobre lino / oil on linen, 100 x 100 cm., 2017

"Pequeña rebelde III / Little Rebel III", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 102 x 122 cm., 2015

"Hacia la nada / Into Nothingness", óleo sobre lino / oil on linen, 180 x 180 cm., 2017

"Longhurst emplea estrategias en el uso de pintura acrílica, viejas imágenes de periódicos, carbón, crayones, barritas de cera oleosa y lápiz para mantener al espectador a distancia mientras que al mismo tiempo lo seduce en su mundo de extrañeza y pérdida. Estas obras capturan las últimas sombras de los viejos apegos. Es como si quisiera hacer una declaración final sobre estos "guerreros" que defendían una ideología que se está desvaneciendo rápidamente en la historia. Sin embargo, al mismo tiempo, de alguna manera conscientemente (pero también inconscientemente), Longhurst juega con la parodia en su orquestación del pasado y sus técnicas de propaganda. Mientras que la propaganda de los soldados durante la Guerra Fría se presentaba como un diseño austero, asexual y asertivo, los retratos de Longhurst, vistiendo el atuendo militar de Europa del Este, están fuertemente sexualizados con una postura abierta y cuidada, labios brillosos, ojos húmedos y las maneras de una mujer tentadora. Pueden modelar los uniformes de los soldados, pero se presentan como modelos que los usan y, al hacerlo, son elegantes, planteadas como mujeres con apetitos y el deseo de ser tenidas en cuenta como individuos." [Alex McCulloch]

"La muñequita / The Little Doll", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 180 x 180 cm., 2016

Kathrin trabajando en "Autorretrato: pasado, presente y futuro" / at work with "Self: past, present and future"

Kathrin Longhurst was born in communist East Germany. A classically trained figurative painter, she began attending life drawing classes at the age of fourteen.  When she was just fifteen, her family escaped from ‘behind the iron curtain’, relocating to Sweden. This jarring transition from a totalitarian regime to a democracy sparked Kathrin’s passion for exploring the concepts of freedom of speech and expression, concepts that continue to thread through her work today.
After travelling widely throughout Europe, Asia and America, Kathrin settled in Sydney with her Australian husband.  She went on to work prolifically, showing her first solo exhibition in 2004 and becoming well known for her portraits of beautiful, scantily clad women in military attire, draped with symbols of communist propaganda.

"El yo: pasado, presente y futuro / Self: past, present and future"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 180 x 180 cm.
Finalista del premio Archibald / Archibald Finalist 2018

"Postal desde el campo de batalla rojo II / Postcard from the Battlefield Red II"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 2016

"Kathrin Longhurst is a child of the Cold War—having grown up on the grey side of the Berlin Wall. Her childhood was in a society indoctrinated and controlled with totalitarian vigour through the rule of law and a virulent propaganda machine. The perceived glamour of the west filtered through to the artist as a girl via beaten up glossy magazines and word of mouth stories that one could only dream of.
Longhurst’s childhood of counting missiles in school books and experiencing firsthand the results of a society where everything is watched, has left an indelible impression on her." [Ralph Hobbs]

"La protagonista / The Protagonist", óleo sobre lino / oil on linen, 90 x 90 cm., 2018

Kathrin habla sobre su obra "Protagonista" (traducción al español abajo) /
Kathrin talks about her work "Protagonist"


«Soy Kathrin Longhurst, una artista australiana nacida en Alemania. Pinto en el estilo de la propaganda tomada de mi infancia, de la imaginería de mi niñez en Berlín Oriental. Me gustaría mostrarles algunas pinturas que he terminado. Esta en el caballate se llama "Protagonista". Está incluida en la exposición del mismo nombre en Nanda/Hobbes Contemporary, en Sydney, en junio. Protagonista trata de un personaje principal que juega un rol en la historia, como defensora de cierta idea o causa. Las mujeres en el arte han sido retratadas tradicionalmente como objetos bonitos, situadas en entornos de pura belleza y placer, y en muchos casos aún lo son. Desgraciadamente la violencia contra la mujer es aún un tema importante, y todo comienza aceptando la cosificación de las mujeres, la forma como han sido retratadas en el arte, publicidad y noticias. Quiero cambiar esa noción, y retratar a las mujeres como agentes a cargo del destino, participando activamente en la sociedad, rompiendo barreras y explorando nuevas fronteras. Estamos buscando modelos femeninas fuertes para que sean seguidas por una nueva generación de chicas. Como yo misma tengo una hija, es algo que me toca muy de cerca. Quiero que ese sea mi legado, así que disfruten viendo mi obra tanto como yo he disfrutado haciéndola.»
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"Dejándose llevar / Carried Away", óleo sobre lino / oil on linen, 150 x 150 cm., 2018

"Fuera de las sombras II / Out of the Shadows II", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 92 x 122 cm., 2016

"Oda al feminismo / Ode to Feminism", tríptico / triptych
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, cada panel / each panel 180 x 180 cm., 2018

"Oda al feminismo / Ode to Feminism", panel 2, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 180 x 180 cm., 2018

Extensive travel provided Kathrin with a unique perspective on the role of women in the media, her more recent works referencing not only communist propaganda but also the power of advertising in our lives under a capitalist system.  Her skillfully rendered subjects layer themes of sexuality and freedom, both seducing and challenging the viewer with their ruby lips, luminous bare skin and confronting gaze to illustrate her message that:
‘Propaganda is all around us.  It’s not specific to a period of time, a country or a regime…it’s everywhere’.

"Hablar no cuesta nada / Talk is Cheap", óleo sobre lino / oil on linen, 90 x 90 cm.

"Taylah II", óleo sobre panel / oil on panel, 30 x 30 cm., 2017

"Kathrin’s figures are portrayed in different poses: sometimes staring into the distance and other times directly at us; sometimes standing firm on the ground and at other times floating through the air. Regardless, these are women who are part of a larger movement: challenging, confronting, defying and defiant.
Art has a unique role in our society, it always has. Like their predecessors, today’s artists are our conscious – mirroring the things we should be proud of, the things we find challenging, and sometimes, reminding us of things that we would prefer to forget.
Kathrin’s work simultaneously falls into each of these categories. We are reminded of the power and defiance of the women that her work represents, as well as the suffering that women have endured, and continue to endure, as they fight for justice. The epochal moment of #MeToo is reflected in the work of Kathrin Longhurst, and so much more." [Professor James Arvanitakis PhD, Dean – Graduate Research School]

"La marine / The Marine", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 180 x 140 cm., 2014

"Al final la historia se desvanece y no hemos aprendido nada /
In the End History Fades and We Learned Nothing"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas92 x 122 cm., 2015

"Longhurst employs strategies in her use of acrylic paint, old newspaper images, charcoal, crayons, oil wax sticks and pencil to both keep the viewer at a distance whilst simultaneously seducing him/her into its world of estrangement, and loss. These works capture the last shadows of old attachments. It is as if she wants to make one final statement about these ‘warriors’ who stood for an ideology that is fast fading into history. Yet simultaneously, in some ways consciously (but also unconsciously) Longhurst plays with parody in her orchestration of the past and its propaganda techniques. Whereas soldier propaganda during the Cold War would by design be presented as austere, asexual and assertive Longhurst portraits, wearing the military garb of Eastern Europe, are strongly sexualized with carefully posed half-open glossed lips, moist eyes and the manner of a temptress. They may model the soldier’s uniforms but they are presented as models wearing them and in doing so are defiantly posed as women with appetites and the desire to count as an individual." [Alex McCulloch]

"Hacia lo desconocido / Into the Unknown", óleo sobre lino / oil on linen, 91 x 91 cm., 2018
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Conversando con / In Conversation With Kathrin Longhurst
Video producido por / produced by Kayapa CS






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Fuentes / Sources:
* Website
* Ensayo sobre la exposición "Protagonista", por Ralph Hobbs /
Exhibition "Protagonist", Essay by Ralph Hobbs, Nanda\Hobbs Gallery, 6/2018
* "Chica cayendo: Una reflexión sobre la obra de Kathrin Longhurst"
Ensayo sobre la exposición del Profesor Doctorado James Arvanitakis, Decano de la Escuela de Investigación para Graduados /
Falling Girl: A Reflection on the work of Kathrin Longhurst
Exhibition Essay by Professor James Arvanitakis PhD, Dean – Graduate Research School. Link
* Ensayo sobre la exposición "Historia desvaneciéndose", por Alex McCulloch /
Exhibition “Fading History”, Essay by Alex McCulloch, 2/2016. Link

Más sobre / More about Kathrin Longhurst: Website, Instagramfacebook, Artsy

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Kathrin!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Kathrin!)

Aniversarios (CCLXII) [Diciembre / December 10-13]

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Todos los aniversarios de Diciembre aquí / All anniversaries for December here.
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El 10 de Diciembre es el cumple de

Léon Indenbaum (Леон Инденбаум), escultor ruso (naturalizado francés), nacido en 1890 en Chavusy (Bielorrusia, Imperio Ruso).
Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Odessa y en la Escuela de Artes Aplicadas Antonolski de Vilnius (Lituania).
Cuando era joven, escuchó sobre París y esa atmósfera artística única a la que aspiraba. Logró llegar a la capital francesa en marzo de 1911 y se trasladó a París, a Montparnasse, a "La Ruche".
Trabajó entre talentosos pintores y escultores jóvenes, muchos de los cuales se hicieron famosos y posteriormente formaron la Escuela de París: Soutine, Kremegne, Chagall, Kikoïne, Epstein, Zadkineand y más tarde Modigliani, quien le dedicó una famosa pintura, su "Retrato de León Indenbaum" (Colección Fundación Henry y Rose Pearlman).
Entre 1911 y 1919 Indenbaum completó su formación artística en Montparnasse, en el taller del escultor Antoine Bourdelle, quien tuvo una predilección por el trabajo de su alumno al que llamó "mon jeune poulain" (mi protegido). En 1912 presentó tres esculturas de piedra en el Salon des Indépendants. Durante este período se hizo amigo cercano de Modigliani. Modigliani vivió algún tiempo con Leon Indenbaum, donde compartieron su pasión por el arte, antes de alquilar juntos un estudio artístico.
Jacques Doucet, el famoso diseñador de moda y coleccionista, fue su primer mecenas. Ejecutó para él muchos paneles decorativos, y también trabajó un tiempo para el decorador Coard, al que dejó porque no podía firmar sus propias obras.

"La Baigneuse au Chignon / La bañista del moño / The Bather with the Bun", 1926
Bronce patinado / patinated bronze, 39 x 12,5 x 10 cm., c.1926. 1stdibs

En 1925 expuso en Salon des Indépendants: "Un buste de jeune fille / Busto de una niña" y "Une femme couchée / Una mujer reclinada", ambas de piedra, obras que fueron aclamadas por la crítica.
Su trabajo continuó en las sombras; León se mostraba completamente indiferente a la fama y creía que un artista no tiene derecho a ser distraído por los "cotes mondains" (cuestiones mundanas). Pero los clientes, incluidos los hermanos George y Marcel Bernard, llegaban a las puertas de su estudio y lo convencían de que trabajara para ellos, con total libertad en la elección de los materiales, hasta que la crisis de 1929 y destruyó a los dos banqueros.
En 1939 llega la guerra, y muchas de sus obras desaparecen o son destruidas. Con el paso de los años, Indenbaum trabajó discretamente y es difícil seguir su desarrollo artístico debido a su naturaleza insociable y su horror a la publicidad.
Murió en 1981.

"Homme couché / Hombre reclinado / Reclining Man", bronce con pátina marrón verdosa /
bronze with brown-green patina, ancho / width: 39 cm., c.1932. Ed.8. Blouin Art

On December 10 is the birthday of

Léon Indenbaum (Леон Инденбаум), Russian sculptor (naturalized French), born in 1890 at Chavusy (Belarus, Russian Empire).
He studied at the School of Fine Arts in Odessa, and the School of Applied Arts Antonolski in Vilnius (Lithuania).
As a young man, he heard about Paris and its unique artistic atmosphere to which he aspired. He managed to reach the French capital in March 1911 and moved to Paris to Montparnasse to "La Ruche" .
He worked in the middle of talented young painters and sculptors, many of whom became famous and subsequently formed the School of Paris : Soutine, Kremegne, Chagall, Kikoïne, Epstein, Zadkineand later Modigliani who devoted a famous painting "Portrait de Leon Indenbaum" (Collection: The Henry and Rose Pearlman Foundation).
From 1911 to 1919, Leon Indenbaum completed his artistic training at Montparnasse, in the workshop of the sculptor Antoine Bourdelle, who had a predilection for the work of his pupil he called "mon jeune poulain" (my protegee) By 1912, he presented three stone sculptures at the Salon des Indépendants. During this period he became a close friend of Modigliani. Modigliani lived some time at Leon Indenbaum's where they shared their passion for art, before renting an artist studio together.
Jacques Doucet, the famous fashion designer and collector, was his first patron. Leon Indenbaum executed for him many decorative panels, he also worked some time for the decorator Coard, that he left because he could not sign his own works.

"Le Chat / El gato / The Cat"
Bronce con pátina marrón / bronze with brown patina, 44 x 34 cm., 1972. Ed. 8. Pinterest

Amedeo Modigliani (1884-1920)
"Retrato de / Portrait of Leon Indenbaum"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 45,7 x 54,6 cm., 1916
Colección / Collection: The Henry and Rose Pearlman Foundation
Princeton University Art Museum (Nueva Jersey, EE.UU./ NJ, USA). Wikimedia Commons

Amedeo Modigliani en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All Links]

In 1925 he exhibited at Salon des Indépendants: "un buste de jeune fille" and "une femme couchée" (a bust of a girl and a woman lying, both made of stone) critically acclaimed works.
His work continued in the shadows, Leon being completely indifferent to fame and believing that an artist has no right to be distracted by the "cotes mondains" (by-wordly) But patrons, including brothers George and Marcel Bernard, businessmen and collectors came through the door of his studio and convinced him to work on their behalf in any material freedom. But the 1929 crisis occurs and destroyed the two bankers.
In 1939, the war comes and many of his works then disappear or are destroyed. Then the years pass, Indenbaum worked discreetly and it is difficult to follow his artistic development because of his unsociable nature and his horror of publicity.
He died in 1981.

"Nu masculin / Desnudo masculino / Male Nude"
Bronce / bronze, altura con base / high with base: 98 cm., 1936. Christie's


El 11 de Diciembre es el cumple de

John Adams-Acton, escultor británico nacido en 1830 en Acton Hill, Middlesex.
Fue educado en la escuela de Lady Byron, Ealing, y recibió su primera enseñanza como escultor bajo la dirección de Timothy Butler. Posteriormente trabajó en el estudio de Matthew Noble y, durante 1853-8, estudió en la Royal Academy Schools, donde se le reconoció como un aritsta prometedor. Ganó las primeras medallas en las clases de antigüedades y del natural, y la medalla de oro por un grupo escultórico original: "Eva suplicando perdón a los pies de Adán", en diciembre de 1855. Como estudiante,exhibió un medallón del Dr. Chalton en 1854 y otros medallones en 1855 y 1856. En 1858, obtuvo la beca de viaje de la Academia, y estuvo en Roma hasta 1865. Allí su éxito en el retrato, al que dedicó sus principales esfuerzos, entusiasmó a John Gibson, quien envió a muchos visitantes a su estudio.

"Caballero victoriano / Victorian Gentleman"
Mármol / marble, altura / height: 60 cm., 1870. Sotheby's

Después de 1865 se estableció en Londres, donde pronto estuvo muy ocupado. Ejecutó el memorial de Wesley en la Abadía de Westminster, el memorial de Cruikshank en la Catedral de San Pablo, la estatua de Wesley en el patio de la Capilla de Wesley y el memorial del cardenal Manning en la recién construida Catedral de Westminster. También ejecutó una colosal estatua de Sir Titus Salt, erigida cerca del Ayuntamiento de Bradford en 1874, y estatuas de la Reina Victoria para Kingston y las Bahamas, de William Ewart Gladstone, un amigo cercano y el padrino de su cuarto hijo, para Blackburn y Liverpool, y del obispo Samuel Waldegrave para la catedral de Carlisle. Eduardo VII, como Príncipe de Gales, posó para él muchas veces, y el Emperador y la Emperatriz de Alemania mostraron interés en su arte.
Expuso regularmente en la Royal Academy hasta 1892.
Murió en 1910.

"La hija del Faraón / Pharaohs' Daughter"
Mármol / marble, altura / height: 68,58 cm., c.1863. 1stdibs

"La hija del Faraón / Pharaohs' Daughter"

On December 11 is the birthday of

John Adams-Acton, British sculptor born in 1830 in Acton Hill, Middlesex.
He was educated at Lady Byron's school, Ealing, and received his first tuition as a sculptor under Timothy Butler. He subsequently worked in the studio of Matthew Noble, and during 1853–8 studied at the Royal Academy Schools, where his promise was liberally recognised. He won first medals in the antique and life classes, and the gold medal for an original sculpture group, Eve supplicating forgiveness at the feet of Adam, in December 1855. As a student he exhibited a medallion of Dr. Chalton in 1854, and other medallions in 1855 and 1856. In 1858, he gained the Academy's travelling studentship, and was at Rome till 1865. There his success in portraiture, to which he devoted his main efforts, excited the admiration of John Gibson, who sent many visitors to his studio.

"Busto de un caballero / Bust Of A Gentleman"
Mármol / marble, altura / height: 70 cm., 1864. Blouin Art

After 1865, Acton settled in London, where he was soon busily employed. He executed the Wesley memorial in Westminster Abbey, the Cruikshank memorial in St Paul's Cathedral, the statue of Wesley in the forecourt of Wesley's Chapel, and the memorial of Cardinal Manning in the newly built Westminster Cathedral. He also executed a colossal statue of Sir Titus Salt, erected near Bradford Town Hall in 1874, and statues of Queen Victoria for Kingston and the Bahamas, of William Ewart Gladstone, a close friend and the godfather of his fourth son, for Blackburn and Liverpool, and of Bishop Samuel Waldegrave for Carlisle Cathedral. Edward VII, as Prince of Wales, sat to him many times, and the Emperor and Empress of Germany showed interest in his art.
He exhibited regularly at the Royal Academy till 1892.
He died in 1910.

"Una doncella con un gamo o Lady Clare / A Maiden with a Doe or Lady Clare"
Mármol / marble, altura / height: 99,5 cm., 1864. Christie's


El 12 de Diciembre es el cumple de

Emmanuel Villanis, o Villani, escultor francés nacido en 1858 en Lille, vinculado al movimiento Art Nouveau.
Provenía de una familia de origen italiano. En 1861 sus padres regresaron a Italia para establecerse en Piamonte. Habían huido de Italia cuando estalló la guerra de independencia bajo la amenaza de Napoleón Bonaparte. En 1871 el artista se inscribió en la Academia de Bellas Artes de Albertina, Turín. Allí siguió las enseñanzas del escultor Odoardo Tabacchi (1831-1905). Al final de sus estudios, su maestro lo instó a exhibir: su busto Alda, por ejemplo, fue presentado en Milán en 1881.
En 1885 Villanis se mudó a Montmartre, un distrito de París que ya no abandonaría.
La fama del artista se cimentó en su producción de figuras femeninas. Aida, Judith, Dalila, Lucrecia, Cenicienta: su trabajo reúne a las grandes heroínas de la ópera, la literatura, la mitología y la Biblia. Villanis también se ocupa de ciertos tipos, como el bohemio, el de Chatelaine o la parisina, y varias alegorías, como la pintura y la escultura.

"Rebecca au puits / Rebeca en la fuente / Rebecca at the Well"
Bronce / bronze, altura / height: 40 cm., 1900s. Pamono

Hechas principalmente en bronce, a veces en criselefantina, sus esculturas llevan sutilmente la marca de Art Nouveau, incluidas las letras del título, que regularmente adornan la base. Su juego con las pátinas se suma a la finura de la línea, convirtiendo a Villanis en uno de los principales escultores de Art Nouveau. En cuanto a sus bronces, trabajó principalmente con la Sociedad de Bronces de París y con Eugene Blot.
Habiendo expuesto once veces en el Salón de artistas franceses entre 1886 y 1910, Villanis también participó en la Exposición Universal de 1889 en París, y la de Chicago en 1903. Su producción fue objeto de muchas falsificaciones; muchas copias todavía están circulando en el mercado del arte en este momento.
Murió en 1914.

"Mélodie / Melodía / Melody", mármol blanco con una lira de marfil y bronce /
white marble, with an ivory and bronze lyre, 77 cm. Sotheby's

"Mélodie / Melodía / Melody"

On December 12 is the birthday of

Emmanuel Villanis, or Villani, French sculptor born in 1858 in Lille, linked to the Art Nouveau movement.
He came from a family of Italian origin. In 1861, his parents returned to Italy to settle in Piedmont. They had fled Italy because the war of independence broke out under the threat of Napoleon Bonaparte. In 1871, the artist enrolled at the Academy of Fine Arts Albertina, Turin; he followed the teaching of the sculptor Odoardo Tabacchi (1831-1905). At the end of his studies, his master pushed him to exhibit: his bust Alda, for example, was presented in Milan in 1881.
In 1885, Villanis moved to Montmartre, a district of Paris that he no longer leaves.

"Seule! / ¡Sola! / Alone!", bronce patinado / patinated bronze, 41 cm., 1900s. Bukowskis

"Seule! / ¡Sola! / Alone!"

The fame of the artist is built on his production of female figures. Aida, Judith, Dalila, Lucretia, Cinderella: his work brings together the great heroines of opera, literature, mythology and the Bible. Villanis also deals with certain types - the Bohemian, the Chatelaine, or the Parisienne - and several allegories, including Painting and Sculpture.
Made mainly in bronze, sometimes chryselephantine, his sculptures subtly bear the mark of Art Nouveau, including the lettering of the title, which regularly adorns the base. His play on the patinas adds to the fineness of the line, making Villanis one of the major sculptors of Art Nouveau. Regarding the cast of bronzes, he worked mainly with the Society of the Bronzes of Paris and with Eugene Blot.
Exhibited eleven times at the Salon of French artists between 1886 and 1910, Villanis also participated in the Universal Exhibition of 1889 in Paris, and that of Chicago in 1903. His production was the subject of many false; many copies are still circulating on the art market at the moment.
He died in 1914.

"Bohemienne / Bohemia", bronce patinado / patinated bronze, altura / height: 70,5 cm. expertissim


El 13 de Diciembre es el cumple de

Jacques Louis Gautier, escultor francés nacido en 1831 en París.
Fue alumno de François Rude y expuso en el Salón de París desde 1855 hasta 1868.

"Mefistófeles / Mephistopheles", bronce con pátinas marrón oscura y dorada /
bronze, dark brown and golden patina, altura / high: 86,5 cm. Sotheby's

"Mefistófeles / Mephistopheles" (detalle / detail)

Gautier produjo pequeñas estatuas de bronce para varias fundiciones. Conocido por una figura de Mefistófeles, que se exhibió por primera vez en la sección de Artes Industriales de la Exposición Universal de 1855, a mediados de la década de 1850 también creó una de las brujas de "Macbeth" de Shakespeare.
Murió en 1900 (?).

"Mefistófeles / Mephistopheles", hierro / iron, 23 x 25 x 74 cm. Bonhams

On December 13 is the birthday of

Jacques Louis Gautier, French sculptor born in 1831 in Paris.
He was a pupil of François Rude, and exhibited at the Paris Salon from 1855 to 1868.

"Bruja de Macbeth / Witch from Macbeth", bronce con pátinas verde y negra /
bronze with green and black patina, 30 3/4" x 5 1/4" x 6 1/2", 1873 (fundido después / cast later)
High Museum of Art (Atlanta, Georgia, EE.UU./ GE, USA)

Gautier produced small bronze statues for several foundries. Best known for a figure of Mephistopheles, first exhibited in the Industrial Arts section of the 1855 Universal Exhibition, in the mid-1850s, he also created one of the witches from Shakespeare’s Macbeth.
He died in 1900 (?)

"Don Quijote / Don Quixote", bronce a la cera perdida /
bronze lost wax, 88,5 x 34 x 26. Cambiaste

"Don Quijote / Don Quixote" (detalle / detail)

Aniversarios (CCLXIII) [Diciembre / December 14-16]

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Todos los aniversarios de Diciembre aquí / All anniversaries for December here.
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El 14 de Diciembre es el cumple de

Claude-François Attiret, escultor del Franco Condado, nacido en 1728 en Dole.
Perteneció a una dinastía de artistas particularmente activos en el siglo XVIII. Primo del pintor y misionero jesuita Jean Denis Attiret y del arquitecto Antoine Louis Attiret, recibió su formación en el taller familiar antes de ser alumno de Jean-Baptiste Pigalle. Admitido en la Academia de San San Lucas en París en 1760. Su carrera se dividió entre la capital francesa, el Franco Condado y la Borgoña, donde la clientela aristocratica le hizo importantes encargos (bajorrelieves del Castillo de Montmusard, de Plombières, hotel Buffon en Montbard, decoración de numerosos hoteles particulares en Dijon), sin olvidar los encargos públicos significativos (decoración del arco de triunfo, llamado Puerta Guillaume, en Dijon, fuente de la puerta de Arans en Dole).

"Portrait de femme / Retrato de una dama / Portrait of a Lady"
Mármol / marble, 1781. Musée du Louvre (París, Francia / France). Wikimedia Commons

También obtuvo reputación y prestigio después de que se le encargara en 1777 una serie de bustos de personajes famosos de Borgoña de los siglos XVII y XVIII.
Su obra principal sigue siendo el busto llamado "La chercheuse d'esprit" (1774), basada en el título de la ópera cómica de Charles-Simon Favart.
Murió en 1804.
El Museo de Bellas Artes de Dole le dedicó una gran retrospectiva en el año 2005.

"Busto de Luis XVI / Bust of Louis XVI"
Terracota (Galerie Didier Aaron). facebook

On December 14 is the birthday of

Claude-François Attiret, sculptor of the Franche-Comté, born in 1728 in Dole.
He belonged to a dynasty of artists particularly active in the eighteenth century. Cousin of the Jesuit painter and missionary Jean Denis Attiret and the architect Antoine Louis Attiret, he received his training in the family workshop before being a student of Jean-Baptiste Pigalle. He was admitted at the San Lucas Academy in Paris in 1760. His career was divided between the French capital, Franche-Comté and Burgundy, where the aristocratic clientele gave him important commissions (bas-reliefs of the Castle of Montmusard, of Plombières, hotel Buffon in Montbard, decoration of many private hotels in Dijon), without forgetting the significant public commissions (decoration of the triumphal arch, called Guillaume Gate, in Dijon, source of the Door of Arans in Dole).

Izq./ Left: "Saint Jean / San Juan / St. Johan"
Der./ Right: "Saint André / San Andrés / St. Andrew"
Cathédrale Saint Bénigne / Catedral de San Benigno (Dijon, Francia / France). Wikiphidias

He also gained reputation and prestige after he was commissioned in 1777 a series of busts of famous Burgundian people of the seventeenth and eighteenth centuries.
His main work is still the bust called "La chercheuse d'esprit" (1774), based on the title of the comic opera by Charles-Simon Favart.
He died in 1804.
The Museum of Fine Arts of Dole dedicated a great retrospective to him in the year 2005.

"La chercheuse d'esprit", mármol blanco / white marble, 63 x 37 cm., 1780. Christie's


El 15 de Diciembre es el cumple de

Ernst Friedrich August Rietschel, escultor alemán nacido en 1804 en Pulsnitz, Sajonia.
A temprana edad se convirtió en estudiante de arte en Dresde y, posteriormente, en alumno de Rauch en Berlín. Allí obtuvo una beca de arte y estudió en Roma en 1827-28. Después de regresar a Sajonia pronto se hizo notar por una colosal estatua de Federico Augusto, rey de Sajonia. Fue elegido miembro de la academia de Dresde y se convirtió en uno de los principales escultores de su país. En 1832 fue elegido para la cátedra de escultura de Dresde, y le fueron otorgadas muchas órdenes al mérito extranjeras por parte de los gobiernos de diferentes países.

