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Channel: El Hurgador [Arte en la Red]
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Asonancias / Assonances (XIX)

June 26, 2019, 12:48 am
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Nuevo post con similitudes, imitaciones, recreaciones, interpretaciones y coincidencias más o menos casuales que dan como resultado estos siempre interesantes paralelismos.
Información sobre artistas no publicados hasta ahora en el blog (marcados con [*]) al final del post.

New post with similarities, imitations, recreations, interpretations and more or less casual coincidences that result in these always interesting parallels.
Information about artists not published so far in the blog -marked with [*]-, at the end of the post.
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Hans Baldung "Grien / Grün"
(Schwäbisch Gmünd, Alemania / Germany, 1484 o 1485 - 
Estrasburgo, actual Francia / Strasbourg, today France, 1545)

"Adán y Eva / Adam and Eve"
Óleo sobre panel / oil on panel, 147,5 x 67,3 cm., 1531.
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza (Madrid, España / Spain)

Hans Baldung en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (LXXIX)]

Gustav Klimt
(Baumgarten, Austria, 1862 - Alsergrund, 1918)

"Adán y Eva (inconcluso) / Adam and Eve (unfinished)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 173 x 60 cm., 1917/18
Belvedere (Wien / Viena / Vienna, Austria). Art History Project

Gustav Klimt en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links] 
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Vittore (o Vittorio) Carpaccio
(Venecia, Italia / Venice, Italy, c.1465 - 1525/26)

"Sogno di Sant'orsola / El sueño de Santa Úrsula / The Dream of St. Ursula"
Lienzo Nº 5 de la serie de nueve grandes pinturas "Historias de la vida de Santa Úrsula" /
Canvas No. 5 of the series of nine large paintings "Stories from the Life of St Ursula".
Temple sobre lienzo / tempera on canvas, 274 x 267 cm., 1495.
Gallerie dell'Accademia / Galería de la Academia (Venecia, Italia / Venice, Italy). WGA

Dibujo preparatorio para "El Sueño de Santa Ursula" /
Preparatory drawing for "The Dream of St. Ursula", 1495
Galeria degli Uffizi (Firenze / Florencia, Italia / Florence, Italy)

Vittore Carpaccio en "El Hurgador" / in this blog:

John Ruskin *
(Londres, Reino Unido / London, UK, 1819 - Brantwood, Cumbria, 1900)

Copia según / copy after Vittore Carpaccio
"El sueño de Santa Úrsula / The Dream of St. Ursula"
Acuarela sobre grafito en papel tejido / watercolor and bodycolour on wove paper, 294 × 277 cm., 1876-77
Ashmolean Museum (Oxford, Inglaterra / England)

D. Gould según / after John Ruskin
Fotografía pintada a mano / hand-painted photograph, c. 1880.
Colección del Gremio de San Jorge / Collection of the Guild of St George. Museums Sheffield. Link

Esta obra es una fotografía de la copia en acuarela de Ruskin de 'El sueño de Santa Úrsula', la quinta pintura del ciclo. Gould añadió su propio toque pintándola a mano. /

This work is a photograph of Ruskin's watercolour copy of 'The Dream of St Ursula', the fifth painting in the cycle. Gould added his own touch by hand-painting the photograph. 
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Richard Estes
(Kewanee, Illinois, EE.UU./ IL, USA, 1932-)

"Avenida Michigan con una vista del Art Institute / Michigan Avenue with View of the Art Institute"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91,4 x 121,9 cm., 1984
Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

Richard Estes en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (CCXCII)]

Agustín Reche Mora
(Guadix, España / Spain, 1954-)

"Ronda de la Universidad, Barcelona", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 114 x 195. Link

Agustín Reche Mora en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (CCXCIV)]
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Anthony "Tony" Douglas Cragg
(Liverpool, Inglaterra / England, 1949-)

"On a Roll", bronce / bronze, 152 x 95 x 95 cm., 2003

Tony Cragg en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (X)]

Shinichi Maruyama
(Nagano, Japón / Japan, 1968-)

"Desnudo / Nude #1", 2012. facebook

Shinichi Maruyama en "El Hurgador" / in this blog: [Nido de Urraca (III)]

Ali Alışır
(Estambul, Turquía / Istanbul, Turkey, 1978-)

"Almas híbridas / Hybrid Souls #1", impresión digital / digital print, 171 x 150 cm., 2017. Link

"Almas híbridas / Hybrid Souls #3", impresión digital / digital print, 159 x 150 cm., 2017. Link

Ali Alışır en "El Hurgador" / in this blog: [Ali Alışır (Fotografía, Arte digital)], [Recolección (CXIX-1)]
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André Carrara *
(Francia / France, 1939-)

"Positano I", 2000. The Selects Gallery

Louise Dahl-Wolfe
(Louise Emma Augusta Dahl)
(San Francisco, California, EE.UU./ CA, USA, 1895 - Nueva Jersey / NJ, 1989)

"Baño japonés / Japanese Bath", copia a la gelatina de plata, impresión posterior /
gelatin silver print, printed later, 47,6 x 37,8 cm., 1954. Christie's

Louise Dahl-Wolfe en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (XLII)]
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Helmut Newton
(Berlín, República de Weimar / Weimar Republic, 1920 -
Los Ángeles, EE.UU./ USA, 2004)

"Sin título (Hoyuelos traseros) / Untitled (Back Dimples)", 1950?. Curiator

Helmut Newton en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links] 

Jeanloup Sieff
(París, Francia / France, 1933 - 2000)

"Femme involontairement provocante / Mujer involuntariamente provocativa /
Inadvertently Provocative Woman", Paris 1978 © Jeanloup Sieff. Classic Nude Blog

Jeanloup Sieff en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (XLV)], [Asonancias (V)], [Asonancias (VII)]
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Henri Cartier-Bresson
(Chanteloup-en-Brie, Francia / France, 1908 - Céreste, 2004)​

"Aquila degli Abruzzi, Italia / Italy"
Gelatinobromuro de plata, impresa en / gelatin silver print, printed 1990s, 44,8 x 29,8 cm., 1952. Christie's

Henri Cartier-Bresson en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]  

Ferdinando Scianna
(Bagheria, Italia / Italy, 1943-)

"Mujeres con vestimenta tradicional y joven, Italia, Abruzos, Scanno /
Women wearing traditional costumes and young girl, Italy, Abruzzi, Scanno", 1999
© Ferdinando Scianna / Magnum Photos

Ferdinando Scianna en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (CLXXXV)]
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Craig McDean *
(Middlewich, cerca de / near Manchester, Inglaterra / England, 1964-)

"Kate Moss", Vogue UK. Trendland

Kate Moss en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (CXCVII)], [Asonancias (XII)]

Walter Chin *
(Montego Bay, Jamaica)
en Nueva York, EE.UU./ at NY, USA

Milk Studios presenta al fotógrafo Walter Chin /
Milk Studios Presents Photographer Walter Chin. The New York Optimist

Jacques Dequeker *
(Porto alegre, Brasil / Brazil, 1970)

Fernanda Tavares para / for Status. Fashion Gone Rogue

Erwin Blumenfeld
(Berlín, Alemania / Germany, 1897 - Roma, Italia / Rome, Italy, 1969)

"Haz tu parte para la Cruz Roja / Do your part for the Red Cross"
Vogue US, 15/3/1945. Eyes Never Sleep

Erwin Blumenfeld en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (CVIII)], [Asonancias (VII)]
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Herbert List
(Hamburgo, Alemania / Hamburg, Germany, 1903 -
München / Múnich / Munich, 1975)

"Calabria", 1936. Link

Herbert List en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (XXXVIII)], [Sucedió en el museo (III)]

John Luke Smalley *
(Pensilvania, EE.UU./ PA, USA, 1955 - 2009)

"Máquina de remar / Rowing Machine", del libro / from the book"Gymnasium", 1999. Pinterest
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Mark Power *  
(Harpenden, Reino Unido / UK, 1959-)

"El sonido de dos canciones, Polonia, Varsovia / The Sound of Two Songs, Poland, Warsaw"
C-print, Feb., 2005. © Mark Power / Magnum Photos

Alexander Gronsky *
Александр Гронский
(Tallin / Tallinn, Estonia, 1980-)

"Митино III, Москва. Из серии Граница / Mitino III, Límites de Moscú. De la serie Borde /
Mitino III, Moscow Boundaries, from the Edge Series"
Impresión de pigmentos / pigment print, 90 x 110 cm., 2009. Ed.7+2 A.P. Link
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Richard Avedon
(Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1923 - San Antonio, Texas, 2004)
.
"Boyd Fortin, Desollador de serpientes de cascabel de 13 años /
Thirteen Year Old Rattlesnake Skinner", Sweetwater, Texas, 1979
© Richard Avedon / The R.A. Foundation. El Pais

Pieter Hugo *
(Johannesburg, Sudáfrica / South Africa, 1978-)

"De las hienas y otros hombres / From The Hyena & Other Men", Nigeria, 2008. Link

Pedro Aguilar *
(España / Spain, 1976-)
en Inglaterra / at England

Serie Alma / Soul Series. Link

Javier Fuentes

"Javi con pitón / With Python"
"Granja de serpientes / Snake Farm", Bangkok, Tailandia / Thailand, 10/2005.
Fotógrafo desconocido / Photographer unknown



Información sobre los artistas / Info about Artists

John Ruskin fue el principal crítico de arte inglés de la época victoriana, además de dibujante, acuarelista, prominente pensador social y filántropo. Escribió sobre temas tan variados como geología, arquitectura, mitos, ornitología, literatura, educación, botánica y economía política. Nació en 1819 en Brunswick Square, Londres.
Sus estilos de escritura y formas literarias fueron igualmente variados. Escribió ensayos y tratados, poesía y conferencias, guías y manuales de viaje, cartas e incluso un cuento de hadas. También realizó bocetos y pinturas detalladas de rocas, plantas, aves, paisajes y estructuras arquitectónicas y ornamentación.
El estilo elaborado que caracterizó sus primeros escritos sobre arte dio paso a un lenguaje sencillo diseñado para comunicar sus ideas con mayor eficacia. En todos sus escritos enfatizó las conexiones entre naturaleza, arte y sociedad.
Fue muy influyente en la segunda mitad del siglo XIX y hasta la Primera Guerra Mundial. Después de un período de relativo declive, su reputación ha mejorado constantemente desde la década de 1960 con la publicación de numerosos estudios académicos de su trabajo. Hoy en día sus ideas y preocupaciones son ampliamente reconocidas por su interés anticipado en el ecologismo, la sostenibilidad y el arte.
Ruskin llamó la atención por primera vez con el primer volumen de "Pintores modernos / Modern Painters" (1843), un extenso ensayo en defensa de la obra de J. M. W. Turner en el que sostenía que el papel principal del artista es la "fidelidad a la naturaleza / truth to nature". Desde la década de 1850 defendió a los prerrafaelitas, quienes fueron influenciados por sus ideas. Su trabajo se centró cada vez más en temas sociales y políticos. "Hasta este último / Unto This Last" (1860, 1862) marcó el cambio de énfasis. En 1869 se convirtió en el primer profesor de la cátedra Slade de Bellas Artes en la Universidad de Oxford, donde estableció la "Escuela de Dibujo Ruskin". En 1871 comenzó sus "cartas mensuales a los trabajadores y obreros de Gran Bretaña", publicadas bajo el título "Fors Clavigera" (1871-1884). En el curso de este complejo y profundamente personal trabajo, desarrolló los principios subyacentes a su sociedad ideal. Como resultado, fundó el Gremio de San Jorge, una organización que perdura aún hoy.
Murió en 1900.

John Ruskin was the leading English art critic of the Victorian era, as well as an art patron, draughtsman, watercolourist, a prominent social thinker and philanthropist. He wrote on subjects as varied as geology, architecture, myth, ornithology, literature, education, botany and political economy. He was born in 1819 in Brunswick Square, London.
His writing styles and literary forms were equally varied. He penned essays and treatises, poetry and lectures, travel guides and manuals, letters and even a fairy tale. He also made detailed sketches and paintings of rocks, plants, birds, landscapes, and architectural structures and ornamentation.
The elaborate style that characterised his earliest writing on art gave way in time to plainer language designed to communicate his ideas more effectively. In all of his writing, he emphasised the connections between nature, art and society.
He was hugely influential in the latter half of the 19th century and up to the First World War. After a period of relative decline, his reputation has steadily improved since the 1960s with the publication of numerous academic studies of his work. Today, his ideas and concerns are widely recognised as having anticipated interest in environmentalism, sustainability and craft.
Ruskin first came to widespread attention with the first volume of Modern Painters (1843), an extended essay in defence of the work of J. M. W. Turner in which he argued that the principal role of the artist is "truth to nature." From the 1850s, he championed the Pre-Raphaelites, who were influenced by his ideas. His work increasingly focused on social and political issues. Unto This Last (1860, 1862) marked the shift in emphasis. In 1869, Ruskin became the first Slade Professor of Fine Art at the University of Oxford, where he established the Ruskin School of Drawing. In 1871, he began his monthly "letters to the workmen and labourers of Great Britain", published under the title Fors Clavigera (1871–1884). In the course of this complex and deeply personal work, he developed the principles underlying his ideal society. As a result, he founded the Guild of St George, an organisation that endures today.
He died in 1900.

André Carrara es un fotógrafo francés nacido en 1939. Era un adolescente cuando entró en contacto con la fotografía por primera vez. Mientras acompañaba a su hermana al laboratorio fotográfico donde trabajaba, le dieron una cámara y realizó sus primeros disparos en París. Estas primeras experiencias lo fascinaron y decidieron sobre su futuro: sería fotógrafo. Al principio aprendiz en diferentes laboratorios donde aprendió sobre revelado e impresión mientras asistía a clases nocturnas en la Escuela Louis Lumière, fue contratado como asistente a los 20 años por la agencia de publicidad SNIP, una verdadera colmena de actividades donde fotógrafos, diseñadores y diseñadores gráficos trabajaban en estrecha colaboración. Fue entonces cuando realmente descubrió la fotografía, frecuentando a Willy Rizzo, Fouli Elia, Guy Bourdin o Jean-Bernard Naudin. Aprendió el oficio y completó su instrucción con este último. En 1963 realizó su primera sesión de fotos para la agencia, una campaña publicitaria muy reconocida para Lacoste.

André Carrara is a French photographer born in 1939. He was a teenager when he came into contact with photography for the first time. As he accompanied his sister to the photographic laboratory where she was employed, he was given a camera and made his first shots in Paris. These first experiences fascinated him and decided on his future: he would be a photographer. At first an apprentice in different laboratories where he learned about development and printing while attending evening classes at the Louis Lumière School, he was hired as an assistant at the age of 20 by the advertising agency SNIP, a true hive of activity where photographers, designers and graphic designers worked in close collaboration. That was when he really discovered photography, frequenting Willy Rizzo, Fouli Elia, Guy Bourdin or Jean-Bernard Naudin. He learned the trade and rounded off his training with the latter. In 1963, he made his first photo session for the agency, a very recognized advertising campaign for Lacoste.

Craig McDean es un fotógrafo de moda británico nacido en 1964 en Middlewich, cerca de Manchester, que reside en la ciudad de Nueva York.
Originalmente se formó y trabajó como mecánico de automóviles antes de estudiar fotografía en Mid Cheshire College (OND) y Blackpool y The Fylde College of Further & Higher Education (PQE), donde tomó clases antes de abandonar y mudarse a Londres.
Comenzó su carrera fotográfica en Londres como asistente del fotógrafo Nick Knight. Su primer trabajo editorial fue presentado en revistas como i-D y The Face, lo que llevó a trabajar en campañas publicitarias para clientes como Jil Sander y Calvin Klein, y encargos editoriales con Harper's Bazaar y Vogue.
McDean ha fotografiado campañas de moda para clientes como Gucci, Giorgio Armani, Emporio Armani, Oscar de la Renta, Yves Saint Laurent, Calvin Klein y Estée Lauder.
Sus extensiones editoriales aparecen regularmente en revistas como Vogue, W y Another Magazine. Aunque principalmente es un fotógrafo de moda, McDean ha fotografiado a celebridades tales como Björk, Madonna, Natalie Portman, Justin Timberlake, Jennifer Aniston, Joaquin Phoenix, Hilary Swank, Uma Thurman, Gael García Bernal y Nicole Kidman.

Craig McDean is a British fashion photographer born in 1964 in Middlewich near Manchester, based in New York City.
He originally trained and worked as a car mechanic before studying photography at Mid Cheshire College (OND) and Blackpool and The Fylde College of Further & Higher Education (PQE) where he took photography classes before he dropped out and moved to London.
McDean began his photographic career in London as a photographer's assistant to photographer Nick Knight. His early editorial work was featured in magazines such as i-D and The Face, which led to advertising campaign work for clients such as Jil Sander and Calvin Klein, and editorial commissions with Harper's Bazaar and Vogue.
McDean has photographed fashion campaigns for clients including Gucci, Giorgio Armani, Emporio Armani, Oscar de la Renta, Yves Saint Laurent, Calvin Klein, and Estée Lauder.
His editorial spreads are regularly featured in magazines including Vogue, W, and Another Magazine. Although primarily a fashion photographer, McDean has photographed portraits of celebrities including Björk, Madonna, Natalie Portman, Justin Timberlake, Jennifer Aniston, Joaquin Phoenix, Hilary Swank, Uma Thurman, Gael García Bernal and Nicole Kidman.

Walter Chin es un fotógrafo de moda y celebridades que actualmente vive y trabaja en la ciudad de Nueva York.
Creció en Jamaica y en Canadá, donde se desempeñó como aprendiz en Toronto, Ontario.
Después de graduarse con una maestría en fotografía se mudó a París, donde como fotógrafo de moda trabajó principalmente para la francesa Elle, antes de mudarse a Nueva York en 1990. Su trabajo ha sido publicado en muchas revistas, entre ellas Allure, Mademoiselle, varios Vogues, Glamour, GQ, Entrevista y Vanity Fair. También ha fotografiado campañas publicitarias para diseñadores como Chanel, Valentino, Tommy Hilfiger, Missoni y Lancôme.
En 1994fue catalogado como una de las personas más importantes en la fotografía actual por un panel de curadores, distribuidores, editores y expertos de la industria para la revista American Photo. Su inclusión en la lista citó su modernismo, el uso del color y la forma gráfica, el recorte de imágenes y la forma en que sus modelos parecían estar constantemente en movimiento, trazando paralelos con David Bailey y Martin Munkácsi. En 2001, el año en que se publicó "Obra en curso / Work in Progress", la primera colección de su trabajo fotográfico, todavía se lo consideraba influyente, pero difícil de clasificar. Publicó un segundo libro de fotografías, "Después del disparo / After Shoot", en 2006.
Una de sus imágenes más conocidas, de Gisele Bündchen desnuda a caballo, se publicó en Vanity Fair en 1999 y se presentó en una exposición en 2008 en la National Portrait Gallery, Londres, dedicada a los retratos de Vanity Fair.

Walter Chin is a fashion and celebrity photographer who currently lives and works in New York City.
He and grew up in Jamaica and in Canada, where he served an apprenticeship in Toronto, Ontario.
After graduating with a master's degree in photography, Chin moved to Paris, where as a professional fashion photographer, he worked mainly for French Elle, before relocating to New York in 1990. His work has been published in many magazines, including Allure, Mademoiselle, several Vogues, Glamour, GQ, Interview, and Vanity Fair. He has also photographed advertising campaigns for designers such as Chanel, Valentino, Tommy Hilfiger, Missoni and Lancôme.
In 1994 Chin was listed as one of the most important people in current photography by a panel of curators, dealers, editors and industry insiders for American Photo magazine. His inclusion on the list cited his modernism, use of colour and graphic form, and tight image cropping and the way in which his sitters appeared to constantly be in motion, drawing parallels with David Bailey and Martin Munkácsi. In 2001, the year Work in Progress, the first collection of his photographic work was published, he was still considered influential, but difficult to classify. He published a second book of photographs, After Shoot, in 2006.
One of his best known images, of a nude Gisele Bündchen on horseback, was published in Vanity Fair in 1999, and featured in a 2008 exhibition at the National Portrait Gallery, London dedicated to Vanity Fair portraits.

Jacques Dequeker es un renombrado fotógrafo de moda nacido en 1970, en Porto alegre, Brasil.
Su pasión por su trabajo se refleja en cada disparo. Como resultado ha ganado importantes premios en Brasil y en Estados Unidos como mejor fotógrafo de moda y mejor director de cine. Tiene más de cien portadas de Vogue y editoriales de moda en Brasil y en todo el mundo.
Famoso por sus técnicas de luz, ha fotografiado a Gisele Bundchen, Marc Jacobs, Paris Jackson, Gigi Hadid, Adriana Lima, Alessandra Ambrosio, Jerry Hall, Georgia Mae Jagger y Julia Restoin Roitfeld, por nombrar algunas.
En el campo del entretenimiento, muchos cantantes y actores como Ben Harper, Adan Levine, Rita Ora, Iggy Azalea, Zac Efron, Mattew MacConaughey, Joshua Bowman, Ashton Kutcher, han sido capturados por sus lentes.

Jacques Dequeker is a renowned fashion photographer born in 1970, in Porto alegre, Brazil.
His passion for his work reflected in every single shoot. As a result he has won some important  awards in Brazil as well as in USA  as a best fashion photographer and best film director. He has more than a hundred Vogue covers and fashion editorials in Brazil and around the world.
Famous for his light tecniques, he has photographed Gisele Bundchen, Marc Jacobs, Paris Jackson, Gigi Hadid, Adriana Lima, Alessandra Ambrosio, Jerry Hall, Georgia Mae Jagger and Julia Restoin Roitfeld to name a few.
In the entertainment field many singers and actors such as Ben Harper, Adan Levine, Rita Ora, Iggy Azalea, Zac Efron, Mattew MacConaughey, Joshua  Bowman, Ashton Kutcher, have been captured by his lenses.

John Luke Smalley fue un fotógrafo estadounidense nacido en 1955 en Pensilvania, conocido por capturar chicos en la adolescencia y como un talentoso director artístico famoso por crear "imágenes lúdicas que exploraron las intersecciones entre la moda y la masculinidad".
Su obra, que combina una estética fríamente minimalista con una nostalgia retro, se centra en su ir por el camino de la verdad dentro de las vidas de los jóvenes de las ciudades pequeñas, especialmente los estadounidenses atléticos. Muchas de las fotografías son homoeróticas, aunque sexualmente ambivalentes y nunca perversas. Las imágenes de sus colecciones tempranas se inspiraron en manuales de ejercicios y anuarios de 1910. Esto no es sorprendente, ya que Smalley se graduó en medicina deportiva en Pepperdine University y trabajó durante varios años como modelo y entrenador personal. Smalley tomó sus retratos artísticos en su estado natal de Pennsylvania. Utilizó a atletas reales de secundaria como modelos, quienes participaron en competiciones inusuales reinventadas por el fotógrafo, quien también diseñó y confeccionó algunas de las vestimentas y equipos.
Murió en 2009.

John Luke Smalley was an American photographer born in 1955 in Pensilvania, known for capturing boys in adolescence and as a talented art director famous for creating "playful images that explored the intersections between fashion and masculinity".
His work, which pairs a coolly minimalist aesthetic with a retro nostalgia, centers around his tongue-in-cheek take on the journey for truth inside the lives of small town youth, especially athletic, all-American, young men. Many of the photographs are homoerotic, yet sexually ambivalent and never perverse. Images from his earlier collections were inspired by fitness manuals and yearbooks circa 1910. This is not surprising since Smalley graduated with a degree in sports medicine from Pepperdine University and worked for a number of years as a model and personal trainer. Smalley shot his artistic portraits in his home state of Pennsylvania. He used real high school athletes as models, who engaged in unusual competitions reinvented by the photographer, who also designed and crafted some of the outfits and equipments.
He died in 2009.

Mark Power es un fotógrafo británico nacido en Harpenden, Inglaterra, en 1959.
Estudió Bellas Artes en el Politécnico de Brighton (1978–1981) y luego viajó mucho, descubriendo en el camino su amor por la fotografía. A su regreso trabajó como freelance para varias publicaciones y organizaciones benéficas del Reino Unido.
Estuvo en Berlín el 9 de noviembre de 1989 y fotografió la caída del Muro. Más tarde publicó las fotografías en el libro Die Mauer ist Weg! (2014).
Entre 1992 y 1996 se embarcó en The Shipping Forecast, un proyecto que involucró viajar y fotografiar las 31 áreas cubiertas por el programa Shipping Forecast transmitido por la Radio 4 de BBC. Este proyecto fue publicado como un libro y fue una exposición itinerante en todo el Reino Unido y Francia. Utilizó una autocaravana Volkswagen como medio de transporte para el proyecto, haciéndose eco del fallecido Tony Ray-Jones, cuyo trabajo tiene similitudes en estilo y significado con el de Power.
Entre 1997 y 2000 se le encargó que documentara la Cúpula del Milenio / Millennium Dome en Londres, un proyecto que resultó en otra exposición itinerante y el libro que lo acompaña, "Superestructura". Por esta época sus métodos técnicos cambiaron y comenzó a utilizar películas en color y una cámaras de gran formato. A esto le siguió "El proyecto del Tesoro / The Treasury Project, publicado en 2002, que registró la renovación del edificio de tesorería del gobierno del Reino Unido en Whitehall, Londres.
En 2003 emprendió otro proyecto personal, utilizando el mapa de Londres A - Z como inspiración. La obra, titulada "26 finales diferentes", es una colección de imágenes que examinan las áreas en los límites exteriores del mapa. El proyecto se expuso en el Centro de Artes Visuales de la Universidad de Brighton y se publicó como libro en 2007.
En 2002 se convirtió en candidato a Magnum Photos, asociado en 2005 y miembro de pleno derecho en 2007.
Entre 1992 y 2004 fue profesor titular de fotografía en la Universidad de Brighton, y se convirtió en profesor de fotografía en 2004, hasta el presente.
Ha sido galardonado con el Premio Terence Donovan y una beca honorífica de la Royal Photographic Society.

Mark Power is a British photographer born in Harpenden, England, in 1959. 
He studied Fine Art at Brighton Polytechnic (1978–1981), and then travelled extensively, discovering a love for photography along the way. Upon his return, he worked as a freelance for several UK publications and charities.
Power happened to be in Berlin on 9 November 1989 and photographed the fall of the Berlin Wall. He later published the photographs in the book Die Mauer ist Weg! (2014).
Between 1992 and 1996, he embarked on The Shipping Forecast — a project that involved travelling to and photographing all 31 areas covered by the Shipping Forecast broadcast on BBC Radio 4. This project was published as a book and was a touring exhibition across the UK and France. He used a Volkswagen campervan as his mode of transport for the project, echoing the late Tony Ray-Jones, whose work has similarities in style and meaning to Power's.
Between 1997 and 2000, Power was commissioned to document the Millennium Dome in London, a project that resulted in another touring exhibition and the accompanying book, Superstructure. Around this time his technical methods changed and he began to use colour film and a large format camera. This was followed by The Treasury Project, published in 2002, which recorded the renovation of the UK government's treasury building on Whitehall, London.
In 2003, he undertook another personal project, using the London A–Z map as inspiration. The work, titled 26 Different Endings, is a collection of images examining the areas on the outer boundaries of the map. The project was exhibited at the Centre of Visual Art at the University of Brighton, and was published as a book in 2007.
In 2002 he became a nominee of Magnum Photos, an associate in 2005 and a full member in 2007.
Between 1992 and 2004 he was Senior Lecturer in Photography at the University of Brighton, becoming Professor of Photography in 2004, until the present.
Power has been awarded the Terence Donovan Award and an Honorary Fellowship from the Royal Photographic Society.

Alexander Gronsky (Александр Гронский), fotógrafo paisajista estonio nacido en 1980 en Tallin. Tiene su sede en Riga, Letonia.
Desde 2008 se ha orientado más a proyectos personales que se centran en cómo la geografía influye en las emociones y el comportamiento de sus habitantes, en particular los que residen en el paisaje ruso: "Menos de uno" (2006-2009), un retrato de las regiones ultraperiféricas de Rusia, áreas con una densidad de población de menos de una persona por kilómetro cuadrado, "Noche sin fin" (2007-2009), Murmansk, la ciudad más grande dentro del Círculo Polar Ártico, donde el duro invierno se ve agravado por dos meses de noche, "El borde" (2008-2010), las mismas afueras de Moscú que en "Pastoral", solo que en invierno, "Montañas y aguas" (2011), un estudio de China en el que la niebla y las nubes que invaden las fotos aluden a la pintura tradicional china, pero el tema es contemporáneo: nuevas viviendas, infraestructura y construcción, en dípticos, "Pastoral" (2008-2012), que explora los suburbios entre Moscú y el campo circundante, evocando el encuentro del hombre con la naturaleza: los excursionistas comen al lado de la industria pesada, los bañistas se encuentran al lado de los sitios de construcción, y la gente pasa entre montones de detritus urbanos, y "Norilsk" (2013).
El libro "Pastoral" de Gronsky se publicó en 2013. Como escribe Mikhail Iampolski (profesor de estudios rusos y eslavos) en la introducción, "El título del ciclo es irónico. Una pastoral siempre representa un idilio rural, en contraste con la vida de los habitantes de las ciudades, a quién se dirige. En el ciclo de Gronsky se levanta la diferencia fundamental entre lo rural, lo natural y lo urbano. Esta pastoral particular no se trata de un contraste, sino de una transición indefinida."
Alexander Strecker, que escribe en LensCulture, ha dicho: "Gronsky es un fotógrafo de paisajes de corazón. Su uso hábil de la perspectiva y talento para la composición llevan al observador a lo más profundo del paisaje, generando una sensación de asombro por cada lugar representado en la foto. Pero el simple asombro profundiza en algo más complejo a medida que consideramos las imágenes en capas."

Alexander Gronsky (Александр Гронский), Estonian landscape photographer born in 1980 in Tallinn. He is based in Riga, Latvia.
Since 2008 Gronsky has been oriented more on personal projects focusing on how geography influences the emotions and behaviour of its inhabitants, particularly those residing in the Russian landscape: Less Than One (2006-2009), a portrait of Russia's outermost regions, areas with a population density of less than one person per square kilometer; Endless Night (2007-2009), Murmansk, the largest city within the Arctic Circle, where the harsh winter is exacerbated by two months of night-time; The Edge (2008-2010), the same outskirts of Moscow as Pastoral only in winter; Mountains and Waters (2011), a study of China in which the mist and cloud that pervade the photos allude to traditional Chinese painting but the subject matter is contemporary: new housing, infrastructure and construction, in diptychs; Pastoral (2008-2012), explores the suburbs between Moscow and the countryside that surrounds it, evoking man's encounter with nature – picnickers eat beside heavy industry, sunbathers lie next to construction sites, and people stroll past piles of urban detritus; and Norilsk (2013).
Gronsky's book Pastoral was published in 2013. As Mikhail Iampolski, professor of Russian and Slavic Studies, writes in the introduction, "The title of the cycle is ironic. A pastoral always depicts a rural idyll, in contrast to the life of city dwellers, to whom it is addressed. In Gronsky’s cycle, the cardinal difference between the rural, the natural and the urban is lifted. This particular pastoral is not about a contrast, but about an indefinite transition."
Alexander Strecker, writing in LensCulture, said "Gronsky is a landscape photographer at heart. His skillful use of perspective and talent for composition lead the observer’s eye deeply into the landscape, generating a sense of astonishment for every place portrayed in photo. But simple astonishment deepens into something more complex as we take in the layered images".

Pieter Hugo, artista fotográfico sudafricano nacido en 1976 en Johannesburgo, que vive en Ciudad del Cabo.
Después de trabajar en la industria del cine en Ciudad del Cabo, pasó una residencia de dos años en el centro de investigación Fabrica, en Treviso, Italia.
La fotografía de Hugo trata con "grupos marginados o inusuales de personas: recolectores de miel en Ghana, pobladores nigerianos con hienas y babuinos (narradores tradicionales que actuaban en las calles y vendían pociones después de sus shows), Boy Scouts en Liberia, taxistas en Durban, jueces en Botsuana". Explicando su interés en lo marginal ha dicho: "Mi tierra natal es África, pero soy blanco. Me siento africano, sea lo que sea, pero si le preguntas a alguien en Sudáfrica si soy africano, es casi seguro que dirán que no. No encajo en la topografía social de mi país y eso ciertamente alimentó la razón por la que me convertí en fotógrafo".
Se han realizado importantes exposiciones individuales de su obra en los museos de fotografía de La Haya, Musée de l'Elysée en Lausana, Ludwig Museum en Budapest, Fotografiska en Estocolmo, MAXXI en Roma y el Instituto de Arte Moderno de Brisbane, entre otros. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en instituciones como la Tate Modern, el Museo Folkwang, la Fundação Calouste Gulbenkian y la Bienal de São Paulo. Su obra está representada en importantes colecciones públicas y privadas, entre ellas el Museo de Arte Moderno, el Victoria & Albert Museum, el Museo de Arte Moderno de San Francisco, el Museo Metropolitano de Arte Moderno, el Museo J Paul Getty y muchos más.

Pieter Hugo, South African photographic artist born 1976 in Johannesburg, living in Cape Town.
After working in the film industry in Cape Town, he spent a two-year residency at Fabrica research centre, Treviso, Italy.
Hugo's photography deals with "marginalized or unusual groups of people: honey gatherers in Ghana, Nigerian town criers with hyenas and baboons (traditional storytellers who performed in the streets and sold potions after their shows), Boy Scouts in Liberia, taxi washers in Durban, judges in Botswana". Explaining his interest in the marginal he has said, "My homeland is Africa, but I'm white. I feel African, whatever that means, but if you ask anyone in South Africa if I'm African, they will almost certainly say no. I don't fit into the social topography of my country and that certainly fueled why I became a photographer."
Major museum solo exhibitions have taken place at The Hague Museum of Photography, Musée de l’Elysée in Lausanne, Ludwig Museum in Budapest, Fotografiska in Stockholm, MAXXI in Rome and the Institute of Modern Art Brisbane, among others. Hugo has participated in numerous group exhibitions at institutions including Tate Modern, the Folkwang Museum, Fundação Calouste Gulbenkian, and the São Paulo Bienal. His work is represented in prominent public and private collections, among them the Museum of Modern Art, V&A Museum, San Francisco Museum of Modern Art, Metropolitan Museum of Modern Art, J Paul Getty Museum, and many more.

Pedro Aguilar es un fotógrafo multidisciplinario cuyo estilo se caracteriza por la creatividad, la profundidad conceptual y la excelencia técnica, tanto en su configuración de iluminación como en su trabajo de postproducción.
Después de estudiar Bellas Artes en la Universidad de Sevilla, en su España natal, se graduó de la Universidad de Brighton (Máster en Bellas Artes) y comenzó su carrera en Londres como parte del dúo creativo de fotografía publicitaria Diver & Aguilar en 2007, y en solitario desde 2014.
Entre los premios que ha recibido se cuentan GRAPHIS, c de c (Club de Creativos) y EPICA. Su obra ha aparecido en el Archivo Lürzer de los Mejores 200 Fotógrafos Publicitarios del Mundo. Entre sus clientes se cuentan Unilever, Mullen Lowe, W + K Amsterdam, Levi's, Nike, Wonderland y la revista Schön!

Pedro Aguilar is a multidisciplinary photographer whose style is characterised by the creativity, conceptual depth and technical excellence for both his lighting set-up and post-production work.
After studying Fine Art at Seville's University in his native Spain he graduated from Brighton's University (Fine Art MA) and begun his career in London as part of advertising-photography creative duo Diver&Aguilar in 2007 and as as solo artist since 2014.​​​​​​​
Awards include GRAPHIS, c de c (Club de Creativos) and EPICA. His work has appeared in Lürzer's Archive Best 200 Advertising Photographers Worldwide. His clients include Unilever, Mullen Lowe, W+K Amsterdam, Levi's, Nike, Wonderland and Schön! magazine.​​​​​​​
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Ivan Albright [Autorretratos, Dibujos, Litografías / Self-portraits, Drawings, Lithographs]

June 28, 2019, 4:04 am
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Ivan Le Lorraine Albright
(North Harvey, Illinois, EE.UU./ IL, USA, 1897 - Woodstock, Vermont, 1983)

Ivan Albright, en vivo, invita a una comparación con un autorretrato pintado casi 30 años antes /
in the flesh, invites comparisons to a self-portrait painted nearly 30 years earlier.
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

Ivan Le Lorraine Albright fue un pintor y artista del realismo mágico estadounidense que ya hemos tratado anteriormente en el blog. Fue famoso por sus autorretratos, estudios de personajes y naturalezas muertas.
Durante la década de 1930 desarrolló una técnica consistente para sus obras, creando numerosos dibujos detallados, creando su propia paleta de colores y pintando con cientos de pequeños pinceles. La técnica de Albright, que consumía mucho tiempo (muchas de sus obras tardaron años en completarse), no solo le permitió una descripción detallada del deterioro físico de los objetos y las personas, sino también incorporar una multitud de cambios leves en el punto de vista y resaltar las relaciones entre los objetos. (1)

"Autorretrato / Self Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 77,2 × 50,5 cm., 1935
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

"Autorretrato en la calle División 55 Este / Self-Portrait at 55 East Division Street"
Litografía sobre papel tejido marfil / lithograph on ivory wove paper, 35,8 x 25,7 cm., 1947
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

Con el tiempo, su estilo hiperrealista tuvo un efecto exagerado, enfatizando cada arruga y mancha de sus modelos y utilizando una iluminación dramática, incluso estridente. Los retratos grotescos del artista reflejan su noción platónica de que "el cuerpo es nuestra tumba"; la degeneración física y la configuración escuálida de sus modelos implican un malestar espiritual concomitante. También estaba preocupado por el concepto medieval de "vanitas", la idea de que las cosas materiales están condenadas a la decadencia y la muerte. La obra de Albright contiene sombras de las experiencias formativas de su vida, incluidas las lecciones de su padre en precisión anatómica, la carnicería que documentó durante la Primera Guerra Mundial y una predilección personal por los temas morbosos y macabros. (2)

"Tres tortolitos / Three Love Birds"
Carboncillo y óleo sobre lienzo / charcoal and oil on canvas, 199,4 × 106,7 cm., 1930
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

"Autorretrato Nº 3 / Self-Portrait (No.3)", óleo sobre panel / oil on hardboard, 30,5 × 25,4 cm., 1981
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

A lo largo de su vida Albright pintó muchos autorretratos importantes y significativos, el primero en 1933. Pero en sus años ochenta, motivado por una invitación a crear imágenes de este tipo para la Galleria degli Uffizi, Florencia, Italia, Albright se embarcó en un diálogo profundo con su propio personaje, que se plasmó en veinticinco autorretratos (1981-83), notables por el rango emocional que expresan y las técnicas empleadas. La serie debe considerarse legítimamente como una obra de arte cohesiva. Su rostro parece progresar cuadro a cuadro, intentando la impresión de "tiempo real", cambiando de expresión y revelando lentamente la presencia y la personalidad del artista al espectador. Es como si su visión ya no pudiera estar contenida en una sola imagen, muchas corrientes en procesión transportando una parte del conjunto. Como si fuera consciente del poco tiempo que le quedaba, escribió: "La cantidad de vida que puedo pasar por mis ojos es la cantidad que puedo ver". De hecho, Albright se concentró en sus ojos en muchas de las representaciones, manteniéndose tanto como era posible en el mundo visual de la carne y los objetos, que durante tanto tiempo había representado en términos espirituales transformadores.

En esta serie, Albright seguramente pretendía un logro que competiría con los mejores autorretratos producidos por artistas de cualquier época, particularmente los de Rembrandt y Alberto Durero. Como la campaña final de su larga e incansablemente inquisitiva carrera, siguen siendo un ejemplo psicológico y técnico que demuestra su profunda devoción a una visión singular pero sin restricciones. Estilísticamente, los paneles individuales de esta serie son más atrevidos y poco característicos como ejemplos de las obras maduras de Albright. La cabeza del artista emerge de tablas enyesadas como la de un explorador metafísico. Parpadeo, susurros, mensajeros de luz (pinceladas enmascaradas como hojas de color) aparecen y desaparecen en repetición para crear una cara con una forma sorprendentemente sólida. Uno sospecha que cada línea, grieta y superficie es una homilía infinita sobre vivir y morir; en última instancia, "convertirse". (3)

"Muñeca de vitrina / Show Case Doll", litografia sobre papel liso blanco roto /
lithograph on off-white wove paper, 42,5 x 62,3 cm., 1957
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)
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"Autorretrato / Self Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 20", 1951
National Academy of Design (Nueva York, EE.UU./ NY, USA). Google Arts & Culture

Ivan Albright fue elegido Académico Nacional Asociado en 1942. Solicitó tiempo adicional para completar su autorretrato, que estaba subvencionado por el Consejo. Seis años después, aún no lo había terminado, y después de otro recordatorio del entonces secretario, Eliot Clark, Albright respondió en noviembre de 1948: "Puede informar al Consejo en su próxima reunión que he terminado el autorretrato al óleo. Trabajé la mayor parte del año pasado y lo habría hecho antes, si no fuera porque tuve una operación importante en un hospital". La pintura muestra al artista en su nuevo estudio de State Street en Chicago con una gran ventana en el fondo. (4)

Ivan Albright was elected Associate National Academician in 1942. He requested additional time to complete his self-portrait, which was granted by the Council. Six years later he had still not finished the portrait, and after another reminder by then Secretary, Eliot Clark, Albright responded in November 1948: "You may inform the Council at its next meeting that I have finished the Oil Self Portrait. I worked most of last year on it and would have had it done sooner save that I went thru a major operation at a hospital." The painting shows the artist in his new State Street studio in Chicago with the large window in the background. (4)
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"La nieve se mueve a través de los árboles - los árboles se mueven a través de la nieve /
The Snow Moves Through the Trees-the Trees Move Through the Snow"
Carboncillo y crayón negro, con relleno y borrado, sobre cartulina blanca tejida /
Charcoal and black crayon, with stumping and erasing, on white wove card, 55 x 72,9 cm., 1972
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

"Autorretrato Nº 10 / Self-Portrait (No.10)", oleo sobre panel / oil on hardboard, 33 × 25,4 cm., 1982
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

Albright escribió constantemente mientras hacía esta serie:
"Hacer la cabeza...  más tranquila que los acantilados de granito...  Alcanzar la peligrosa quietud que precede al desastre... la quietud de un rostro después de la muerte: una quietud inquebrantable... Una cara antes de que el dolor y el horror se introduzcan en los músculos - una cara lista para estallar en un minuto... quiero una cara que haya sido compasiva. Un rostro que ha derramado lágrimas, un rostro que ha estado vivo de alegría, un rostro que te abre la puerta. Una cara que da más que una cara que cree en dios. Un rostro que tiene fe: un rostro arrugado, un rostro viejo, un rostro preparado para la muerte. ¿Quiero pintar los límites de una cara o quiero pintar qué sabiduría puede contener esa cara, una cara que mira mil años como si fueran un segundo?. Una cara que va hacia la fuerza eterna de la vida y la ha encontrado."

Estas pinturas viven una vida continua y resuenan con relevancia, particularmente a la luz de las investigaciones del yo y la identidad que ocuparon el mundo del arte en los años '80 y '90, y continúan hasta nuestros días. El 2 de agosto de 1983 Albright sufrió un derrame cerebral. Josephine escribió sobre la reacción de su esposo: "Se vio afectado en el lado izquierdo ... Sin embargo, está pintando, jugando ajedrez y disfrutando de la vida. La muerte de Malvin fue, por supuesto, una conmoción, pero se está moviendo bien y es bastante filosófico al respecto ".

A pesar de estar en cama y agotado por esta experiencia, continuó dibujando y agregó cuatro autorretratos más a su serie en curso entre el 21 de ese mes y el 14 de noviembre. La imagen final de su vida y carrera es un grabado íntimo, profundamente espiritual. Para un hombre que dedicó su vida a transformar la corporeidad en lo que la trasciende, este último autorretrato parece tan cercano al alma como uno nunca verá. Evoca al mismo tiempo un triste susurro, un último suspiro, pero de alguna manera es desafiante y está lleno de esperanza. Representado con líneas trémulas y frágiles, se erige como una de las imágenes más seguras, asertivas y poderosas de su carrera. Dos ojos, mágicos, siempre inmóviles, miran más allá de la superficie del espejo, la placa de grabado, los segundos haciendo tictac. Cuatro días después, Albright perdió la conciencia y falleció, muriendo en silencio y rodeado de sus seres queridos, el 18 de noviembre de 1983 en Vermont. (3)

"Sígueme / Follow Me"
Litografía sobre papel crema tejido / lithograph on cream wove paper, 35 x 22,6 cm., 1948
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

"Autorretrato Nº 4 / Self-Portrait (No.4)", carboncillo, crayón litográfico y lápiz sobre panel /
charcoal, lithographic crayon, and pencil on hardboard, 33 × 24.1 cm., 1981
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

Ivan Le Lorraine Albright was an American magic realist painter and artist that we have previously dealt with in the blog. He was most renowned for his self-portraits, character studies, and still lifes.
During 1930s Albright developed a consistent technique for his works, creating numerous detailed drawings, creating his own color palette and painting with hundreds of little brushes. Albright's time-consuming technique - many of his works took years complete - not only allowed for detailed depiction of the physical deterioration of objects and people, but enabled him to incorporate a multitude of slight shifts in point-of-view and highlight the relationships between the objects. (1)

"Hail to the Pure", 50,3 x 40,2 cm., 1976 
Tiza negra con relleno, grafito y crayón negro, con raspado en arcilla blanquecina, papel tejido /
black chalk with stumping, graphite and black crayon, with scraping on clay-coated off-white, wove paper
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

"Autorretrato Nº 13 / Self-Portrait (No.13)", óleo sobre panel / oil on hardboard, 33 × 24,1 cm., 1982
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

Over time his hyperrealist style took on an exaggerated effect, emphasizing every wrinkle and blemish of his sitters and utilizing dramatic, even garish lighting. The artist's grotesque portraits reflect his Platonic notion that "the body is our tomb"; the physical degeneration and squalid settings of his subjects imply a concomitant spiritual malaise. He was also preoccupied with the medieval concept of vanitas, the idea that material things are doomed to decay and death. Albright’s body of work contains shadows of his life’s formative experiences, including his father’s lessons in anatomical precision, the carnage he documented during World War I, and a personal predilection for morbid and macabre subjects. (2)

"Tiempo fugaz, me has envejecido / Fleeting Time, Thou Hast Left Me Old"
Litografía sobre papel tejido marfil / lithograph on ivory wove paper, 35 x 24,5 cm., 1945
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

"Autorretrato Nº 1 / Self-Portrait (No.1)"
Óleo y carboncillo sobre panel / oil and charcoal on hardboard, 33 × 23.5 cm., 1981
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)
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"Al mundo llegó un alma llamada Ida / Into the World There Came a Soul Called Ida"
Litografía sobre papel tejido blanco roto / lithograph on off-white wove paper, 42,4 x 35 cm., 1940
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)
La pintura, de 1939, ya fue publicada aquí / The 1939 painting was already published here

La pintura original es una representación grotesca de una mujer que (según el título) se llama Ida. Dentro de la pintura hay varias referencias a la idea de que el cuerpo humano es débil y que todos estamos atrapados dentro de nuestras formas físicas. Parece que hay un conflicto entre el alma y el cuerpo. La figura está sentada en una habitación que está desordenada y en mal estado. Ella se está mirando en un espejo de mano con una mirada de tristeza en su rostro. Una lectura de esto es que está triste debido a su edad y falta de belleza. Algunas personas creen que es una vieja actriz o posiblemente una prostituta. "Ida" es similar a muchas de las otras obras de Albright debido a la apariencia muerta y en descomposición de la figura, así como a los significados más profundos (y a menudo oscuros) ocultos en su interior. (1)

The original painting is a grotesque depiction of a woman who (based on the title) is named Ida. Within the painting there are several references to the idea that the human body is weak and that we are all trapped within our physical forms. There appears to be a conflict happening between the soul and the body. The figure is seated in a room that is cluttered and in a state of disrepair. She is looking into a hand mirror with a look of sadness on her face. One reading of this is that she is sad because of her age and lack of beauty. Some people believe she is an old actor or possibly a prostitute. Ida is akin to many of Albright's other works due to the dead and decaying look of the figure as well as the deeper (and often dark) meanings that are hidden within. (1)
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"Autorretrato Nº 14 / Self-Portrait (No.14)", carboncillo, tiza blanca y lápiz de color sobre panel /
charcoal, white chalk, and colored pencil on hardboard, 30,5 × 25,4 cm., 1982
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

Throughout his life Albright had painted many important and meaningful self-portraits, the first in 1933. But in his eighties, prompted by an invitation to create one such image for the Galleria degli Uffizi, Florence, Italy, Albright embarked upon a profound dialogue with his own character, resulting in twenty-five self-portraits (1981–83) that are remarkable for the range of emotion they express and the techniques they employ. The series should rightfully be considered one cohesive work of art. His face appears to progress frame by frame, attempting the impression of “real time,” shifting in expression and slowly unveiling the artist’s presence and personality to the viewer. It is as if his vision was could no longer be contained in a single image, many stream in procession bearing a bit of the whole. As if aware of the little time he had left, he wrote, “The amount of life I can put through my eyes is the amount I can see.” Indeed, Albright concentrated on his eyes in many of the portrayals, holding as much as possible onto the visual world of flesh and objects, which for so long he had rendered in transformative spiritual terms.

