Uruguayos / Uruguayans (XLV-2) - Pilar González (II) [Dibujo, Ilustración / Drawing, Illustration]

December 12, 2020, 12:57 am

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Este es el segundo post (el primero aquí) de una serie en la disfrutamos con la obra de la polifacética artista uruguaya Pilar González. Alternando con la entrevista realizada por Shirley Rebuffo, presentamos una amplia selección de pinturas, dibujos, bocetos, ilustraciones, así como diseños de escenografías, vestuario y maquillaje para obras teatrales de esta creadora clave en el panorama artístico uruguayo de las últimas décadas.

This is the second post (the first one here) of a series in which we enjoy the work of the multifaceted Uruguayan artist Pilar González. Alternating with the interview conducted by Shirley Rebuffo, we present a wide selection of paintings, drawings, sketches, illustrations, as well as set, costume and makeup designs for plays by this key creator in the Uruguayan artistic scene of the last decades.

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Pilar González

(Montevideo, Uruguay, 1955-)

Pilar junto a sus obras en la muestra "16 artistas desencajados" /

next to her works in the exhibition "16 unsettled artists", 2018

Pilar González es una artista plástica uruguaya nacida en Montevideo en 1955, que se formó con prestigiosos maestros en las décadas del 70 y 80 del siglo XX. Más información en la primera parte.

Ilustración para prensa / illustration for press, tinta sobre papel / ink on paper, 2004

Entrevista de Shirley Rebuffo (Segunda parte)

Shirley Rebuffo: ¿Consideras a tu arte un reflejo de cierta incomodidad con el mundo?

Pilar González: Creo que mi trabajo refleja una incomodidad con el mundo, una incomodidad con mi propia persona y una incomodidad con mi persona en el mundo. El artista está inmerso en este universo y nunca es ajeno a él, es más, el artista percibe todo de manera aumentada por su propia forma de sentir, intensa, fuerte, dolorosa muchas veces.

Ilustración para prensa / illustration for press, tinta sobre papel / ink on paper

Ilustración para prensa / illustration for press, tinta sobre papel / ink on paper

SR: ¿Qué es para ti la belleza y dónde crees que reside?

PG: La belleza reside en aquello que uno siente honesto, puro y auténtico. Rechazo lo que muestra una realidad mentirosa para impresionar o para mostrar una habilidad. A mi parecer la obra surge porque uno necesita de ella para decir lo que no puede con palabras, usa ese otro lenguaje para mostrar lo más profundo y auténtico de uno. La esencia sin máscara.

Ilustración para prensa / illustration for press, tinta sobre papel / ink on paper

"En la ruta del café / In The Route of Coffee: Daniel Veloso", para / for "El Cultural" de El País

Tinta sobre papel / ink on paper, pequeño formato / small size, 2009

SR: Para un artista cautivar es un requisito técnico donde en ese primer impacto de tres segundos el público no alcanza a cuestionar nada, pero en su interior sabe si le gusta o no la obra. Después decide si sigue o no mirando, viendo detalles. Tú logras eso en tus obras, sobre todo las de contenido social. ¿Eres consciente de ese proceso cuando estás creando?

PG: No, no presto atención a eso y está relacionado con la respuesta anterior. No intento cautivar a nadie, si eso sucede me alegra mucho pero no trabajo con ese fin, trabajo para mí y mi propia necesidad.

"Ferreira Gullar", ilustración para prensa / illustration for press, tinta sobre papel / ink on paper, 1999

Ferreira Gullar es el nombre artístico de José Ribamar Ferreira, poeta, dramaturgo, ensayista, cronista y crítico de arte brasileño que nació en São Luís, Maranhão, y murió en Río de Janeiro.

Ferreira Gullar is the pen name of José Ribamar Ferreira, a Brazilian poet, playwright, essayist, chronicler and art critic who was born in São Luís, Maranhão, and died in Rio de Janeiro.

Ilustración para prensa / illustration for press, tinta sobre papel / ink on paper, 2001

Ilustración para prensa / illustration for press, tinta sobre papel / ink on paper

SR: ¿Qué cosas te indignan? ¿Dibujas cosas que te indignan? ¿Cómo dibujas una injusticia?

PG: Me indignan muchas cosas, pero al expresarlo en una obra uno necesita usar un lenguaje simbólico. La obra plástica no puede ser literaria, para eso está la literatura.

"Antropofagia / Anthropophagy: Alfred Jarry", para / for "El Cultural" de El País

Tinta sobre papel / ink on paper, pequeño formato / small size, 2009

Ilustración para prensa / illustration for press, tinta sobre papel / ink on paper

SR: ¿Qué dirías que es lo más difícil de representar?

PG: Lo más difícil es lograr que lo técnico no se anteponga a lo expresivo o al revés. Ambas cosas deberían estar en equilibrio. Lo meramente técnico es helado aunque esté bien hecho, lo solamente expresivo puede pasarse de rosca y mostrar solamente sentimientos o emociones pero mal resueltos plásticamente. Cuando ambas cosas se dan, allí está el artista.

Ilustración para prensa / illustration for press, tinta sobre papel / ink on paper

"Carlos Castaneda: El arte de soñar, el arte de mentir /

The Art of Dreaming, The Art of Lying", para / for "El Cultural" de El País

Plumín y tinta sobre papel / pen and ink on paper, 25 x 30 cm., 2001

"El lenguaje de la soledad. Una vida sin objeto(s) /

The Language of Solitude. A Life Without Objective(s)". Carlos Liscano

Ilustración para prensa / illustration for press, 1999

SR: ¿Te atrae lo onírico? o ¿los sueños quedan en ti?

PG: No, no trabajo en función de lo onírico, trabajo en función de mis estados emocionales en general.

"La Tierra Purpúrea. Personajes de la guerra civil / The Purple Land. Characters from Civil War"

Carbonilla sobre papel / charcoal on paper, 30 x 21 cm., 2020

Pilar González. Foto / Photo: O. Bonilla

Pilar González is a Uruguayan plastic artist born in Montevideo in 1955, who trained with prestigious masters in the 70s and 80s of the 20th century. More information in Part 1.

"La Tierra Purpúrea. Personajes de la guerra civil / The Purple Land. Characters from Civil War"

Carbonilla sobre papel / charcoal on paper, 30 x 21 cm., 2020

Interview by Shirley Rebuffo (Part 2)

Shirley Rebuffo: Do you consider your art a reflection of a certain discomfort with the world?

Pilar González: I think my work reflects a discomfort with the world, a discomfort with my own person and a discomfort with my person in the world. The artist is immersed in this universe and is never alien to it, indeed, the artist perceives everything in an augmented way by his own way of feeling, intense, strong, painful many times.

"La Tierra Purpúrea. Personajes de la guerra civil / The Purple Land. Characters from Civil War"

Carbonilla sobre papel / charcoal on paper, 30 x 21 cm., 2020

Serie "Mujer de la vida" / Working Girl Series

Dibujo incluido en el libro "Mujer de la Vida", de Luis Pérez Aguirre /

Drawing in the book "Working Girl" by Luis Pérez Aguirre

Crayola sobre papel / crayon on paper, 35 x 25 cm., 1991

"Mujer de la vida: pasión y prostitución de Miriam / Working Girl: Passion and Prostitution of Miriam"

Ed. Trilce, 1991. ISBN, 9974323347, 9789974323346

Serie "Mujer de la vida" / Working Girl Series

Crayola sobre papel / crayon on paper, 35 x 25 cm., 1991

SR: What is beauty for you and where do you think it resides?

PG: Beauty resides in what one feels honest, pure and authentic. I reject what a lying reality shows to impress or to show skill. In my opinion the work arises because one needs it to say what one cannot with words, it uses that other language to show the deepest and most authentic part of one. The essence without a mask.

Serie "Mujer de la vida" / Working Girl Series

Crayola sobre papel / crayon on paper, 35 x 25 cm., 1991

Serie "Mujer de la vida" / Working Girl Series

Crayola sobre papel / crayon on paper, 35 x 25 cm., 1991

SR: For an artist to captivate is a technical requirement where in that first three-second impact the audience is not able to question anything, but inside they know if they like the work or not. Then decide whether or not to keep looking, seeing details. You achieve that in your works, especially those with social content. Are you aware of that process when you are creating?

PG: No, I don't pay attention to that and it is related to the previous answer. No attempt captivate anyone, if that happens but I am very happy working to this end, work for myself and my own need.

Serie "Mujer de la vida" / Working Girl Series

Crayola sobre papel / crayon on paper, 35 x 25 cm., 1991

Serie "Mujer de la vida" / Working Girl Series

Crayola sobre papel / crayon on paper, 35 x 25 cm., 1991

SR: What things make you angry? Do you draw things that make you angry? How do you draw an injustice?

PG: I am outraged by many things, but when expressing it in a work one needs to use symbolic language. The plastic work cannot be literary, that's what literature is for.

Serie "Mujer de la vida" / Working Girl Series

Crayola sobre papel / crayon on paper, 35 x 25 cm., 1991

SR: What would you say is the most difficult to represent?

PG: The most difficult thing is to ensure that the technical does not take precedence over the expressive or the other way around. The two should be in balance. The merely technical is icy even if it is well done, the only expressive can go overboard and show only feelings or emotions but poorly resolved plastically. When both things happen, the artist is there.

Serie Las poetas / The Poets Series. Marosa.

Trabajo realizado en bastidor de bordar / Work on embroidery frame

Papel de seda, hilos, tinta / silk paper, threads, ink, 2020

Marosa di Giorgio en "El Hurgador" / in this blog: [Uruguayos (VIII)]

Serie Las poetas / The Poets Series. Gladys.

Trabajo realizado en bastidor de bordar / Work on embroidery frame

Papel de seda, hilos, tinta / silk paper, threads, ink, 2020

SR: Are you attracted to dreams? or do dreams remain in you?

PG: No, I do not work based on the dream, I work based on my emotional states in general.

Serie Las poetas / The Poets Series. Amanda.

Trabajo realizado en bastidor de bordar / Work on embroidery frame

Papel de seda, hilos, tinta / silk paper, threads, ink, 2020. Foto / Photo: Shirley Rebuffo

Pilar González en "El Hurgador" / in this blog: [Uruguayos (XLV-1)]

Más sobre / More about Pilar González: facebook, Wikipedia, MNAV

Ir al primer post / Go to the first post

¡Muchas gracias por la entrevista y las imágenes, Pilar! /

Thanks a lot for the interview and images, Pilar!

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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas e prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.