"Statue von / Estatua de / Statue ofCarl Maria von Weber"
vor der Sempergalerie am Theaterplatz / Frente a la Plaza del Teatro / in front of Theater Square
(Dresde, Alemania / Dresden, Germany). Wikimedia Commons

El estilo de Rietschel era muy variado; produjo obras imbuidas de sentimientos religiosos, y hasta cierto punto ocupó el mismo lugar como escultor que Overbeck en la pintura. Otras obras importantes suyas fueron de estilo puramente clásico. Fue especialmente famoso por sus retratos de hombres eminentes, tratados con mucho idealismo y vigor dramático. Entre este grupo destacan las estatuas colosales de Goethe y Schiller para el monumento en Weimar, de Weber para Dresde y de Lessing para Braunschweig, fundida por Georg Howaldt. También diseñó el Monumento a Lutero en Worms, Alemania, y creó dos de sus muchas estatuas, pero murió antes de que se completara.
Las principales obras religiosas de Rietschel son el conocido Ángel de Cristo, y una Pietá de tamaño real, ejecutada por el rey de Prusia. También trabajó mucho en relieves, y produjo muchas piezas elegantes, especialmente una buena serie de bajorrelieves que representan "La noche y la mañana", "El mediodía y el crepúsculo", diseñados con mucha imaginación y sentimiento poético.
Murió en 1861.

"Monumento a Martín Lutero /Martin Luther Monument"
Reformationsdenknmal / Monumento a la Reforma / Monumento to Reform
Bronce / bronze, inaugurado el 25/6/68 / unveiled on 25 June 1868
Reformationsdenknmal (Worms, Alemania / Germany). Wikimedia Commons

El monumento consiste en un grupo de estatuas de bronce (de varios artistas) en plintos de piedra centrado en una estatua de Lutero, rodeado de otras de individuos relacionados y estatuas alegóricas que representan pueblos. Los elementos están dispuestos en forma de castillo, recordando el himno de Lutero "Ein feste Burg ist unsster Gott" ("Una fortaleza poderosa es nuestro Dios"). Es uno de los monumentos más grandes de Lutero. Hay copias de la estatua central de Lutero en Europa y los Estados Unidos, incluido el Monumento a Lutero en Washington, DC (1884). Wikipedia

"Martín Lutero / Martin Luther"

The monument consists of a group of bronze statues - by several artists - on stone plinths centred on a statue of Luther, surrounded by statues of related individuals and allegorical statues representing related towns. The elements are arranged in the shape of a castle, recalling Luther's hymn "Ein feste Burg ist unser Gott" ("A Mighty Fortress Is Our God"). It is one of the largest Luther Monuments. Copies of the central Luther statue are located in Europe and the United States, including the Luther Monument in Washington, D.C. (1884). Wikipedia

"Martín Lutero / Martin Luther". Wikimedia Commons
(Washington, EE.UU./ USA)
La estatua es una réplica de la de en Worms, Alemania. Fue erigida por la "Sociedad Martín Lutero" de Nueva York en conmemoración del 400 aniversario de su nacimiento.

The statue is a replica of the one at Worms, Germany. It was erected by the Martin Luther Society of New York in commemoration of the 400th anniversary of Luther's birth.

On December 15 is the birthday of

Ernst Friedrich August Rietschel, German sculptor born in 1804 in Pulsnitz, Saxony.
At an early age he became an art student at Dresden, and subsequently a pupil of Rauch in Berlin. He there gained an art studentship, and studied in Rome in 1827-28. After returning to Saxony, he soon brought himself into notice by a colossal statue of Frederick Augustus, King of Saxony; was elected a member of the academy of Dresden, and became one of the chief sculptors of his country. In 1832 he was elected to the Dresden professorship of sculpture, and had many foreign orders of merit conferred on him by the governments of different countries.

"Lessingdenkmal / Monumento a / Monumento toLessing"
(Lessingplatz / Plaza Lessing / Lessing Square, Braunschweig, Alemania / Germany). Wikimedia Commons

Rietschel's style was very varied; he produced works imbued with much religious feeling, and to some extent he occupied the same place as a sculptor that Overbeck did in painting. Other important works by him were purely classical in style. He was specially famed for his portrait figures of eminent men, treated with much idealism and dramatic vigour; among the latter class his chief works were colossal statues of Goethe and Schiller for the a monument in Weimar, of Weber for Dresden and of Lessing for Braunschweig cast by Georg Howaldt. He also designed the Luther Monument in Worms, Germany, and created two of its many statues, but died before it was completed.
The principal among Rietschel's religious pieces of sculpture are the well-known Christ-Angel, and a life-sized Pietá, executed for the king of Prussia. He also worked a great deal in reliefs, and produced many graceful pieces, especially a fine series of bas-reliefs representing "Night and Morning,""Noon and Twilight," designed with much poetical feeling and imagination.
He died in 1861.

"Das Goethe-und-Schiller-Denkmal / Monumento a los poetas Goethe y Schiller /
Monument to the poets Goethe and Schiller"
(Weimar vor dem Nationaltheater / Frente al Teatro Nacional, Alemania /
in front of the National Theater, Germany) Wikimedia Commons


"Schiller", Wikimedia Commons
Goethe en "El Hurgador" / in this blog[Sucesiones (II-2)]


Hoy, 16 de Diciembre, es el cumple de

José Miguel Blanco Gavilán, escultor y dibujante chileno nacido en 1839 en Santiago de Chile.
Su formación artística comenzó en un curso nocturno para obreros, dictado por Juan Bianchi en el Instituto Nacional. En 1858 ingresó a los talleres de escultura de la Escuela de Bellas Artes, donde tuvo como profesor al francés Auguste François. Integró la primera generación de escultores chilenos, junto a Nicanor Plaza.
En 1867 viajó becado a Europa. En París se incorporó al reconocido taller de grabación de medallas del escultor Jean-Baptiste Farochon (1812-1871). Dos años después ingresó en la Escuela de Bellas Artes, donde fue alumno del escultor Auguste Dumont (1801-1884) y de Eugène Guillaume (1822-1905). Debido a la guerra franco-prusiana (1870-1871) dejó Francia y viajó por Bélgica, Inglaterra e Italia. En este últimó país continuó sus estudios en Roma y Nápoles, particularmente con el pintor Giuseppe Mancinelli. Una vez calmada la situación política, Blanco regresó a la capital francesa, retomó sus estudios y participó de algunos concursos. Regresó a Chile en 1876, trayendo consigo aproximadamente cuarenta obras entre esculturas, bajo relieves y medallones.

"El tambor en reposo / The Drummer at Rest", bronce / bronze, 1884
Museo Nacional de Bellas Artes (Santiago de Chile). Wikimedia Commons

Su paso por Europa estimuló su veta intelectual. Las obras que produjo a su regreso (entre las que se cuenta "El tambor en reposo"), muestran una depurada técnica y una visión global de las artes, pero también un hacer permeado por un fuerte nacionalismo americanista, presente en casi toda aquella primera generación de escultores.
Fue también escritor y cronista, principalmente enfocado en la difusión del arte. Colaboró con medios de prensa y fundó los periódicos artísticos "El San Lunes" y "El Taller Ilustrado" (ambos en 1885). Este último circuló durante casi cuatro años y fue una de las primeras publicaciones de arte en Chile.
Murió en 1897.

"El tambor en reposo / The Drummer at Rest (replica)"
Entrada de la cripta de Bernardo O'Higgins al comienzo del paseo Bulnes /
entrance of the Bernardo O'Higgins crypt at the beginning of the Bulnes promenade,
(Santiago de Chile) Wikimedia Commons

Today, December 16, is the birthday of

José Miguel Blanco Gavilán, Chilean sculptor and draftsman born in 1839 in Santiago de Chile.
His artistic training began in a night course for workers, dictated by Juan Bianchi at the National Institute. In 1858 he entered the sculpture workshops of the School of Fine Arts, where he had as a teacher the Frenchman Auguste François. He integrated the first generation of Chilean sculptors, together with Nicanor Plaza.
In 1867 he traveled on a scholarship to Europe. In Paris he joined the renowned medallion workshop of the sculptor Jean-Baptiste Farochon (1812-1871). Two years later he entered the School of Fine Arts, where he was a student of the sculptor Auguste Dumont (1801-1884) and Eugène Guillaume (1822-1905). Due to the Franco-Prussian War (1870-1871) he left France and traveled through Belgium, England and Italy. In this last country he continued his studies in Rome and Naples, particularly with the painter Giuseppe Mancinelli. Once the political situation was calm, Blanco returned to the French capital, resumed his studies and participated in some competitions. He returned to Chile in 1876, bringing with him approximately forty works among sculptures, bas-reliefs and medallions.

"El padre Bartolomé de las Casas amamantado por una india /
Bartolomé de las Casas Nursed by an Indian", mármol / marble
Museo O’Higginiano (Talca, Chile)

His time in Europe stimulated his intellectual vein. The works he produced on his return (among which "The drummer at rest"), show a refined technique and a global vision of the arts, but also a way of work permeated by a strong Americanist nationalism, present in almost all that first generation of sculptors.
He was also a writer and chronicler, mainly focused on the dissemination of art. He collaborated with the press and founded the artistic newspapers "El San Lunes" and "El Taller Ilustrado" (both in 1885). The latter circulated for almost four years and was one of the first art publications in Chile.
He died in 1897.

"El padre Bartolomé de las Casas amamantado por una india /
Bartolomé de las Casas Nursed by an Indian" (detalle / detail). Museo O'Higginiano (Talca, Chile)
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Hoy, 16 de Diciembre, es el cumple de

Josep Clarà i Ayats, escultor catalán español nacido en 1878 en Olot, Girona.
Asistió a la Escuela de Dibujo de Olot (Escola de Dibuix d'Olot) con el profesor Josep Berga i Boix (1837–1914). Durante la época de Clarà en la escuela, Joaquín Vayreda (1843–1894) elogió uno de los dibujos de Clarà; esto alentó enormemente sus esfuerzos artísticos y fue uno de sus recuerdos más felices de su infancia. En 1897 se matriculó en la Escuela de Bellas Artes de Toulouse, Francia. Se mudó a París en 1890, donde conoció a Auguste Rodin, lo que le llevó a dedicarse a la escultura. También se hizo amigo del escultor Arístide Maillol. Fue alumno de Louis-Ernest Barrias. Entre su obra destacan sus bocetos de movimientos distintivos de la bailarina Isadora Duncan. Después de la muerte de Duncan en 1927, Antonia Mercé sirvió como modelo de Clarà. La instrucción de Clarà culminó con viajes a Londres e Italia.

"La Deessa o l'Enigma / La diosa o El enigma / The Goddess or The Enigma"
Mármol / marble, 39,5 x 19,5 x 22,4 cm., 1928
Museu Nacional D'Art de Catalunya (Barcelona, España / Spain)

Regresó a París, donde destacó como escultor. Encuadrado en el "Mediterraneísmo", su obra era figurativa, sólida y compacta. Realizó numerosas exposiciones de su obra en París, Londres, Berlín y Barcelona. En 1932 se trasladó permanentemente a Barcelona. Allí siguió trabajando y exponiendo hasta su muerte. Su última escultura fue "Estática" (1954-1958).

"La Deessa o l'Enigma / La diosa o El enigma / The Goddess or The Enigma"
Ayuntamiento de Barcelona (Barcelona, España / Spain). Wikimedia Commons

La mayoría de sus obras se conservan ahora en el Museu Comarcal de la Garrotxa en Olot y del Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC) en Barcelona. Otras obras se encuentran en el Centro Pompidou (París), el Museo Nacional de Bellas Artes (Santiago de Chile, Chile), el Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires, Argentina), el Museo Nacional de Bellas Artes (La Habana, Cuba), el Musée des Augustins (Toulouse, Francia), y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid).
Murió en 1958.

"La Deessa o l'Enigma / La diosa o El enigma / The Goddess or The Enigma"
Plaça de Catalunya (Barcelona, España / Spain). Wikimedia Commons

Today, December 16, is the birthday of

Josep Clarà i Ayats, Spanish Catalan sculptor born in 1878 in Olot, Girona.
He attended the Olot School of Drawing (Escola de Dibuix d'Olot) with professor Josep Berga i Boix (1837–1914). During Clarà's time at the school, Joaquín Vayreda (1843–1894) highly praised one of Clarà's drawings; this greatly encouraged Clarà's artistic endeavors and was one of his happiest childhood memories. In 1897, Clarà enrolled in the School of Fine Arts in Toulouse, France. He moved to Paris in 1890, where he met Auguste Rodin, which caused him to pursue sculpture. He also became close friends with sculptor Arístide Maillol. He was a student of Louis-Ernest Barrias. His sketches of dancer Isadora Duncan's distinct movements stand out among Clarà's work. After Duncan's death in 1927, Antonia Mercé instead served as Clarà's model. Clarà's training was capped off with travels to London and Italy.

"Juventut / Juventud / Youth", original 1928, copia / copy 1993
Plaza Catalunya (Barcelona, España / Spain). Wikimedia Commons

He returned to Paris, where he distinguished himself as a sculptor. A part of "Mediterraneísmo", his work was figurative, solid, and compact. He put on numerous exhibitions of his work in Paris, London, Berlin, and Barcelona. In 1932, he moved permanently to Barcelona. There he continued working and exhibiting until his death. His last sculpture was "Estática" (1954–1958).

"Vida interior / Inner Life", wármol / marble, 48 x 37 x 37 cm., 1918

Most of his works are now held by the Museu Comarcal de la Garrotxa in Olot and by the Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC) in Barcelona. Other works are held by the Pompidou Centre (Paris), Museo Nacional de Bellas Artes (Santiago de Chile, Chile), Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires, Argentina), Museo Nacional de Bellas Artes (Havana, Cuba), Musée des Augustins (Toulouse, France), and the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid).
He died in 1958.

"Crepúsculo / Twilight", mármol / marble, c.1900. Museo Nacional de Bellas Artes (Santiago de Chile)
Foto / Photo: Hanneorla Hanneorla, Flickr

"Crepúsculo / Twilight", mármol / marble, c.1900
Museo Nacional de Bellas Artes (Santiago de Chile). Wikimedia Commons

Recolección / Compilation (CXX) - Desnudo femenino / Female Nude

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Amedeo Modigliani
(Livorno, Italia / Italy, 1884 - París, Francia / France, 1920)

"Nu couché (sur le côté gauche) / Desnudo acostado (sobre el lado izquierdo) /
Reclining nude (on the left side)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 89,5 x 146,7 cm., 1917. Sotheby's

Quince francos diarios. Ese fue el estipendio que Leopold Zborowski, el comerciante de Modigliani, le ofreció en 1917 para pintar una serie de desnudos. Con esta suma, Modigliani creó varias de las pinturas más impresionantes de la historia del arte, reimaginando el desnudo para la era moderna. "Desnudo acostado" es la obra maestra de esa serie.
Las modelos de Modigliani cobraron cinco francos por posar en un apartamento justo encima del de Zborowksi, en la calle Joseph Bara Nº 3, ubicado entre el Cementerio de Montparnasse y los Jardines de Luxemburgo. Estas modelos envueltas en sábanas, sentadas ​​en sillas, reclinadas en sofás o camas, eran relativamente anónimas; Modigliani no pintó a sus amantes en déshabille. Si bien el artista pudo haber tenido una distancia emocional con las modelos de estas obras, ciertamente no tenía una distancia física. Dominan su espacio, desprovistas de todo salvo alguna almohada o silla, llenando el cuadro con las manos y pies estirados, antebrazos y pantorrillas, literalmente, fuera de los bordes del lienzo. A veces la modelo se envuelve en una camisa o una sábana, generalmente exhibiendo más de lo que los tejidos ocultan. Las mujeres de Modigliani se sienten fuertes, reales y sustanciales. Su desnudez es segura de sí misma y orgullosa, no encubierta en mitos o alegorías.
"Desnudo acostado" es el cuadro más grande pintado por Modigliani, y el único de sus desnudos horizontales que contiene la figura completa dentro del lienzo. La modelo mira con confianza por encima de su hombro derecho, la pendiente de su perfil replicando el espacio negativo a lo largo de los bordes de su torso. Combinado con los tonos de carne ricamente modulados de las figuras y el fondo en tonos oscuros, la obra ofrece una visión única y moderna del tema más grande del arte occidental.

"Nu Couché au coussin Bleu / Desnudo acostado sobre un cojín azul / Nude Lying on a Blue Cushion"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60,1 × 92,1 cm., 1916.
Colección privada / Private Collection Rybolovlev. Wikimedia Commons

Fifteen Francs a day. That was the stipend Leopold Zborowski, Modigliani's dealer, offered him in 1917 to paint a series of nudes. With this sum Modigliani created several of the most stunning paintings in the history of art, reimagining the nude for the Modern era. Nu couché is the masterpiece of that series. 
Modigliani's models were paid five francs to pose in an apartment just above Zborowksi’s own at 3 rue Joseph Bara, tucked between the Cimetière du Montparnasse and the Jardin du Luxembourg. These models, draped in sheets, perched on chairs, reclining on sofas or beds, were relatively anonymous; Modigliani did not paint his paramours en déshabille. While the artist may have had emotional distance from the sitters of these works, he certainly did not have physical distance. They dominate their space, devoid of setting beyond a pillow or chair, filling the frame with stretching hands and feet, forearms and calves literally off of the edges of the canvas. Sometimes the model clasps a chemise or sheet around her, often putting more on display than the drapery conceals. Modigliani's women feel strong, real, and substantial. Their nudity is self-assured and proud, not cloaked in myth or allegory. 
Nu couché is the largest painting Modigliani every painted, and the only one of his horizontal nudes to contain the entire figure within the canvas. The sitter looks confidently back over her right shoulder, the slope of her profile echoing the negative space along the edges of her torso. Combined with the figures’ richly modulated flesh tones and dark-hued background, Nu couché, delivers a uniquely modern vision of the greatest subject in Western Art.

"Nu Couché / Desnudo acostado / Reclining Nude"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 72,4 x 116,5 cm., 1919
Museum of Modern Art (MoMA) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Amedeo Modigliani en "El Hurgador" / in this blog[Todos los enlaces / All links]
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Howard Chandler Christy
(Duncan Falls, Ohio, EE.UU./ USA, 1873 - 1952)

"Desnudos en la playa / Nudes at the Beach"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 101,5 x 127 cm., 1930. Sotheby's
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Christoph R. Aerni
(Hägendorf, Suiza / Switzerland, 1954-)

"Diálogo / Dialog"

"Blauer Akt / Desnudo azul / Blue Nude"

"Nina Burri", 120 x 120
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Adrian Gottlieb
(EE.UU. / USA, 1975-)

"Vuelo / Flight", óleo sobre lino / oil on linen, 25 x 43 cm.

"Pasithea", óleo sobre lino / oil on linen, 24" x 26"

Adrian Gottlieb en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (XLV)], [Recolección (LVIII)]
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Jules Joseph Lefebvre
(Tournan-en-Brie, Francia / France, 1834 - París, 1912)

"Diana, Chasseresse / la Cazadora / The Hunter"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 33" x 22". Cottone Auctions

"Marie Madeleine dans la grotte / María Magdalena en la gruta / Mary Magdalene In The Cave"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 71,5 x 113,5 cm., 1876. Wikimedia Commons
Государственный Эрмитаж / Museo Hermitage (San Petersburgo, Rusia / Saint Petersburg, Russia)

"Chloé / Chloé / Chloë", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 260 x 139 cm., 1875
Young and Jackson Hotel (Melbourne, Victoria, Australia). Wikimedia Commons

Con Chloé, Lefebvre ganó la Medalla de Oro de Honor en 1875. Posteriormente se exhibió en muestras de arte como la de la Galería Francesa en la Exposición Internacional de Sydney en 1879 y la Exposición Internacional de Melbourne en 1880.
Chloé fue luego comprada por el Dr. Thomas Fitzgerald de Lonsdale Street, Melbourne, por 850 guineas. La controversia surgió cuando la pintura iba a ser exhibida los domingos. La Asamblea Presbiteriana consideró que la pintura era demasiado escandalosa para mostrarla los domingos, por lo que finalmente tuvo que ser retirada de las galerías. Tras la muerte de Fitzgerald en 1908, la pintura fue subastada a Norman Figsby Young. Henry Young y Thomas Jackson compraron Chloé en 1908 a Norman Figsby Young y colocaron la pintura en el bar de su hotel.
Chloé cautivó el amor de muchos soldados durante la Primera Guerra Mundial, la Segunda Guerra Mundial, la Guerra de Corea y la Guerra de Vietnam, que frecuentaban el bar antes de salir para la batalla. Miles de soldados irían al Hotel Young and Jacksons para beber y verla. Incluso se le enviaron cartas desde las guerras de trincheras de Turquía, Francia y Papua Nueva Guinea, prometiendo regresar con ella. Los soldados estadounidenses llegaron hasta el punto de idear un plan para secuestrarla.
La modelo para esta pintura se llamaba Marie, no Chloé. Nació en una familia pobre en 1856 y era de ascendencia persa. Se fue de su casa a una edad temprana y comenzó a posar para artistas para obtener algún ingreso para ella y su hermana. Tenía 19 años cuando Lefebvre la pintó.

"Estudio para / Study for Chloé", óleo sobre panel / oil on panel, 28,26 x 13,97 cm., 1875 
Joslyn Art Museum (Omaha, Nebraska, EE.UU./ NE, USA)

With Chloé Lefebvre won the Gold Medal of Honour in 1875. It was subsequently displayed in art exhibitions such as the French Gallery at the Sydney International Exhibition in 1879 and the Melbourne International Exhibition in 1880.
Chloé was then purchased by Dr. Thomas Fitzgerald of Lonsdale Street, Melbourne, for 850 guineas. Controversy arose when the painting was to be exhibited on Sundays. The Presbyterian Assembly found the painting to be too scandalous to show on Sundays, so it had to eventually be taken down from galleries. Upon Fitzgerald's death in 1908, the painting was auctioned off to Norman Figsby Young. Henry Young and Thomas Jackson bought Chloé in 1908 from Norman Figsby Young and placed the painting in the bar of their hotel.
Chloé captivated the love of many soldiers during World War I, World War II, the Korean War, and the Vietnam War, who frequented the bar before they left for battle. Thousands of soldiers would go to the Young and Jacksons Hotel to drink and to see her for company. Letters were even addressed to her from the trench wars of Turkey, France, and Papua New Guinea, promising to return to her. American soldiers went as far as coming up with a plan to abduct her.
The model for this painting was named Marie, not Chloé. She was born to a poor family in 1856, and was of Persian descent. She left home at a young age and started posing for artists in order to gain some income for herself and her sister. She was 19 when Lefebvre painted her.

Interior del hotel / Inside the Young & Jackson Hotel. Link

Jules Joseph Lefebvre en "El Hurgador" / in this blog[Arte y videos (IV)], [Aniversarios (CCXVIII)]
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Teodor Axentowicz
Թեոդոր Աքսենտովիչ
(Braşov, Imperio austríaco / Austrian Empire, 1859 -
Cracovia, Segunda República Polaca / Kraków, Second Polish Republic, 1938)

"Noc / Noche / Night", pastel sobre papel / pastel on paper, 103 x 86,7 cm. Artinfo

"Wiosna / Primavera / Spring"
Pastel sobe papel / pastel on paper, 74,5 x 59 cm., 1900
Muzeum Mazowieckie w Płocku (Płock, Polonia / Poland). Wikimedia Commons
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Alexandre Jacques Chantron
(Nantes, Francia / France, 1842 - 1918)

"Diane au Bain / en su baño / at her Bath"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 190,5 x 113,6 cm. Bonhams

"Danae", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1891
Musée des Beaux-Arts (Rennes, Francia / France). Wikimedia Commons
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Irvin Rodriguez
(Bronx, Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1988-)

"Estudio para 'Errante' / Study for 'Wanderer'"
Grafito sobre papel / graphite on paper, 48,3 × 33 cm., 2015. Artsy

"Errante / Wanderer", óleo sobre lino / oil on linen, 127 × 76,2 cm. Artsy
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Harry Maas
(Holanda / Netherlands, 1906 - 1982)

"Desnudo / Nude", acuarela / watercolour 39,5 x 38 cm., 1974. Catawiki
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Julio Eduardo Fossa Calderón
(Valparaíso, Chile, 1884 - París, Francia / France, 1946)

"Desnudo / Nude", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 55,5 x 46 cm.
Museo de Arte Contemporáneo, Universidad de Chile (Santiago de Chile) Wikimedia Commons
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Henri Gervex
(Montmartre, París, Francia / France, 1852 - 1929)

"Rolla", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 175 x 220 cm., 1878
Musée des Beaux-Arts (Bordeaux, Francia / France). Wikimedia Commons
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Jacques-Émile Blanche
(París, Francia / France, 1861 - Offranville, Normandía / Normandie, 1942)

"La petite masque / La mascarita (Joven después del baile de máscaras) /
The Little Mask (Young girl after a masked ball)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 147 x 198 cm., 1906
Städel Museum (Frankfurt am Main, Alemania / Germany)
Wikipedia (English)

Jacques-Émile Blanche en "El Hurgador" / in this blog[Manos a la obra (XVII)]


Laura Ball [Acuarelas / Watercolors]

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Laura Ball

Laura trabajando en "Pila de la selva" / at work with "Jungle Stack".
Fotograma del video que puede verse más abajo / Still of the video you can see below

Laura Ball es una notable artista estadounidense nacida en 1972 que vive y trabaja en San Diego, California.
Obtuvo una Licenciatura en Ciencias de la Universidad de California (1995, Davis) y un Máster en Bellas Artes de la misma Universidad (2004, Berkeley)
Desde hace varios años Laura ha venido creando coloridas e intrincadas composiciones utilizando básicamente acuarelas y grafito, en las que los elementos principales son los animales. La artista se vale de ellos para explorar el subconsciente y plasmar su preocupación por cuestiones medioambientales y conservacionistas.
Ha recibido numerosos premios y becas, y expuesto en galerías de Estados Unidos e internacionalmente. Su obra se encuentra en importantes colecciones privadas y públicas, incluidas las recientes adiciones al Museo de Arte de Denver y el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA).

"Tigre II / Tiger II", acuarela y grafito / watercolor and graphite, 58,42 x 73,66 cm., 2017 © Laura Ball

"Sauce llorón (Árbol de la vida) / Weeping Willow (Tree of Life)"
Acuarela y grafito sobre papel / watercolor and graphite on paper, 76,2 x 55,88 cm., 2015
 © Laura Ball

"Isla de Fuego Nº 2 / Fire Island #2", acuarela y grafito sobre papel Arches /
watercolor and graphite on Arches paper, 50,8 x 40,64 cm., 2017 © Laura Ball

"Árbol del conocimiento / Tree of Knowledge"
Acuarela y grafito / watercolor and graphite, 51" x 45", 2018 © Laura Ball

El árbol del conocimiento se basa en el mito persa del árbol Vaq Vaq, que incorpora animales y humanos que crecen en sus ramas y dispersan el conocimiento y la información. Su versión presenta enredaderas y ramas que se desplazan por toda la página y terminan en jirafas, leopardos y muchas otras criaturas. Ball dice "Esta pieza es realmente la culminación de todo aquello en lo que estoy trabajando"

Vaq Vaq o Vak Vak es un árbol mítico cuyas ramas terminan en cabezas de diferentes animales. Estas cabezas hablan. Según la leyenda, uno de estos árboles informó a Alejandro Magno de su temprana muerte. El árbol está representado en miniaturas mogoles y persas.