In this series, Albright surely intended an accomplishment that would compete with the greatest self-portraits produced by artists of any era, particularly those of Rembrandt and Albrecht Durer. As the final reative campaign of his long and tirelessly inquisitive career they remain a psychological and technical encore demonstrating his profound devotion to a singular yet unrestrained vision. Stylistically, the individual panels in this series are more daring and uncharacteristic as examples of Albright’s mature works. The artist’s head emerges from gessoed boards like that of a metaphysical explorer. Flickering, rustling messengers of light – brushstrokes masking as leaves of color – appear and disappear in repetition to create a face with surprisingly solid form. One suspects that each line, crevice and surface is an infinite homily on living and dying; ultimately “becoming.” (3)

"Pesado es el remo para aquel que está cansado, pesado el abrigo, pesado el mar /
Heavy the Oar to Him Who is Tired, Heavy the Coat, Heavy the Sea"
Litografía sobre papel tejido blanco roto / lithograph on off-white wove paper, 42,9 x 26,9 cm., 1939
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

"Autorretrato en Georgia / Self-portrait in Georgia"
Óleo sobre panel / oil on panel, 20" x 16", 1967-68
The Butler Institute of American Art (Youngstown, Ohio, EE.UU./ USA) © Estate of Ivan Albrigh

Albright wrote constantly while making this series:
“Make the head... more still than granite cliffs… Reach the dangerous quietness that precedes disaster... stillness of a face after death – an unliving stillness… A face before pain and horror creep into the muscles – a face ready to burst in a minute… I want a face that has been compassionate. A face that has shed tears, a face that has been alive with joy, a face that opens the door to you. A face that gives more than a face that believes in god. A face that has faith – a wrinkled face, an old face, a face ready for death. Do I want to paint the boundaries of a face or do I want to paint what wisdom the face can contain – a face that looks at a thousand years as if they were a second. A face that goes to the eternal force of life and has found it.” (3)

"Yo, María / I, Mary"
Crayón negro con crayón blanco, toques de aguada blanca, rasguños y borrados, en papel recubierto de arcilla blanquecina
black crayon, with white crayon, touches of white gouache, scratching and erasing, on off-white clay coated paper, 50,5 x 40,3 cm., 1975-76
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

"Autorretrato Nº 16 / Self-Portrait (No.16)", óleo sobre panel / oil on hardboard, 33 × 25,4 cm., 1982
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

These paintings live a continuous life and resound with relevance, particularly in light of investigations of the self and identity that occupied the art world in the 1980s and 1990s and continues to this day. On August 2, 1983, Albright suffered a stroke. Josephine wrote about her husband’s reaction, “He was affected on the left side… He is, however, painting, playing chess and enjoying life. Malvin’s death was of course a shock, but he is rallying well and being quite philosophical about it.”

Despite being bed-ridden and exhausted from this experience, he continued to draw and added four more self-portraits to his on-going series between the 21st of that month and November 14th. The final image of his life and career is an intimate, profoundly spiritual etching. For a man who devoted his life to transforming corporeality into that which transcended it, this last self-portrait seems as close to the soul as one will ever see. It evokes at once a sad whisper, a last breath, but is somehow defiant and filled with hope. Rendered with tremulous, fragile lines, it stands as one of the most confident, assertive, powerful images of his career. Two eyes, magical, ever still, look beyond the surface of the mirror, the etching plate, the ticking seconds. Four days afterward, Albright slipped out of consciousness and passed away, dying quietly and surrounded by those he loved, on November 18, 1983 in Vermont. (3)

"Busto de una mujer / Bust of a Woman"
Litografía sobre papel tejido liso / lithograph on tan wove paper, 405 x 275 cm., 1933
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

"Autorretrato Nº 9 / Self-Portrait (No.9)"
Pastel sobre panel / pastel on hardboard, 33 × 25.4 cm., 1982
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

Todas las imágenes (salvo donde se indica) / All images (except where noted) © The Art Institute of Chicago

Fuentes / Sources:
* (1) Wikipedia (English)
* (2) Ivan Albright, Biografía / Biography
National Gallery of Art Online Editions (Washington, EE.UU./ USA), 8/2018
* (3) Ensayo de / Essay by Robert Cozzolino, Ph.D. © Illinois Historical Art Project
* (4) Autorretrato / Self Portrait, 1942. Google Arts & Culture
* The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)
* "Redescubriendo al pintor cuya temática grotesca lo situó fuera de los cánones /
Rediscovering the Painter Whose Grotesque Subject Matter Kept Him out of the Canon"
Editorial de / by Jackson Arn. Artsy, 7/2018

Ivan Albright en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (CCXV)]

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Aniversarios Fotografía / Anniversaries Photography (CCXXXIX) [Junio / June 23-26]

June 29, 2019, 11:22 am
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Todos los aniversarios de Junio aquí / All anniversaries for June here.
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El 23 de Junio es el cumple de

Lilo Raymond, fotógrafa estadounidense nacida en 1922 en Frankfurt, Alemania.
Huyó del régimen nazi cuando tenía 16 años. Se instaló en Manhattan, donde se convirtió en parte de la escena artística bohemia de Greenwich Village, ocupando diversos puestos de trabajo como modelo de artista, camarera y profesional del tenis. Encontró su visión poética cuando estudió con el legendario fotógrafo e impresor de arte David Vestal en la Photo League. Comenzó a exhibir su trabajo en varias galerías en la década de 1970, y en sus últimos años se mudó al Valle de Hudson.

"Cuenco de limones / Bowl of Lemons", 1976. Photography West Gallery

Los momentos que Raymond captura en sus fotografías son normales, pero poseen una pureza extrema y poco habitual. Aparentemente los objetos ordinarios parecen tener una vida aparte de su utilidad. Esta otra vida es la que celebran las fotografías de Lilo Raymond. Una y otra vez, en medio de entornos sencillos, domésticos, se producen transformaciones, transformaciones en las que los objetos ordinarios parecen de repente investidos de un destino estético.

"Cama sin hacer / Unmade Bed". Photography West Gallery
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 34,3 × 23 cm., 1972

Estas fotografías de almohadas y sábanas, en su simplicidad, en su distribución altamente tonal de blancos y grises, son intensamente atmosféricas y, en su delicadeza, comprenden límites lineales que manifiestan una certeza gráfica, que comparten con otras fotografías de Lilo Raymond. La luz no llama la atención sobre los objetos en sus fotografías, sino que los objetos proporcionan superficies sobre las cuales la luz actúa. Y ya sea la luz reveladora de la mañana, donde se encuentran las ilusiones varadas de la noche, o la luz purificadora del mediodía, que brilla sobre la pulcra autoridad de un utensilio aislado o sobre la escrupulosa disposición de la fruta sobre una mesa, siempre es límpida.
Murió en 2009.

"Sin título / Untitled", gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 27,9 x 35,3 cm., 1983
Smithsonian American Art Museum (Washington, EE.UU./ USA)

On June 23 is the birthday of

Lilo Raymond, American photographer born in 1922 in Frankfurt, Germany.
She fled the Nazi regime when she was 16 years old. She settled in Manhattan, where she became part of the bohemian Greenwich Village art scene, taking various jobs as an artist’s model, waitress, and tennis pro. She came to find her poetic vision when she studied with the legendary photographer and fine art printer David Vestal at the Photo League. She began exhibiting her work at various galleries in the 1970s, eventually moving to the Hudson Valley later in life.

"John & Yoko", gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 27,94 x 35,56 cm., 1980. 1stdibs

John Lennon en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All Links]

The moments that Raymond captures in her photographs is ordinary, but it possesses an extreme, uncharacteristic purity. Seemingly ordinary objects appear to have a life apart from their utility. This other life is what Lilo Raymond’s photographs celebrate. Again and again, in the midst of plain, domestic settings, transformations occur, transformations in which ordinary objects seem suddenly invested with an aesthetic destiny.

"Cama / Bed", Stratford 
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 22,5 x 34 cm., 1972. Bukowskis

These photographs of pillows and sheets, in their simplicity, in their highly nuanced distribution of whites and grays, are intensely atmospheric, and in their frail, understand linear boundaries they manifest a graphic certainty, which they share with other Lilo Raymond photographs. Light does not call attention to objects in her photographs so much as objects provide surfaces over which and upon which light performs. And whether it is the revealing light of morning, where the beached illusions of night are encountered, or the cleansing light of noon, which shines upon the neat authority of an isolated utensil or upon the fastidious arrangement of fruit on a table, it is always limpid.
She died in 2009.

"Flores silvestres / Wild Flowers", 1992. Photography West Gallery


El 24 de Junio es el cumple de

Flip Schulke, fotógrafo estadounidense nacido en 1930 en Cornish, New Hampshire.
Uno de los principales fotoperiodistas de la nación, Flip Schulke pasó décadas relatando los triunfos y tragedias de la vida estadounidense. Comenzó a tomar fotografías como estudiante de secundaria en New Ulm, Minnesota, donde adquirió su apodo distintivo "Flip" por su interés inicial en la gimnasia. Después de graduarse de Macalester College en St. Paul, se estableció en Florida, donde pasó parte de su infancia.
Después de enseñar por un corto tiempo en la Universidad de Miami, Flip lanzó su carrera como fotógrafo independiente trabajando para la revista Life y muchas otras publicaciones importantes de Estados Unidos y Europa. Cubrió la revolución cubana de Fidel Castro, lanzamientos espaciales, huracanes y destacados animadores y atletas de la época.

"Dr. Martin Luther King Jr."
Martin Luther King Jr. escuchando en un encuentro de la Conferencia Sureña de Líderes Cristianos (SCLC), en un restaurante de Atlanta. La SCLC es una organización por los derechos civiles formada por MLK tras el éxito del boicot de autobuses de Montgomery /
Martin Luther King Jr. listens at a meeting of the SCLC, the Southern Christian Leadership Conference, at a restaurant in Atlanta. The SCLC is a civil rights organization formed by Martin Luther King after the success of the Montgomery bus boycott.
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 14" x 11"
Atlanta, Agosto / August 28, 1963 © Flip Schulke/CORBIS. NAACP

Martin Luther King en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All Links]

Ya en 1956 comenzó a cubrir el movimiento emergente de derechos civiles en el Sur. Su larga amistad con el Dr. Martin Luther King Jr., forjada durante la larga noche que condujo la lucha de la nación por los derechos civiles en la década de 1960. Su valiente papel como fotógrafo ha sido relatado en "The Race Beat", una historia ganadora del Premio Pulitzer de periodistas que cubrían el movimiento de derechos civiles, y en varias películas documentales.
La colección personal de Flip de 11,000 fotografías del Dr. King y su familia, que ahora se encuentra en la Universidad de Texas, es la más grande del mundo. Registró más de medio millón de imágenes durante su vida y ganó casi todos los premios de fotografía. Varias de sus fotografías han sido citadas como las más llamativas y memorables del siglo XX.
Además de su poderoso trabajo en la crónica de los derechos civiles, Flip creó imágenes indelebles del presidente John F. Kennedy, el boxeador Muhammad Ali y los astronautas en los primeros años del programa espacial. También fue un pionero en la fotografía submarina, viajando alrededor del mundo con Jacques Cousteau y otros exploradores para capturar la belleza de la vida bajo el mar.
Permaneció como fotoperiodista activo hasta su muerte en 2008.

"Alí bajo el agua / Ali Underwater, Miami, 8/1961", gelatinobromuro de plata /
gelatin silver print, 122 x 183 cm., 1961 © Flip Schulke. Michael Hoppen Gallery

Mohamed Ali en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All Links]

On June 24 is the birthday of

Flip Schulke, American photographer born in 1930 in Cornish, New Hampshire.
One of the nation’s premier photojournalists, Flip Schulke spent decades chronicling the triumphs and tragedies of American life. He began taking photographs as a high school student in New Ulm, Minnesota – where he acquired his distinctive nickname “Flip” from an early interest in gymnastics. After graduating from Macalester College in St. Paul, he settled in Florida, where he had spent part of his childhood.
After teaching for a short time at the University of Miami, Flip launched his career as a freelance photographer, working for Life magazine and many other major U.S. and European publications. He covered Cuban revolution of Fidel Castro, space launches, hurricanes, and leading entertainers and athletes of the time.

"El reverendo Dr. Martin Luther King Jr. hablando en un mítin en Mississippi /
The Rev. Dr. Martin Luther King Jr. speaks at a Mississippi rally", 1966 © Flip Schulke/CORBIS. UU World

As early as 1956, Flip began to cover the emerging civil rights movement in the South. His long friendship with Dr. Martin Luther King Jr., forged during an all-night conve the nation’s struggle for civil rights in the 1960s. His courageous role as a photographer has been recounted in The Race Beat, a Pulitzer Prize-winning history of journalists covering the civil rights movement, and in several documentary films.
Flip’s personal collection of 11,000 photographs of Dr. King and his family, now housed at the University of Texas, is the largest in the world. He shot more than half-a-million images during his lifetime and won almost every award in photography. Several of his photographs have been cited as among the most striking and memorable of the 20th century.
In addition to his powerful work chronicling civil rights, Flip created indelible images of President John F. Kennedy, boxer Muhammad Ali and astronauts in the early years of the space program. He was also a pioneer in underwater photography, traveling around the world with Jacques Cousteau and other explorers to capture the beauty of life under the sea.
He remained an active photojournalist until his death in 2008.

"Cassius Clay entrenando en una piscina en el Hotel Sir John de Miami /
training in a pool at the Sir John Hotel in Miami", 1961. Website


El 25 de Junio es el cumple de

Sid Grossman, fotógrafo, maestro y activista social estadounidense, nacido en Manhattan en 1913.
Era el hijo menor de Morris y Ethel Grossman. Asistió al City College de Nueva York y trabajó en un equipo de la calle WPA. En 1934 comenzó lo que se convertiría en la Photo League con el cofundador Sol Libsohn. Grossman desempeñó numerosos roles a lo largo de la existencia de Photo League (1936–1951), incluidos los de educador, administrador, autor de reseñas, editor de Photo Notes y fundador de Chelsea Document (1938-1940), una denuncia de edificios obsoletos y condiciones de vida deficientes en un vecindario de Nueva York.

"Oklahoma, 1940s"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 9 1/2" x 13 1/8", impresa en / printed 1940s
Howard Greenberg Gallery© Estate of Sid Grossman

Se alistó el 6 de marzo de 1943 y sirvió en el Sexto Ejército en Panamá durante la Segunda Guerra Mundial. Las fotografías de 1940 de Grossman sobre la actividad sindical llevaron a las investigaciones del FBI y a la inclusión en la lista negra de la Photo League como un frente comunista en 1947. En 1949 abrió una escuela de fotografía en Provincetown, Massachusetts, aunque continuó viviendo y enseñando en Nueva York durante parte del año.
La ironía, tal vez la tragedia, de la vida de Sid Grossman, fue que cuanto más se alejó de la política radical, doctrinaria, "subversiva", más lo perseguía el gobierno de los Estados Unidos y los grupos a los que pertenecía. Aunque la fecha real de su ingreso en el Partido Comunista no se conoce, su membresía nunca fue cuestionada. En 1936 su apodo en la Photo League era "Comisario" por su dogmática oposición al esteticismo de algunos de los miembros.

"Sin título / Untitled, 1940s"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 7 1/2" x 9 1/2"
Howard Greenberg Gallery© Estate of Sid Grossman

Hay otra ironía con respecto a Grossman. Dirigió talleres en la Photo League, el asentamiento de St. Henry St., el Harlem Art Center y, en privado, en la ciudad de Nueva York y en Provincetown, durante casi veinte años. Los fotógrafos a los que enseñó fueron muchos, entre ellos Lou Bernstein, Lisette Model, Walter Rosenblum, Louis Stettner, Helen Gee, Arthur Leipzig (quien según está registrado llamó a Grossman "probablemente el maestro más fantástico que he conocido") y Leon Levinstein. Sin embargo, el propio Grossman dijo: "No soy en absoluto un instructor en sentido clásico". Insistía en que sus estudiantes asumieran la responsabilidad de hacer algo por sí mismos. Según el curador del Museo Judío Mason Klein, "Grossman insistió cada vez más en la idea de estar en el mundo de una manera particular, relacionarse con cierta conciencia como fotógrafo y una conexión con la cámara de tal manera que los fotógrafos se cuestionaran quiénes eran". Uno tenía que "vivir para la fotografía", transformándose y liberándose, para convertirse en un buen fotógrafo.
Grossman murió de un ataque al corazón en 1955. Su libro, Viaje al cabo, en coautoría con Millard Lampell, se publicó póstumamente, en 1959.

"Aparcero moribundo / Dying Sharecropper", Lost Colony, Misuri / Missouri
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 33,7 x 22,5 cm., 1940 © Estate of Sid Grossman
Museum of Modern Art (MoMA) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

On June 25 is the birthday of

Sid Grossman, American photographer, teacher, and social activist, born in Manhattan in 1913.
He was the younger son of Morris and Ethel Grossman. He attended the City College of New York and worked on a WPA street crew. In 1934, he started what would become the Photo League with co-founder Sol Libsohn. Grossman played numerous roles throughout the Photo League's existence (1936–1951) including educator, administrator, reviewer, editor of Photo Notes and founder of Chelsea Document (1938-1940), an indictment of obsolete buildings and substandard living conditions in a New York neighborhood.

"Sin título (ventanas de apartamentos y tendederos) / Untitled (apartment windows and wash lines)"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 9" x 7", 1940.
Colección / Collection Pérez Art Museum Miami. Hyperallergic © Estate of Sid Grossman.

He enlisted on March 6, 1943 and served in the Sixth Army in Panama during World War II. Grossman's 1940 photographs of labor union activity led to FBI investigations and the blacklisting of the Photo League as a communist front in 1947. In 1949, he opened a photography school in Provincetown, Massachusetts, although he continued to live and teach in NYC part of every year.
The irony – perhaps the tragedy – of Sid Grossman's life was that the further he removed himself from radical, doctrinaire, “subversive” politics, the more the U.S. government persecuted him and groups to which he belonged. Even though the actual date of his joining the Communist Party is not known, his membership in it was never in doubt. In 1936, his nickname at the Photo League was “Commissar” for his dogmatic opposition to the aestheticism of some of the members.

"Arkansas (granjero y caballo / Farmer and Horse), 1940"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 8 1/8" x 7 1/2"
Colección / Collection Pérez Art Museum Miami. Hyperallergic © Estate of Sid Grossman.

There is an additional irony regarding Grossman. He conducted workshops, at the Photo League, the Henry St. Settlement, the Harlem Art Center, and privately in NYC and Provincetown, for almost twenty years. The photographers he taught were many – including Lou Bernstein, Lisette Model, Walter Rosenblum, Louis Stettner, Helen Gee, Arthur Leipzig (who is on record as calling Grossman “probably the most fantastic teacher I ever knew”) and Leon Levinstein. Yet Grossman himself said, “I am not an instructor in any classical sense.” He insisted that his students take on the responsibility for making something of themselves. According to Jewish Museum curator Mason Klein, “Grossman increasingly insisted on the idea of being in the world in a particular manner, engaging with a certain consciousness as a photographer, and connecting to the camera in ways that made photographers question who they were.” One had to “live for photography,” in effect transforming and liberating oneself – in order to become a good photographer.
Grossman died from a heart attack in 1955. His book, Journey to the Cape, coauthored with Millard Lampell, was published posthumously, in 1959.

"Oklahoma, 1940", gelatinobromuro de plata montada sobre panel /
gelatin silver print mounted on board, 10 3/4" x 12". Colección / Collection Pérez Art Museum Miami
Hyperallergic © Estate of Sid Grossman


El 26 de Junio es el cumple de

Sarah Angelina "Angie" Acland, fotógrafa aficionada inglesa nacida en Oxford en 1849, conocida por sus retratos y por ser pionera de la fotografía en color.
Sus contemporáneos le atribuyeron la inauguración de la fotografía en color "como un proceso para el viajero aficionado", gracias a las fotografías que tomó durante dos visitas a Gibraltar en 1903 y 1904.
Cuando era niña, Charles Lutwidge Dodgson (también conocido como Lewis Carroll) la fotografió con su amiga Ina Liddell, la hermana de Alice Liddell. El crítico de arte John Ruskin le enseñó arte, y ella también conoció a varios de los prerrafaelitas. Incluso asistió a Dante Gabriel Rossetti cuando pintaba murales en la Oxford Union.
A los 19 años conoció y fue influenciada por la fotógrafa Julia Margaret Cameron. Hizo retratos y fotografió paisajes. Por ejemplo, tomó un retrato del primer ministro William Gladstone durante una visita suya a Oxford. Al morir su madre en 1878, Sarah se convirtió en ama de llaves de su padre en la casa de la familia en Broad Street hasta su muerte en 1900.

"Gitanos españoles / Spanish Gypsies", Gibraltar, 5/1903. The People of Gibraltar
Museo de historia de la ciencia / History of Science Museum (Oxford, Reino Unido / UK)

Comenzó a experimentar con la fotografía en color en 1899. Su obra temprana la realizó utilizando los procesos de color de Ives Kromskop y Sanger Shepherd, en los que se tomaban tres fotografías separadas a través de filtros rojo, verde y azul. En 1903 visitó a su hermano, el almirante Acland, en su casa de Gibraltar. Tomó fotografías del Europa Point desde Europa a África, fotografías de la flora en la residencia del Almirante, The Mount y el autor y ornitólogo Coronel William Willoughby Cole Verner. En 1904 expuso en la Exposición Anual de la Real Sociedad Fotográfica de Gran Bretaña con 33 copias a tres colores bajo el título "El hogar del quebrantahuesos / The Home of the Osprey, Gibraltar".

"Coronel / Colonel William Willoughby Cole Verner"
Jardines de / Gardens of The Mount, Gibraltar, 1903
Museo de historia de la ciencia / History of Science Museum (Oxford, Reino Unido / UK). EuropaSur

Más tarde usó el proceso autocromo de los hermanos Lumiere, introducido en 1907. En su vida posterior a la muerte de su padre, y hasta su muerte en 1930, vivió en Park Town, al norte de Oxford, tomando allí muchas fotografías a color. También visitó y fotografió ampliamente en la isla atlántica de Madeira, en el Reid's Hotel, al oeste del centro de Funchal.
Fue miembro de la Royal Photographic Society (FRPS) y de la Royal Society of Arts (FRSA).
Nunca se casó, y en 1901, un año después de la muerte de su padre, se mudó a Clevedon House, hoy 10 Park Town, Oxford, donde murió en 1930.

"El moro Conda / Conda the Moor", The Mount, Gibraltar, 5/1903. The People of Gibraltar
Museo de historia de la ciencia / History of Science Museum (Oxford, Reino Unido / UK)

On June 26 is the birthday of

Sarah Angelina "Angie" Acland, English amateur photographer born in 1849 in Oxford, known for her portraiture and as a pioneer of colour photography.
She was credited by her contemporaries with inaugurating colour photography "as a process for the travelling amateur", by virtue of the photographs she took during two visits to Gibraltar in 1903 and 1904.
As a child, she was photographed by Charles Lutwidge Dodgson (aka Lewis Carroll) with her friend Ina Liddell, the sister of Alice Liddell. The art critic John Ruskin taught her art and she also knew a number of the Pre-Raphaelites. She even assisted Dante Gabriel Rossetti when he was painting murals at the Oxford Union.
At the age of 19, Acland met and was influenced by photographer Julia Margaret Cameron. Ackland took portraits and landscapes. For example, she took a portrait photograph of the Prime Minister William Gladstone during a visit by him to Oxford. On the death of her mother in 1878, Sarah became her father's housekeeper at the family home in Broad Street until his death in 1900.

"Flora Calpensis", Gibraltar, 5/1903 o / or 5/1904. The People of Gibraltar
Museo de historia de la ciencia / History of Science Museum (Oxford, Reino Unido / UK)

Acland started to experiment with colour photography in 1899. Her earliest work was accomplished using the Ives Kromskop and Sanger Shepherd colour processes, in which three separate photographs were taken through red, green, and blue filters. In 1903 Acland visited her brother Admiral Acland at his home in Gibraltar. Acland took photographs of Europa Point looking out from Europe to Africa, pictures of flora in the Admiral's residence, The Mount, and the author and ornithologist Colonel William Willoughby Cole Verner. In 1904, she exhibited at the Annual Exhibition of the Royal Photographic Society of Great Britain with 33 three-colour prints under the title The Home of the Osprey, Gibraltar.

"John Ruskin (izq./ left) & Sir Henry Acland (der./ right)"
Copia a la albúmina / albumen print, 1/8/1893. Victorian Web
Tomada en Brantwood, la casa de Ruskin en Lake Coniston /
Taken on the grounds of Brantwood, Ruskin's home on Lake Coniston.

John Ruskin en "El Hurgador" / in this blog: [Asonancias (XIX)]

She later used the Autochrome process of the Lumiere brothers, introduced in 1907. In her later life after the death of her father, until her death in 1930, Sarah Acland lived in Park Town, North Oxford, taking many colour photographs there. She also visited and widely photographed on the Atlantic island of Madeira, staying at Reid's Hotel to the west of central Funchal.
Sarah Acland was a Fellow of the Royal Photographic Society (FRPS) and the Royal Society of Arts (FRSA).
She never married, and in 1901, the year after her father's death, she moved to Clevedon House, now 10 Park Town, Oxford, where she died in 1930.

"Sir George Stuart White en el jardín de "El convento" / in the garden of the 'Convent'"
Gibraltar, Abril o Mayo / April or May, 1903. The People of Gibraltar
Museo de historia de la ciencia / History of Science Museum (Oxford, Reino Unido / UK)

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Aniversarios Fotografía / Anniversaries Photography (CCXL) [Junio / June 27-30]

June 29, 2019, 1:10 pm
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Todos los aniversarios de Junio aquí / All anniversaries for June here.
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27 de Junio es el cumple de

John Dominis, fotógrafo documentalista, de guerra y periodista gráfico estadounidense, nacido en 1921 en Los Ángeles.
Estudió cinematografía en la Universidad del Sur de California. En 1943 se alistó en las Fuerzas Aéreas del Ejército de los Estados Unidos. Después de la guerra trabajó como fotógrafo independiente para varias publicaciones, como la revista Life. En 1950 fue como fotógrafo a la Guerra de Corea. Más tarde trabajó en el sudeste asiático, en América, África y Europa, incluido el discurso del presidente John F. Kennedy de 1963 en Berlín Occidental. Estuvo en seis juegos olímpicos. Una de sus fotografías más conocidas fue tomada durante los Juegos Olímpicos de verano de 1968, cuando Dominis fotografió a Tommie Smith y John Carlos durante su saludo del Black Power.

"Unidad del ejército patrullando en la noche en Corea / Army unit patrolling at night in Korea", 1951.
Time& Life Pictures/Getty Images

Dominis trabajó para la revista Life durante la guerra de Vietnam y más tarde también estuvo en Woodstock. En la década de 1970 trabajó para la revista People. De 1978 a 1982 fue editor de Sports Illustrated. A menudo fotografiaba a estrellas como Steve McQueen o Frank Sinatra, y estas series de fotos se publicaron más tarde como libros ilustrados. Junto con Giuliano Bugialli publicó varios libros sobre la cocina italiana, con Dominis como responsable de la fotografía de alimentos.

"Robert Redford ejercita a uno de sus ocho caballos de monta en su rancho de Utah /
exercises one of his eight saddle horses on his ranch in Utah", 1970.
John Dominis—Time& Life Pictures/Getty Images

Robert Redford en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (XLIX)]

En el libro de John Loengard "Fotógrafos de LIFE: Lo que vieron / LIFE Photographers: What They Saw", Dominis informó sobre la puesta en escena de su foto "Un leopardo a punto de matar a un babuino". La imagen se tomó en B66 en 1966 cuando un cazador llevó un leopardo capturado ante un grupo de babuinos. La mayoría huyó de inmediato, pero uno se enfrentó al leopardo y fue muerto. Dominis fue fuertemente criticado después de que la puesta en escena se hiciera pública y se disculpó por ello. Mencionó que durante la década de 1960 la puesta en escena de las imágenes era muy popular y que en la actualidad no usaría este método.
Murió en 2013.

"Saludo del Poder Negro / Black Power Salute"
Ciudad de México / Mexico City, 1968. TIME 100 Photos

Los Juegos Olímpicos están destinados a ser una celebración de la unidad global. Pero cuando los velocistas estadounidenses Tommie Smith y John Carlos ascendieron al podio en los Juegos de 1968 en Ciudad de México, estaban decididos a destruir la ilusión de que todo estaba bien en el mundo. Justo antes de que comenzara a sonar el himno estadounidense, Smith, el medallista de oro, y Carlos, el ganador del bronce, inclinaron la cabeza y alzaron los puños con guantes negros en el aire. Su mensaje no pudo haber sido más claro: antes de saludar a Estados Unidos, Estados Unidos debe tratar a los negros como iguales. "Sabíamos que lo que íbamos a hacer era mucho mayor que cualquier hazaña atlética", dijo Carlos más tarde. John Dominis, un fotógrafo de dedo rápido conocido por capturar momentos inesperados, disparó un primer plano que reveló otro detalle: Smith con calcetines negros, sin zapatos para correr, en un gesto destinado a simbolizar la pobreza negra. Publicada en LIFE, la imagen de Dominis convirtió la protesta sombría en un emblemático emblema de los turbulentos años sesenta.

The Olympics are intended to be a celebration of global unity. But when the American sprinters Tommie Smith and John Carlos ascended the medal stand at the 1968 Games in Mexico City, they were determined to shatter the illusion that all was right in the world. Just before “The Star-Spangled Banner” began to play, Smith, the gold medalist, and Carlos, the bronze winner, bowed their heads and raised black-gloved fists in the air. Their message could not have been clearer: Before we salute America, America must treat blacks as equal. “We knew that what we were going to do was far greater than any athletic feat,” Carlos later said. John Dominis, a quick-fingered life photographer known for capturing unexpected moments, shot a close-up that revealed another layer: Smith in black socks, his running shoes off, in a gesture meant to symbolize black poverty. Published in life, Dominis’ image turned the somber protest into an iconic emblem of the turbulent 1960s.

On June 27 is the birthday of

John Dominis, American documentary photographer, war photographer and photojournalist, born in 1921 in Los Angeles.
He studied cinematography at the University of Southern California. In 1943 he enlisted in the United States Army Air Forces. After the war, he worked as a freelance photographer for several publications, such as Life magazine. In 1950 he went to Korea as a war photographer in the Korean War. Later he worked in Southeast Asia, in America, Africa and Europe, including President John F. Kennedy's 1963 West Berlin speech. Dominis went to six Olympic Games. One of his best-known pictures was shot during the 1968 Summer Olympics, when Dominis pictured Tommie Smith and John Carlos during their Black Power salute.

"Steve McQueen y su esposa Neile en casa / and his wife Neile at home"
Hollywood, CA, 1963. John Dominis—Time& Life Pictures/Getty Images

Dominis worked for Life magazine during the Vietnam war and later also went to Woodstock. In the 1970s he worked for People magazine. From 1978 to 1982 he was an editor for the Sports Illustrated. He often pictured stars like Steve McQueen or Frank Sinatra, and these photo series were later published as illustrated books. Together with Giuliano Bugialli he published several books about the Italian cuisine, with Dominis being responsible for the food photography.

"Un leopardo a punto de matar a un babuino / A Leopard About to Kill a Baboon", 1966
John Dominis—Time& Life Pictures/Getty Images

In John Loengard's book LIFE Photographers: What They Saw, Dominis reported about the staging of his picture A leopard about to kill a baboon. The picture was shot in 1966 in Botswana when a hunter had brought a captured leopard to a bunch of baboons. Most fled immediately but one faced the leopard and was killed subsequently. Dominis was heavily criticized after the staging became public and apologized for it. He mentioned that during the 1960s the staging of pictures was very popular and he wouldn't use this method today.
He died in 2013.

"Niña refugiada remando en un sampán por el Río Perfume /
A boat girl rows a sampan across the Perfume River", Vietnam, 1961.
John Dominis—Time& Life Pictures/Getty Images


El 28 de Junio es el cumple de

Curt Götlin, fotógrafo sueco nacido en 1900 en Karlshamn.
En la década de 1920 estudió fotografía en Berlín con Nicola Perscheid.
Trabajó en Örebro desde 1927 hasta 1966; ese año estableció un estudio fotográfico en Nora. De 1957 a 1960 fue presidente de Svenska Fotografers Förbund (SFF), sucediendo a Karl Werner Gullers.

"Sigrid", gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 29,3 x 22,8 cm., 1958
Modernamuseet (Estocolmo, Suecia / Stockholm, Sweden) © Curt Götlin

En 1928, Götlin participó en una exposición internacional de fotografía en Estocolmo. Expuso en Liljevalchs Konsthall en 1934, y en 1977-78 en el Moderna Museet en Estocolmo, en una muestra colectiva junto con los fotógrafos Anna Riwkin y Karl Sandels. También participó en numerosas exposiciones internacionales de fotografía en Budapest, Milán y Londres.

"Man med pipa / Hombre con pipa / Man With Pipe"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 28,8 x 22,4 cm., 1934
Modernamuseet (Estocolmo, Suecia / Stockholm, Sweden) © Curt Götlin

Se hizo conocido especialmente como fotógrafo retratista. Sus retratos se encuentran entre los mejores de este arte en Suecia, y se caracterizan por una reproducción armoniosa de los modelos. Las primeras fotografías de Götlin son suavemente pictóricas y sus ideales pictorialistas románticos se inspiraron en el estilo Art Nouveau.
En los años 70 y 80 descubrió y fotografió pequeños motivos de la realidad, y estas imágenes se volvieron casi abstractas.
Murió en 1993.

"Barbro Sundling", gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 23 x 28,7 cm.
Modernamuseet (Estocolmo, Suecia / Stockholm, Sweden) © Curt Götlin

On June 28 is the birthday of

Curt Götlin, Swedish photographer born in 1900 in Karlshamn.
In the 1920s he studied photography in Berlin under Nicola Perscheid.
He worked in Örebro from 1927 to 1966; that year he established a photo studio in Nora. From 1957 to 1960 he was chairman of Svenska Fotografers Förbund (SFF), succeeding Karl Werner Gullers.

"Gösta Thålin", gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 38,5 x 28,6 cm., 1957
Modernamuseet (Estocolmo, Suecia / Stockholm, Sweden) © Curt Götlin

In 1928, Götlin participated an international photography exhibition in Stockholm. He exhibited at Liljevalchs Konsthall in 1934, and in 1977-78 at Moderna Museet in Stockholm, in a group exhibition along with photographers Anna Riwkin and Karl Sandels. He also participated in a large number of international photography exhibitions in Budapest, Milan and London.

"Vintermönster / Patrón invernal / Winter Pattern", Örebro, 1928. FSF

He became known especially as a portrait photographer. His portraits are among the best in Swedish portrait art, and are characterized by a harmonious reproduction of the sitters. Götlin's early photographs are softly painterly and his romantic pictorialist ideals were inspired by the Art Nouveau style.
In the 1970s and 1980s, he discovered small motives from reality; photographed them, and these images became almost abstract.
He died in 1993.

"Bokbindaren / Encuadernador / Bookbinder Karl Ek"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 28,6 x 22,5 cm, 1945
Modernamuseet (Estocolmo, Suecia / Stockholm, Sweden) © Curt Götlin


Hoy, 29 de Junio, es el cumple de

Carmen Huter, joven fotógrafa austriaca de viajes y naturaleza nacida en 1993. Como escribió en su página web:
«... mi misión [es] crear más de lo que consumo. Soy una joven de 25 años, nací en una ciudad tranquila de Austria, resido en la tierra de la larga nube blanca, Nueva Zelanda, y estoy locamente enamorada de la madre naturaleza.

"Gorila / Gorilla", Parque Nacional de la Selva Impenetrable de Bwindi /
Bwindi Impenetrable Forest National Park, Uganda, Africa

Después de una breve etapa en el mundo corporativo, ahora paso mis días como fotógrafa profesional de viajes. A través de mi narración visual, espero inspirar a un público curioso a explorar nuevos lugares, más sobre uno mismo y nociones de sostenibilidad.»

"Parque Nacional de Aoraki/Mount Cook, Nueva Zelanda /
Aoraki/Mount Cook National Park, New Zealand"

Tiene más de 130.000 leales seguidores en Instagram, y varias características en línea de National Geographic.

"Elefante / Elephant", Amboseli, Kenia / Kenya

Today, June 29, is the birthday of

Carmen Huter, young Austrian travel and nature photographer born in 1993. As she wrote in her website:
«...my mission [is] to create more than I consume. I am 25 years young, born in a sleepy town in Austria, based in the land of the long white cloud, New Zealand, and madly in love with Mother Nature.

"Schloss / Castillo de Neuschwanstein / Neuschwanstein Castle"
(Baviera, Alemania / Bavaria, Germany)

After a brief stint in the corporate world, I now spend my days as a professional travel photographer. Through my visual storytelling, I hope to inspire a curious audience to explore new places, more about oneself, and notions of sustainability.»

"Lechuza / Owl"
Parque Nacional Lamington, Nueva Zelanda / Lamington National Park New Zealand
Frontera de Queensland y Nueva Gales del Sur / Queensland/New South Wales border in Australia

She has a loyal following of 130k+ on Instagram, and several National Geographic online features.

"Ñus / Wildebeests", Serengeti, Africa


El 30 de Junio es el cumple de

Ann Judith Fletcher, fotógrafa australiana nacida en Katoomba, Nueva Gales del Sur, recordada por ser una de las primeras fotógrafas en trabajar en Sydney (junto con May y Mina Moore) y establecer su propio estudio.
La familia se mudó de Katoomba a Greenwich, Sydney, donde Fletcher vivió hasta su matrimonio. La participación de Fletcher en la fotografía fue inicialmente como amateur. Desarrolló una serie de habilidades técnicas y estudió aspectos de la fotografía artística mientras exponía en salones fotográficos. Se convirtió en fotógrafa profesional en 1908 y trabajó en su estudio de North Shore desde 1905-1930. Informó su exitosa transición de amateur a profesional en 1908, y elogió en particular sus "retratos en el hogar, especialmente de mujeres y niños".

"Retrato de / Portrait of Mathilde Deane"
Fotografía sepia / sepia toned photograph, 14 x 8,9 cm., 1920s
National Library (Sydney, Australia)

Más tarde se estableció entre los miembros de la sociedad de Sydney e hizo conexiones importantes con artistas como Arthur Streeton, a quien fotografió. También se asoció con fotógrafos como Frank Bell, y Mina y May Moore. Desde 1916-18 publicitó su 'fotografía artística' y el estudio de George Street en la publicación de Ure Smith de Sydney. Los anuncios mostraban retratos fotográficos de página completa de celebridades y miembros de la sociedad. También fue fotógrafa de moda.
Durante la década de 1920 trabajó desde su casa en Greenwich, y continuó participando en salones fotográficos hasta la década de 1930.
Fletcher fue una teósofa y durante la década de 1920 se involucró en el anfiteatro Krishnamurti Star Movement en la playa Balmoral. Se casó con Gerard Paszek, un violinista polaco, antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial. Inicialmente vivieron en Mount Kuringai, y luego se mudaron a Glenorie. Después de su boda Fletcher mantuvo poca conexión con sus viejos amigos y asociados, ya que se decía que su esposo era "un hombre extremadamente posesivo".
Murió en 1971.

"Retrato de / Portrait of Sir Edgeworth David"
Fotografía sepia / sepia toned photograph, 26,7 x 20,2 cm., c.1916
National Library (Sydney, Australia)

Today, June 30, is the birthday of

Ann Judith Fletcher, Australian photographer born in Katoomba, NSW, remembered for being one of the first women portrait photographers to work in Sydney (along with May and Mina Moore) and to establish her own studio.
The family moved from Katoomba to Greenwich, Sydney, where Fletcher lived until her marriage. Fletcher's involvement with photography was initially as an amateur. She developed a range of technical skills, and studied aspects art photography while exhibiting in photographic salons. Fletcher became a professional photographer in 1908 and worked in her North Shore studio from 1905-1930. reported her successful transition from amateur to professional in 1908, praising in particular her 'at-home portraits especially of women and children'.

"Retrato de estudio de Constance Makeig, nacida Pearson, con su hija Geannette /
Studio portrait of Constance Makeig, nee Pearson, with her daughter Geannette", 10,5 x 7,1 cm., Dec., 1924
Caroline Simpson Library & Research Collection (Sydney, Australia)

Fletcher later established herself amongst the socialites of Sydney, and made important connections with artists such as Arthur Streeton, whom she photographed. Fletcher also associated with photographers including Frank Bell, and Mina and May Moore. From 1916-1918 Fletcher was advertising her 'art photography' and George Street studio in Sydney Ure Smith's publication,. The advertisements featured full-page photographic portraits of celebrities and socialites. Fletcher was also a fashion photographer.
During the 1920s Fletcher worked from her Greenwich home; she continued to participate in photographic salons until the 1930s.
Fletcher was a theosophist and during the 1920s became involved in in the Krishnamurti Star Movement amphitheatre at Balmoral Beach. She married Gerard Paszek, a Polish violinmaker, before the outbreak of WW2. They initially lived in Mount Kuringai, and later moving to Glenorie. After her wedding Fletcher maintained little connection with her old friends and associates, as her husband was said to be 'an extremely possessive man'.
She died in 1971.

"Retrato del obispo / Portrait of Bishop Julian Adrian Mazel"
Fotografía sepia / sepia toned photograph, 14,8 x 8,8 cm., ca. 1922
National Library (Sydney, Australia)

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Aniversarios / Anniversaries (CCCI) [Junio / June 24-26]

June 30, 2019, 9:36 am
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El 24 de Junio es el cumple de

Aldo Calò, escultor italiano nacido en 1910 en San Cesario di Lecce, Apulia.
Estudió arte en Lecce y Florencia. Comenzó a exhibir en 1945; desde este momento comenzó a ampliar su horizonte a nivel nacional, participando por primera vez en la XXXI Bienal de Venecia (1962) y en la Cuatrienal de Roma.

"Orizzontale / Horizontal", bronce / bronze, 1964
Lynden-Bradley Sculpture Park (Milwaukee, Wisconsin, EE.UU./ WI, USA)
Foto / Photo: Hanneorla Hanneorla Flickr

Viajó extensamente por Francia y el Reino Unido, donde descubrió a Henry Moore. Sus esculturas, hechas de metal y madera, se acercan mucho en sus características al arte informal.
Murió en 1983.

"Desnudo sentado / Seated Nude"
Madera / wood, 43,18 x 11,43 x 19,05 cm., c.1968. 1stdibs

"Desnudo sentado / Seated Nude" (detalle / detail)

"Desnudo sentado / Seated Nude" (vista lateral / side view)

On June 24 is the birthday of

Aldo Calò, Italian sculptor born in 1910 in San Cesario di Lecce, Apulia.
He studied art in Lecce and Florence. He began to exhibit in 1945; from this moment he began to broaden his horizon at a national level first participating in the XXXI Venice Biennale (1962) and in the Rome Quadrennial.

"Biforma", 167 x 107 x 48 cm., 1959
Middelheimmuseum (Amberes, Bélgica / Antwerpen, Belgium). Wikimedia Commons

He traveled extensively in France and the United Kingdom where he discovered Henry Moore. His sculptures, made using metal and wood, closely resemble the characteristics of informal art.
He died in 1983.

"Tensione / Tensión / Tension", bronce / bronze, 1962
Lynden-Bradley Sculpture Park (Milwaukee, Wisconsin, EE.UU./ WI, USA)
Foto / Photo: Hanneorla Hanneorla Flickr


El 25 de Junio es el cumple de

Christophe Veyrier, escultor francés nacido en 163 en Trets, Bouches-du-Rhône, sobrino y seguidor de Pierre Puget.
Llegó a Génova en 1663 y permaneció varios años, antes de mudarse a Roma para vivir de 1668 a 1670. En 1674 se casó con la hija de la hermana de la esposa de Puget.
Trabajó en Aix-en-Provence y luego se estableció en Toulon, donde vivió hasta su muerte en 1689.