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Todos los posts de la Serie "Uruguayos" / All posts in Uruguayans Series

I, II, III, IV, V, VI, VII, VIII, IX, X
XI, XII, XIII, XIV, XV, XVI, XVII, XVIII, XIX, XX
XXI, XXII, XXIII, XXIV, XXV, XXVI, XXVII, XXVIII, XXIX, XXX
XXXI, XXXII, XXXIII, XXXIV, XXXV-1, XXXV-2, XXXV-3, XXXVI, XXXVII, XXXVIII, XXXIX, XL-1, XL-2, XL-3
XLI, XLII, XLIII-1, XLIII-2, XLIV, XLV-1

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Coderch & Malavia [Escultura / Sculpture]

December 14, 2020, 10:54 am

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Desde 2015 el dúo artístico integrado por Joan Coderch y Javier Malavia viene desarrollando un proyecto basado en la escultura figurativa, creando piezas de una exquisita belleza y gran sensibilidad, expresando emociones en bronce, con el cuerpo humano y su expresividad plástica como referente y fuente de inspiración. Les dejo una selección de obras y algo de información sobre los artistas.

Since 2015 the artistic duo formed by Joan Coderch and Javier Malavia has been developing a project based on figurative sculpture, creating pieces of exquisite beauty and great sensitivity, expressing emotions in bronze, with the human body and its plastic expression as a reference and source of inspiration. Here you have a selection of works with some information about the artists

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Coderch & Malavia

Joan Coderch i Parés

(Castellar del Vallés, Barcelona, Catalunya, España / Catalonia, Spain, 1959-)

Javier Malavia Tabares

(Oñati, Gipuzkoa / Oñate, Guipúzcoa, País Vasco, España / Basque Country, Spain, 1970-)

Joan Coderch & Javier Malavia trabajando en  / at work with "Revive"

Joan Coderch se licenció en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona en 1984, Javier Malavia en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos de Valencia en 1993. Tras conocerse descubrieron sus afinidades artísticas que los llevó a embarcarse en este nuevo proyecto que sigue la línea de maestros de la figuración como Maillol, Rodin, Marini y Bourdelle.

Juntos trabajan desde 2015 como Coderch&Malavia, un proyecto de escultura en el que el cuerpo humano es el centro del discurso plástico. Un universo de formas significantes en torno a la figura humana idealizada. Y un horizonte claro: la Belleza como herramienta diaria de trabajo.

"Caminando en la belleza / Walking in Beauty"

Bronce / bronze, 71 x 57 x 44 cm., 2018. Ed. 8 + 4 PA. (3/4 tamaño natural / life size) 

"Caminando en la belleza / Walking in Beauty" (vista parcial / partial view)

JC: Trabajamos los dos en el mismo proyecto desde el inicio. Estamos totalmente implicados en el desarrollo de la pieza.

JM: Desde el principio tenemos que hacer una puesta en común. Siempre vamos buscando cosas que nos han llamado la atención, que nos han emocionado de alguna forma, es lo que ponemos en común, y si encontramos ese punto de conexión entre los dos, sabemos que podemos trabajar con esa creación.

"El vuelo del cisne / The Flight of the Swan", bronce / bronze, 79 x 47,5 x 47,5 cm., 2018. Ed. 8 + 4 PA.

"El vuelo del cisne / The Flight of the Swan" (vista parcial / partial view)

Parte de la originalidad de su labor reside en su forma de trabajo ya que elaboran sus obras a cuatro manos, compartiendo la creación de las piezas. Joan y Javier, además ponen en común los valores de su creación artística como el compromiso social con la igualdad, el medio ambiente y la infancia.

Su proyecto destaca por la honestidad y la autenticidad: exploran diferentes actitudes humanas frente a la vida, donde está muy presente el mimetismo con la naturaleza, la búsqueda de la emoción a través de la obra, la muestra de los sentimientos que gobiernan al hombre, el encuentro entre figura y actitud, y la mezcla de la belleza y la disciplina. El ser humano es el centro de su arte.

"Sombra del claro de luna / Moonlight Shadow", bronce / bronze, 79 x 80 x 45 cm., 2019. Ed. 8 + 4 PA.

Respecto a la elección de lo figurativo, los artistas comentan:

JM: Hemos elegido el lenguaje en el que mejor nos comunicamos. Podemos notar que la gente nos entiende más. Nosotros lo figurativo lo entendemos mejor. 

JC: Te sientes más cómodo, es algo que te sale más de dentro.

"Haiku", bronce, pátina negra / bronze, black patina, 95 x 43 x 28 cm., 2019. Ed. 8 + 4 PA.

"Haiku", bronce / bronze (vista parcial / partial view)

JM: Hay veces que es a veces el propio modelo (el que dispara el proceso). Nos gusta tanto el cuerpo humano, que a veces llamamos un modelo para trabajar de una forma, y cuando está aquí posando, de repente por la pose natural que tiene, hay un click y dices "qué bonito", y esa es la pieza, empieza desde ahí. Muchas veces no viene desde el exterior, se genera ahí.

JC: El modelo es básico para nuestro tipo de trabajo, en el cual la belleza y las emociones de las bellas cosas son básicas para que transmitan al espectador lo que nosotros queremos. Y el proceso técnicamente es que cuando tenemos unas ideas hacemos unos bocetos en cera, y a partir de ahí escogemos dentro de los bocetos que hemos hecho para pasar a la siguiente fase, que es empezar a pensar el tamaño en el cual queremos desarrollar esa pieza. Eso es muy complicado, porque ver el tamaño de la pieza es de las cosas que cuestan. Nuestras obras casi todas son en bronce, excepto alguna cosa en aluminio.

"Danza del cisne / Swan Dance", bronce / bronze, 192 x 80 x 50 cm., 2019. Ed. 8 + 4 PA.

"Danza del cisne / Swan Dance" (vista parcial / partial view)

"Hamlet. 'La duda' / 'The Doubt'"

Bronce con pátina marrón / bronze, brown patina, 61 x 17 x 33 cm., 2018. Ed. 8 + 4 PA.

Han recibido el Premio Reina Sofía de Pintura y Escultura con su obra “Hamlet” en 2017 y el Primer Premio en la 14ª edición del Concurso ARC International Salón, con la escultura “The Swan Dance” en 2019. También figuran entre sus distinciones la Medalla de Escultura Mariano Benlliure, el TIAC Art Prize o el Arcadia Contemporary Award.

Además del reconocimiento nacional e internacional, su trabajo forma parte de colecciones privadas en varios países de Europa, Asia y América. Muestran su obra en exposiciones colectivas e individuales tanto en entidades privadas como en espacios públicos. Muchos lugares de Francia, Estados Unidos (Miami), México, Italia o Grecia han tenido la oportunidad de disfrutar de sus obras donde regularmente exponen. Estuvieron presentes en la ciudad de Berlín con su obra “Learning to Fly” en la Urban Nation Biennial en septiembre de 2019.

"Hamlet. 'La duda' / 'The Doubt'" (vista parcial / partial view)

"El cisne blanco / The White Swan", bronce / bronze, altura / height: 63 cm., 2017

Coderch & Malavia trabajando en "Gigante de Sal" / at work with Giant of Salt

Joan Coderch graduated from Barcelona’s Faculty of Fine Art in 1984. Javier Malavia graduated from Valencia’s San Carlos Faculty of Fine Art in 1993. Once they met, they discovered their artistic similarities, which led to their undertaking this new project that follows in the footsteps of masters of figuration such as Maillol, Rodin, Marini and Bourdelle.

They work together since 2015 as Coderch&Malavia, a sculpture project in which the human body is at the core of the plastic discourse. A universe of meaningful forms centred on the idealised human figure. And a clear horizon: Beauty as an everyday tool.

."Revive", bronce / bronze, Ed. 8 + 4 PA., 2019. (1/2 tamaño natural / life size)

Obra inspirada en la fuerza expresiva de los movimientos de danza butoh japonesa, creada en 1950 por Kazuo Ohno y Tatsumi Hijikata. El bailarín de butoh no intenta hablar a través del cuerpo, sino que el cuerpo hable por sí mismo.

Fred Herrera, "Geant de Sel / Gigante de Sal / Giant of Salt", danza butoh / Butoh dance. Twitter

Work inspired by the expressive force of the Japanese butoh dance movements created in 1950 by Kazuo Ohno and Tatsumi Hijikata. The butoh dancer does not try to speak through the body, but the body speaks for itself.

Ankoku butō / 暗黒舞踏 / Danza Butoh / Butoh Dance

Fred Herrera (Costa Rica, 1960)

Geant de Sel / Gigante de Sal / Giant of Salt

VII Festival Barcelona en Butoh. Espacio "Hangar", 14/11/2014 - Space "Hangar", 14th Nov., 2014

"Gigante de sal / Giant of Salt", bronce / bronze, 246 × 360 × 214 cm., 2020

JC: We work both in the same project since the beginning. We are both involved in the development of every piece.

JM: We join efforts from the beginning. We look constantly for subjects that catch our attention, and those that move us the most are the one we discuss, and if we find the connection points between the two of us, then we know we can start working on that project.

"El tejido del tiempo / Tissue of Time", bronce / bronze, 150 x 72 x 36 cm., 2020. Ed. 8 + 4 PA.

"El tejido del tiempo / Tissue of Time" (obra en proceso, pátina / work in progress, patina)

Part of the originality of their art lies in the way they work, since they make their sculptures four-handed, thereby sharing in the creation of the pieces. Joan and Javier also have in common the values of their artistic creation, such as social commitment with regards to equality, the environment and childhood.

Their project stands out due to its honesty and authenticity: they explore different human attitudes to life, in which mimicking nature, the search for emotion through the work, the revealing of the feelings that direct man, the encounter between the figure and posture, and the combining of beauty and discipline feature prominently. The human being is at the core of their art.

"Liber", bronce / bronze, 78 x 74 x 47 cm., 2020. Ed. 8 + 4 PA.

Regarding the choice of the figurative, the artists says:

JM: We have chosen the language with we express ourselves much better. We have noticed it's the language that communicates better with people. We think figurative language is much more understandable.

JC: We feel more at ease with this language, it flows more easily from within.

"Liber" (vista parcial / partial view)

"Odette", bronce / bronze, 68 x 28 x 20 cm., 2018. Ed. 8 + 4 PA.

JM: Sometimes, is the model that triggers inspiration. We really enjoy working with the human body, and sometimes we hire a model to work in a certain way, but then he or she organically proposes something else that clicks in us, and you say "is beautiful", and we choose to work with that, and that's the piece. Sometimes inspiration doesn't come from the outside, we can find it here in the studio.