"Árbol del conocimiento / Tree of Knowledge" (detalle / detail) © Laura Ball

Tree of Knowledge is based on the Persian myth of the Vaq Vaq tree, which has animals and humans growing out his branches and disperses knowledge and information. Her version features vines and branches that scroll across the entire page and end in giraffes, leopards and numerous other creatures. Ball says "This piece is really the culmination of everything I'm working on"

Vaq Vaq or Vak Vak is a mythical tree in which the limbs terminated in heads of different animals. These heads talked. According to the legend, such a tree informed Alexander the Great of his early death. The tree is depicted in Mughal and Persian miniatures. 
Izq./ Left: "Mandala del grifo / Griffin Mandala", acuarela y grafito sobre papel /
watercolor and graphite on paper, 76,2 x 55,88 cm., 2015 © Laura Ball
Der./ Right: "Hidra / Hydra", acuarela y grafito sobre papel /
watercolor and graphite on paper, 76,2 x 55,88 cm., 2015 © Laura Ball

"Lobo rojo / Red Wolf", acuarela, grafito y papel de oro /
watercolor, graphite and gold foil, 32" x 44", 2018 © Laura Ball

«Con el nivel de detalle que uso, estas piezas grandes insumen mucho tiempo y son físicamente exigentes durante un par de meses. Tan sólo por este hecho, es interesante ver las obras en vivo. Creo que aunque algunos de los temas puedan ser tristes, intento presentarlos con una luz hermosa y esperanzadora, como que hay una manera en la que puedan vivir para siempre.»

"Crecimiento 8 / Growth 8", acuarela y grafito sobre papel /
watercolor and graphite on paper, 50,8 x 40,64 cm., 2013 © Laura Ball

"Mandala de tigres 2 / Tiger Mandala 2"
Acuarela y grafito / watercolor and graphite, 20" x 17", 2017 © Laura Ball

«Los grandes gatos han sido mi amor durante más tiempo. Leopardos, tigres y pumas son los animales más hermosos que puedo imaginar. Me fascinan sus ojos, amplios y grandes. Me encanta verlos moverse, correr, saltar, escalar... son ágiles y elegantes. En el zoológico, me quedo en sus recintos la mayor parte del tiempo.»

"Mandala de tigres 2 / Tiger Mandala 2" (detalle / detail) © Laura Ball

"Minotauro 1 (Acumulación) / Minotaur 1 (Accumulation)"
Acuarela y grafito sobre papel / watercolor and graphite on paper, 101,6 x 66 cm., 2012 © Laura Ball

«Con el nivel de detalle que uso, estas piezas grandes insumen mucho tiempo y son físicamente exigentes durante un par de meses. Tan sólo por este hecho, es interesante ver las obras en vivo. Creo que aunque algunos de los temas puedan ser tristes, intento presentarlos con una luz hermosa y esperanzadora, como que hay una manera en la que puedan vivir para siempre.»

"Mandala de pegaso (Cuaga) / Pegasus Mandala (Quagga)"
Acuarela y grafito / watercolor and graphite, 71,12 x 55,88 cm., 2016 © Laura Ball

En su serie de pinturas "Mandala", Ball teje imágenes de especies en peligro de extinción en forma de bucles, que representan un proceso cíclico de fallo humano y autoevaluación. Nos invita a meditar sobre la belleza y fragilidad de la criaturas con las que compartimos el mundo y a reflexionar sobre las fallas ocultas dentro de nosotros que amenazan su supervivencia.

"Asamblea de los animales 1 / Assembly of the Animals 1"
Acuarela, grafito, papel de oro y polímero acrílico /
watercolor, graphite, gold foil and acrylic polymer, 130,81 x 82,55 cm., 2018 © Laura Ball

Laura trabajando en "Batalla de tigres" / at work with Tiger Battle

Laura Ball is a remarkable American artist born in 1972 who lives and works in San Diego, CA.
BS from the University of California (Davis, 1995) and MFA from the University of California (Berkeley, 2004)
For several years, Laura has been creating colorful and intricate compositions using basically watercolors and graphite, in which the main elements are animals. The artist uses them to explore the subconscious and express her concern for environmental and conservationist issues.
He has received numerous awards and scholarships, and exhibited in galleries in the United States and internationally. His work is held by important private and public collections, including recent additions to the Denver Museum of Art and the Los Angeles County Museum of Art (LACMA).

"Batalla de tigres / Tiger Battle", acuarela y grafito / watercolor and graphite, 190,5 x 130,81 cm., 2018 © Laura Ball

"Guardián del portal / Guardian of the Gateway", acuarela y grafito sobre papel /
watercolor and graphite on paper, 127 x 114,3 cm., 2015 © Laura Ball

"Quimera / Chimera", acuarela y grafito sobre papel /
watercolor and graphite on paper, 76,2 x 55,88 cm., 2015 © Laura Ball

«Within the subconscious, our faults and fears, shortcomings and struggles, manifest in corporeal form and appear in dreams either as monsters or as encounters that threaten our survival. We journey inward in these dreams, crossing the thresholds and boundaries of our mental landscape until we reach the core of the psyche. It is in this realm that life-saving and sustaining battles unfold, and the monsters we encounter change before us as the definition of evil and good moves from black-and-white to shades of gray. The primal nature of our internal impulses and their dream-world expressions are given the freedom to unfold in a place where moral weight and the laws of physics are suspended, and acts of aggression, violence and sexuality serve as productive steps towards conquering our Jungian “shadow” and slaying the monsters that hold us back from a healthy progression in our daily lives.» Artist Statement (2010)

"Refugio (Reunión) 4 / Refuge (Gathering) 4"
Acuarela y grafito sobre papel / watercolor and graphite on paper, 30" x 22", 2014 © Laura Ball

"Los caribúes / The Caribous", acuarela y grafito sobre papel /
watercolor and graphite on paper, 81,28 x 132,08 cm., 2016 © Laura Ball

"Los caribúes / The Caribous" (detalle / detail) © Laura Ball

"Ganesh / Ganesha", acuarela y grafito sobre papel /
watercolor and graphite on paper, 76,2 x 55,88 cm., 2015 © Laura Ball

"Tigre I / Tiger I", acuarela y grafito / watercolor and graphite, 58,42 x 73,66 cm., 2017 © Laura Ball

«Large cats have been my love for the longest time. Leopards, Tigers, and Cougars are the most beautiful animals I can think of. I am fascinated by their eyes – wide and large. I love to watch them move, run, jump, climb…they are limber and graceful. At the zoo, I stay at their enclosures the longest.»

"Fantasía floral / Floral Fantasy", acuarela, grafito, láminas de oro y polímero acrílico /
watercolor, graphite, gold foil and acrylic polymer, 76,2 x 55,88 cm., 2018 © Laura Ball

"Plantarum mandala", acuarela, grafito y láminas de oro /
watercolor, graphite and gold foil, 22" x 20", 2018 © Laura Ball

In her series of “Mandala” paintings, Ball weaves images of endangered and extinct species into looping forms, representing a cyclical process of human failure and self-evaluation. She invites us to meditate on the beauty and frailty of our fellow creatures and to ponder the hidden flaws within ourselves that threaten their survival.

"Tot / Thoth (Ibis)", acuarela, grafito, láminas de oro y polímero acrílico /
watercolor, graphite, gold foil and acrylic polymer, 76,2 x 55,88 cm., 2018 © Laura Ball

«With the detail I use, these large pieces take a long time to make and are physically demanding for a couple of months. So, that alone will make the work interesting to view in person. I think even though some of the subject matter can be sad, I tried to present it in a hopeful and beautiful light, that there is a way they can live forever.»

"Progresión / Progression", acuarela y grafito sobre papel /
watercolor and graphite on paper, 101,6 x 66 cm., 2012 © Laura Ball
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"Mito", video de Bryan Bangerter, producido por Dane Cardiel (inglés sin subtítulos)
Myth, a video by Bryan Bangerter, produced by Dane Cardiel. Manor House

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Fuentes / Sources:
* Website
* Perfil de la artista / Artist's profile, David Smith Gallery
* Perfil de la artista / Artist's profile, Morgan Lehman Gallery
* Entrevista a / Interview with Laura Ball, Artworks for Change
* Alfombras orientales: Un vocabulario ilustrado de motivos, materiales y orígenes, por Peter F. Stone /
Oriental Rugs: An Illustrated Lexicon of Motifs, Materials, and Origins, by Peter F. Stone. 
* Reseña previa de la muestra "Quimera" / Preview of the show "Chimera"

Más sobre / More about Laura Ball: Website, Instagram, facebook

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Laura!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Laura!)

Jenifer J. Renzel (II) [Escultura, ensamblaje / Sculpture, Assemblage]

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Jenifer Renzel es una interesantísima artista cuya práctica gira en torno a la pintura y el ensamblaje. En el post anterior disfrutábamos de sus pinturas. En este les presento una selección de sus ensamblajes y esculturas, casi todas ellas composiciones tridimensionales construidas con objetos recuperados que la artista transforma para adaptarlos a su idea, a menudo usando cajas antiguas o marcos alrededor de un personaje central, en los que la acumulación de los diferentes objetos configura curiosos retablos en los que, al igual que en sus pinturas, no faltan el humor y los seres extraños.

Jenifer Renzel is a very interesting artist whose practice revolves around painting and assemblage. In the previous post we enjoyed her paintings. In this one I present a selection of her assemblage and sculptures, almost all of them three-dimensional compositions built with found objects that the artist transforms to adapt them to her idea, often using ancient boxes or frames around a central character, in which the accumulation of different objects form curious altarpieces in those who, as in her paintings, humor and strange beings abound.
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Jenifer J. Renzel

Jenifer con su pieza "Batalla entre el Paraíso y el Infierno" /
with her piece "Battle of Heaven and Hell", Sacred Art, 6/2018

Jenifer J. Renzel es una artista estadounidense nacida en 1965. Se define a sí misma como una "artista de ensamblajes y pintora autodidacta con mucha imaginación", algo bastante fácil de ver en sus coloridas pinturas y curiosos ensamblajes, como los que podemos ver aquí.


"Batalla entre el Paraíso y el Infierno / Battle of Heaven and Hell", 40,5" x 20" x 8" (*)

"Transporte ganso / Goose Transport"

«Con los ensamblajes, a menudo comienzo teniendo ya una idea. Tal vez esto se deba a que he estado haciendo ensamblajes por más tiempo, o tal vez se trata del medio en sí. Si encuentro algo súper genial e inusual, a menudo es natural simplemente construir una caja a su alrededor. Por otro lado, a veces tengo una idea y hago que el personaje del punto focal sea de arcilla. Tal vez se reduce al hecho de que con el ensamblaje, no tienes que comprometerse con una idea sin tener una idea bastante buena de la forma que tomará. Es fácil reorganizar los objetos físicos, mientras que volver a pintar sobre falsos comienzos es un poco más desalentador.»

"Criaturas lunares / Moon Creatures"
Cabezas de luna esculpidas y planetas fabricados / sculpted moon heads and fabricated planets

"Trio"

«Por la razón que sea, solo me gusta usar cosas viejas: la época victoriana o más antiguo es lo mejor. Me han dicho que tengo un estilo tipo Dada en el que las cosas encajan visualmente, aunque no tendrían sentido juntas. O sea que tal vez soy una artista de ensamblaje dadaísta o un artista de medios mixtos de una época diferente.
Todo lo que puedo decir es que paso mucho tiempo colocando las cosas juntas para ver si se ven bien. Busco constantemente en mis contenedores de basura el cuerpo correcto o la cabeza correcta o el sombrero correcto o lo que sea. Me gusta tener varias piezas al mismo tiempo porque a veces es muy difícil encontrar la pieza correcta antes de poder continuar. Me gusta pasar a otro proyecto cuando llegue la inspiración, y luego volver a los proyectos estancados. El cierre es difícil. Es difícil saber cuándo una pieza está realmente terminada.»

"Comunidad / Community"

"Ejército de payasos (reelaborado) / Clown Army (reworked)", 21" x 17" x 4,5" (*)

Jenifer me ha comentado que se siente especialmente orgullosa de esta obra y de las otras que he señalado con (*)

"Pájaro de Babel / Babel Bird"

«Primero, necesito los objetos ... cajas, armazones, muñecas, juguetes, libros viejos con imágenes, herrajes de metal oxidado, telas viejas y sucias, cosas que se encuentran en la playa y en el bosque, y un montón de basura inclasificable. Luego las herramientas y suministros. Uso toneladas de herramientas manuales ... alicates, punzones, cortadores de pernos, cizallas, taladros, martillos, cinceles, etc. En cuanto a suministros, gran cantidad de pegamentos (epoxis y pegamentos para madera), alambre, diminutos tornillos y clavos, toneladas de pinturas, medios de pintura craquelada, elementos de collage, nogalina, barnices, compuestos opacos y varios tipos de madera.»

"Caminante de palo / Stick Walker"

"El tiempo ataca / Time Attacks"

El estudio / The Studio

Jenifer J. Renzel is an American artist born in 1965. She defines herself as a "self-taught assemblage artist and painter with lots of imagination", something easy to see in her colorful paintings and curious assemblages as we can see here.

"Gran insecto / Big Bug"

"Pibe araña / Spider Boy"

Calesa de Halloween / Halloween Buggy"

«With the assemblages, I often start with an idea first. Maybe this is because I’ve been doing assemblages longer, or maybe it’s about the medium itself. If I find a super cool, unusual thing, it’s often natural to just build up a box around it. On the other hand, sometimes I have an idea and I  make the focal point character out of clay. Maybe it boils down to the fact that with assemblage, you don’t have to commit to an idea without getting a pretty good idea of the form it will take. It’s easy to rearrange physical objects, whereas re-painting over false starts is a little more discouraging.»

"Cabeza de púas / Tine Head" (*)

Jenifer told me she's fairly proud of this work, and the others I marked with (*)

"El ciempiés humano / Centipede Man"

"Fiesta dadaísta / Dada Party"

«For whatever reason, I only like to use old stuff– Victorian era or older is best. I’ve been told that I have a Dada type style in which things fit together visually even though they might not otherwise make sense together. So, maybe I’m a Dada assemblage artist or a mixed-media artist from a different era.  
All I can say is that I spend lots of time holding things together to see if they look right. I’m constantly searching through my bins of junk looking for the right body or the right head or the right hat or whatever. I like to have several pieces going at the same time because sometimes it’s really hard to find just the right piece before I can continue.  I like to move on to another project when the inspiration hits, then move back to stalled projects. Closure is hard. It’s hard to know when a piece is really done.»

"La tríada / The Triad"

"La tríada / The Triad"

"Monstruo rodante / Monster Wheelie"
Construido sobre una caja de madera antigua / built on vintage wooden box, 15" x 15" x15"

«First, I need the objects …  boxes, frames, dolls, toys, old, ratty books with pictures, rusted metal hardware, old, dirty fabric, stuff found on the beach and in the woods, and lots of uncategorizeable junk. Then the tools and supplies.  I use tons of hand tools … pliers, punches, bolt cutters, shears, hole punches, hammers, chisels, etc. For the supplies, lots of glues (epoxies and wood glues), wire, tiny screws and nails, tons of paints, crackle paint medium, collage medium, walnut stains, varnishes, dulling compounds, and various types of wood.»

"Mascota sobredimensionada / Oversized Pet"

"Chico volante / Flyer Boy"
Objetos recuperados, muñeca reconstruida, carcasa de reloj /
found objects, reconstructed doll, clock case

"Fantasmas / Ghosts", 17" x 12" x 4"
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Fuentes / Sources:
* Website
Entrevista en / Interview indeviantART, 1/2011
* Texto biográfico de la artista / Artist's biographic text

Jenifer J. Renzel en "El Hurgador" / in this blog
[Recolección (XLVII)], [Jenifer J. Renzel (I, Pintura)]

Más sobre / More about Jenifer Renzel: WebsitedeviantARTInstagramfacebookPinterest

Imágenes publicadas con autorización de la artista 
(Gracias Jenifer por tu permiso y la información que me enviaste)
Images published here with artist's permission
(Thanks a lot Jennifer for your authorization and the information you sent me)

Aniversarios (CCLXIV) [Diciembre / December 17-20]

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Todos los aniversarios de Diciembre aquí / All anniversaries for December here.
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El 17 de Diciembre es el cumple de

Eugène Cyrille Brunet, escultor francés, nacido en Sarcelles en 1828, hijo de André Brunet y Aglaé-Julie Drouet.
Estudió con Armand Toussaint en la Escuela de Bellas Artes. Allí conoció a Édouard Manet, con quien hizo un viaje de estudios a Florencia en 1857. En octubre de 1861 se casó con Caroline de Pène, quien fue pintada por Manet en esa época. En la libreta de direcciones de Manet, Brunet está registrado como residente en Bretaña.
Escultor de temas clásicos, es conocido por su sensual estatua de mármol de Messalina reclinada, expuesta en el Salón de 1884.
Envió un busto de mármol de su padre al Salón de 1855. En 1859 esculpió un busto de Alphonse Daudet, y luego las estatuas de San Francisco de Sales y San Jerónimo.

"Mesalina / Messalina", mármol de Carrara / Carrara marble, 1884
Musée des Beaux-Arts (Rennes, Francia / France). Wikimedia Commons

Al final del Segundo Imperio, en 1869, la pareja Brunet se mudó a Loctudy, la ciudad bretona del sur de Finistere, donde adquirió la mansión Kerenez. Eugène participó plenamente en la política local como miembro del Partido Liberal. Su hija Jeanne nació en 1874.
El 24 de enero de 1875, una violenta tormenta cayó sobre Bigouden. Unos días después la pequeña Jeanne murió. La tradición local dice que fue víctima de un rayo. Está enterrada en el cementerio junto ábside de la iglesia de Loctudy. El yacente que adorna su tumba fue esculpido el mismo año por Brunet con gran realismo; representa al niño en su lecho de muerte, con la frente marcada por una línea oscura que evoca el rayo que lo habría matado.
Brunet murió en 1921.

"Mesalina / Messalina" (detalle / detail). Wikimedia Commons

On December 17 is the birthday of

Eugène Cyrille Brunet, French sculptor, born in Sarcelles in 1828 to André Brunet and Aglaé-Julie Drouet.
He studied under Armand Toussaint at the École des beaux-arts. There he met Édouard Manet and the two made a study trip to Florence in 1857. In October 1861 he married Caroline de Pène, who was painted by Manet about that time. In Manet's address book he is recorded as living in Brittany.
A sculptor of Classical subjects, Brunet is best known for his sensuous marble statue of the recumbent Messalina, exhibited at the 1884 Salon.
He sent a marble bust from his father to the 1855 Salon. In 1859 he sculpted a bust of Alphonse Daudet, then the statues of Saint Francis de Sales and Saint Jerome.

"Mesalina / Messalina" (detalle / detail). Foto / Photo: Caroline Léna Becker Ancient History

At the end of the Second Empire, in 1869, the couple Brunet moved to Loctudy, Brittany town of South Finistere, where he acquired the Kerenez Manor. Eugène Brunet, settled in the town, was fully involved in local politics as a member of the Liberal Party. His daugher Jeanne born in 1874.
On January 24, 1875, a violent storm fell on Bigouden country. A few days later, the little girl Jeanne dies. The local tradition says that it was a victim of lightning. She is buried in the cemetery at the apse of the Loctudy church. His tomb effigy was carved the same year with realism by Brunet; he represents the child on his deathbed, his forehead marked by a dark line evoking the lightning that would have killed the infant.
Brunet died in 1921.

"Gisant de / Yacente de / Tomb Effigy of Jeanne Brunet", mármol / marbre, 1875
Cimetière de / Cementerio de Loctudy (Bretaña, Francia / Brittain, France). Wikimedia Commons


El 18 de Diciembre es el cumple de

Enrique Grau, pintor y escultor colombiano nacido en 1920 en Ciudad de Panamá, Panamá. Fue miembro del triunvirato de artistas colombianos clave del siglo XX, que incluyó a Fernando Botero y Alejandro Obregón.
Hijo de Enrique Grau Velez y Carmen Araujo Jiménez, se crió en Cartagena, Colombia.
Artista hecho a sí mismo, fue influenciado por los maestros colombianos Ignacio Gómez Jaramillo, Santiago Martínez Delgado y Pedro Nel Gómez. Grau estudió en la Art Students League en la ciudad de Nueva York, EE.UU., De 1941 a 1942, y luego realizó una gira por Italia (1956), donde aprendió técnicas de grabado y pintura al fresco antes de regresar a la ciudad de Cartagena.

"La Adivina / The Fortune Teller", bronce a la cera perdida / lost wax bronze, 1986
Museo de Arte Moderno de Cartagena (Cartagena de Indias, Colombia). Deskgram

Ganó el Salón de Artistas Colombianos en 1957, lanzando una destacada carrera en las artes. Sus asociaciones de figuras de blancos, negros e indígenas, y objetos tales como máscaras, huevos, frutas o jaulas le dieron fama internacional, con exposiciones en el Museo Guggenheim de Nueva York y el Museo de Arte Moderno de París.
Donó 1,300 obras de arte (incluidas algunas de otros artistas) a la ciudad de Cartagena, que se utilizaron para establecer el Museo de Arte Moderno.
Murió en 2004.

"La Rita", bronce a la cera perdida / lost wax bronze, 43 x 38 x 35 cm.
Base: mármol / marble, 35 cm. Peso (escultura y base) / weight (sculpture and base): 45 kg. Mercadolibre

"San Pedro Claver y el esclavo", bronce / bronze. Cartagena de Indias, Colombia. Blanca Valbuena

On December 18 is the birthday of

Enrique Grau, Colombian painter and sculptor born in 1920 in Panama City, Panama. He was a member of the triumvirate of key Colombian artists of the 20th century which included Fernando Botero and Alejandro Obregón.
The son of Enrique Grau Velez and Carmen Araujo Jimenez, he raised in Cartagena, Colombia.
A self-made artist, he was influenced by the Colombian masters Ignacio Gomez Jaramillo, Santiago Martinez Delgado and Pedro Nel Gómez. Grau studied at the Art Students League in New York City, USA from 1941-42, and later toured Italy (1956), where he learned etching and fresco techniques before moving back to the city of Cartagena.

"Niña Bien / Rich Girl", bronce a la cera perdida / lost wax bronze, 79 x60 x 60 cm., 1985. News World Global

He won the Salón de Artistas Colombianos in 1957 launching a well noted career in the arts. His associations of white, black, and indigenous figures and objects such as masks, eggs, fruit, or cages brought him international fame, with exhibitions at the Guggenheim Museum in New York City and the Paris Museum of Modern Art.
He donated 1,300 works of art (including some by other artists) to the city of Cartagena, which were used to establish the Museum of Modern Art.
He died in 2004.

"Rita 10:30 A.M.", bronce / bronze, 80 x 90 x 67 cm., 1969. Ed.9. El Universal

"Rita 10:30 A.M.", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 × 200 cm., 1971. Artsy

"Rita 10:30 A.M.", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 140 x 170 cm., 1898
Colección privada, Nueva York, EE.UU. / Private Collection, NY, USA. Pinterest


El 19 de Diciembre es el cumple de

Nikolai Vasilyevich Tomsky (Никола́й Васи́льевич То́мский), escultor soviético nacido en 1900 en el pueblo de Staro Ramushevo, en la provincia de Novgorod, diseñador de muchos conocidos monumentos ceremoniales de la era del Realismo Socialista.
Estudió en Leningrado. En 1927, se graduó en el Arts and Crafts College.

"Estatua de / Statue of V.I.Lenin", granito / granite, altura / height: 19 m.
Berlín Oriental, República Democrática Alemana (RDA) / East Berlin, Deutsche Demokratische Republik (DDR)
Plaza Lenin con rascacielos en Friedrichshain, desde marzo de 1992 lugar de las Naciones Unidas. La estatua fue retirada y enterrada en 1992 a las afueras de Berlín /
Leninplatz with skyscraper in Friedrichshain, since March 1992 place of the United Nations. The statue was removed in 1992 and buried outside Berlin.
Foto / Photo: Joachim F. Thurn, 4/10/1991
Bundesarchiv / Archivos Federales, Koblenz (sede / headquarters), Alemania / Germany. Wikimedia Commons

V. I. Lenin en "El Hurgador" / in this blog:

El escultor llamó por primera vez la atención con su memorial a Sergey Kirov, un heroico bronce con frisos alrededor de la base, por el que ganó el Premio Stalin de 1941. A partir de entonces su carrera se desarrolló en la dirección oficial; finalmente se le asignaría la tarea de rediseñar el propio sarcófago de Lenin, producir el busto de Stalin en la tumba de Stalin y producir al menos cinco de las principales estatuas de Lenin de toda la Unión Soviética. Su distintivo granito de Lenin estuvo en la Leninplatz de Berlín Oriental desde 1970 hasta 1992.

"Estatua de / Statue of V.I.Lenin". Pinterest

Tomsky se convirtió en miembro de pleno derecho de la Academia de las Artes de la URSS (1949 y presidente de 1968 a 1983), miembro de la Academia de Artes de la RDA, Héroe del Trabajo Socialista (1970), cinco veces laureado con el Premio Stalin (1941, 1947, 1949, 1950, 1952), ganador del Premio Lenin (1972) y del Premio Estatal de la URSS (1979), titular de tres Órdenes de Lenin, la Orden de la Revolución de Octubre, la Orden de la Bandera Roja y la Orden de Karl Marx (RDA). Enseñó en MGAHIS (1948-1982), como profesor y como rector de la Academia (1964-1970).
Murió en 1984.

"Tumba de / Tomb of Josef Stalin", Kremlin, Moscú, Rusia / Moscow, Russia. Wikimedia Commons

"Tumba de / Tomb of Josef Stalin". Wikimedia Commons

Josef Stalin en "El Hurgador" / in this blog:

On December 19 is the birthday of

Nikolai Vasilyevich Tomsky (Никола́й Васи́льевич То́мский), Soviet sculptor born in 1900 in the village of Staro Ramushevo in Novgorod province, designer of many well-known ceremonial monuments of the Socialist Realism era.
studied in Leningrad. In 1927, graduated from the Arts and Crafts College.
The sculptor first came to attention with his memorial to Sergey Kirov, a heroic bronze with friezes around the base, for which he won the 1941 Stalin Prize. Thereafter his career developed in an official direction; he would be eventually tasked to re-design Lenin's own sarcophagus, produce Stalin's bust at Stalin's grave, and produce at least five major statues of Lenin throughout the Soviet Union. His distinctive red-granite Lenin stood in the Leninplatz of East Berlin from 1970 to 1992.

"Памятник М.И.Кутузову (бюст): Дорогомилово, Западный округ, Москва /
Monumento a Mikhail Kutuzov (busto): Dorogomilovo, Distrito Occidental, Moscú, Rusia /
Monument of Mikhail Kutuzov (bust): Dorogomilovo, Western District, Moscow, Russia"
Lugar conmemorativo donde había una choza, en la que el 1 de septiembre de 1812 se celebró un consejo militar bajo la dirección de Mikhail Kutuzov /
Memorial place where there was a hut, in which on September 1, 1812 a military council was held under the leadership of Mikhail Kutuzov. Wikimedia Commons

Tomsky became a full member of the USSR Academy of Arts (1949, and president from 1968 to 1983), member of the Academy of Arts of the GDR, the Hero of Socialist Labor (1970), five Stalin Prize laureate (1941, 1947, 1949, 1950, 1952), the winner of the Lenin Prize (1972) and the USSR State Prize (1979), holder of three Orders of Lenin, the Order of the October Revolution, Order of the Red Banner and the Order of Karl Marx (GDR). He taught at MGAHIS (1948-1982), as Professor and as Rector of the Academy (1964-1970).
He died in 1984.