"Aquiles moribundo / The Dying Achilles", mármol / marble, c.1683
Victoria and Albert Museum (Londres, Reino Unido / London, UK)

"Aquiles moribundo / The Dying Achilles" (detalle / detail). Wikimedia Commons

En uno de sus encargos más importantes, creó estatuas religiosas para la Capilla del Corpus Domini en la Catedral de Toulon. También trabajó en Montpellier. Se le atribuyen estatuas de temas antiguos y mitológicos, incluido el relieve de mármol blanco de la familia de Darius que se exhibe en la Casa Stowe en Inglaterra. Los estudios más recientes le atribuyen la estatua de la Inmaculada Concepción en la Catedral de Tivoli (según la literatura más antigua, la estatua se atribuyó anteriormente al propio Puget).
Sus esculturas se conservan en el Museo de Arte de Toulon, el Musée Granet, Aix-en-Provence, el museo del Louvre, París, el Victoria and Albert Museum, Londres, y el Metropolitan Museum of Art, Nueva York.

"Marquis / Marqués Jean Deydé (1617–1687)", mármol / marble, 66 × 59,7 × 27,9 cm., 1684
Metropolitan Museum of Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

On June 25 is the birthday of

Christophe Veyrier, French sculptor born in 163  in Trets, Bouches-du-Rhône, the nephew and follower of Pierre Puget
He arrived in Genoa in 1663 and stayed for a number of years, before moving to Rome to live from 1668-70. In 1674 he married the daughter of the sister of Puget's wife.
He worked in Aix-en-Provence, then settled in Toulon, where he lived until his death in 1689.

"Marsyas", mármol / marble, altura / height: 104.1 cm., segunda mitad s.XVII / second half 17th century
Metropolitan Museum of Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

In one of his most important commissions, he created religious statues for the Chapel of Corpus Domini in Toulon Cathedral. He also worked at Montpellier. Statues of ancient and mythological subjects are attributed to him, including the white marble relief of the family of Darius displayed at Stowe House in England. The most recent studies attribute to him the statue of the Immaculate Conception in Tivoli Cathedral (according to older literature the statue was formerly attributed to Puget himself).
His sculptures are held by the Musée d'Art, Toulon; the Musée Granet, Aix-en-Provence; the Musée du Louvre, Paris; the Victoria and Albert Museum, London; and the Metropolitan Museum of Art, New York.

"Vierge et enfant / Vírgen con niño / Virgin with Child", mármol / marble
Musée des Beaux-Arts (Palais Longchamp, Marsella, Francia / Marseille, France). Wikimedia Commons

"Vierge et enfant / Vírgen con niño / Virgin with Child" (detalle / detail). Wikimedia Commons


El 26 de Junio es el cumple de

Alfred Courtens, escultor belga nacido en 1889 en Bruselas.
Era hijo del pintor Franz Courtens (1854-1943) y hermano del pintor Hermann Courtens (1884-1956) y el arquitecto Antoine Courtens (1899-1969). Se formó en la Academia de Bruselas con el escultor Charles Van Der Stappen (1843-1910) y luego en el Instituto Superior de Bellas Artes de Amberes con el escultor Thomas Vinçotte (1850-1925). Hizo un viaje de estudios a Italia. Recibió el Premio Godecharle en 1913 por su obra "Le Caprice / El capricho".

"Estatua del Rey Leopoldo II / Statue of King Leopold II"
Ostende, Bélgica / Oostende, Belgique / Ostend, Belgium
Bronce / bronze. Wikimedia Commons

"Estatua del Rey Leopoldo II / Statue of King Leopold II" (detalle / detail). Wikimedia Commons

Produjo obras monumentales clásicas, bustos de personalidades, incluidos varios miembros de la familia real belga, medallas conmemorativas, y también obras libres para celebrar la juventud y el amor maternal.
En 1928 fue nombrado profesor de escultura en la Real Academia de Dendermonde.
Murió en 1967.

"Le caprice / El capricho / The Whim", bronce / bronze
Watermael-Boitsfort (Bruxelles, Belgique / Bruselas, Bélgica / Brussels, Belgium). BE-monumen

"Le caprice / El capricho / The Whim" (detalle / detail)

On June 26 is the birthday of

Alfred Courtens, Belgian sculptor born in 1889 in Brussels.
He was the son of the painter Franz Courtens (1854-1943) and brother of the painter Hermann Courtens (1884-1956) and the architect Antoine Courtens (1899-1969). He trained at the Brussels Academy, with the sculptor Charles Van Der Stappen (1843-1910) and then at the Higher Institute of Fine Arts in Antwerp, with the sculptor Thomas Vinçotte (1850-1925). He made a study trip to Italy. He received the Godecharle Prize in 1913 for his work "Le Caprice".

"Buste de / Busto de / Bust of Pierre Nolf", bronce / bronze, 53 x 56 x 32 cm.
Académie Royale / Academia Real (Bruxelles, Belgique / Bruselas, Bélgica / Brussels, Belgium)
Foto / Photo: Luc Schrobiltgen. Les trésors de l'Académie

He produced classic monumental works, busts of personalities, including several members of the Belgian royal family, commemorative medals, also free works celebrating youth and maternal love.
In 1928, he was appointed professor of sculpture at the Royal Academy of Dendermonde.
He died in 1967.

"Statue du roi Albert 1er au Mont des Arts à Bruxelles, Belgique /
Estatua del Rey Alberto I en el "Mont des Arts", Bruselas, Bélgica /
Statue of the King Albert 1st at the The "Mont des Arts" in Brussels, Belgium"
Bronce / bronze. Wikimedia Commons

"Statue du roi Albert 1er / Estatua del Rey Alberto I / Statue of the king Albert 1st". Wikimedia Commons

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Aniversarios / Anniversaries (CCCII) [Junio / June 27-30]

June 30, 2019, 10:09 am
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El 27 de Junio es el cumple de

Yiannis (Giannis) Parmakelis (Γιάννης Παρμακέλης), escultor griego nacido en 1932 en Heraklion, Creta, mejor conocido por sus estatuas de metal y medallas.
Completó su educación básica en Heraklion y luego estudió en la Escuela de Bellas Artes de Atenas con una beca estatal. Sus maestros en Atenas incluyeron al pintor Yiannis Moralis y al escultor Yiannis Pappas. Durante 1961-64, después de ganar una beca de la fundación de becas estatales, continuó sus estudios en la Ecole nationale superieure des Beaux-Arts en París, donde estudió con Ossip Zadkine y Robert Couturier.

"Ερωτόκριτος και Αρετούσα / Erotokritos y Aretusa / Erotokritos and Aretousa"
Basado en la obra de / based on the work by Vincenzo Kornaros (1553-1613)
Plaza Kornarou (Heraklion, Creta, Grecia / Crete, Greece). Bulletin Germany

"Ερωτόκριτος και Αρετούσα / Erotokritos y Aretusa / Erotokritos and Aretousa" (detalle / detail)

Al regresar a Grecia, enseñó dibujo y escultura en el Instituto de Tecnología Doxiadis, en la Escuela de Arte y Diseño Vakalo y en la Universidad Demócrita de Tracia. Parmakelis ha representado a Grecia en numerosas exposiciones internacionales y bienales. Su obra es antropocéntrica, caracterizado por figuras elípticas que combinan estructura sólida y movilidad expresiva. Se exhiben en museos, espacios públicos, instituciones privadas y organizaciones en Grecia, Europa y las Américas. En 2011 fue elegido miembro de la Academia de Atenas en la sección de Letras y Bellas Artes.

"κεφάλι αλόγου / Cabeza de caballo / Horse Head", aluminio / aluminium, 67 x 100 x 26 cm. Bonhams

"Μνημείο Πεσόντων, Δαφνές / Monumento a los caídos / Monument to Fallen, Dafnes"
de la serie "Testigos y víctimas" / from Witnesses & Victims Series
(Heraklion, Creta, Grecia / Crete, Greece). Heraklion Sculptures


"Μνημείο Πεσόντων, Δαφνές / Monumento a los caídos / Monument to Fallen, Dafnes" (detalle / detail)

On June 27 is the birthday of

Yiannis (Giannis) Parmakelis (Γιάννης Παρμακέλης), Greek sculptor born in 1932 in Heraklion, Crete, best known for his metal statues and medals.
He completed his basic education in Heraklion, and then studied at the Athens School of Fine Arts with a state scholarship. His teachers in Athens included the painter Yiannis Moralis and the sculptor Yiannis Pappas. During 1961-64, after winning a state scholarship foundation grant, he continued his studies at the Ecole nationale superieure des Beaux-Arts in Paris, where he studied with Ossip Zadkine and Robert Couturier.

"κεφάλι αλόγου / Cabeza de caballo / Horse Head"
B, bronce / bronze, 30 x 65 x 20 cm., 1966. Russell Kaplan Gallery

Upon returning to Greece, he taught drawing and sculpture at the Doxiadis Technology Institute the Vakalo School of Art and Design and the Democritus University of Thrace. Parmakelis has represented Greece at many international exhibitions and Biennales. His work is anthropocentric, characterized by elliptical figures that combine solid structure and expressive mobility. Examples are exhibited at museums, public spaces, private institutions and organizations in Greece, Europe and the Americas. In 2011, he was elected a member of the Academy of Athens in the section of Letters and Fine Arts.

"Μνημείο Μικρασιατικού Ελληνισμού /
Monumento a Asia Menor / Monument to Asia Minor", 2014
Avenida Knossos y Jonia (Heraklion, Creta, Grecia / Crete, Greece). Heraklion Sculptures

"Μνημείο Μικρασιατικού Ελληνισμού /
Monumento a Asia Menor / Monument to Asia Minor" (detalle / detail)


El 28 de Junio es el cumple de

Theodor Stundl, escultor austriaco nacido en 1875 en Brunndorf, Estiria, Marburg (hoy Maribor, Eslovenia)
Asistió a la escuela en Marburg, y en 1890-94 en la Escuela Vocacional del Estado en Graz. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Viena bajo E. v. Hellmer y K. v. Zumbusch.
En 1901-02, financiado por una beca de viaje, estuvo en Italia (Roma, Venecia, Florencia, etc.), en 1903 en Bucarest, Constantinopla (Estambul) y Atenas. Luego se instaló en Viena y creó numerosos monumentos y relieves hasta el estallido de la Primera Guerra Mundial.

"Die Lauschende", 1927-8
Schubertbrunnen / Fuente de Schubert / Schubert Fountain, en la intersección /
at the intersection Liechtensteinstraße - Alserbachstraße (Wien / Viena / Vienna, Austria). Meinbezirk

"Die Lauschende", 1927-8

In 1910 he produced a monument in memory of Emperor Franz Josef , erected in Czernowitz (now Chernivtsi, Ukraine).
En Viena (1915-16) hizo 20 cabezas ornamentales, simbolizando los continentes y numerosos pueblos. En la década de 1920 recurrió cada vez más a la escultura funeraria. Lo más destacado fue la figura "Die Lauschende" para la Fuente de Schubert en Viena (1927-28), como orden de seguimiento creó la "Cariátides femeninas" para la reconstrucción del Palacio de Justicia (1928-31).
Murió en 1934.

"Tänzerin / Bailarina / Dancer", bronce con pátina marrón / bronze, brown patina, altura / height: 47,5 cm. VIL

"Das Weib mit der Maske / La chica de la máscara / The Girl With The Mask"
En / in"Die Kunst: Monatsheft für freie und angewandte Kunst", p.146 (München, 1915). Archive.org

On June 28 is the birthday of

Theodor Stundl, Austrian sculptor born in 1875 in Brunndorf, Styria, Marburg (today Maribor, SLO)
He attended the school in Marburg, and in 1890-94 at the State Vocational School in Graz. The he studied at the Vienna Fine Arts Academy under E. v. Hellmer and K. v. Zumbusch. 
In 1901-02 he was - financed by a travel grant - in Italy (Rome, Venice, Florence, etc.), 1903 in Bucharest, Constantinople (İstanbul) and Athens. Then he settled in Vienna and created numerous monuments and reliefs until the outbreak of First World War.

"Knieender Frauenakt / Desnudo arrodillado / Kneeling Nude"
Bronce con pátina oscura / dark patinated bronze, altura / height: 24,5 cm. Dorotheum

En 1910 produjo un monumento en memoria del emperador Franz Josef, erigido en Czernowitz (hoy Chernivtsi, Ucrania).
In Vienna (1915-16) he made 20 ornamental heads, symbolizing the continents and numerous peoples. In the 1920s he increasingly turned to the cemetery sculpture. The highlight was the figure "Die Lauschende" for the Schubert Fountain in Vienna (1927-28). He also created the "Female Caryatids" for the reconstruction of the Palace of Justice (1928-31).
He died in 1934.

"Busto / Bust", bronce / bronze, 12" x 9" x 17,5", 1901. Grand View Mercantile

"Busto / Bust"


El 29 de Junio es el cumple de

Gotthilf Jaeger, escultor alemán nacido en Colonia en 1871.
Jaeger fue alumno del escultor Hermann Volz en la Academia Estatal de Bellas Artes de Karlsruhe, donde estudió desde 1892 hasta 1893. También estudió en el Instituto de Arte Städel en Frankfurt am Main y en el Real Colegio Prusiano de la Industria del Metal en Iserlohn. Más tarde enseñó en la Escuela de Artes y Oficios Ducales para la industria del metal en Pforzheim.

"Bauernjunge mit Pferd an der tränke / Joven granjero con caballo bebiendo / Young Farmer With Drinking Horse"
Bronce con pátina oscura / dark patinated bronze, altura / height: 32 cm. VIL

"Bauernjunge... / Joven granjero... / Young Farmer..."

Mantuvo un estudio en Berlín-Wilmersdorf. De 1900 a 1915 fue socio del estudio de escultura Bieber de Berlín.
Jaeger se adecuó en el diseño de sus obras plásticas decorativas principalmente al gusto de su tiempo. Sus numerosas estatuillas hechas de bronce a menudo muestran desnudos femeninos y masculinos en el estilo Art Nouveau, muchas de ellas con temática mitológica.
Murió en 1933.

"Schmied / Herrero / Blacksmith"
Bronce / bronze, altura 44 cm. incluidos 10 cm. de la base / height 44 cm. including the 10 cm base. Bukowskis

"Schmied / Herrero / Blacksmith" (detalle / detail)

"Atlas", bronce con pátina oscura, base de ónix /
dark patinated bronze, onyx base, altura / height: 39,5 cm. Dorotheum

On June 29 is the birthday of

Gotthilf Jaeger, German sculptor born in 1871 in Cologne.
Jaeger was a student of the sculptor Hermann Volz at the State Academy of Fine Arts Karlsruhe, where he studied from 1892 to 1893. He also studied at the Städel Art Institute in Frankfurt am Main and the Royal Prussian College of Metal industry in Iserlohn. Later he taught at the Ducal Arts and Crafts School and College for the metal industry in Pforzheim. The sculptor maintained a studio in Berlin-Wilmersdorf. From 1900 to 1915 he was a partner of the Berlin sculpture studio Bieber.

"Zentaur Nessos entführt Deianira / El Centauro Neso raptando a Deyanira /
Centaur Nessus Kidnapping Deianira"
Bronce / bronze, altura / height: 33 cm., peso / weight: 12,2 kg, c.1900. Ebay. Link

"Zentaur Nessos... / El Centauro Neso... / Centaur Nessus..." (detalle / detail)

"Zentaur Nessos... / El Centauro Neso... / Centaur Nessus..." (vista trasera / back view)

Jaeger oriented himself in the design of his decorative plastic works mainly to the taste of his time. His numerous statuettes made of bronze often show female and male nudes in the Art Nouveau style, many of them with a mythological subject.
He died in 1933.

"Ganymed und der Adler des Zeus (Junger Athlet mit Adler) / Ganímedes y el águila de Zeus (Joven atleta con águila) /
Ganymede and the Eagle of Zeus (Young Athlete With Eagle)"
Bronce con pátina oscura / dark patinated bronze, altura / height: 78 cm. LotSearch


Hoy, 30 de Junio, es el cumple de

Georg Leisek, escultor austriaco nacido en 1869 en Viena.
Leisek, hijo del medallista y grabador de monedas Friedrich Leisek (1839-1914), estudió desde 1888 hasta 1895 con Caspar von Zumbusch y Edmund Hellmer en la Academia de Bellas Artes de Viena.

"Kaiser Franz Joseph I / Emperador Francisco José I de Austria / Franz Joseph I of Austria", 1910
Semmelweis-Frauenklinik (Wien / Viena / Vienna, Austria). Wikimedia Commons

Al comienzo de su carrera artística trabajó como asociado de Rudolf Weyr y Arthur Strasser y se independizó en 1898. En 1903 se convirtió en miembro de la sociedad Künstlerhaus Vienna.
Murió en 1936.

"Kaiser Franz Joseph Jagdstandbild / Escena de caza con el Emperador Francisco José /
Emperor Franz Joseph Hunting Scene", Bronce / bronze, 1910. Kaltenbachau (Bad Ischl, Austria)

"Kaiser Franz Joseph Jagdstandbild / Escena de caza con el Emperador Francisco José /
Emperor Franz Joseph Hunting Scene" (detalle / detail). Wikimedia Commons

"Kaiser Franz Joseph Jagdstandbild / Escena de caza con el Emperador Francisco José /
Emperor Franz Joseph Hunting Scene".  BloGoldener Ochs

Today, June 30, is the birthday of

Georg Leisek, Austrian sculptor born in 1869 in Vienna.
Leisek, son of the medalist and coin engraver Friedrich Leisek (1839-1914), studied from 1888 to 1895 with Caspar von Zumbusch and Edmund Hellmer at the Academy of Fine Arts Vienna.

"Christian Doppler (1803-1853)", mármol / marble
Arkadenhof der Universität Wien / Patio de arcadas de la Universidad de Viena
(Wien / Viena / Vienna, Austria). Wikimedia Commons

"Christian Doppler (1803-1853)" (detalle / detail). Wikimedia Commons

At the beginning of his artistic career he worked as an associate of Rudolf Weyr and Arthur Strasser and became independent in 1898. In 1903 he became a member of the society Künstlerhaus Vienna.
He died in 1936.

"Christus empfängt die Verstorbenen / Cristo recibe a los muertos /
Christ Receives the Dead", bajorrelieve / bas relief. Wikimedia Commons
Puerta del cementerio central / Gate of Central Cemetery (Wien / Viena / Vienna, Austria)

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Rinocerontes / Rhinos (XCVIII)

July 4, 2019, 3:54 am
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Wang Ruilin
王 瑞琳
(Anshan, Provincia de Liaoning / Liaoning Province, China, 1985-)

Wang Ruilin trabajando en Sueños Rinoceronte (Nº 3) / at work with Dreams - Rhino (No.03)". Link

Wang Ruilin es un artista chino nacido en Anshan, provincia de Liaoning, en 1985.
Ya he publicado más de una vez la obra de este artista, que conocimos en el blog gracias a la pieza Nº 1 de su serie "Dreams", otro hermoso rinoceronte con ese acabado tan característico de sus esculturas en cobre. Les dejo aquí otras tres maravillosas esculturas de la misma serie.

"逐夢記－犀（三）/ Sueños - Rinoceronte (Nº 3) / Dreams - Rhino (No.03)" (detalle / detail). Link

Wang Ruilin trabajando en Sueños Rinoceronte (Nº 3) / at work with Dreams - Rhino (No.03)". Link

"逐夢記－犀（三）/ Sueños - Rinoceronte (Nº 3) / Dreams - Rhino (No.03)"
Cobre y pintura / copper & painting, 2015. Link

"逐夢記－犀（四）/ Sueños - Rinoceronte (Nº 4) / Dreams - Rhino (No.04)"
Cobre y pintura / copper & painting, 2015. Link

Wang Ruilin is a Chinese artist born in Anshan, Liaoning Province, in 1985.
I've already published more than once the work of this artist, who we met on the blog thanks to the piece No. 1 of his series "Dreams", another beautiful rhinoceros with that finish so characteristic of his copper sculptures. Here you have three other wonderful sculptures of the same series.

"逐夢記－犀（四）/ Sueños - Rinoceronte (Nº 4) / Dreams - Rhino (No.04)" (detalle / detail). Link

Modelando Sueños Nº 2 / modelling Dremas No.02. Link

"逐夢記－犀（二）/ Sueños - Rinoceronte (Nº 2) / Dreams - Rhino (No.02)"
Cobre y pintura / copper & painting, 2015. Link

"逐夢記－犀（二）/ Sueños - Rinoceronte (Nº 2) / Dreams - Rhino (No.02)". Link

Más sobre / More about Wang Ruilin: Website, Behance

Wang Ruilin en "El Hurgador" / in this blog: [Rinocerontes (LVII)], [Recolección (V)], [Asonancias (XVIII)]
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Resina y madera / Resin and Wood, África

"Estatua de rinoceronte / Rhino Statue", hecha a mano en resina /
hand made in resin, 12" x 10" x 5", 2000., África. Ebay

Un par de bonitos rinocerontes encontrados a la venta en Ebay. El primero, con características muy similares a las creaciones de Wang Ruilin.

"Estatua de rinoceronte / Rhino Statue" (vista desde arriba / up view). Ebay

"Rinoceronte / Rhino", madera tallada a mano /
hand carved wood, 15" x 4,5" x 5,5", peso / weight: 3,6 libras / pounds (Senegal, África). Ebay

A pair of beautiful rhinos found for sale on Ebay. The first one, with characteristics very similar to the creations of Wang Ruilin.

"Rinoceronte / Rhino"
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Rinoceronte, probablemente roca volcánica o imitación / Rhino, probably volcanic rock or imitation
Foto / Photo: Javier Fuentes, 2018

Un rinoceronte, probablmente esculpido en roca volcánica (un tipo de trabajo muy habitual en Tenerife donde este material abunda), que fotografié en unas oficinas de Santa Cruz.

Rinoceronte, probablemente roca volcánica / Rhino, probably volcanic rock
Foto / Photo: Javier Fuentes, 2018

A rhinoceros, probably sculpted in volcanic rock (a type of work very common in Tenerife where this material abounds), which I photographed at an office in Santa Cruz.
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Mitchell Grafton
(EE.UU./ USA, 1973-)

"Jarra rinoceronte tanque blindado / Armored Rhino Tank Jug", dibujo / drawing. Link

Mitchell Grafton es un artista de cerámica a tiempo completo que realiza obras de arte escultóricas únicas en la Ciudad de Panamá, Florida.
A los 19 años comenzó a trabajar para Odell Pottery mientras obtenía un título de Arquitectura en Louisiana Tech. Bruce Odell fue tres veces ganador de los Juegos Olímpicos de Cerámica en Wisconsin y le enseñó a Mitchell todo lo que sabía sobre la cerámica y la vida durante los siguientes 7 años. Mientras trabajaba en Odell Pottery, Mitchell se convirtió en el diseñador jefe de bases de lámparas que se producían para Hart and Associates, una empresa de fabricación de diseño de interiores. Después de graduarse, Mitchell se mudó a la ciudad de Panamá, Florida, donde él y un socio de negocios iniciaron un estudio de cerámica. Mitchell diseñó, administró y manejó las finanzas del negocio durante los siguientes 9 años. En su apogeo, el estudio de cerámica vendia al por mayor a más de 400 galerías de arte y tiendas de regalos en todo el país y era dueño de una galería de arte en Seaside, FL.
En 2009, Mitchell comenzó su propia empresa de cerámica artística, Grafton Pottery, en la ciudad de Panamá, donde ahora crea obras de arte únicas.

"Jarra rinoceronte tanque blindado / Armored Rhino Tank Jug", modelo y dibujo / model & drawing

Mitchell Grafton is a full time ceramic artist making unique sculptural works of art in Panama City, Fl.
At age 19 he started working for Odell Pottery while getting an Architecture degree at Louisiana Tech. Bruce Odell was a three time winner of the Pottery Olympics in Wisconsin and taught Mitchell everything he knew about pottery and life for the next 7 years. While at Odell Pottery, Mitchell became the head designer of lamp bases that were produced for Hart and Associates, an interior design manufacturing company. After graduation Mitchell moved to Panama City, FL where he and a business partner started a pottery studio. Mitchell designed, managed and handled the finances for the business for the next 9 years. At its peak, the pottery studio sold wholesale pottery to over 400 art galleries and gift shops around the country and owned a retail art gallery in Seaside, FL.
In 2009 Mitchell started his own art-pottery company, Grafton Pottery, in Panama City where he now creates one-of-a-kind works of art.

"Jarra rinoceronte tanque blindado / Armored Rhino Tank Jug", cerámica / ceramic, 2014. Link

Más sobre / More about Mitchell Grafton: facebook, Blog


"El sendero del rinoceronte de Tusk / The Tusk Rhino Trail"

Tusk es una organización británica sin fines de lucro con más de 28 años de experiencia en establecer y financiar programas de conservación de la vida silvestre, desarrollo comunitario y educación ambiental en toda África.
The Tusk Rhino Trail fue una gran instalación artística en Londres, comisariada para beneficencia por Chris Westbrook, que celebraba la magnificencia del rinoceronte y llamaba la atención sobre la severa amenaza que la caza furtiva representa para su supervivencia. Cada uno de los 21 rinocerontes fue especialmente diseñado y decorado por artistas de renombre internacional.
Estas obras de arte únicas se exhibieron públicamente en sitios emblemáticos de Londres desde el 20 de agosto hasta el Día Mundial del Rinoceronte el 22 de septiembre. Fueron subastadas por la casa de subastas londinense Christie's el 9 de octubre de 2018. Los fondos recaudados brindaron un apoyo vital a proyectos de conservación que protegen al rinoceronte y otras especies africanas icónicas.

Los hermanos Chapman / The Chapman Brothers
Iakovos "Jake" Chapman (Cheltenham, Reino Unido / UK, 1966)
Konstantinos "Dinos" Chapman (Londres, Reino Unido / London, UK, 1962)

"El innombrable / The Unmentionable", fibra de vidrio ignífuga con armazón interno /
fire retardant fiberglass with internal armatura, 147 × 190 × 60 cm., 2018. TRT, Artsy
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Rob & Nick Carter
Rob Carter (Londres, Reino Unido / London, UK, 1968-)
Nick Carter (Londres, Reino Unido / London, UK, 1969-)

"Rinoceronte espectro / Spectrum Rhino", fibra de vidrio ignífuga con armazón interno /
fire retardant fiberglass with internal armatura, 147 × 190 × 60 cm., 2018. TRT, Artsy
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David Mach
(Methil, Fife, Escocia / Scotland, 1956-)

"Rinoceronte eterno / Rhino Eterno", 147 × 190 × 60 cm., 2018. TRT, Artsy
Fibra de vidrio ignífuga con armazón interno, acabado con acrílico y barnices /
fire retardant fiberglass with internal armatura, finished with acrylic and varnishes


"Rinoceronte eterno / Rhino Eterno"

David Mach en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (CLXVIII)]

Más sobre / More about David Mach: Website, Wikipedia (English)
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David Yarrow
(Glasgow, Escocia / Scotland, 1966-)

"Los intocables / The Untouchables", 147 × 190 × 60 cm., 2018. TRT, Artsy
Fibra de vidrio ignífuga con armazón interno,
acabado: pintura e imágenes de vinilo aplicadas diseñadas a medida /
fire retardant fiberglass with internal armatura,
finish: paint and hand applied bespoke designed vinyl images

"Los intocables / The Untouchables" (detalle / detail)

"Los intocables / The Untouchables" (detalle / detail)

David Yarrow en "El Hurgador" / in this blog: [Rinocerontes (LXXX)]

Más sobre / More about David Yarrow: Website, Vimeo, facebook
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Eileen Cooper
(Glossop, Derbyshire, Inglaterra / England, 1953-)

"Marjorie", fibra de vidrio ignífuga con armazón interno, acabado con pintura acrílica /
fire retardant fiberglass with internal armatura, finish: acrylic paint, 147 × 190 × 60 cm., 2018. TRT, Artsy

Eileen Cooper en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (CLXXXI)]

Más sobre / More about Eileen Cooper: Website, Wikipedia (English)
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Mauro Perucchetti
(Italia / Italy, 1949-)
en Londres, Reino Unido / at London, UK

"Se va, se va, se fue / Going, Going, Gone", fibra de vidrio ignífuga con armazón interno,
acabado: lijado, imprimado y pintado con acrílicos y esmalte exterior de alto brillo con cuerno de resina /
fire retardant fiberglass with internal armatura, finish: sanded, primed and painted with acrylics and high gloss exterior glaze with resin horn, 147 × 190 × 60 cm., 2018. TRT, Artsy

"Se va, se va, se fue / Going, Going, Gone" (detalle / detail)

Más sobre / More about Mauro Perucchetti: Website, Wikipedia (Francés / French)
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Jonathan Yeo
(Londres, Reino Unido / London, UK, 1970-)


Yonathan Yeo en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (XLVIII)], [Recolección (XLVI)]

Más sobre / More about Yonathan Yeo: Website, Wikipedia (English)
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Tusk is a British non-profit organisation with over 28 years of experience initiating and funding wildlife conservation, community development and environmental education programmes across Africa.
The Tusk Rhino Trail was a London wide art installation, kindly curated for the charity by Chris Westbrook, it celebrated the magnificence of the rhino, and drew attention to the severe threat of poaching to their survival.  Each of 21 rhinos was specially designed, decorated and embellished by internationally renowned
These unique works of art were on public display at iconic London sites from 20th August until World Rhino Day on 22nd September. They were auctioned by the leading London auction house, Christie’s on 9th October 2018. The funds raised provided vital support for conservation projects protecting rhino and other iconic African species.

Marc Quinn
(Londres, Reino Unido / London, UK, 1964-)
"Con conocimiento / On Cognizance", 147 × 190 × 60 cm., 2018. TRT, Artsy
Fibra de vidrio ignífuga con armazón interno,
acabado: pintura e imágenes de vinilo aplicadas diseñadas a medida /
fire retardant fiberglass with internal armatura,
finish: paint and hand applied bespoke designed vinyl images

"Con conocimiento / On Cognizance" (detalle / detail)

Marc Quinn en "El Hurgador" / in this blog: [Asonancias (XII)]

Más sobre / More about Marc Quinn: Website, Wikipedia (English)
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Nicholas James "Nick" Gentry
(Londres, Reino Unido / London, UK, 1980-)

"Save", 147 × 190 × 60 cm., 2018. TRT, Artsy, Website
Fibra de vidrio ignífuga con armazón interno,
acabado: polvo de CDs en resina (se han utilizado más de 500 CDs) /
fire retardant fiberglass with internal armatura,
finish: CD data dust in resin (Over 500 CDs were used in the making of it)

"Save" (detalle / detail)

Más sobre / More about Nick Gentry: Website, Wikipedia (English)
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Patrick Hughes
(Birmingham, Reino Unido / UK, 1939-)
"El arcoiriceronte / The Rainbosceros", 147 × 190 × 60 cm., 2018. TRT, Artsy
Fibra de vidrio ignífuga con armazón interno, acabado con óleo con barniz impermeable /
fire retardant fiberglass with internal armatura, finish: oil with weatherproof glaze

Más sobre / More about Patrick Hughes: Website, Wikipedia (English)
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Charming Baker
(Hampshire, Reino Unido / UK, 1964-)

"Rinoceronte noir / Rhino Noir", fibra de vidrio ignífuga con armazón interno /
fire retardant fiberglass with internal armatura, 147 × 190 × 60 cm., 2018. TRT, Artsy

No contento con tan solo pintar el modelo del rinoceronte que se le dio, Charming Baker lo ha cortado y lo ha vuelto a armar alterando completamente su estatura. Con una rodilla en tierra y con la cabeza hacia abajo, el rinoceronte de Baker es extrañamente similar a la pose momificada de un rinoceronte lanudo exhibido en el Museo Nacional de Historia de Londres. Con un guiño al género cinematográfico fatalista, Rhino Noir es una forma física del estado de las especies de rinocerontes negros en peligro crítico de extinción. Alcanzando apenas los 5000 en todo el mundo, la población de rinocerontes negros está de rodillas.

"Rinoceronte noir / Rhino Noir"

Not content with just painting the model of the rhino given to him, Charming Baker has sawn it apart and put it back together completely altering its stature. Falling to one knee, head down, Baker’s rhino is strangely similar to the mummified pose of an extinct woolly rhino displayed in London’s National History Museum. With a nod to the fatalistic film genre, Rhino Noir is a physical form of the state of the critically endangered black rhino species. Hovering just above 5000 worldwide, the black rhino population is on its knees.

Más sobre / More about Charming Baker: Website
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Ronald David "Ronnie" Wood
(Hillingdon, Middlesex, Inglaterra / England, 1947-)

"Spike", 147 × 190 × 60 cm., 2018. TRT, Artsy
Fibra de vidrio ignífuga con armazón interno, acabado con acrílico y esmaltes /
fire retardant fiberglass with internal armatura. Finish: acrylic and varnishes

Ronnie Wood en "El Hurgador" / in this blog: [Rinocerontes (XL)], [Jason Seiler (Ilustración, Caricatura)]

Más sobre / More about Ronnie Wood: Website, Wikipedia (English)
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Zhang Huan
張洹
(Anyang, Provincia de Henan / Henan Province, China, 1965-)
en Shanghai y Nueva York / at Shanghai & NY

"El rinoceronte amapola / The Poppy Rhino", 147 × 190 × 60 cm., 2018. TRT, Artsy
Fibra de vidrio ignífuga con armazón interno, acabado con acrílico y esmaltes /
fire retardant fiberglass with internal armatura. Finish: acrylic and varnishes

"El rinoceronte amapola / The Poppy Rhino" (detalle / detail)

Zhang Huan en "El Hurgador" / in this blog: [Sucedió en el museo (VI, Anexo)]

Más sobre / More about Zhang Huan: Website, Wikipedia (English)
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Otras instalaciones de rinocerontes / Other Rhino Installations

Rhinomanía, São Paulo (Brasil / Brazil): Rinocerontes (IV)
Rhinomanía, Chester (Liverpool, Inglaterra / England): Rinocerontes (IV)
Dortmunder Nashorn / Rinoceronte de / The Rhino of Dortmund (Alemania / Germany): Rinocerontes (XIX)


El rinoceronte de la Torre de Belém /
The Rhino of the Belem Tower

"La Torre de Belén / The Tower of Belém", vista desde el noroeste / View from Northeast
(Lisboa / Lisbon, Portugal). Wikimedia Commons

La torre de Belém es una antigua construcción militar situada en la ciudad de Lisboa, capital de Portugal. Es una obra de Francisco de Arruda y Diogo de Boitaca que tuvo gran importancia en la Era de los Descubrimientos de Europa, ya que sirvió como fortaleza y como puerto desde donde partieron los exploradores portugueses para establecer cuál sería el primer comercio europeo en la historia con China e India. Cuando dejó de servir como defensa de invasores en el estuario del río Tajo se utilizó como prisión, como faro y también como centro de recaudación de impuestos para ingresar en la ciudad.
Se encuentra situada en la desembocadura del río Tajo, en el barrio de Santa Maria de Belém, al suroeste de Lisboa. Junto con el Monasterio de los Jerónimos, la Torre de Belém fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1983. Wikipedia

The Belém Tower is an old military construction located in the city of Lisbon, capital of Portugal. It is a work of Francisco de Arruda and Diogo de Boitaca that had great importance in the Age of the Discoveries of Europe, since it served as a fortress and as a port from where the Portuguese explorers set out to establish what would be the first European trade in history with China and India. When it stopped serving as a defense of invaders in the estuary of the Tagus River, it was used as a prison, as a lighthouse and also as a collection center of the taxes to enter the city.
It is located at the mouth of the Tagus River, in the neighborhood of Santa Maria de Belém, southwest of Lisbon. Together with the Jerónimos Monastery, the Belém Tower was declared a World Heritage Site by Unesco in 1983. Wikipedia

Foto / Photo: RimerMoshe, Wikimedia Commons

Sobre la fachada oeste aparece la figura de un rinoceronte, homenaje al ejemplar que fue llevado a Lisboa poco antes de que se iniciara la construcción de la torre. El rinoceronte fue un presente del gobernador de la India portuguesa, Afonso de Albuquerque, al rey Manuel I. El 20 de mayo de 1515 llegó el animal al puerto de Belém, cerca de donde más tarde se erigiría la torre, despertando gran interés. El animal fue tan popular en aquellos días que no solamente se incluyó su figura en la decoración de la Torre de Belém, sino que el impresor Valentim Fernandes representó y describió al detalle la anatomía del ejemplar, lo que inspiró al pintor alemán Alberto Durero, quien jamás vio un rinoceronte, a realizar su famosa xilografía.

Foto / Photo: Viajar a ratos

On the west facade appears the figure of a rhinoceros, a tribute to the specimen that was taken to Lisbon shortly before the construction of the tower began. The rhino was a present from the governor of Portuguese India, Afonso de Albuquerque, to King Manuel I. On May 20, 1515 the animal arrived at the port of Belém, near where the tower would later be erected, raised a great interest. The animal was so popular in those days that not only was its figure included in the decoration of the Torre de Belém, but the printer Valentim Fernandes represented and described in detail the anatomy of the specimen, which inspired the German painter Alberto Durero, who he never saw a rhino, to make his famous woodcut.
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Información sobre los artistas / Info about Artists

Jake y Dinos Chapman son un dúo de artistas visuales británicos, a menudo conocidos como Los Hermanos Chapman. Su temática pretende ser deliberadamente impactante, como por ejemplo su trabajo de 2008, una serie de obras en las que se apropiaron de acuarelas originales de Adolf Hitler.
Comenzaron su colaboración en 1991. Sus impactantes proyectos en colaboración incorporan modelos de plástico o fibra de vidrio para representar horripilantes escenas de soldados nazis, personajes de McDonald's, esqueletos, dinosaurios y otras rarezas.
A mediados de la década de 1990 sus esculturas se incluyeron en las exhibiciones de exhibición de YBA "¡Brillante!" y "Sensación". En 2003 ambos fueron nominados para el Premio Turner anual.
Website, Wikipedia

Jake and Dinos Chapman are a duo of British visual artists, often known as The Chapman Brothers. Their subject matter tries to be deliberately shocking, including, in 2008, a series of works that appropriated original watercolours by Adolf Hitler.
They began their own collaboration in 1991. Their shocking, collaborative projects incorporate plastic or fiberglass models to depict gruesome scenes of Nazi soldiers, McDonald’s characters, skeletons, dinosaurs, and other oddities.
In the mid-1990s, their sculptures were included in the YBA showcase exhibitions Brilliant! and Sensation. In 2003, the two were nominated for the annual Turner Prize.
Website, Wikipedia

Rob y Nick Carter son un dúo artístico de marido y mujer que han colaborado durante más de 20 años. Su obra gira en torno a la luz, el color y la forma, utilizando muchos medios diferentes, como pintura, fotografía, instalaciones de iluminación, películas y esculturas, y se encuentra en las colecciones de The Mauritshuis, La Haya, El Museo Frans Hals, Haarlem, El Frick, Pittsburgh; El Victoria & Albert Museum, Londres, La Fundación David Roberts, Londres, El Museo Städel, Frankfurt y The Fondation Custodia, Paris, además de ser los únicos artistas vivos en exponer una obra en el Frick Museum de Nueva York.
Website

Rob and Nick Carter are a husband and wife artistic duo who have been collaborating for over 20 years. Their work revolves around light, colour and form in many different mediums including, painting, photography, light installations, film and sculpture, and is housed in the collections of The Mauritshuis, The Hague; The Frans Hals Museum, Haarlem; The Frick, Pittsburgh; The Victoria & Albert Museum, London; The David Roberts Foundation, London; The Städel Museum, Frankfurt; and The Fondation Custodia, Paris, as well as being the only living artists to show a work at the Frick Museum, New York.
Website

Mauro Perucchetti es un artista italiano que vive en Londres. Expuso en la feria de arte Frieze en Londres, donde se exhibió su obra "La familia de los bebés de gelatina / The Baby Jelly Family" cerca de Marble Arch. Se le considera más un artista "italiano" que un artista del movimiento del pop minimalista estadounidense. Sus esculturas hacen un uso elegante de los materiales, cuya amplitud magnifica el significado.
Utiliza los "bebés de gelatina" como materia prima principal. Esta gelatina aporta un tratamiento pop a sus obras.

Mauro Perucchetti is an Italian artist living in London. He exhibited at the Frieze Art Fair in London where his work "The Baby Jelly Family" was exhibited near Marble Arch. He is more considered an artist "Italian", than an artist in the movement of minimalist American pop. His sculptures are an elegant use of materials whose amplitude magnifies the meaning.
The artist uses the "Jelly Baby" as the main raw material. This gelatin brings a pop treatment of his works.

Nicholas James "Nick" Gentry es un artista británico de Londres. Gran parte de su producción artística se ha generado utilizando artefactos y materiales aportados. Afirma que a través de este proceso "colaborador, artista y espectador se acercan". Su arte está influenciado por el desarrollo del consumismo, la tecnología, la identidad y la cibercultura en la sociedad, con un enfoque distintivo en los medios obsoletos.
Basándose en materiales tecnológicos reciclados y obsoletos como base de sus pinturas, Gentry crea un diálogo entre los procesos digitales y analógicos. Gentry construye la base de su pintura a partir de materiales como negativos de películas, casetes VHS, CDs y disquetes. "Estos objetos ya no están en el centro de atención", ha dicho el artista sobre los disquetes, "pero al colocarlos allí por un segundo, es más fácil comprender la velocidad y el alcance de los cambios que están ocurriendo hoy". Gentry a menudo incorpora elementos de estos materiales en sus figuras. Los círculos magnéticos de los disquetes, por ejemplo, a menudo sirven como ojos en sus retratos. Intenta evitar identificar la edad, el género y la raza, y dice que sus retratos son "como un vacío que debe llenarse", lo que permite a las personas llevar sus propias identidades a su obra.
Website, Wikipedia (English)

Nicholas James "Nick" Gentry is a British artist from London. Much of his artistic output has been generated with the use of contributed artefacts and materials. He states that through this process "contributor, artist and viewer come closer together". His art is influenced by the development of consumerism, technology, identity and cyberculture in society, with a distinctive focus on obsolete media.
Drawing on recycled and obsolete technological materials as the grounds for his paintings, Gentry creates a conversation between digital and analog processes. Gentry constructs his painting supports out of materials such as film negatives, VHS cassettes, X-rays, and floppy disks. "These objects are no longer in the spotlight," the artist has said of floppy disks, "but by placing them there for a second it becomes easier to comprehend the speed and extent of the changes that are taking place today." Gentry often incorporates elements of these materials into his figures. The magnetic circles of floppy disks, for example, often serve as eyes in his portraits. He tries to avoid identifying age, gender and race and said his portraits are 'like a void to be filled' which enable people to bring their own identities to his work.
Website, Wikipedia

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Aniversarios Fotografía / Anniversaries Photography (CCXLI) [Julio / July 1-6]

July 6, 2019, 3:31 pm
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Todos los aniversarios de Julio aquí / All anniversaries for July here.
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El 1 de Julio es el cumple de

Patrick Farrell, fotoperiodista estadounidense para el Miami Herald nacido en 1959.
Sus imágenes de una brutal temporada de huracanes en Haití ganaron el Premio Pulitzer 2009 para fotografía de última hora. Los jurados del Premio Pulitzer describieron su paquete de 19 fotografías en blanco y negro como "imágenes provocativas e impecablemente compuestas de desesperación después del huracán Ike y otras tormentas letales que causaron un desastre humanitario en Haití". Tituladas "Gente desesperada: Haití sin misericordia", las fotos iban desde las calles inundadas de Gonaives y las consecuencias de un colapso escolar en Puerto Príncipe, hasta el mortal saldo en la ciudad rural de Cabaret, donde niños pequeños se ahogaron en las aguas torrenciales. Más de 800 haitianos murieron y más de 1 millón quedaron sin hogar por la serie de tormentas.
Las fotografías de Farrell de Haití también han recibido el primer premio de Pictures of the Year International y Overseas Press Club, entre otros premios.
Ha sido nombrado dos veces Fotógrafo del Sur del año en el Southern Short Course (1989 y 1993), el seminario de periodismo fotográfico más antiguo del país.

Un joven lucha por rescatar un carrito tras el colapso de la vivienda familiar después que la tormenta tropical Hanna golpeó Gonaives /
A young boy struggles to rescue a stroller from the wreck of his family's home after Tropical Storm Hanna struck Gonaives.
Temporada de huracanes / Hurricane Season, Haití, 5/9/2008 © Patrick Farrell 

Farrell ha documentado los principales eventos noticiosos en Florida y en el extranjero, incluidos los disturbios raciales de 1989 en el vecindario Overtown de Miami, disturbios políticos y civiles en Haití durante el gobierno militar de 1994 de ese país, el terremoto de 1999 en Turquía, la masacre de Columbine High School, la pobreza infantil en las Américas, el sendero de destrucción del huracán Andrew en 1992 en el sur de la Florida y el cambio social y político en Cuba. Después de ganar el Pulitzer en 2009, Farrell regresó a Haití con un equipo de reporteros y fotógrafos del Miami Herald que cubrieron el terremoto de Haití en 2010.
Fue uno de los 10 periodistas de todo el mundo que recibieron las becas Dart Center Ochberg en 2010 del Dart Center for Journalism and Trauma y la Graduate School of Journalism de la Universidad de Columbia. Las becas son para periodistas a mitad de su carrera que buscan profundizar su comprensión y cobertura de violencia y eventos traumáticos.
En 2015 Farrell trabajó con Médicos Sin Fronteras para documentar los abortos inseguros e ilegales en Haití como parte de "Porque el mañana la necesita", un proyecto multimedia que destaca los problemas de salud que enfrentan las mujeres en los países en desarrollo de todo el mundo.
Farrell es miembro adjunto de la facultad en la Escuela de Periodismo y Comunicaciónd e Masas de la Universidad Internacional de Florida.

Gente caminando por la calle principal de Gonaives inundada / 
People walk up and down Gonaives' flooded main street.
Temporada de huracanes / Hurricane Season, Haití, 2008 © Patrick Farrell 

Una mujer lamenta su destino mientras lava platos y ropa en el agua fangosa de su casa inundada en Gonaives /
A woman bemoans her fate as she washes dishes and clothes in the muddy water of her flooded home in Gonaives.
Temporada de huracanes / Hurricane Season, Haití, 2008 © Patrick Farrell 

On July 1 is the birthday of

Patrick Farrell, American photojournalist for the Miami Herald, born in 1959.
His images from a brutal hurricane season in Haiti won the 2009 Pulitzer Prize for Breaking News Photography. The Pulitzer Prize jurors described his package of 19 black-and-white photographs as "provocative, impeccably composed images of despair after Hurricane Ike and other lethal storms caused a humanitarian disaster in Haiti." Titled A People in Despair: Haiti's Year Without Mercy, the photos ranged from the flooded streets of Gonaives and the aftermath of a storm-related school collapse in Port-au-Prince to the deadly toll on the rural town of Cabaret, where young children drowned in rushing floodwaters. More than 800 Haitians died and more than 1 million were left homeless by the series of storms.
Farrell's photographs from Haiti also have received first place recognition from Pictures of the Year International and the Overseas Press Club, among other awards.
He has been twice named Southern Photographer of the Year at the Southern Short Course (1989 and 1993), the country's longest-running photojournalism seminar.