JC: The model is basic for our type of work, in which the beauty and emotions of beautiful things are basic to convey to the viewer what we want. And the process technically is that when we have some ideas we make some sketches in wax, and from there we choose within the sketches that we have made to be able to make the next phase that is to begin to think the size in which we want to develop that piece. That's very complicated, because seeing the size of the piece is always a difficult decision to make. Most of our final pieces are bronzes, but we have produced some in aluminium too.»

"Odette", (obra en proceso / work in progress), arcilla / clay, altura / height: 68 cm.

"Mi vida es mi mensaje / My Life Is My Message", bronce / bronze, 70 x 35 x 34 cm., 2020. Ed. 8 + 4 PA.

Javier trabajando en "Mi vida es mi mensaje" / at work with "My Life Is My Message"

They received the Reina Sofía Painting and Sculpture Prize for their “Hamlet” artwork in 2017 and won First Prize at the 14th ARC International Salon Competition with the sculpture “The Swan Dance” in 2019. Their other awards include the Mariano Benlliure Sculpture Medal, the TIAC Art Prize or the Arcadia Contemporary Award. 

In addition to being nationally and internationally renowned, their work forms part of private collections in several countries of Europe, Asia and America. They display their work in collective and individual exhibitions in both private entities and public spaces. Many venues in France, the United States (Miami), Mexico, Italy or Greece have had the opportunity of enjoying their works where they regularly exhibit. They were present in Berlin’s Urban Nation Biennial with their “Learning to Fly” piece in September 2019.

"Mi vida es mi mensaje / My Life Is My Message" (pátina negra, vista parcial / black patina, partial view)

"El fauno / The Faun", bronce / bronze, 73 x 25 x 20 cm. Ed. 8 + 4 PA.

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Coderch & Malavia, estudio de escultura / Sculpture Studio

Entrevista / Interview. Galeria d'Art L'Arcada. (en español, english subtitles)

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Fuentes / Sources:

* Website

* Entrevista de / Interview by Vicente Patiño. Asociación Española de Pintores y Escultores, 1/2018

* "Gigantes de sal / Giants of Salt". Entrevista de / Interview by Lola Martínez. Artesfera, Radio 5, 7/2020

* Entrevista de / Interview by Lola Martínez, Artesfera, Radio 5, 7/2020

* Coderch & Malavia, estudio de escultura / Sculpture Studio. Galeria d'Art L'Arcada

Video que puede verse arriba / video you can see above

Más sobre / More about Coderch & Malavia: Website, Blog, Instagram, facebook

Imágenes publicadas con autorización de los artistas (¡Muchas gracias, Joan y Javier!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Joan & Javier!)

Uruguayos / Uruguayans (XLV-3) - Pilar González (III) [Dibujo, Ilustración / Drawing, Illustration]

December 16, 2020, 3:48 am

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Este es el tercer post (primero, segundo) de una serie en la disfrutamos con la obra de la polifacética artista uruguaya Pilar González. Alternando con la entrevista realizada por Shirley Rebuffo, presentamos una amplia selección de pinturas, dibujos, bocetos, ilustraciones, así como diseños de escenografías, vestuario y maquillaje para obras teatrales de esta creadora clave en el panorama artístico uruguayo de las últimas décadas.

This is the third post (first, second) of a series in which we enjoy the work of the multifaceted Uruguayan artist Pilar González. Alternating with the interview conducted by Shirley Rebuffo, we present a wide selection of paintings, drawings, sketches, illustrations, as well as set, costume and makeup designs for plays by this key creator in the Uruguayan artistic scene of the last decades.

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Pilar González

(Montevideo, Uruguay, 1955-)

Pilar González dibujando a la vista del público junto a otros artistas /

drawing in public view with other artists, Sala Carlos F. Sáez

Pilar González es una artista plástica uruguaya nacida en Montevideo en 1955, que se formó con prestigiosos maestros en las décadas del 70 y 80 del siglo XX. Más información en la primera parte.

Serie Purificación / Purification Series

Plumín y tinta sobre papel / pen and ink on paper, 25 x 35 cm., 2012

Entrevista de Shirley Rebuffo (Parte 3)

Shirley Rebuffo: Las mujeres son un leitmotiv en varias de tus series. ¿Alguna de ellas eres tú?

Pilar González: Sí, hay mucha presencia femenina porque soy mujer. Creo que en cada una hay algo de mí. Sin dudas hay una búsqueda de mi propia esencia, de mi naturaleza. Siempre en la obra hay una interrogación, un querer saber, nunca hay afirmaciones. Pero por sobre todo me interesa lo humano, la condición humana en lo femenino y en lo masculino.

Serie Purificación / Purification Series

Plumín y tinta sobre papel / pen and ink on paper, 25 x 35 cm., 2012

Serie Purificación / Purification Series

Plumín y tinta sobre papel / pen and ink on paper, 25 x 35 cm., 2012

SR: En tu hogar, ¿en qué está el arte? ¿Se escucha música, hay arte en las paredes?

PG: Mi casa está llena de cuadros, de libros y de música que tiene un lugar fundamental en mi vida. Soy sumamente ordenada y todo está organizado de tal manera que es como una continuación de mi propia persona. Imposible prescindir de esa característica mía, del hecho de ser una artista, una artista que viaja todo lo que puede, que lee y que permanentemente escucha mucha música de diversos tipos.

Serie Purificación / Purification Series

Plumín y tinta sobre papel / pen and ink on paper, 35 x 25 cm., 2012

Serie Purificación / Purification Series

Plumín y tinta sobre papel / pen and ink on paper, 35 x 25 cm., 2012

SR: ¿Has encontrado buena acogida desde que decidiste empezar tu carrera como artista?

PG: Sí, he recibido premios y estímulos importantes de gente de peso en materia de artes plásticas. Pero tengo muy claro que, si dejas de estar presente por un tiempo, te olvidan fácilmente. Es una característica del Uruguay, estamos guardados en el ropero y de tanto en tanto te sacan, desempolvan y vuelven a guardar. Es un país muy particular que no se enorgullece de sus artistas, como puede ser Argentina, país del que decimos que se apodera de lo nuestro, pero si permanecen acá, los ninguneamos, los olvidamos. ¿Quién habla hoy de Barcala, de Ventayol, de Espósito y de tantos otros?

Serie Erótica / Erotic Series

Plumín y tinta sobre papel / pen and ink on paper, 25 x 35 cm., 2012

Serie Erótica / Erotic Series

Plumín y tinta sobre papel / pen and ink on paper, 25 x 35 cm., 2012

SR: El empoderamiento de la mujer a través del descubrimiento de su propio cuerpo es un tema recurrente en tu trabajo. ¿Sigue siendo necesario apostar por estas temáticas en la lucha feminista?

PG: Lo mío nunca ha sido una pintura emblema feminista, sí femenina, sí de la mujer. Nunca he sido panfletaria, más bien sugiero cosas que luego el espectador descifrará de una forma u otra. No me gusta el realismo socialista, no me gusta lo explícito, no me gusta usar una obra en función de una idea. El arte tiene valor en sí mismo.

Serie Erótica / Erotic Series

Plumín y tinta sobre papel / pen and ink on paper, 25 x 35 cm., 2012

Serie Erótica / Erotic Series

Plumín y tinta sobre papel / pen and ink on paper, 25 x 35 cm., 2012

SR: Sé que eres una estudiosa de las diferentes culturas y te gusta leer sobre Historia del Arte. ¿Cómo afrontas las versiones de obras famosas que puedas hacer íntimamente tuyas para después sacarlas con tu pluma?

PG: ¡No soy estudiosa para nada!!! No he hecho estudios sistematizados de otras culturas. Soy, sí, muy curiosa, respetuosa y me apasiona verlas, sentirlas, y meterlas en mí para enriquecerme. Por eso, como sabes, me encanta viajar, transitar por otras tierras, entrar en contacto con otros pueblos, dialogar, saber cómo piensan, cómo sienten, en qué nos parecemos y en qué nos diferenciamos. Cuando esto pasa, cuando estoy en lugares de culturas poderosas, surge en mí una especie de lazo afectivo muy fuerte que me conmociona. Después, ya en casa, luego del viaje, sale algo de dibujo o pintura, en general no enseguida sino al tiempo. Resulta ser la visión emocionada de lo que percibí, lo que sucedió en mi interior frente a determinados descubrimientos, nunca directamente de lo que vi. Es lo único que tengo como referencia concreta, el afuera sólo puedo percibirlo a través de mí.

Siempre se trata de uno, aunque parezca egocéntrico. Siempre se trata de lo que pasó conmigo frente a los distintos estímulos, a diferentes avatares de la vida, en distintos lugares, con diferentes personas.

Serie Erótica / Erotic Series

Plumín y tinta sobre papel / pen and ink on paper, 25 x 35 cm., 2012

Ilustración para el poema "Cuando ella pasa", de Fernando Pessoa /

Illustration for the poem "When She Passes" by Fernando Pessoa. "El Cultural" de El País

Tinta y crayones acuarelables / ink and watercolor crayons. Pequeño formato / small size

SR: ¿Es importante el lugar físico donde se crea? En tu caso, ¿qué tiene que tener sí o sí tu espacio para crear?

PG: Sí o sí, al comenzar mi tarea dibujando o pintando, toda mi casa debe estar en orden. Esa es una de mis obsesiones que ya he aceptado porque hacen a lo que soy yo.

En un tiempo viví en lugares espaciosos que me permitían hacer obras de grandes dimensiones. Luego todo cambió, mi apartamento es el taller y no tengo el espacio suficiente para volver a aquellos formatos. Pero a pesar de eso, sigo necesitando decir cosas con mi trabajo y surge entonces esa capacidad de adaptación que todos tenemos.

Por lo tanto, sigo en el camino, tratando de sortear las dificultades que se vayan presentando y que en ocasiones se convierten en desafíos.

Los países desarrollados apretando al tercer mundo /

Developed Countries Squeezing the Third World

Dibujo para prensa / drawing for press, tinta y aguada sobre papel / ink and gouache on paper

Dibujo para prensa / drawing for press, tinta sobre papel / ink on paper

Pilar González. Caricatura de / Caricature by Fermín Hontou "Ombú"

Ombú en "El Hurgador" / in this blog: [Octavio Podestá en la Sala Nicolás Loureiro]

Pilar González is a Uruguayan plastic artist born in Montevideo in 1955, who trained with prestigious masters in the 70s and 80s of the 20th century. More information in Part 1.