Fue creado para reemplazar la estatua de Gogol que se erigió en 1909. La nueva fue erigida en Prechistensky Boulevard (ahora Gogolevsky Boulevard) en 1952 /
It was created to replace the Gogol statue that was erected in 1909. The new one was erected at Prechistensky Boulevard (now Gogolevsky Boulevard) in 1952. Russian Culture in Landmarks

"Nikolai Gogol" (detalle / detail), 1951. Russian Culture in Landmarks

Nikolay Andreyevich Andreyev
Николай Андреевич Андреев
(Moscú, Imperio Ruso / Moscow, Russian Empire, 1873 - 1932)

"Nikolai Gogol", 1909. Rusmania

"Nikolai Gogol", 1909. Foto / Photo: Best of Bob. Flickr

La estatua que ahora se encuentra en el patio exterior de la Casa Nikolai Gogol es la más antigua y se erigió originalmente en el Bulevar Prechistensky (más tarde renombrado Bulevar Gogolevsky) en 1909. Representa a Gogol sentado y cabizbajo, mirando el suelo. El pedestal del monumento está decorado con escenas de la obra de Gogol. Según la leyenda, Stalin estaba disgustado con la sombría representación de Gogol y quería reemplazarla. Este monumento fue retirado en 1952 y se exhibió brevemente en el Museo Arqueológico del Monasterio Donskoy hasta que fue trasladado a su ubicación actual en 1959. Russian Landmarks

The statue which now stands in the courtyard outside the Nikolai Gogol House is the oldest statue and was originally unveiled on Prechistensky Bulvar (later renamed Gogolevsky Bulvar) in 1909. It depicts Gogol sat down and looking rather downbeat, staring at the ground. The monument's pedestal is decorated with scenes from Gogol's work. According to legend, Stalin was displeased with the gloomy depiction of Gogol and wanted it replaced. This monument was removed in 1952 and was briefly displayed at the Archaeological Museum at Donskoy Monastery until it was moved to its present location in 1959. Russian Landmarks


El 20 de Diciembre es el cumple de

Jules Desbois, escultor y grabador francés nacido en 1851 en Parçay-los-Pinos.
Después de realizar un curso de tornería, se incorporó al taller de Henri Bouriché en Angers. En 1874 se fue a estudiar a la Escuela de Bellas Artes de París, donde permaneció durante cinco años perfeccionando su técnica en el taller de Jules Cavelier, antiguo alumno de David de Angers.
En 1878 Desbois se conoció a Auguste Rodin en la obra del antiguo palacio del Trocadero forjándose una amistas entre ellos. Ese mismo año decidió probar suerte en Estados Unidos, pero al no obtener el éxito esperado regresó a Francia tres años después.

"La source / La fuente / The Source"
Mármol / marble, altura / height 60,5 cm. c.1918-19. Richard Redding Antiques

"La source / La fuente / The Source" (vista trasera / back view)

Durante un tiempo su obra se centraró en el huecograbado, hasta que se encuentró nuevamente con Rodin, en un momento en que necesita incorporar colaboradores para hacer frente a sus numerosos encargos. Trabajó al taller del maestro como becario durante 1884.Rodin le enseña a liberarse de su formación clásica para desarrollar una estética más personal. 
Trabajó materiales bastante diversos, utilizando piedra, mármol, bronce, la madera y el yeso, pero también el estaño en obras de arte decorativas.
En 1930, debilitado por problemas de salud, dejó definitivamente la escultura para consagrarse a la pintura al pastel.
Murió en 1935.

"Leda", 1891
Neue Pinakothek (Múnich, Alemania / München, Germany). Wikimedia Commons

"Estatua de / Statue of Puvis de Chavannes", 1924
Plaza / Square Paul-Painlevé, Paris, Francia / France. Wikimedia Commons

Pierre Puvis de Chavannes en "El Hurgador" / in this blog[Mujeres al pincel (XVII)]

On December 20 is the birthday of

Jules Desbois, French sculptor and engraver born in 1851 in Parçay-los-Pinos.
After completing a turnery course, he joined Henri Bouriché's workshop in Angers. In 1874 he went to study at the School of Fine Arts in Paris, where he spent five years perfecting his technique in the workshop of Jules Cavelier, former student of David de Angers.
In 1878 he met Auguste Rodin in the work of the former palace of the Trocadero, forging a friendship between them. That same year he decided to try his luck in the United States, but he did not obtain the expected success, so he returned to France three years later.

"La misére / La miseria / The Misery", terracota, 37,5 x 17,7 x 24,6 cm., peso / weight: 5,3 kg., c.1887-89
Musée Rodin (París, Francia / France)

"La misére / La miseria / The Misery" (vista lateral / side view)

For a time his work focused on rotogravure, until he met Rodin again, at a time when he needs to incorporate collaborators to face his numerous assignments. He worked at the master's workshop as a scholar during 1884. Rodin teaches him to free himself from his classical training to develop a more personal aesthetic.
He worked quite diverse materials, using stone, marble, bronze, wood and plaster, but also tin in decorative works of art.
In 1930, weakened by health problems, he left the sculpture definitively to devote himself to pastel painting.
He died in 1935.

"Femme à l'arc / Mujer con arco / Femme With Bow", mármol / marble, 1905
Petit Palais (París, Francia / France). Foto / Photo: Hervé Leyrit. Pinterest

"Femme à l'arc / Mujer con arco / Femme With Bow", mármol / marble, 1905
Petit Palais (París, Francia / France). Foto / Photo: Hervé Leyrit. Pinterest

Aniversarios (CCLXV) [Diciembre / December 21-23]

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Todos los aniversarios de Diciembre aquí / All anniversaries for December here.
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El 21 de Diciembre es el cumple de

Adamo Tadolini, escultor italiano nacido en 1788 en Bolonia, en una familia de escultores, descendiente de su abuelo Petronio Tadolini (1727-1813).
De 1808 a 1813 asistió a la Accademia di Belle Arti en Bolonia bajo la dirección de Giacomo De Maria (1762-1838). En 1813 ganó un premio de escultura otorgado por la Academia Curlandesa, con un relieve de terracota que mostraba a Venus y Aeneas portando armas.

"Ganímedes / Ganymede", mármol / marble, 170 cm.
Fines del s.XIX - principios del s.XX / late 19th - early 20th century
Museo Hermitage (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia)

Estuvo becado cuatro años en Roma, tiempo durante el cual creó una estatua de yeso de Ajax maldiciendo a los dioses. Llamó la atención del afamado Antonio Canova y fue invitado a trabajar en su estudio, cosa que hizo hasta 1822, cuando Canova lo ayudó a establecer su propio estudio en Via Del Babuino 150 en Roma, que ahora existe como el Museo Canova-Tadolini y es un tesoro suyo y de su familia, que muestra su amplia gama de trabajos.

"Ganímedes y el águila / Ganymede and the Eagle"
Mármol / marble, 1823. Wikimedia Commons
Galería de esculturas / Sculpture Gallery, Chatsworth House (Derbyshire, Inglaterra / England)

Sus hijos Scipione Tadolini (1822-1892) y Tito Tadolini (1828-1910) trabajaron con él, y Scipione se hizo cargo del estudio cuando murió Adamo. El estudio pasó luego a Giulio Tadolini (1849-1918 y finalmente a Enrico Tadolini (1888-1967).
Murió en 1863.

"San Pablo / St. Paul", 1838
Estatua frente a la Basílica de San Pedro (Vaticano) /
statue in front of St. Peters Basilica (Vatican). Wikimedia CommonsDavid Macchi's Blog

On December 21 is the birthday of

Adamo Tadolini, Italian sculptor born in 1788 in Bologna, into a family of sculptors, descending from his grandfather Petronio Tadolini (1727-1813).
From 1808 to 1813 he attended the Accademia di Belle Arti in Bologna under the directorship of Giacomo De Maria (1762-1838). In 1813 Adamo won a prize for sculpture awarded by the Accademia Curlandese, with a terracotta relief showing Venus and Aeneas carrying weapons. He won a four-year scholarship to Rome. During his scholarship he created a plaster statue of Ajax cursing the Gods. He came to the attention of the famed Antonio Canova and was invited to work in his studio. He worked there until 1822 when Canova helped him set up his own studio at Via Del Babuino 150 in Rome which now exists as the Canova-Tadolini Museum and is a treasury of his, and his family's, huge range of work.

"David, Colonna dell'Immacolata Concezione / Columna de la Inmaculada Concepción /
Immaculate Conception Column"
Piazza / Plaza Mignanelli / Mignanelli Square (Roma, Italia / Rome, Italy). Wikimedia Commons

"David" (detalle / detail). Wikimedia Commons

His sons Scipione Tadolini (1822-1892) and Tito Tadolini (1828-1910) worked with him and Scipione took ownership of the studio on Adamo's death. The studio later passed to Giulio Tadolini (1849-1918 and finally Enrico Tadolini (1888-1967).
He died in 1863.

"Hebe", mármol, metal / marble, metal, 162 x 90 cm., 1825
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)


El 22 de Diciembre es el cumple de

Giacomo Manzù, seudónimo de Giacomo Manzoni, escultor italiano nacido en 1908 en Bérgamo.
Su padre era zapatero. Aparte de algunas clases de arte nocturnas, fue autodidacta en escultura, aunque más tarde se convirtió en profesor. Comenzó a trabajar con madera durante su servicio militar en Veneto en 1928. Más tarde, después de una corta estancia en París, se trasladó a Milán, donde el arquitecto Giovanni Muzio le encargó la decoración de la capilla de la Università Cattolica del Sacro Cuore (1931-1932). En 1933 expuso una serie de bustos en la Triennale di Milano, que le otorgaron popularidad nacional. Al año siguiente realizó una exposición personal en Roma con el pintor Aligi Sassu, con quien compartió un estudio.

"Busto di / Busto de / Bust of Emy"
Bronce con pátina dorada / bronze, gold patina, altura / height: 82 cm., 1973. Bukowskis

En 1939 comenzó una serie de bajorrelieves de bronce sobre la muerte de Jesucristo. Las obras, expuestas en Roma en 1942, fueron criticadas por el gobierno fascista y las autoridades eclesiásticas. En 1940 obtuvo un puesto de profesor en la Accademia di Brera en Milán, pero más tarde se trasladó a la Accademia Albertina en Turín. Durante la Segunda Guerra Mundial se mudó a Clusone, y volvió a enseñar en Brera después del final del conflicto. Ocupó su puesto de profesor hasta 1954, cuando se mudó a Salzburgo, donde vivió hasta 1960. Aquí conoció a Inge Schabel, su futura esposa, que fue modelo de una gran cantidad de sus retratos junto con su hermana Sonja. En 1964 completó la "Puerta de la muerte" para la Basílica de San Pedro en Roma. En el mismo año se mudó a Ardea, cerca de Roma, en una localidad ahora rebautizada Colle Manzù en su honor.
A finales de la década de 1960 comenzó a trabajar también como escenógrafo. En 1977 completó un "Monumento al Partisano" en Bérgamo. Su última gran obra fue la escultura de 6 m. de altura que enfrenta la sede de la ONU en la ciudad de Nueva York, inaugurada en 1989.

"Busto di / Busto de / Bust of Emy" (detalle / detail). Bukowskis

Sus obras se encuentran en los más prestigiosos museos y colecciones privadas. Aunque era ateo, era amigo personal del Papa Juan XXIII y tuvo importantes encargos litúrgicos para el Vaticano. En los Estados Unidos, el arquitecto Minoru Yamasaki le encargó la escultura Passo di Danza (paso de baile) en el edificio One Woodward Avenue en Detroit. También esculpió a "Ninfa y Fauno" en el McGreagor Memorial Sculpture Garden de Wayne State University.
Murió en 1991.

"Cardinale in piedi / Cardenal de pie / Cardinal Standing
Bronce / bronze, altura (base incluida) / height (incl. base), 92 cm., c. 1970. Dorotheum

"Ritratto di Francesca Blanc (Adolescenza) / Retrato de Francesca Blanc (Adolescencia) /
Portrait of Francesca Blanc (Adolescence)"
Bronce / bronze, 97 x 40 x 58 cm., 1940-41.
Museos Vaticanos (Vaticano, Roma, Italia / Rome, Italy)

On December 22 is the birthday of

Giacomo Manzù, pseudonym of Giacomo Manzoni, Italian sculptor born in 1908 in Bergamo.
His father was a shoemaker. Other than a few evening art classes, he was self-taught in sculpture, although he later became a professor himself. He started working with wood during his military service in Veneto in 1928; later, after a short stay in Paris, he moved to Milan, where architect Giovanni Muzio commissioned him the decoration of the chapel of Università Cattolica del Sacro Cuore (1931–1932). In 1933 he exhibited a series of busts at the Triennale di Milano, which granted him national popularity. The following year he held a personal exhibition in Rome with the painter Aligi Sassu, with whom he shared a studio.

Paolo Monti  (1908–1982)
"Monumento al partigiano / Monumento al partisano / Monumento to the Partisan", 1977
Viale Papa Giovanni XXII (Bergamo, Italia / Italy). Wikimedia Commons

Paolo Monti en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (CXC)]

In 1939 Manzù started a series of bronze bas-reliefs about the death of Jesus Christ; the works, exhibited in Rome in 1942, were criticized by the Fascist government and the ecclesiastical authorities. In 1940 he obtained a teaching position in the Accademia di Brera in Milan, but later he moved to the Accademia Albertina in Turin. During World War II Manzù moved to Clusone, returning to teach at Brera after the end of the conflict. He held his teaching position until 1954 when he moved to Salzburg, where he lived until 1960. Here he met Inge Schabel, his future wife, who was the model of a large number of his portraits together with her sister Sonja. In 1964 he completed the "Death Gate" for the St. Peter's Basilica in Rome. In the same year he moved to Ardea, near Rome, in a locality now rechristened Colle Manzù in his honor.
In the late 1960s Manzù started to work also as scenographer. In 1977 he completed a "Monument to the Partisan" in Bergamo. His last great work was the 6 m-tall sculpture facing the ONU seat in New York City, inaugurated in 1989.

"Bambina Che Gioca / Niña que juega / Little Girl Playing"
Bronce con pátina marrón / bronze with brown patina, 26,80 x 63,5 cm., 1956. Blouin Art

His works are in the most prestigious museum and private collections. Although he was an atheist, he was a personal friend of Pope John XXIII and had important liturgical commissions for the Vatican. In the United States, architect Minoru Yamasaki commissioned him the Passo di Danza (dance step) sculpture at the One Woodward Avenue building in Detroit. He also carved the Nymph and Faun at Wayne State University's McGreagor Memorial Sculpture Garden.
He died in 1991.

Yousuf Karsh
"Giacomo Manzù", 1970 © Yousuf Karsh

Yousuf Karsh en "El Hurgador" / in this blog:

"Tebe seduta / Tebas sentada / Thebes Sitting", bronce / bronze, 1983-2004. Wikimedia Commons


Hoy, 23 de Diciembre, es el cumple de

José Planes Peñalver, escultor español nacido en Espinardo, Murcia, en 1891.
Aunque en su familia eran agricultores se dieron cuenta del interés de José por el arte y lo enviaron a clase de dibujo en el Círculo Católico de Obreros de Murcia donde recibió clases de José María Sobejano. Para aprender a modelar asistió a clases en la la Sociedad Económica de Amigos del País de Murcia. Entró en el taller de de Anastasio Martínez Hernández, sin embargo no realizó estudios superiores de arte, por lo que gran parte de su formación se puede considerar autodidacta.

"Desnudo de Mujer / Female Nude", mármol / marble, 1920
Casino (Murcia, España / Spain). Wikimedia Commons

Junto al pintor Pedro Flores, su amigo en el Círculo Católico, pone en marcha un taller de artes. Pronto se incorporaron el pintor Luis Garay y Juan José Garrigos. En este taller intentaron cambiar el panorama artístico de aquella época en Murcia.
En 1912 ingresa en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, al mismo tiempo que realiza el servicio militar y su trabajo empieza a ser conocido. Pero fue en Madrid en una exposición en el Ateneo en 1918 cuando destaca su obra. Tras ese éxito en el Ateneo llegaron los premios y las exposiciones fuera de España.
Su obra se inicia en el realismo pero va evolucionando hacia el naturalismo. Durante la segunda república se notan las influencias del cubismo de Picasso y Juan Gris en sus obras. Su tema favorito siempre fue la mujer, y en 1932 recibió el primer premio en el Concurso Nacional de Bellas Artes por su obra "Desnudo".

"Desnudo de Mujer / Female Nude", mármol / marble, 1920
Casino (Murcia, España / Spain). Wikimedia Commons

En 1927 se va a vivir a Madrid para relacionarse en el mundo artístico de la época. En 1933 regresó a Murcia, y ese mismo año fundó la Escuela de Artes y Oficios. Tras la guerra civil española trabajó casi en exclusiva la imaginería religiosa ya que se necesitaban muchas imágenes tras la destrucción que se produjo al comienzo de la guerra. A partir de la década de los cincuenta empieza a trabajar en temas no religiosos y a presentar motivos más estilizados. En 1960 fue elegido como académico en la Academia de Bellas Artes de San Fernando.
Murió en 1974.

"Figura femenina / Female Figure", piedra / stone, 66 cm. Subastas Durán

Today, December 23, is the birthday of

José Planes Peñalver, Spanish sculptor born in Espinardo, Murcia, in 1891.
Although in his family they were farmers, they noticed José's interest in art and sent him to drawing class at the Círculo Católico de Obreros de Murcia where he was trained under José María Sobejano. To learn to model, he attended classes at the Economic Society of Friends of the Country of Murcia. He entered the workshop of Anastasio Martínez Hernández, however he did not study art, so much of his training can be considered self-taught.

"Desnudo femenino / Female Nude"
Mármol / marble, 73,5 x 41 x 34 cm., 1966.
Bilboko arte ederren museoa / Museo de Bellas Artes (Bilbao, España / Spain)

Together with the painter Pedro Flores, his friend at the Círculo Católico, he sets up an arts workshop. Soon the painter Luis Garay and Juan José Garrigos joined. In this workshop they tried to change the artistic panorama of that time in Murcia.
In 1912 he entered the School of Fine Arts of San Carlos in Valencia, at the same time he performed military service and his work began to be known. But it was in Madrid in an exhibition at the Ateneo in 1918 when he his work stood out. After that success in the Ateneo came the awards and exhibitions outside Spain.
His work starts in realism but evolves towards naturalism. During the second republic his work was influenced by the Cubism of Picasso and Juan Gris. His favorite subject was always the woman, and in 1932 he received the first prize in the National Contest of Fine Arts for his work "Nude".

"Adolescente / Teen", piedra / stone, 158 x 38 x 38 cm., c.1925. El Pais

In 1927 he moved to Madrid to interact in the artistic world of the time. In 1933 he returned to Murcia, and that same year he founded the School of Arts and Crafts. After the Spanish Civil War he worked almost exclusively religious imagery because many images were needed after the destruction that occurred at the beginning of the war. Starting in the 1950s, he began to work on non-religious topics and to present more stylized subjects. In 1960 he was elected as an academic at the Academy of Fine Arts of San Fernando.
He died in 1974.

"Fotografía Nº 12 / Photography # 12", bronce / bronze, 48 x 39 x 24 cm. Ansorena

Anne Middleton [Pintura / Painting]

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Anne Middleton


Anne Middleton es una artista australiana nacida en 1967 en Melbourne.
En 1985 se matriculó en una licenciatura en artes y oficios en la Universidad de Melbourne, donde se especializó en pintura y dibujo.
Continuó estudiando pintura mural en Italia en Il Laboratorio per Affresco di Vainella, y luego nuevamente en 2004 como parte del programa de becas de la Fundación Bogliasco, donde desarrolló su fascinación por las técnicas de esmaltado barroco.

Puertas del paraíso / Gates of Paradise

Arriba izq./ Up Left: "Clematis niobe" 
Arriba der./ Up Right: "Una amable tristeza a su paso / A Gentle Sadness at their Passing"
Abajo izq./ Bottom left: "Pavo real en contemplación / Peafowl in Contemplation"
Abajo der./ Bottom Right: "Si dicen que la luna es azul... / If they say the Moon is Blue…"
Cada panel / each panel: óleo sobre lino / oil on linen, 96 x 126 cm., 2012

Puertas del Paraíso es un proyecto en el que Anne ha estado trabajando durante varios años. Fue concebido como una serie abierta, con cada lienzo conectado al siguiente para crear lo que ella describe como un "rompecabezas enorme". Aunque todas las pinturas funcionan (y pueden comprarse) individualmente, el sentido subyacente de que todo está relacionado con (y es parte de) un todo es importante para la filosofía artística de Middleton. Como señaló Wall Street International, se trata de "configurar una declaración visual duradera que sea abrumadora y a una escala que lo abarque todo", y gracias a la cual "nos enfrentamos y sentimos inspirados para reconsiderar nuestro impacto en este frágil planeta".
En la página web de la artista pueden verse más paneles de esta serie, y una instalación que muestra el estado actual del proyecto.

Gates of Paradise is a project that Anne has been working on for several years. It was conceived as an open-ended series, with each canvas connectin to the next to create what she describes as a "massive jigsaw". Although the paintings all work (and can be bought) individually, the underlaying sense of all thing relating to - and being part of - a whole is important to Middleton's artistic philosophy. As the Wall Street International noted, the effect is "to form an enduring visual statement that is both overwhelming and all encompassing in scale" - and one by which "we are confronted with and inspired to reconsider our impact on this fragile planet."
More panels from this series can be seen on artist's website, and an installation that shows the current status of the project.

"Clematis niobe", óleo sobre lino / oil on linen, 96 x 126 cm., 2012

"Pavo real en contemplación / Peafowl in Contemplation", óleo sobre lino / oil on linen, 96 x 126 cm., 2012

Aunque Anne cita su idílica infancia como la principal inspiración de su carrera, está claro que habría sido una artista incluso si no hubiera crecido en un país de las maravillas tan creativo. Su padre, el artista Max Middleton (ver más abajo), trabajaba en casa y se reveló como una influencia formativa. "Mi cerebro infantil absorbió sus técnicas de pintura altamente refinadas y su enfoque. Papá nunca me enseñó formalmente, aunque tuvo muchos otros estudiantes a lo largo de los años. Sin embargo, de manera informal, me enseñó todo lo que necesitaba saber sobre el proceso de hacer una pintura al óleo".

«Cuando era adolescente pasaba incontables horas haciendo cosas: bordados de seda fina, casitas de pan de jengibre completas, con ventanas de celosía y jardines elaborados, y detallados patrones serpenteantes a pluma. Convertirme en una artista casi sucedió por defecto para mí. Afortunadamente, mis sensatos padres reconocieron que mi pasión estaba en los interminables garabatos que llenaban los días de mi adolescencia.»

"Malurus cyaneus. Augur divino y pájaro de brillante alegría /
Divine Augur and Bird of Bright Cheer", óleo sobre lino / oil on linen, 192 x 252 cm., 2017

Anne pintando "Del amor, la fidelidad y el color púrpura" /
painting "Of Love, Fidelity and the Colour Purple"

Izq./ Left: "Del amor, la fidelidad y el color púrpura /
Of Love, Fidelity and the Colour Purple", óleo sobre lino / oil on linen, 96 x 126 cm., 2015
Der./ Right: "El mensajero gentil - Dúcula bicolor / The Gentle Messenger – Pied Imperial Pigeon"
Óleo sobre lino / oil on linen, 96 x 126 cm., 2014

«Prefiero [trabajar] a gran escala. Me permite explorar los detalles finos de un tema, y a la vez colocar un poco de jugosa pintura. Mis pinturas no son representaciones simples, mi iconografía transporta al espectador a un drama psicológico y sensual que se desarrolla en el lienzo.»

«Las pinceladas revelan la verdadera confianza de un maestro pintor: intelectual, emocional y espiritualmente. Un verdadero maestro puede sugerir el detalle más preciso con el menor gasto de esfuerzo. Nada de pinceladas exigentes, simplemente habilidad, elección segura de color y movimiento. Admiro esa confianza altamente refinada en cualquier artista en cualquier medio.»
Anne particularmente admira a Van Eyck por "lo sueltas y sensuales que son sus pinceladas a pesar de los límites de la pintura en miniatura."

Arriba / Up: "Magnolia", 2010
Centro / Center: "De la sangre y el sacrificio / Of Blood and Sacrifice", 2012
Abajo / Bottom: "Racemus bundus", 2012
Cada panel / each panel: óleo sobre lino / oil on linen, 96 x 126 cm.

"Malum rubens", óleo sobre lino / oil on linen, 96 x 126 cm., 2012

Utilizando una técnica de pintura extraordinariamente refinada y perfeccionada, Anne Middleton explora nuestro mundo natural con un detalle sublime. Examina el medio ambiente y nuestra conexión con él. De una belleza inexcusable, los cuadros de Anne sumergen al espectador en un reino utópico, minuciosamente observado, con temas tan familiares como un jardín o una flor en primavera.
La estética profundamente personal y poética de Anne se ha desarrollado durante casi treinta años de dedicación constante a su medio elegido: la pintura al óleo. Cumpliendo exhaustivamente con los estándares más notables y exigentes, sus pinturas se plasman con la precisión empírica y la meticulosa fidelidad de la ilustración científica. Sus pinturas se sitúan tanto dentro de los dominios de la ciencia botánica y como los del museo de arte.

Arriba izq./ Up Left: "Ibis hadada / Hadeda Ibis"
Arriba der./ Up Right: "Si pudiera decir palabras de agua... / If I could Speak Words of Water…"
Abajo izq./ Bottom left"Stella diabolus (Estrella de Lucifer / Star of Lucifer)"
Abajo der./ Bottom Right"Trichocereus candicans"
Cada panel / each panel: óleo sobre lino / oil on linen, 96 x 126 cm., 2011

"Ibis hadada / Hadeda Ibis", óleo sobre lino / oil on linen, 96 x 126 cm., 2011

"Si pudiera decir palabras de agua... / If I could Speak Words of Water…"
Óleo sobre lino / oil on linen, 96 x 126 cm., 2011

Anne Middleton is an Australian artist born in 1967 in Melbourne.
In 1985, Anne enrolled in an arts and crafts-based eductation degree at the University of Melbourne where she majored in painting and drawing.
She went on to study mural painting in Italy at the Il Laboratorio per Affresco di Vainella, and then again in 2004 as part of the Bogliasco Foundation’s fellowship programme, which developed her fascination with baroque oil glazing techniques. 

"Pájaro de jade de los sueños y la tranquilidad / Jade Bird of Dreams and Tranquility"
Óleo sobre lino / oil on linen, 192 x 252 cm., 2015

"Ave de emparrado. Aprecia tus dones y los dones de otros /
Bower Bird. Cherish your Gifts and the Gifts of Others", óleo sobre lino / oil on linen, 96 x 126 cm., 2014

Although Anne cites her idyllic childhood as her career’s prime inspiration, it’s clear that she would have been an artist even if she hadn’t grown up in such a creative wonderland. Her artist father, Max (see below), worked at home and proved a formative influence. “My child’s brain absorbed his highly refined painting techniques and his focus. Dad never taught me formally, although he had many other students over the years. Informally however, he taught me everything I needed to know about the process of making an oil painting.”

«As a teenager, I spent countless hours making things: fine silk embroidery, gingerbread houses complete with lattice windows and elaborate gardens, and detailed meandering patterns in pen. Becoming an artist almost happened by default for me. Fortunately my sensible parents recognised that my passion lay in the endless doodles that filled my teenage days.»

Anne trabajando / at work.
Izq./ Left: "Cereza del sol y el verano / Cherry of the Sun and Summer"
 Der./ Right: "Ave de emparrado... / Bower Bird...".
Ambos / both: óleo sobre lino / oil on linen, 96 x 126 cm., 2014
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Otras series / Other Series

"Flores" explora el deleite de la flor y la generosidad del jardín. "Oceania australis" es una serie inspirada en los océanos únicos de la costa sur de Australia. "Nutrir" explora la extravagante diversidad de productos frescos en nuestros mercados y jardines. Esta serie fue creada predominantemente utilizando pasteles sobre papel de algodón. "Frondas" es una serie de pinturas a gran escala en óleo sobre lienzo. Celebra las frondas del helecho arborescente, y hace referencia a la infancia de Anne en las frondosas selvas tropicales de las cordilleras Dandenong, en las afueras de Melbourne. Inspirada por sus estudios de pintura mural y técnicas de fresco en Italia a lo largo de 1995, Anne creó "Pliegues", una serie de obras creadas predominantemente en temple de huevo y témpera oleosa sobre panel.

Flores explores the delight of blossom and the bounty of the garden. Oceania australis is a series inspired by the unique oceans of the southern coast of Australia. Nourish explores the extravagant diversity of fresh produce in our markets and gardens. This series was created predominantly in the medium of pastel on rag paper. Fronds is a series of large-scale paintings in oil on linen. Celebrating the unfurling fronds of the tree fern, Fronds references Anne’s childhood living amongst the lush rainforests of the Dandenong Ranges outside Melbourne. Inspired by her studies of Mural Painting and Fresco techniques in Italy throughout 1995, Anne created Creases– an exhibition of works comprised predominantly of egg and oil tempera on board.