Venecia Lonis, de cuatro años, ahora con 16 libras de peso tras dos semanas de cuidados, estaba tan desnutrida cuando llegó por primera vez a la clínica, que su madre estaba planificando su funeral /
Four-year-old Venecia Lonis, now 16 pounds after two weeks of care, was so malnourished when she first reached a clinic that her mother was planning her funeral.
Temporada de huracanes / Hurricane Season, Haití, 2008 © Patrick Farrell 

Farrell has documented major news events in Florida and abroad, including the 1989 race riots in Miami's Overtown neighborhood; political and civil unrest in Haiti during the 1994 military rule of that country; the 1999 earthquake in Turkey; the Columbine High School massacre; childhood poverty in the Americas; Hurricane Andrew's 1992 path of destruction in South Florida; and social and political change in Cuba.[9] After winning the Pulitzer in 2009, Farrell returned to Haiti with a team of Miami Herald reporters and photographers who covered the 2010 Haiti earthquake.
He was one of 10 journalists from around the world awarded Dart Center Ochberg Fellowships in 2010 from the Dart Center for Journalism and Trauma and Columbia University's Graduate School of Journalism. The fellowships are for mid-career journalists seeking to deepen their understanding and coverage of violence and traumatic events.
In 2015, Farrell worked with Doctors Without Borders to document unsafe and illegal abortions in Haiti as part of "Because Tomorrow Needs Her," a multimedia project that highlights health issues women face in developing countries around the world.
Farrell is an adjunct faculty member at Florida International University's School of Journalism and Mass Communication.

Frantz Samedi sostiene a su hija sin vida de 5 años, Tamasha Jean, quien murió cuando las aguas del huracán Ike arrastraron a niños y ancianos de sus hogares en la pequeña ciudad haitiana de Cabaret.
Frantz Samedi holds his lifeless 5-years-old daughter, Tamasha Jean, who died when Hurricane Ike's flood waters swept children and elderly from their homes in the small Haitian town of Cabaret.
Temporada de huracanes / Hurricane Season, Haití, 2008 © Patrick Farrell 


El 2 de Julio es el cumple de

Rudolf Bruner-Dvořák, fotógrafo checo nacido en 1864 en Přelouč, Imperio austríaco.
Fue una figura importante en el fotoperiodismo checo y conocido por su uso del autocromo de Lumière. Estudió con Karl Teufel y fue nombrado fotógrafo oficial de Franz Ferdinand en 1891.
Rudolf Bruner-Dvořák fue el fundador de la fotografía de reportaje y, a principios de siglo, la personalidad más importante de la fotografía en tierras checas. En 1887 recibió la confirmación de que podía hacer su propio negocio "en todos los ámbitos" de la fotografía y fundó un estudio de retratos en Přelouč. Sin embargo (aparentemente), su trabajo rutinario en el estudio no le proporcionaba muchas satisfacciones. Comenzó a especializarse en "fotografía de noticias" y se trasladó a Praga.

"Bruslení pod / Patinando bajo el / Skating under Vyšehradem", 1905. iDNES.cz

El mayor cambio en su carrera fue la Exposición de Jubileo, celebrada durante 1891. Sus películas aparecieron por primera vez en el diario de exposiciones de Praga. Estos conjuntos de imágenes con calificación se consideran el primer informe fotográfico real en la República Checa. En 1891 se le aprobó el uso del título "El fotógrafo de momentos de Su Alteza Imperial y Real, el Ilustrísimo Archiduque Francisco Fernando de Austria de Este". Gracias a su relación con el heredero del trono, fotografió a su familia en situaciones explícitamente familiares (castillos, mansiones, maniobras, cacerías, visitas del monarca). También estaba interesado en eventos, desde desastres hasta eventos deportivos. En el período 1904-1910 fue uno de los principales autores de la revista de fotografía más importante del mundo checo, Českého světa (El mundo checo). Los años 1907–1910 se consideran el pináculo de su actividad fotográfica. Gracias a su equipo, se convirtió en un fotógrafo mucho más versátil, lo que llevó a una mayor variedad temática, una técnica de profundización y un estilo de trabajo. Siguieron imágenes temáticas de Bosnia y Serbia. Otra nueva área temática relacionada con la excelencia técnica y el dominio del problema fotográfico fue la fotografía de interiores de fábricas.
Después de 1910 fotografió menos que antes. No hay informes de sus actividades fotográficas durante la guerra.
Murió en 1921.

"Motlitba / Rezo / Prayer", Bosnia, c.1906. Link

On July 2 is the birthday of

Rudolf Bruner-Dvořák, Czech photographer born in 1864 in Přelouč, Austrian Empire.
He was an important figure in Czech photojournalism and known for his use of Autochrome Lumière. He studied under Karl Teufel, and was named the official photographer to Franz Ferdinand in 1891.
Rudolf Bruner-Dvořák was the founder of the reportage photography and at the turn of the century the most important personality of photography in the Czech lands. In 1887 he received confirmation that he was able to do his own business "in all ways" of photography and founded a portrait studio in Přelouč. However -apparently-, his routine studio work did not provide him with much satisfaction. He began to specialize in "news photography" and moved to Prague.


"Pekařství / Panadería / Bakery", Bosnia, c.1906. Link

The biggest reversal of his career was the Jubilee Exhibition, held during 1891. His films first appeared in the Prague exhibition diary. These sets of images with grading are called the first real photographic report in the Czech Republic. In 1891, he was approved to use the title "The Photographer of Moments of His Imperial and Royal Highness The Most Enlightened Archduke Franz Ferdinand of Austria from Este". Thanks to his relationship with the heir to the throne, he photographed his family in explicitly family situations (castles, manors, maneuvers, hunts, visits of the monarch). He was also interested in events from disasters to sporting events. In the period 1904–1910 he was one of the main authors of the most important picture magazine in Czech, Českého světa (The Czech World). The years 1907–1910 are considered the pinnacle of his photographic activity. Thanks to his equipment, he became a much more versatile photographer, leading to more thematic variety, deepening technique and style of work. Followed by thematic images from Bosnia and Serbia. Another new thematic area related to technical excellence and mastering the photographic problem was photography of factory interiors.
After 1910 he photographed less than before. There are no reports of his photographic activities during the war.
He died in 1921.

"Pád balonu Kysibelka na Jubilejní výstavě v roce /
Cesta del globo aerostático Kysibelka después de su caída desde una altura de 790 m durante la Exposición del Jubileo /
Gondola basket of the gas balloon Kysibelka after its fall from a height of 790 m during the Prague Jubilee Exhibition"
Wikimedia Commons, 1891


El 3 de Julio es el cumple de

Fred Stein, fotógrafo callejero y retratista alemán nacido en 1909 en Dresde.
Su madre alentó su educación intelectual y artística inscribiéndolo en buenas escuelas y suscribiéndose a los numerosos museos de Dresde. A los dieciséis años se unió al Movimiento Juvenil Socialista (la opción democrática en Alemania en ese momento). Rápidamente percibió la amenaza de Adolf Hitler y se volvió muy activo en el movimiento anti-nazi. Decidió convertirse en un defensor público debido a la preocupación por la difícil situación de los ciudadanos más pobres, y asistió a la escuela de derecho en la Universidad de Leipzig, donde se graduó después de tres años, en 1933. En enero de ese mismo años, cuando Hitler llegó al poder, la actividad antinazi de Stein se volvió más comprometida y también más peligrosa. En agosto de 1933 se casó con Liselotte (Lilo) Salzburgo. Trabajando como asesor legal en una fábrica, el único trabajo disponible para él en este momento, Stein recibió una noche una advertencia clandestina del hijo del dueño de la fábrica. La SS estaba haciendo preguntas sobre él, y uno de los otros trabajadores de la fábrica había sido arrestado y encarcelado ese día. Un amigo cercano le había escrito, instándolos a marchar a París, y se fueron al día siguiente con el pretexto de un viaje de luna de miel.

"Bertolt Brecht", 1935 © Fred Stein. Pinterest

Stein y su esposa Lilo vivían en un círculo de artistas, socialistas y filósofos expatriados, frecuentando los cafés y participando en largas conversaciones. Los Steins fueron algunos de los pocos afortunados que tenían un apartamento, y allí acogieron a los refugiados y hacían grandes comidas para alimentar a sus amigos. La compañera de Robert Capa, Gerda Taro, tenía una habitación en su departamento. Y un visitante frecuente fue Willy Brandt, quien más tarde (en 1969) se convirtió en Canciller de Alemania. Incapaz de trabajar como abogado, Stein se dedicó a la fotografía con la primera cámara Leica que él y su esposa se habían comprado como regalo de bodas. Comenzó a explorar las calles de París, mirando y aprendiendo. Se convirtió rápidamente en una pasión: disparar todos los días y estudiar por la noche los libros de fotografía que podía encontrar.

"Marc Chagall", 1945 © Fred Stein. Link

Marc Chagall en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

Cuando Francia declaró la guerra a Alemania en 1939, Stein fue puesto en un campo de internamiento para extranjeros enemigos cerca de París. Más tarde, en la confusión de la aproximación de los nazis a París, escapó y se dirigió hacia el sur, escondiéndose en granjas aisladas. El 7 de mayo de 1941, Stein, con su esposa y su hija, abordó el SS Winnipeg, uno de los últimos botes en abandonar Francia. Solo llevaban la Leica, algunas copias y los negativos.
En la libertad de Nueva York, la ciudad infundió su energía en el trabajo de Stein. Incorporó la Rolleiflex de formato medio, que tomaba imágenes cuadradas.
La mezcla cultural de la ciudad encajó perfectamente con sus talentos y preocupaciones. Salió a las calles y se recorrió desde Harlem hasta la Quinta Avenida, revitalizado por el ajetreo y la variedad del Nuevo Mundo. Amaba el espíritu estadounidense, y como un forastero llegó a las diversas áreas étnicas sin ideas preconcebidas.

"Anciano con bastón / Old Man With Cane", 1936

La movilidad de Stein disminuyó en la década de 1950, y se centró en su creciente interés por el retrato. Aunque había hecho retratos durante muchos años, había sido principalmente un fotógrafo callejero. Pero ahora se volvió cada vez más al aspecto más intelectual de su exploración artística. A lo largo de los años se había hecho amigo de importantes escritores, artistas, científicos y filósofos. Este amplio círculo de contactos le permitió conocer a personas que deseaba fotografiar.
Utilizó iluminación natural o mínima, y ​​no retocó ni manipuló los negativos. Nunca usó accesorios o efectos dramáticos para crear un retrato "artístico". Su técnica se puede ver en sus fotografías de Albert Einstein y Georgia O'Keeffe. Algunos de sus modelos le encargaron retratos, como Marc Chagall y Norman Mailer.
Murió en 1967.

"Edward Steichen", 1963 © Fred Stein

Edward Steichen en "El Hurgador" / in this blog:
[Aniversarios Fotografía (II)], [Aniversarios Fotografía (VIII)], [Aniversarios Fotografía (CXXXI)], [Recolección (LXX)]

On July 3 is the birthday of

Fred Stein, German street and portrait photographer born in 1909 in Dresden.
His mother encouraged his intellectual and artistic education by enrolling him in good schools and subscribing to the many museums in Dresden. At sixteen he joined the Socialist Youth Movement (the democratic option in Germany at that time). He was quick to perceive the threat of Adolf Hitler, and became quite active in the anti-Nazi movement. He decided to become a public defender out of a concern for the plight of the poorest citizens, and attended law school at the University of Leipzig, from which he graduated after three years, in 1933. In January 1933, when Hitler came to power, Stein's anti-Nazi activity became more committed, and also more dangerous. In August 1933, Stein married Liselotte (Lilo) Salzburg. Working as a law consultant in a factory – the only job available to him at this point – Stein received a clandestine warning one night from the son of the factory owner. The SS was asking questions about him, and one of the other workers in the factory had been arrested that day and put into prison. A close friend had written, urging them to come to Paris, and they left the next day under the pretext of a honeymoon trip.

"Hermann Hesse", 1961 © Fred Stein

Stein and his wife Lilo lived among a circle of expatriate artists and socialists and philosophers, frequenting the cafes and engaging in long conversation. The Steins were some of the lucky few with an apartment, and there they sheltered refugees and cooked huge meals to feed their friends. Robert Capa's companion Gerda Taro, had a room in their apartment. And a frequent visitor was Willy Brandt, who later (in 1969) became Chancellor of Germany. Unable to work as a lawyer, Stein took up photography using the first model Leica camera he and his wife had bought each other as a wedding present. He began to explore the streets of Paris, looking and learning. It quickly developed into a passion: shooting every day, and studying whatever photo books he could find at night. 

"Le Gaz", Paris, 1935 © Fred Stein. Link

When France declared war on Germany in 1939, Stein was put in an internment camp for enemy aliens near Paris. Later, in the confusion of the Nazis’ approach to Paris, he escaped and made his way south, hiding in isolated farmhouses. On May 7, 1941, Stein with his wife and their daughter boarded the SS Winnipeg, one of the last boats to leave France. They carried only the Leica, some prints, and the negatives.
In the freedom of New York, the energy of the city infused Stein's work. He added the medium-format Rolleiflex, which takes pictures in a square format.
The city's cultural mix fit perfectly with his talents and concerns. He took to the streets and ranged from Harlem to Fifth Avenue, invigorated by the bustle and variety of the New World. He loved the American spirit; and as an outsider, he came to the various ethnic areas without preconceived ideas.

"Norman Mailer", 1962 © Fred Stein

Stein's mobility decreased in the 1950s, and he pursued his growing interest in portraiture. Though he had taken portraits for many years, he had been primarily a street photographer. But now he turned increasingly to the more intellectual aspect of his artistic exploration. He had befriended important writers, artists, scientists, and philosophers through the years. This wide circle of contacts let him to meet people he wished to photograph.
He used natural or minimal lighting, and did not retouch or manipulate the negative. He never used props or dramatic effects to create an "artistic" portrait. His technique can be seen in his photographs of Albert Einstein and Georgia O'Keeffe. Some of his subjects commissioned portraits from him, as with Marc Chagall and Norman Mailer.
He died in 1967. 

"Albert Einstein", 1946 © Fred Stein. 20 minutos

Albert Einstein en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All Links]


El 4 de Julio es el cumple de

Janina Mierzecka, fotógrafa y artista gráfica polaca nacida en 1896 en Lviv.
Tomó clases de dibujo en la Escuela Industrial bajo la supervisión de los profesores Zygmunt Rozwadowski y Edward Pietsch. También completó un curso de dibujo para niños, después del cual enseñó dibujo en una escuela primaria privada. Sus intereses artísticos se dividieron entre la música y las bellas artes. En 1918 aprobó un examen estatal de música en el Conservatorio de Lviv.
Inicialmente experimentó de forma independiente con la fotografía. Comenzó a aprender fotografía en 1925 bajo la supervisión de Henryk Mikolasch. Rápidamente comenzaron a dirigir un estudio fotográfico, y Mierzecka recibió el diploma de fotógrafa profesional ese mismo año y un puesto en el consejo de la Sociedad Fotográfica de Lviv. A partir de ese momento tuvo la oportunidad de mostrar sus obras públicamente en la IX Exposición de Fotografía Artística de Lviv. En 1926 tomó fotos de Michalina, esposa del presidente Ignacy Mościcki y retratos de familiares del mariscal Józef Piłsudski. Luego, para enriquecer las habilidades artísticas, comenzó a tomar clases de artes gráficas con el profesor Ludwik Tyrowicz.

"Ręce robotnika w fabryce wyrobów elektrotechnicznych /
Manos de un trabajador de una fábrica de productos electrónicos /
The hands of a worker in a factory of electrotechnical products", 1931
"Z cyklu Ręka pracująca / de la serie Manos trabajadoras / from the Working Hands Series", 1924–1938. Link

A finales de la década de 1920  comenzó a tomar fotografías documentales de una mano humana para registrar cambios y daños en función del trabajo realizado. Las imágenes de esta colección se exhibieron en Ginebra, Budapest, Londres y Tokio.
En 1933 fue aceptada como miembro del actual Fotoclub polaco. Fue galardonada con una medalla en la 4ª Exposición Fotográfica Internacional en Zurich en 1934.
En 1940 comenzó a trabajar en el Museo de la Industria del Arte en Lviv, donde organizó fotografías de identificación y documentó reliquias de museos. En 1945 se mudó a Varsovia, donde trabajó como fotógrafa en el Museo Nacional.
En 1949 se mudó a Wrocław, donde comenzó a trabajar en el Museo Nacional y la Academia de Medicina, organizando allí sus propios talleres fotográficos.
El último gran proyecto que emprendió fue la producción de 100 fotos para la "Historia de China" de Witold Rodziński.
Murió en 1987.

"Dudziarz z Jaremcza / Gaitero de / Piper from Yaremche". Polona

"Ręce pracującej / Manos de un trabajador / Hands of a Worker", Lámina / plate 90
"Z cyklu Ręka pracująca / de la serie Manos trabajadoras / from the Working Hands Series", 1924–1938. Polona

El libro "Ręka pracująca (Manos trabajadoras)" consta de dos partes: texto (escrito por Henryk Mierzecki) e ilustraciones, con sesenta láminas que contienen fotografías de Janina Mierzecka. Cada página contiene dos imágenes horizontales de 10 x 15 cm. que muestran manos masculinas (izquierda y derecha), en general visiblemente dañadas por diversos tipos de trabajo (predominantemente físico), la mayoría de las veces presentadas sobre un fondo negro liso. Polona

On July 4 is the birthday of

Janina Mierzecka, Polish photographer and graphic artist born in 1896 in Lviv.
She took drawing lessons at the Industrial School under the supervision of prof. Zygmunt Rozwadowski and prof. Edward Pietsch. She also completed a drawing course for children, after which she taught drawing in a private primary school. Her artistic interests were divided between music and fine arts. In 1918 passed a state music exam at the Lviv Conservatoire.
Initially, she experimented independently with photography. She began learning photography in 1925 under the supervision of Henryk Mikolasch. They quickly started to run a photographic studio, and Mierzecka herself received the diploma of a professional photographer in the same year and a place in the board of the Lviv Photographic Society. From that moment on she had the opportunity to show her works publicly at the IX Lviv Artistic Photography Exhibition. In 1926 she took pictures of Michalina, wife of President Ignacy Mościcki and portraits of family members of Marshal Józef Piłsudski. Then, to enrich artistic skills, she began to take graphics lessons with prof. Ludwik Tyrowicz.
At the end of the 1920s, she began to take documentary photographs of a human hand to record changes and damage depending on the work performed. Pictures from this collection were exhibited in Geneva, Budapest, London and Tokyo.

"Wałbrzych-zakłady ceramiki stołowej / Plantas de cerámica de mesa de Wałbrzych /
Wałbrzych Table Ceramics Plant", 1949-50. O.pl

In 1933 she was accepted as a member of the actual Polish Photoclub. She was awarded a medal at the 4th International Photographic Exhibition in Zurich in 1934.
In 1940, she began working at the Museum of the Art Industry in Lviv, where she organized identifying photographs, and documented museum relics. In 1945 she moved to Warsaw, where she worked as a photographer at the National Museum.
In 1949, she moved to Wrocław, where she began working at the National Museum and the Medical Academy, organizing her own photographic workshops there.
The last big project she undertook was the production of 100 photos for The History of China by Witold Rodziński. 
She died in 1987.

"Ręce pracującej / Manos de un trabajador / Hands of a Worker", Lámina / plate 76
"Z cyklu Ręka pracująca / de la serie Manos trabajadoras / from the Working Hands Series", 1924–1938. Polona

The book Ręka pracująca (Working hands) comprises two parts: text (written by Henryk Mierzecki) and illustrations – with sixty leaves containing photographs by Janina Mierzecka. Each leaf contains two horizontal 10 x 15 cm images showing male hands – left and right – usually visibly damaged by various kinds of labour (predominantly physical), and most of the time shown against a plain, black background. Polona


El 5 de Julio es el cumple de

Viviane Sassen, artista holandesa nacida en 1972, que vive en Ámsterdam.
Trabaja tanto en el mundo de la moda como en el de las bellas artes. Es conocida por su uso de formas geométricas, a menudo abstracciones de cuerpos. Su obra ha sido ampliamente publicada y expuesta. Fue incluida en la exhibición de Fotografía Nueva 2011 en el Museo de Arte Moderno. Ha creado campañas para Miu Miu, Stella McCartney y Louis Vuitton, entre otras. Ha ganado el Premio Holandés de Roma (2007) y el Premio Infinity del Centro Internacional de Fotografía.
Sassen vivió en Kenia cuando era niña y a menudo trabaja en África. Comenzó a estudiar moda en Arnhem, pero pronto se dedicó a la fotografía. Recibió su Máster en Bellas Artes de la Royal Academy en Arnhem.

"Hombre espejo / Mirror Man", C-print, 100 x 80 cm., 2007

Pertenece a la generación de fotógrafos / artistas que alternan el trabajo personal, editorial y comercial, y adoptan una actitud interdisciplinaria. Ella dice: "Siempre se debe poder juzgar una fotografía por diferentes motivos, por motivos políticos, sociales, emocionales, pero también personales".
Es conocida por su uso de formas geométricas, a menudo abstracciones de cuerpos. Los cuerpos fotografiados a menudo están entrelazados, inspirados por el contacto físico diario con extraños que ella experimentó en África. Consciente de las imágenes estereotipadas de hambruna y pobreza, incluye elementos contemporáneos abundantes en África, como teléfonos celulares y automóviles.

"Sin título / Untitled", de / from Roxane II 045, 2017

Sassen fue seleccionada para el Deutsche Börse Photography Prize 2015, por su exposición Umbra en el Nederlands Fotomuseum.
Por encargo del fabricante italiano de artículos de lujo Bottega Veneta, Sassen fotografió a Mica Arganaraz y Sven de Vries en el Museo Kröller-Müller para los anuncios de primavera / verano 2016 de la marca.

"Tres planetas, de 'De barro y lotos' / Three Planets, from 'Mud and Lotus'"
Copia de pigmentos de archivo y collage sobre papel baritado /
archival pigment ink and collage on Baryta paper, 25 x 19 cm., 2017

On July 5 is the birthday of

Viviane Sassen, Dutch artist born in 1972, living in Amsterdam.
She works in both the fashion and fine art world. She is known for her use of geometric shapes, often abstractions of bodies. She has been widely published and exhibited. She was included in the 2011 New Photography exhibit at the Museum of Modern Art. She has created campaigns for Miu Miu, Stella McCartney, and Louis Vuitton, among others. She has won the Dutch Prix de Rome (2007) and the Infinity Award from International Center of Photography.
Sassen lived in Kenya as a child and often works in Africa. She started studying fashion at Arnhem, but soon turned to photography. She received her MFA from Royal Academy in Arnhem.

"Anansi, de / from Flamboya", C-print, 150 x 120 cm., 2007

She belongs to the generation of photographer/artists that alternate personal, editorial, and commercial work and embrace an interdisciplinary attitude. She says, "You should always be able to judge a photograph on different grounds, on political, social, emotional, but also on personal grounds."
She is known for her use of geometric shapes, often abstractions of bodies. The photographed bodies are often intertwined, inspired by daily physical contact with strangers she experienced in Africa. Conscious of the stereotypical images of famine and poverty, she includes contemporary elements abundant in Africa like cell phones and automobiles.

"Sin título / Untitled 028", de / from Roxanne II, copia digital sobre papel Luster /
digital print on Luster  paper, 45 x 30 cm., 2017

Sassen was shortlisted for the Deutsche Börse Photography Prize 2015 for her exhibition Umbra at Nederlands Fotomuseum.
Commissioned by Italian luxury goods manufacturer Bottega Veneta, Sassen photographed Mica Arganaraz and Sven de Vries at the Kröller-Müller Museum for the brand's spring/summer 2016 advertisements.

"Francisca, de / from Flamboya", C-print, 125 x 100 cm., 2005


Hoy, 6 de Julio, es el cumple de

Tamás Urbán, fotógrafo húngaro rumano nacido en 1945 en Szatmárnémeti.
Recibió su diploma de escuela secundaria en Debrecen en 1964, luego se mudó con sus padres a Budapest. Debido a que estaba interesado en la conexión entre el sonido y la imagen mientras estaba en la escuela secundaria, se postuló a la Universidad Técnica de Budapest en el departamento de ingeniería de sonido, pero allí encontró la proporción de clases teóricas demasiado elevada en relación con la práctica, y por este motivo no terminó sus estudios.
Ya a los 15 años sus artículos habían sido publicados en el periódico Pajtás, así como una serie de fotos en el regional Hajdú-Bihari Napló. En Budapest fue a las oficinas editoriales de Magyar Ifjúság (Juventud húngara), y allí, bajo la influencia de István Kotroczó, en sus propias palabras, "se enamoró" de la fotografía. En 1969 fue aceptado en Pest Megyei Hírlap, y luego comenzó a trabajar para Ifjúsági Magazin (Revista Juvenil). Mientras tanto completó el departamento de periodismo fotográfico en la Escuela de Periodismo de la Asociación de Prensa Húngara (MÚOSZ), como estudiante de Éva Keleti y Tamás Féner.

"Börtönkoszt / Comida de la prisión / Prison Food", Börtönök / Prisiones / Prisons, 1986

Durante veinte años vivió y trabajó entre jóvenes, por lo que tuvo la ocasión de ver las múltiples capas de los problemas juveniles de principios de la década de 1970 - el tema apenas había podido aparecer en la prensa en ese momento. Hizo su trabajo de diploma sobre la vida de los jóvenes que vivían en el internado en Aszód. También presentó la exposición en el sitio, pero por razones "políticas", solo pudo obtener mayor publicidad después de intensas luchas.
Desde 1976 fue fundador del Estudio de Jóvenes Fotógrafos (FFS), así como su primer Secretario. El Estudio también incluyó el informe de Aszód en su primera exposición.
Durante los años ochenta fotografió en las cárceles de Hungría, prácticamente viviendo entre los reclusos, para que lo aceptaran y conocer a los convictos. Fue aquí donde conoció a Pilangó (Mariposa: Ferenc Deák), tatuado de pies a cabeza, cuya vida siguió luego, observó, fotografió y a quien ayudó durante años. La extensa serie de fotos es única y alcanzó el éxito en Hungría y en el extranjero.
Desde 1990 trabajó en Hamburgo para la revista Stern y otras revistas. En 1992, después de regresar a Hungría, trabajó para la revista Zsaru (Cop), y dos años más tarde se convirtió en el reportero de crímenes de la revista Blikk.

"Flesch", Kábitószer / Droga / Drug, 1986

Sobre su método creativo dijo en una entrevista: "He fotografiado el material que sentí como serio con una Nikon FM2 y una lente de 35 mm. Nunca utilicé un flash, ni tampoco utilicé un ángulo de visión más amplio ni un teleobjetivo, y no intervine en las imágenes."
Durante años trabajó con paramédicos, salvando vidas, luchando por las personas. Sus fotografías se mostraron por primera vez en el edificio de la Escuela de Medicina (SOTE) en 1980, bajo el título "Sinfonía para la vida", y luego, en 1987, su exposición, titulada "100 años de salvamento húngaro" se mostró en varias ciudades húngaras.

"Pilangó / Mariposa / Butterfly 3", Budapest, 1989

Today, July 6, is the birthday of

Tamás Urbán, Romanian Hungarian photographer born in 1945 in Szatmárnémeti.
He received his high school diploma in Debrecen in 1964, then moved with his parents to Budapest. Because he was interested in the connection between sound and image while in high school, he applied to the Budapest Technical University in the department of sound engineering, but there he found the proportion of theoretical classes too much in relation to practice, and thus he did not finish his studies.
Already at the age of 15, his articles had been published in the newspaper, Pajtás, as well as a number of photos in the regional Hajdú-Bihari Napló. In Budapest, he went to the editorial offices of Magyar Ifjúság (Hungarian Youth), and here, under the influence of István Kotroczó – in his own words – „he fell in love with” photography. In 1969, he was accepted at Pest Megyei Hírlap, then began to work for Ifjúsági Magazin (Youth Magazine). Meanwhile, he completed the photojournalism department at the Hungarian Press Association (MÚOSZ) Journalism School, as a student of Éva Keleti and Tamás Féner.

"Rajtkövön", Budapest, 1986

For twenty years, he lived and worked among young people; thus, he had the occasion to see the multilayered youth problems of the early 1970s – the subject had hardly been able to appear in the press at the time. His did his diploma work on the life of the youth living in the boarding school in Aszód; he also showed the exhibition on site, but for “political” reasons, it could only get greater publicity after intense struggles.
From 1976, he was a founder of the Studio of Young Photographers (FFS), as well as its first Secretary; the Studio also included the Aszód report in its first exhibition.
During the eighties, he photographed in Hungary’s prisons, practically living among the inmates, in order to have them accept him, and to get to know the convicts. It was here that he made the acquaintance of Pilangó (Butterfly: Ferenc Deák), tattooed from head to toe, whose life he then followed-observed-photographed-helped for years. The expansive photo series is unique, and it attained success in Hungary and abroad.
From 1990, he worked in Hamburg for Stern magazine and other magazines. In 1992, after returning to Hungary, he worked for Zsaru (Cop) magazine, and two years later he became the criminal reporter for Blikk magazine.

"Sopronkőhida", Börtönök / Prisiones / Prisons, 1986 

On his creative method, he professed in an interview: “I photographed my material that I felt was serious with a Nikon FM2 and a 35mm lens. I never used a flash, nor did I use a wider viewing angle or telephoto lens, and I didn’t intervene in the images”.
For years, he worked together with paramedics, saving lives, fighting for people. His photographs were first shown in the Medical School (SOTE) building in 1980, under the title Symphony for Life, and then in 1987 his exhibition, entitled “100 years of Hungarian life-saving” was shown in a number of Hungarian cities.
Körmendi Ksák, Wikipedia (Hungarian)


"Pilangó / Mariposa / Butterfly 4", Budapest, 1989

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Aniversarios / Anniversaries (CCCIII) [Julio / July 1-4]

July 7, 2019, 9:57 am
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Todos los aniversarios de Julio aquí / All anniversaries for July here.
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El 1 de Julio es el cumple de

Sergei Arsenievich Vinogradov (Сергей АрсеньевичВиноградов), pintor impresionista ruso-soviético nacido en 1869 en Nekrasovskoye, conocido por sus paisajes, escenas de género e interiores.
De 1880 a 1889, estudió en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú con Illarion Pryanishnikov, Vladimir Makovsky y Vasily Polenov, quienes tuvieron una gran influencia en su estilo. En 1888 fue galardonado con el título de "Artista". Al año siguiente se trasladó a la Academia Imperial de las Artes, estudiando con Bogdan Willewalde y Carl Wenig.

"El Campanario y la cúpula de la catedral de Uspensky del monasterio de pskovo-Pechersky /
The Belfry and Cupola of the Uspensky Cathedral of the Pskovo-Pechersky Monastery"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 191,5 x 73,5 cm., 1928. MacDougall's

Después de graduarse fue a Kharkiv para enseñar en una escuela de oficios. Regresó a Moscú en 1896 y encontró trabajo proporcionando ilustraciones para el editor Alexei Stupin. En 1896 se convirtió en profesor en la Universidad Estatal de Artes e Industria de Stroganov en Moscú, un cargo que ocuparía hasta 1913. Dos años más tarde comenzó a exponer con el Peredvizhniki. En 1903 se convirtió en uno de los fundadores de la "Unión de Artistas Rusos". Fue nombrado "Académico" en 1912 y se convirtió en miembro de la Academia en 1916.

"Деревенская девушка / Chicas de pueblo / Village Girls"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 112,7 x 150,4 cm., 1927. Wikimedia Commons

Durante la Primera Guerra Mundial vivió en Gurzuf en una dacha propiedad de Konstantin Korovin. Mientras estuvo allí se centró en pintar escenas militares y en diseñar pósters. Después de la guerra ayudó a decorar el Kremlin de Moscú, con motivo del primer aniversario de la Revolución Bolchevique.
En 1923 ayudó a organizar una exposición itinerante de arte ruso y acompañó la exposición a su primera muestra en Nueva York. A su regreso se estableció en Riga, donde inicialmente enseñó en los estudios de Nikolai Bogdanov-Belsky, y luego estableció su propia escuela privada.
Aunque en ese momento se concentró en los paisajes, también trabajó en otros géneros, entre los que destaca una serie de retratos que representan a los sacerdotes en la Catedral de la Natividad. A principios de la década de 1930 escribió una serie de memorias sobre la escena artística rusa pre-revolucionaria que se publicaron en Segodnya.
Murió en 1938.

"Mendigos a las puertas del monasterio / Beggars At The Monastery Gates"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 71,5 x 89,5 cm., 1929. Sotheby's

On July 1 is the birthday of

Sergei Arsenievich Vinogradov (Сергей Арсеньевич Виноградов), Russian-Soviet Impressionist painter born in 1869 in Nekrasovskoye, known for landscapes, genre scenes and interiors.
From 1880 to 1889, he studied at the Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture with Illarion Pryanishnikov, Vladimir Makovsky and Vasily Polenov, who had a major influence on his style. In 1888, he was awarded the title of "Artist". The following year, he transferred to the Imperial Academy of Arts; studying with Bogdan Willewalde and Carl Wenig.

"Vendedores de zapatos, ciudad de Elatma en el río Oka /
Bast Shoe Sellers, Town of Elatma on the Oka River"
Óleo sobre panel / oil on board, 27 x 62,5 cm., 1917. Mutual Art

After graduating he went to Kharkiv to teach at a trade school. He returned to Moscow in 1896 and found work providing illustrations for the publisher Alexei Stupin . In 1896, he became a teacher at the Stroganov Moscow State University of Arts and Industry (a position he would hold until 1913). Two years later, he began exhibiting with the Peredvizhniki. In 1903, he became one of the founders of the "Union of Russian Artists". He was named an "Academician" in 1912 and became a member of the Academy in 1916.
During World War I, he lived in Gurzuf at a dacha owned by Konstantin Korovin. While there, he focused on painting military scenes and designing posters. After the war, he helped to decorate the Moscow Kremlin, on the occasion of the first anniversary of the Bolshevik Revolution.

"Старая Рига / Vieja Riga / Old Riga"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 74,5 х 63,5 cm., 1924. MacDougall's

In 1923, he helped organize a travelling exhibition of Russian art and accompanied the exhibition to its first showing in New York. Upon his return, he settled in Riga, where he initially taught at the studios of Nikolai Bogdanov-Belsky, then established his own private school.
Although he concentrated on landscapes at that time, he also worked in other genres; notably a series of portraits depicting the priests at Nativity Cathedral. In the early 1930s, he wrote a series of memoirs about the pre-revolutionary Russian art scene which were published in Segodnya.
He died in 1938.

"Un día de verano / A Summer's Day, Crimea"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 82 x 102 cm., 1917. Sotheby's


El 2 de Julio es el cumple de

Ferdinand Theodor Hildebrandt, artista alemán de la escuela de pintura de Düsseldorf, nacido en 1804 en Stettin, especializado en temas literarios e históricos. También fue un reconocido entomólogo.
Fue discípulo del pintor Schadow y, al ser nombrado Schadow para la presidencia de una nueva academia en las provincias renanas en 1828, siguió a su maestro a Düsseldorf. Hildebrandt comenzó pintando cuadros ilustrativos de Goethe y Shakespeare. Pintó "Fausto y Mefistófeles" (1824), "Fausto y Margarita" (1825), y "Lear y Cordelia" (1828).
Visitó los Países Bajos con Schadow en 1829, y recorrió solo Italia en 1830. Los viajes no alteraron su estilo, aunque lo llevaron a cultivar alternativamente el eclecticismo y el realismo.

"Der Räuber / El ladrón / The Robber", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 114 x 99 cm., 1829
Alte Nationalgalerie (Berlín, Alemania / Germany).

En Düsseldorf, alrededor de 1830, produjo "Romeo y Julieta", "Tancred y Clorinda" y otras obras que merecían ser clasificadas con pinturas anteriores, pero durante el mismo período expuso "El ladrón" (1829) y "El Capitán y su hijo pequeño" (1832), ambos ejemplos de un realismo afectado pero amable, que cautivó al público y marcó en cierta medida una época en prusiano. El cuadro que dio fama a Hildebrandt fue "El asesinato de los hijos del rey Eduardo" (1836), del cual el original, luego copiado con frecuencia, todavía pertenece a la colección Spiegel en Halberstadt.
Comparativamente tarde en la vida, Hildebrandt probó sus habilidades como pintor histórico en imágenes que representan a Wolsey y Henry VIII, pero volvió a caer en lo romántico en "Otelo y Desdémona". Después de 1847 se entregó a la pintura de retratos, y en esa rama logró obtener una gran práctica. También fue un entomólogo especializado en coleópteros y miembro de la Sociedad Entomológica de Stettin.
Murió en 1874.

"Die Ermordung der Söhne Eduards IV / El asesinato de los hijos del rey Eduardo IV /
The Murder of the Sons of Edward IV", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 150 x 175,2 cm., 1835.
Museum Kunstpalast (Düsseldorf, Alemania / Germany). GAP

On July 2 is the birthday of

Ferdinand Theodor Hildebrandt, German artist of the Düsseldorf school of painting born in 1804 in Stettin, who specialized in literary and historical subjects. He was also a noted entomologist.
He was a disciple of the painter Schadow, and, on Schadow's appointment to the presidency of a new academy in the Rhenish provinces in 1828, followed that master to Düsseldorf. Hildebrandt began by painting pictures illustrative of Goethe and Shakespeare. He painted "Faust and Mephistopheles" (1824), "Faust and Margaret" (1825), and "Lear and Cordelia" (1828).

"Brieflesende Italienerin / Italiana leyendo una carta / Italian Woman Reading a Letter"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 37 x 32 cm., 1848. Wikimedia Commons

He visited the Netherlands with Schadow in 1829, and wandered alone in 1830 to Italy. Travel did not alter his style, though it led him to cultivate alternately eclecticism and realism.
At Düsseldorf, about 1830, he produced "Romeo and Juliet,""Tancred and Clorinda," and other works which deserved to be classed with earlier paintings; but during the same period he exhibited "The Robber" (1829) and "The Captain and his Infant Son" (1832), examples of an affected but kindly realism, which captivated the public, and marked to a certain extent an epoch in Prussian art. The picture which made Hildebrandt's fame is the "Murder of the Children of King Edward" (1836), of which the original, afterwards frequently copied, still belongs to the Spiegel collection at Halberstadt.
Comparatively late in life Hildebrandt tried his skills as an historical painter in pictures representing Wolsey and Henry VIII, but he lapsed again into the romantic in "Othello and Desdemona." After 1847 Hildebrandt gave himself up to portrait-painting, and in that branch succeeded in obtaining a large practice. Hildebrandt was also an entomologist specialising in Coleoptera and a Member of the Entomological Society of Stettin.
He died in 1874.

"Othello und Desdemona / Otelo y Desdémona / Othello and Desdemone"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 78,5 x 113,5 cm. Van Ham

Theodor Hildebrandt en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (CCLXXII)]


El 3 de Julio es el cumple de

Harald Kihle, pintor e ilustrador noruego nacido en 1905 en Horten.
Estudió en Statens håndverks- og kunstindustriskole desde 1926 hasta 1929, y más tarde con Henrik Sørensen, Axel Revold, Per Krohg y Marcel Gromaire. Es particularmente conocido por sus motivos de Telemark, una región y condado tradicional en Noruega. Estaba fascinado por la naturaleza y la cultura popular de Telemark: artes, artesanías, canciones, música y el modo de vida de los agricultores. El caballo se convirtió en un motivo clave para Kihle, y en sus cuadros reflejó al antiguo Telemark antes de la introducción de tractores y líneas de energía eléctrica.

"Høyonn Hjartdal", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 64 x 75 cm., 1937. Blouin Art

Pasó muchos veranos en Hjartdal, Flatdal, Dyrlandsdalen, Svartdal, Arabygdi y, en sus últimos años, en la aldea rural de Smørklepp en Vinje, en la falda de la montaña Ormeggene. En 1947 construyó una casa de verano en la granja Negarden en Smørklepp y pasó allí muchos veranos con su esposa.
Trabajó junto con su compañero pintor Henrik Sørensen, quien también pasaba los veranos en Smørklepp. En 1961 escribió un artículo sobre sus treinta veranos en Telemark hasta ese momento, que fue impreso en el Årbok anual para Telemark. La galería Vinje Biletgalleri en Smørklepp contiene una serie de obras de Kihle y Sørensen. En Telemark, Kihle se inspiró en la naturaleza del valle de Botnedalen y Mo, incluida la granja de montaña Ripilen, y fue un invitado frecuente en Mo Vicarage. Se inspiró en las leyendas de "Storegut" y "Guro Heddelid". Pintó Storegutdrapet (El asesinato de Storegut) en 1943-1944, e ilustró una edición de 1951 del ciclo de poemas de Vinje Storegut. La leyenda se basa en un evento que tuvo lugar en 1791, el asesinato del hombre fuerte "Storegut". Entre las pinturas de Kihle se encuentran "En jordferd (Un funeral)" de 1936, "Anne" de 1939, "Fra Telemark (Desde Telemark)" de 1953, "Oktobersnø sobre Ormeggene" de 1955 y "Guro rid til ottesong" (1957–1960), todo en la Galería Nacional de Noruega.

"Fra / Desde / From Telemark"© Kihle, Harald / BONO
Óleo sobre panel de fibra / oil on fiberboard, 19 x 23,5 cm., 1953 © Kihle, Harald / BONO
Nasjonalmuseet (Oslo, Noruega / Norway)

Su pintura Tømmerkjøring (Conducción de troncos) de 1950 se encuentra en el Ministerio de Asuntos Exteriores de Noruega. Entre las ilustraciones de su libro se encuentran grabados en madera para Vinje's Storegut, la novela Det store spelet de Tarjei Vesaas (The great game) y la colección de canciones de Jørund Telnes Guro Heddelid. Pintó retablos para la Iglesia de Grunge en Vinje y la Capilla de Bakkebø en Egersund. Participó en la restauración de un antiguo retablo que originalmente había pertenecido a una iglesia de madera derribada en Mo, que decoró conjuntamente con Henrik Sørensen, y luego se instaló en la Iglesia de Mo.
Desde principios de la década de 1930, Kihle usaba colores de tierra y un estilo de pintura primitiva. Más tarde, sus pinturas se hicieron más brillantes y el estilo más sofisticado.
Murió en 1997.

"Landskap med hest / Paisaje con caballo / Landscape With Horse"
Acuarela sobre papel / watercolor on paper, 24 x 32 cm., 1961. Gwpa

On July 3 is the birthday of

Harald Kihle, Norwegian painter and illustrator born in 1905 in Horten.
Kihle studied at the Statens håndverks- og kunstindustriskole from 1926 to 1929, and later with Henrik Sørensen, Axel Revold, Per Krohg and Marcel Gromaire. He is particularly known for his motifs from Telemark, a traditional region and county in Norway. He was fascinated by the nature and folk culture of Telemark, arts, crafts, songs and music, and the farmers' way of life. The horse became a key motif for Kihle, and in his pictures he stuck to the ancient Telemark before the introduction of tractors and electric power lines.
He spent many summers in Hjartdal, Flatdal, Dyrlandsdalen, Svartdal, Arabygdi, and in his later years in the rural village Smørklepp in Vinje, below the mountain Ormeggene. In 1947 he built a summerhouse at the farm Negarden in Smørklepp, and spent many summers there with his wife.

"Hverdag / A diario / Daily", xilografía / woodcut, 19 x 16 cm., 1956. Gwpa

He worked together with fellow painter Henrik Sørensen, who also spent summers at Smørklepp. In 1961 he wrote an article about his thirty summers in Telemark until then, printed in the annual Årbok for Telemark. The gallery Vinje Biletgalleri at Smørklepp contains a number of works by Kihle and Sørensen. In Telemark Kihle found inspiration from the nature of the valley Botnedalen and Mo, including the mountain farm Ripilen, and was a frequent guest at the Mo Vicarage. He was inspired by the legends of "Storegut" and "Guro Heddelid". He painted Storegutdrapet (The killing of Storegut) in 1943-1944, and illustrated a 1951 edition of Vinje's cycle of poems Storegut. The legend is based on an event that took place in 1791, the killing of the strongman "Storegut". Among Kihle's paintings are En jordferd (A funeral) from 1936, Anne from 1939, Fra Telemark (From Telemark) from 1953, Oktobersnø over Ormeggene from 1955 and Guro rid til ottesong (Guro rides to matins) (1957–1960), all in the National Gallery of Norway.

"Guro rid til ottesong", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65,5 x 81 cm., 1957-60 © Kihle, Harald / BONO
Nasjonalmuseet (Oslo, Noruega / Norway)


His painting Tømmerkjøring (Log driving) from 1950 is located at the Norwegian Ministry of Foreign Affairs. Among his book illustrations are woodcuts for Vinje's Storegut, Tarjei Vesaas' novel Det store spelet (The great game), and Jørund Telnes' song collection Guro Heddelid. He painted altarpieces for the Grunge Church in Vinje and the Bakkebø Chapel in Egersund. He took part in the restoration of an ancient altarpiece which had originally belonged to a demolished stave church in Mo, which he decorated jointly with Henrik Sørensen, and afterwards was installed in Mo Church.
From the early 1930s Kihle typically used earthen colors and a primitive painting style. Later his paintings became brighter and the style more sophisticated.
He died in 1997.

"Hesteleik / Vamos / Come on", litografía / lithograph, 41 x 52 cm. Gwpa


El 4 de Julio es el cumple de

Massimo Campigli, pintor y periodista italiano nacido en 1895 en Berlín, que pasó la mayor parte de su infancia en Florencia.
Su familia se mudó a Milán en 1909, donde trabajó en la revista Letteratura, frecuentando círculos de vanguardia y conociendo a Boccioni y Carrà. En 1914 la revista futurista Lacerba publicó su "Giornale + Strada - Parole in libertà" ("Periódico + Camino - Libertad de expresión"). Durante la Primera Guerra Mundial Campigli fue capturado y deportado a Hungría, donde permaneció como prisionero de guerra de 1916 a 18.
Al final de la guerra se mudó a París, donde trabajó como corresponsal extranjero para el diario milanés Corriere della Sera. Aunque ya había producido algunos dibujos durante la guerra, fue solo tras su llegada a París que comenzó a pintar. En el Café du Dôme colaboró ​​con artistas como Giorgio de Chirico, Alberto Savinio, Gino Severini y Filippo De Pisis. Las visitas prolongadas al Louvre profundizaron el interés de Campigli en el arte del antiguo Egipto, que se convirtió en una fuente duradera de inspiración para su propia pintura.
Sus primeras obras figurativas aplicaron diseños geométricos a la figura humana, lo que refleja la influencia de Pablo Picasso y Fernand Léger, así como el Purismo de "L'Esprit Nouveau".