Ilustración para prensa / illustration for press. "El Cultural" de El País

Tinta y collage sobre papel / ink and collage on paper, pequeño formato / small size, 2002

Interview by Shirley Rebuffo (Part 3)

Shirley Rebuffo: Women are a leitmotif in several of your series. Are any of them you?

Pilar González: Yes, there is a lot of female presence because I am a woman. I think there is something of me in each one. Without a doubt there is a search for my own essence, for my nature. In the work there is always a questioning, a wanting to know, there are never affirmations. But above all I am interested in the human, the human condition in the feminine and in the masculine.

Ilustración para prensa / illustration for press. "El Cultural" de El País, tinta sobre papel / ink on paper

Dibujo para prensa / drawing for press, tinta y collage sobre papel / ink and collage on paper, 1998

SR: What is the art in at home? Is there music, is there art on the walls?

PG: My house is full of paintings, books, and music that has a fundamental place in my life. I'm extremely orderly and everything is organized in such a way that it's like a continuation of my own person. It's impossible to do without that characteristic of mine, the fact that I'm an artist, an artist who travels as much as possible, who reads and permanently listens to a lot of music of different kinds.

Dibujo para Librillo que acompaña disco / Drawing for booklet of an album

Tinta sobre papel / ink on paper, pequeño formato / small size, 2019

Ilustración para "El pecho desnudo" / Illustration for "The Naked Bosom", Italo Calvino

"El Cultural" de El País, tinta sobre papel / ink on paper, pequeño formato / small size, 2004

SR: Have you found a good reception since you decided to start your career as an artist?

PG: Yes, I have received important awards and encouragement from important people in the plastic arts. But I am very clear that, if you stop being present for a while, they forget you easily. It is a characteristic of Uruguay, we are kept in the closet and from time to time they take you out, dust you off and put you back in. It is a very particular country that does not is proud of its artists, as may be Argentina, a country that we say takes over what is ours, but if they remain here, we look down on them, we forget them. Who is speaking today from Barcala, from Ventayol, from Espósito and from so many others?

"Juana y la higuera / Juana And The Fig Tree" (Juana de Ibarbourou). "El Cultural" de El País

Tinta, aguada y crayones acuarelables / ink, gouache and watercolor crayons, pequeño formato / small size

"La madre americana / The American Mother", dibujo para un libro / drawing for a book

Tinta sobre papel / ink on paper, pequeño formato / small size

SR: The empowerment of women through the discovery of their own body is a recurring theme in your work. Is it still necessary to focus on these themes in the feminist struggle?

PG: Mine has never been an emblematic feminist painting, yes, feminine, yes, of women. I've never been a pamphleteer, but rather I suggest things that the viewer will later decipher in one way or another. I don't like socialist realism, I don't like the explicit, I don't like using a work in terms of an idea. Art has value in itself.

"Sangre divina / Holy Blood", dibujo para un libro / drawing for a book

Tinta sobre papel / ink on paper, pequeño formato / small size

"Hildegarda", dibujo para un libro / drawing for a book

Tinta sobre papel / ink on paper, pequeño formato / small size

SR: I know that you are a studious of different cultures and like to read about Art History. How do you deal with the versions of famous works that you can make intimately of yourself and then take them out with your pen?

PG: I am not a studious at all! I haven't done systematic studies of other cultures. I am, yes, very curious, respectful, and I am passionate about seeing them, feeling them, and putting them in me to enrich myself. That's why, as you know, I love to travel, to travel through other lands, to get in touch with other people, to dialogue, to know how they think, how they feel, what we look like and how we differ. When this happens, when I am in places of powerful cultures, a kind of very strong emotional bond emerges in me that It's a shock. Later, already at home, after the trip, some drawing or painting comes out, generally not right away but some time later. It turns out to be the excited vision of what I perceived, what It happened inside me in the face of certain discoveries, never directly from what I saw. It is the only thing I have as a concrete reference, the outside I can only perceive it to through me.

It is always about one, even if it seems self-centered. It's always about what happened to me in the face of different stimuli, different vicissitudes of life, in different places, with different people.

Dibujo para un libro / drawing for a book

Tinta y lápiz de color sobre papel / ink and color pencil on paper, pequeño formato / small size

SR: Does the physical place where it is created matter? In your case, what does your space have to have no matter what in order to create?

PG: No matter what, when I start my task drawing or painting, my whole house must be in order. That is one of my obsessions that I have already accepted because they make what I am.

At one time I lived in spacious places that allowed me to make large works. Then everything changed, my apartment is the studio and I don't have enough space to return to those formats. But in spite of that, I still need to say things with my work and then that ability to adapt that we all have arises.

Therefore, I continue on the path, trying to overcome the difficulties that arise and that sometimes become challenges.

"Tango feroz / Fierce Tango", dibujo para prensa / drawing for press

Tinta sobre papel, intervención digital / ink on paper, digital intervention, pequeño formato / small size

Ilustración para prensa / Illustration for press

Tinta sobre papel / ink on paper, pequeño formato / small size, 2003

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"Lenguajes secretos / Secret Languages"

Cabildo de Montevideo / Montevideo City Council, Uruguay, 12/2016 - 4/2017. Link

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Pilar González en "El Hurgador" / in this blog: [Uruguayos (XLV-1)], [Uruguayos (XLV-2)]

Más sobre / More about Pilar González: facebook, Wikipedia, MNAV

Otros posts de esta serie 1, 2 / Other posts of this series: 1, 2

¡Muchas gracias por la entrevista y las imágenes, Pilar! /

Thanks a lot for the interview and images, Pilar!

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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas e prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.

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Todos los posts de la Serie "Uruguayos" / All posts in Uruguayans Series

I, II, III, IV, V, VI, VII, VIII, IX, X
XI, XII, XIII, XIV, XV, XVI, XVII, XVIII, XIX, XX
XXI, XXII, XXIII, XXIV, XXV, XXVI, XXVII, XXVIII, XXIX, XXX
XXXI, XXXII, XXXIII, XXXIV, XXXV-1, XXXV-2, XXXV-3, XXXVI, XXXVII, XXXVIII, XXXIX, XL-1, XL-2, XL-3
XLI, XLII, XLIII-1, XLIII-2, XLIV, XLV-1, XLV-2

Recolección / Compilation (CLXV-1) - Desnudo femenino / Female Nude (III-1)

December 17, 2020, 4:05 am

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Louis-Joseph-Raphaël Collin

(París, Francia / France, 1850 - Brionne, 1916)

"Floréal", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 110 x 190 cm., 1888

Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires, Argentina)

Louis-Joseph-Raphaël Collin en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (CCXXXII)]

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Henri Gervex

(Montmartre, París, Francia / France, 1852 - 1929)

"Parisina en su toilette / Parisian Woman in Her Toilet"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65 x 35,5 cm.

Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires, Argentina)

"La baigneuse endormie / La bañista dormida / The Sleeping Bather"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 52 x 84 cm. Sotheby's

Henri Gervex en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (CXX)]

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Eduardo Schiaffino

(Buenos Aires, Argentina, 1858 - 1935)

"El reposo / The Repose", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 109 x 200 cm., 1889

Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires, Argentina)

Wikipedia

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Cagnaccio di San Pietro

Natale Bentivoglio Scarpa

(Desenzano del Garda, Italia / Italy, 1897 - Venecia / Venice, 1946)

"Primer dinero / First Money"

Óleo sobre tabla / oil on wood, 1928. Colección privada / Private Collection. Pinterest

Cagnaccio di San Pietro en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (CXLVIII-1)], [Recolección (CLI-1)]

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José Raúl Anguiano Valadez

(Guadalajara, México, 1915 - Ciudad de México / Mexico City, 2006)

"Desnudo de / Nude of Pita Amor", óleo sobre tela / oil on canvas, 150 x 108 cm., 1948

Museo de arte moderno (Ciudad de México / Mexico City, México)

José Raúl Anguiano Valadez en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (CLXV)]

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Alfred Philippe Arthur Roll

(París, Francia / France, 1846 - 1919)

"Démoniaque / Demoníaca / Demonic"

Crayón, grafito y pastel sobre papel, encolado sobre lienzo /

crayon, graphite and pastel on paper, glued on canvas, 56 x 69 cm., c.1904

Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris (Petit Palais) (París, Francia / France). Wikimedia Commons

Wikipedia

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Tom Martin

(Wakefield, Inglaterra / England, 1986-)

"Un breve silencio / A Short Silence⁣", óleo sobre lienzo / oil on canvas⁣, 70 x 140 cm., ⁣2009⁣

Colección / Collection IBEX. Instagram

"Un breve silencio / A Short Silence⁣"

Más sobre / More about Tom Martin: Website, Instagram

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Dana Elizabeth Levin

(Alexandria, Virginia, EE.UU./ VA, USA, 1969-)

"Forward Sweep", óleo sobre lino / oil on linen, 26" x 22", 2008. WikiArt

"Paraíso / Heaven", óleo sobre lino / oil on linen. FineArtAmerica

Más sobre / More about Dana Elizabeth Levin: facebook, devianART

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Henry Young Alison

(Dysart, Fife, Escocia / Scotland, 1889 - 1972)

"Juventud / Youth", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 86,4 x 112,4 cm., c.1936

Glasgow Museums Resource Centre (GMRC) (Escocia / Scotland). ArtUK

The Glasgow School Art

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Gino Piccioni

(Foligno, Italia / Italy, 1873 - Vercelli, 1941)

"Nudo disteso / Desnudo reclinado / Reclining Nude"

Técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, 45 x 95 cm. Artnet

"Nudo sulla Spiaggia / Desnudo en la playa / Nude on the Beach"

Pastel sobre papel tejido / pastel on woven paper, 100 x 120 cm., 1905

Colección / Collection Frascione (Florencia, Italia / Firenze, Italy)

"Nudo sulla Spiaggia / Desnudo en la playa / Nude on the Beach"

Lápices de colores sobre papel / color pencil on paper, 26 x 35 cm. Cambiaste

"Sulla spiaggia / En la playa / At the Beach"

Pastel sobre cartulina / pastel on cardboard, 100 x 120 cm. Christie's

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Antonio Rizzi

(Cremona, Italia / Italy, 1869 - 1940)

"Nudo su lenzuola gialle / Desnudo sobre sábana amarilla / Naked On Yellow Sheets"