Nutrir / Nourish
"Calabaza barroca / Baroque Pumpkin", óleo sobre lino / oil on linen, 70 x 112 cm., 2005

Nutrir / Nourish
"Ostras IV / Oysters IV", pastel sobre papel de algodón / pastel on rag paper, 87 x 112 cm., 1999

Flores
"Tulipán renacentista II / Renaissance Tulip II", óleo sobre lienzo / oil on linen, 96 x 152 cm., 2007

«I do prefer [to work on] a large scale. It allows me to explore the fine detail of a subject, while still allowing me to place down some juicy paint. My paintings are not intended as simple representations – my iconography transports the viewer into a psychological and sensual drama played out on canvas.»

«Brushstrokes reveal the true confidence of a master painter: intellectually, emotionally and spiritually. A true master can suggest the most precise detail with the least expenditure of effort. No fussy brushstrokes; just deft, confident choice of colour and movement. I admire that highly refined confidence in any artist in any medium.” Anne particularly admires Van Eyck for “how loose and sensual his brushstrokes remain despite the confines of painting in miniature.»

Oceania Australis
"Estudio de una ostra / Oyster Study", óleo sobre lino / oil on linen, 66 x 71 cm., 2006

Oceania Australis
"Rapsodia en agujas / Rhapsody in Garfish", óleo sobre lino / oil on linen, 152 x 152 cm., 2006

Through an extraordinarily refined and perfected painting technique, Anne Middleton explores our natural world in sublime detail. She examines the environment and our connectedness to it. Unapologetically beautiful, Anne’s paintings immerse the viewer in a utopian realm, minutely observed, with subjects as disarmingly familiar as a garden wren or a blossom in spring.
Anne’s deeply personal and poetic aesthetic has been developed over nearly thirty years of consistent dedication to her chosen medium of oil painting. Exhaustively accomplished to the most notable and exacting standards, Anne’s paintings are rendered with the empirical precision and fastidious accuracy of scientific illustration. Her paintings are equally placed within the domains of botanical science and that of the art museum.

Pliegues / Creases
"Pliegues IV / Creases IV", pastel sobre papel de algodón / pastel on rag paper, 114 x 114 cm, 1998
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"Guy", óleo sobre lino / oil on linen, 192 x 192 cm., 2018
Retrato ganador del Premio Archibald, categoría Premio del público, 2018 /
Portrait Winner: Archibald Prize, People's Choice 2018

«Comprender algunas de las motivaciones y conflictos internos que dan forma a una vida es una parte crucial de pintar un retrato: el rostro y los ojos lo revelan todo... Guy Pearce tiene una mirada extraordinaria que me ha fascinado durante mucho tiempo, y su honestidad acerca de las fuerzas que han fundido su personalidad hicieron de sus sesiones una delicia.

Pinté a Guy con la luz natural de mi estudio. Un lado de su cara está en profunda sombra. Oscuro y misterioso, habla de tiempos ocultos, difíciles. El otro lado está brillantemente iluminado. Es una luz intransigente, honesta e inquebrantable. Esta extrema tonalidad me permitió explorar la naturaleza camaleónica de Guy y su conciencia personal de la luz y la oscuridad que lo convierten en un actor extraordinario y un tipo amable, divertido y sin pretensiones.»

Anne pintando "Guy" con su modelo / painting Guy with his model

«Understanding some of the motivations and internal conflicts that shape a life is a crucial part of painting a portrait - the face and eyes reveal it all.... Guy Pearce has an extraordinary gaze that has long fascinated me, and his honesty about the forces that have melded his personality made his sittings a delight. 

I painted Guy in the natural light of my studio. One side of his face is in deep shadow. Obscure and mysterious, it speaks of hidden, difficult times. The other side is brilliantly lit. It is an uncompromising light, honest and unflinching. This extreme tonality enabled me to explore Guy’s chameleon nature and his personal awareness of the light and dark within that makes him both an extraordinary actor and a kind, funny and unassuming bloke.»

Frondas / Fronds
"Fronda IV / Frond IV", óleo sobre lino / oil on linen, 152 x 252 cm., 1999
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Fuentes / Sources:
* Website
* "Madurez para pintar / Ripe for Painting"
Artículo de / Article by Martha Alexander. Artists & Illustrators Magazine, 2012
* "Puertas del Paraíso / Gates of Paradise", Resurgence & Ecologist Magazine #283, 4/2014
* Ganadores del Premio Archibald / Archibald Prize Winners 2018
Galería de Arte de Nueva Gales del Sur / NSW Art Gallery (Sydney, Australia)

Más sobre / More about Anne Middleton: Website, facebook, Instagram, Tumblr

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Anne!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Anne!)



Algunas referencias / Some References

Van Eyck en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All Links]

Max Middleton
(Melbourne, Australia, 1922 - 2013)

"Pescador italiano / Italian Fisherman", óleo sobre lino sobre panel / oil on linen on board, 40 x 30 cm., 1952

Max sabía que quería ser artista desde los 12 años. A los 16 años comenzó a aprender a dibujar en la National Gallery School, y practicaba su técnica de pintura al óleo los domingos, cuando su padre lo llevaba al campo para pintar al aire libre. Max recibió clases privadas de Septimus Power desde 1940. Este influyó en gran medida en las primeras pinturas de Max con el uso de pinceladas amplias y patrones de luz y sombra. Power se convirtió en mentor y amigo de Max, y expresó su confianza en la competencia técnica de Max al invitarlo a ayudar en la enseñanza.
En 1950 viajó a Europa para ver los principales museos y formarse en la Heatherleys School de Londres, y en Florencia en la Scuola di Belle Arti (Escuela de Bellas Artes). En Europa, sus influencias clave fueron JMW Turner y Joaquin Sorolla y Bastida, ambos pintores de los efectos transformadores de la luz al aire libre. Pintó en Gales, Irlanda, París y España, y en la floreciente comunidad artística de Cornualles. Fue en las regiones de España que eligió pintar a la gente de la zona y, desde entonces, la figura humana ha sido un tema recurrente en sus pinturas. Max regresó a Australia en 1953, emocionado por volver a pintar paisajes con la luz única de Australia. Se sintió liberado de sus perspectivas alteradas y adaptó su técnica a un estilo influenciado por los maestros europeos.

"De regreso a casa en verano / Returning Home Summertime", óleo sobre lino / oil on linen, 1969

"Amanecer / Sunrise, Strath Creek", óleo sobre lino / oil on linen, 91 x 122 cm., 1978

Max knew he wanted to be an artist from the age of 12. At 16 he started lessons in drawing at the National Gallery School, and practiced his oil painting technique on Sunday’s when his father drove him to the country to paint en plein air. Max studied privately with Septimus Power from 1940. Power greatly influenced Max’s early paintings with use of broad brush strokes and patterns of light and shade. Power became both a mentor and a friend to Max, and expressed his confidence in Max’s technical competence by inviting Max to assist with teaching.
In 1950 Max travelled to Europe to see the major museums and train at Heatherleys School in London, and in Florence at the Scuola di Belle Arti (School of Fine Art). In Europe his key influences were JMW Turner and Joaquin Sorolla y Bastida, both en plein air painters of the transformative effects of light. He painted in Wales, Ireland, Paris and Spain and in the flourishing art community of Cornwall. It was in regional Spain that he chose to paint the people of the area, and since then, the human figure has been a recurring subject in his paintings. Max returned to Australia in 1953, excited to once again be painting landscape in the unique Australian light. He felt liberated by his altered perspectives and adapted his technique and to a style influenced by the European masters.

"Jessica recolectando conchas / Collecting Shells", óleo sobre lino / oil on linen, 40 x 76 cm., 1995

Mateo Pizarro [Dibujo / Drawing]

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Como saben quienes visitan el blog con frecuencia, sentimos un especial cariño por los rinocerontes. La imagen que en 1515 creó el alemán Alberto Durero es tal vez la más potente y reproducida de un animal que, para la Europa de aquellas épocas, representaba una auténtica rareza. Durero creó esta representación en base a descripciones del famoso rinoceronte indio que había llegado a Lisboa desde el Extremo Oriente. Un autor desconocido escribió en 1515 una carta a un destinatario de Nuremberg en la que describía al animal, junto con un boceto. Durero tuvo acceso a esta carta, y en base al citado boceto realizó su grabado, sin haber visto nunca al animal, consiguiendo una representación que no resultó del todo ajustada a la realidad. A pesar de sus errores la imagen siguió siendo muy popular, y fue tomada como una representación fiel de un rinoceronte hasta finales del siglo XVIII.
Quienes antaño no tenían oportunidad de estar frente a sus modelos animales, no tenían más remedio que basarse en dibujos y/o descripciones de terceros, con lo cual las representaciones dejaban mucho librado a la imaginación del artista, y terminaban por describir visualmente seres fantásticos ireales, que vistos desde nuestra perspectiva nos pueden parecer aterradores, incongruentes o incluso cómicos. Esta es la idea que subyace en parte de la obra de Mateo Pizarro, artista colombiano que actualmente reside y trabaja en México.

As the frequent visitors of this blog know, we feel a special affection for rhinoceroses. The image that the German Albrecht Dürer created in 1515 is perhaps the most powerful and reproduced of an animal that, for the Europe of those times, represented an authentic rarity. Dürer created this representation based on descriptions of the famous Indian rhinoceros that had arrived in Lisbon from the Far East. An unknown author wrote in 1515 a letter to a recipient of Nuremberg in which he described the animal, along with a sketch. Dürer had access to this letter, and based on the aforementioned sketch made his engraving, without ever having seen the animal, getting a representation that was not entirely adjusted to reality. Despite its errors, the image remained very popular, and was taken as a faithful representation of a rhino until the end of the 18th century.
Those who had no opportunity to be in front of their animal models, had no choice but to rely on drawings and / or third-party descriptions, with which the representations left much to the imagination of the artist, and ended up visually describing fantastic creatures that seen from our perspective can seem frightening, incongruous or even comical. This is the idea that underlies part of the work of Mateo Pizarro, a Colombian artist who currently resides and works in Mexico.

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Mateo Pizarro

Mateo Pizarro, Lago Baikal, 2016

Mateo Pizarro es un artista colombiano nacido en 1984 en Bogotá.
Aunque estudió Artes Electrónicas en el Universidad de Los Andes, ha venido desarrollando una interesante carrera como dibujante e ilustrador. Además de una depurada técnica, su obra destaca por sus interesantes planteamientos conceptuales y un gran sentido del humor.
Sus trabajos han sido expuestos en Colombia, México, Estados Unidos, Argentina, Chile, España y Francia, y con su proyecto “Bestiario de animales improbables” fue uno de los ganadores del Programa de Becas y Comisiones de la Cisneros Fontanals Art Foundation (Cifo), en una categoría que reconoce a artistas emergentes de Latinoamérica. Ha recibido varios premios. Su obra forma parte de importantes colecciones americanas y europeas, y sus dibujos han sido utilizados en las portadas de varios libros.

"Bestiario de animales improbables /
Bestiary of Improbable Animals"

Bestiario II, Bestias antiguas / Bestiary II, Ancient Beasts. "Bonaso / Bonasus"

“tradunt in Paeonia feram quae *** vocetur, equina iuba, cetera tauro similem, cornibus ita in se flexis, ut non sint utilia pugnae. quapropter fuga sibi auxiliari reddentem in ea fimum, interdum et trium iugerum longitudine, cuius contactus sequentes ut ignis aliquis amburat.”
Gaius Plinius Secundus, Naturalis historia, Liber VIII, xvi., 77-8 AD Link

“Cuentan de una fiera de Peonia que se llama ***, con crin de caballo y en lo demás parecida al toro, con los cuernos tan enroscados que no son aptos para el combate. A causa de ello, busca refugio en la huida y deja en ella un excremento, en una extensión de hasta tres yugadas* a veces, cuyo contacto abrasa a sus perseguidores como una especie de fuego.”
Plinio el Viejo (Gayo Plinio Segundo), Historia Natural, Libro VIII, xvi., 77-8 dC

"In Pæonia, it is said, there is a wild animal known as *** it has the mane of the horse, but is, in other respects, like the bull, with horns, however, so much bent inwards upon each other, as to be of no use for the purposes of combat. It has therefore to depend upon its flight, and, while in the act of flying, it sends forth its excrements, sometimes to a distance of even three jugera;5 the contact of which burns those who pursue the animal, just like a kind of fire."
Pliny the Elder (Gayo Plinio Segundo), Natural History, Book VIII, xvi., 77-8 AD Link

Bestiario II, Bestias antiguas / Bestiary II, Ancient Beasts. "Tiburón zorro / Fox Shark"

Bestiario II, Bestias antiguas / Bestiary II, Ancient Beasts. "Rufio o Lobo Cerval / Cerval Wolf"

Con la ayuda de su amiga María del Mar Gámiz Vidiella, Mateo ha buscado en libros antiguos descripciones de animales en textos medievales, historias de viajeros, estudios de naturalistas, etc. El experimento consiste en dejar de lado las ideas preestablecias y dibujar en base a los elementos presentes en estos textos. El resultado es una serie de dibujos que Mateo ha venido realizando, agrupado en un "Bestiario de animales improbables". Aquí les dejo una selección de estos trabajos, que nos permiten apreciar su refinada técnica en el uso del grafito, especialmente teniendo en cuenta que se trata, en su mayoría, de miniaturas, algunas de ellas con un notable nivel de detalle.

Bestiario II, Bestias antiguas / Bestiary II, Ancient Beasts. "Ibis"

"Una de las cosas que nos parecen interesantes es lo extremadamente diferente que puede ser el animal imaginado al real. Si te interesa el tema, podrías pasar algo de tiempo pensando cuántas versiones posibles del elefante existían en la imaginación de los europeos entre los siglos I y XIV, muchos de los cuales habían oído hablar de ellos, pero la mayoría nunca había visto un paquidermo en su vida. Agrega a eso el hecho de que los mapas aún tenían vastas áreas en blanco, y terminas con una versión del mundo que implica una cierta clase de infinitud".

Bestiario III, de la Edad Media / Bestiary III, from the Middle Ages, "Leviatán / Leviathan"

"Leviatán (detalle) / Leviathan (detail)"

"El proceso que seguimos involucra a Maria del Mar en la búsqueda (en una amplia gama de libros) de pasajes en los que los animales se describen de manera peculiar, luego se editan esos textos para que los nombres de los animales queden excluidos de la descripción. Esto es fundamental para el proyecto: no sé qué animal se está describiendo. Por lo tanto, los dibujos se basan únicamente en los relatos escritos. La idea es tratar de reproducir la experiencia de una persona que lee sobre una bestia que nunca ha visto (por ejemplo, una hiena o una tiburón).
Es importante tener en cuenta que esas fuentes no hacen distinción entre seres normales y mitológicos."

Bestiario II, Bestias antiguas / Bestiary II, Ancient Beasts.
"Gallina cornuda armenia / Armenian Horned Chicken"

Mateo Pizarro is a Colombian artist born in 1984 in Bogotá.
Although he studied Electronic Arts at the Universidad de Los Andes, he has been developing an interesting career as a draftsman and illustrator. In addition to a refined technique, his work stands out for its interesting conceptual approaches and a great sense of humor.
His works have been exhibited in Colombia, Mexico, the United States, Argentina, Chile, Spain and France, and with his project "Bestiary of improbable animals" he was one of the winners of the Scholarships and Commissions Program of the Cisneros Fontanals Art Foundation (Cifo), in a category that recognizes emerging artists from Latin America. He has received several awards. His work is part of important American and European collections, and his drawings have been used on the covers of several books.

Bestiario III, de la Edad Media / Bestiary III, from the Middle Ages
"Dragón (el enemigo mortal de los elefantes) / Dragon (the mortal enemy of elephants)"

With the help of his friend María del Mar Gámiz Vidiella, Mateo has searched ancient books for descriptions of animals in medieval texts, travelers' stories, studies of naturalists, etc. The experiment consists of setting aside preset ideas and drawing on the basis of the elements present in these texts. The result is a series of drawings that Mateo has been making, grouped in a "Bestiary of improbable animals". Here you have a selection of these works that allow us to appreciate his refined technique in the use of graphite, especially considering that it is mostly miniatures, some of them with a remarkable level of detail.

Bestiario III, de la Edad Media. Los monstruos del fin del mundo
"El ave que mostró a Moctezuma la llegada de los españoles y la devastación que sobrevendría. La visión apareció en un espejo que el ave tenía en la frente.

Bestiary III, from the Middle Ages. The monsters of the End of the World
The Bird that showed Moctezuma the arrival of the Spaniards and the devastation that would ensue. The vision appeared in a mirror the bird had on it's forehead." (detail)

"One of the things we find interesting is how wildly different the imagined animal can be to the real one. If you were so inclined, you might spend a little time thinking how many possible versions of the elephant existed in the imagination of Europeans between the Ist and the XIVth centuries, several of whom had heard about them but most had never seen a pachyderm in their lives. You add that to the fact that maps still had vast blank areas in them, and you end up with a version of the world that has a certain kind of infinity to it."

Bestiario III, de la Edad Media / Bestiary III, from the Middle Ages

Bestiario II, Bestias antiguas / Bestiary II, Ancient Beasts. Avestruz camello / Camel Ostrich

"The process we followed involved Maria del Mar searching (in a wide range of books) for passages in which animals are described in peculiar ways, then editing those texts so the animal's names are excluded from the description. This is central to the project: I don't know what animal is being described. So the drawings are based solely on the written accounts. The idea is to try to reproduce the experience of a person who reads about some beast he has never seen before (say a hyena or a shark).
It might be worth noting that those sources make no distinction between normal and mythological beings." 

Bestiario III, de la Edad Media / Bestiary III, from the Middle Ages
"Grifo / Griffin"
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He seleccionado algunas de los trabajos de Mateo y los textos de origen para que podamos apreciar el proceso. Lo interesante es que en un par de casos disponemos de ilustraciones de los libros en cuestión, lo que nos permite comparar la interpretación del artista de aquellos textos, con la imagen que de estos seres ofrecieron sus observadores directos, o cronistas en el caso de seres mitológicos.

I've selected some of Mateo's works and the original texts, so we can appreciate the process. The interesting thing is that in a couple of cases we have illustrations of that books, which allows us to compare the artist's interpretation of those texts, with the image of that beings offered by their observers, or chroniclers in case of mythological beings. 
I included a rough translation in English to understand the texts, but bear in mind that these were written in Latin and ancient forms of Castilian.

Perico Ligero (Perezoso)

“*** es un animal el más torpe que se puede ver en el mundo, y tan pesadísimo y tan espacioso en su movimiento, que para andar el espacio que tomarán cincuenta pasos, ha menester un día entero […]. Será tan luengo como dos palmos cuando ha crecido todo lo que ha de crecer, y muy poco más de esta mesura será si algo fuere mayor; […] tienen cuatro pies, y delgados, y en cada mano y pie cuatro uñas largas como de ave, y juntas; pero ni las uñas ni manos no son de manera que se pueda sostener sobre ellas, y de esta causa, y por la delgadez de los brazos y piernas y pesadumbre del cuerpo, trae la barriga casi arrastrando por tierra; el cuello de él es alto y derecho, y todo igual como una mano de almirez, que sea de una igualdad hasta el cabo, sin hacer en la cabeza proporción o diferencia alguna fuera del pescuezo; y al cabo de aquel cuello tiene una cara casi redonda, semejante mucho a la de la lechuza, y el pelo propio hace un perfil de sí mismo como rostro en circuito, poco más prolongado que ancho, y los ojos son pequeños y redondos y la nariz como de un monico, y la boca muy chiquita, y mueve aquel su pescuezo a una parte y a otra, como atontado, […] El pelo de él es entre pardo y blanco. […] No muerde, ni puede, según tiene pequeñísima la boca, ni es ponzoñoso, ni he visto hasta ahora animal tan feo ni que parezca más inútil que aqueste.”
Gonzalo Fernández de Oviedo (1478-1557), Ramon de Petras
"Ouiedo de la natural hystoria de las Indias / Sumario de la natural historia de las Indias", Toledo, España, 1526. p.44. BNE, Wikipedia



Agile Perico (Sloth)

"*** is the most awkward animal that can be seen in the world, and so heavy and so slow in its movement, that to walk the space that will take fifty steps, it takes a whole day [...]. It has about two handspans long when everything that had to grow has grown, and very little more if bigger; […] they measure about a little less wide than long, and have four slender feet, and in each hand and foot, long nails like birds, and joined, but not even the nails of the hand have a shape to be able to hold onto them, and therefore the thinness of the arms and legs and how heavy his body is. The belly drags it through the earth. The neck is tall and straight, and like a mortar arm is equal from end to end, with a head not very descernible from the neck. At the end of that neck there is an almost round face, very similar to that of the owl, and the hair that it has gives its face a circular aspect, very little longer than wide, and the small round eyes, and the nose as the one of a little monkey, and the very small mouth, and moves his neck from side to side, like stunned, […] His hair is brown and white. [...] It does not bite, nor can it, as it has a very small mouth, nor is it poisonous, nor have I seen so far an animal so ugly or that it seems more useless than this one."
Gonzalo Fernández de Oviedo (1478-1557), Ramon de Petras
"Summary of Natural History if the Indias", Toledo, Spain, 1526. p.44. BNEWikipedia

Bestiario I / Bestiary I. "Perezoso / Sloth"
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Axolotl (Ajolote)

“Es una especie de pez lacustre cubierto de piel blanda y con cuatro patas como de lagartija […]. Tiene vulva muy parecida a la de mujer, el vientre con manchas pardas, y desde la mitad del cuerpo hasta la cola, que es larga y muy delgada en su extremo, adelgaza gradualmente; tiene por lengua un cartílago corto y ancho; nada con las cuatro patas, que terminan en dedos muy parecidos a los de rana; la cabeza es deprimida, y grande en relación con el cuerpo; la boca entreabierta y el color negro. Se ha observado repetidas veces que tiene flujos mensuales como las mujeres y que comida excita la actividad genésica no de otra suerte que los estincos, que algunos llaman cocodrilos terrestres y son quizá de su misma especie. Tomó su nombre de la forma rara y divertida que tiene.”
Francisco Hernández de Toledo (1514-1587) et al.
"Rerum medicarum Novae Hispaniae thesaurus, seu, Plantarum animalium mineralium Mexicanorum historia"
1ª edición en Roma: Jac. Mascardi, 1628/1630
Esta copia puede ser de la reedición de 450 copias de Deversini & Masotti de 1628/30. p.316. Archive


Axolotl (Mexican walking fish)

"It is a species of lake fish covered with soft skin and with four legs like a lizard [...]. It has a vulva very similar to that of a woman, the belly with brown spots, and from the middle of the body to the tail, which is long and very thin at the end, gradually thinning; his tongue has a short and wide cartilage; it swims with the four legs, which end in fingers very similar to those of frog; the head is depressed, and big in relation to the body; the mouth ajar and the color black. It has been repeatedly observed that it has monthly flows like women and that food excites the genesic activity not otherwise than the skinks, which some call terrestrial crocodiles and are perhaps of the same species. He took his name from the weird and funny form it has."
Francisco Hernández de Toledo (1514-1587) et al.
"Rerum medicarum Novae Hispaniae thesaurus, seu, Plantarum animalium mineralium Mexicanorum historia"
First published Rome : Jac. Mascardi, 1628/1630
Present copy may be from Deversini & Masotti's reissue of 450 copies of the 1628/30. p.316. Archive

Bestiario I / Bestiary I. "Ajolote / Axolotl"
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Ahuizote / Ahuízotl


“Hay un animal en esta tierra que vive en el agua, nunca oído, el cual se llama ***, es tamaño como un perrillo, tiene el pelo muy lezne y pequeño, tiene las orejitas pequeñas y puntiagudas, tiene el cuerpo negro y muy liso, tiene la cola larga y en el cabo de la cola una como mano de persona; tiene pies y manos, y las manos y pies como de mona; habita este animal en los profundos manantiales de las aguas; y si alguna persona llega a la orilla del agua donde él habita, luego le arrebata con la mano de la cola, y le mete debajo del agua y le lleva al profundo […].Y el que fue metido debajo del agua allí muere, y dende a pocos días el agua echa fuera el cuerpo del que fue ahogado, y sale sin ojos y sin dientes y sin uñas […]. Decían que este que así moría era por una de dos causas, o porque era muy bueno, y por su bondad los dioses tlaloques le querían llevar a su compañía, al paraíso terrenal; o porque por ventura tenía algunas piedras preciosas en su poder, de lo cual estaban enojados los dioses tlaloques, porque no querían que los hombres poseyesen piedras preciosas”
Fray Bernardino de Sahagún (1499-1590)
"Historia general de las cosas de la Nueva España (el Códice Florentino)". Texto en español y náhuatl.
3 volúmenes (v.1, 353 hojas; v.2, 375 hojas; v.495 hojas): tinta sobre papel; 310 x 212 mm., 1577
Volumen 3, Libro Undécimo, fo.71, h.223. Biblioteca Digital Mundial



"There is an animal in this land that lives in the water, never heard about it, which is called ***, it is the size of a little dog, it has very small and scarce hair, it has small, pointed ears, it has a black body and very smooth, it has a long tail and at the end of the tail a person's hand; he has feet and hands, and his hands and feet are like monkey's; this animal lives in the deep springs of the waters; and if any person comes to the water's edge where he dwells, then he catches him with the hand of his tail, and takes him under the water and takes him to the deep [...]. And he who was put under the water there dies, and after a few days the water casts out the body of the one who was drowned, and comes out without eyes and without teeth and without nails [...]. It said that the one who died that way, has one of two causes, or because he was very good, and because of his kindness the Tlaloque gods wanted to take him to his company, to the earthly paradise; or because by chance he had some precious stones in his possession, of which the Tlaloque gods were angry, because they did not want men to possess precious stones."
Fray Bernardino de Sahagún (1499-1590)
"General History of the things at New Spain (the Florentine Codex)". Text in Spanish & Náhuatl.
3 vol. (v.1, 353 hojas; v.2, 375 hojas; v.495 hojas): ink on paper; 310 x 212 mm., 1577
Volume 3, Book XI, fo.71, h.223World Digital Library

Bestiario I / Bestiary I. "Ahuizote / Ahuízotl"
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Armadillo


“Hay un animalejo en esta tierra que se llama ayotochtli, que quiere decir conejo como calabaza; es todo armado de conchas, es del tamaño de un conejo; las conchas con que está armado parecen pedazos de cascos de calabazas”
"Historia general de las cosas de la Nueva España (el Códice Florentino)". Texto en español y náhuatl.
3 volúmenes (v.1, 353 hojas; v.2, 375 hojas; v.495 hojas): tinta sobre papel; 310 x 212 mm., 1577
Volumen 3, Libro Undécimo, fo.65, h.217Biblioteca Digital Mundial



"There is an animal in this land called ayotochtli, which means rabbit as a pumpkin; it's all armed with shells, it's the size of a rabbit; the shells with which it is armed look like pieces of pumpkin rinds."
Fray Bernardino de Sahagún (1499-1590)
"General History of the things at New Spain (the Florentine Codex)". Text in Spanish & Náhuatl.
3 vol. (v.1, 353 hojas; v.2, 375 hojas; v.495 hojas): ink on paper; 310 x 212 mm., 1577
Volume 3, Book XI, fo.65, h.217World Digital Library

Bestiario I / Bestiary I. "Armadillo"
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Mateo trabajando / at work
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Fuentes / Sources:
* Sitios web del artista / Artist's websites
* Artículo y entrevista de / Article and Interview by Carolina Peralta, Local.mx, 3/2017
* "Animales dibujados en base a sus descripciones clásicas que parecen surrealistas /
Animals drawn based on their classical descriptions look surreal"
por / by Inigo. Lost at E Minor, 8/2016
* Libros antiguos citados en los pies de foto / Antique books quoted in captions

Más sobre / More about Mateo Pizarro: Behance, facebook, HeartGo

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Mateo!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Mateo!)