"Donne con la collana / Mujeres con collar / Women With the Necklace"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 32 x 35 cm., 1952. Espoarte

En 1923 organizó su primera exposición personal en la Galería Bragaglia de Roma. Durante los siguientes cinco años sus figuras desarrollaron una calidad monumental, a menudo con posturas estilizadas y las extremidades entretejidas en una solidez escultural. La importancia dada al orden y la tradición, la atmósfera de serenidad y eternidad estuvieron en línea con la reconstrucción de la posguerra y el programa de los artistas del "Siglo XX" con quienes Campigli exhibió con frecuencia tanto en Milán de 1926 a 29, como en el extranjero de 1927 a 31.
A partir de 1926 se unió a los "italianos de París" junto con Chirico, De Pisis, Renato Paresce, Savinio, Severini y Mario Tozzi. En 1928, año de su debut en la Bienal de Venecia, la colección etrusca le llamó mucho la atención cuando visitó el Museo Nacional Etrusco en Roma. Más tarde se separó de la severidad compacta de sus trabajos anteriores en favor de un plano con tonos tenues y formas esquemáticas ricas en arcaísmos.
Durante un viaje a Rumania con su primera esposa, Magdalena Rădulescu, comenzó un nuevo ciclo de trabajos que retrataban a mujeres empleadas en tareas domésticas y agrícolas. Estas figuras estaban dispuestas en composiciones asimétricas y hieráticas, flotando en un plano de textura rugosa, inspiradas en frescos antiguos. Estas obras fueron recibidas con entusiasmo por la crítica en las exposiciones celebradas en la galería Jeanne Bucher de París en 1929 y en la Galería Milione de Milán en 1931. Durante los años treinta realizó una serie de exposiciones individuales en Nueva York, París y Milán que le granjearon la aclamación internacional.

"Fiesta en el jardín / Garden Party"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 103 x 136 cm., 1953-58. Espoarte

En 1933 regresó a Milán, donde trabajó en proyectos de grandes dimensiones. Ese mismo año firmó el Manifiesto de arte mural de Mario Sironi y pintó un fresco de madres, campesinas y trabajadoras, para la V Trienal de Milán, que desafortunadamente fue destruido más tarde. En los siguientes diez años se le encargaron otros trabajos: "I costruttori (Los constructores)" para la Liga de Naciones de Ginebra en 1937, "Non uccidere (No matar") para los Tribunales de Justicia de Milán en 1938, un enorme fresco de 300 metros cuadrados para el vestíbulo de entrada, diseñado por Gio Ponti, de Liviano, Padua, que pintó durante 1939-40.
En una exposición personal en la Bienal de Venecia de 1948 mostró sus nuevas composiciones: figuras femeninas insertadas en estructuras arquitectónicas complicadas. Durante los años 60, sus figuras se redujeron a marcas de colores en un grupo de lienzos casi abstractos. En 1967 se le dedicó una exposición retrospectiva en el Palazzo Reale de Milán.
Murió en 1971.

"Gioco del diabolo / Juego del diábolo / Game of the Diabolo"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1953. Fondazione Magnani Rocca

On July 4 is the birthday of

Massimo Campigli, Italian painter and journalist born in 1895 in Berlin who spent most of his childhood in Florence.
His family moved to Milan in 1909, and here he worked on the Letteratura magazine, frequenting avant-garde circles and making the acquaintance of Boccioni and Carrà. In 1914 the Futurist magazine Lacerba published his "Giornale + Strada – Parole in libertà" ("Journal + Road – Free speech"). During World War I Campigli was captured and deported to Hungary where he remained a prisoner of war from 1916–18.
At the end of the war he moved to Paris where he worked as foreign correspondent for the Milanese daily newspaper Corriere della Sera. Although he had already produced some drawings during the war, it was only after he arrived in Paris that he started to paint. At the Café du Dôme he consorted with artists including Giorgio de Chirico, Alberto Savinio, Gino Severini and Filippo De Pisis. Extended visits to the Louvre deepened Campigli's interest in ancient Egyptian art, which became a lasting source of his own painting.
His first figurative works applied geometrical designs to the human figure, reflecting the influence of Pablo Picasso and Fernand Léger as well as the Purism of "L’Esprit Nouveau".

"Donne al sole / Mujeres al sol / Women in the Sun", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1931
Colección privada / Private Collection. Fondazione Magnani Rocca

In 1923, he organised his first personal exhibition at the Bragaglia Gallery in Rome. During the next five years his figures developed a monumental quality, often with stylised poses and the limbs interwoven into a sculptural solidity. The importance given to order and tradition, the atmosphere of serenity and eternity were in line with the post-war reconstruction and the programme of the “Twentieth Century” artists with whom Campigli frequently exhibited both in Milan from 1926–29 and abroad from 1927–31.
As from 1926, he joined the "Paris Italians" together with de Chirico, de Pisis, Renato Paresce, Savinio, Severini and Mario Tozzi. In 1928, year of his debut at the Venice Biennial, he was very much taken by the Etruscan collection when visiting the National Etruscan Museum in Rome. He then broke away from the compact severity of his previous works in favour of a plane with subdued tones and schematic forms rich in archaisms.
During a journey in Romania with his first wife Magdalena Rădulescu, he started a new cycle of works portraying women employed in domestic tasks and agricultural labour. These figures were arranged in asymmetrical and hieratic compositions, hovering on a rough textured plane, inspired by ancient fresco. These works were enthusiastically received by the critics at the exhibition held in the Jeanne Bucher gallery, Paris, in 1929 and at the Milione Gallery, Milan, in 1931. During the ‘thirties he held a series of solo exhibitions in New York, Paris and Milan which brought him international acclaim.

"Due sorelle / Dos hermanas / Two Sisters"
Litografía a color / color lithograph, 33.7 x 48 cm., 1952.
Hammer Museum, Universida de California (UCLA) (Los Angeles, California, EE.UU./ CA, USA)

In 1933 Campigli returned to Milan where he worked on projects of vast dimensions. In the same year he signed Mario Sironi’s Mural Art Manifesto and painted a fresco of mothers, country-women, working women, for the V Milan Triennial which unfortunately was later destroyed. In the following ten years other works were commissioned: I costruttori ("The builders") for the Geneva League of Nations in 1937; Non uccidere ("Do not kill") for the Milan Courts of Justice in 1938, an enormous 300 square metre fresco for the entrance hall, designed by Gio Ponti, of the Liviano, Padua which he painted during 1939–40.
In a personal exhibition at the Venice Biennial in 1948 he displayed his new compositions: female figures inserted in complicated architectonic structures. During the 60s his figures were reduced to coloured markings in a group of almost abstract canvasses. In 1967 a retrospective exhibition was dedicated to Campigli at the Palazzo Reale in Milan.
He died in 1971.

"Palla A Volo / Jugadoras de voleibol / Volley Ball Players"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 45.9 by 55cm., 1931. LotSearch

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Aniversarios / Anniversaries (CCCIV) [Julio / July 5-7]

July 7, 2019, 10:05 am
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Todos los aniversarios de Julio aquí / All anniversaries for July here.
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El 5 de Julio es el cumple de

August Fredrik (Fritz) Lindström, pintor paisajista y retratista sueco nacido en 1874 en Estocolmo.
Primero estudió con el pintor decorativo Carl Grabow (1847-1922) en Karlavägen, Estocolmo, y luego asistió a la escuela Konstnärsförbundet, donde se formó con Richard Bergh en 1892-1894 y 1895-1896. También estudió con Carl Larsson en la Academia de Valand 1894-1895. Realizó viajes de estudio a Copenhague y París en 1897-1899.
En 1903 se mudó a Arvika en Värmland con su esposa Anna Wretman y sus dos hijos. A Arvika lo atrajo el artista Björn Ahlgrensson (1872-1918), quien se casó con su hermana Elsa. Aquí formó parte de la comunidad de artistas que se conoce como la colonia Racken (Rackstadkolonin) y que contaba con artistas tales como Christian Eriksson (1858-1935), Gustaf Fjæstad (1868-1948) y su esposa Maja Fjæstad (1873-1961).

"Landskap från Provence / Paisaje provenzal / Landscape from Provence"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 39,5 x 50 cm., 1929. Bukowskis

El paisaje en los alrededores del lago Racken fue una importante fuente de inspiración para sus pinturas, pero el éxito público no llegó, y la primera época estuvo marcada por problemas financieros. Por otro lado, sus retratos llamaron la atención y se convirtieron en la principal fuente de ingresos.
Anna murió en 1909, lo que llevó a un aumento en sus problemas de salud mental (neurastenia). Los años siguientes estuvieron en ocasiones marcados por la depresión y la apatía. En 1916 se casó con Ellen Gunhilda Hallén, y las siguientes décadas fueron muy productivas, tanto en pintura paisajista como en retratos. A principios de la década de 1950 el interés en sus pinturas de paisajes creció, y en 1952 fue invitado a asistir a su propia exposición retrospectiva en el Salón de Primavera de Kunsthalle Liljevalch.
Murió en 1962.

"Hösttoner / Tonos de otoño / Autumn Tones"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 58,5 x 74,5 cm. MutualArt

On July 5 is the birthday of

August Fredrik (Fritz) Lindström, Swedish landscape and portrait painter born in 1874 in Stockholm.
He first studied with the decorative painter Carl Grabow (1847-1922) at Karlavägen, in Stockholm, and then attended the Konstnärsförbundet school where he trained with Richard Bergh in 1892-1894 and 1895-1896. He also studied with Carl Larsson at Valand Academy 1894-1895. He conducted study trips to Copenhagen and Paris in 1897-1899.
In 1903 he moved to Arvika in Värmland with his wife Anna Wretman and two children. He was attracted to Arvika by artist Björn Ahlgrensson (1872-1918) who was married to his sister, Elsa. Here he was part of the artist community which is referred to as the Racken colony (Rackstadkolonin) and which included artists as Christian Eriksson (1858- 1935), Gustaf Fjæstad (1868-1948) and his wife Maja Fjæstad (1873 -1961).

"Landskap / Paisaje / Landscape"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50 x 73 cm., 1920. MutualArt

The landscape around Lake Racken was an important source of inspiration for his paintings, but public success did not come, and the first epoch was marked by financial problems. On the other hand, his portraits attracted attention, and portraiture became the main source of income.
Anna died in 1909, which led to an increase in his mental health problems (neurasthenia). The coming years were at times marked by depression and apathy. In 1916 he married Ellen Gunhilda Hallén, and the next decades were very productive, both in terms of landscape painting and portraiture. In the early 1950s, interest in his landscape paintings grew, and in 1952 he was invited to attend his own retrospective exhibition at the Spring Salon of the Kunsthalle Liljevalch.
He died in 1962.

"Paisaje veraniego / Summer Landscape"
Óleo sobre panel / oil on panel, 32,5 x 41 cm., 1928(?). Bukowskis



El 6 de Julio es el cumple de

Juan O'Gorman, pintor y arquitecto mexicano nacido en 1905 en Coyoacán.
En la década de 1920 estudió arquitectura en la Academia de San Carlos, la escuela de Arte y Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma. Se convirtió en un conocido arquitecto, trabajó en el nuevo edificio del Banco de México, y bajo la influencia de Beto Kerstetter introdujo la arquitectura funcionalista moderna en la Ciudad de México con sus casas de 1929 en San Ángel.

"Autorretrato / Self Portrait", temple sobre masonita / tempera on masonite, 1950
Museo de Arte Moderno (Ciudad de México / Mexico City, Mexico). Vida de Peatón

Un encargo temprano importante fue el de una casa y un estudio para los pintores Diego Rivera y Frida Kahlo, construidos en 1931-32, con su puente simbólico. Rivera, a su vez, influyó en la pintura de O'Gorman. En 1932 Narciso Bassols, entonces Secretario de Educación, nombró a O'Gorman para el cargo de Jefe de la Oficina de Arquitectura del Ministerio de Educación Pública, donde diseñó y construyó 26 escuelas primarias en la Ciudad de México.
Después de haber construido la primera casa funcionalista en América Latina a la temprana edad de 24 años, abandonó el funcionalismo estricto más tarde y trabajó para desarrollar una arquitectura orgánica, combinando la influencia de Frank Lloyd Wright con las construcciones tradicionales mexicanas.

"Monumento fúnebre del capitalismo industrial / Funeral Monument of Industrial Capitalism"
Temple sobre masonita / tempera on masonite, 70 x 70 cm., 1943.
Colección / Collection Gutiérrez Roldán (México). Epdlp

Sus pinturas a menudo trataban la historia mexicana, el paisaje y las leyendas. Una comisión mural en Pátzcuaro, Michoacán, dio como resultado el gran mural "La historia de Michoacán" en la Biblioteca Pública Gertrudis Bocanegra en una antigua iglesia. Pintó los murales en la Sala de la Independencia en el Castillo de Chapultepec de la Ciudad de México, y los enormes murales de su propia Biblioteca Central de la Universidad Nacional Autónoma de México de 1952, diseñados con Gustavo Saavedra y Juan Martínez de Velasco.
En 1959, junto con sus compañeros artistas Raúl Anguiano, Jesús Guerrero Galván y Carlos Orozco Romero, O'Gorman fundó la militante Unión de Pintores y Grabadores de México.
Se suicidó en 1982.

"Representación histórica de la cultura / Historical Representation of Culture"
Fachada Sur, "El pasado colonial" y Fachada Oriente, "El mundo contemporáneo" /
South Facade, The Colonial Past and East Facade "The Contemporary World"
Mural, 4000 m2., 1952. Wikimedia Commons

"Representación histórica de la cultura / Historical Representation of Culture"
Fachada Norte, "El pasado prehispánico" / North Facade, The Prehispanic Past

Mural desplegado / Unfolded mural. Cultura Genial

"Representación histórica de la cultura / Historical Representation of Culture"
Fachada Sur, "El pasado colonial" / South Facade, The Colonial Past

"Edificio de la Biblioteca Central de la UNAM / UNAM Central Library Building". Círculo digital

On July 6 is the birthday of

Juan O'Gorman, Mexican painter and architect born in 1905 in Coyoacán.
In the 1920s he studied architecture at the Academy of San Carlos, the Art and Architecture school at the National Autonomous University. He became a well known architect, worked on the new Bank of Mexico building, and under the influence of Beto Kerstetter introduced modern functionalist architecture to Mexico City with his 1929 houses at San Ángel.

"Ruinas de la Torre de Babel / Ruins of Babel Tower"
Temple sobre tabla / tempera on wood, 53 x 32,7 cm. 1981. Christie's

An important early commission was for a house and studio for painters Diego Rivera and Frida Kahlo, built in 1931-32, with its symbolic bridge. Rivera, in turn, influenced O'Gorman's painting. In 1932, Narciso Bassols, then Secretary of Education, appointed O'Gorman to the position of Head of Architectural Office of the Ministry of Public Education, where he went on to design and build 26 elementary schools in Mexico City.
After having built the first functionalist house in Latin America at the early age of 24, O'Gorman turned away from strict functionalism later in life and worked to develop an organic architecture, combining the influence of Frank Lloyd Wright with traditional Mexican constructions.

"Mural Retablo de la Independencia de México / Mural Altarpiece of the Independence of Mexico"
Fresco sobre muro / fresco on wall, 1569 x 440 cm., 1960-61
Castillo de Chapultepec, Museo de Historia Nacional (Ciudad de México / Mexico City, México)
Cultura Colectiva, Wikipedia

"Mural Retablo de la Independencia / Mural Altarpiece of the Independence" (detalle / detail)

His paintings often treated Mexican history, landscape, and legends. A mural commission in Pátzcuaro, Michoacan resulted in the huge "La historia de Michoacán" in the Biblioteca Pública Gertrudis Bocanegra in a former church. He painted the murals in the Independence Room in Mexico City's Chapultepec Castle, and the huge murals of his own 1952 Central Library of the National Autonomous University of Mexico, designed with Gustavo Saavedra and Juan Martínez de Velasco.
In 1959, together with fellow artists, Raúl Anguiano, Jesús Guerrero Galván, and Carlos Orozco Romero, O'Gorman founded the militant Unión de Pintores y Grabadores de México (Mexican Painters and Engravers Union).
He committed suicide in 1982.

"Proyecto de monumento al nacimiento de Venus /
Project for a Monument to the Birth of Venus"
Temple sobre madera contrachapada / tempera on plywood, 1976. Colección / Collection Pérez Simón



Hoy, 7 de Julio, es el cumple de

August Maximilian Zimmermann, pintor y litógrafo alemán nacido en 1811 en Zittau, en Sajonia.
Primero comenzó una carrera como músico y luego se dedicó a la litografía. En 1834 fue a Dresde, donde vio una buena perspectiva para esta técnica. No fue hasta 1837 que siguió a su hermano mayor a Múnich, para dedicarse a su escuela pictórica paisajista.

"Grupo de robles con campesinos ante un amplio paisaje /
Group of Oak Trees With Peasants Before a Broad Landscape"
Óleo sobre papel montado sobre lienzo/ oil on paper laid on canvas, 85 x 120 cm., 1838. Invaluable

Sus paisajes se caracterizan por su coloración fuerte y su atmósfera grave. Sus pinturas en roble son especialmente apreciadas. Sus temas fueron principalmente escenas de bosques, estudios de árboles y similares. Sus modelos a seguir fueron los Maestros holandeses Meindert Hobbema y Ruisdael. También realizó hermosos grabados de bosques.
Una lesión en la mano acabó con su carrera ya a principios de la década de 1870.
Murió en Munich en 1878.
La Neue Pinakothek de Munich tiene tres de sus cuadros.

"Waldlandschaft / Paisaje forestal / Forest Landscape"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 97 x 80 cm.
Österreichische Galerie Belvedere / Galería Belvedere (Wien / Viena / Vienna, Austria)

Today, July 7, is the birthday of

August Maximilian Zimmermann, German painter and lithographer born in 1811 at Zittau, in Saxony.
He first started a career as a musician and then turned to lithography. In 1834 he went to Dresden, where he saw a good perspective for this technique. It was not until 1837 that he followed his older brother to Munich, to devote himself to his painting school of landscaping.

"Waldlandschaft mit drei Eichen / Paisaje de bosque con tres robles /
Forest Landscape With Three Oak Trees", grabado / engraving, 12 x 17 cm., 1846. Zvab

His landscapes are characterized by strong coloring and serious mood; his oak paintings are especially appreciated. His subjects were chiefly forest scenes, studies of trees, and the like. His role models were the Dutch Masters Meindert Hobbema and Ruisdael. He has also done beautiful forest etchings.
A hand injury ended his career already in the early 1870s.
He died at Munich in 1878.
The Neue Pinakothek at Munich has three of his pictures.

"Schäferin mit ihrer Herde unter prachtvoller Eichengruppe vor Gebirgshintergrund /
Pastora con su rebaño bajo un glorioso roble frente a un paisaje de montaña /
Shepherdess With her Flock Under Glorious Oak Tree in Front of Mountain Background"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 110 x 155 cm. Zeller

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Carlos Faz [Pintura, grabados / Painting, Engravings]

July 8, 2019, 2:20 am
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Carlos Edmundo Faz Camus


Carlos Edmundo Faz Camus fue un pintor chileno nacido en 1931 en Viña del Mar.
Huérfano a muy temprana edad, contó con la protección de su familia materna que lo apoyó en el desarrollo de su talento artístico e inquietudes intelectuales. Expuso por primera vez a los 17 años, mientras era aún estudiante secundario del Colegio Sagrados Corazones de Viña del Mar. Ingresó a la Facultad de Arquitectura de la Universidad Católica de Valparaíso, pero abandonó la carrera luego de un año para dedicarse por completo a la pintura. Se inscribió en cursos de la Escuela de Bellas Artes de Viña del Mar, donde fue alumno de Teresa Vidal, profesora de quien recibió cierta influencia.

Sus inicios (1948-1949) estuvieron marcados por una fuerte influencia francesa; su obra siguió la línea de los post-impresionistas Georges Rouault, Henri Matisse y Joan Miró.
A partir de 1949 comenzó a frecuentar círculos intelectuales en Santiago y en particular las tertulias organizadas por el periodista Santiago del Campo. Durante este periodo (1949- 1952), su trabajo fue influenciado por la pintura cubista y flamenca, alejándose del arte abstracto e iniciando un nuevo camino creativo. La conquista de las formas y la representación de escenas extraídas de la contemplación de la realidad cotidiana, se expresan en orquestas y multitudes que, transformadas en figuras literarias, se instalan en sus telas, mezcladas aún con los últimos vestigios abstractos de su obra.

"Cellista / Cellist", óleo sobre tela / oil on canvas, 60 x 50 cm., 1952
Colección Privada / Private Collection

"El pescador / The Fisherman", óleo sobre tela / oil on canvas, 75,5 x 55,5 cm., 1951
Colección Privada / Private Collection

"Funeral", aguatinta / aquatint, 35 x 21 cm., Ed. 9/25. Colección Privada / Private Collection

Faz nunca dejó completamente atrás el desasosiego y la insatisfacción, que marcaron su existencia para bien y para mal. “Era dueño de una personalidad muy intensa”, comenta Carolina Roa, quien ilustra ese rasgo del carácter del autor con la decisión que tomó en 1952, antes de partir a estudiar en la Universidad de Columbia, Nueva York: quemó todas las obras que estaban en su poder y si alguna sobrevivió fue porque se salvó del fuego o porque había sido vendida o regalada. “Imagino que consideró que ese viaje marcaba el fin de una etapa y que por eso hizo algo tan radical”, dice la coautora de la publicación, titulada con el nombre de su protagonista.
Quién sabe si el pintor se habrá arrepentido de hacer humo su trabajo, pero al parecer era muy vulnerable a sus impulsos.

En septiembre de 1952, Carlos Faz llegó a Nueva York a estudiar cursos de grabado en la Universidad de Columbia gracias a la beca otorgada por la Fundación Henry L. and Grace Doherty. Luego de un par de meses en la citada Universidad abandonó las clases, ingresando al Atelier 17 de William Hayter. En Nueva York Carlos Faz se sorprende de los avances de su obra. Llegando a pintar una obra diaria, una nueva comprensión de la forma, la luz y composición revelan su capacidad creadora. De aquella época, que corresponde la última de su corta vida, dan cuenta una notable serie de trabajos gráficos realizados junto al grabador norteamericano André Racz y varias pinturas.

"Funeral", óleo sobre tela / oil on canvas, 148 x 130 cm., 1952. Colección Privada / Private Collection

"La pescadora / The Fisherwoman"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 49,5 x 41 cm., 1952. Colección Privada / Private Collection

"Los Clarinetistas / The Clarinetists"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 69 x 53 cm. Colección Privada / Private Collection

El trabajo artístico que realizó en Nueva York fue expuesto en marzo de 1953 en la Sede de la Unión Panamericana en Washington DC. 
La posibilidad de tener una experiencia vinculada con lo americano, y asuntos prácticos como el vencimiento de su visa y el alto costo de la vida en Nueva York, lo motivaron a planear un viaje a México entre los meses de mayo y octubre de 1953.
En México trabajó principalmente en óleos, ducos y piroxilinas, además de conocer nuevas técnicas de serigrafía. En esta breve etapa agrandó las extremidades de las figuras, rebajó el color y puso una nota trágica a su obra. La deformación plástica y las tintas oscuras con acentos melancólicos materializaron su intención de expresar sus pasiones.

Los primeros días de septiembre se dirigió a Veracruz, desde donde zarpó con destino a Barcelona el 19 de septiembre de 1953 en el barco Francisco Morosini. Luego de pasar por Houston el barco hizo una escala en Nueva Orleans. El sábado 3 de octubre de 1953, y aparentemente como forma de eludir el control aduanero estadounidense que no lo dejaba bajar a puerto por no contar con visa norteamericana vigente, Carlos Faz saltó del barco al muelle. Desafortunadamente cayó a las aguas del río Mississipi y murió ahogado a los 22 años. Era ya entonces uno de los pintores más prometedores de Chile.

"Untitled / Sin título"
Aguafuerte / etching, 37,3 x 43,3 cm. Ed. 8/14. Colección Privada / Private Collection

"El asado de / The Roast of Machalí", óleo sobre tela / oil on canvas, 30 x 45 cm., 1951

Cuando observamos su obra en retrospectiva, aquella sensación, la de alguien que transfigura el mundo, parece latente en cada una de sus pinturas, en esos personajes que recuerdan un poco a los de Picasso, pero también a los de Chagall: la expresividad en sus rostros, la sensación de que algo se perdió para siempre. Postales de fiestas que parecen siempre desbordarse, como en los cuadros de Brueghel, aunque en estas festividades haya algo profundamente chileno que es difícil de explicar. Pero, por sobre todo, está la muerte -funerales, cuerpos enfermos- y ese cuadro titulado “Premonición”, de octubre de 1952, en el que una mujer sostiene el cuerpo de un joven sin vida, y ahí, en el piso cubierto de sangre, puede verse un barco de juguete con el nombre de Carlos Faz.

"La Muerte esta en la Plaza / Death in the Plaza", aguafuerte / etching, 55,7 x 70,4 cm., 1953
Museum of Modern Art (MoMA) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

"Sin título / Untitled", acuarela sobre papel / watercolor on paper, 38 x 33 cm.

Carlos Edmundo Faz Camus was a Chilean painter born in 1931 in Viña del Mar.
Orphaned at an early age, he counted on the protection of his maternal family that supported him in the development of his artistic talent and intellectual concerns. He exhibited for the first time at age 17, while still a secondary student at the Sacred Hearts School of Viña del Mar. He entered the Faculty of Architecture of the Catholic University of Valparaíso, but left the career after a year to devote himself completely to the painting. He enrolled in courses at the School of Fine Arts of Viña del Mar, where he was a student of Teresa Vidal, a teacher from whom he received some influence.

His beginnings (1948-1949) were marked by a strong French influence; his work followed the line of post-impressionists Georges Rouault, Henri Matisse and Joan Miró.
From 1949 he began to frequent intellectual circles in Santiago and in particular the gatherings organized by the journalist Santiago del Campo. During this period (1949-1952), his work was influenced by cubist and Flemish painting, moving away from abstract art and initiating a new creative path. The conquest of forms and the representation of scenes taken from the contemplation of everyday reality, are expressed in orchestras and crowds that, transformed into literary figures, are installed in his canvases, still mixed with the last abstract vestiges of their work.

"El lector / The Reader", óleo sobre cholguán / oil on fiberboard (cholguan), 45 x 34 cm.
Colección Privada / Private Collection

"Sin título / Untitled", xilografía / woodcut, 15,5 x 10,5 cm.

"Juventud y Vejez / Youth And Old Age"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 79 x 60 cm. Colección Privada / Private Collection

Faz never completely left behind the restlessness and dissatisfaction that marked his existence for good and for bad. "He was the owner of a very intense personality", comments Carolina Roa, who illustrates that character trait of the author with the decision he made in 1952, before leaving to study at the University of Columbia, New York: he burned all the works that he owned, and if any survived was because he was saved from the fire or because it had been sold or given away. "I imagine that he considered that this trip marked the end of a stage and that's why he did something so radical", says the co-author of the publication, titled with the name of its protagonist.
Who knows if the painter will have regretted making his work smoke, but apparently he was very vulnerable to his impulses.

In September 1952, Carlos Faz arrived in New York to study engraving courses at Columbia University thanks to the scholarship granted by the Henry L. and Grace Doherty Foundation. After a couple of months at the aforementioned University, he left classes and enters Atelier 17 by William Hayter. In New York Carlos Faz was surprised by the progress of his work. Painting sometimes a daily work, a new understanding of form, light and composition reveal his creative capacity. From that time, which corresponds to the last of his short life, shed light on a remarkable series of graphic works made with the American engraver André Racz and several paintings.

"En la cama / In Bed"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 90 x 50 cm., 1952. Colección Privada / Private Collection

"Para ellos miseria y muerte / For Them Misery And Death"
Aguafuerte / etching, 59 x 50 cm., Ed. 9/14. Colección Privada / Private Collection

"Plaza en domingo / Square on Sunday"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 58 x 87 cm. Colección Privada / Private Collection

The artistic work he did in New York was exhibited in March 1953 at the headquarters of the Pan American Union in Washington DC.
The possibility of having an experience related to the American, and practical issues such as the expiration of his visa and the high cost of living in New York, motivate him to plan a trip to Mexico between the months of May and October of 1953.
In Mexico he worked mainly in oil paintings, laquer and piroxiline, besides learning about new techniques of silk-screen printing. In this brief stage enlarged the extremities of the figures, lowered the color and put a tragic note to his work. The plastic deformation and the dark inks with melancholic accents materialized his intention to express his passions.

The first days of September he went to Veracruz, from where he sets sail for Barcelona on September 19, 1953 on the ship Francisco Morosini. After passing through Houston, the ship made a stop in New Orleans. On Saturday, October 3, 1953, and apparently as a way to avoid US customs control that does not let it down to port because it does not have a valid US visa, Carlos Faz jumped from the ship to the dock. Unfortunately, he fell into the waters of the Mississippi River and dies at the age of 22. He was then one of the most promising painters in Chile.

"Sin título / Untitled", xilografía / woodcut, 15,5 x 10,5 cm.

"Niños robando manzanas / Children Stealing Apples"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 54 x 70 cm., 1950

When we look back to his work, that sensation, that of someone who transfigures the world, seems latent in each of his paintings, in those characters that remind us a little of Picasso's, but also of Chagall's: the expressiveness in his faces, the feeling that something was lost forever. Postcards of parties that always seem to overflow, as in the paintings of Brueghel, although in these festivities there is something deeply Chilean that is difficult to explain. But, above all, there is death -funerals, sick bodies- and that picture entitled "Premonition", from October 1952, in which a woman holds the body of a death young man, and there, on the floor covered in blood, you can see a toy ship with the name of Carlos Faz.

"Premonición / Premonition", óleo sobre tela / oil on canvas, 60 x 50 cm. 1952
Colección Privada / Private Collection

Fuentes / Sources:
* Carlos Faz. Retrospectiva. Catálogo publicado por el MNBA con ocasión de la exposición retrospectiva "Carlos Faz (1931-1953)" /
Carlos Faz. Retrospective. Catalogue published by MNBA on ocassion of the retrospective Exhibition Carlos Faz (1931-1953), Museo Nacional de Bellas Artes (Santiago de Chile, Chile), 2013
* Carlos Faz. Presentación / Presentation. Artículo en revista / Article in magazineLecturas, 12/2013
* Artistas visuales chilenos / Chilean Visual Artists.
Museo Nacional de Bellas Artes (Santiago de Chile, Chile)
* Carlos Faz, el mítico aventurero / The Mythical Adventurer, Lolas E., Jazmín
Mensaje, vol. 62, no. 623, 2013, p. 44+. Link

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Arte perdido / Lost Art (XI)

July 10, 2019, 11:23 pm
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Continuando con la serie sobre obras de arte perdidas a lo largo de los siglos, echamos un vistazo al devastador incendio que tuvo lugar en 1734 en el Real Alcázar de Madrid, en el que se perdieron al menos 500 pinturas.
Texto en inglés al final del post, marcado con [*] en cada párrafo.

Continuing with the series on artworks lost over the centuries, we take a look at the devastating fire that took place in 1734 in the Real Alcázar of Madrid, in which at least 500 paintings were lost.
Text in English at the end of the post, marked with [*] in each paragraph.
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Incendio del / Fire of the Real Alcázar de Madrid

Filippo Pallotta
(Roma, Italia / Rome, Italy ? - Madrid, España / Spain, 1721)
"Aspecto del Real Palacio de Madrid y su plaza, como estuvo el día 4 de marzo de 1704 en que el Rey Catholico Ntro. Señor d. Phelipe Quinto salió a la campaña de Portugal /
Aspect of the Royal Palace of Madrid and its square, as it was on March 4, 1704 when Catholic King Ntro. Mr. d. Phillip V went to the Portugal campaign"
Buril / burin, 43 x 59 cm., 1704. Biblioteca digital Memoria de Madrid

En la Nochebuena de 1734, un misterioso fuego brotó del corazón del Alcázar de Madrid, un antiguo castillo medieval que la dinastía de los Austrias había reconvertido en palacio residencial. El incendio, según se sospecha, se originó en el aposento del pintor de Corte Jean Ranc. A pesar de los esfuerzos por apagar el fuego, que se extendió a lo largo de cuatro días, nada se pudo hacer por salvar el edificio, ni a las 500 obras de arte que allí perecieron, entre ellas varios cuadros de Diego Velázquez.
Entre los cuadros salvados se encontraban «Las Meninas» de Velázquez, arrojado por una de las ventanas, y el retrato ecuestre de «Carlos V en Mühlberg» del pintor veneciano Tiziano, que quedó oscurecido por el humo en la zona inferior, donde los colores de la tierra y la hierba fueron reducidos a un ocre oscuro. [1]

Real Alcázar de Madrid, c.1710. Wikimedia Commons

La colección de pintura del Alcázar puede ser minuciosamente conocida a través de los documentos conservados y los diferentes inventarios que se realizaron (en 1600, 1636, 1666, 1686, 1700), que cotejados con el que apresuradamente realizara el marqués de Villena tras el incendio (1734) y el más minucioso que se llevó a cabo tras la muerte de Felipe V (1746), nos permite tener una idea bastante exacta del contenido de la colección, de lo perdido y de lo recuperado.
Sólo en pintura, originales y copias de primeros maestros, su número se aproximó a las dos mil obras, de las que casi un tercio, más de quinientas, desaparecieron bajo las llamas. Pero una cantidad muy importante había sido puesta a salvo o pudo ser rescatada: exactamente 1038 cuadros, según un estudio de Alfonso E. Pérez Sánchez.
Provisionalmente, la obra salvada fue custodiada en edificios próximos, como el Convento de San Gil, la Armería Real, la Casa del Arzobispo de Toledo o la del marqués de Bedmar. Buena parte de ella había pasado previamente o pasó más tarde al Buen Retiro y hoy constituye uno de los núcleos fundamentales de la colección de pintura del Museo de El Prado. [2]

Vicente Carducho
(Florencia, Italia / Florence, Italy, 1576 - Madrid, España / Spain, 1638)
"La expulsión de los moriscos / The Expulsion of the Moors"
Aguada azulada, pluma, lápiz sobre papel verjurado, amarillento /
blue gouache, pen, pencil on laid paper, yellowish, 38 x 50,4 cm., c.1627.
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

Vicente Carducho en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (XX)], [Aniversarios (CXLIV)]

Quizá el más célebre de todos los cuadros quemados fue "La expulsión de los moriscos", de Velázquez, obra fundamental en su biografía, conocido a través de las noticias que de él nos dieron Palomino y Pacheco, pues le permitió ganar un concurso (1627) al que concurrieron también tres pintores del Rey, Carducho, Caxés y Nardi, proporcionando al sevillano el cargo de ujier de cámara, y méritos para obtener licencia y ducados, dos años de salario, para su primer viaje a Italia. También de Velázquez y del Salón de los Espejos desaparecieron tres de los cuatro temas mitológicos que ocupaban el espacio entre las ventanas: Apolo, Adonis y Venus, y Psique y Cupido, siendo recuperado del conjunto solamente el de Mercurio y Argos, hoy en El Prado. También de Velázquez se perdió un retrato ecuestre del Rey. [3]

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez
(Sevilla, España / Spain, 1599 - Madrid, 1660)
"Felipe III", óleo sobre lienzo / oil on canvas, c.1623-31. Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

Diego Velázquez en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

En 1988 el historiador del arte estadounidense William B. Jordan halló en un catálogo de subastas un retrato de Felipe III atribuido a un pintor flamenco anónimo. Tras una exhaustiva investigación, los expertos del Museo del Prado verificaron que el retrato es un boceto del rostro del rey que Velázquez pergeñó observando obras anteriores, ya que no llegó a conocer a Felipe III, muerto en 1621. Este perfil del rey sería una prueba para incluirlo en la composición de "La expulsión de los moriscos".
“He vivido 30 años con el cuadro pensando que era un boceto de Velázquez porque no me parecía ni anónimo ni flamenco”, dijo Jordan, quien donó la obra al Museo. [4]

De Rubens se perdió el Retrato ecuestre de Felipe IV, del que se conserva una copia en la Galleria degil Uffizi, atribuida a Juan Bautista del Mazo. [5]

Juan Bautista Martínez del Mazo
(Cuenca, España / Spain, c.1612 - Madrid, 1667) 
Según / After Peter Paul Rubens
"Felipe IV, a caballo / Portrait of Philip IV of Spain", óleo sobre lienzo / oil on canvas, s.XVII / 17th century
Galleria degli Uffizi (Florencia, Italia / Florence, Italy). Wikimedia Commons

Martínez del Mazo en "El Hurgador" / in this blog: [Pintando perros (I)]


El rapto de las Sabinas, de Rubens, un lienzo de unos cuatro metros iniciado por Rubens y acabado, tras la muerte de éste, por Gaspar de Crayer, que se creyó perdido desde el incendio, aparentemente fue localizado en las colecciones del Palacio Real por el profesor Matías Díaz Padrón, antiguo conservador de pintura flamenca en el Museo del Prado, según se informó en 2013. [6]
Fuente: La vanguardia

Peter Paul Rubens
"El rapto de las Sabinas / The Rape of Sabine Women" (boceto / sketch)
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 55,5 x 86,5 cm., 1640
Belfius Art Collection (Bélgica / Belgium). MUHKA

En el verano de 1639, Felipe IV ordena cuatro grandes lienzos para el salón nuevo en el Alcázar de Madrid. Entre ellos hay dos lienzos de unos 350 por 450 cm, que representan El Rapto de las Sabinas y la Reconciliación de los Romanos y las Sabinas. Fernando de Austria, que vive en Bruselas, informa en otoño de ese año a su hermano, el rey, que el artista trabaja en las pinturas con gran ánimo. Sin embargo, alrededor de año nuevo, Rubens sufre graves ataques de gota. Una mano lisiada le hace imposible trabajar. Esto, sin embargo, no impide que Ferdinand aumente la presión sobre el artista. Recién en mayo Rubens se ha recuperado un poco y continúa trabajando hasta que muere el 30 de ese mes. [7]

Escuela flamenca / Flemish School
"El rapto de las Sabinas / The Rape of Sabine Women" (copia según / copy after Rubens)
Óleo sobre tabla / oil on wood, 57,5 x 89 cm., s.XVII-XVIII / 17th-18th century
Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires, Argentina)

La Reconciliación está casi terminada, pero El Rapto no está en la etapa de pintar. Después de que Ferdinand Van Dyck solicita sin éxito terminar las pinturas (él describe al artista como un loco rematado, un loco furioso), Gaspar de Crayer recibe instrucciones para completar El Rapto. Aunque no era amigo de Rubens, se le considera capaz. Las dos obras más pequeñas son finalmente completadas por Jordaens. Los dos grandes lienzos lamentablemente no sobrevivirán al incendio del Alcázar en 1734. [8]
Fuente: MUHKA

Anónimo / Anonymous
"La reconciliación de los Romanos y las Sabinas / The Reconciliation of the Romans and Sabines" (copia según / copy after Rubens)
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 82 x 116 cm., Siglo XVII / 17th Century
Abadía de Lacock / Lacock Abbey, Fox Talbot Museum and Village
(cerca de Chippenham, Ingalterra / near Chippenham, England). ArtUK

También de Rubens se perdieron las veinte obras que ornamentaban la Pieza Ochavada. [9]

Ægidius Sadeler II
(Amberes, Flandes / Antwerpen, Flandiers, 1570 - Praga / Prague, 1629)
"Tiberio, Emperador de Roma / Tiberius, Emperor of Rome" (Según Tiziano / After Titian)
Grabado y aguafuerte / engraving and etching, 36,3 × 24,6 cm.
National Gallery of Victoria (Melbourne, Australia)

De Tiziano se perdió la serie de Los Doce Césares, que estuviera en el Salón Grande y dos de las Furias, del Salón de los Espejos, rescatándose otras dos, Sísifo y Ticio, hoy en El Prado. [10]

Ægidius Sadeler II (Según Tiziano / After Titian)
"Caligula, Emperador de Roma / Emperor of Rome"
Grabado y aguafuerte / engraving and etching. Pinterest

Ægidius Sadeler II (Según Tiziano / After Titian)
"Nerón, Emperador de Roma / Nero, Emperor of Rome"
Grabado y aguafuerte / engraving and etching. Pinterest

Los Once Césares fue una serie de once retratos de medio cuerpo de emperadores romanos pintados por Tiziano en 1536-40 para Federico II, duque de Mantua. Estaban entre sus obras más conocidas, inspiradas en las Vidas de los Césares de Suetonio. Las pinturas de Tiziano se alojaron originalmente en una nueva sala dentro del Palazzo Ducale di Mantova. Bernardino Campi agregó un duodécimo retrato en 1562. [11]

Ægidius Sadeler II (Según Tiziano / After Titian)
"Tito, Emperador de Roma / Titus, Emperor of Rome"
Grabado y aguafuerte / engraving and etching. British Museum (Londres, Reino Unido / London, UK)

Los retratos fueron copiados por grabadores flamencos a fines del siglo XVI y principios del XVII, quienes agregaron grabados de doce emperatrices romanas. Entre 1627 y 1628 las pinturas fueron vendidas a Carlos I de Inglaterra por Vincenzo II Gonzaga, y cuando la Real Colección de Carlos I fue disuelta y vendida después de su ejecución por la Mancomunidad inglesa, los Once Césares pasaron en 1651 a la colección de Felipe IV de España. [12]
Fuente: Wikipedia

Ægidius Sadeler II (Según Tiziano / After Titian)
"Julio César, Emperador de Roma / Julius Caesar, Emperor of Rome"
Grabado y aguafuerte / engraving and etching. The Leiden Collection

De Tintoretto se perdieron, entre otras, Píramo y Tisbe, Venus y Adonis, que también aparecen inventariadas en el Salón de los Espejos, como, de Veronés, Moisés en el Nilo y Jacob. [13]

Peter Paul Rubens (Según Tiziano / after Titian)
"El Emperador Carlos V y la Emperatriz Isabel de Portugal / Charles V and the Empress Isabella"
Óleo / oil, 114 x 164 cm., c.1628
Colección / Collection Duques de Alba, Palacio de Liria (Madrid, España / Spain)

Tiziano en "El Hurgador" / Titian in this blog: [Todos los enlaces / All links]

De Ribera, también se perdió mucha de la obra que realizó en Italia adquirida por Felipe IV, como Jael y Sisara, Sansón y Dalila (se conserva un dibujo en el Museo de Bellas Artes de Córdoba), Venus y Adonis, o Apolo y Marsias. [14]

José de Ribera y Cucó (El Españoleto)
Josep / Jusepe Ribera (Lo Spagnoletto)
"Sansón y Dalila / Samson & Delilah"
Lápiz sanguina y grafito sobre papel verjurado / sanguine and graphite on laid paper, 282 x 404 cm., 1620-26
Museo de Bellas Artes (Córdoba, España / Spain). Wikimedia Commons

Un caso curioso es el de su Triunfo de Baco, que estuvo situado en el Alcázar “en la pieza donde su majestad cenaba” y acabó mutilado en el siniestro, conservándose en El Prado dos fragmentos, y un tercero, Cabeza de Sileno, fue a parar a Colombia. Milagrosamente, y en Lourdes, se conserva una copia antigua del cuadro completo. [15]

"El triunfo de Baco / The Triumph of Bacchus", 230 x 360 cm.?
Copia en colección privada mostrando los fragmentos existentes /
copy in private collection showing the extant fragments

José de Ribera y Cucó (El Españoleto)
"Media figura de mujer (fragmento de 'El triunfo de Baco') / 
Half Figure of a Woman (fragment of 'The Triumph of Bacchus')"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 67 x 59 cm., 1636
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

Los pedazos del lienzo fueron recogidos en el inventario de 1772 como procedentes de un Triunfo de Baco del Spañoleto. En el documento también se dice que el Dionisios coronado con hiedra estaba en el despacho del rey del nuevo Alcázar, mientras que la llamada Sibila, la mujer que apoya su mentón en la mano, estaba en el cuarto del Príncipe. La escena representada en el cuadro no era, sin embargo, un Triunfo de Baco. Gracias a una copia del siglo xvii, hallada en una colección particular, sabemos que lo pintado por Ribera fue una Theoxenia, o «Visita de Dionisio a los hombres». La historia era relativamente famosa en la Antigüedad y se conservan varios ejemplares de un relieve helenístico que la ilustra. En el siglo xvii tres de esos relieves estaban en colecciones romanas (hoy en Museo Nacional de Nápoles, en el Museo del Louvre y en el Museo Británico) y un cuarto en Nápoles, en el palacio del Virrey Duque de Alcalá. Ribera hubo de conocer alguno de ellos, o quizá un grabado del mismo, porque su composición, fechada hacia 1634-1635, retomaba casi al pie de la letra la helenística. [16]
Fuente: Centro Virtual Cervantes

José de Ribera y Cucó (El Españoleto)
"Cabeza del dios Baco (fragmento de 'El Triunfo de Baco') /
Head of Bacchus (fragment of 'The Triumph of Bacchus')"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 55 x 46 cm., 1636
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

José de Ribera y Cucó (El Españoleto)
"Cabeza de sátiro (Sileno) / Head of a Satyrus (Silenus)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 55 x 40 cm., 1636. Bogotá, Colombia

José de Ribera en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (CVI)], [Mercedes Fittipaldi (Fotografía)]

Del Cuarto del Príncipe, estancia representada por Velázquez en Las Meninas, que afortunadamente si se salvó del incendio, como Los Borrachos, La Coronación de la Virgen y los Paisajes de Villa Médicis, se salvaron algunas de las copias de Rubens realizadas por Mazo, pereciendo otras.
Nada volvió a saberse, en fin, de numerosas obras citadas en los inventarios de otros grandes artistas como Durero, El Bosco, Brueghel, Sánchez Coello,Van Dyck, El Greco, Aníbal Carracci, Leonardo da Vinci, Guido Bolonés, Rafael de Urbino, Bassano el Viejo y El Mozo, o Correggio, artistas que, en parte, están presentes en el Prado gracias lo que pudo salvarse del incendio. [17]

Fuentes / Sources:
* La noche que se quemaron 500 pinturas / The Night 500 Paintings Were Burned
por / by Federico García Serrano. en / in El Museo Imaginado
* Incendio del / Fire of the Real Alcázar de Madrid, Wikipedia
* Visita de Dionisio a los hombres / Visit of Dionysus to Men
Por / by Susana Calvo Capilla. Centro Virtual Cervantes


Otras obras perdidas / Other Lost Works

Rafael (Raffaello) Sanzio
(Urbino, Italia / Italy, 1483 - Roma / Rome, 1520)

Durante la Segunda Guerra Mundial, esta pintura fue robada de Polonia por los nazis. Muchos historiadores la consideran como la pintura más importante perdida desde la Segunda Guerra Mundial.
La identidad del sujeto no está verificada, pero muchos estudiosos lo han considerado tradicionalmente como el autorretrato de Rafael. Los rasgos faciales son percibidos por los especialistas como compatibles con, si no claramente idénticos, a el único indudable autorretrato de Rafael en su fresco "La Escuela de Atenas" en el Vaticano, identificado como tal por Vasari. Si es un autorretrato no se da ningún indicio de la profesión de Rafael; el retrato muestra a un joven ricamente vestido y "confiadamente preparado". [18]

"Ritratto di giovane uomo / Retrato de un hombre joven / Portrait of a Young Man"
Óleo sobre panel / oil on panel, 72 × 56 cm., c.1513-14
Antiguamente en el Museo Czartoryski (Cracovia, Polonia) /
formerly exhibited at Czartoryski Museum (Kraków, Poland). Wikipedia

Al comienzo de la invasión nazi de Polonia en 1939, el patriarca de la familia, el príncipe Augustyn Józef Czartoryski, rescató numerosas piezas del Museo Czartoryski, entre ellas "Retrato de un hombre joven", Dama con armiño de Leonardo da Vinci y una obra maestra de Rembrandt. La colección se ocultó en una residencia en Sieniawa, pero más tarde fue descubierta por la Gestapo, trabajando para Hans Frank, la persona designada por Hitler como gobernador del Gobierno General. De la colección, estas tres pinturas decoraron la residencia de Frank en Cracovia antes de enviarlas a Berlín y Dresde para formar parte de la colección del Führer en Linz, organizada por el plenipotenciario de Hitler, el Dr. Posse. [19]

"Ritratto di giovane uomo / Retrato de un hombre joven / Portrait of a Young Man"
No existen fotografías a color de la pintura realizadas antes de su desaparición. Esta imagen ha sido coloreada artificialmente.