Óleo sobre tela / oil on canvas, 70 x 155 cm., 1906. Colección privada / Private Collection. Artribune

Recolección / Compilation (CLXV-2) - Desnudo femenino / Female Nude (III-2)

December 18, 2020, 4:24 am

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Filipo Palizzi

(Vasto, Chieti, Italia / Italy, 1818 - Napoli / Nápoles / Naples, 1899)

Atribuido a / Attributed to Filipo Palizzi

"Nudo seduto / Desnudo sentado / Sitting Nude", óleo sobre lienzo / oil on canvas

Colección / Collection Cafiero. Museo Civico Castello de Barletta (Italia / Italy). Catherine La Rose

Filippo Palizzi en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (LXXXIII)], [Aniversarios (CLXXXII)], [Rinocerontes (XCI)]

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Galileo Andrea Maria Chini

(Firenze / Florencia, Italia / Florence, Italy, 1873 - 1956)

"Nudo di donna / Desnudo de mujer / Nude Woman"

Óleo sobre madera contrachapada / oil on plywood, 87 × 106 cm. Artslife

Wikipedia

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Konstantin Vangelovich Kacev

Константин Вангелович Качев

(Taskent / Tashkent, Uzbekistán [URSS / USSR], 1967-)

en / at Skopje, Macedonia

"Blanco Marfil / Ivory White", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120 x 90 cm., 2020. Singulart

"El desnudo blanco / The White Nude", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 110 cm., 2014. facebook

"Desnudo en azul / Nude in Blue", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 2009. Link

Más sobre / More about Konstantin Kacev: Website, facebook

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Giovanni Boldini

(Ferrara, Italia / Italy, 1842 - París, Francia / France, 1931)

"Nudo di Donna con Calze Nere / Desnudo femenino con Medias negras / Female Nude With Back Stocks"

Óleo sobre tabla / oil on wood, 33 x 55 cm., c.1885. Colección privada / Private Collection. ArtsLife

"Nudo di giovane signora / Desnudo de mujer joven / Nude of a Young Woman"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1890-1900. Colección / Collection Arkas. Ars Magazine

Wikipedia

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Balthus

Balthasar Klossowski de Rola

(París, Francia / France, 1908 - Rossinière, Suiza / Switzerland, 2001)

"Nu devant la cheminée / Desnudo frente a una chimenea (Desnudo frente a un espejo) /

Nude in Front of a Mantle (Nude Before a Mirror)"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 190,5 x 163,8 cm., 1955

Metropolitan Museum of Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA), Wikipedia (English)

Balthus en "El Hurgador" / in this blog:

[Recolección (XXIV)], [Aniversarios (CXII)], [Recolección (CXXX)]

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Michael Bastow

(Bideford, Reino Unido / UK, 1943-)

"Nelly", pastel sobre papel / pastel on paper, 70 x 102 cm., 2016 © Bastow. Publik Art

"Memoria poco fiable (La chica de Pernes delante de su retrato) /

Unreliable Memory (The Girl From Pernes In Front Of Her Portrait)"

Pastel sobre papel / pastel on paper, 144 x 55 cm., 2020. Artsy

"Les amies nues / Las amigas desnudas / The Nude Friends"

Pastel sobre papel / pastel on paper, 48 x 63,5 cm. Colección privada / Private Collection

"L'Artiste et son modèle / El artista y su modelo / The Artist And His Model"

Pastel sobre papel / pastel on paper, 128 x 88 cm., 2007. Wikimedia Commons

"Nu couché / Desnudo reclinado / Reclining Nude"

Pastel sobre papel / pastel on paper, 48 x 63,5 cm. Artnet

Wikipedia (English)

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Claude Verlinde

(París, Francia / France, 1927-)

"La liberté / La Libertad / Freedom"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 162 x 130 cm., 1976. Colección privada / Private Collection

"Arbre généalogique / Árbol genealógico / Family Tree"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 163 x 130 cm. Artnet, ArtyPin

Claude Verlinde en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (XXIII)]

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Pierre-Albert Marquet

(Burdeos, Gironde, Francia / Bordeaux, France, 1875 - París, 1947)

"Les deux amies / Las dos amigas / The Two Friends", 50 x 92 cm., 1912

Musée des Beaux-Arts et d'Archéologie (Besançon, Francia / France). Wikimedia Commons

"Desnudo con fondo azul / Nude on Blue Background"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65 x 92 cm., 1913. Wikimedia Commons

Albert Marquet en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (LXIII)], [Ventanas (I)]

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Joel "John" Ballin

(Vejle, Dinamarca / Denmark, 1822 -

København / Copenhague / Copenhagen, 1885)

"Modelstudie, en ung pige klæder sig af /

Estudio de una modelo, Joven desnudándose / Study of a Model, Young Girl Undressing"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 117 x 92 cm., 1844

Colección de arte / Art Collection Loeb Danish Art Collection. Wikimedia Commons

Wikipedia (Danés / Danish)

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Justin Yanke

(Ohio, EE.UU./ OH, USA)

"Mujer sentada tres / Seated Female Three"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 36", 2011. facebook

"Mujer sentada dos / Seated Female Two"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 36", 2010. facebook

Más sobre / More about Justin Yanke: Website, Instagram, facebook

Ventanas / Windows (II) [Pintura / Painting]

December 21, 2020, 9:31 am

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Continuando con esta serie que presentamos a propuesta de Shirley Rebuffo, y cuyos contenidos preparamos en colaboración, una selección de pinturas de artistas rusos / soviéticos del siglo XX, donde las ventanas aparecen como protagonistas, o como elementos de importancia significativa en las composiciones.

Continuing with this series that we present at the suggestion of Shirley Rebuffo, and whose contents we collaboratively prepare, a selection of paintings by Russian / Soviet artists of the 20th century, where windows appear as protagonists, or as elements of significant importance in the compositions.

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Yuri Ivanovich"Georgy" Piménov

Юрий Иванович (Георгий) Пименов

(Mосква / Moscú, Rusia, Imperio Ruso /

Moscow, Russia, Russian Empire, 1903 - URSS / USSR, 1977)

"Швея / Costurera / Seamstress", óleo sobre panel / oil on board, 1949. Regnum

La intimidad de una tarea doméstica se muestra bañada por la luz solar, la energía transmitida por el astro rey. (Shirley Rebuffo)

The intimacy of a domestic task is shown bathed in sunlight, the energy transmitted by the star king. (Shirley Rebuffo)

Yuri Pimenov fue un pintor ruso nacido en Moscú en 1903.

Estudió Bellas Artes en el Vjutemás (Вхутемáс, acrónimo de Высшие художественно - технические мастерские, "Talleres de Enseñanza Superior del Arte y de la Técnica"), con Serguéi Maliutin y Vladímir Favorski. Compaginó sus estudios trabajando como dibujante para varias revistas. También trabajó como cartelista de empresas donde hacía trabajos marquetería.

Partidario y firme defensor de los ideales de la revolución socialista, se opuso a las  tendencias vanguardistas como miembro de la "Sociedad de Pintores de Caballete", colectivo que defendía el criterio de que los artistas debían ser partícipes inmediatos de la construcción de una nueva sociedad de trabajadores. 

En la segunda mitad de los años 20 empieza a desarrollar el estilo pictórico que le fue característico, marcado en los primeros tiempos por el impresionismo alemán, cosa que cambiaría gracias a las experiencias que le dejó su viaje a Italia. El contacto con los tesoros de la antigüedad y el Renacimiento lo llevan a reconsiderar sus concepciones hasta finalmente desechar la “industrialización”, abrazando a la sutileza, los detalles y la cromática como elementos indispensables de la imagen artística.

En los años siguientes continuaría trabajando en esta visión estética, siempre orientada a los objetos y escenas de la cotidianidad.  

Murió en 1977.

Fuentes: Maestros del Realismo Socialista, Wikipedia

"Весеннее окно / Ventana de primavera / Spring Window"

Óleo sobre madera contrachapada / oil on plywood, 42 x 34 cm., 1948.

Астраханская государственная картинная галерея им. П.М.Догадина

Galería estatal P.M.Dogadina (Astracán, Rusia / Astrakhan, Russia)

"Ventanas de la mañana / Morning Windows"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 149 x 86,5 cm., 1959. Sotheby's

En esta obra muestra la cotidianeidad matinal y parte de la cartelería de la calle. Este tipo de obra colocó a Piménov como uno de los pintores de vanguardia de principios de siglo. (Shirley Rebuffo)

In this work he shows the morning routine and part of the street signs. This type of work placed Piménov as one of the avant-garde painters of the beginning of the century. (Shirley Rebuffo)

Yuri Pimenov was a Russian painter born in Moscow in 1903.

He studied Fine Arts at the Vjutemas (Вхутемáс, acronym for Высшие художественно - технические мастерские, "Higher Art and Technical Studios"), with Sergey Maliutin and Vladimir Favorski. He combined his studies by working as a cartoonist for several magazines. He also worked as a poster designer for companies where he did marquetry work.

A supporter and firm defender of the ideals of the socialist revolution, he opposed avant-garde tendencies as a member of the "Society of Easel Painters", a collective that defended the criterion that artists should be immediate participants in the construction of a new society of workers. 

In the second half of the 1920's he began to develop the painting style that was characteristic of him, marked in the early days by German impressionism, something that would change thanks to the experiences left by his trip to Italy. The contact with the treasures of antiquity and the Renaissance lead him to reconsider his conceptions until he finally discarded "industrialization", embracing subtlety, details and chromatics as indispensable elements of the artistic image.

In the following years he would continue to work on this aesthetic vision, always oriented to the objects and scenes of everyday life.

He died in 1977.

Sources: Maestros del Realismo Socialista, Wikipedia (Spanish)

"Вид из окна / Vista a través de una ventana / View Through a Window"

Óleo sobre panel / oil on panel, 45,5 x 69,5 cm., 1954. Sotheby's

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Alexander Nikolayevich Samokhvalov

Алекса́ндр Никола́евич Самохва́лов

(Бе́жецк / Bezhetsk, Óblast de Tver, Imperio Ruso /

Tver Governorate, Russian Empire, 1894 -

Leningrado, Rusia, URSS / Leningrad, Russian SFSR, USSR, 1971)

"Голубые сумерки / Crepúsculo azul / Blue Twilight"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 112 × 90 cm., 1960. Goskatalog

Брянском художественном музее / Museo de Arte de Bryansk (Брянск / Bryansk, Rusia / Russia)

Alexander Nikolayevich Samokhvalov (Алекса́ндр Никола́евич Самохва́лов) fue un pintor, acuarelista, artista gráfico, ilustrador y profesor de arte ruso que vivió y trabajó en Leningrado. Fue miembro de la rama de Leningrado de la Unión de Artistas de la Federación Rusa, y fue considerado como uno de los fundadores y representantes más brillantes de la escuela de pintura de Leningrado, más famosa por su género y su pintura de retratos.