Rinocerontes / Rhinos (XCV)

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Laura Ball (II)

Hace unos días disfrutábamos de las bellas acuarelas de la artista estadounidense Laura Ball. Ahora les presento una selección cronológica de sus rinocerontes, animales a los que Laura tiene especial cariño, y que aparecen con mucha frecuencia en su obra.
Más imágenes e información sobre Laura en el post previo.

"Charge / Carga", acuarela sobre papel / watercolor on paper, 32" x 51", 2010 © Laura Ball

"Dolores de crecimiento / Growing Pains"
Acuarela y grafito sobre papel / watercolor and graphite on paper, 22" x 30", 2010 © Laura Ball

"Nola", acuarela y grafito sobre papel / watercolor and graphite on paper, 52" x 42", 2014 © Laura Ball

"Sin título (Rinoceronte) / Untitled (Rhino)"
Acuarela y grafito sobre papel / watercolor and graphite on paper, 16" x 20", 2010 © Laura Ball

"Solitario / Lonesome", acuarela y grafito sobre papel /
watercolor and graphite on paper, 68,6 x 104,1 cm., 2013 © Laura Ball

"Celia", acuarela y grafito sobre papel /
watercolor and graphite on paper, 76,2 x 55,88 cm., 2014 © Laura Ball

A few days ago we enjoyed the beautiful watercolors of the American artist Laura Ball. Now here you have a chronological selection of her rhinos, animals to which Laura has special affection, and which appear very often in her work.
More images and information about Laura in previous post.

"Refugio / Refuge 1", acuarela y grafito sobre papel /
watercolor and graphite on paper, 23,75" x 79", 2014 © Laura Ball

"El embrollo / The Embroilment", acuarela y grafito sobre papel /
watercolor and graphite on paper, 167,64 x 132,08 cm., 2014 © Laura Ball

"La embestida / The Onslaught", acuarela y grafito sobre papel /
watercolor and graphite on paper, 168,91 x 132,08 cm., 2014 © Laura Ball

"Cruzando (Angalifu y Nola) / Crossing Over (Angalifu and Nola)" (díptico / diptych)
Acuarela y grafito sobre papel / watercolor and graphite on paper, 83,19 x 261,62 cm., 2015 © Laura Ball

«Soy una visitante habitual del zoológico de San Diego y del Wild Animal Park. Algunas veces fui al parque para echar un vistazo a Nola y Angaifu, cuando ambos estaban vivos. La disminución de la especie es desgarradora, y me molesta bastante la pérdida de todas las criaturas en peligro de extinción, pero tener acceso a ellas lo hizo mucho más real en el caso de los rinocerontes blancos del norte. He hecho varias acuarelas basadas en Nola y Angalifu, y tengo la intención de seguir usándolas como un tema mío, en gran parte porque estoy muy apegada a ellos. La tristeza es dura, pero creo que tener sentimientos verdaderos sobre el trabajo que hago agrega una capa de profundidad al mismo.»

"Cruzando (Angalifu y Nola) / Crossing Over (Angalifu and Nola)"
Panel derecho / right panel (díptico / diptych), 83,19 x 130,81 cm., 2015 © Laura Ball

«I am a frequent visitor to the San Diego Zoo and Wild Animal Park. A few times I went to the park to catch a glimpse of Nola, and Angaifu, while they were both alive. The diminishing species is heartbreaking, and I get pretty upset about the loss of all endangered creatures, but having access to them made it so much more real in the case of the Northern White Rhinos. I have made several watercolors based on Nola and Angalifu, and I intend to keep using them as my subject matter, largely because I am so attached to them. The sadness is hard, but I think having true feelings about the work I make adds a layer of depth to the work.»

"Rey / King", acuarela y grafito sobre papel /
watercolor and graphite on paper, 81,28 x 139,7 cm., 2015 © Laura Ball

"Historia de amor / Love Story", acuarela y grafito sobre papel /
watercolor and graphite on paper, 167,64 x 130,94 cm., 2015 © Laura Ball

"Pila africana 1 / Africa Stack 1", acuarela / watercolor, 59,69 x 44,71 cm., 2016 © Laura Ball

"Mandala de Nola / Nola Mandala", acuarela sobre papel / watercolor on paper, 2016
(obra y detalle / work and detail) © Laura Ball

"Asamblea de los animales 2 / Assembly of the Animals 2"
Acuarela, grafito, láminas de oro y polímero acrílico /
watercolor, graphite, gold foil and acrylic polymer, 130,81 x 82,55 cm., 2018 © Laura Ball

"Sudan, el último de los machos / the last of the male"
Acuarela sobre papel / watercolor on paper, 2018 © Laura Ball

Era el último macho de Rinoceronte blanco del norte. Murió en marzo de este año, dejando sólo dos hembras de la especie./
He was the last male Northern White rhino. He died in March of this year - leaving only two females of the species.

Laura Ball en "El Hurgador" / in this blog[Laura Ball (Acuarelas)]

Más sobre / More about Laura Ball: WebsiteInstagramfacebook
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Jillian Ludwig

Jillian Dickson (Ludwig) es una artista y educadora artística estadounidense de Darien, Illinois.
Recibió su Licenciatura en Bellas Artes de la Universidad de Bradley en 2005 y su Máster en Bellas Artes de la Universidad de Clemson en 2007. Es una artista exhiniba internacionalmente. En el verano de 2015 participó en el proyecto ArtVenice, que fue una presentación digital de su trabajo junto a otro artista internacional que tuvo lugar la primera semana de la 56ª Bienal de Venecia en el centro de Castello. En 2012 representó a La Galerie Particulier en la exposición Drawing Now celebrada en el Louvre de París. Su obra ha sido exhibida en todo Estados Unidos, incluyendo: Swarm Gallery en Oakland California, Thinkspace Gallery en Culver City, California, Antler Gallery en Portland, Oregon, y el Urban Institute of Contemporary Art en Grand Rapids, Michigan. El arte de Jillian se ha incluido en publicaciones como "The international Drawing Annual", "Hi-Fructose" y "Juxtapoz".
Es profesora asistente de dibujo y pintura en el Alma College. Ha enseñado en la Elon University, Indiana University - Purdue University Indianapolis, Baylor University, Texas State University, The Art Institute of Austin, Clemson University e Interlochen Center for the Arts.

"Rinoceronte / Rhino", grafito, aguada, pastel, lápiz de color sobre papel /
graphite, gouache, pastel, color pencil on paper, 22" x 30", 2011

Jillian Dickson (Ludwig) is an American artista and Art Educator from Darien, Illinois.
She received her BFA from Bradley University in 2005 and her MFA from Clemson University in 2007. She is an internationally exhibited artist. In the summer of 2015, Jillian participated in the ArtVenice project which is a digital presentation of her work along side other international artist taking place the first week of the 56th Venice Biennale in the centre of Castello. In 2012, Jillian represented La Galerie Particulier in the Drawing Now Exhibition held at the Louvre in Paris. Her work has been exhibited throughout the United States, including: Swarm Gallery in Oakland California, Thinkspace Gallery in Culver City, California, Antler Gallery in Portland, Oregon, and the Urban Institute of Contemporary Art in Grand Rapids, Michigan. Jillian's art has been included in publications such as, "The international Drawing Annual", "Hi-Fructose" and "Juxtapoz." 
She is a visiting assistant professor in drawing and painting at Alma College. She has taught at: Elon University, Indiana University – Purdue University Indianapolis, Baylor University, Texas State University, The Art Institute of Austin, Clemson University and Interlochen Center for the Arts. 

Más sobre / More about Jillian: Website, Instagram
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Fabrizio Riccardi

Fabrizio Riccardi es un artista italiano nacido en Roma en 1942. Diez años más tarde se mudó con su familia a Turín, donde asistió al "Liceo Artistico dell'Accademia Albertina"; en 1961 se matriculó en la Facultad de Arquitectura, pero lo dejó en 1966 para instalarse en el área de Chianti, en San Casciano Val di Pesa. Aquí se casó y tiene dos hijos, Costanza y Matías, y alterna su actividad artística con la didáctica. Frecuentes viajes de estudio a los Estados Unidos, Francia, Suiza y Bélgica, donde recibió una apreciación considerable de los críticos que trabajan en el área del arte fantástico y visionario.


Fabrizio Riccardi is an Italian artist born in Rome in 1942. Ten years later he moved with his family to Turin where he attended the "Liceo Artistico dell'Accademia Albertina"; in 1961 he enrolled in the Faculty of Architecture but left in 1966 to settle in the Chianti area, in San Casciano Val di Pesa; here he married, and has two sons, Costanza and Mathias, and alternates his artistic activity with the didactic one. Frequent study trips to the United States, France, Switzerland and Belgium, where he met with considerable appreciation from critics working in the area of fantastic and visionary art.
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Andrea Berlinghieri

"Il castello nero / El castillo negro / The Black Castle"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50 × 50 cm., 2012

Andrea Berlinghieri es un artista italiano nacido en 1974. Es famoso por sus pinturas surrealistas. En su investigación explora las relaciones entre el mundo de los sueños y la realidad, creando obras en las que la técnica y el contenido se convierten en la característica principal.
Andrea mostró talento artístico desde temprana edad, por lo que comenzó a pintar bajo la guía de su madre artista, de quien aprendió la posibilidad de comunicarse a través del arte. Desde 2003 ha frecuentado el estudio de un conocido artista contemporáneo, del cual se convirtió en su asistente. Al mismo tiempo desarrolló un lenguaje propio muy personal, que se caracteriza por un enfoque constante en la exploración de técnicas antiguas y la expresión artística contemporánea.

"Il laboratorio segreto / El laboratorio secreto / The Secret Lab"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 35 x 50 cm., 2013

Andrea Berlinghieri is an Italian artist born in 1974. He is renowned for his surrealist paintings. In his research he investigate the relationships between the dream world and reality, creating works in which technique and content become the main feature.
Andrea showed artistic talent at an early age, so he started painting under the guidance of his artist mother from whom he learned the possibility of communicating through art. Since 2003 he has frequented the study of a well-known contemporary artist, of which he became his assistant. At the same time, he developed his own very personal language, which is characterized by a constant focus on exploring ancient techniques and contemporary artistic expression.
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Silvano "Abacuc" Gilardi


Silvano "Abacuc" Gilardi es un artista italiano nacido en Turín en 1933, en una familia de artistas de origen suizo. Desde 1985 vive y trabaja en Mendrisio.
Su debut artístico tuvo lugar en los años cincuenta con producción gráfica (dibujos y grabados), y en los años sesenta como pintor. Formó parte del grupo histórico de "Surfanta", que propuso un nuevo surrealismo combinado con un antiguo sentido de fantasía. Pero incluso entonces, en la elaboración concreta de las imágenes, se distanció decididamente de las alusiones surrealistas de sus colegas.
Su propia formación juvenil en el campo de la restauración lo dirigió hacia una objetividad más intensa encarnada en el lenguaje del arte y en la realidad de la naturaleza. Así, cerrada en 1972 la revista y la experiencia de "Surfanta", el camino evolutivo de Silvano Gilardi se han desarrollado en un lenguaje propio, en el que alterna análisis y evaluaciones iconológicas sobre el terreno, la nitidez de la visión y las resonancias arcanas del mito.
Secuencias inagotables de figuras, naturalezas muertas, paisajes que van desde la mitología a la literatura clásica, también se alternan en la producción de las siguientes décadas, hasta los trabajos sistemáticos realizados en 2005 y estos últimos temas de "moralidad" en diálogo con los antiguos y la literatura moderna, especialmente con El libro de los seres imaginarios de Jorge Luis Borges.

"Rinoceronte volatario", óleo sobre tabla / oil on wood, 60 x 50 cm., 1967

Silvano "Abacuc" Gilardi is an Italian artist born in 1933 in Turin, in a family of artists of Swiss origin. Since 1985 lives and works in Mendrisio.
His artistic debut took place in the fifties with the graphic production (drawings and etchings), and in the sixties as a painter. He was part of the historical group of "Surfanta", which proposed a new Surrealism combined with an ancient sense of fantasy. But even then, in the concrete elaboration of images, he decidedly distanced himself from the surrealist allusions of his colleagues.
His own youthful formation in the field of restoration directed him towards a more intense objectivity embodied in the language of art as in the reality of nature. Thus, closed in 1972 the magazine and the experience of "Surfanta", the evolutionary path of Silvano Gilardi has developed in a language of his own, in which he alternates iconological analysis and assessments on the field, sharpness of vision, and arcane resonances of the myth.
Inexhaustible sequences of figures, still lifes, landscapes that range from mythology to classical literature, also alternate in the production of the following decades, up to the systematic works carried out in 2005, and to these last themes of "morality" in dialogue with ancient and modern literature, especially with The Book of Imaginary Beings by Jorge Luis Borges.

"Il Biforcuto / El bifurcado / The Bifurcate". Pinterest
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Julien Tabet

"Jardín secreto / Secret Garden", 2018. Instagram

Julien Tabet es un artista francés de 21 años que crea imágenes fantásticas gracias a su talento para la fotografía y el Photoshop.

Julien Tabet is 21 years old French artist who creates fantastic images thanks to his talent with photography and Photoshop. 

Julien Tabet en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (CI)]
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Publicidad / Advertising

En esta época del año la publicidad se adueña de todo el espacio público y los medios de comunicación, así que para ir finalizando el año aquí tienen algunas imágenes publicitarias para las cuales han utilizado a nuestras mascotas.

At this time of the year the publicity takes over all the public space and the media, so to end the year here have some advertising images for which they have used our pets.

Aceite para motores Havoline, Distribuidores en los 48 estados, El poder de un rinoceronte
Lema: "Consigue la emoción de la potencia total con un motor limpio"
Anuncio antiguo, en la revista Look, 19 de julio de 1949, Vol. 13, No. 15. Flickr

Havoline Motor Oil, "Texaco Dealers in All 48 States,""Rhino Power"
Tagline: "Get the thrill of full power with a clean engine"
Vintage advertisement, in Look magazine, July 19, 1949, Vol. 13, No. 15.
Published in Look magazine, July 19, 1949, Vol. 13, No. 15.

Poster de una de las más famosas marcas de ropa del mundo, Wrangler. El simpático rinoceronte del póster muestra cuán flexibles y adaptables son los jeans Wrangler. 56,5 x 46 cm. /

A very nice poster for one of the most famous clothing brands in the world, Wrangler. The cute Rhino on the poster displays just how flexible and adaptable Wrangler. 56,5 x 46 cm.

Autos FIAT, Reino Unido, nuevo Fiat Panda. "Una nueva raza de Panda" /
Fiat Auto Uk New Fiat Panda. "A new breed of Panda" adeevee

Anuncio de la marca de autos SsangYong. "El diesel salvaje" /
Ad. of SsangYong cars. "The Wild Diesel". Favbulous

Publicidad de AQUA Kenzo. "Sólo para adictos al agua"
AQUA Kenzo Ad. "For Water Addicts Only"

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Aniversarios (CCLXVI) [Diciembre / December 24-27]

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Todos los aniversarios de Diciembre aquí / All anniversaries for December here.
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El 24 de Diciembre es el cumple de

Jakub Obrovský, pintor, artista gráfico, escultor y escritor checo nacido en 1882 en Brno-Bystrc.
Estudió en la Escuela de Artes Aplicadas de Praga con Celda Klouček, EK Liška y Stanislav Sucharda (1897-1901) y continuó sus estudios en la Academia de Bellas Artes con Max Pirner (1901-1905). En 1919 se convirtió en profesor de la Academia de Bellas Artes y más tarde se desempeñó como rector.

"Vraždící Odysseus / Odiseo matando / Odysseus Killing", 1932
Zahrada Šternberského paláce / Jardines del Palacio Šternberk / Šternberk Palace Gardens
(Praga, República Checa / Prague, Czech Republic). Rajce.net

"Vraždící Odysseus / Odiseo matando / Odysseus Killing" (detalle / detail)

Obrovský prefería las figuras de mujeres en sus pinturas y, a menudo, figuras de atletas en su escultura. Diseñó los primeros sellos de la nueva República de Checoslovaquia: el león que escapaba de sus cadenas (28 de octubre de 1919) y la alegoría de la economía (1920).
En 1932 ganó una medalla de bronce para Checoslovaquia en las competiciones de arte de los Juegos Olímpicos por su "Odiseo".
Murió en 1949.

"Vrhač oštěpu (Vraždící Odyseus) / Lancero (Odiseo matando) /
Spear Thrower (Odysseus Killing)", bronce / bronze, 1919-31 © GHMP
Galerie hlavního města Prahy / Galería de la ciudad (Praga, República Checa / Prague, Czech Republic)

"Památník selských bouří 1775 v Chlumci nad Cidlinou /
Memorial a la rebelión campesina de 1775 en Chlumec nad Cidlinou /
Memorial of 1775 peasant rebellion in Chlumec nad Cidlinou". idnes.cz.

On December 24 is the birthday of

Jakub Obrovský, Czech painter, graphic artist, sculptor and writer born in 1882 in Brno-Bystrc.
He studied at the School of Applied Arts in Prague with Celda Klouček, EK Liška and Stanislav Sucharda (1897-1901) and continued his studies at the Academy of Fine Arts with Max Pirner (1901-1905). In 1919 he became a professor at the Academy of Fine Arts, and later served as the rector.

"Běžec po startu / Corredor tras la largada / Runner After Start", bronce / bronze. Link

Obrovský favored women's figures in his paintings, and often sculpted figures of athletes. He designed early stamps of the new Republic of Czechoslovakia: the lion escaping from its chains (28 October 1919) and the allegory of economy (1920).
In 1932 he won a bronze medal for Czechoslovakia in the art competitions of the Olympic Games for his "Odysseus"
He died in 1949.

"Tančící dívka / Bailarina / Dancer", bronce / bronze© GHMP
Galerie hlavního města Prahy / Galería de la ciudad (Praga, República Checa / Prague, Czech Republic)


El 25 de Diciembre es el cumple de

Ludwig Vordermayer, escultor alemán nacido en 1868 en Munich.
Asistió al instituto educativo del Museo de Artes Aplicadas de Berlín (1888-90). Estudió bajo la dirección de Peter Bauer (1890-91) y luego con Karl Begas.

"Guerrero burgundio / Burgundian Warrior"
Bronce / bronze, altura / height: 50 cm. Düsseldorfer Auktionshaus


Desde 1893 estuvo representado en la Gran Exposición de Arte de Berlín.
Destacó por su escultura animalista. La fundición Gladenbeck en Berlín tiene varias de sus pequeñas obras en sus catálogos.
Murió en 1933.

On December 25 is the birthday of

Ludwig Vordermayer, German sculptor born in 1868 in Munich.
He attended the educational institute of the Museum of Applied Arts in Berlin (1888-90). He studied under Peter Bauer (1890-91) and then with Karl Begas.
From 1893 Vordermayer was represented at the Great Berlin Art Exhibition.

"Wasserträger / Aguatero / The Water Carrier"
Bronce con pátina oscura, base de mármol / dark patinated bronze, marble base
altura / height: 30 / 32 cm., c.1900. Mehlis Auktionen

"Wasserträger / Aguatero / The Water Carrier" (detalle / detail). Mehlis Auktionen

"Wasserträger / Aguatero / The Water Carrier" (vistas lateral y trasera / side and back views). Mehlis Auktionen

Ludwig Vordermayer was fond of animal representation. The Gladenbeck foundry in Berlin has several of his small works in their catalogs.
He died in 1933.

"Bañista en un taburete / Bather on a Stool", bronce patinado, sobre zócalo de mármol negro /
patinated bronze, raised on a black marble plinth, altura / height: 30 / 32 cm. Invaluable


El 26 de Diciembre es el cumple de

Filippo della Valle, escultor italiano de estilo barroco tardío o neoclásico temprano nacido en 1698, activo principalmente en Roma.
Inicialmente aprendiz con Giovanni Battista Foggini en Florencia junto con Giovanni Battista Maini, él, y luego Maini, se mudaron a Roma para trabajar con Camillo Rusconi. En 1725 Della Valle ganó un concurso de la Academia de San Lucas junto con Pietro Bracci, y más tarde se convertiría en el director o Príncipe de ese grupo. En Roma trabajó con Bracci en la Fontana di Trevi de Nicola Salvi, donde completó las estatuas alegóricas de la Salud y la Abundancia.

"St Giovanni Di Dio / San Juan de Dios / Saint John of God", mármol / marble, 1745
Basílica de San Pedro (Vaticano, Roma, Italia / Vatican, Rome, Italy). Wikimedia Commons

La obra maestra de Della Valle es su relieve de La Anunciación (1750) para la iglesia de Sant'Ignazio en Roma, un relieve mucho más moderado y plano que el del elaborado tratamiento de Bernardino Cametti en 1729 del mismo tema ahora en la Basílica de Superga. Esto reflejó una influencia neoclásica que comenzó a afectar la escultura romana del barroco tardío, alejándose de lo teatral hacia una elocución más sobria del tema. Se puede encontrar otro contraste en el manejo de Pierre Legros el joven del relieve que representa a San Luis Gonzaga en la Gloria (1698), que se encuentra frente a la Anunciación de Della Valle en Sant'Ignazio.

"Santa Teresa de Ávila / Saint Therese of Ávila", mármol / marble, 1754
Basílica de San Pedro (Vaticano, Roma, Italia / Vatican, Rome, Italy). Wikimedia Commons

En 1750 completó un monumento funerario a Manuel Pereira de Sampaio, embajador portugués ante la Santa Sede, en la iglesia de Sant'Antonio dei Portoghesi.
También completó la estatua de la Templanza (1734) en la Capilla Corsini en San Giovanni en Laterano. La estatua recuerda la pionera del barroco temprano de Francois Duquesnoy, pero sobriamente clásica, Santa Susanna. En esta capilla Della Valle, trabajando con Maini, muestra la influencia del florentino Massimiliano Soldani Benzi. En estilo, Della Valle se alió con el creciente grupo de escultores franceses en Roma, incluido Michelangelo Slodtz.
También realizó el monumento para Inocencio XII (1746) y Santa Teresa de Ávila (1754) para la Basílica de San Pedro.
Murió en 1768.

Fontana di Trevi (Roma, Italia / Rome, Italy) (1732-62)
El Océano, de Pietro Bracci (1700–1773), entre las estatuas de la Abundancia y la Salud /
The Ocean, by Pietro Bracci (1700–1773), between the statues of Abundance and Salubrity
Foto / Photo: Javier Fuentes, 8/2011

On December 26 is the birthday of

Filippo della Valle, Italian late-Baroque or early Neoclassic sculptor born in 1698, active mostly in Rome.
Initially apprenticed with Giovanni Battista Foggini in Florence alongside Giovanni Battista Maini, he, and later Maini, moved to Rome to work with Camillo Rusconi. In 1725, della Valle won a contest of the Academy of St Luke together with Pietro Bracci, and was later to become the director or Principe of that group. In Rome, he worked with Bracci on Nicola Salvi's Trevi Fountain, where he completed the allegorical statues of Health and Abundance.
Della Valle masterpiece is his Annunciation relief (1750) for the church of Sant'Ignazio in Rome, a much more restrained and flatter relief than that of Bernardino Cametti's elaborate 1729 treatment of the same theme now at the Basilica of Superga. This reflected a Neoclassical influence beginning to affect Late Baroque Roman sculpture, moving away from the theatrical to a more sober elocution of the subject. Another contrast can be found in Pierre Legros the Younger's handling of the relief depicting St Aloysious Gonzaga in Glory (1698), which stands across from Della Valle's Annunciation in Sant'Ignazio.

"L'Abbondanza / La abundancia / Abundance", mármol / marble
Fontana di Trevi (Roma, Italia / Rome, Italy). Wikimedia Commons

In 1750, he completed a funerary monument to Manuel Pereira de Sampaio, Portuguese ambassador to the Holy See, in the Church of Sant'Antonio dei Portoghesi.
He also completed the statue of Temperance (1734) in the Corsini Chapel at San Giovanni in Laterano. The statue recalls Francois Duquesnoy's pioneering early baroque, yet soberly classic, Santa Susanna. In this chapel, della Valle, working with Maini, shows the influence of the Florentine Massimiliano Soldani Benzi. In style, della Valle was allied to the rising group of French sculptors in Rome including Michelangelo Slodtz.
He also completed the monument for Innocent XII (1746) and a Santa Teresa of Avila (1754) for St Peter's Basilica.
He died in 1768.

"Salubritá / La salud / Salubrity", mármol / marble
Fontana di Trevi (Roma, Italia / Rome, Italy). Wikimedia Commons


El 27 de Diciembre es el cumple de

Johann Wilhelm Beyer, escultor, porcelanista, pintor y diseñador de jardines alemán nacido en 1725 en Gotha. Beyer tuvo la mayor participación en el diseño de los jardines y estatuas del Palacio de Schönbrunn, que es considerado como su obra maestra.
Beyer fue formado como ingeniero de jardinería desde muy temprano por su padre Johann Nicholas Beyer, que era jardinero al servicio de Charles Eugene, duque de Württemberg. Entre 1748 y 1751 Beyer viajó a París, donde estudió arquitectura y pintura. Más tarde se fue a Roma, donde intentó estudiar pintura, pero se dedicó a la escultura después de participar en excavaciones de estatuas antiguas. Después de regresar a Stuttgart en 1759 trabajó como pintor de corte ducal de Württemberg hasta 1767 y como maestro de modelado de porcelana en Ludwigsburg.

"Kalliope, Muse der Dichtkunst / Calíope, musa de la poesía / Calliope, Muse of Poetry"
Mármol / marble, 1773-80. Wilhelm Beyer (o su taller / or workshop). Wikimedia Commons
Schlosspark Schönbrunn / Parque del Castillo de Schönbrunn (Wien / Viena / Vienna, Austria)

Después de dejar el servicio del duque en febrero de 1767, se mudó a Viena. Ya en 1768 era miembro de la Academia Imperial. Fue contratado en la corte en 1769 y promovido en 1770 a pintor de la Corte Imperial, Estatuario (escultor) y Arquitecto de Cámara. La reputación de Beyer como artista, sin embargo, fue contrarrestada por su egoísmo. Según informes se dedicó a vender a precios menores que su competencia, lo que lo hizo muy impopular entre sus compañeros artistas y personal.
Se casó en 1771 con la pintora Gabriele Bertrand, hija del capitán del Castillo de Schönbrunn.
En 1779 los dos volúmenes de grabados de Beyer en Austria causaron revuelo porque las imágenes y la arquitectura eran extrañas para la mayoría. Documentó las explicaciones detalladas con referencias a las fuentes mitológicas de la mitología (Virgilio, Ovidio, Plutarco y enciclopedias contemporáneas). Después de completar el trabajo para Schönbrunn y después de la muerte de su mecenas, María Teresa, en 1780, volvió al diseño de jardines. En su obra que data de 1784, influye en el diseño de jardines y paisajes alemanes, impulsando un espacio intermedio entre el diseño de jardines inglés y francés.

"Jason mit dem goldenen Vlies / Jasón con el Velloncino dorado / Jason With the Golden Fleece"
Mármol / marble, 1773-80. Wilhelm Beyer (o su taller / or workshop). Wikimedia Commons
Schlosspark Schönbrunn / Parque del Castillo de Schönbrunn (Wien / Viena / Vienna, Austria)

Su obra más importante fue un contrato de María Teresa firmado en mayo de 1773. Se esperaba que durante tres años produjera varias estatuas de mármol blanco. Después de recibir este pedido, uno de sus desafíos fue en el área alrededor de Sterzing para fabricar mármol de calidad que igualara al de Carrara. Ya en el verano de 1773 estaba con un grupo de 15 escultores en Sterzing. En Schönbrunn utilizó la Escuela de Equitación de Invierno (entonces un establo) como estudio. Se centró en la gestión de las tareas de organización y diseño. A los empleados no se les permitió firmar su trabajo, por lo que se les conoce simplemente como obra de Beyers en la mayoría de los casos.
El último gran diseño de Beyer para Schönbrunn fueron las figuras de la Fuente de Neptuno de 1780, completadas poco antes de la muerte de María Teresa.
Murió en 1796.