En enero de 1945 Frank trajo las pinturas de Alemania a Cracovia para su uso en el real Castillo de Wawel. Aquí es donde se vio por última vez "Retrato de un hombre joven". Cuando los alemanes huyeron de Cracovia más tarde, antes de la ofensiva soviética, Frank llevó las pinturas con él a Silesia y luego a su propia villa en Neuhaus am Schliersee. Los estadounidenses arrestaron a Frank el 3 de mayo de 1945 en espera de un juicio por extensos crímenes de guerra (fue ejecutado en 1946). El representante polaco en la Comisión de Aliados para la Recuperación de Obras de Arte localizó algunas de las pinturas robadas por él y las reclamó en nombre del Museo Czartoryski. Sin embargo, faltaban "Retrato de un hombre joven" y otros 843 artículos. [20]

Rafael (Raffaello) Sanzio en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]
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John Russell
(Guildford, Reino Unido / UK, 1745 - Kingston upon Hull, 1806)

Según / After John Russell
"La justa y honesta Selina, condesa viuda de Huntingdon /
The Right Honourable Selina, Countess Dowager of Huntingdon"
Media tinta / mezzotint, publicada el 10/6/1773 por / published June 10th 1773 by Carington Bowles
National Portrait Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

En 1770, Russell pintó al ministro metodista George Whitefield (grabado por James Watson) y al futuro filántropo William Wilberforce, que solo tenía once años. En 1771 exhibió un retrato el óleo de Charles Wesley en la Royal Academy y, en 1772, pintó a Selina, Condesa de Huntingdon, al pastel. Esta fue una imagen simbólica, y se perdió en su viaje, pero fue grabada, y luego él también la pintó al óleo. [21]
Wikipedia (English)

"La justa y honesta Selina, condesa viuda de Huntingdon /
The Right Honourable Selina, Countess Dowager of Huntingdon", 35,4 x 25,2 cm., c.1773
British Museum (Londres, Reino Unido / London, UK)

John Russell en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (CCXX)]
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Louis Michel van Loo
(Tolón, Francia / France, 1707 - París, 1771) 

"Pigmalión trabajando / Pygmalion at Work"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 64 x 82,5 cm., entre / between 1730 - 1750. Wikimedia Commons

La obra fue legada en 1858 a la Escuela de Bellas Artes de Varsovia por Piotr Fiorentini. En 1879 la compró el Museo de Bellas Artes de Varsovia, y entre 1939 y 1945, durante la Segunda Guerra Mundial, fue destruida. Se conserva tan solo un fragmento de la misma. [22]

"Pigmalión trabajando / Pygmalion at Work" (fragmento / fragment)
Muzeum Narodowe w Warszawie / Museo Nacional (Varsovia, Polonia / Warsaw, Poland)

Louis-Michel van Loo en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (CCXVI)]
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Peter Paul Rubens
(Siegen, Sacro Imperio Romano Germánico, actual Alemania /
Siegen, Nassau-Dillenburg, Holy Roman Empire (now Germany), 1577 - 
Amberes, Flandes (Países Bajos Españoles), actual Bélgica /
Antwerp, Spanish Netherlands (now Belgium), 1640)

"Caza de un león / A Lion Hunt", óleo sobre lienzo / oil on canvas, c.1616
Colección / Schleißheim palace complex (Oberschleißheim, Alemania / Germany). Wikimedia Commons

El cuadro es una réplica de una pintura de Rubens, que se perdió en un incendio en 1870.
Rubens pintó con frecuencia el tema de la caza del león. Podemos ver otros ejemplos aquí. [23]

Rubens en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]
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Otros posts de esta serie / Other posts of this series:

[Arte perdido (I)], [Arte perdido (II)], [Arte perdido (III)], [Arte perdido (IV)], [Arte perdido (V)]
[Arte perdido (VI)], [Arte perdido (VII)], [Arte perdido (VIII)], [Arte perdido (IX)], [Arte perdido (X)]
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Textos en inglés / English Text

[1]
On Christmas Eve 1734, a mysterious fire erupted from the heart of the Alcazar of Madrid, an old medieval castle that the Habsburg dynasty had converted into a residential palace. The fire, it is suspected, originated in the apartment of Court painter Jean Ranc. Despite efforts to put out the fire, which lasted for four days, nothing could be done to save the building, or the 500 works of art that perished there, including several paintings by Diego Velázquez.
Among the paintings saved were "Las Meninas" by Velázquez, thrown by one of the windows, and the equestrian portrait of "Carlos V in Mühlberg" by the Venetian painter Titian, which was obscured by smoke in the lower area, where the colors from the earth and the grass were reduced to a dark ocher.

[2]
The paintings collection of the Alcázar can be meticulously known through the preserved documents and the different inventories that were made (in 1600, 1636, 1666, 1686, 1700), which were collated with the hastily carried out by the Marquis of Villena after the fire (1734) and the most meticulous that was carried out after the death of Felipe V (1746), allows us to have a fairly accurate idea of ​​the contents of the collection, of the lost and of the recovered.
Only in painting, originals and copies of first masters, their number approached the two thousand works, of which almost a third, more than five hundred, disappeared under the flames. But a very important amount had been saved or could be rescued: exactly 1038 paintings, according to a study by Alfonso E. Pérez Sánchez.
Provisionally, the works saved was guarded in nearby buildings, such as the Convent of San Gil, the Royal Armory, the House of the Archbishop of Toledo or the Marquis of Bedmar. Much of it had previously passed or passed later to Buen Retiro and today is one of the fundamental core of the collection of paintings at the Prado Museum.

[3]
Perhaps the most famous of all the pictures burned was the Expulsion of the Moors, by Velázquez, a fundamental work in his biography, known through the news by Palomino and Pacheco, since it allowed him to win a contest (1627) at which also attended three of the King painters; Carducho, Caxés and Nardi, providing to the Sevillian the position of usher of camera, and merits to obtain license and duchies, two years of salary, for his first trip to Italy. Also by Velázquez and from Hall of Mirrors disappeared three of the four mythological themes that occupied the space between the windows: Apollo, Adonis and Venus, and Psyche and Cupid, being recovered from the set only that of Mercury and Argos, today in El Prado. Also by Velazquez were lost an equestrian portrait of the King.

[4]
In 1988 the American art historian William B. Jordan found in an auction catalog a portrait of Philip III attributed to an anonymous Flemish painter. After an exhaustive investigation, the experts of the Prado Museum verified that the portrait is a sketch of the face of the king that Velázquez painted observing previous works, since he did not get to know Philip III, who died in 1621. This profile of the king, would be a test to include it in the composition of "The expulsion of the moriscos".
"I have lived 30 years with the painting thinking it was a sketch of Velázquez because I did not seem anonymous or flamenco," said Jordan, who donated the work to the Museum.
Sources: Museo del Prado, Ars Magazine, Rtve

[5]
The equestrian portrait of Phillip IV by Rubens was also lost, but a copy attributed to Juan Bautista del Mazo is preserved at the Uffizi Gallery.

[6]
The Rape of the Sabines, by Rubens, a canvas of about four meters initiated by Rubens and finished, after his death, by Gaspar de Crayer, who was believed lost since the fire, apparently was located in the collections of the Royal Palace by Professor Matías Díaz Padrón, former curator of Flemish painting at the Museo del Prado, as reported in 2013.
Source: La vanguardia

[7-8]
In the summer of 1639, Philip IV orders four large canvases for the salón nuevo at the Alcázar in Madrid. Among them are two canvases of about 350 by 450 cm, representing the Rape of the Sabine Women and The Reconciliation of the Romans and Sabines. Cardinal Infant Ferdinand, who is staying in Brussels, reports in the autumn of that year to his brother, the king,that the artist works on the paintings con grande animo. However, in around New Year, Rubens suffers severe gout attacks. A crippled hand makes it impossible for him to work. This, however, does not prevent Ferdinand from increasing the pressure on the artist. It is only in May that Rubens has recovered somewhat and continues to work until he dies on the 30th of that month.
The Reconciliation is almost finished, but the Rape is hardly at the stage of underpainting. After Ferdinand Van Dyck unsuccessfully requests to finish the paintings (he describes the artist as a loco rematado, a raging madman), Gaspar de Crayer is instructed to complete the Rape. Although he was not a friend of Rubens, he is considered capable. The two smaller works are finally completed by Jordaens. The two large canvases will unfortunately not survive the fire of the Alcázar in 1734.
Source: MUKHA

[9]
Also by Rubens were lost the twenty works that decorated the Octagonal Room.

[10]
Also were lost The Twelve Caesars Series by Titian, that was in the Great Hall and two of the Furies, of the Hall of the Mirrors, being rescued other two, Sysyphus and Tityos, today in the Prado Museum.

[11-12]
The Eleven Caesars was a series of eleven painted half-length portraits of Roman emperors made by Titian in 1536-40 for Federico II, Duke of Mantua. They were among his best-known works, inspired by the Lives of the Caesars by Suetonius. Titian's paintings were originally housed in a new room inside the Palazzo Ducale di Mantova. Bernardino Campi added a twelfth portrait in 1562.
The portraits were copied by Flemish engravers in the late 16th and early 17th centuries, who added engravings of twelve Roman Empresses. Between 1627 and 1628 the paintings were sold to Charles I of England by Vincenzo II Gonzaga, and when the Royal Collection of Charles I was broken up and sold after his execution by the English Commonwealth, the Eleven Caesars passed in 1651 into the collection of Philip IV of Spain.
Source: Wikipedia

[13]
By Tintoretto they were lost, among others, Píramo and Tisbe, Venus and Adonis, that also appear inventoried in the Hall of the Mirrors, By Veronese, Moses in the Nile and Jacob.

[14-15]
A lot of work by Jose de Ribera also was lost; much of the work he did in Italy acquired by Philip IV, such as Jael and Sisara, Samson and Delilah (a drawing is kept at the Museum of Fine Arts of Córdoba), Venus and Adonis, or Apollo and Marsyas.
A curious case is that of his Triumph of Bacchus, which was located in the Alcázar "in the room where his Majesty dined" and ended up mutilated in the sinister, conserving two fragments in El Prado, and a third, Head of Sileno, finished the trip in Colombia. Miraculously, an old copy of the complete picture is preserved in Lourdes.

[16]
The fragments of the canvas were collected in the inventory of 1772 as coming from a Triumph of Baco by Spanoleto. The document also says that the Dionysus crowned with ivy was in the office of the King at the new Alcázar, while the so-called Sibyl, the woman who rests her chin in her hand, was in the Prince's room. The scene depicted in the painting was not, however, a Triumph of Bacchus. Thanks to a seventeenth-century copy found in a private collection, we know that what Ribera painted was a Theoxenia, or "Dionysus's visit to men." The history was relatively famous in Antiquity and several copies of a Hellenistic relief that illustrates it are conserved. In the seventeenth century three of these reliefs were in Roman collections (now the National Museum of Naples, the Louvre Museum and the British Museum) and a quarter in Naples, in the palace of the Viceroy Duke of Alcalá. Ribera had to know some of them, or perhaps an engraving of the same one, because his composition, dated towards 1634-1635, retakes almost literally the Hellenistic composition.
Source: Centro Virtual Cervantes

[17]
From the Prince's Room, a room represented by Velázquez in Las Meninas -a work that fortunately was saved from the fire- such as The Triumph of Bacchus ot The Drunks, The Coronation of the Virgin, and the Landscapes of Villa Medici, some of the copies of Rubens made by Mazo were saved, perishing others.
Nothing came to be known, in short, about numerous works cited in the inventories of other great artists such as Dürer, El Bosco, Brueghel, Sánchez Coello, Van Dyck, El Greco, Aníbal Carracci, Leonardo da Vinci, Guido Bolones, Rafael de Urbino, Bassano the Elder and the Younger, or Correggio, artists who, in part, are present in the Prado thanks to what could be saved from the fire.

[18]
During the Second World War this painting was stolen by the Nazis from Poland. Many historians regard it as the most important painting missing since World War II.
The subject's identity is unverified, but many scholars have traditionally regarded it as Raphael's self-portrait. The facial features are perceived by specialists as compatible with, if not clearly identical to, the only undoubted self-portrait by Raphael in his fresco The School of Athens at the Vatican, identified as such by Vasari. If it is a self-portrait, no hint is given of Raphael's profession; the portrait shows a richly dressed and "confidently poised" young man.

[19]
At the onset of the Nazi invasion of Poland in 1939, then family patriarch Prince Augustyn Józef Czartoryski rescued numerous pieces from the Czartoryski Museum, including Portrait of a Young Man, Leonardo's Lady with an Ermine and a Rembrandt masterpiece. The collection was hidden at a residence in Sieniawa, but was later discovered by the Gestapo, working for Hans Frank, Hitler's appointee as the governor of the General Government. From the collection, these three paintings decorated Frank's residence in Kraków before they were sent to Berlin, and Dresden, to become part of the Führer's own collection at Linz, arranged by Hitler's plenipotentiary, Dr. Posse.

[20]
No colour photographs of the painting were made before it disappeared; this image has been artificially coloured.

In January 1945, Frank brought the paintings back from Germany to Kraków for his own use at the royal Wawel Castle. This is where Portrait of a Young Man was last seen. When the Germans evacuated from Kraków later that month ahead of the Soviet offensive, Frank took the paintings with him to Silesia and then to his own villa in Neuhaus am Schliersee. The Americans arrested Frank on May 3, 1945 pending trial for extensive war crimes (he was executed in 1946). The Polish representative at the Allies Commission for the Retrieval of Works of Art located some of the paintings stolen by him, and claimed them on behalf of the Czartoryski Museum. However, Portrait of a Young Man and 843 other artifacts were missing from storage.
Wikipedia

[21]
In 1770, Russell painted Methodist minister, George Whitefield (engraved by James Watson) and the future philanthropist, William Wilberforce, then only eleven years old. In 1771, he exhibited a portrait in oils of Charles Wesley at the Royal Academy and, in 1772, painted Selina, Countess of Huntingdon in pastel. This was a symbolic picture, and was lost on its voyage out; but it was engraved, and he later also painted her in oils.
Source: Wikipedia

[22]
The work was bequeathed in 1858 to the School of Fine Arts of Warsaw by Piotr Fiorentini. In 1879 was bought by the Museum of Fine Arts in Warsaw, and between 1939 and 1945, during the Second World War, it was destroyed. Only a fragment of it is preserved.

[23]
The painting is a copy from a work by Peter Paul Rubens lost in 1870 in a fire.
Rubens frequently painted the subject of lion hunting. We can see other examples here.

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Aniversarios Fotografía / Anniversaries Photography (CCXLII) [Julio / July 7-10]

July 12, 2019, 11:34 pm
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Todos los aniversarios de Julio aquí / All anniversaries for July here.
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El 7 de Julio es el cumple de

Ana Lizette Abraham Palma, fotógrafa y artista de performances mexicana, nacida en 1982 en Mérida, Yucatán.
Licenciada en ciencias de la comunicación con una Maestría en diseño ha estudiado diversos diplomados y talleres en arte multidisciplinario en el CENART de San Luís Potosí. Actualmente reside en la Ciudad de México, donde se enfoca en trabajar la fotografía. Realiza imágenes basadas en temas de genero y en problemáticas sociales de su país. En su obra, desarrolla una estética particular de fotografía de autor, explorando con diversos procesos creativos.

"Cazadoras de astros / Star Chasers, Adelita", 2016

A la par de su que hacer fotográfico, Lizette se ha dedicado a la realización de performances desde el año 2000. Desde hace seis años ha trabajado con la tela como material principal para la construcción de sus ideas. En este tiempo ha ido explorado el diseño de personajes, de objetos, de paisajes y escenarios realizados con fotomontaje, así como maquetas a gran escala.
Su trabajo actual, fue seleccionado por el Fondo Nacional de Jóvenes Creadores FONCA 2018 y fue ganadora del premio especial Canon en el “Tercer Concurso de Fotografía Contemporánea” de México, FUMCA en 2017. En  el año 2016  Lizette obtuvo el primer lugar en el Festival Internacional de la Imagen FINI, en la categoría técnicas alternativas profesionales y  fue seleccionada en la “Bienal de Fotografía Construida de Bogotá” 2015. Las imágenes de Lizette participaron en la “Feria Art Basel Miami” 2014, y en el año 2012  se hizo acreedora a una mención honorífica en la Primera Bienal Héctor García. CDMX.

"Autorretrato / Self Portrait 087"
Fotografía digital / digital photography, 73 x 54 cm., 2016. Ed.5. Galería Valmar

Su trayectoria comprende trece exposiciones individuales y más de sesenta colectivas  en galerías, museos y centros culturales en varias ciudades. Ha realizado más de ochenta performances individuales y colectivas en diferentes partes de México. Su obra visual  ha sido publicada en las portadas de libros y revistas digitales e impresas.

"Las Grayas / The Graeae 1", 2019

«Las Grayas, eran seres mitológicos, mujeres que compartían un solo ojo. Estos seres eran las guardianas de la entrada para llegar a Medusa, según cuenta en la historia de Perseo. En esta serie quise realizar mi versión sobre estos personajes muy poco conocidos. Para mi, las Grayas representan el poder femenino el cual se fundamenta en la alianzas con otras mujeres, la metáfora de compartir un solo ojo es muy poderosa. En la actualidad si las mujeres se unen pasa algo parecido comparten una visión única que nos hace mas fuertes, y más capaces.»

"Encuentros con la incertidumbre / Encounters With Uncertainty", 2014

On July 7 is the birthday of

Ana Lizette Abraham Palma, Mexican photographer and performance artist born in 1982 in Mérida, Yucatán.
She has a degree in Communication Sciences with MA in Design, and has studied several diplomas and workshops in multidisciplinary art at the San Luis Potosí CENART. She currently resides in Mexico City, where she focuses on working with photography. She make images based on gender issues and social issues in her country. In his work, she develops a particular aesthetics of author photography, exploring with diverse creative processes.

"Los cómplices / The Accomplices", 2012

Along with her photographic work, Lizette has been dedicated to performance art since 2000. For six years she has worked with fabric as the main material for the construction of her ideas. In this time she has explored the design of characters, objects, landscapes and scenarios made with photomontage, as well as large scale models.
Her current work was selected by the National Fund of Young Creators FONCA 2018 and was the winner of the special Canon prize in the "Third Contemporary Photography Contest" in Mexico, FUMCA in 2017. In 2016 Lizette obtained the first place in the International Festival of the Image FINI, in the category of alternative professional techniques and was selected in the "Biennial of Constructed Photography of Bogotá" 2015. The images of Lizette participated in the "Art Basel Fair Miami" 2014, and in the year 2012 became creditor to an honorable mention in the First Hector García Biennial. CDMX.

"Autorretrato / Self Portrait 090"
Fotografía digital / digital photography, 73 x 54 cm., 2016. Ed.5. Galería Valmar

Her career includes thirteen individual exhibitions and more than sixty collective exhibitions in galleries, museums and cultural centers in several cities. She has made more than eighty individual and collective performances in different parts of Mexico. Her visual work has been published on the covers of digital and printed books and magazines.

"Las Grayas / The Graeae 3", 2019

«The Graeae were mythological beings, women who shared a single eye These beings were the guardians of the entrance to reach Medusa, according to the story of Perseus. In this series I wanted to make my version about these little known characters. For me, the Graeae represent female power which is based on alliances with other women, the metaphor of sharing a single eye is very powerful. Nowadays, if women come together something similar happens, they share a unique vision that makes us stronger and more capable.»


El 8 de Julio es el cumple de

Ted Allan (Theos Alwyn Dunagan), fotógrafo estadounidense nacido en 1910 en Clifton, Arizona. Era un fotógrafo muy popular de Hollywood conocido como "Rembrandt" en la Metro Goldwyn Mayer y apodado "Farley Focus" por Frank Sinatra. Allan cambió su nombre durante una breve aventura en la actuación.
Siendo aún adolescente, mejoró las fotografías de las estrellas con pintura al óleo para exhibirlas en los vestíbulos de los teatros. La experiencia se quedó con él, y años más tarde, las estrellas elogiaron su capacidad para retocar sus imágenes. Allan se movió rápidamente detrás de la cámara fotográfica cuando estableció su propio estudio de retratos en Hollywood en 1933. Más tarde trabajó para los estudios MGM, CBS Radio (tomando fotos publicitarias para el "Lux Radio Theatre" de Cecil B. DeMille), la televisión ABC y varias producciones cinematográficas, incluyendo "The Sand Pebbles" y "Von Ryan's Express".

"Groucho Marx", gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 11" x 14", 1936-7. Christie's

"Cary Grant", gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 34 x 26 cm., 1936. Christie's

A lo largo de los años, fotografió a estrellas como Jean Harlow, Clark Gable, Carole Lombard, James Stewart, Spencer Tracy, Shirley Temple, Helen Hayes y John, Ethel y Lionel Barrymore. Allan, según una entrada del catálogo durante un espectáculo en 1987 en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, "se adhirió al mandato del fotógrafo de retratos, de convertir a hombres y mujeres en objetos de fantasía ... con poses y luces dramáticas ... y retoques."
Su trabajo también se ha exhibido en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en la Galería Nacional de Arte de Washington, y en Londres y Venecia, Italia.
Murió en 1993.

"Myrna Loy", c.1934. Pinterest

On July 8 is the birthday of

Ted Allan (Theos Alwyn Dunagan), American photographer born in 1910 in Clifton, Arizona. He was a very popular Hollywood photographer known as "Rembrandt" at MGM and dubbed "Farley Focus" by Frank Sinatra. Allan changed his name during a brief fling at acting.
As a teen-ager, he enhanced stars' photographs with oil paint for display in theater lobbies. The experience stuck with him, and years later stars praised his ability to retouch their images. Allan quickly moved behind the still camera when he established his own portrait studio in Hollywood in 1933. He later worked for MGM studios, CBS Radio (taking publicity photos for Cecil B. DeMille's "Lux Radio Theatre"), ABC television and several film productions, including "The Sand Pebbles" and "Von Ryan's Express."

"Orson Welles", 1942. Sinema Türk

Orson Welles en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (LIII)], [Asonancias (VIII)]


Over the years he photographed such stars as Jean Harlow, Clark Gable, Carole Lombard, James Stewart, Spencer Tracy, Shirley Temple, Helen Hayes, and John, Ethel and Lionel Barrymore. Allan, according to a catalogue entry during a 1987 show at the Los Angeles County Museum of Art, "adhered to the portrait photographer's mandate, to make mere men and women into objects of fantasy . . . with poses and dramatic lighting . . . and retouching."
His work has also been exhibited at the New York Museum of Modern Art, the National Gallery of Art in Washington, and in London and Venice, Italy. 
He died in 1993.

"James Stewart", 1937. Flickr

James Stewart en "El Hurgador" / in this blog: [Recreando a Hitchcock (Cine, Fotografía)]


El 9 de Julio es el cumple de

Minor Martin White, fotógrafo, teórico, crítico y educador estadounidense nacido en 1908. Combinó un intenso interés en cómo la gente veía y entendía la fotografía, con una visión personal guiada por una variedad de filosofías espirituales e intelectuales.

"Patio feliz de la granja, Valle Grande Ronde, Oregón / Happy Farmyard, Grande Ronde Valley, Oregon"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 17,1 x 23,2 cm., 1941
Museum of Modern Art (MoMA) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Comenzando en Oregon en 1937 y hasta que murió en 1976, White tomó miles de fotografías en blanco y negro y en color de paisajes, gente y temas abstractos, creadas con maestría técnica y un intenso sentido visual de luces y sombras. Enseñó en muchas clases, talleres y retiros de fotografía en la Escuela de Bellas Artes de California, el Instituto Tecnológico de Rochester, el Instituto de Tecnología de Massachusetts, en otras escuelas y en su propia casa.

"Gino Cipolla", gelatinobromuro de plata /
gelatin silver print, 23,8 × 19,1 cm., c.1940. Howard Greenberg Gallery

Siendo gay, vivió gran parte de su vida secretamente, con miedo a expresarse en público por temor a la pérdida de sus puestos de trabajo docente, y algunas de sus imágenes más convincentes son estudios de figuras de hombres a los que enseñaba, o con los que tuvo relaciones. Él ayudó a iniciar y durante muchos años fue editor de la revista de fotografía Apertura.
Después de su muerte en 1976, White fue aclamado como uno de los más grandes fotógrafos de Estados Unidos.

"Dos cobertizos y sombra / Two Barns and Shadow"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 24,8 x 33 cm., 1955
Museum of Modern Art (MoMA) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

On July 9 is the birthday of

Minor Martin White, American photographer, theoretician, critic and educator born in 1908. He combined an intense interest in how people viewed and understood photographs with a personal vision that was guided by a variety of spiritual and intellectual philosophies.

"Comienzos / Beginnings", gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 12 5/8" x 9 7/8", 1962
Impresa / printed c.1960s. Howard Greenberg Gallery

Starting in Oregon in 1937 and continuing until he died in 1976, White took thousands of black-and-white and color photographs of landscapes, people and abstract subject matter, created with both technical mastery and a strong visual sense of light and shadow. He taught many classes, workshops and retreats on photography at the California School of Fine Arts, Rochester Institute of Technology, Massachusetts Institute of Technology, other schools, and in his own home.

"Front Avenue, Portland, Primavera / Spring"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 1939. Link

He lived much of his life as a closeted gay man, afraid to express himself publicly for fear of loss of his teaching jobs, and some of his most compelling images are figure studies of men whom he taught or with whom he had relationships. He helped start and for many years was editor of the photography magazine Aperture.
After his death in 1976, White was hailed as one of America's greatest photographers.

"Nieve sobre la puerta de un garage / Snow on Garage Door", Rochester, Nueva York / NY
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 9 1/2" x 9"
Impresa / printed c.1960. Howard Greenberg Gallery

Minor White en "El Hurgador" / in this blog: [Judy y los fotógrafos (II)], [Recolección (XXIX)]


El 10 de Julio es el cumple de

George Charles Beresford, fotógrafo de estudio británico nacido en 1864 en Drumlease, Dromahair, Condado de Leitrim.
Miembro de la familia Beresford encabezada por el Marqués de Waterford y tercero de los cinco hijos del comandante Henry Marcus Beresford (1835–1895) y Julia Ellen Maunsell (fallecida en 1923).
Beresford fue enviado a Westward Ho! En 1877 asistió a la United Services College. Al partir, en 1882, se matriculó en el Royal Indian Engineering College en Cooper's Hill, y de allí fue a la India en 1882 como ingeniero civil en el Departamento de Obras Públicas. Después de cuatro años contrajo malaria y regresó a Inglaterra para estudiar arte, llegando a exponer en la Royal Academy.

"Virginia Woolf", 1902. Restaurada por / restored by Adam Cuerden. Wikimedia Commons

Virginia Woolf en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (CXXV)]

Entre 1902 y 1932 trabajó en un estudio en Knightsbridge, en el 20 Yeoman's Row, Brompton Road. Aquí produjo retratos en platinotipo de escritores, artistas y políticos que fueron celebridades de la época. Sus imágenes fueron utilizadas en publicaciones como The World's Work, The Sketch, The Tatler y The Illustrated London News. Hizo importantes donaciones a la Cruz Roja en la Primera Guerra Mundial. En sus últimos años se convirtió en un comerciante de antigüedades. En 1943 National Portrait Gallery adquirió algunos de sus negativos y grabados de su antiguo secretario.

"Auguste Rodin"
Negativo de media placa de vidrio / half-plate glass negative, 20,8 x 15,7 cm. / 15,6 x 11,3 cm., 1902
© National Portrait Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

Auguste Rodin en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

Beresford era amigo íntimo de Augustus John y Sir William Orpen, otro irlandés, que produjeron varias imágenes entre sí. El personaje de Kipling M'Turk en la novela "Stalky & Co.", se basó en Beresford, cuya autobiografía "Días de colegio con Kipling / Schooldays with Kipling" apareció en 1936.
Murió en 1938.

"William Orpen", copia de platino / platinum print, 15,5 x 11,4 cm., 1903
© National Portrait Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

William Orpen en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (XLV)], [Recolección (XCI)], [Recolección (CXIX-2)]

On July 10 is the birthday of

George Charles Beresford, British studio photographer, born in 1864 in Drumlease, Dromahair, County Leitrim.
A member of the Beresford family headed by the Marquess of Waterford and the third of five children, he was the son of Major Henry Marcus Beresford (1835–1895) and Julia Ellen Maunsell (d. 1923). 

"H. G. Wells", copia brillante en blanco y negro / black and white glossy print, 15 x 10,8 cm., 1920
© National Portrait Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

Beresford was sent to Westward Ho! in 1877 and attended the United Services College. On leaving in 1882 he enrolled at the Royal Indian Engineering College at Cooper's Hill, and from there went to India in 1882 as a civil engineer in the Public Works Department. After four years he contracted malaria and returned to England to study art, eventually exhibiting at the Royal Academy.
Between 1902 and 1932 he worked from a studio in Knightsbridge at 20 Yeoman's Row, Brompton Road. Here he produced platinotype portraits of writers, artists and politicians who were celebrities of the time. His images were used in publications such as The World's Work, The Sketch, The Tatler and The Illustrated London News. He donated substantially to the Red Cross in World War I. In his later years he became an antique dealer. In 1943 the National Portrait Gallery acquired some of his negatives and prints from his former secretary.

"Wyndham Lewis"
Negativo de media placa de vidrio / half-plate glass negative, 11,5 x 10,9 cm., 1917
© National Portrait Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

Wyndham Lewis en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (CL)]

Beresford was a close friend of Augustus John and Sir William Orpen, another Irishman – they produced a number of images of each other. Kipling's character M'Turk in the novel Stalky & Co. was based on Beresford, whose autobiography Schooldays with Kipling appeared in 1936.
He died in 1938.

"Joseph Conrad", 1904 © National Portrait Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK). nrc.nl

Joseph Conrad en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (CXLIX)]

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Aniversarios Fotografía / Anniversaries Photography (CCXLIII) [Julio / July 11-13]

July 12, 2019, 11:39 pm
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El 11 de Julio es el cumple de

Olive Cotton, pionera de las fotógrafas modernistas australianas de los años 1930 y 1940, nacida en 1911 en Sydney en una familia artística e intelectual. Su madre era pintora y pianista, mientras que su padre Leo era un geólogo que tomó fotografías de la expedición de Sir Ernest Shackleton a la Antártida en 1907.
Con una cámara Kodak No.0 Box Brownie que le regalaron a los 11 años, Cotton, con la ayuda de su padre, convirtió el lavader del hogar en un cuarto oscuro "con la ampliadora conectada a la luz de planchar". Aquí Cotton procesó películas e imprimió sus primeras imágenes en blanco y negro. Mientras estaba de vacaciones con su familia en Newport Beach en 1924 conoció a Max Dupain y se hicieron amigos, compartiendo su pasión por la fotografía. La fotografía "Ella-robles / She-oaks" (1928) se tomó en el promontorio de Bungan Beach en este período.
Cotton asistió al colegio metodista femenino Burwood en Sydney de 1921 a 1929, obtuvo una beca y completó un bachillerato en la Universidad de Sydney en 1933, con especialización en inglés y matemáticas. También estudió música y fue una pianista consumada con un cariño particular por los Nocturnos de Chopin.

"Ballet de tazas de té / Tea Cup Ballet"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 36 × 29,2 cm., 1935
Galería Nacional de Victoria / National Gallery of Victoria (Melbourne, Australia)

Se unió a The Sydney Camera Circle y la Photographic Society de Nueva Gales del Sur, obteniendo instrucción y aliento de importantes fotógrafos como Harold Cazneaux.
Expuso su primera fotografía, "Crepúsculo / Dusk", en la Exposición Interestatal de la Sociedad Fotográfica de Nueva Gales del Sur de 1932. Exhibió con bastante frecuencia. Su fotografía era de una sensibilidad muy personal, con una apreciación de ciertas cualidades de la luz circundante. Después de la universidad se dedicó a la fotografía uniéndose a Dupain en su nuevo estudio de la calle Bond Nº 24 en Sydney. Entre sus contemporáneos estaban Damien Parer, Geoff Powell, la modelo Jean Lorraine y la fotógrafa Olga Sharpe, que frecuentaban el estudio.

"Girasoles muertos / Dead Sunflowers"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 27,1 x 24,4 cm., 1984/94. Josef Lebovic Gallery

En Australia, durante la década de 1930, los clientes asumían que el fotógrafo sería un hombre. Cotton se refería irónicamente a sí misma como "la asistente". Sin embargo, siempre que fue posible, Cotton fotografiaba a las celebridades visitantes u objetos interesantes en el estudio, incluso capturando a Dupain trabajando en su pieza, "Instantánea de moda, dunas de Cronulla / Fashion shot, Cronulla Sandhills" (c.1937). La editorial Sydney Ure Smith le hizo muchos encargos y la consideró como una de las mejores fotógrafas de los años treinta y cuarenta.
Durante la década de 1930 desarrolló su maestría utilizando el estilo de fotografía pictorialista ​​popular en la época y también incorporó un abordaje estilístico muy moderno.
Murió en 2003.

"Chica con espejo / Girl With Mirror"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 31,8 × 29,9 cm., 1938
Galería Nacional de Victoria / National Gallery of Victoria (Melbourne, Australia)

On July 11 is the birthday of

Olive Cotton, pioneering Australian modernist female photographer of the 1930s and 1940s, born in 1911 in Sydney in an artistic, intellectual family. Her mother was a painter and pianist while his fathe Leo was a geologist, who took photographs on Sir Ernest Shackleton’s expedition to the Antarctic in 1907.
Given a Kodak No.0 Box Brownie camera at the age of 11, Cotton with the help of her father made the home laundry into a darkroom "with the enlarger plugged into the ironing light". Here Cotton processed film and printed her first black and white images. While on holidays with her family at Newport Beach in 1924, Cotton met Max Dupain and they became friends, sharing a passion for photography. The photograph "She-oaks" (1928) was taken at Bungan Beach headland in this period.


"La durmiente / The Sleeper"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 34,4 × 30,7 cm., 1939
Galería Nacional de Victoria / National Gallery of Victoria (Melbourne, Australia)

Cotton attended the Methodist Ladies' College, Burwood in Sydney from 1921 to 1929, gained a scholarship and went on to complete a B.A. at the University of Sydney in 1933, majoring in English and Mathematics; she also studied music and was an accomplished pianist with a particular fondness for Chopin's Nocturnes.
Cotton joined The Sydney Camera Circle and the Photographic Society of New South Wales, gaining instruction and encouragement from important photographers such as Harold Cazneaux.

"Gafas / Glasses"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 25 x 18,2 cm., 1937/2000. Josef Lebovic Gallery

She exhibited her first photograph, "Dusk", at the New South Wales Photographic Society’s Interstate Exhibition of 1932. She exhibited quite frequently, her photography was personal in feeling with an appreciation of certain qualities of light in the surroundings. After university she pursued photography by joining Dupain at his new studio, 24 Bond Street, Sydney. Her contemporaries included Damien Parer, Geoff Powell, the model Jean Lorraine and photographer Olga Sharpe, who frequented the studio.
In Australia during the 1930s clients assumed a man would be the photographer. Cotton wryly referred to herself as "the assistant". However whenever possible Cotton photographed visiting celebrities or interesting objects in the studio, even capturing Dupain working in her piece, "Fashion shot, Cronulla Sandhills, circa 1937". The publisher Sydney Ure Smith gave her many commissions, and regarded her as one of the best photographers of the 1930s and 1940s.
During the 1930s Cotton developed mastery using the 'Pictorial' style of photography popular at the time and also incorporated a very modern style approach.
She died in 2003.

"Sólo para sentir la calidez, la luz, el viento / Only to taste the warmth, the light, the wind"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 33,2 x 30 cm., c.1939
Galería de Arte de Nueva Gales del Sur / Art Gallery of New South Wales (Sydney, Australia)


El 12 de Julio es el cumple de

Sidney D. Gamble, fotógrafo aficionado estadounidense nacido en Cincinnati, Ohio. En 1912 se graduó magna cum laude de la Universidad de Princeton con una licenciatura en literatura y fue elegido para Phi Beta Kappa. Visitó China durante cuatro períodos prolongados, 1908, 1917–1919, 1924–27 y 1931–1932, haciendo trabajo social cristiano para la Y.M.C.A (Asociación Cristiana de Jóvenes) y realizando encuestas sociales. Hoy en día es conocido por sus notables y abundantes fotografías de Pekín y el norte de China, adonde viajó por primera vez en 1908 acompañando a sus padres. Luego, tras graduarse de Princeton en 1912, estudió economía laboral e industrial en la Universidad de California, Berkeley, y pasó seis meses becado trabajando en una escuela reformatorio para niños delincuentes. En este momento, construyó la casa que se conoció como Sidney D. Gamble House.


"玉带桥，颐和园 / Puente del cinturón de jade, Palacio de Verano /
Jade Belt Bridge, Summer Palace", 1924-27
Biblioteca Rubinstein, Universidad de Duke / Rubenstein Library, Duke University
(Durham, Carolina del Norte, EE.UU./ North Carolina, USA)

En 1917 se unió al trabajo de Princeton-en-Pekín y la YMCA de Pekín, donde su amigo de Princeton, John Stewart Burgess, lo invitó a hacer relevamientos que dieron como resultado "Pekín: una encuesta social", que incluía más de cincuenta fotografías. En 1919 Gamble estuvo presente para capturar fotografías dramáticas de las manifestaciones estudiantiles del 4 de mayo. El lema del Movimiento del Cuatro de Mayo, "Salvar a China a través de la ciencia y la democracia" y el ideal misionero de "Salvar a China a través del cristianismo" por un tiempo, pareceron estar unidos. Cuando regresó a China en 1924 con su novia Elizabeth Lowe, utilizó los recursos de su familia para contratar un equipo de investigadores chinos para que encuestara a 283 familias. El libro se publicó en 1933 bajo el título "Cómo viven las familias chinas en Peiping (como se llamaba a Pekín)". En 1926 viajó durante tres semanas a la Unión Soviética con Sherwood Eddy, un mentor de larga data.
A medida que China se inflamaba cada vez más por la agitación patriótica y los combates de los señores de la guerra, encontró esperanza en el Experimento Ting Hsien de Reconstrucción Rural realizado por el Movimiento de Educación de Masas de James Yen. En 1931-32 viajó a China por cuarta y última vez para organizar las encuestas que utilizó para tres volúmenes más detallados, "Ting Hsien: Una comunidad rural del norte de China" (1954) y "Pueblos del norte de China" (1963). "Obras de los pueblos chinos / Chinese Village Plays", publicado en 1970, después de su muerte, ofrece traducciones basadas en transcripciones únicas de las obras de Yang ko, ahora perdidas, que difieren de las danzas posteriores.

"戴枷的罪犯坐在台阶上 / Prisionero chino con un cepo / Chinese Prisoner in Stocks", 1908
Biblioteca Rubinstein, Universidad de Duke / Rubenstein Library, Duke University
(Durham, Carolina del Norte, EE.UU./ North Carolina, USA)

Jonathan Spence concluye de Gamble que sus "hallazgos fueron de mente abierta, claros, metodológicamente inteligentes (aunque no siempre más allá de las críticas de los estudiosos de diferentes puntos de vista), sorprendentemente imaginativos y, cuando se presentan en forma fotográfica, vigorosos, exuberantes, sin sentimentalismos y crudamente, aunque nunca cruelmente, ilustrativos del sufrimiento profundo y real que se encuentra en el corazón de la larga revolución de China".
Después de su regreso a los Estados Unidos, fue elegido miembro del Consejo Nacional de la YMCA, se convirtió en Tesorero, Vicepresidente, Presidente y Presidente Emérito del Servicio Mundial de Iglesias, Presidente del Comité Ejecutivo de la Fundación Josiah Macy, Jr. Presidente y Presidente Honorario de Princeton-en-Asia.
Murió en 1968.

"监狱,犯人做火柴 / Prisión, prisioneros haciendo cerillas / Prison, Prisoners Making Matches", 1918-19
Biblioteca Rubinstein, Universidad de Duke / Rubenstein Library, Duke University
(Durham, Carolina del Norte, EE.UU./ North Carolina, USA)

On July 12 is the birthday of

Sidney D. Gamble, American amateur photographer born in Cincinnati, Ohio. In 1912 he graduated magna cum laude from Princeton University with a Bachelor of Literature degree and was elected to Phi Beta Kappa. He visited China for four extended periods, 1908, 1917–1919, 1924–27, and 1931–1932, doing Christian social work for the Y.M.C.A and conducting social surveys. He is now best known for his remarkable and extensive photographs of Peking and North China.
Gamble first toured China in 1908 accompanying his parents, then after graduating from Princeton in 1912, studied labor and industrial economics at University of California, Berkeley, spending six months on a fellowship working at a reform school for delinquent boys. At this time, he built the house which became known as the Sidney D. Gamble House.

"放鸭子-扬子江 / Arreando patos - Río Yangtsé / Herding Ducks - Yangtze", 1919
Biblioteca Rubinstein, Universidad de Duke / Rubenstein Library, Duke University
(Durham, Carolina del Norte, EE.UU./ North Carolina, USA)

In 1917, he joined the work of Princeton-in-Peking and the Peking YMCA where his Princeton friend John Stewart Burgess invited him to do the surveys which resulted in Peking: A Social Survey, which included more than fifty photographs. In 1919 Gamble was on hand to capture dramatic photographs of the May Fourth student demonstrations. The motto of the May Fourth Movement, "To save China through science and democracy," and the missionary ideal of "Saving China through Christianity" for a time seemed to be united. When he returned with his bride, Elizabeth Lowe, to China in 1924, he used his family resources to hire a team of Chinese researchers to survey 283 families. The book was published in 1933 as How Chinese Families Live in Peiping (as Peking was then called). In 1926, Gamble traveled for three weeks in the Soviet Union with Sherwood Eddy, a longtime mentor.
As China became more and more inflamed by patriotic agitation and warlord fighting, he found hope in the Ting Hsien Experiment in Rural Reconstruction conducted by James Yen’s Mass Education Movement. In 1931-32 Gamble traveled to China for the fourth and final time to organize the surveys which he used for three more detailed volumes, Ting Hsien: A North China Rural Community (1954) and North China Villages (1963). Chinese Village Plays, published in 1970, after his death, give translations based on unique transcriptions of now lost village yang ko plays, which differ from the later dances.

"背柴禾的小孩 / Niños cargando leña / Children Carrying Firewood", 1919
Biblioteca Rubinstein, Universidad de Duke / Rubenstein Library, Duke University
(Durham, Carolina del Norte, EE.UU./ North Carolina, USA)

Jonathan Spence concludes of Gamble that his "findings were open-minded, clear headed, methodologically intelligent (though not always beyond criticism by scholars of different views), startlingly imaginative, and -- when presented in photographic form -- vigorous, ebullient, unsentimental, and starkly, yet never cruelly, illustrative of the deep and real suffering that lay at the heart of China's long revolution."
After his return to the United States, was elected member of the National Council of the YMCA, became Treasurer, Vice Chairman, Chairman, and President Emeritus of Church World Service; Chairman of the Executive Committee of the Josiah Macy, Jr. Foundation; President and Honorary Chairman of Princeton-in-Asia.
He died in 1968.


"中国式车床 / Torno chino / Chinese Lathe", 1918-19
Biblioteca Rubinstein, Universidad de Duke / Rubenstein Library, Duke University
(Durham, Carolina del Norte, EE.UU./ North Carolina, USA)


Hoy, 13 de Julio, es el cumple de

John O'Gready, nacido en 1936, fotógrafo de John Fairfax & Sons desde la década de los sesenta hasta finales de los ochenta, quien cubrió principalmente eventos deportivos.
Se unió al equipo fotográfico del Herald en 1957 y es recordado por la famosa fotografía de "Los Gladiadores", que se convirtió en la Imagen Deportiva del Sño en 1963 y más tarde en un símbolo y trofeo para la Premier League de la NRL.

"Betty Cuthbert compitiendo en el campeonato de atletismo femenino Athletic Inter Club en el Sydney Sports Ground /
competing in the Womens Athletic Inter Club Championship at the Sydney Sports Ground", 16/1/60 / January 16, 1960.
The Sydney Morning Hearld

Betty Cuthbert en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (LXXXI-2)]

O’Gready, que perdió un ojo en un importante accidente de tráfico en los años '60, conocía a la mayoría de los capitanes de la liga de rugby, y ellos a él.
Murió en 1999.

"Norm Provan (St. George) & Arthur Summons (Western Suburbs)
abandonando el embarrado estadio Sydney Cricket Ground (SCG) tras la gran final de la Liga de Rugby /
leave a muddy SCG after the Rugby League Grand Final", 24/8/63 / August 24, 1963. The Sydney Morning Hearld
The Sunday Morning Herald

La Gran Final de la Premier League de Rugby de Nueva Gales del Sur de 1963 entre sus rivales de larga data Western Suburbs y St. George se jugó bajo un aguacero torrencial el sábado 24 de agosto. Esto, combinado con el hecho de que el área central de cancha de cricket de Sydney Cricket Ground estaba notoriamente embarrada en tales condiciones, aseguró que los jugadores no solo estuvieran empapados sino que también cubiertos de lodo de pies a cabeza. Al concluir el duro combate que ganaron los de St. George, los capitanes de los dos equipos, el alto Norm Provan y el pequeño Summons se abrazaron reconociendo los estoicos esfuerzos del otro. El momento fue capturado por el fotógrafo de prensa John O'Gready, y publicado en el Sun Herald del día siguiente. Posteriormente la imagen ganó varios premios, llegando a ser conocida como "Los gladiadores". 
Al tiempo que O'Gready comenzó a explicar su selección, su editor Graham Wilkinson echó una última mirada a la pila de las fotografías descartadas. Tomó la imagen de los dos capitanes y dijo "esta es la foto"... Apareció al día siguiente en la página tres del Sun-Herald. O'Gready estaba decepcionado por no encontrarla en la portada. En realidad fue muy afortunado.
Summons ha dicho recientemente que The Gladiators en realidad lo muestra quejándose a Norm Provan de la decisión de los árbitros. Esta imagen fue la inspiración para la actual estatua de bronce del trofeo de la Premier.