En 1914, Samokhvalov se matriculó en la Escuela Superior de Arte de la Academia Imperial de Artes de San Petersburgo. Estudió con Vasily Beliaev, Gugo Zaleman, Kuzma Petrov-Vodkin y Vasily Shukhayev; entre sus maestros, el más importante fue Petrov-Vodkin, con su sistema dimensional de diseño de la pintura y la correlación del color y la forma.

Samokhvalov había participado en exposiciones de arte desde 1914, y en 1917 participó en la exposición del Mir iskusstva. Pintó retratos, cuadros de género e históricos, así como pintura monumental y de caballete, arte en blanco y negro, escultura, arte decorativo y aplicado, e ilustraciones para ficción y poesía. Produjo gráficos para libros desde mediados de los años 20, y comenzó a trabajar con la escenografía en los años 30 en el Teatro Dramático Bolshoi y en el Teatro Dramático de la Academia Rusa Pushkin en Leningrado y Novosibirsk.

Samokhvalov fue miembro de las asociaciones de artistas "Krug" (1926-1929) y "Octubre" (1930-1932), y fue miembro de la Unión de Artistas de Leningrado a partir de 1932. Su tema principal fue la juventud soviética. Fue galardonado con un título honorífico de la Federación Rusa de Trabajadores del Arte en 1967.

Murió en 1971.

Wikipedia

"Натюрморт. Вид из окна мастерской / Naturaleza muerta. Vista desde la ventana del taller /

Still Life. View From The Workshop Window"

Témpera sobre lienzo / tempera on canvas, 89,5 x 67,5 cm., 1960

Государственный Русский музей /

Museo Estatal Ruso (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia). VB

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Yan Yulianovich Kryzhevsky

Ян Юлианович Крыжевский

(Уфа / Ufá, República Autónoma Socialista Soviética de Baskiria,

RSFS de Rusia, URSS / BASSR, RSFSR, USSR, 1948-)

"Вид из окна / Vista desde la ventana / View From The Window"

Óleo sobre panel / oil on panel, 110 x 70 cm., 1974

Вологодская областная картинная галерея /

Galería regional de pintura Vólogda (Вологда / Vólogda, Rusia / Russia). VA

Yan Yulianovich Kryzhevsky es un artista ruso soviético nacido en 1948.

Miembro de la Unión de Artistas de la URSS (1975). Primero estudió en la Ufa Art College y luego se formó artísticamente en la Academia Letona de las Artes de E. Zalkaln (en 1970-1972). Expulsado de la Academia, no terminó los estudios, no obstante inició su actividad creativa en 1973, participando en la exposición de Arte Soviético. Y no en vano, en particular gracias a la obra "Nuevo día", expuesta en la Sala Central de Exposiciones (1976, Moscú) que recibió el primer premio de la Exposición de Artistas Jóvenes de toda la Unión. Además recibió el Premio Lenin Komsomol (1976) por sus cuadros "Horizontes de Ufa" y "Día blanco y azul".

Desde 1977 trabajó principalmente en Vologda, hasta 1988.

Soviet Art, Wikipedia (Ruso)

"К северной заре. Автопортрет / Hacia el amanecer del norte. Autoretrato /

To The Northern Dawn. Self Portrait", 1977. facebook

"Вариации на тему Портрет / Variaciones sobre el tema Retrato / Variations on Theme Portrait"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1981. Museos de Rusia

Yan Yulianovich Kryzhevsky is a Soviet Russian artist born in 1948.

Member of the USSR Union of Artists (1975). First, he studied at the Ufa Art College, and then trained his art knowledge in the Latvian Academy of Arts of E. Zalkaln (In 1970-1972). However, expelled from the Academy, he did not finish studies. Nevertheless, he began his creative activity in 1973, taken part in the exhibition of Soviet Art. And not in vain. In particular, for the work “New Day”, shown in the Central Exhibition Hall (1976, Moscow) he received the first prize of the All-Union Exhibition of Young Artists. In addition, he became a Laureate of the Lenin Komsomol Prize (1976) for his paintings “Ufa Horizons”, and “White and Blue Day”.

Since 1977, he worked mostly in Vologda until 1988. 

Soviet Art, Wikipedia (Russian)

"Счастливое лето / Feliz verano / Happy Summer"

Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 90,3 x 70,2 cm., 1976

Вологодская областная картинная галерея /

Galería regional de pintura Vólogda (Вологда / Vólogda, Rusia / Russia). VA

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Alexander Vasilyevich Panteleev

Александр Васильевич Пантелеев

Великие Луки / Velikiye Luki, Óblast Occidental, RSFS de Rusia, URSS /

Western Oblast, RSFSR, USSR, 1932 - Вологда / Vólogda, 1990)

"Поздняя осень / Finales del otoño / End of Autumn"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90 х 105 cm., 1984

Вологодская областная картинная галерея /

Galería regional de pintura Vólogda (Вологда / Vólogda, Rusia / Russia). VA

Alexander Vasilyevich Panteleev (Александр Васильевич Пантелеев) fue un artista gráfico, pintor, muralista y escenógrafo ruso soviético nacido en 1932.

Entre 1948 y 1954 estudió en la Escuela de Música y Arte Bashkir.

Fue miembro de la Unión de Artistas de la URSS desde 1956, Artista de Honor de la BASSR desde 1966 y Artista de Honor de la RSFSR desde 1974.

En 1976 llegó a Vólogda desde Ufa, donde había vivido desde 1939. En ese momento ya era muy conocido en el país, habiendo expuesto en Moscú, Leningrado, y ciudades de los Urales y Siberia.

La influencia de la creatividad y la personalidad de A.V. Panteleev en las bellas artes de Vólogda, así como la influencia inversa, fueron innegables. Allí adquirió sabiduría para comprender la vida, logrando un dominio maduro, creando una serie única de pinturas y láminas gráficas. Por otra parte, el nivel general de la pintura moderna de Vólogda, su contenido y aspectos plásticos se elevaron significativamente bajo la influencia de Panteleev, y gracias a él se abrió una nueva etapa en el desarrollo de la cultura artística de Vólogda.

Murió en 1990.

Cultinfo, Wikipedia (Ruso)

"На Лигурийском море / En el mar de Liguria / On the Ligurian Sea"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 80 cm., 1981

Вологодская областная картинная галерея /

Galería regional de pintura Vólogda (Вологда / Vólogda, Rusia / Russia). VA

"Воскресение. Из серии «Времена года» / Domingo. De la serie 'Temporadas' /

Sunday. From Seasons Series", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1982. cultinfo

Alexander Vasilyevich Panteleev (Александр Васильевич Пантелеев) was a Soviet Russian graphic artist, painter, muralist and set designer born in 1932.

Between 1948 and 1954 he studied at the Bashkir School of Music and Art.

He was a member of the Union of Artists of the USSR since 1956, Honored Artist of the BASSR since 1966 and Honored Artist of the RSFSR since 1974.

In 1976 he arrived to Vologda from Ufa, where he had lived since 1939. At that time he was already well known in the country, having exhibited in Moscow, Leningrad, and cities in the Urals and Siberia.

The influence of creativity and personality of A.V. Panteleev in the fine arts of Vologda, as well as the reverse influence, were undeniable. There he gained wisdom to understand life, achieving a mature mastery, creating a unique series of paintings and graphic plates. On the other hand, the general level of modern Vologda painting, its content and plastic aspects rose significantly under the influence of Panteleev, and thanks to him a new stage was opened in the development of Vologda's artistic culture.

He died in 1990.

Cultinfo, Wikipedia (Russian)

"Флоренция / Firenze / Florencia / Florence", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1982. cultinfo

"Верба / Sauce / Willow", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1989. cultinfo

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Isaak Izrailevich Brodsky

Исаак Израилевич Бродский

(Бердя́нськ / Berdyansk, Ucrania / Ukraine, 1884 -

Leningrado, Rusia [URSS] / Leningrad, Russia [USSR], 1939)

"Портрет Татьяны Петровны Мясоедовой, жены художника, за рукоделием /

Retrato de Portrait of Tatyana Petrovna Myasoedova, esposa del artista, cosiendo /

Portrait of Tatyana Petrovna Myasoedova, the Artist's Wife, Sewing", 1930. Arthur

Isaak Brodsky en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (CLVIII)]

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Alexender Aleksandrovich Deineka

Алексaндр Алексaндрович Дейнeка

(Курск / Kursk, Imperio Ruso / Russian Empire, 1899 -

Москва / Moscú, URSS / Moscow, USSR, 1969)

"Зима. Дівчинка біля вікна / Invierno. La chica en la ventana /

Winter. The Girl at the Window", 1931. Link

El artista define el dramático contraste entre la calidez interior y el gélido exterior. Dentro de una habitación en tonos ocre, apagados, oscuros, una niña junto a una estufa, de espaldas al espectador, observa pensativa el paisaje tras los cristales. Lo único que rompe la sobriedad tonal es el blanco intenso de los calcetines. Tras la ventana, un paisaje nocturno en el que en los árboles brilla el blanco frío de la capa de nieve que se amontona en sus ramas. La imagen transmite una sensación de seguridad, de la tranquilidad que inspira ver desde el refugio hogareño la inclemencia climática que domina tras los cristales, un estado de contemplación apacible acentuado por el gato cómodamente enrollado sobre el tapete. (Javier Fuentes)

The artist defines the dramatic contrast between the inner warmth and the icy exterior. Inside a room in shades of ochre, dull, dark, a girl by a stove, with her back to the viewer, watches thoughtfully at the landscape behind the glass. The only thing that breaks the tonal sobriety is the intense white of the socks. Behind the window, a nocturnal landscape in which the cold white of the layer of snow that piles up on its branches shines on the trees. The image transmits a sensation of security, of the tranquility that inspires seeing from the home shelter the inclement weather that dominates behind the glass, a state of peaceful contemplation accentuated by the cat comfortably rolled up on the mat.  (Javier Fuentes)

Alexander Deineka en "El Hurgador" / in this blog: [Asonancias (II)]

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Vladimir Vladimirovich Zhivotkov

Животков Владимир Владимирович

(Арха́нгельск / Arcángel, Tula, Rusia [URSS] /

Arkhangelsk, Russia [USSR], 1940 - Калу́га / Kaluga, 2005)

"Oкно / La ventana / The Window", óleo / oil, 1970. facebook

Zhivotkov cuenta en su haber con varias pinturas de ventanas, primaverales e invernales. Esta obra es magnífica por su gama cromática en azules. (Shirley Rebuffo)

Zhivotkov has several paintings of windows, spring and winter. This work is magnificent for its chromatic range in blue. (Shirley Rebuffo)

Vladimir Vladimirovich Zhivotkov (Животков Владимир Владимирович) fue un pintor y artista gráfico ruso soviético nacido en 1940 en Arkhangelsk, distrito de Kamensky, región de Tula. 