"Fuente de Neptuno y Glorieta / Neptune Fountain and Gloriette". Wikimedia Commons
Schlosspark Schönbrunn / Parque del Castillo de Schönbrunn (Wien / Viena / Vienna, Austria)

"Fuente de Neptuno / Neptune Fountain". Wikimedia Commons
Schlosspark Schönbrunn / Parque del Castillo de Schönbrunn (Wien / Viena / Vienna, Austria)

On December 27 is the birthday of

Johann Wilhelm Beyer, German sculptor, porcelain artist, painter and garden designer born in 1725 in Gotha. Beyer has the largest share in the design of the gardens and statues of Schönbrunn Palace, which is regarded as his masterpiece.
Beyer was trained as a garden-engineer early on by his father Johann Nicholas Beyer, who was a gardener in the service of Charles Eugene, Duke of Württemberg. Between 1748 and 1751, Beyer traveled to Paris where he studied architecture and painting. Later he went to Rome where he tried the study of painting, but turned to sculpture after he participated in excavations of ancient statues. After returning to Stuttgart in 1759 Beyer worked as ducal Württemberg court painter to 1767 and as a model master of porcelain in Ludwigsburg.

"Nymphe der Flora / Ninfa de la Flora / Nymph of Flora"
Mármol / marble, 1773-80. Wilhelm Beyer (o su taller / or workshop). Wikimedia Commons
Schlosspark Schönbrunn / Parque del Castillo de Schönbrunn (Wien / Viena / Vienna, Austria)

After Beyer had left the Duke's service in February 1767, he moved to Vienna. Already in 1768 he was a member of the Imperial Academy. He was hired in 1769 at the court and promoted in 1770 to imperial court painter, statuarius (sculptor) and chamber architect. Beyer's reputation as an artist, however was offset by his egotism. He reportedly undercut his competition, leaving him very unpopular with fellow artists and staff.
He married in 1771 the painter Gabriele Bertrand, daughter of the captain of Schönbrunn Palace
In 1779 Beyer's two-volume engraving plant in Austria created a stir because the imagery and architecture were foreign to most. He documented the detailed explanations with references to the mythological sources of mythology (Virgil, Ovid, Plutarch and contemporary encyclopedias). After completing work for Schönbrunn and after the death of his patroness Maria Theresa in 1780, he went back to garden design. In work dating from 1784 he influences German garden and landscape design, pushing for a middle ground between the English and French garden design.

"Perseus mit dem Haupt der Medusa / Perseo con la cabeza de Medusa /
Perseus with the head of Medusa", mármol / marble, 1773-80
Wilhelm Beyer (o su taller / or workshop). Wikimedia Commons
Schlosspark Schönbrunn / Parque del Castillo de Schönbrunn (Wien / Viena / Vienna, Austria)

His most important work was a contract for Maria Theresa issued in May 1773. Within three years, he was expected to produce a number of statues of white marble. After Beyer had received this order, one of his challenges was in the area around Sterzing to make quality marble which equaled that of Carrara. Already in the summer of 1773 Beyer was with a group of 15 sculptors at Sterzing. At Schönbrunn he was using the Winter Riding School (now a stable) as a studio. He focused on managing the organizational and design tasks. Employees were not allowed to sign their work, so they are known simply as Beyers work in the majority of cases.
Beyer's last great design for Schönbrunn were the figures for the 1780 Neptune Fountain, completed shortly before Maria Theresa's death.
He died in 1796.

"Schöne Brunnen / El hermoso pozo - El bello manantial / The Beautfiul Well - Fair Spring"
Egeria ninfa del agua / Water Nymph Egeria., mármol / marble, c.1780
Wilhelm Beyer (o su taller / or workshop). Wikimedia Commons
Schlosspark Schönbrunn / Parque del Castillo de Schönbrunn (Wien / Viena / Vienna, Austria)

Aniversarios (CCLXVII) [Diciembre / December 28-31]

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Todos los aniversarios de Diciembre aquí / All anniversaries for December here.
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El 28 de Diciembre es el cumple de

Jean-Pierre Dantan, conocido como Dantan el Joven, escultor retratista francés nacido en 1800 en París. Su hermano mayor Antoine-Laurent (Dantan el Viejo, 1798–1878) también fue escultor.
Su padre era un tallador de madera, y fue el primer maestro de Dantan. Antoine-Laurent era capaz de realizar esculturas históricas y de figuras a gran escala, pero los talentos de Jean-Pierre se adaptaban mejor al retrato y a una escala más pequeña. Esto significaba que era menos probable que ganara premios como el Prix de Rome, pero no le faltaba éxito. Expuso en los Salones y ganó una medalla de segunda clase en 1831. Y desde muy temprano en su carrera, comenzó a explorar el estilo que, en última instancia, lo convertiría en el escultor más recordado: la primera obra suya en obtener reconocimiento fue un busto del pintor César Ducornet disfrazado de poeta maldito. El talento de Dantan como retratista que podía agregar emoción expresiva y romántica a su modelo ya era evidente (además de su trabajo como escultor, Dantan también era un solvente caricaturista gráfico).

"Jeune adolescent de la famille Berthelot / Joven adolescente de la familia Berthelot /
Young Adolescent from the Berthelot Family"
Mármol blanco / white marble, altura / height: 52 cm., 1852. Eric Gillis Fine Art

Es por tales bustos de caricatura y también por estatuillas que se recuerda a Dantan, y por lo que recibió la mayor cantidad de elogios durante su propia vida. Una característica frecuente de las caricaturas de Dantan fue la inclusión de un jeroglífico en el zócalo. Tales juegos con "códigos" habrían aumentado el efecto "contracultural" de las obras, en una sociedad donde la caricatura era una herramienta política importante. Pero los jeroglíficos también jugaron el simple papel de identificación, porque no todas las caricaturas de Dantan fueron reconocibles de inmediato.
Para vender mejor su trabajo, Dantan estableció un "Dantanorama" en el Passage des Panoramas en París, donde vendió caricaturas y trabajos serios. Produjo un catálogo ilustrado por el caricaturista Grandville, impreso por primera vez en 1834, que da una buena idea de su producción. Las ilustraciones de Grandville del Dantanorama en sí hacen que parezca un lugar más grandioso de lo que quizás fue. Las fotografías contemporáneas muestran una tienda lo suficientemente desordenada como para sugerir una actitud de "amontonarlas y venderlas a buen precio" y esta actitud fue detectada por algunos comentaristas de la época. En 1835, un crítico anónimo en L'Artiste advirtió al anciano Dantan, Antoine-Laurent, que no persiguiera el mercadeo ni la popularidad, y que aprendiera del desafortunado ejemplo de su hermano menor, que tenía el talento para ser un gran artista, pero que había abandonado el arte por una profesión, la escultura por caricatura, y había prostituido la noble tradición de la escultura.

"Retrato caricatura de / Portrait caricature ofFranz Liszt", yeso / plaster, 17 x 8 cm., 1832. Sotheby's

Aunque esta última consideración es discutible, la cuestión de que Dantan era demasiado comercial y populista es una de las preguntas más fascinantes sobre el artista. La mayoría de los críticos están de acuerdo en que no fue un gran artista, pero su obra es un eslabón importante en la historia de la caricatura, e incluso si son fallas desde el punto de vista artístico, tanto la comercialización como el populismo son aspectos importantes de un París en el que Charles Baudelaire, el contemporáneo más joven de Dantan, describiría como esencialmente moderno.
Murió en 1889.

"Retrato caricatura de / Portrait caricature of Victor Hugo"
Yeso patinado / patinated plaster, altura / height: 17,5 cm., 1832
Musée Victor Hugo (París, Francia / France). WGA

Victor Hugo en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (CXVII)]

"Retrato caricatura de / Portrait caricature of Alexandre Dumas"
Yeso patinado / patinated plaster, altura / height: 17,5 cm. Blouin Art

"Dantanorama", Victor Hugo & Alexandre Dumas
Lepeudry - Delaunois, Nicolas Louis, litografía / lithograph, 11,3 x 16 cm., láminas / plates n° 9 & 10 (1933-35)
Paris Musées (Francia / France)

On December 28 is the birthday of

Jean-Pierre Dantan, known as Dantan the Younger, French portrait sculptor, born in 1800 in Paris. His elder brother Antoine-Laurent ("Dantan the Elder", 1798–1878) was also a sculptor
His father was a wood carver, and Dantan's first teacher. Antoine-Laurent was capable of large scale historic and figure sculpture, but Jean-Pierre's talents were better suited to portraiture, and to a smaller scale. This meant he was less likely to win prizes such as the Prix de Rome, but he was not without success. He exhibited at the Salons, and won a second class medal in 1831. And from very early in his career he had begun to explore the style that would ultimately make him the better-remembered sculptor: the first of his works to gain notice was a portrait bust of the painter César Ducornet in the guise of an accursed poet. Dantan's talent as a portraitist who could add expressive, romantic emotion to his subject was already apparent. (Apart from his work as a sculptor, Dantan was also a capable graphic caricaturist.)

"Retrato caricatura de / Portrait caricature of Chrétien Urhan (1790-1845)"
Yeso patinado / patinated plaster, altura / height: 30 cm., 1832. Sotheby's

It is for such caricature busts and also statuettes that Dantan is remembered, and for which he received most praise during his own lifetime. A frequent feature of Dantan's caricatures was the inclusion of a rebus on the socle. Such games with "codes" would have enhanced the "counter cultural" effect of the works, in a society where caricature was an important political tool. But the rebuses also played the simple role of identification, because not all of Dantan's caricature's were immediately recognizable.
The better to sell his work, Dantan established a "Dantanorama" in the Passage des Panoramas in Paris, where he sold both is caricatures and serious works. He produced a catalogue illustrated by the caricaturist Grandville, first printed in 1834, which gives a good idea of his output. Grandville's illustrations of the Dantanorama itself make it look a grander place than it perhaps was. Contemporary photographs show a shop sufficiently cluttered to suggest an attitude of "pile 'em high and sell 'em cheap" and this attitude was certainly detected by some commentators of the time. In 1835, an anonymous critic in L'Artiste warned the elder Dantan, Antoine-Laurent, not to chase after merchandise, nor after popularity, and to learn from the unfortunate example of his younger brother who had the talent to be great artist but who had abandoned art for a profession, sculpture for caricature, and had prostituted the noble tradition of sculpture.

Mármol blanco / white marble, 77,5 x 43,5 x 27 cm., base: 41 x 30 cm., 1868
Foto / Photo: Jean-Marc Anglès
Collection du Musée Philharmonie (París, Francia / France)

Arguably this last consideration, the concern that Dantan was too commercial and too populistic, is among the most fascinating questions about the artist. Most critics agree that he was not a great artist, but his work is an important link in the history of caricature, and even if they are artistic failings, both commercialization and populism are important aspects of the Paris which Dantan's younger contemporary, Charles Baudelaire would describe as essentially modern.
He died in 1889.

"Le compositeur / El compositor / The ComposerGiuseppe Verdi (1813-1901)"
Yeso patinado / patinated plaster, 36 x 19,5 cm., 1866. Sotheby's
Inscripción / Inscription: "Il a des fiers lions la Griffe et la Crinière/Trouver est son triomphe, à ce maître hardi/Il suit à travers champs et chemins sans ornières/L'art Fleurira toujours tant qu'il aura Verdi"

Jean-Pierre Dantan en "El Hurgador" / in this blog[Manos a la obra (XXV)]


El 29 de Diciembre es el cumple de

Franz Xaver Pönninger, escultor y medallista austriaco nacido en 1832 en Viena.
Era el hijo del grabador de monedas Johannes Pönninger. Estudió con el escultor Anton Dominik Fernkorn, de quien se encargó de la gestión de la K.u.k Kunstgießerei en Viena (1866-1896). Pönniger fue profesor y consejero imperial. En 1874 fundó la Escuela General de Dibujo para Mujeres y Niñas en Viena. La escuela fue el centro de formación de muchos pintores de la época. Fue continuado después de su muerte por su alumno y esposa Caroline Pönninger (1845-1920).

"Reiterstandbild Herzog / Estatua ecuestre de / Equestrian statue of Carl Wilhelm Ferdinand von Braunschweig-Wolfenbüttel"
Inaugurada el 10/11/1874 / unveiled November 10, 1874
Palacio de Brunswick / Brunswick Palace (Braunschweig / Brunswick, Alemania / Germany). Wikimedia Commons


Entre sus obras se cuenta la estatua de retrato de tamaño natural del archiduque Carlos de Austria-Teschen, que construyó en 1871 para la Feldherrenhalle de 18 k.u.k. Museo de Armas (hoy Museo de Historia Militar).
Murió en 1906.

"Busto de / Bust of Carl von Schwarz", mármol de Carrara / Carrara marble, 1871
Museo de Salzburg (Salzburgo, Austria). Wikimedia Commons

On December 29 is the birthday of

Franz Xaver Pönninger, Austrian sculptor and medalist born in 1832 in Vienna.
He was the son of the coin engraver Johannes Pönninger. He studied under the sculptor Anton Dominik Fernkorn, from whom he took over the management of the k.u.k Kunstgießerei in Vienna (1866-1896). Pönniger was a professor and imperial councilor. In 1874 he founded the General Drawing School for Women and Girls in Vienna. The school was the training center of many painters of the time. It was continued after his death by his pupil and wife Caroline Pönninger (1845-1920).

"Fuente de Krakonoš / Krakonoš Fountain"
Plaza Krakonosovo / Krakonošovo Square (Trutnov, República Checa / Czech Republic). Wikimedia Commons

His works include the life-size portrait statue of Archduke Charles of Austria-Teschen, which he built in 1871 for the Feldherrenhalle of 18 k.u.k. Weapons Museum (today Museum of Military History).
He died in 1906.

"Denkmal Maria Theresia / Monumento a María Teresa I de Austria / Monument to Maria Theresa"
Inaugurada en / unveiled 1873
Neuer Platz / Plaza Nueva (Klagenfurt, Austria). Wikimedia Commons



El 30 de Diciembre es el cumple de

Auguste Nicolas Trémont, pintor, escultor y medallista luxemburgués nacido en 1892. Se especializó en esculturas de animales, con especial énfasis en los grandes felinos.
Después de pasar su infancia en Luxemburgo se mudó a París, donde se inscribió en la École des Arts décoratifs en 1909. La Primera Guerra Mundial lo sorprendió mientras visitaba Luxemburgo. Mientras intentaba regresar a París pasando por Suiza, fue arrestado por las fuerzas alemanas cerca de la frontera suiza y fue encarcelado. Una vez liberado regresó a Luxemburgo donde permaneció hasta el final de la guerra en 1918, trabajando en una fábrica de acero en Dudelange. Este trabajo le dio la oportunidad de practicar sus habilidades dibujando a los trabajadores del acero en acción. También se hizo amigo del futuro presidente de Arbed, Aloyse Meyer.

"Couple de tigres royaux marchant / Pareja de tigres reales caminando /
Couple of royal tigers walking", 1927
Musée national d'histoire et d'art (Luxemburgo / Luxembourg). Visit Luxembourg

Al final de la guerra regresó a París, donde estudió en la École des Beaux Arts. Primero se especializó en retratos e imágenes de París y bodegones. Esto cambió cuando visitó el Jardin des Plantes, los jardines zoológicos, donde encontró los temas que se convertirían en su principal área de especialización: los animales. Más adelante en su vida, cuando se le preguntó por qué eligió representar a los animales, respondió: "porque era la tarea más difícil".

"Bisonte europeo / Wisent"
Bronce con pátina marrón / bronze, brown patinated, 38,5 x 18 cm. Blouin Art

En 1924 realizó sus primeras esculturas, y posteriormente desarrolló sus habilidades creando esculturas de diferentes especies de animales en una variedad de tamaños. A finales de la década de 1920 y principios de la década de 1930 fueron sus años más productivos; es durante este período que esculpió, en París, dos grandes leones que ahora decoran la entrada del Ayuntamiento de Luxemburgo. Pasó la Segunda Guerra Mundial en París y regresó a Luxemburgo al finalizar esta, y creó monumentos para las víctimas de la guerra. Más tarde regresó a su maravillosos y detallados bodegones, pinturas al óleo de flores y retratos.
Murió en 1980.

"De aalscholver / El cormorán / The Cormorant"
Bronce con pátina negra / bronze, black patina, 31 x 10,5 x 7 cm., c.1935-45. Pinterest

On December 30 is the birthday of

Auguste Nicolas Trémont, Luxembourger painter, sculptor, and medallist born in 1892. He specialised in sculptures of animals, with a particular emphasis on big cats.
After spending his childhood in Luxembourg, Auguste Tremont moved to Paris where he enrolled at the Ecole des Arts décoratifs in 1909. World War I caught him by surprise while he was visiting Luxembourg. As he tried to make his way back to Paris by passing through Switzerland, he was arrested by German forces near the Swiss border and was imprisoned. Once released from detention, he returned to Luxembourg where he remained until the end of the war in 1918, working in a steel factory in Dudelange This work gave him the opportunity to practice his skills by drawing pictures of steel workers in action; he also befriended future Arbed president Aloyse Meyer.

"Chimpanzé marchant / Chimpancé caminando / Marching Chimp"
Bronce, pátina negra-marrón / bronze, brown-black patina, 25,5 x 39,5 x 14,5 cm. Liveauctioneers

At the end of the war, Trémont returned to Paris where he studied at the Ecole des Beaux Arts. He first specialized in portraits and pictures of Paris and still life. This changed when he visited the Jardin des Plantes, the zoological gardens, where he found the subjects that were to become his main area of specialization: animals. Later in his life, when asked why he chose to represent animals, he replied: “because it was the most difficult task”.

"Chimpanzé marchant / Chimpancé caminando / Marching Chimp"
Bronce, pátina negra-marrón / bronze, brown-black patina, 25,5 x 39,5 x 14,5 cm. Liveauctioneers

In 1924, Trémont made his first sculptures, and he subsequently developed his skills as a sculptor by creating animal sculptures in a variety of sizes and species. The late 1920s-early 1930s were his most productive years; it is during this period that he sculpted, in Paris, two large lions that now decorate the entrance of the Luxembourg City Hall. He spent World War II in Paris, and returned to Luxembourg at the end of the war where he created monuments for the victims of the war. He later returned to his wonderful detailed still life and oil paintings of flowers and portraits.
He died in 1980.

"Panthere tournant / Pantera girando / Panther Turning"
Receptioun vum Parc Hôtel zu Munneref / Recepción en el Hôtel Parque de Mondorf
Mondorf-les-Bains (Remich, Luxemburgo / Luxembourg). Wikimedia Commons


Hoy, 31 de Diciembre, es el cumple de

Aimé-Jules Dalou, escultor francés nacido en 1838 en París, reconocido como uno de los virtuosos más brillantes de la Francia del siglo XIX, admirado por su percepción, ejecución y realismo sin pretensiones.
Fue alumno de Jean-Baptiste Carpeaux, quien lo patrocinó para la Petite École (futura École nationale supérieure des arts décoratifs), donde simpatizó con Alphonse Legros y Fantin-Latour. En 1854 asistió a la École des Beaux-Arts de Paris en el aula François-Joseph Duret.
Dalou expuso por primera vez en el Salón de París en 1861, pero no ocultó sus simpatías hacia la clase trabajadora. Su política obstruyó su carrera en el Segundo Imperio: se le negó repetidamente el Premio de Roma que abría las carreras de escultores a futuros encargos oficiales. Comenzó a trabajar para decoradores y, gracias a ello conoció a Auguste Rodin y comenzó su amistad. Hizo una vida tranquila proporcionando escultura decorativa para las estructuras que bordeaban los nuevos bulevares de París y modelos de cera para joyería.

"La vérité méconnue / La verdad desactivada / Truth Unacknowledged"
Bronce, pátina semi-marrón / bronze, mid-brown patina, 31,5 x 29,5 cm. Sotheby's

Habiéndose identificado públicamente con la Comuna de París de 1871, como curador en el Musée du Louvre bajo Gustave Courbet, se refugió en Inglaterra en julio de 1871, quedándose al principio con su amigo el pintor y grabador Alphonse Legros. Rápidamente se hizo un conocido gracias a su nombramiento como profesor en la Escuela Técnica de Arte del Sur de Londres y en la Escuela de Arte de South Kensington, también en Londres. Fue condenado en ausencia por el gobierno francés de participación en la Comuna, y se le impuso una sentencia de por vida.

"La vérité méconnue / La verdad desactivada / Truth unacknowledged"

En sus ocho años de exilio inglés, la asociación de Dalou con City and Guilds of London Art School, la National Art Training School y los artistas del movimiento New Sculpture sentaron las bases para nuevos desarrollos en la escuela de escultura británica posclásica.
Regresó a Francia en 1879, después de la declaración de amnistía, y produjo varias obras maestras. Para la ciudad de París ejecutó su logro más elaborado y espléndido, el vasto monumento "El triunfo de la República".
Recibió el Gran Premio de la Exposición Universal (1889) y fue nombrado comandante de la Legión de Honor. Fue uno de los fundadores de la Société Nationale des Beaux-Arts, y el primer presidente de la sección de escultura.
Murió en 1902.

"Le Triomphe de la République / El triunfo de la República / The Triumph of the Republic"
Bronce / bronze, 1899
Place de la Nation / Plaza de la Nación (París, Francia / France). Wikimedia Commons

"Le Triomphe de la République / El triunfo de la República / The Triumph of the Republic" (detalle / detail)
"La Justice et l'Équité / La Justicia y la Equidad / Justice and Equity". Wikimedia Commons

"Le Triomphe de la République / El triunfo de la República / The Triumph of the Republic" (detalle / detail)
"L'instruction / La instrucción / The instruction". Wikimedia Commons

Today, December 31, is the birthday of

Aimé-Jules Dalou, French sculptor born in 1838 in Paris, recognized as one of the most brilliant virtuosos of nineteenth-century France, admired for his perceptiveness, execution, and unpretentious realism.
He was the pupil of Jean-Baptiste Carpeaux, who sponsored him for the Petite École (future École nationale supérieure des arts décoratifs), where he sympathized with Alphonse Legros and Fantin-Latour. In 1854 he attended the École des Beaux-Arts de Paris in the François-Joseph Duret classroom.
Dalou first exhibited at the Paris Salon in 1861, but he made no secret of his working-class sympathies. His politics obstructed his career under the Second Empire: he was repeatedly refused the Prix de Rome that opened sculptors' careers to future official commissions. He started to work for decorators, and through this work met Auguste Rodin and began their friendship. He made a quiet living providing decorative sculpture for the structures that lined Paris's new boulevards and providing wax models for jewelry.

"Gran campesino / Large Paesant", yeso / plaster, 197 x 70 x 68 cm. c.1897-1902
Impresión antigua del "Catálogo de la obra de Jules Dalou", de Adolphe Giraudon /
Vintage print from Catalogue de l'oeuvre de Jules Dalou by Adolphe Giraudon, 1904
Musée du Petit Palais (París, Francia / France). Wikimedia Commons

Having identified himself too publicly with the Paris Commune of 1871, as curator at the Musée du Louvre under Gustave Courbet, he took refuge in England in July 1871, staying at first with his friend the painter and engraver Alphonse Legros. He rapidly made a name through his appointment teaching at the South London Technical Art School and the South Kensington School of Art, also in London. He was convicted in absentia by the French government of participation in the Commune, and given a life sentence.
In his eight-year English exile, Dalou's association with City and Guilds of London Art School, the National Art Training School and the artists of the New Sculpture movement laid the foundation for new developments in the post-classical British school of sculpture.

"Busto de / Bust of Gustave Courbet", mármol / marble
Musée des Beaux-Arts (Besançon, Francia / France). Wikimedia Commons

Gustave Courbet en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All Links]

He returned to France in 1879, after the declaration of amnesty, and produced a number of masterpieces. For the city of Paris he executed his most elaborate and splendid achievement, the vast monument, The Triumph of the Republic.
Dalou, who was awarded the Grand Prix of the Exposition Universelle (1889), was made a commander of the Legion of Honor. He was one of the founders of the Société Nationale des Beaux-Arts, and was the first president of the sculpture section.
He died in 1902.

"Femme nue s'essuyant le pied / Mujer desnuda secándose el pié /
Nude Woman Drying Her Feet"
Bronce con pátina marrón intenso / bronze, rich brown patina, altura / height: 35 cm. Sotheby's

"Femme nue s'essuyant le pied / Mujer desdnuda secándose el pié /
Nude Woman Drying Her Feet"

Zoe Keller [Dibujo / Drawing]

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En este último post monográfico del año echamos un vistazo a la obra de la estadounidense Zoe Keller, cuyos maravillosos y detallados dibujos en grafito, basados en investigaciones y estudios sobre el terreno, nos ofrecen una magnífica visión del mundo animal y vegetal que nos rodea, y que nuestra insensatez como especie va destruyendo día a día.

In this last monographic post of the year we will take a look at the work of the American Zoe Keller, whose wonderful and detailed drawings in graphite, based on research and field studies, offer us a magnificent view of the animal and plant world arounds us, and that our folly as a species is destroying day by day.
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Zoe Keller

Zoe pintando / painting "Limuw, Santa Cruz Island"

Zoe Keller es una artista estadounidense nacida en Woodstock, Nueva York. Utiliza el grafito para crear narraciones visuales representadas meticulosamente a gran escala. Centrándose especialmente en especies en peligro y tierras silvestres, Keller entreteje dibujos que exploran la interconexión de frágiles ecosistemas que están desapareciendo. Al destacar la biodiversidad en riesgo en una era de extinción masiva impulsada por el hombre, su obra busca inspirar reverencia por el mundo natural y acciones para defender lo que nos queda. Su trabajo de estudio se basa en meses de investigación académica, colaboraciones con la comunidad científica y experiencias sobre el terreno en lugares salvajes a través de residencias de artistas y expediciones autodirigidas.

"Limuw, Isla de Santa Cruz / Santa Cruz Island"
Grafito sobre papel / graphite on paper, 7,5' x 4', 2017

«"Limuw, Isla Santa Cruz" y "Regreso", mis dos dibujos más grandes hasta la fecha, tomaron forma gracias a mi fascinación por la Provincia Florística de California, una región con una diversidad de plantas increíblemente alta. La PFC es el único punto de acceso a la biodiversidad global que se encuentra dentro de los Estados Unidos, y se extiende desde el sureste de Oregón hasta California e incluye Baja California, México. Preparándome para este trabajo, pasé dos meses leyendo textos científicos y cuatro días explorando y fotografiando el Parque Nacional de las Islas del Canal frente a la costa del sur de California. "Retorno" resalta el fascinante régimen de incendios del chaparral, la forma más extendida de vegetación de la PFC, trazando correlaciones entre el renacimiento después del fuego, similar al de un fénix, de esta comunidad de plantas, el regreso del Cóndor a California y la posible reintroducción de grizzlies en el estado. 'Limuw, Isla Santa Cruz" se centra en las narrativas ecológicas encontradas en la isla más grande del archipiélago de las Islas del Canal, y la trata como un microcosmos de muchos de los más importantes conceptos ecológicos que se encuentran dentro de la PFC.»

"Callipepla Californica", grafito sobre papel / graphite on paper, 14" x 18", 2018

La educación creativa de Zoe Keller en las zonas rurales de Catskills dio forma a su futuro como artista y naturalista amateur. Después de graduarse de la Escuela de Arte del Instituto de Maryland, Keller hizo estudios y residencias en Minneapolis, Filadelfia, en la rocosa costa de Maine, en la región agrícola del oeste de Michigan y en las montañas Wallowa del este de Oregón antes de establecerse finalmente en Portland, donde reside actualmente. En los últimos años, las residencias de artistas la han llevado a moverse por la costa oeste desde el a lo largo de la costa oeste desde el Parque nacional y reserva Wrangell-San Elías de Alaska hasta el archipiélago de las Islas del Canal de California.