"El capitán de St. George, Norm "Sticks" Provan, es sacado a hombros del campo por sus compañeros de equipo tras vencer a Western Suburbs en la Gran Final de la Liga de Rugby en el Sydney Cricket Ground (SCG) /
St George captain Norm "Sticks" Provan is chaired from the field by teamates after they beat Wests 8-3 in the Rugby League Grand Final at the SCG", 24/8/1963 / August 24, 1963.
The Sunday Morning Herald

The 1963 NSW Rugby League Premiership Grand Final between long term rivals Western Suburbs and St George was played in a torrential downpour on Saturday, 24 August. This, combined with the fact that the centre cricket pitch area of Sydney Cricket Ground was notoriously muddy in such conditions, ensured that the players were not only saturated but also caked in mud from head to toe. At the conclusion of the hard fought match which was won by St George, the captains of the two teams, the tall Norm Provan and more diminutive Summons respectively, embraced in appreciation of each other's stoic efforts. The moment was captured by a newspaper photographer, John O'Gready, and published in the following day's Sun Herald. Subsequently the image won several awards, becoming known as The Gladiators.
As O'Gready began to explain his selection, his editor Graham Wilkinson took one last look at the pile of discarded photographs, took the image of the two captains and said 'this is the picture' ... It appeared to the day next on page three of the Sun-Herald, O'Gready was disappointed that he did not find it on the cover, but he was actually very lucky.
Summons has recently said that The Gladiators actually shows him complaining about the referees decision to Norm Provan. This image was the inspiration for the current premiership trophy's bronze statue.

Today, July 13, is the birthday of

John O'Gready, born in 1936, photographer for John Fairfax & Sons from the 1960s to the late 1980s, who mainly covered sporting events. 
He joined the Herald photographic team in 1957 and is remembered for the famous Gladiators picture which was Sports Picture Of The Year for 1963 and later became a symbol and trophy for the NRL Premiership.

"Mick Jagger actuando con los Rolling Stones en el Showground /
performs with the Rolling Stones at the Showground", Australia, 22/1/65 / 22 January 1965.
Foto / Photo: John O'Gready/The Sydney Morning Herald/Fairfax Media

Mick Jagger en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All Links]
The Rolling Stones en "El Hurgador" / in this blog:
[Pablo Lobato (Caricaturas)], [Aniversarios (XCV)], [Aniversarios Fotografía (CCII)]


"El jugador de rugby John Rhodes entrenando / Rugby Player John Rhodes At Training", 17/5/68 / May 17, 1968.
Foto / Photo: John O'Gready/The Sydney Morning Herald/Fairfax Media

O’Gready, who lost an eye in a serious car accident in the 60s, knew most of the rugby league captains and players, and they him.
He died in 1999.

"Alfred Hitchcock vista The Gap, un lugar de Sydney notorio por los suicidios que allí se producen /
visits The Gap, a Sydney location notorious for suicides, 6/5/60 / May 6, 1960.
Foto / Photo: John O'Gready/The Sydney Morning Herald/Fairfax Media

"Alfred Hitchcock vista The Gap, un lugar de Sydney notorio por los suicidios que allí se producen /
visits The Gap, a Sydney location notorious for suicides, 6/5/60 / May 6, 1960.
Foto / Photo: John O'Gready/The Sydney Morning Herald/Fairfax Media

Alfred Hitchcock en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All Links] 

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Aniversarios / Anniversaries (CCCV) [Julio / July 8-10]

July 13, 2019, 11:13 pm
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Todos los aniversarios de Julio aquí / All anniversaries for July here.
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El 8 de Julio es el cumple de

Kaii Higashiyama (東山 魁 夷), escritor y artista japonés nacido en 1908 en Yokohama, particularmente conocido por sus pinturas de estilo Nihonga.
Como uno de los artistas más populares en el Japón de posguerra, Higashiyama recibió el Premio de la Academia de Arte de Japón en 1956 y la Orden de la Cultura en 1969.
Le dieron el primer nombre de Shinkichi, pero más tarde lo cambió a Kaii. De los tres a los dieciocho años vivió en Kobe, donde asistió a la Escuela Secundaria Kobe (actualmente Escuela Secundaria de la Prefectura de Hyogo).

"春を呼ぶ丘 / La colina que llama a la primavera / The Hill That Calls Spring", 1972. Link

En 1921 ingresó en el departamento de Nihonga de la Escuela de Bellas Artes de Tokio (actualmente Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio). Higashiyama se graduó con elogios en 1931 e ingresó en el departamento de investigación de la escuela, donde pasó dos años entrenando con Somei Yuki. En 1933 abordó un barco de carga con destino a Europa y comenzó sus estudios en historia del arte occidental en la Universidad de Berlín, donde estudió desde 1933 hasta 1935. En este momento su trabajo entró en una competencia de arte durante los Juegos Olímpicos de verano de 1936 en Berlín.
En julio de 1945 fue reclutado en el ejército y recibió entrenamiento antitanque, aunque fue desmovilizado ese mismo año. Pasó mucho tiempo viajando, principalmente en Japón y China, pero también hizo varios viajes a Europa; en 1962 recorrió los países nórdicos.
En 1947 recibió el premio especial en Nitten, la mayor exhibición de competición artística de Japón. Esto impulsó el desarrollo de su propio estilo centrado en la confrontación y la contemplación de la naturaleza. En 1950 expuso la pintura "Camino" en la 6 ª Exposición Nitten, donde su simpático y simplista tratamiento del tema fue bien recibido por el mundo del arte y el público. En 1950, después de la muerte de su madre, se mudó a Ichikawa, Chiba.

"緑のハイデルベルク / Heidelberg verde / Green Heidelberg", 1971. Link

El 12 de enero de 1985 Higashiyama, junto con Andy Warhol y Joseph Beuys, participaron en el proyecto "Global-Art-Fusion". Este fue un proyecto de arte de Fax, iniciado por la artista conceptual Ueli Fuchser, en el que se envió un fax con los dibujos de los tres artistas en 32 minutos en todo el mundo, desde Düsseldorf (Alemania) a través de Nueva York (EE. UU.) Hasta Tokio (Japón), recibido en el Palais-Liechtenstein Museo de Arte Moderno de Viena. Fue pensado como una declaración de paz durante la Guerra Fría en la década de 1980.

"年暮る / Fin de año / Year Ends", litografía / lithograph, 44,2 × 60,6 cm., 1992. Link

En 1953, fue seleccionado para pintar 27 murales de fusama-e para una casa japonesa, llamada Casa y Jardines Japoneses Shofuso, que se estaba construyendo en Nagoya en 1953 para una exposición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Higashiyama, que había sido compañero de clase del arquitecto Junzo Yoshimura, fue elegido entre otros conocidos pintores japoneses como Maeda Seison y Yokoyama Taikan, para pintar escenas de montaña con tinta negra en el fusuma y la alcoba de tokonoma. El Shofuso se trasladó a Filadelfia en 1958, donde los murales estuvieron a la vista hasta que fueron destruidos por vándalos en 1974.
El artista murió en 1999.

"唐招提寺御影堂障壁画 / Murales de Toshodaiji Mieido / Toshodaiji Mieido Murals"
"El sonido de las olas / Sound of the Waves", 1973
Reproducción de la instalación original en la exposición retrospectiva que tuvo lugar en 2018 en Tokyo y Khoto, conmemorando los 110 de años del nacimiento del pintor /
Reproduction of the original installation, at the retrospective exhibition in 2018 in Tokyo and Kyoto, marking 110 years since the birth of the painter

"唐招提寺御影堂障壁画 / Murales de Toshodaiji Mieido / Toshodaiji Mieido Murals"
"El sonido de las olas / Sound of the Waves", litografías / lithographs, 76 x 236 cm., 1994
76,0 × 236 cm. - 59 × 230,5 cm. - 69,5 × 222,5 cm. Ed.87. Blouin Art, Bur@rt

Para crear los murales Higashiyama se inspiró en su profundo respeto por el sacerdote chino del siglo VIII Jianzhen, conocido como Ganjin en Japón. Jianzhen hizo cinco intentos fallidos de viajar a través del mar para propagar el budismo por Japón hasta que consiguió tener éxito. Aunque había perdido la vista cuando llegó, fundó Tōshōdaiji, donde enseñó la fe.
Higashiyama visitó los lugares que deseaba pintar para completar el conmovedor escenario japonés de obras como San’un (Nubes de montaña) y Tōsei (El sonido de las olas). También fue a China tres veces antes de 1978, cosa que no fue tarea fácil hasta que el tratado relajó las restricciones de viaje, para ver el terreno local de las obras en la tradición de la pintura con tinta china. Visitó la ciudad natal de Jianzhen, Yangzhou, para pintar el mural Yōshū kunpū (Brisa de Yangzhou), Guilin, donde el sacerdote vivió durante un año después de su quinto intento de cruce fallido, para producir Keirin gesshō (Luna vespertina en Guilin), y la clásica cordillera de Huangshan para Kōzan gyōun (Nubes del amanecer en Huangshan). Link

"唐招提寺御影堂障壁画 / Murales de Toshodaiji Mieido / Toshodaiji Mieido Murals"
"揚州薫風 / Viento de Yangzhou / Wind of Yangzhou", 1980. Link

"揚州薫風 / Viento de Yangzhou / Wind of Yangzhou", 1980 (Reproducción / Reproduction)

"唐招提寺御影堂障壁画 / Murales de Toshodaiji Mieido / Toshodaiji Mieido Murals"
"Tōshōdai-ji Murals: Nubes de montaña / Mountain Clouds" (detalle / detail), 1975. the japantimes

"Tōshōdai-ji Murals: Nubes de montaña / Mountain Clouds" (detalle / detail), 1975 

Higashiyama was inspired to create the murals by his deep respect for the eighth-century Chinese priest Jianzhen—known as Ganjin in Japan. Jianzhen made five failed attempts to travel across the sea to propagate Buddhism in Japan before finally succeeding. Although he had lost his sight by the time he arrived, he founded Tōshōdaiji, where he taught the faith.
Higashiyama visited the places he wished to paint in order to complete the stirring Japanese scenery of works like San’un (Mountain Clouds) and Tōsei (The Sound of Waves). He also went to China three times before 1978—no easy task until the treaty relaxed considerable travel restrictions—to view the local terrain for works in the Chinese ink painting tradition. He visited Jianzhen’s home town of Yangzhou to paint the mural Yōshū kunpū (Yangzhou Breeze); Guilin, where the priest lived for a year after his fifth failed crossing, to produce Keirin gesshō (Guilin Evening Moon); and the classic Huangshan mountain range for Kōzan gyōun (Huangshan Dawn Clouds). Link

"唐招提寺御影堂障壁画 / Murales de Toshodaiji Mieido / Toshodaiji Mieido Murals"
"Nubes al amanecer en Huangshan / Dawn Clouds in Huangshan", 1980. Link

On July 8 is the birthday of

Kaii Higashiyama (東山 魁夷), Japanese writer and artist born in 1908 in Yokohama, particularly renowned for his Nihonga style paintings.
As one of the most popular artists in post-war Japan, Higashiyama was awarded the Japan Art Academy Prize in 1956 and the Order of Culture in 1969.
He was given the first name Shinkichi but later changed this to Kaii. From age three to 18 he lived in Kobe where he attended Kobe Junior High School (presently Hyogo Prefectural High School).
In 1921 he entered the Nihonga department of Tokyo School of Fine Arts (currently Tokyo National University of Fine Arts and Music). Higashiyama graduated with commendation in 1931 and entered the school's research department, where he spent two years training under Somei Yuki.[3] In 1933, he boarded a cargo ship bound for Europe and began his studies in Western art history at Berlin University, where he studied from 1933 to 1935. At this time his work entered an art competition during the 1936 Summer Olympics in Berlin.

"水辺の朝 / Litoral en la mañana / Waterfront in the Morning", óleo sobre lienzo / oil on canvas. Link

In July 1945, he was drafted into the army and received anti-tank training and was demobilized later that year. He spent a lot of time travelling, mostly in Japan and China, but also made several trips to Europe. In 1962 he travelled around the Nordic countries.
In 1947, he received the special prize at Nitten, the largest competition art exhibition in Japan. This fueled the development of his own style focusing on confrontation and contemplation of nature. In 1950, he exhibited the painting "Road" at the 6th Nitten Exhibition, where his sympathetic and simplistic treatment of the subject matter was well received by the art world and the public alike. In 1950, after the death of his mother, he moved to Ichikawa, Chiba.
On January 12, 1985, Higashiyama together with Andy Warhol and Joseph Beuys participated in the "Global-Art-Fusion" project. This was a Fax art project, initiated by the conceptual artist Ueli Fuchser, in which a fax was sent with drawings of all three artist within 32 minutes around the world—from Düsseldorf (Germany) via New York (USA) to Tokyo (Japan), received at Vienna's Palais-Liechtenstein Museum of Modern Art. It was meant as a statement for peace during the Cold War in the 1980s.

"秋彩 / Colores de otoño / Autumn Colors", 99,6 x 72,6 cm., 1986. Google A&C

In 1953, he was selected to paint 27 fusama-e murals for a Japanese house, called Shofuso Japanese House and Gardens, which was being constructed in Nagoya in 1953 for an exhibition at the Museum of Modern Art in New York. Higashiyama, who had been a classmate of architect Junzo Yoshimura, was chosen above a number of other well-known Japanese painters such as Maeda Seison and Yokoyama Taikan, to paint mountain scenes with black ink on the fusuma and the tokonoma alcove. The Shofuso was moved to Philadelphia in 1958 where the murals were on view until they were destroyed by vandals in 1974.
The artist died in 1999.

Serie de Las cuatro estaciones en Kioto / Four Seasons in Kyoto Series
"Primeras nieves en el monte Kitayama / First Snow on Kitayama", litografía / lithograph, 1968 


El 9 de Julio es el cumple de

Hasegawa Toshiyuki (長谷川 利 行), pintor y poeta japonés de los períodos Taishō y Shōwa, nacido en 1921 en Yamashina, Kioto.
Asistió a la escuela Taikyusha (耐久 耐久) en Yuasa, Prefectura de Wakayama. En 1919 publicó por su propia cuenta la colección de poesía Mokui-shū (木 葦 集). En 1921 dejó la escuela y se fue a Tokio planeando publicar novelas y poemas de entretenimiento.

"カフェ・パウリスタ / Cafe Paulista", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 53 × 72,8 cm., 1928
東京国立近代美術館 / Museo Nacional de Arte Moderno (Tokio, Japón / Tokyo, Japan). Artagenda

En 1923 la Universidad de Tokio fue severamente dañada por el gran terremoto de Kanto, y él publicó el libro de poesía Higishi (岸). En el mismo año fue registrado en la asociación de artistas Shinkō yōgakai (新光 洋 画 会) con su pintura "Transformadores en el camino" (田 端 変 電, Tabata hendenjo). En 1924 viajó a Kioto y allí se dedicó por completo a la pintura. Envió fotos a la exposición Nika-ten (二 科 展) y al Teiten (展), pero no fue aceptado.
En 1926 regresó a Tokio. Allí fue admitido en la exposición de Nikaten con las pinturas "Calle abandonada" (廃 道, Haidō) y "Señal al borde del campo" (田 端 電信, Tabata denshinjo). En 1927 recibió el Premio Chogyu (樗 牛 賞) por sus tres pinturas "Cervecería" (麦 酒 室, Bīru-shitsu), "Bar de Sake" (酒 売 場, Sake uriba) y "Fábrica con tubos de acero" (鉄 管 の る 工場, Tekkan no aru kōjō).

"青布の裸婦 / Desnudo femenino sobre sábana azul / Blue Cloth Female Nude", 1937
Colección privada / Private Collection. ART Agenda

Desde 1931 vivió como un bohemio en varios alojamientos de Asakusa. En 1933 se unió al Shurushuru-kai (超 々 ル 会). De 1936 a 1937 expuso ampliamente en la Galería Amashiro (天 城 画廊) en Shinjuku. En 1937 se retiró de Nikakai, visitó con el poeta Yano Fumio (文 夫, 1901-1995) la isla de Ōshima, y ​​expuso en 1938 en Issui-kai (一 水 会). En 1939 cayó enfermo de cáncer de estómago. En 1940 llegó a un hospital como paciente indigente (民, Kyumin), donde murió poco después.
En 2009 se descubrió la pintura "Cafe Paulista". Su valor se estimó en 18,000,000 yenes, o alrededor de 150.000 euros.

"自画像 / Autorretrato / Self Portrait", óleo / oil, 1925. Wikimedia Commons

On July 9 is the birthday of

Hasegawa Toshiyuki (長谷川 利 行), Japanese painter and poet of the Taishō and Shōwa periods, born in 1921 in Yamashina, Kyoto.
He attended the Taikyusha (耐久 舎) school in Yuasa, Wakayama Prefecture. In 1919 published at its own expense the poetry collection Mokui-shū (木 葦 集). In 1921 he left school, went to Tōkyō, and planned to publish entertainment novels and poems.

"麦 酒 室 / Cervecería / Brewery", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 53 x 65 cm., 1927. Wikimedia Commons

In 1923 the University of Tōkyō was severely damaged in the great Kanto earthquake, and he published the poetry book Higishi (火 岸). In the same year he was recorded in the artist's association Shinkō yōgakai (新光 洋 画 会) with his painting "Transformers along the way" (田 端 変 電 所, Tabata hendenjo). In 1924 he went to Kyoto, and devoted himself entirely to painting there. He submitted pictures at the exhibition Nika-ten (二 科 展) and the Teiten (帝 展), but was not accepted.
In 1926 Hasegawa went back to Tōkyō. There he was admitted to the exhibition of the Nikaten with the paintings "Abandoned Street" (廃 道, Haidō) and "Signal On the Edge of the Field" (田 端 電信 所, Tabata denshinjo). In 1927, he was awarded with Chogyu Prize (樗 牛 賞) for his three paintings "Beer Pub" (麦 酒 室, Bīru-shitsu), "Sake Pub" (酒 売 場, Sake uriba) and "Factory with Steel Pipes" (鉄 管 の る 工場, Tekkan no aru kōjō).

"岸田國士像 / Retrato de / Portrait of Kishida Kunio"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 73 x 53,5 cm., 1930
東京国立近代美術館 / Museo Nacional de Arte Moderno (Tokio, Japón / Tokyo, Japan)

Since 1931 Hasegawa lived as Bohème in Asakusa in various accommodations. In 1933 he joined the Shurushuru-kai (超 々 シ ル シ ュ ル 会). From 1936 to 1937 he exhibited extensively in the Amashiro Gallery (天 城 画廊) in Shinjuku. In 1937 he retired from the Nikakai, visited with the poet Yano Fumio (矢野 文 夫, 1901-1995) the island of Ōshima, and exhibited in 1938 in the Issui-kai (一 水 会). In 1939 he fell ill with stomach cancer. In 1940 he came to a hospital as a penniless patient (窮 民, Kyumin), where he died soon after.
In 2009, the painting "Cafe Paulista" was discovered. Its value was estimated at 18,000,000 yen, or about 150,000 euros.

"水泳場 / Piscina / Swimming Pool", 1932
板橋区立美術館 / Museo de Arte Itabashi (Tokio, Japón / Tokyo, Japan)


El 10 de Julio es el cumple de

Roger-Edgar Gillet, pintor y grabador francés nacido en 1924 en París.
Asistió a los cursos de grabado de medallas de la École Boulle de 1939 a 1943, y también asistió, para evitar el Servicio de trabajo obligatorio, a las clases de Maurice Brianchon en la École nationale supérieure des arts décoratifs. Luego enseñó en la Academia Julian de 1946 a 1948, donde conoció a Teresa, quien se convirtió en su esposa.
Al principio trabajó en una estética abstracta. Participó en varias exposiciones organizadas por los críticos Michel Tapié y Charles Estienne. Luego se le asoció con la abstracción lírica europea, también llamada arte informal o Nueva Escuela de París, con pintores como Georges Mathieu, Pierre Alechinsky, Jean Messagier, Serge Poliakoff, Jean-Paul Riopelle, Jean Fautrier, Hans Hartung o Zao Wou- ki.

"Au théâtre ce soir. La scène / En el teatro esta noche. La escena / At the Theater Tonight. The Scene"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 114 x 195 cm., 1973. Colección / Collection Nathalie Géraut. Link

Presentó su primera exposición individual en 1953 en la galería Craven de París. En 1954 recibió el premio Fénéon, luego de una exposición en la Galerie de France. Ganó el Premio Catherwood y fue a los Estados Unidos. A su regreso expuso en la galería Ariel. En 1957 se unió a la Galerie de France con otros pintores jóvenes (Alechinsky, Levée, Maryan) y realizó 3 exposiciones individuales en 1959, 1961 y 1963. Alejándose de la abstracción, dejó la Galerie de France y encontró la Galería Ariel de su amigo Jean Pollak. Enunció claramente la línea de su galería, especialmente con la exposición "15 pintores de mi generación" (1964). Estos pintores eran amigos de Gillet, especialmente Albert Bitran, Jacques Doucet, André Marfaing, Maryan, Jean Messagier y Paul Rebeyrolle.

"Le Juge / El juez / The Judge", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 92 x 65 cm., 1977
Colección / Collection Natahalie Géraut. Link

A mediados de los sesenta, Roger-Edgar Gillet se pasó a la figuración, y la humanidad se convirtió en el tema central de su trabajo. Su producción se desarrolla claramente en forma de series: Piojos, Jueces, Bigotes, Marilyn, Músicos, Mutantes... Además no duda en tocar temas de pintura religiosa como La Última Cena o la Crucifixión. También se ocupa del paisaje, con sus Ciudades y sus Marinas.
Estéticamente Gillet tiene afinidades con Goya y el flamenco James Ensor. Puede relacionarse con la nueva figuración y el movimiento expresionista.
En la década de 1970 vivió cerca de Sens en Yonne, con su esposa y cuatro hijos. Luego repartirá su vida entre París y Saint-Suliac, cerca de Saint-Malo.
Dejó de pintar en 1998, y murió en 2004.

"Ville et gens / Ciudad y gente / City and People"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 111 x 146 cm., 1983
Colección / Collection Stéphane Janssen (EE.UU./ USA). Link

On July 10 is the birthday of

Roger-Edgar Gillet, French painter and engraver born in 1924 in Paris.
He attended the medal engraving courses of the École Boulle from 1939 to 1943, also attending, in order to avoid the compulsory Labor Service, Maurice Brianchon's classes at the École nationale supérieure des arts decoratives. Then he taught at the Julian Academy from 1946 to 1948, where he met Therese who became his wife.
At first, he works in an abstract aesthetic. He participated in several exhibitions organized by the critics Michel Tapié and Charles Estienne. He was then associated with European lyric abstraction, also called informal art or New School of Paris, with painters like Georges Mathieu, Pierre Alechinsky, Jean Messagier, Serge Poliakoff, Jean-Paul Riopelle, Jean Fautrier, Hans Hartung or Zao Wou- Ki.

"Tempête / Tormenta / Storm", óleo sobre papel montado sobre lienzo /
oil on paper mounted on canvas, 38,5 x 60 cm., 1993. Colección / Collection Gillet. Link

He presented his first solo exhibition in 1953 at the Craven gallery in Paris. In 1954, he was awarded the Fénéon prize, then following an exhibition at the Galerie de France. He won the Catherwood Prize and went to the United States. Upon his return he exhibited at Ariel Gallery. In 1957 he joined the Gallery of France with other young painters (Alechinsky, Levée, Maryan) and there held 3 solo exhibitions in 1959, 1961 and 1963. Moving away from abstraction, he left the Galerie de France and found the Ariel Gallery of his friend Jean Pollak. He clearly states the line of his gallery, especially with the exhibition "15 painters of my generation" (1964). These painters were friends of Gillet, especially Albert Bitran, Jacques Doucet, André Marfaing, Maryan, Jean Messagier, and Paul Rebeyrolle.

"La Fête chez Pollak / Fiesta en lo de Pollak / Party at Pollak's"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 x 162 cm., 1968
Colección / Collection Abbaye d'Auberive. Link

In the mid-sixties Roger-Edgar Gillet turned to figuration, and humanity became the central subject of his work. His production is clearly in the form of series: Lice, Judges, Bigotes, Marilyn, Musicians, Mutants ... Moreover, he does not hesitate to mention themes of religious painting such as The Last Supper or the Crucifixion. He also deals with the landscape, with his Cities and his Marines.
Aesthetically, Gillet has affinities with Goya and the Flemish James Ensor. It can be related to the new figuration and the expressionist movement.
In the 1970s, he lived near Sens in the Yonne, with his wife and four children. He will then share his life between Paris and Saint-Suliac, near Saint-Malo.
Gillet stops painting in 1998. He died in 2004.

"La Marche des Oubliés / La marcha de los olvidados / The March of the Forgotten"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 200 x 300 cm., 1988
Colección / Collection Stéphane Janssen (EE.UU./ USA). Link

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Aniversarios / Anniversaries (CCCVI) [Julio / July 11-14]

July 13, 2019, 11:19 pm
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Todos los aniversarios de Julio aquí / All anniversaries for July here.
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El 11 de Julio es el cumple de

Roger de La Fresnaye, pintor cubista francés nacido en 1885 en Le Mans, donde su padre, oficial del ejército francés, estaba destinado temporalmente.
Los La Fresnaye eran una familia aristocrática cuyo hogar ancestral, el Château de La Fresnaye, se encuentra en Falaise. Su educación tuvo una base clásica que fue seguida desde 1903 hasta 1904 por estudios en la Académie Julian en París, y desde 1904 hasta 1908 en la École des Beaux-Arts. A partir de 1908 estudió en la Académie Ranson con Maurice Denis y Paul Sérusier, cuya influencia conjunta es evidente en obras tempranas como "Mujer con crisantemos", de 1909. Esto demuestra el ambiente simbolista de ensueño y el carácter estilístico del trabajo del grupo Les Nabis.

"Deux nus dans un paysage / Dos desnudos en un paisaje / Two Nudes on a Landscape"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 59 x 74 cm., 1910. Wikimedia Commons
Musée national d'art moderne Centre Pompidou (París, Francia / France)

De 1912 a 1914 fue miembro del grupo de artistas Section d'Or, y su obra demuestra una respuesta individual al cubismo. Fue influenciado por Georges Braque y Pablo Picasso, pero su obra tiene una sensación más decorativa que estructural y sus colores prismáticos reflejan la influencia de Robert Delaunay. Fue miembro del Grupo Puteaux, una rama orfista del cubismo dirigida por Jacques Villon. Su obra más famosa es "La conquista del aire", de 1913, en la que se representa a sí mismo y a su hermano al aire libre con un globo en el fondo.

"La rumana / The Romanian", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65 x 54 cm., 1921
Musée d'art moderne (Troyes, Francia / France). The Athenaeum

La Fresnaye se alistó en el ejército francés en la Primera Guerra Mundial, pero contrajo tuberculosis y fue relevado en 1918. Su salud se deterioró rápidamente después de la guerra. Nunca recuperó la energía física para emprender un trabajo sostenido. En las últimas pinturas que creó, abandonó el análisis espacial cubista por un estilo más lineal. Dejó de pintar en 1922, aunque siguió dibujando.
Murió en 1925.

"Homme barbu assis / Hombre barbudo sentado / Bearded Man Sitting"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 79 x 64 cm., c.1910
Musée d'art moderne (Troyes, Francia / France). Wikimedia Commons

On July 11 is the birthday of

Roger de La Fresnaye, French Cubist painter born in 1885 in Le Mans where his father, an officer in the French army, was temporarily stationed.
The La Fresnayes were an aristocratic family whose ancestral home, the Château de La Fresnaye, is in Falaise. His education was classically based, and was followed from 1903 to 1904 by studies at the Académie Julian in Paris, and from 1904 to 1908 at the École des Beaux-Arts. From 1908 he studied at the Académie Ranson under Maurice Denis and Paul Sérusier, whose joint influence is evident in early works such as Woman with Chrysanthemums, 1909. This demonstrates the dreamlike symbolist ambience and stylistic character of work by the Les Nabis group.

"Artillería / Artillery", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130,2 x 159,4 cm., 1911
Metropolitan Museum of Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA).

From 1912 to 1914 La Fresnaye was a member of the Section d'Or group of artists, and his work demonstrates an individual response to cubism. He was influenced by Georges Braque and Pablo Picasso, but his work has a more decorative than structural feel and his prismatic colours reflect the influence of Robert Delaunay. He was a member of the Puteaux Group, an orphist offshoot of cubism led by Jacques Villon. His most famous work is The Conquest of the Air, 1913, which depicts himself and his brother outdoors with a balloon in the background.

"Alice leyendo junto a una taza de té / Alice Reading beside a Cup of Tea"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1907. Por amor al arte
Musée d'art et d'industrie André-Diligent, La Piscine (Roubaix, Francia / France)

La Fresnaye enlisted in the French army in World War I but contracted tuberculosis and was discharged in 1918. His health deteriorated rapidly after the war. He never recovered the physical energy to undertake sustained work. In the later paintings that he did create, he abandoned cubist spatial analysis for a more linear style. He ceased painting in 1922 but continued to draw.
He died in 1925.

"El canal, paisaje de Bretaña / The Canal, Brittany Landscape"
Óleo sobre panel de fibra prensada, montado en masonita /
oil on compressed fiberboard mounted to Masonite, 1909.
Indianapolis Museum of Art (Indiana, EE.UU./ IN, USA)


El 12 de Julio

fue bautizado Nicolás Tournier, pintor barroco francés nacido en 1590 en Montbéliard.
Siguió la profesión de su padre, André Tournier, "un pintor protestante de Besançon". Poco se sabe de su vida antes de su llegada a Roma, donde trabajó entre 1619 y 1626, y donde fue influenciado por la obra de Caravaggio. Según una fuente temprana fue alumno de Valentín de Boulogne. Las pinturas romanas de Tournier están estilísticamente cercanas a las obras de Bartolomeo Manfredi. Pintó temas tanto seculares como religiosos; un ejemplo de esto último es La crucifixión con San Vicente de Paúl (París, El Louvre). Después de 1626 estuvo activo en el sur de Francia.

"Le déni de Saint Pierre / La negación de San Pedro / The Denial of Saint Peter"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 172 x 252 cm., 1625-26
Museo Nacional del Prado (Madrid, España / Spain)

"Paysanne portant des Fruits / Campesina cargando frutas / Peasant Carrying Fuit"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91,5 x 73,5 cm., c.1630
Fondation Bemberg (Toulouse, Francia / France). Wikimedia Commons

Su cuadro Cristo bajado de la cruz, pintado alrededor de 1632, se colgó originalmente en la capilla de Toulouse de la Compañía de los Penitentes Negros. Durante la Revolución Francesa, fue confiscado por el estado y trasladado a un museo, de donde fue robado en 1818. Tras perderse durante casi dos siglos, reapareció en 2009 durante la venta de un coleccionista de arte en Florencia. Cuando la Weiss Gallery de Londres lo compró en una subasta de París en 2011, el gobierno francés lo clasificó como propiedad robada y se prohibió que abandonara el país.
Tournier murió en 1639.

"Les joueurs de dés / Jugadores de dados / Dice Players"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120.2 × 171.5 cm. c.1619 ‑ 1626/1627
Speed Art Museum (Louisville, Kentucky, EE.UU./ KY, USA)

On July 12

was baptized Nicolas Tournier, French Baroque painter born in 1590 in Montbéliard.
He followed the profession of his father, André Tournier, "a Protestant painter from Besançon".  Little is known of his life before his arrival in Rome, where he worked between 1619 and 1626, and where he was influenced by the work of Caravaggio. According to one early source, he was a pupil of Valentin de Boulogne. Tournier's Roman paintings are stylistically close to the works of Bartolomeo Manfredi. He painted both secular and religious subjects; an example of the latter is The Crucifixion with St. Vincent de Paul (Paris, The Louvre). After 1626 Tournier was active in southern France.

"Un soldat / Un soldado / A Soldier", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 71 x 96 cm., c.1630
Musée des Augustins (Toulouse, Francia / France)

"Saint Pierre / San Pedro / St. Peter", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 103 x 73 cm., c.1625
Musée des Augustins (Toulouse, Francia / France)

His work The Carrying of the Cross, painted around 1632, originally hung in the Toulouse chapel of the Company of the Black Penitents. During the French Revolution it was confiscated by the state and moved to a museum, from where it was stolen in 1818. After being lost for nearly two centuries, it reappeared in 2009 during an art collector's estate sale in Florence; when the Weiss Gallery of London purchased it in a Paris auction in 2011, the French government classified it as stolen property and banned it from leaving the country.
Tournier died in 1639.

"Le Christ descendu de la Croix / Cristo bajado de la cruz / Descent from the Cross"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 183 x 238 cm., 1632-35
Musée des Augustins (Toulouse, Francia / France)


El 13 de Julio es el cumple de

Sebastian (o Sébastien) Stoskopff, pintor alsaciano nacido en 1597 en Estrasburgo.
Su padre fue empleado por la ciudad desde 1590 y actuó como mensajero o escolta real, conduciendo un carro de un solo caballo. En 1614 el padre de Stoskopff pidió ayuda al consejo de Estrasburgo para su hijo de 17 años. Quería que aprendiera el oficio de la pintura, ya que Sebastián ya tenía un gran talento para el dibujo y la pintura desde los 15 años. El consejo aceptó brindar su apoyo y, probablemente, envió al joven artista con el pintor y grabador en cobre de Estrasburgo Friedrich Brentel. Sin embargo solo aprendió a refinar aún más su dibujo y no se introdujo, como se esperaba, en el arte de la pintura.

"Gran bodegón / Large Still Life", óleo sobre lienzo / oil on canvas, c.1630-50
Residenzgalerie (Salzburgo / Salzburg, Austria). The Athenaeum

En 1615 el padre de Stoskopff murió y su madre viuda acudió una vez más al consejo de Estrasburgo para pedir apoyo para la formación con un pintor reconocido. Stoskopff fue enviado a Daniel Soreau, un pintor activo en Hanau. Después de la muerte de Soreau en 1619, Stoskopff se hizo cargo de su taller con los aprendices, y también ejerció como maestro.
Después de que su intento de obtener el permiso para establecerse en Frankfurt fracasara se fue a París. Permaneció allí desde alrededor de 1622 hasta 1639, cosa que se puede reconstruir a partir de informes indirectos e inventarios de propiedades de los parisinos. Sus primeras obras en formato más grande también fueron creadas allí. Desde París se trasladó a Italia, y luego de nuevo a París. Regresó a Estrasburgo en 1639, cosa que podría deberse a razones familiares o por el fuerte aumento del conflicto religioso en París. Un año después se unió al gremio de Steltz, al que pertenecían otros pintores, grabadores de cobre y artesanos. Hubo varias discusiones entre el artista y el gremio después de que se uniera a él, entre otras cosas porque Stoskopff amaba su libertad como artista independiente y responsable, y no quería operar un taller con aprendices, como se hacía normalmente. Alcanzó riqueza y prestigio en Estrasburgo y se casó con la hijastra de su hermana menor en 1646.

"Bodegón con conchas y caja de trozos de madera / Still Life with Shells and a Chip-Wood Box"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 47 x 59,4 cm., fines de / late 1620s
Metropolitan Museum of Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

A partir de 1650 se orientó cada vez más hacia Idstein, donde mantuvo una estrecha y buena relación con el Conde Johannes de Nassau e Idstein en su última fase creativa y hasta su muerte. El conde era luterano y apoyaba a la Unión Protestante. Era el mecenas más importante de Stoskopff en este momento. Joachim von Sandrart fue un contacto importante que negoció con el Conde sobre las pinturas de Stoskopff.
Murió en 1657.

"Korb mit Gläsern, Pastete und einem Brief / Canasta con copas, un pastel y una carta /
Basket with Glasses, a Pie and a Letter", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50 x 64 cm., c.1640
Musée de l'Oeuvre Notre-Dame (Estrasburgo, Francia / Strasbourg, France). Wikimedia Commons

On July 13 is the birthday of

Sebastian (or Sébastien) Stoskopff, Alsatian painter born in 1597 in Strasbourg.
His father was employed by the city since 1590 and acted as a mounted courier or royal escort, driving a one-horse carriage. In 1614, Stoskopff's father asked the Strasbourg council for help for his 17-year-old son. He wanted him to be able to learn the craft of painting, since Sebastian had already been extremely talented in drawing and painting since he was 15. The council agreed to provide their support and probably sent the young artist at first to the Strasbourg painter and copper engraver, Friedrich Brentel. However, he only learned how to further refine his drawing and was not, as hoped, introduced to the art of painting.

"Metallgefäße und Gläser in einem Korb / Copas de metal y de cristal en una cesta /
Metal and Glass Coups in a Basket", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65 x 54 cm.
Staatliche Kunsthalle (Karlsruhe, Alemania / Germany). Wikimedia Commons

In 1615, Stoskopff's father died and his widowed mother went to the Strasbourg council once again to ask for support for training from a recognized painter. Stoskopff was then sent to Daniel Soreau, a painter who was active in Hanau. After Soreau's death in 1619, Stoskopff took over his workshop with the apprentices, as well as his function as the master. 
After his attempt to get permission to settle in Frankfurt failed, Stoskopff went to Paris. He stayed there from about 1622 until 1639, which can be reconstructed from indirect reports and property inventories of Parisians. His first works in larger format were also created there. From Paris, he moved to Italy, and afterwards again back to Paris. Stoskopff returned to Strasbourg in 1639. This could have been for familial reasons or because of the strong increase of religious conflict in Paris. One year later, he joined the guild of Steltz, to which other painters, copper engravers and craftsmen in the arts belonged. There were several arguments between the artist and the guild after he joined it, among other things because Stoskopff loved his freedom as an independent and self-responsible artist and did not want to operate a workshop with apprentices, as was usually done. He achieved wealth and prestige in Strasbourg and married the stepdaughter of his youngest sister in 1646.

"Bodegón con aloe vera, un cesta de manzanas y puerros /
Still Life With Aloe Vera, A Basket Of Apples And Leeks"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 111 cm. Colección Privada / Private Collection. New York Times

As of 1650, Stoskopff oriented himself more and more toward Idstein, where he maintained a close and good relationship to the Count Johannes von Nassau und Idstein in his last phase of creativity up until his death. The Count was a Lutheran and supported the Protestant Union. He was Stoskopff's most important patron at this time. Joachim von Sandrart was an important contact man who negotiated about Stoskopff's paintings with the Count.
He died in 1657.

"La gran Vanitas, Bodegón / The Great Vanity Still-Life"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 125 x 165 cm., 1641.
Musée de l'Oeuvre Notre-Dame (Estrasburgo, Francia / Strasbourg, France). Wikimedia Commons


Hoy, 14 de Julio, es el cumple de

Nelson Gray Kinsley, pintor estadounidense de paisajes, caza y animales, nacido en 1863 en Canton, Massachusetts.
Después de la muerte del padre de Kinsley, su madre y sus dos hijos comenzaron un gran viaje por Europa. En 1874 la familia se instaló en Frankfurt am Main. Gracias a la intercesión de Adolf Hoeffler, Kinsley recibió desde 1878 clases con Anton Burger en Kronberg. Allí se unió a la comunidad iniciada por su maestro Burger. Desde 1882 hasta 1884 recibió clases privadas en el entorno de la Kunstakademie Düsseldorf de, entre otros, Christian Kröner.

"Paisaje otoñal con ciervos / Autumn Landscape With Deer"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 61 x 71 cm., 1897. Mutual Art

Antes de ir a la Academia de Arte de Karlsruhe en 1884 se casó con Louise Burger, una hija de su maestro Burger. En Karlsruhe estudió entre 1887 y 1891 con Hermann Baisch.
En 1897 regresó a Kronberg y se estableció allí, donde creó suscuadros, en su mayoría de pequeño formato, en sus géneros favoritos de paisajes, caza y pintura de animales.
Murió en 1945.

"Blick vom Kronberg im Winter / Vista de Kronberg en invierno / View of Kronberg in Winter"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 50 cm. Mutual Art

Today, July 14, is the birthday of

Nelson Gray Kinsley, American landscape, hunting and animal painter born in 1863 in Canton, Massachusetts.
After the death of Kinsley's father, his mother and his two sons started a big trip to Europe. In 1874 the family settled in Frankfurt am Main. At the intercession of Adolf Hoeffler Kinsley got from 1878 lessons with Anton Burger in Kronberg. There he joined the community initiated by his teacher Burger. From 1882 to 1884, he received private lessons in the environment of the Kunstakademie Düsseldorf from, among others, Christian Kröner.

"Sommerliche Landschaft mit Blick in die Mainebene / Paisaje de verano con una vista de la llanura de Maine /
Summer Landscape With a View of the Maine Plain", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 49,5 x 65 cm. Blouin Art

Before he went to Karlsruhe Art Academy in 1884, he married Louise Burger, a daughter of his teacher Burger. In Karlsruhe Kinsley studied between 1887 and 1891 under Hermann Baisch.
In 1897, he returned to Kronberg and settled there, where he created his mostly small-format images in his favorite genres of landscape, hunting and animal painting.
He died in 1945.

"Apfelblüte in / Manzano en flor en / Apple Tree Blossom in Kronberg"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas. Stiftung Kronberger Malerkolonie. Wikimedia Commons

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Pintando perros / Painting Dogs (LXXI) - Chinos / Chinese (VIII)

July 15, 2019, 4:57 am
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Nueva selección de pinturas con perros creadas por artistas chinos. En esta oportunidad, la mayoría de las obras presentan el motivo de "chica con perro", muy habitual en los pintores del realismo chino contemporáneo. Todos los artistas de esta selección nacieron a mediados del siglo XX.

New selection of paintings with dogs created by Chinese artists. On this occasion, most of the works present the motif of "girl with dog", very common in contemporary Chinese realist painters. All the artists of this selection were born in the middle of the 20th century.
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Peng Zhixin
彭志信
(China, 1951-)

"道特人家 / Familia Dot / Dot Family". Link

Peng Zhixig es un pintor chino nacido en 1951. Autodidacta en pintura, a principios de la década de 1970 se incorporó como editor de arte del Cuerpo de Ingenieros del Ejército de Liberación del Pueblo Chino. Más tarde trabajó como editor de arte para "Zhe Li Mu Bao" ("Tongliao Daily") y "Literatura Korqin" en la Mongolia Interior. Ha creado un gran número de ilustraciones de periódicos y revistas.

Peng Zhixig is a Chinese painter born in 1951. Self-taught in painting, in the early 1970s he was enlisted as the art editor of the Engineering Corps of the Chinese People's Liberation Army. He later worked as an art editor for Inner Mongolia's "Zhe Li Mu Bao" ("Tongliao Daily") and "Korqin Literature". He has created a large number of newspaper and magazine book illustrations.

"采森其其格 / Detectando / Sensing"
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Jin Gao
金高
(China, 1933 - 2006)

"Una nevada a tiempo trae una buena cosecha / A Timely Snow Brings A Good Harvest"
Óleo sobre lino / oil on linen, 56 × 71 cm., 1991. Link


Nacida en 1933 Jin Gao ingresó en la Academia Tecnológica Artística de Beijing en 1948, se graduó en la Academia de Arte de China en 1952 y luego encontró un trabajo en Mongolia Interior. De 1979 a 1988, se desempeñó como vicepresidenta de la Asociación de Artistas de Mongolia Interior. En 1982, tomó un cargo en el departamento de arte de la Universidad Normal de Mongolia Interior. Desde 1983 viajó a Estados Unidos. Recibió varios premios incluidos el Premio a la Obra Excelente de la 6ta Exposición Nacional de Arte, 1984, El Premio a la excelencia de la 1ª Exposición Nacional de Arte de las Minorías, 1982. Sus obras se recogen en colecciones permanentes en el Museo de Arte de China, el Museo Nacional de China y el Museo de Mongolia Interior.
Murió en 2006.


"Yendo a la escuela / Going To School", 1991

"梦 / Sueño / Dream", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 72 x 100 cm., 1992. Link

Born in 1933, China, Jin Gao entered Beijing Art Technological Academy in 1948, and graduated from China Art Academy in 1952, and then she found a job in Inner Mongolia. From 1979 to 1988, she served as vice president of Inner Mongolia Artists Association. In 1982, she took a position in the art department of Inner Mongolia Normal University. Since 1983, she traveled to America. She earned several prizes, included The Excellent Works Award of the 6th National Art Exhibition, 1984; The Excellent Award of National 1st Minority Art Exhibition, 1982. Her works are collected in permanent collections in China Art Museum, China National Museum, and Inner Mongolia Museum. 
She died in 2006. Link

Izq./ Left: "Una nevada a tiempo... / A Timely Snow" (detalle / detail)
Der./ Right: "梦 / Sueño / Dream" (detalle / detail)
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Sun Weimin
孙为民
(Heilongjiang, China, 1946-)

"相伴 / Acompañada / Accompanied", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 53 × 65 cm. Link




Sun Weimin es un pintor chino nacido en 1946 en Heilongjiang. Se graduó en la escuela secundaria afiliada a la Academia Central de Bellas Artes en 1967 y luego enseñó en esta escuela. En 1984 obtuvo una maestría en pintura al óleo de la Academia Central de Bellas Artes.Actualmente es profesor en la Academia Central de Bellas Artes y director de primeros estudios del Departamento de Pintura al Óleo.

"秋山里的山坳 / Espino en la montaña en otoño / Hawthorn In The Autumn Mountain"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 97,5 × 80,5 cm., 1992. Link

"阳光下 / Al sol / In the Sun", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65 × 53 cm. Link

"小树林 / Arboleda / Grove", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 97 × 130 cm., 2008. Link

"小树林 / Arboleda / Grove" (detalle / detail)

Sun Weimin is a Chinese painter born in 1946 in Heilongjiang.
He graduated from the secondary school affiliated with the Central Academy of Fine Arts in 1967, and then taught at this school. In 1984 he obtained a Master's degree in oil painting from the Central Academy of Fine Arts.
He is currently a professor at the Central Academy of Fine Arts and director of the first studies of the Department of Oil Painting.