Desde 1950 vivió en Kaluga. Asistió al círculo de bellas artes del Palacio de los Pioneros, donde tuvo como profesores a T. A. Kalashnikov, V. P. Sokolov, I. A. Pavlishak y G. N. Gerasimov.

Entre 1958 y 1963 estudió en la Escuela de Arte de Moscú. En 1969 se graduó de la facultad gráfica del Instituto Estatal de Arte de Moscú. V. I. Surikova, donde sus profesores fueron Ponomarev N. A., Uspensky B. A., Savostyuk O. M. y Matorin M. V.

Murió en 2005.

Fuente: Art Kaluga

"Вечер в мастерской / Tarde en el taller / Evening at the Workshop"

Aguada sobre papel / gouache on paper, 86 x 137 cm., 1966. facebook

Vladimir Vladimirovich Zhivotkov (Животков Владимир Владимирович) was a Russian Soviet painter and graphic artist born in 1940 in Arkhangelsk, Kamensky district, Tula region. 

Since 1950 he lived in Kaluga. He attended the fine arts circle of the Pioneers' Palace, where he was taught by T. A. Kalashnikov, V. P. Sokolov, I. A. Pavlishak and G. N. Gerasimov.

Between 1958 and 1963 he studied at the Moscow School of Art. In 1969 he graduated from the graphic faculty of the Moscow State Institute of Art. V. I. Surikova, where his professors were Ponomarev N. A., Uspensky B. A., Savostyuk O. M. and Matorin M. V.

He died in 2005.

Source: Art Kaluga

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Alexander Ivanovich Sulimov

Александра Ивановича Сулимова

(Курган / Kurgán, Rusia / Russia, 1963-)

Alexander Ivanovich Sulimov (Александра Ивановича Сулимова) es un artista ruso nacido en la ciudad de Kurgán en 1963, que actualmente vive y trabaja en Zhigulevsk.

Miembro de la Unión Creativa de Artistas de Rusia, ha expuesto en las ciudades rusas de Kurgán, Togliatti y en el Salón Internacional de Arte de Moscú en 2006.

Más de 200 de sus obras se encuentran en colecciones privadas en Estados Unidos, Australia, China y varios países europeos.

Artnow

"Три девицы под окном / Tres doncellas en la ventana / Three Maidens Under The Window"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 х 80 cm., 2014. Link

Alexander Ivanovich Sulimov (Александра Ивановича Сулимова) is a Russian artist born in the city of Kurgan in 1963, who currently lives and works in Zhigulevsk.

A member of the Creative Union of Artists of Russia, he has exhibited in the Russian cities of Kurgan, Togliatti, and also at the Moscow International Art Fair in 2006.

More than 200 of his works are in private collections in the United States, Australia, China and several European countries.

Artnow

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Alexey Zhigalin-Vishnyakov

Алексей Жигалин-Вишняков

(Москва / Moscú, Rusia / Moscow, Russia)

"Солнечная терраса / Terraza soleada / Sunny Terrace", óleo / oil, 50 х 60 cm., 2019. Instagram

Alexey Zhigalin-Vishnyakov (Алексей Жигалин-Вишняков) es un pintor ruso nacido en Moscú.

Se graduó en la Universidad Pedagógica Estatal de Moscú V.I. Lenin, Departamento de Artes Visuales.

Participó en la decoración del templo Feodosiya Voznesensky en Perm como pintor de iconos y director de las pinturas. Miembro del Fondo Internacional de Arte de 2002 a 2004. Vivió en Nassau, en las islas Bahamas.

Trabaja en el ámbito de la pintura de paisajes y retratos.

"Mi estilo se define como al aire libre. Pinto en la naturaleza y desde la naturaleza; en el taller sólo hago algunas correcciones.

Remito mis obras a varias corrientes; en su mayoría es una simbiosis del impresionismo ruso, cuya fuente veo en las obras de K Korovin y los pintores de paisajes románticos rusos. La expresión de la técnica es necesaria para resolver las tareas en la pintura; aporta un toque inconcluso a mis obras y crea ese carácter de cambio constante de la naturaleza".

Russian Fine Art

"На терассе / En la terraza / On the terrace", óleo / oil, 50 х 50 cm., 2018. Instagram

Alexey Zhigalin-Vishnyakov (Алексей Жигалин-Вишняков) is a Russian painter born in Moscow.

He graduated in the Moscow State Pedagogical University named after Lenin, Department of visual arts.

He took part in decoration of Feodosiya Voznesensky temple in Perm as an icon painter and director of the paintings. Member of International Art Fund From 2002 to 2004. He lived in Nassau on the Bahama islands.

He works in the sphere of landscape and portrait painting.

"My style is defined as plain air. I paint at nature and from nature; at the workshop I can make only a few corrections.

I refer my works to various streams; mostly it is a symbiosis of Russian impressionism, the source of which I see in the works of K Korovin and Russian romantic landscape painters. The expression of the technique is needed to solve the tasks in painting; it brings some unfinished touch to my works and creates the character of constant change of the nature"

Russian Fine Art

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Vladimir Alexandrovich Danilyuk

Владимир Александрович Данилюк

(Нижний Новгород / Nizhny Novgorod, Rusia [URSS] /

Russia [USSR],1919 - 2007)

"Весна / Primavera de / Spring of 1945", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1985. facebook

Vladimir Alexandrovich Danilyuk (Владимир Александрович Данилюк) fue un talentoso pintor ruso nacido en 1919.

Estudió en la escuela de arte Gorky. Fue miembro de la Unión de Artistas de Rusia, Maestro de la pintura de género y del paisaje, y participante de muchas exposiciones de arte considerables.

Las pinturas de Vladimir Daniliuk se conservan en los museos estatales de arte de Nizhni Novgorod, Dzerzhinsk, Voronezh, Kamyshin, y en el Fondo de Arte de Rusia, Moscú.

Murió en 2007.

Fuente

Vladimir Alexandrovich Danilyuk (Владимир Александрович Данилюк) was a talented Russian painter born in 1919.

He studied at the Gorky Art school. He was a member of the Union of Artists of Russia, Master of genre painting and landscape, and participant of many considerable art exhibitions.

The paintings of Vladimir Daniliuk are preserved at the State Art museums in Nizhni Novgorod, Dzerzhinsk, Voronezh, Kamyshin, and at the Russia’s Art Fund, Moscow.

He died in 2007.

Source

Vladimir Alexandrovich luchó, resultó gravemente herido e incluso estuvo en cautiverio nazi. Quizás por eso él, como ningún otro artista, apreciaba la luz, el sol y la alegría en el arte y en la vida.

El cuadro "Mañana de Mayo" fue pintado casi cuarenta años después de la guerra, en 1982. El tema de la memoria se revela aquí de forma muy sutil, discreta, peculiar y, por así decirlo, de paso, a través del género de interiores. Las corrientes de luz solar y de aire irrumpen en el espacio minimalista de un apartamento o una casa moderna, lo que hace que los ojos del espectador se precipiten hacia ellos. Pero la imagen de la galardonada chaqueta que cuelga de la silla en el borde del interior te hace detenerte y cambiar instantáneamente a otro aspecto de la percepción. Así, el punto de contacto de los planos espaciales se convierte en el punto de intersección en el tiempo de dos fuentes: 1945 y 1982.

Pero este recordatorio del precio del bienestar actual no oprime ni abruma al espectador, sino que le hace sentir más plenamente la alegría de vivir y el sentimiento de gratitud filial, sin patetismo forzado, sin sabor a agitación gubernamental. Sólo una persona que lo ha visto cara a cara puede hablar de manera tan sencilla y natural sobre la guerra.

El motivo de un gran ventanal, abierto a un paisaje soleado, se encuentra muy a menudo en las obras de este maestro. La falta de detalles imparte una cierta medida de convencionalidad, alegoricalidad la parte de afuera de la ventana, pero sin melancolía romántica, en general ajena al artista. Como regla general, sus ventanas son imágenes positivas de modernidad dinámica, una especie de sol local brillante, esperanzas felices y perspectivas de vida.

En esta obra Danilyuk se esfuerza por traspasar los límites del género de interiores, creando una imagen sutil y elusiva de una "presencia ausente", un "retrato" de un héroe en una pintura en la que no está. La frontalidad de la construcción compositiva solo agrava el grado de convención espacial y de género. Los trazos coloridos grandes, pero no masivos, tienden formalmente a planos frágiles más bien pequeños, y los tonos claros aclarados complementan la sensación de ligereza e ingravidez del espacio, su soltura empírica del sujeto.

Fuente (en ruso)

Vladimir Alexandrovich fought, was seriously injured and even was in Nazi captivity. Perhaps that is why he, like no other artist, appreciated light, sun and joy in art and life.

The painting "May Morning" was painted almost forty years after the war, in 1982. The theme of memory is revealed here in a very subtle, discreet, peculiar way and, thus to say it, in passing, through the genre of interiors. Currents of sunlight and air break into the minimalist space of an apartment or a modern house, causing the eyes of the viewer to rush towards them. But the image of the award-winning jacket hanging from the chair at the edge of the interior makes you stop and instantly switch to another aspect of perception. Thus, the point of contact of the spatial planes becomes the point of intersection in time of two sources: 1945 and 1982.

But this reminder of the price of modern well-being does not oppress or overwhelm the viewer, but rather makes him or her feel more fully the joy of life and the feeling of filial gratitude, no forced pathos, no taste of government agitation. Only a person who has seen it face to face can speak so simply and naturally about war.

The motif of a large window, open to a sunny landscape, is very often found in the works of this master. The lack of detail imparts a certain measure of conventionality, allegoricality the outside of the window, but without romantic melancholy, generally alien to the artist. As a general rule, his windows are images

positive aspects of dynamic modernity, a kind of bright local sunshine, happy hopes and prospects for life.