"Monstruo de Gila / Gila Monster", grafito / graphite

"Riparian / Ribereña", grafito sobre papel / graphite on paper, 36" x 26", 2016

«Tengo muchos recuerdos de salidas con mis padres, mirando salamandras, huevos de rana e insectos. Esa fascinación nunca se fue. También creo que este momento en el tiempo, en que nuestro planeta se enfrenta a una extinción masiva provocada por el hombre, es especialmente importante para explorar lo increíble que es el mundo natural. Espero que mi trabajo pueda hacer un poco para que las personas se den cuenta de lo fantástica y frágilmente diversa que es la vida en nuestro planeta.»

"Marcha / March", grafito sobre papel / graphite on paper, 11" x 15", 2016

"Paisaje de hongos / Mushroomscape", grafito sobre papel / graphite on paper, 11" x 15", 2015

«Un día sueño con trabajar directamente con científicos botánicos, entomólogos, ornitólogos ... casi cualquier "ólogo" que trabaje con el mundo natural. La primera vez que lo probé fue como artista residente en la Fundación Hurricane Island, en la costa de Maine. Allí pude trabajar con educadores de ciencias en una serie de ilustraciones que se pueden usar en sus programas con estudiantes de secundaria y preparatoria. ¡Fue increíble! Podían explicar relaciones naturales que me tomaría horas o días de lectura de las guías de campo descubrirlas por mi cuenta, y también hicieron conexiones y plantearon preguntas en las que nunca habría pensado. Lo que más me gusta es hacer un trabajo que sea fácilmente reproducible, así que generalmente apunto a una obra que finalmente termine como revistas, libros y carteles.»

"Martes Caurina Humboldtensis", grafito sobre papel / graphite on paper, 14" x 18", 2018

«Creo que lo que distingue mi práctica actual de todos mis otros años de creación artística es que, por primera vez, no estoy deseando constantemente ser otra persona, ¡hacer el trabajo de otra persona! He incursionado en la pintura al óleo figurativa, la serigrafía, el diseño gráfico; si alguno me hubiera enganchado, me sentiría orgullosa y feliz de hacer ese tipo de trabajo. Mi obra es un poco repetitiva, pero hay una cierta alegría en volver sobre los mismos temas una y otra vez.»

"Líquenes / Lichens", grafito sobre papel / graphite on paper, 14" x 18", 2016

"Fuego / Fire", grafito sobre papel / graphite on paper, 36" x 26", 2016
Museo Nacional de Vida Silvestre / National Museum of Wildlife Art
(Jackson Hole, Wyoming, EE.UU./ USA)

«Vivimos en un planeta tan fascinante y frágil, que no creo que me vaya a quedar sin temas para trabajar. Hacer obras todo el tiempo puede generar ansiedad desde el punto de vista financiero y es solitario, pero estoy aprendiendo a manejar esos aspectos con más gracia a medida que pasa el tiempo. Rodearme de otras personas creativas maravillosas y emocionadas tanto como sea posible es increíblemente importante.»

"Hermanos / Siblings", grafito sobre papel / graphite on paper, 8" x 10", 2016

Zoe pintando "Regreso" / painting "Return"

Zoe Keller is an American artist born in Woodstock, New York. She uses graphite to create large-scale, meticulously rendered visual narratives. Placing a special focus on at-risk species and wildlands, Keller weaves drawings that explore the interconnectedness of fragile, vanishing ecosystems. By highlighting the biodiversity at risk in an era of human-driven mass extinction her work aims to inspire reverence for the natural world and action to defend what we have left. Keller's studio work draws upon months of academic research, collaborations with the scientific community, and on-the-ground experiences in wild places through artist residencies and self-directed expeditions.

"Regreso / Return", grafito sobre papel / graphite on paper, 83,75" x 48", 2017

«'Limuw, Santa Cruz Island' and 'Return,' my two largest drawings to date, grew from my fascination with the California Floristic Province, a region of incredibly high plant diversity. The CFP is the only global biodiversity hotspot found within the United States, extending from southeastern Oregon down through and including most of California and into Baja California, Mexico. In preparation for this body of work, I spent  two months reading scientific texts and four days exploring and photographing Channel Islands National Park off the coast of southern California. 'Return' highlights the fascinating fire regime of chaparral, the CFP’s most widespread form of vegetation, drawing correlations between the phoenix-like rebirth of this plant community post-fire, the return of the Condor to California, and the possible reintroduction of grizzlies to the state. 'Limuw | Santa Cruz Island' focuses on the ecological narratives found on the largest island of the Channel Islands archipelago, treating the island as a microcosm of many of the larger ecological concepts found within the CFP.»

"Hongo III / Mushroom III", grafito sobre papel / graphite on paper, 14" x 18", 2017

Zoe Keller's creative upbringing in the rural Catskills shaped her future as an artist and amateur naturalist. After graduating from the Maryland Institute College of Art, Keller made homes and studios in Minneapolis, Philadelphia, on the rocky Maine coast, in West Michigan's farm country and Eastern Oregon's Wallowa Mountains before finally settling in Portland, where she currently resides. In recent years, artist residencies have taken Keller up and down the West Coast from Alaska's Wrangell-St. Elias National Park and Preserve to California's Channel Islands archipelago. 

"Lobo / Wolf", grafito sobre papel / graphite on paper, 36" x 28", 2018

"Bosque primario (díptico, izquierdo) / Old Growth (diptych, left)"
Grafito sobre papel / graphite on paper, 60" x 45", 2018

«El trabajo para "Bosque", mi segunda exposición individual en Antler Gallery, se inspiró en la flora y fauna de la región de Klamath-Siskiyou de Oregón y California. Las dos piezas del díptico central del programa,"Bosque primario" y "Después del fuego", se centran en puntos vitales en el ciclo de vida de los bosques de Klamath Siskiyou: un bosque primario maduro, y un complejo temprano de maderas muertas, la etapa de la vida forestal que sigue a eventos tales como incendios forestales. Al resaltar las especies fascinantes y en riesgo que dependen de estas etapas del desarrollo forestal, estas dos piezas subrayan la importancia de proteger los bosques en cada etapa de crecimiento. Piezas adicionales en "Bosque" celebran la biodiversidad de la región y reflexionan sobre mis experiencias personales en ella.»

"Después del fuego (díptico, derecho) / Postfire (diptych, right)"
Grafito sobre papel / graphite on paper, 60" x 45", 2018

«The work for ‘Forest,’ my second solo show at Antler Gallery, was inspired by the flora and fauna of the Klamath-Siskiyou region of Oregon and California. The two pieces of the show’s central diptych, ‘Old Growth’ and ‘Postfire,’ focus on vital points in the life-cycle of Klamath Siskiyou forests: mature old-growth, and complex early seral, the stage of forest life that follows a disturbance like wildfire. By highlighting the fascinating and at-risk species that are dependent upon these stages of forest development, these two pieces underscore the importance of protecting forests at every stage of growth. Additional pieces in ‘Forest’ celebrate the region’s biodiversity and reflect upon my personal experiences in the region.»

"Presa / Prey", grafito sobre papel / graphite on paper, 42" x 30", 2016
Museo Nacional de Vida Silvestre / National Museum of Wildlife Art
(Jackson Hole, Wyoming, EE.UU./ USA)

«I have a lot of memories of being outside with my parents, looking at salamanders, frog eggs, and bugs. That fascination never went away. I also think that this moment in time - as our planet faces a man-made mass extinction - is an especially important one to explore how incredible the natural world is. I hope that my work can do a little to make people realize how fantastically, fragilely diverse the life on our planet is.»

"Competición / Competition", grafito sobre papel / graphite on paper, 11" x 14", 2017

«I day dream a bunch about working directly with scientists botanists, entomologists, ornithologists…pretty much any “-ologist” working with the natural world. I got my first taste of this as a resident artist at the Hurricane Island Foundation off the coast of Maine. There, I got to work with science educators on a series of illustrations that can be used in their programs with middle and high school students - It was so incredible! They could explain natural relationships that would take me hours or days of field-guide-reading to figure out on my own, and also made connections and raised questions that I would never have thought of. Making work that is easily reproducible is really important to me - so making work that ultimately ends up as zines, books and posters is what I usually aim for.»

"Crotalus Viridis Oreganus", grafito sobre papel / graphite on paper, 14" x 18", 2018

"Massasauga", grafito sobre papel / graphite on paper, 14" x 18"

«I think the thing that sets my current practice apart from all of my other years of art making is that for the first time I am not constantly wishing that I were someone else, making someone else’s work! I’ve dabbled in figurative oil painting, screen printing, graphic design – if any had stuck I would be proud and happy to be making that kind of work. My work is a bit repetitive, but there’s a certain joy in revisiting the same subject matters over and over again.»

«We live on such a fascinating, fragile planet, I don’t think I’ll ever run out of subjects to make work about. Making work all the time can be very financially anxiety-inducing and lonesome, but I’m learning to manage those aspects of the job with more grace as time goes on. Surrounding myself with other wonderful, excited creative folks as much as possible is incredibly important.»

"Nutria de río / River Otter", grafito sobre papel / graphite on paper, 36" x 28", 2018
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Intricacies / Complejidades

"Caracol / Snail", grafito sobre papel / graphite on paper, 11" x 15", 2015

"Complejidades" es un proyecto conjunto que consiste en detallados dibujos al grafito creados por Zoe Keller y Christina Mrozik, que combinan imágenes naturales con historias insinuadas. Dibujadas durante dos estaciones en un pequeño estudio en la zona rural del oeste de Michigan, estas ilustraciones son producto de una decisión consciente de disminuir la velocidad, explorar el paisaje natural que cambia sutilmente y los pequeños y tranquilos momentos de maravillas naturales que oculta. El resultado es un libro de 64 páginas diseñado con tanto cuidado como los dibujos que contiene.

"Garzas y serpientes / Herons and Snakes", grafito / graphite, 11" x 15", 2015

Christina Mrozik es una artista estadounidense nacida en 1986 en Grand Rapids, Michigan. Ha pasado la mayor parte de su vida observando el mundo natural y las diversas relaciones dentro de él. En sus dibujos Mrozik utiliza una combinación de flora y fauna, que ocasionalmente incorpora prosa, para analizar la complejidad de nuestros mundos internos.
Graduada en la universidad con énfasis en ilustración, ha trabajado con múltiples galerías internacionales y agencias comerciales. Ella principalmente hace dibujos a menudo se componen de acuarela, grafito, acrílico y tinta, y recientemente ha profundizado en el mundo de la cerámica. Trabaja constantemente con organizaciones sin fines de lucro de educación artística, incluida la escuela Rabbit Island, y disfruta trabajando en colaboración. Actualmente reside en Portland, Oregón, aunque siempre lleva el medio oesta en su corazón.

Zoe Keller & Christina Mrozik con "Raíz y médula" / with "Root and Marrow"

Intricacies is a colleborative project consisting of detailed graphite drawings created by Zoe Keller and Christina Mrozik, that blend lovingly rendered natural imagery with hints of story. Drawn over two seasons in a tiny studio in rural West Michigan, these illustrations are the product of a conscious decision to slow down, to explore the subtly-shifting natural landscape and the small, quiet moments of natural wonder that it conceals. The result is a 64-page book designed with as much care as the drawings it contains.

"Raíz y médula / Root and Marrow", grafito / graphite, 11" x 15", 2015

Christina Mrozik is an American artist born in 1986 in Grand Rapids, Michigan. She has spent the majority of her life observing the natural world and the various relationships within it. In her drawings Mrozik uses a combination of flora and fauna, occasionally adding prose, to parse the complexity of our inner worlds.
Graduating from University with an emphasis in illustration, Mrozik has worked with multiple international galleries and commercial agencies. Her drawings are often composed from watercolor, graphite, acrylic and ink, and has recently delved into the world of ceramics. Mrozik consistently works with arts education nonprofits including Rabbit Island School, and enjoys working collaboratively. She is currently based in Portland, Oregon, though always midwestern at heart.

"Halcón / Hawk"", grafito / graphite, 11" x 15", 2015

Más sobre / More about Christina Mrozik: Website, Instagramfacebook

Más información sobre el libro / More information about the book: Intricacies
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Fuentes / Sources:
* Website
* Entrevista en / Interview inLight Grey Art Lab, 7/2015
* Entrevista en / Interview in Jung Katz, 2/2016
* Entrevista en / Interview inHypocritedesign Magazine, 5/2016

Más sobre / More about Zoe Keller: Website, Instagram, facebook

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Zoe!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Zoe!)

Siete Años / Seven Years

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Como todos los años, es un placer para mí ofrecerles este saludo a todos quienes siguen frecuentemente o visitan ocasionalmente el blog para disfrutar juntos del arte que tantos buenos creadores han producido a lo largo de la historia. Siete años ya hurgando en la red y compartiendo con ustedes una de mis aficiones, y contribuyendo en la medida de lo posible a la difusión de esta actividad humana, una de las más enriquecedoras.

Mi agradecimiento a todos los amantes del arte, a los artistas que me han dado su autorización y confianza para publicar imágenes de sus creaciones e información que contribuya a fomentar la cultura artística, a quienes no habiéndolo hecho explícitamente han dedicado su tiempo a regalarnos belleza en forma de obras que gracias a las bondades de la era digital podemos conocer, estimulando nuestra curiosidad y alegrándonos la vida, y a todas las instituciones y personas que conservan y difunden el arte y la cultura artística en todas sus facetas.

Quiero mencionar especialmente a Juan Carlos Batista y Rogério Timóteo, que han tenido exquisitos detalles conmigo. ¡Muchas gracias!

Mi reconocimiento también a todos los amigos que siempre tienen la amabilidad de pensar en mí y en esta publicación suministrando información y/o material de interés, y por supuesto a Shirley Rebuffo, colaboradora frecuente, sugeridora impenitente y habitual redactora/recopiladora.

Mis mejores deseos de un buen año para todos.
Javier Fuentes.


As every year, it is a pleasure for me to offer this greeting to all those who follow frequently or occasionally visit the blog to enjoy together the art that so many good creators have produced throughout history. Seven years already rummaging through the net and sharing with you one of my hobbies, and contributing as far as possible to the dissemination of this human activity, one of the most enriching.

My thanks to all art lovers, to the artists who have given me their authorization and confidence to publish images of their creations and information that contributes to promote the artistic culture, to those who have not done so explicitly, have dedicated their time to give us beauty in form of works that thanks to the benefits of the digital age we can know, stimulating our curiosity and making life happier, and all the institutions and people that preserve and disseminate art and artistic culture in all its facets.

I want to mention especially Juan Carlos Batista and Rogério Timóteo, who have had really nice gestures. Thanks a lot!

Also my acknowledgments to all those friends who always have the kindness to think of me and this publication, providing information and / or material of interest, and of course to Shirley Rebuffo, frequent collaborator, unrepentant suggestor and habitual redactor / compiler.

My best wishes for a good year for all of you.
Javier Fuentes

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Estos son los artistas que me han autorizado expresamente a publicar sobre sus creaciones durante este año /
These are the artists who have expressly authorized me to publish about their creations during this year.

    

    

    

   

  

  

  

  

  

  

  

  
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Aquí la lista de artistas de los años anteriores / Here the list of artists for previous years

2012 - 2013 - 2014 - 2015 - 2016 - 2017

Aniversarios Fotografía / Anniversaries Photography (CCIX) [Enero / January 1-5]

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Todos los aniversarios de Enero aquí / All anniversaries for January here.
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El 1 de Enero es el cumple de

Günther "Jim" Rakete, fotógrafo, periodista gráfico, cineasta, escritor y productor residente en Berlín.
Rakete fotografió a numerosas personalidades de la escena de la música, el cine y la política alemana e internacional. Su trabajo como manager detrás de las galardonadas actuaciones musicales de Nina Hagen Band, Interzone, Nena y Die Ärzte, convirtió a Rakete en una figura decisiva en la floreciente New Wave alemana.


Rakete tuvo extensos períodos de vida y producción entre Los Ángeles y Hamburgo hasta su regreso a Berlín en 2001, donde continúa trabajando en cine, fotografía, escritura, teatro, música y producción.

"Natalie Portman"
Copia de pigmentos de archivo / archival pigment print, 50 x 50 cm., 2007

Natalie Portman en "El Hurgador" / in this blog:

On January 1 is the birthday of

Günther "Jim" Rakete, photographer, photojournalist, filmmaker, writer and producer based in Berlin.
Rakete shot numerous personalities from the German and international music and film scene and politics. His managerial work behind the award-winning musical acts Nina Hagen Band, Interzone, Nena and Die Ärzte made Rakete a decisive figure in the burgeoning German New Wave.

"Wim Wenders", 2007

Wim Wenders en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (CXLIX)]

Rakete had extended living and production periods between Los Angeles and Hamburg until his return to Berlin in 2001, where he continues to work in film, photography, writing, theater, music, and production.

"Quentin Tarantino"
Copia de pigmentos de archivo / archival pigment print, 50 x 50 cm., 2007

Quentin Tarantino en "El Hurgador" / in this blog[Jason Seiler (Ilustración, Caricatura)]


El 2 de Enero es el cumple de

Jill Kennington, modelo de moda británica y fotógrafa nacida en 1943 en el pueblo de Riby, Lincolnshire. Es conocida por su aparición en la película Blow-Up de Michelangelo Antonioni en 1966.
Creció en una granja con dos hermanas y un hermano. Fue educada en un internado en el Distrito de los Lagos y en una escuela de finalización en Sussex.
A los 18 años comenzó en la pequeña "escuela" de Michael Whittaker para aspirantes a modelos y, después de solo dos días, conoció a Norman Hartnell, quien estaba a punto de hacer una gran gira por el Reino Unido. Él declaró: "Querida, vas a ser mi mascota". Ella viajó como una de las modelos de Hartnell durante aproximadamente un mes.


Kennington conoció al fotógrafo John Cowan en febrero de 1962 y fue a través de su trabajo con Cowan que se convirtió en modelo en la década de 1960. Cowan inyectó una acción y dinamismo en sus tomas que antes no había en la fotografía de moda. La obra de ese período se encuentra en la colección del Victoria and Albert Museum, mientras que el trabajo con otros fotógrafos, incluidos Norman Parkinson y Lord Lichfield, se encuentra en la colección de la National Portrait Gallery. Ha estado dos veces en la portada de Vogue. Kennington también ha trabajado con los fotógrafos David Bailey, Terence Donovan, Brian Duffy, Helmut Newton, Jeanloup Sieff, Richard Avedon, William Klein y Bob Richardson.

"Andy Warhol". Pleasurephotoroom

Andy Warhol en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All Links]


On January 2 is the birthday of

Jill Kennington, British fashion model and photographer born in 1943 in the village of Riby, Lincolnshire. She is best known for her appearance in Michelangelo Antonioni's 1966 film Blow-Up.
She grew up on a farm with two sisters and a brother. She was educated at a boarding school in the Lake District, and a finishing school in Sussex. 
At the age of 18, Kennington started at Michael Whittaker's small "school" for aspiring models and after only two days, met Norman Hartnell who was about to do a major UK tour; he declared, "Darling, you are going to be my mascot". She toured as one of Hartnell's models for about a month's time.

"Norman Parkinson", c.1985. Pleasurephotoroom

Norman Parkinson en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (XII)]

Kennington met photographer John Cowan in February 1962 and it was through her work with Cowan that she made her name as a model in the 1960s. Cowan injected action and dynamism into his shoots that had previously been lacking in fashion photography. Work from that period is in the collection of the Victoria and Albert Museum, while work with other photographers, including Norman Parkinson and Lord Lichfield is in the collection of the National Portrait Gallery. She was twice on the front cover of Vogue. Kennington has also worked with the photographers David Bailey, Terence Donovan, Brian Duffy, Helmut Newton, Jeanloup Sieff, Richard Avedon, William Klein, and Bob Richardson.

"Ecce Homo", Vogue


El 3 de Enero es el cumple de

Edward W. Quigley, fotógrafo artístico estadounidense nacido en 1898 en Filadelfia, Pensilvania.
Es conocido como experimentador e innovador, particularmente por sus abstracciones de luz. No fue hasta 1931 que produjo sus primeros fotogramas, después de 15 años de experimentación y práctica. Quigley se convirtió en presidente de la Philadelphia Art Alliance en 1938.
Murió en Haddonfield en 1977.

Del Fotolibro "Sam", con textos de John Crawford /
From the Photo Book Sam with text by John Crawford, 1938

"Sin título (empujando el bote) / Untitled (Pushing out the Boat)"
Copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 25,4 x 32,1 cm. Heritage Auctions

On January 3 is the birthday of

Edward W. Quigley, American art photographer born in 1898 in Filadelfia, Pensilvania.
He was well known as an experimenter and innovator, particularly for his light abstractions. It was only in 1931 that he produced his first photograms, after 15 years of experimenting and practicing. Quigley became a chairman of the Philadelphia Art Alliance in 1938.
He died in Haddonfield in 1977.

Del Fotolibro "Sam", con textos de John Crawford /
From the Photo Book Sam with text by John Crawford, 1938

"Crescendo"
Copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 34,1 × 27,4 cm. The J. Paul Getty Museum


El 4 de Enero es el cumple de

Becky Yee, fotógrafa estadounidense nacida en 1969.
Su familia se trasladó al área de Nueva York en sus años de primaria, y como adulta fue una gran influencia en su fotografía.
Debido a su amor por el Kendo y la cultura japonesa, se fue a la Universidad de Cornell en 1996 y se inscribió en su programa FALCon (Concentración de un año completo en idiomas asiáticos), que es una inmersión de 12 meses en el japonés, y recibió su certificado en 1997.

"Proyecto caja roja / Red Box Project"© BeckyYeePhotography

El último trimestre se trasladó a Japón y estudió en el extranjero en la Universidad de Hokkaido en Sapporo, y no regresó a los EE.UU. hasta después de 9 años. Fue durante este tiempo que Yee decidió seguir su pasión por la fotografía. El aclamado fotógrafo de moda Yoshihito Sasaguchi la acogió como su asistente y le enseñó acerca de la fotografía.
Ha desarrollado un estilo que capta el concepto japonés de ura (parte trasera) y omote (parte frontal), y muestra a través de su trabajo la duplicidad de estados, privado y público de sus modelos.

"Islandia / Iceland"© BeckyYeePhotography

On January 4 is the birthday of

Becky Yee, American photographer born in 1969.
Her family moved all over the New York area in her primary years and was a big influence on her photography as an adult. 
Because of her love of Kendo and Japanese Culture, she went to Cornell University in 1996 and enrolled in their FALCon program (Full Year Asian Language Concentration) which is a 12-month immersion in Japanese, and received her certificate in 1997.

"Serie Mujeres en colores / Women in color Series"© BeckyYeePhotography

The last quarter she moved to Japan and studied abroad at Hokkaido University in Sapporo and didn't come back to the US for 9 years. It was during this time that Yee decided to pursue her passion for photography. Acclaimed fashion photographer, Yoshihito Sasaguchi took her under his wing as his photo assistant and taught her about photography. 
She has developed a style of photography that captures the Japanese concept of ura (backside) and omote (front side), and shows through her work the duplicitous private and public side to her subjects.

"Proyecto caja roja / Red Box Project"© BeckyYeePhotography


Hoy, 5 de Enero, es el cumple de

Yevonde Cumbers Middleton (Madame Yevonde), fotógrafa inglesa nacida en Londres en 1893, pionera en el uso del color en la fotografía de retrato.
Educada en el liberal y progresivo Lingholt Boarding School en Hindhead y posteriormente en la Guilde Internationale en París, así como en internados en Bélgica y Francia,desde una edad temprana, Yevonde Cumbers mostró una actitud independiente. Su heroína fue la liberacionista femenina Mary Wollstonecraft, y se unió al movimiento de las sufragistas en 1910. Al salir del Colegio, regresó a la casa familiar en Bromley, Kent, y participó activamente en las actividades de la sufragista, pero al darse cuenta de que no estaba preparada para ser una líder en ese campo, finalmente dejó de participar activamente. En su lugar consiguió un aprendizaje de tres años con la fotógrafa de retratos Lallie Charles.

"Vivien Leigh", copia dye-transfer / colour dye-transfer print, 48,4 x 31,7 cm., 1936
© Yevonde Portrait Archive. Link

Vivien Leigh en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (CXCI)]

Pronto estableció su propio estudio en Londres y comenzó a hacerse un nombre invitando a figuras conocidas a posar gratis. Desarrolló su propio estilo, con sus modelos a menudo fotografiados no mirando directamente a la cámara, y comenzó a usar accesorios para conseguir efectos creativos.
En 1921 se había convertido en una fotógrafa de retratos muy conocida y respetada. A principios de la década de 1930 comenzó a experimentar con la fotografía en color. Yevonde se mostró enormemente entusiasta y pasó innumerables horas en su estudio experimentando cómo obtener los mejores resultados. Su dedicación le reportó enormes dividendos. En 1932 realizó una exposición de retratos en la Galería Albany, mitad monocromo y mitad color, obteniendo críticas entusiastas.

"Serie de las Diosas: Eileen Hunter como Dido /
Goddesses Series: Eileen Hunter as Dido", 1935 © Yevonde Portrait Archive. saint lucy

La obra más famosa de Yevonde se inspiró en una fiesta temática celebrada el 5 de marzo de 1935, donde los invitados se vistieron como dioses y diosas romanos y griegos. Ella posteriormente tomó retratos de estudio de muchos de los participantes (y otros), con el vestuario adecuado y rodeados de objetos apropiados. Esta serie de fotos mostraba a Yevonde en su forma más creativa, usando colores, disfraces y accesorios para construir un aire de otro mundo alrededor de sus sujetos. Continuó produciendo más series basadas en los signos del zodiaco y los meses del año. En parte influenciada por artistas surrealistas, particularmente Man Ray, Yevonde usó sorprendentes yuxtaposiciones de objetos que mostraban su sentido del humor.
Continuó trabajando hasta su muerte en 1975.

"Joan Maude", 1932 © Yevonde Portrait Archive. saint lucy

Today, January 5, is the birthday of

Yevonde Cumbers Middleton (Madame Yevonde), English photographer born in 1893 in London, who pioneered the use of colour in portrait photography.
Educated at the liberal and progressive Lingholt Boarding School in Hindhead and subsequently at the Guilde Internationale in Paris, as well as boarding schools in Belgium and France, from an early age Yevonde Cumbers displayed an independent attitude. Her heroine was women's liberationist Mary Wollstonecraft, and she joined the Suffragette movement in 1910. Upon leaving school, she returned to the family home in Bromley, Kent, and became active in suffragette activities, but realising that she was not cut out to be a leader in that field, she eventually ceased her active involvement. Instead she sought, and was given, a three-year apprenticeship with the portrait photographer Lallie Charles.
Soon she set up her own studio in London, and began to make a name for herself by inviting well-known figures to sit for free. She developed her own creative style, with her subjects were often pictured looking away from the camera, and she began using props to creative effect.

"Madame Yevonde como Arlequín / as Harlequin"
Copia en clorobromuro sobre papel negro / chlorobromide print on black paper mount
19,8 x 24,2 cm., 1925. National Portrait Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)
© Yevonde Portrait Archive

By 1921 Madame Yevonde had become a well-known and respected portrait photographer. In the early 1930s, Yevonde began experimenting with colour photography. Yevonde was hugely enthusiastic about it and spent countless hours in her studio experimenting with how to get the best results. Her dedication paid huge dividends. In 1932 she put on an exhibition of portrait work at the Albany Gallery, half monochrome and half colour, to enthusiastic reviews.
Yevonde's most famous work was inspired by a theme party held on 5 March 1935, where guests dressed as Roman and Greek gods and goddesses. Yevonde subsequently took studio portraits of many of the participants (and others), in appropriate costume and surrounded by appropriate objects. This series of prints showed Yevonde at her most creative, using colour, costume and props to build an otherworldly air around her subjects. She went on to produce further series based on the signs of the zodiac and the months of the year. Partly influenced by surrealist artists, particularly Man Ray, Yevonde used surprising juxtapositions of objects which displayed her sense of humour.
She continued working up until her death in 1975.

"Serie de las Diosas: Lady Milbanke como Penthesilea, Reina del Amazonas /
Goddesses Series: Lady Milbanke as Penthesilea, Queen of the Amazons", 1938
© Yevonde Portrait Archive. saint lucy

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