"爽秋 / Otoño fresco / Cool Autumn", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 66,5 × 53 cm., 2004. Link

"斜阳 / Puesta de sol / Setting Sun", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50,3 × 65,2 cm., 2004. Link

"女人体 / Cuerpo de mujer / Woman Body", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90 × 130 cm., 2006. Link

"夏日正午 / Mediodía de verano / Summer Noon", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 53 × 65 cm., 2005. Link

"少女与狗 / Chica y perro / Girl and Dog", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 53 × 65cm., 2006. Link

"树荫下 / A la sombra / Under the Shadow", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65 × 53 cm., 2013. Link

"树荫下 / A la sombra / Under the Shadow" (detalle / detail)

"初秋的阳光 / Sol a princpios del otoño / Early Autum Sunshine"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 53,2 × 65,1 cm., 2004. Link

"秋声 布面 / Sonido del otoño / Autumn Sound", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 53 × 65cm., 2004. Link
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Tan Quanchang
谭全昌
(Donggang, Liaoning, China, 1949-)

"雪花 / Copo de nieve / Snowflake", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1995


Tan Quanchang nació en Donggang, provincia de Liaoning, en 1949.Se graduó en la Academia de Bellas Artes de la Universidad Central para las Nacionalidades. Director de la Asociación de Artistas de China.Vicepresidente de la Asociación de Artistas de Jilin. Artista de Nacional Primera Clase. Vicepresidente del Instituto de Pintura Xu Beihong de China. Decano Honorario de la Academia de Pintura Provincial de Jilin. Decano Honorario de la Escuela de Pintura y Caligrafía Changbai de China. ex Decano de la Academia de Pintura Provincial de Jilin. Secretario General de la Asociación de Artistas de Jilin.


"秋韵 / Otoño / Autumn", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 × 150 cm.

"等 / Espera / Wait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 × 90 cm.

Tan Quanchang was born in Donggang, Liaoning Province, in 1949.
He graduated from the Academy of Fine Arts of the Central University for Nationalities. Director of the Association of Artists of China. Vice-president of the Association of Artists of Jilin. First Class National Artist. Vice President of the Xu Beihong Painting Institute of China. Honorary Dean of the Provincial Painting Academy of Jilin. Honorary Dean of the School of Painting and Calligraphy Changbai of China. Former Dean of the Provincial Painting Academy of Jilin. General Secretary of the Jilin Artists Association.

"天山上的小花 / Flores Tianshan / Tianshan Flowers", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 × 80 cm.

"北大仓人 / Gente Beidacan / Beidacan People", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 140 × 160 cm.
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Hou Bin
侯滨
(Shandong, China, 1950-)

Hou Bin nació en 1950 en Shandong. En 1973 fue nombrado editor de arte de Shandong Youth Magazine, y luego se desempeñó como director y director de edición. En 1984 ingresó en la especialidad de pintura al óleo en el Shandong Art College. En 1989 fue elegido presidente de la Asociación de Jóvenes Artistas de Shandong. En 1994 fue elegido miembro de la Federación Provincial de Literatura y Arte, y miembro de la Asociación de Artistas Provinciales. En el 2000 fue calificado como artista nacional de primera clase.
En 2003 se mudó a Shanghai y ese mismo año presentó su primera exposición individual.

"迟到的人 / Llegando tarde / Being Late", 120 x 50 cm., 2005. Link




Hou Bin was born in 1950 in Shandong. In 1973 he was named art editor of Shandong Youth Magazine, and then served as director and editor. In 1984 he entered the specialty of oil painting at Shandong Art College. In 1989 he was elected president of the Young Artists Association of Shandong. In 1994 he was elected member of the Provincial Federation of Literature and Art, and member of the Association of Provincial Artists. In 2000 he was qualified as a First Class National Artist.
In 2003 he moved to Shanghai and that same year he presented his first solo exhibition.


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Yao Yuan
姚远
(Ningbo, Zhejiang, China, 1952-)

"秋风中的古老水车 / La vieja noria bajo el viento otoñal /
Ancient Waterwheel In The Autumn Wind", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 102 × 102 cm., 1991. Link

Yao Yuan es un pintor chino nacido en 1952 en Ningbo, Zhejiang.Es miembro de la Asociación de Artistas Chinos y artista nacional de primera clase. En 1976 ingresó a la Academia de Pintura de Beijing. En 1978, fue a la Academia de Arte del Ejército de Liberación Popular durante un año, y su obra "Chica coreana Uygur" participó en la Exposición de Pintura de Retratos de Beijing. En 1980 con "Bosqucillo verde de cocoteros" participó en la Exposición de pintura al óleo de Beijing. En 1984 "El saltamontes colgando del árbol" participó en la Exposición de Arte Juvenil de Beijing. Con "El estilo Hanzhong" participó en la exhibición del 35 aniversario de la fundación de la República Popular China en Beijing, ganó el segundo premio y fue recopilada por la Asociación de Arte de Beijing. En 1987, con "Viaje", participó en la primera exposición nacional de pintura al óleo. En 1988 con "Regresando de la escuela" participó en la exposición de la Galería Gaoge en Taiwán. Desde 1989 sus obras se han expuesto en Singapur, Hong Kong, Taiwán, Japón y los Estados Unidos.

"沉思 / Meditación / Meditation", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 88 × 88 cm., 1991. Link

Yao Yuan is a Chinese painter born in 1952 in Ningbo, Zhejiang.
He is a member of the Association of Chinese Artists and a First Class National Artist. In 1976 he entered the Beijing Painting Academy. In 1978, she went to the Art Academy of the People's Liberation Army for one year, and her work "Korean Girl Uygur" participated in the Beijing Portrait Painting Exhibition. In 1980 with "Green Grove Coconut" he participated in the Beijing Oil Painting Exhibition. In 1984 "The Grasshopper Hanging From The Tree" participated in the Beijing Youth Art Exhibition. With "Hanzhong style" he participated in the exhibition of the 35th anniversary of the founding of the People's Republic of China in Beijing, won the second prize and was compiled by the Beijing Art Association. In 1987, with "Journey", he participated in the first national exhibition of oil painting. In 1988 with "Returning from school" he participated in the exhibition of Gaoge Gallery in Taiwan. Since 1989 his works have been exhibited in Singapore, Hong Kong, Taiwan, Japan and the United States.
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Más perros chinos / More Chinese Dogs

[Pintando perros (XXXVII) - Chinos (I)], [Pintando perros (XXXVIII) - Chinos (II)]
[Pintando perros (XXXIX) - Chinos (III)], [Pintando perros (XL) - Chinos (IV)]
[Pintando perros (XLIV) - Chinos (V)], [Pintando perros (XLVI) - Chinos (VI)]
[Pintando perros (LVIII) - Chinos (VII)]

Serie "Pintando perros" todos los enlaces aquí /Painting Dogs Series, all links here.

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Mueren / R.I.P. Rabin Mondal & Leon Kossoff

July 16, 2019, 3:05 am
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Muere Rabin Mondal a los 90 años /
Rabin Mondal dies aged 90

Rabin Mondal
Rabindra Nath Mondal
(Howrah, Bengala Occidental / West Bengal, India, 1929 -
Bidhannagar, 2019)

Foto / Photo: Gallerie Splash

Rabin Mondal, nacido Rabindra Nath Mondal, fue un pintor indio de Howrah, Bengala Occidental. Fue miembro fundador de los Pintores de Calcuta. Vivió y trabajó en una relativa oscuridad hasta que las exposiciones retrospectivas de su obra en Calcuta, Nueva Delhi y Bombay llamaron la atención nacional en 2005.
Aunque la familia Mondal tenía un pasado de clase media alta y muy educada, Howrah era conocida por sus barrios de tugurios superpoblados y sus trabajadores migrantes empobrecidos que trabajaban en varias industrias sucias. Fue un ambiente que hizo que el joven Rabin tomara nota de las realidades de la vida y sus luchas.
Como muchos artistas indios de su generación, Rabin se vio profundamente afectado por la hambruna de Bengala de 1943, la lucha por la independencia de la India y la posterior partición de su Bengala natal.

"Rey / King", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 30,48 x 30,48 cm., 2016. Aakriti Art Gallery

Se graduó en Comercio en la Universidad de Calcuta en 1952. Su primera educación formal en arte fue en el Indian College of Art and Draugtsmanship, Calcuta. Continuó sus estudios artísticos en el Asutosh Museum of Indian Art de la Universidad de Calcuta.
En 1964 Rabin y lo que ahora se conoce como el "Grupo de los Ocho" (formado por Nikhil Biswas, Prokash Karmakar, Bijan Chowdhury, Gopal Sanyal, Bimal Banerjee, Mahim Rudra, Gunbritt Svensson y el propio Mondal) formaron los Pintores de Calcuta. Este animado grupo de artistas trabajó para promover el arte modernista no sólo en Calcuta, sino en toda la India, llegando a ser conocido a nivel nacional en el proceso.

"Ganesha", óleo sobre panel / oil on panel, 20" x 15", 1988. Asta Guru

Mondal trabajó en su estudio de Howrah, produciendo una serie de "reyes" y "reinas" pintados al óleo sobre lienzo. Estas son quizás las obras más conocidas de Mondal, que representan figuras de aspecto trágico, que parecen sufrir paranoia y miedo, pero que irónicamente se denominan reyes y reinas. Algunos de los aspectos más destacados de esta serie fueron las obras "Hombre actuando como un rey", "El rey siendo apaciguado", "Rey haciendo una confesión" y "El rey y su asesino". Mondal también produjo una serie de "deidades", que a veces parecen fusionarse temáticamente con sus "reinas". Las deidades del artista están generalmente representadas con coronas radiantes, mientras que sus reyes y reinas no lo son. Otros temas favoritos del artista fueron el burdel y el harén, que representó en lienzos como "Evento en el barrio rojo" y "Orgía".

"Animales - Familia de búfalos / Animal - Buffalo Family"
Óleo y acrílico sobre panel / oil and acrylic on board, 49,53 x 76,71 cm., 1993. DAG

Aunque algunos de los mejores lienzos de Mondal tienen una evidente influencia cubista, estilísticamente su obra ha sido predominantemente expresionista, una reacción a la atormentada humanidad que le rodeaba en Calcuta, y a los trágicos acontecimientos de sus años de formación.
La obra de Rabin Mondal se encuentra en las colecciones de la Galería Nacional de Arte Moderno de Nueva Delhi, Osians Art Archive, Mumbai, The Birla Academy of Art and Culture, Calcuta, y en la Jane and Kito de Boer Collection, Dubai.
Murió el 2 de julio.

"Cara / Face", acrílico sobre panel / acrylic on paper, 30,48 x 25,91 cm., 1995. DAG

"Sin título / Untitled", pincel, pluma y tinta sobre papel /
brush and pen and ink on paper, 25,91 x 36,83 cm., 1972. DAG

Rabin Mondal, born as Rabindra Nath Mondal, was an Indian painter from Howrah, West Bengal. He was a founding member of the Calcutta Painters. He lived and worked in relative obscurity until retrospective exhibitions of his work in Kolkata, New Delhi and Bombay brought him to India’s national attention in 2005.
Though the Mondal family had a highly educated and upper-middle-class background, Howrah was known for its overcrowded slums and impoverished migrant workers who toiled in various grimy industries. It was an environment that caused the young Rabin to take note of the realities of life and its struggles.
Like many Indian artists of his generation, Rabin was deeply affected by the Bengal famine of 1943, the struggle for India's independence, and the subsequent partition of his native Bengal.

"Rey destronado / King Dethroned", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 55,5" x 55,5", 1976. Hyperallergic

He graduated in Commerce from Calcutta University in 1952. His first formal education in art was at the Indian College of Art and Draughtsmanship, Calcutta. He continued his artistic studies at the Asutosh Museum of Indian Art of the University of Calcutta.
In 1964 Rabin and what is now known as the "Group of Eight", (which consisted of Nikhil Biswas, Prokash Karmakar, Bijan Chowdhury, Gopal Sanyal, Bimal Banerjee, Mahim Rudra, Gunbritt Svensson and Mondal himself) formed the Calcutta Painters. This lively group of artists worked to promote modernist art not only in Calcutta, but throughout India, becoming nationally known in the process.

"Sin título / Untitled", óleo sobre papel / oil on paper, 49,53 x 36,83 cm., 1993. DAG

Mondal worked out of his Howrah studio, churning out a series of "kings" and "queens" painted with oil on canvas. These are perhaps Mondal’s best known works, depicting tragic looking figures, seemingly suffering from paranoia and fear, yet ironically termed kings and queens. Some of the highlights of this series were the works Man Acting as King, King Being Appeased, King Making Confession, and King and his Assassin. Mondal also produced a series of "deities", which sometimes seem to merge thematically with his "queens". The artist’s deities are generally depicted with radiate crowns, whereas his kings and queens are not. Other favorite subjects of the artist were the brothel and the harem, which he depicted in canvases such as Event in Red Light Area and Orgy.

"Reina / Queen", acrílico sobre papel / acrylic on paper, 50,04 x 36,83 cm., 1989. DAG

Though some of Mondal’s best canvases have an obvious cubist influence, stylistically his work has been predominantly expressionist, a reaction to the tormented humanity that surrounded him in Calcutta, and the tragic events of his formative years.
Rabin Mondal’s work can be found in the collections of The National Gallery of Modern Art, New Delhi, Osians Art Archive, Mumbai, The Birla Academy of Art and Culture, Kolkata, and the Jane and Kito de Boer Collection, Dubai.
He died on July 2.

"Sin título (Bodegón) / Untitled (Still Life)", óleo sobre papel pegado sobre panel /
oil on paper pasted on mount board, 22" x 28", 1993. Asta Guru

 

Muere Leon Kossoff a los 92 años /
Leon Kossoff dies aged 92

Leon Kossoff
(Islington, Londres, Reino Unido / London, UK, 1926 - 2019)

Foto / Photo: Toby Glanville.

Leon Kossoff fue un pintor figurativo británico nacido en 1926 en Islington, Londres, conocido por sus retratos, dibujos del natural y paisajes urbanos de Londres, Inglaterra.
En 1938 asistió a la Escuela Hackney Downs en Londres. En 1939 fue evacuado con la escuela a King's Lynn, Norfolk, donde vivió con el Sr. y la Sra. R.C. Bishop, que lo alentaron a interesarse por el arte. Durante este tiempo realizó sus primeras pinturas. Cuando regresó a Londres en 1943 fue a la Saint Martin's School of Art y estudió arte comercial. También asistió a clases de dibujo del natural por las tardes en el Toynbee Hall.

"Piscina de niños, 11 en punto, sábado por la mañana / Children’s Swimming Pool, 11 o’clock Saturday Morning"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 8/1969 © Leon Kossoff. Art News

Pasó tres años en el servicio militar con los Fusileros Reales, y sirvió en Italia, Holanda, Bélgica y Alemania. Después de su servicio militar regresó a la Escuela de Arte de Saint Martin en 1949, y en el Politécnico de Borough tomó clases especiales con David Bomberg de 1950 a 1952. También fue influenciado por otro de los alumnos de su maestro, Frank Auerbach. Ambos jóvenes artistas trataron emociones y temas similares en su trabajo, y emplearon un fuerte impasto en sus pinturas. Kossoff eligió sus temas principalmente de la zona de Londres donde nació. De 1950 a 1953 el estudio de Kossoff se ubicó en Mornington Crescent, luego se trasladó a Bethnal Green, donde vivió hasta 1961. Kossoff estudió en el Royal College of Art entre 1953 y 1956.

"Empalme Willesden, Mañana de octubre / Willesden Junction, Morning in October"
Óleo sobre panel / oil on board, 91,6 x 183,4 cm., 1971.
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK) © Leon Kossoff.

En 1956 se unió a la Galería de Bellas Artes de Helen Lessore, ubicada en Bruton Place en Londres. En 1959 comenzó a enseñar en el Regent Street Polytechnic, la Chelsea School of Art y la Saint Martin's School of Art, todas en Londres. Mientras enseñaba continuó su carrera artística, y pronto comenzó a aparecer en galerías y muestras, junto con su amigo Frank Auerbach y otros artistas como Francis Bacon, Lucian Freud y Keith Critchlow, un amigo de la escuela de Saint Martin's. Durante este tiempo trasladó su estudio a Willesden Junction, y en 1966 a Willesden Green.
En 1995 expuso sus obras en la 46ª Bienal de Venecia y en 1996 fue objeto de una retrospectiva de la Tate Gallery. En 2007 la National Gallery de Londres organizó una exposición de la obra de Kossoff titulada "Leon Kossoff: Dibujos de pinturas". Kossoff declinó su nombramiento como Comandante de la Orden del Imperio Británico. En 2010 presentó una exposición itinerante de nuevas pinturas y dibujos. En 2013-2014 los paisajes urbanos de Kossoff se mostraron en una exposición internacional itinerante titulada "Leon Kossoff: Paisajes de Londres".
Murió el 4 de julio a la edad de 92 años.

"Desnudo / Nude (Herbstmorgen)", óleo sobre panel / oil on hardboard, 81 x 111 cm., 1971
Colección pirvada / Private Colleciton© Leon Kossoff. Widewalls

Leon Kossoff was a British figurative painter born in 1926 in Islington, London, known for portraits, life drawings and cityscapes of London, England.
In 1938, he attended the Hackney Downs School in London. In 1939, he was evacuated with the school to King's Lynn, Norfolk, where he lived with Mr and Mrs R.C. Bishop, who encouraged his interest in art. During this time, Kossoff made his first paintings. When he returned to London in 1943, Kossoff went to Saint Martin's School of Art, and studied commercial art. He also attended life drawing classes in the evenings at Toynbee Hall.

"Empalme Dalston / Dalston Junction"
Carboncillo sobre papel / charcoal on paper, 55,5 x 72 cm., c.1973
Arte Gallery New South Wales (Sydney, Australia) © Leon Kossoff.

He spent three years in military service with the Royal Fusiliers, and served in Italy, Holland, Belgium and Germany. After his military service, he returned to the Saint Martin’s School of Art in 1949, and at Borough Polytechnic, took special classes under David Bomberg from 1950 to 1952. He was also influenced by another one of his teacher’s students, Frank Auerbach. Both young artists dealt with similar emotions and subject matter in their work, and employed heavy impasto in their paintings. Kossoff chose his subject matter mostly from the area of London where he was born. From 1950–1953, Kossoff's studio was located at Mornington Crescent; he then moved to Bethnal Green, where he lived until 1961. Kossoff studied at the Royal College of Art from 1953–1956.

"Empalme Willesden - Tarde de otoño / Willesden Junction - Autumn Afternoon"
Óleo sobre panel / oil on board, 91.8 x 183 cm., 36" x 72", 1971. Christie's© Leon Kossoff.

In 1956, Kossoff joined Helen Lessore’s Beaux Arts Gallery, located on Bruton Place in London. In 1959, Kossoff began to teach at the Regent Street Polytechnic, the Chelsea School of Art, and the Saint Martin's School of Art, all in London. While teaching, he continued his artistic career, and soon started featuring in galleries and shows, along with his friend Frank Auerbach and other artists such as Francis Bacon, Lucian Freud and Keith Critchlow, a school friend from Saint Martin's. During this time, Kossoff moved his studio to Willesden Junction, and in 1966, moved his studio to Willesden Green.
In 1995, Kossoff exhibited his artworks at the 46th Venice Biennale and in 1996 was the subject of a Tate Gallery retrospective. In 2007, London's National Gallery held an exhibition of Kossoff's work entitled "Leon Kossoff: Drawing from Painting". Kossoff declined appointment as a Commander of the Order of the British Empire. In 2010, Kossoff exhibited a travelling show of new paintings and drawings. In 2013-2014, Kossoff's urban landscapes were shown in a travelling international exhibition, titled "Leon Kossoff: London Landscapes".
He died at the age of 92 on July 4th.

"Clase de sábado por la mañana / Saturday Morning Class, St Martin’s"
Tinta y crayon sobre papel / ink and crayon on paper, 38,6 x 52,2 cm., 1943-44
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK) © Leon Kossoff.

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Johan Abeling [Pintura / Painting]

July 19, 2019, 1:59 am
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Johan Abeling

Johan Abeling con su obra "Uitzicht III / Vista III" / with his work "View III"
Museo / Museum Stad Appingedam, 2016. Foto / Photo: facebook

Johan Abeling es un pintor holandés nacido en 1953 en Emmen. Su obra se caracteriza por la utilización del esfumado (sfumato), una técnica que consiste en la superposición de varias capas de pintura, suavizando tonos y contornos, creando un efecto de luz difusa y filtrada. Esta técnica fue aplicada por primera vez por Leonardo da Vinci en el s. XV, y Abeling la utliza para crear atmósferas misteriosas en sus pinturas.

"Aan de grens / En la frontera / At the Border", acrílico sobre panel / acrylic on panel, 58 x 92 cm.

"26 December / 26 de diciembre / December 26", óleo sobre panel / oil on panel, 74 x 61 cm., 2014

«Me inspira mucho la obra del pintor alemán Caspar David Friedrich, cuyas pinturas tienen una cualidad gloriosa y exaltada que me parece bastante mística y sobrenatural. Estudié en la academia de arte de Groningen, que enseñó realismo con el método tradicional hasta los años setenta. Me siento afortunado de haber sido formado por profesores carismáticos como Matthijs Röling y Wout Muller, que tuvieron una influencia grande y duradera en mi obra. Durante mi estancia en la academia hubo una gran exposición en el Museo de Hiperrealistas y Fotorealistas de Groningen que tuvo un gran impacto en mí. A pesar de sentirme atraído por este estilo artístico, siempre he querido liberarme de la temática estrictamente fotográfica para manipular ambientes y atmósferas, y crear mi propio mundo visual.»

"Hunebed III / Dolmen III", óleo y acrílico sobre panel / oil and acrylic on panel, 40 x 50 cm., 1995

"Ochtendmist / Niebla matinal / Morning Fog", acrílico sobre panel / acrylic on panel, 61 x 89 cm., 2014

«Mi trabajo consiste en crear una atmósfera, en jugar con la composición y la luz, la sensación atemporal que esa atmósfera puede evocarme mientras trabajo. Mis pinturas tienen sus propias personalidades, sus propias historias y emociones. Uno también puede verlas como un momento de respiro en un mundo turbulento donde casi no hay tiempo para la contemplación. Pero también hay una cualidad desorientadora en el silencio.»

"Kloosterkerk / Iglesia del monasterio / Minster", óleo sobre panel / oil on panel, 56 x 80 cm.

"Poort / Portal / Gate", óleo sobre panel / oil on panel, 50 x 70 cm., 1997

«Mi obra se interpreta a menudo como Realismo Mágico, que se caracteriza por un sentido de pesimismo, alienación, melancolía e inquietud. El realismo holandés tiene una larga tradición de realismo mágico, comenzando en el período entre las dos guerras mundiales con artistas como Carel Willink, Pyke Koch y Dick Ket. Aunque mi visión del mundo no es tan negativa como la de los artistas antes mencionados, las atmósferas austeras en mis pinturas indican mis sentimientos de malestar sobre cómo vemos (o evitamos ver) este mundo.»

"Takken / Ramas / Branches", óleo sobre panel / oil on panel, 55 x 80 cm., 2015

"Tempelbosweg II / El camino del templo del bosque II / Forest Temple Path II"
Óleo sobre panel / oil on panel, 24" x 37,5"

«A veces temo que hayamos perdido el sentido de ser parte de la naturaleza, que ya no tenemos ojos para su belleza y poder curativo. En este mundo agitado donde casi no hay tiempo para la contemplación, espero que mis pinturas añadan un sentido de conexión con la misteriosa magnificencia y la serenidad restauradora de la naturaleza.»

"Invierno II / Winter II", óleo sobre panel / oil on panel, 6,5 x 11 cm., 2011

El artista trabajando / The artist at work. Foto / Photo: Galerie Bonnard

Johan Abeling is a Dutch painter born in 1953 in Emmen. His work is stands out for the use of sfumato, a technique of overlapping several layers of transparent paint and softening tones and outlines into one another so the look of diffuse and filtered light is created. This technique was first applied by Leonardo da Vinci in the 15th century and Abeling uses it to create mysterious atmosphears in his paintings.

"Mist / Niebla / Fog", acrílico sobre panel / acrylic on panel, 45 x 75 cm., 2011

"Hek I / Valla I / Hence I", óleo sobre panel / oil on panel, 70 x 80 cm., 1983

«I’m highly inspired by the work of the German painter Caspar David Friedrich, whose paintings have a glorious and exalted quality that seems quite mystical and unearthly to me. I studied at the art academy in Groningen which taught realism in the traditional method until the 1970s. I feel fortunate to have been coached by charismatic teachers
such as Matthijs Röling and Wout Muller, who had a great and lasting influence on my work. During my time at the academy, there was a large exhibition in the Groningen Museum of Hyperrealists and Photorealists which had great impact on me. Despite being attracted to this art style, I’ve always wanted to be free from strictly photographic subject matter to manipulate environments and atmospheres in order to create my own visual world.»

"Oktober II / Octubre II / October II", óleo sobre panel / oil on panel, 24" x 39,25", 2017

"Domus Novae Lucis", óleo sobre panel / oil on panel, 45 x 75 cm.

«My work is about creating an atmosphere, playing with composition and light – the timeless feeling that atmosphere can evoke for me while I’m working. My paintings have their own personalities, their own stories and emotion. One can also see them as a moment of respite in a turbulent world where there is almost no time for contemplation. But there is also a disorienting quality in the quiet.»

"Berk / Abedul / Birch", acrílico sobre panel / acrylic on panel, 45 x 67cm., 2012

"De Stilte II / El silencio II / The Silence II", óleo sobre panel / oil on panel, 50 x 75 cm., 2012

"Avond / Tarde / Evening", óleo sobre panel / oil on panel, 50 x 80 cm., 2014

«My work is often interpreted as Magical Realism, which is characterized by a sense of pessimism, alienation, melancholy, and uneasiness. Dutch Realism has a long tradition of Magical Realism, beginning in the period between the two World Wars with artists such as Carel Willink, Pyke Koch, and Dick Ket. Although my outlook on the world isn’t as negative as those that the abovementioned artists’ held, the austere atmospheres in my paintings indicate my feelings of unease about how we see (or avoid seeing) this world.»

"Hertenkamp / Campamento de ciervos / Deer Camp"
Acrílico sobre panel / acrylic on panel, 60 x 90 cm., 2003

"Árboles danzantes / Dancing Trees", óleo sobre panel / oil on panel, 69 x 61 cm., 2013

«Sometimes I am afraid that we have lost the sense of being part of nature, that we no longer have an eye for its beauty and healing power. In this hectic world where there’s almost no time for contemplation, I hope my paintings add to a sense of connection with the mysterious magnificence and restorative serenity of nature.»

"De gele route / La ruta amarilla / The Yellow Route", óleo / oil, 23,5 x 37 cm.

"Verano / Summer", óleo sobre panel / oil on panel, 24" x 39,4", 2019
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Artistas mencionados, en "El Hurgador" / Mentioned artists, in this blog:

Leonardo da Vinci: [Todos los enlaces / All links]
Caspar David Friedrich: [Todos los enlaces / All links]
Matthijs Röling: [Aniversarios (CCXX)]
Wout Muller: Wikipedia
Albert Carel Willink: Wikipedia
Pyke Koch: [Pyke Koch (Pintura)]
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Fuentes / Sources:
* Website
* Perfil del artista e imágenes / Artist's profile and images. Galerie Bonnard
* Perfil del artista e imágenes / Artist's profile and images. Galerie CK Contemporary
* Entrevista en / Interview in Hyperrealism Magazine, 1/2018. En / inWildevuur

Más sobre / More about Johan Abeling: Website, facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Johan!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Joahn!)

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Aniversarios Fotografía / Anniversaries Photography (CCXLIV) [Julio / July 14-17]

July 20, 2019, 12:29 am
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Todos los aniversarios de Julio aquí / All anniversaries for July here.
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El 14 de Julio es el cumple de

Marcel André Félix Gautherot, fotógrafo franco-brasileño nacido en París en 1910.
Hijo de padres pobres, vivió el París de los años '20, y a los quince años se inscribió en el curso vespertino de la École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs, comenzando a trabajar en diseño de interiores y arquitectura. En la década de 1930 trabajó como arquitecto y fotógrafo en el Museo del Hombre. Trabajó junto a y colaboró con miembros de la agencia fotográfica Alliance Photo, como René Zuber, Emeric Feher, Pierre Boucher y Pierre Verger. En 1936 el Museo del Hombre lo envió a México, y en 1939 a la región norte de Brasil (Amazonia y Pará). Cuando estalló la guerra en Europa fue convocado para unirse al ejército francés en Dakar, y después del armisticio regresó a Brasil en 1940, donde estableció su carrera como fotógrafo en Río de Janeiro.

"Explanada entre los ministerios en construcción / 
Esplanade between the Ministries under construction", Brasília, 1959
Foto / Photo: Marcel Gautherot, Instituto Moreira Salles. Style Park

Su formación como arquitecto y diseñador de interiores llevó a Lucio Costa a encargarle, a principios de la década de 1940, la organización de la colección y exposición permanente del recién constituido Museu das Missões en Rio Grande do Sul. Gautherot luego se convirtió en un colaborador permanente de Sphan y viajó por todo el país fotografiando edificios históricos, festivales populares, artesanías y actividades folklóricas en varios estados brasileños, principalmente en la región noreste. Estas obras también lo llevaron a colaborar con la Comisión Nacional de Folklore (creada en 1947) y la Campaña Nacional de Defensa del Folklore (lanzada en 1958), ambas encabezadas por el historiador Edison Carneiro.
En 1986, junto con Pierre Verger, recibió el Premio del Gobierno del Estado de Río de Janeiro "Delfín de Oro" en la categoría Fotografía. Ilustró innumerables revistas de arquitectura y casi todos los textos sobre Burle Marx.

"Festival de la Natividad en Maceió / Guerreiro Nativity Festival in Maceió", c.1956.
Foto / Photo: Marcel Gautherot, Instituto Moreira Salles. Style Park

La obra de Gautherot desempeñó un papel fundamental en la construcción de un imaginario brasileño. Su gran proyecto documental, llevado a cabo durante más de cincuenta años de actividad en Brasil hasta su muerte en Río de Janeiro en 1996, y consolidado en imágenes icónicas que integran su colección de más de 25.000 fotografías, ahora conservadas en el Instituto Moreira Salles, mapeó, documentó e interpretó la trama del territorio, la tradición y la invención que dio forma al Brasil moderno.

"Retrato de un balsero / Portrait of a Raftsman", Aquiraz, Ceará, c.1950
Foto / Photo: Marcel Gautherot, Instituto Moreira Salles. Style Park

On July 14 is the birthday of

Marcel André Félix Gautherot, French-Brazilian photographer born in Paris in 1910.
Son of poor parents, lived the Paris of the 20s, and at fifteen he enrolled in the evening course of the École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs, beginning to work with interior design and architecture. In the 1930s, he worked as an architect and photographer at the Museum of Man. He worked together and collaborated with members of the Alliance Photo photographic agency, such as René Zuber, Emeric Feher, Pierre Boucher and Pierre Verger. In 1936, the Museum of Man sent him to Mexico and, in 1939, to the northern region of Brazil (Amazonia and Pará). When the war broke out in Europe, he was summoned to join the French army in Dakar and, after the Armistice, returned in 1940 to Brazil, where he established his career as a photographer in Rio de Janeiro.

"Palacio Nacional de Congresos en construcción /
National Congress Palace under construction", Brasília, 1959.
Foto / Photo: Marcel Gautherot, Instituto Moreira Salles. Style Park

Marcel Gautherot´s trainning as a an architect and interior designer led Lucio Costa to commission him, in the early 1940s, to organize the collection and permanent statuary exhibition of the newly constituted Museu das Missões in Rio Grande do Sul. Gautherot then became a permanent collaborator of Sphan and traveled around the country photographing historical buildings, folk festivals, crafts and folkloric activities in several Brazilian states, mainly in the Northeast region. These works also led him to collaborate with the Folklore National Commission (created in 1947) and the National Folklore Defense Campaign (launched in 1958), both headed by the historian Edison Carneiro.
In 1986, along with Pierre Verger, he received the Rio de Janeiro State Government Award "Delfin de Oro" in the Photography category. He illustrated innumerable architecture magazines and almost all the texts on Burle Marx.

"Pescadores / Fishermen", Isla Mexiana, Pará, c.1943
© Marcel Gautherot. 20 Minutos

The work of Gautherot played a fundamental role in the construction of a Brazilian imaginary. His great documentary project – carried out over more than fifty years of activity in Brazil until his death in Rio de Janeiro in 1996 and consolidated in iconic images that integrate his collection of more than 25,000 photographs, now preserved in the Moreira Salles Institute – mapped, documented and interpreted the plot of territory, tradition and invention that shaped modern Brazil.

"Igapós", Amazonia / Amazon, c.1958.
Foto / Photo: Marcel Gautherot, Instituto Moreira Salles. Style Park


El 15 de Julio es el cumple de

Chad Ingraham, fotógrafo profesional y cineasta canadiense nacido en 1984.
Como podemos leer en su sitio web, su misión de por vida es «inspirar a mis espectadores a través del poder de la narración visual. Mi visión consiste en dar vida a las historias personales de las personas, a través de cada prueba y triunfo, con la esperanza de evocar un sentimiento de solidaridad inquebrantable y compasión en los demás. En todo lo que hago, mi aspiración es instigar un efecto dominó del cambio positivo que continúe configurando el futuro para las generaciones futuras al crear un mundo más empático hoy en día".

"Retrato de un anciano en un templo Shaolín / Portrait of an old man at Shaolin Temple", c.2005

En el transcurso de una década obtuvo una amplia experiencia en la industria, especializándose en fotografía de retratos y filmación de viajes de aventura. Fotografió a algunas de las figuras públicas más prominentes de China. También filmó las 3 temporadas de "Extreme Treks", que lo llevó a 16 países y a las cumbres de Kilimanjaro, Elbrus y Aconcagua (3 de las famosas "Siete Cumbres").
«Mi afinidad por las artes (específicamente la fotografía) comenzó a la edad de 14 años, cuando mi padre me regaló su vieja cámara que siempre estaba fuera del alcance en el armario. Desde entonces las cámaras y yo hemos sido inseparables.»

"Terremoto de Sichuan, Mayo de 2008 / Sichuan Earthquake, May 2008"

«Después de residir durante una década en Shanghai, China, recientemente tomé la decisión de mudarme a Montreal, Canadá, para expandir mis horizontes creativos. Sin embargo, tengo la vista puesta en viajar alrededor del mundo para cubrir historias que celebren la diversidad.»

"Retratos callejeros en Shanghai Nº 1 / Shanghai Street Portraits #1"
«Cada semana cargo mi bicicleta con mis accesorios del estudio y me instalo en una ubicación cualquiera en Shanghai, donde fotografío a cualquiera que quiera posar para mí. Si me dejan su email, les envío su foto. Si no, espero que disfruten con la experiencia. Es bonito recibir algo a cambio, y la semana pasada alguien incluso me trajo un café ya que estaba de pie soportando el frío con mi cámara. Este caballero no tiene ordenador, pero me dejó su dirección, así que voy a hacer una copia y se la enviaré la semana que viene.»

«Every week I load up my bicycle with my studio gear and set up at a random location in Shanghai where I photograph anyone who wants to sit for me. If they leave me their email I send the shot to them, if not I hope they enjoy the experience. It’s been nice to give something back, and last week someone even brought me a coffee as I stood in the cold with my gear. This gentleman doesn’t have a computer, but he left me his home address so I’m going to get a print to him next week.»

On July 15 is the birthday of

Chad Ingraham, Canadian professional photographer and cinematographer born in 1984.
As we can read in his website, his lifelong mission is «to inspire my viewers through the power of visual storytelling. My vision is to breathe life into people’s personal stories, through their every trial and triumph, in hopes of evoking a sense of unshakable solidarity and compassion in others. In everything that I do, it is my aspiration to instigate a ripple effect of positive change that continues to shape the future for generations to come by creating a more empathetic world today.»


Over the course of a decade he gained extensive industry experience, with a specialty in portrait photography and adventure travel film making. He photograped some of China’s most prominent public figures. He also shoot all 3 seasons of "Extreme Treks" which has taken him to 16 countries and to the summits of Kilimanjaro, Elbrus, and Aconcagua (3 of the famous "Seven Summits"). 
«My affinity for the arts (specifically photography) began at the age of 14, when my father gifted me his old camera that was always just out of reach in the closet. From that point forward, cameras and I have been inseparable.»

"Retrato de Danba / Danba Portrait"

«A decade-long resident of Shanghai, China, I recently made the decision to relocate to Montreal, Canada in order to expand my creative horizons. However, I have my sights set on traveling around the globe to cover stories that celebrate diversity.»

"Terremoto de Sichuan, Mayo de 2008 / Sichuan Earthquake, May 2008"

Chad Ingrahan en "El Hurgador" / in this blog: [Maleonn (Ma Liang, I, Fotografía)]


El 16 de Julio es el cumple de

Peter Sekaer, fotógrafo y artista danés-estadounidense, nació en 1901 en Copenhague, Dinamarca.
Llegó a Nueva York en 1918 en busca de libertad y oportunidades. En 1922 tenía fama de maestro pintor de carteles y tenía su propia exitosa empresa en su producción. Varios años más tarde comenzó a tomar clases en la Liga de Estudiantes de Arte. Sekaer pronto conoció a Ben Shahn, quien pudo haber sido quien le introdujo a la fotografía y quien más tarde le presentó a Walker Evans. Después de 1933 se dedicó exclusivamente a la fotografía, estudiando con Berenice Abbott en la New School for Social Research y ayudando a Walker Evans en el proyecto de fotografiar la colección de esculturas africanas del Museo de Arte Moderno.
En 1936 acompañó a Evans, quien fue contratado por la Administración de Reasentamiento (RA, que más tarde se convertiría en la FSA) en un viaje fotográfico por todo el sur, a menudo captando el mismo tema. Como muchos de sus contemporáneos Sekaer buscó capturar el mundo real con fotografías que combinaban la expresión artística con un compromiso personal con los cambios sociales.

"Cleveland, cerca de / near the'Flats'", gelatinobromuro de plata /
gelatin silver print, 7" x 9 1/2", impresa / printed c.1938. Howard Greenberg Gallery

De 1936 a 1942 Sekaer se convirtió en fotógrafo profesional y fue contratado por la agencia del gobierno federal, la Administración de Electrificación Rural (REA), y más tarde se convirtió en jefe del departamento gráfico de la REA. En 1938 la REA envió a Sekaer a la Autoridad de Vivienda de los Estados Unidos (USHA). Las fotografías que Sekaer hizo para la USHA, una agencia que se ocupaba principalmente de la eliminación de los barrios marginales de la ciudad y el patrocinio de la vivienda pública urbana, revelan su continuo interés en la riqueza de la experiencia humana y el medio ambiente. Transferido de nuevo en 1940, Sekaer fotografió a los indios Navajo y Pueblo para la Oficina de Asuntos Indígenas. Ese mismo año trabajó como investigador fotográfico y fotógrafo para la película de la REA "El poder y la tierra / Power and the Land".
Después de 1942 continuó trabajando para otras agencias federales fotografiando brevemente para la Oficina de Información de Guerra (OWI), y para las agencias de la Cruz Roja Americana cuyas agendas entraban en conflicto con las suyas, y limitaban su libertad de expresión artística. Continuamente frustrado por esto, Sekaer se fue de Washington, DC a Nueva York, donde trabajó como freelance durante varios años, haciendo trabajos de moda y editoriales, hasta que murió de un ataque cardíaco a los 49 años en 1950.

"Anniston, Alabama", gelatinobromuro de plata /
gelatin silver print, 11" x 14", 1936. Howard Greenberg Gallery

"Charleston, Carolina del Sur / SC", c.1936. Pinterest

On July 16 is the birthday of

Peter Sekaer, Danish-American photographer and artist, born Peter Ingemann Sekjær in 1901 in Copenhagen, Denmark.
He arrived in New York in 1918 to seek freedom and opportunity. By 1922 he had a reputation as a master sign painter and had his own successful business producing posters. Several years later he began to take classes at The Art Student's League. Sekaer soon became acquainted with Ben Shahn, who may have been the one to introduce him to photography and who later introduced him to Walker Evans. After 1933, he devoted himself exclusively to photography, studying with Berenice Abbott at the New School for Social Research, and assisting Walker Evans on the project of photographing The Museum of Modern Art's African sculpture collection.
In 1936 Sekaer accompanied Evans, who was hired by the Resettlement Administration (RA, later to become the FSA) on a photographic journey throughout the South, often shooting the same subject. Like many of his contemporaries, Sekaer sought to capture the real world with photographs that combined artistic expression with a personal commitment to social change.

"Sin título / Untitled (Wm. Goldberg, 771 Bway)"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 7" x 8,65", c.1937. Lumiere Gallery

From 1936 to 1942 Sekaer became a professional photographer and was hired by the federal government agency, the Rural Electrification Administration (REA), and later became the head of the REA's graphic department. In 1938 the REA sent Sekaer to the United States Housing Authority (USHA). The photographs Sekaer made for the USHA, an agency primarily concerned with the removal of city slums and sponsorship of public urban housing, reveal his continued interest in the richness of human experience and environment. Transferred again in 1940 Sekaer photographed Navajo and Pueblo Indians for the Office of Indian Affairs. That same year, he worked as photographic researcher and still photographer for the REA film Power and the Land.
After 1942 he continued working for other federal agencies photographing briefly for the Office of War Information (OWI), and the American Red Cross-agencies whose agendas conflicted with his own, and limited his freedom in artistic expression. Continually frustrated by this, Sekaer left Washington, DC for New York where he freelanced for several years, doing fashion and editorial assignments, until he died of a heart attack at the age of 49 in 1950.

"Sin título (Calle Tenement con tendedero) / Untitled (Tenement Street With Laundry"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 7 1/2" x 9 5/8", c.1936. Lumiere Gallery


El 17 de Julio es el cumple de

James Abbe, fotógrafo estadounidense nacido en 1883 en Alfred, Maine.
Su carrera como fotógrafo internacional fue impulsada por primera vez por el Washington Post, que le encargó fotografiar un viaje de 16 días con la flota de acorazados estadounidense a Inglaterra y Francia en 1910. Muchos años más tarde viajó por toda Europa como joven fotoperiodista a finales de los años '20 y principios de los '30, registrando las inestables luchas de poder de principios del siglo XX. Sin embargo al principio se hizo un nombre fotografiando a estrellas de teatro de la escena neoyorquina, y posteriormente a estrellas de cine de Nueva York, Hollywood, París y Londres durante las décadas de 1920 y 1930. Su inusual técnica de trabajo fuera del estudio lo distingue de otros fotógrafos de la época. 

"Marion Davies", Shadowland Nov.1919, p.41. Archive

Para ganar dinero, Abbe vendió sus fotografías a revistas como Vogue y Vanity Fair, lo que le dio mayor fama a sus sujetos. 
Los retratos más famosos de Abbe incluyen sus raros retratos dobles de las estrellas del cine mudo Rodolfo Valentino y su esposa Natasha Rambova, Lillian y Dorothy Gish, así como bailarines como las Hermanas Dolly y Anna Pavlova, todos tomados en la década de 1920. Reflejando los cambios de moda en el contenido de las revistas, Abbe se convirtió en uno de los primeros fotoperiodistas en enviar su trabajo en fotoensayos a las principales publicaciones, incluyendo The London Magazine, Vu y el Berliner Illustrirte Zeitung. También tomó fotografías durante la Guerra Civil española y el ascenso de los nazis en Alemania.

"Constance Talmadge", foto del film dramático estadounidense /
Still from the American drama film East Is West (Sidney Franklin, 1922)
Shadowland Sep.1922, p.30. Archive

"Su vida sería una buena película", dijo su hija Tilly. En las décadas de 1920 y 1930, Abbe fotografió a políticos, estrellas de teatro y de cine (Hitler, Mussolini, Charlie Chaplin y Josephine Baker) y dio el mayor golpe de su carrera cuando se abrió camino en el Kremlin y, según la Srta. Tilly, "engañó" a Stalin para que posara para él. El resultado: una rara instantánea de la sonrisa del dictador soviético. Su retrato de Joseph Stalin se utilizó para detener los rumores de que el líder soviético estaba muerto. "Llamó a su fotografía'un billete' al mundo", dice Tilly. "Fue en parte gracias a él que me convertí en bailarina. De hecho, me llamo así por una bailarina que fotografió, Tilly Losch. Le encantaba el ballet, y su tema favorito para fotografiar era Anna Pavlova. Sabía lo mucho que le gustaban los bailarines y, por supuesto, era muy importante para mí complacer a mi padre".
Murió en 1973.

"José Stalin posa en el Kremlin, en Moscú / Joseph Stalin poses in the Kremlin in Moscow", 1932. Deseret News

Iósif Stalin en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All Links]

"Natacha Rambova& Rudolph Valentino", Nueva York / NY, 1921. Link

On July 17 is the birthday of

James Abbe, American photographer born in 1883 in Alfred, Maine.
His career as international photographer was first boosted by the Washington Post, which commissioned him to travel and take photographs of a 16-day voyage with the American battleship fleet to England and France in 1910. Many years later he traveled throughout Europe as a young photojournalist in the late 1920s and early 1930s recording the unstable power struggles of the early 20th century. However, he first made a name for himself photographing theatre stars of the New York stage and subsequently movie stars in New York, Hollywood, Paris, and London throughout the 1920s and 1930s. His unusual technique of working outside the studio set him apart from other photographers of the period. To make money, Abbe sold his photographs to magazines such as Vogue and Vanity Fair, which brought his subjects greater fame.

"Mary Pickford", Photoplay, Nov., 1922, p.34. Archive

Mary Pickford en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (CXLV)], [Aniversarios Fotografía (CCXXV)]

Abbe's most celebrated portraits include his rare double portraits of silent film stars Rudolph Valentino and his wife Natasha Rambova, Lillian and Dorothy Gish, as well as dancers including the Dolly Sisters and Anna Pavlova, all taken in the 1920s. Reflecting the changing fashions in magazines content, Abbe became one of the first photojournalist to submit his work in photo-essays to major publications, including The London Magazine, Vu and the Berliner Illustrirte Zeitung. He also took photographs during the Spanish Civil War and the Nazis' rise in Germany.


"His life would make a good movie," his daughter Tilly said. In the 1920s and '30s Abbe photographed politicians, stage and film stars—Hitler and Mussolini, Charlie Chaplin and Josephine Baker—and scored the biggest coup of his career when he finagled his way into the Kremlin and, according to Miss Tilly, "tricked" Stalin into posing for him. The result: a rare snapshot of the Soviet dictator smiling. His portrait of Joseph Stalin was famously used to stop rumors that the Soviet leader was dead.
"He called his photography 'a ticket' to the world," Tilly says. "It was partly because of him that I became a dancer. In fact, I'm named after a dancer he photographed, Tilly Losch. He loved ballet, and his favorite subject to photograph was Anna Pavlova. I knew how much he loved dancers, and of course it was very important to me to please my father."
He died in 1973.

"Pola Negri", c.1925
Biblioteca del Congreso / Library of Congress (Washington, EE.UU./ USA)

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