In this work Danilyuk strives to go beyond the limits of the interior genre, creating a subtle and elusive image of an "absent presence", a "portrait" of a hero in a painting in which it is not. The frontality of the compositional construction only aggravates the degree of spatial and gender convention. The large, but not massive, colorful strokes formally tend towards rather small, fragile planes, and the lighter tones complement the sensation of lightness and weightlessness of space, its empirical looseness of the subject.

Source (Russian)

Juan Muñoz [Escultura / Sculpture]

December 24, 2020, 5:32 am

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Juan Muñoz fue un singular artista español, considerado clave en la renovación de la escultura contemporánea, que creó un amplio cuerpo de obra basado en la figura humana y los espacios, utilizando principalmente resina y bronce. Les presento una selección de su obra y algunos textos, con aportes de Shirley Rebuffo, y la colaboración y apoyo de Juan Muñoz Estate en el apartado visual.

Juan Muñoz was a unique Spanish artist, considered a key figure in the renewal of contemporary sculpture, who created a large body of work based on the human figure and spaces, using mainly resin and bronze. Here you have a selection of his work and some texts, with contributions from Shirley Rebuffo, and the collaboration and support of Juan Muñoz Estate in the visual section.

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Juan Muñoz

(Madrid, España / Spain, 1953 -

Ibiza, Islas Baleares / Balearic Islands, 2001)

Juan Muñoz. Captura del documental de TVE / still of the TVE documentary

Juan Muñoz fue un escultor español nacido en Madrid en 1953.

Segundo de una familia de siete hermanos, en la década de los setenta viajó a Inglaterra para estudiar en el Croydon College y luego en el Central School of Art and Design. Allí conoció a su esposa, la escultora Cristina Iglesias, con quien tuvo dos hijos. En 1982 viajó a Estados Unidos para estudiar en el Pratt Centre de Nueva York con una beca.

"Escultura Nº1, Original de Louisiana sin la cabeza pequeña /

Sculpture #1 (Louisiana Original Without Small Head)"

Bronce / bronze, 130,8 x 55,1 x 55,1 cm., 2001. Ed.2. Sotheby's

"Escultura Nº1, Original de Louisiana sin la cabeza pequeña /

Sculpture #1 (Louisiana Original Without Small Head)" (detalle / detail). Sotheby's

Está considerado un referente en la renovación de la escultura contemporánea. Los dieciséis años que median desde 1984, fecha de su primera exposición individual en la galería Fernando Vijande de Madrid, hasta 2001 en que realiza su última obra, le permiten crear un corpus artístico de una excepcional narratividad, con el que logra crear un espacio psicológico que implica al espectador y le obliga a reconstruirlo. Su concepción estética se basa en la creación de contenidos radicales con formas tradicionales, como sus suelos ópticos de reminiscencias barrocas que enmarcan y escenifican al personaje que los transita para hacerlo actuar.

"Muchas veces / Many Times"

Lienzo, pigmentos naturales y resina polyester / canvas, natural pigment and polyester resin

Dimensiones variables. Cada figura 145 x 40 x 40 cm aprox. / 

variable dimensions. Each figure 145 x 40 x 40 cm approx., 1999

Vista de la instalación / Installation view HangarBicocca, Milán / Milano, 2015. Foto / Photo: Attilio Maranzano

Cortesía / Courtesy Estate of Juan Muñoz

"Una figura / One Figure"

Fibra de vidrio y resina polyester pigmentada /

fiberglass and pigmented polyester resin, 135 x 55 x 62,5 cm., 2001

Foto / Photo: Serge Hasenböhler, ch-basel

Cortesía / Courtesy Estate of Juan Muñoz

Muñoz forma parte de la primera generación de artistas que reintroducen la figuración en la escena artística y posee además una extraordinaria habilidad para urdir narraciones en atmósferas cargadas de teatralidad. En su obra existe una gran tensión entre los espacios irreales y los tangibles, con referencias al mundo de la magia, la ilusión y el misterio. Sus figuras, entre las que se encuentran acróbatas, enanos, bailarinas y personajes orientales, exhiben una fuerte presencia física. El silencio, la soledad y la incomunicación adquieren un especial protagonismo en su creación artística, como en su serie emblemática "Escenas de conversación", donde interaccionan entre sí diversas figuras humanas con rostros inexpresivos y bases esféricas.

Para sus esculturas, Juan Muñoz utilizó principalmente papel maché, resina y finalmente bronce.

"Descarrilamiento / Derailment"

Acero Corten / Corten steel, cada vagón / each wagon: 83 x 370 x 53 cm., aprox., 2000-2001

Foto / Photo: Stefan Hostettler. Vista de la instalación / installation view. Thomas Schutte Foundation

Cortesía / Courtesy Estate of Juan Muñoz

"Hombre cabeza cortada / Cutting Head Man", bronce / bronze, 177 x 57 x 45 cm., 2000. Ed.2/2

Foto / Photo: Serge Hasenböhler, ch-basel

Cortesía / Courtesy Estate of Juan Muñoz

Además de en la escultura, Muñoz se interesó en la creación de carácter auditivo, produciendo algunos trabajos para radio. Uno de sus trabajos más reconocidos en este medio fue el que realizó junto con el compositor británico Gavin Bryars a principios de los años 1980, llamado A Man in a Room, Gambling (Un hombre en una habitación, apostando), el cual constaba de Muñoz describiendo trucos de naipes acompañado por una composición de Bryars. Las piezas, diez segmentos de no más de cinco minutos, fueron emitidas por la cadena de radio Radio 3 de la BBC.

Muñoz falleció en la cima de su carrera, a los 48 años, en su casa de Santa Eulalia (Ibiza) poco antes de inaugurarse su retrospectiva en el Hirshhorn Museum de Washington.

"Pieza de conversación II / Conversation Piece II", bronce soldado / welded bronze

6 figuras, cada una aprox / 6 figures, each one approx. 160 x 80 x 80 cm., 2001

Foto / Photo: Cuauhtli Gutierrez

Cortesía / Courtesy Estate of Juan Muñoz

"Dos Bailarinas (Cocina) / Two Ballerinas (Kitchen)"

Bronce y madera / bronze and wood, 160 x 105 x 148 cm., 1989

Colección privada, Nueva York / Private Collection New York

Vista de la instalación / Installation view: Marga Paz

Cortesía / Courtesy Estate of Juan Muñoz

«Creo que debajo de toda obra de arte hay una sospecha, una sospecha profunda sobre la realidad tal y cual se presenta delante del ojo. Porque si este es un oficio de creer en el ojo, también es un oficio de sospechar del ojo. 

En el origen de toda obra de arte, que a mí me interesa, hay un momento en el que el ojo te traiciona. Te está dando una información que el cerebro no te la reconoce. O al revés, la imaginación te trata de describir el mundo que tienes delante y el ojo te está diciendo que no. Yo miro al suelo ahora mismo, miro firme, y veo la cámara que me está filmando a mí. Y la estoy viendo en un suelo de mármol, refleja, y aunque pise la sombra, no me voy a caer. Pero desde el sitio donde estoy ahora, me cuesta no creer que no hay un pozo donde me voy a caer, entre yo y el reflejo de la cámara que está ahora filmando mi cara.» J.M.

"Figuras colgantes / Hanging Figures"

Resina, soga y motor / resin, rope and engine, cada una / each figure aprox. 160 x 70 x 50 cm.

Cada figura pesa aprox. / each figure weights about 20 Kg., 1997

Bilboko Arte Ederren Museoa / Museo de Bellas Artes (Bilbao, España / Spain)

«Es un oficio hermoso la escultura. Un oficio de hombres libres, antiguo. Indudablemente cercano a la música, cercano al oficio de los poetas. Me gusta la posibilidad que tiene la escultura de ser una gran emoción, de construir, como los poetas y como los músicos, un lenguaje de emociones.» J.M.

"Trece riéndose unos de otros / Thirteen Laughing at Each Other"

Bronce y acero Corten / bronze and Corten steel benches

Cuatro bancos y trece figuras / Four benches and thirteen figures.

Cada banco, aprox./ Each bench, approx.: 330 x 220 x 200 cm., 2001.

Jardim da Cordoaria (Porto, Portugal). Foto / Photo: domjisch. Flickr

"Trece riéndose unos de otros / Thirteen Laughing at Each Other" (detalle / detail)

Foto / Photo: Neva Micheva. Wikimedia Commons

«Toda creación es un acto contra la fealdad, la crueldad y la muerte. Para ello los artistas tienen que ser capaces de encontrar mágicamente la belleza en lo mundano, en lo cotidiano, en el día a día, y creo que Juan tenía mucho mucho talento para eso.»

John Malkovich (Actor)

"Mirando al anciano / Looking at the Old Man"

Bronce / bronze, 130 x 85 x 40 cm., 2001. Ed.2+1AP. Sotheby's

"Mirando al anciano / Looking at the Old Man" (detalle / detail). Sotheby's

«La transversalidad de los géneros implica que una obra de arte puede ser literaria, que una pintura puede ser escultórica... Este espacio entre los géneros artísticos es un espacio que Juan Muñoz descubre como nadie.»

Manuel Borja-Villel (Director Mncars / Reina Sofía, Madrid)

"Dos figuras con mano en el pecho / Two Figures With Hand in Chest"

Bronce / bronze, 130 x 60 x 65 cm., 135 x 65 x 75 cm., 1999. Sotheby's

"Dos figuras con mano en el pecho / Two Figures With Hand in Chest" (detalle / detail). Sotheby's

«La idea de un cuadro dentro de una escultura, o una imagen dentro de un cuadro, es recurrente en su obra. En esculturas como "Descarrilamiento", que es casi piranesiana, un mundo dentro de un objeto, y vistas hacia mundos que están parcialmente revelados y parcialmente ocultos.»

James Lingwood (Curador / Co-Director de Artangel)

"El boxeador / The Boxer"

Hierro, pintura y escayola patinada / iron, paint and patinated plaster, 178 x 43 x 43 cm., 1985

Cada figura, aprox./ Each figure, approx. 160 x 80 x 80 cm.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, España / Spain)

Juan Muñoz was a Spanish sculptor born in Madrid in 1953.

The second of a family of seven siblings, in the 1970s he traveled to England to study at Croydon College and then at the Central School of Art and Design. There he met his wife, the sculptor Cristina Iglesias, with whom he had two children. In 1982 he traveled to the United States to study at the Pratt Centre in New York on a scholarship.

"Pieza de conversación III / Conversation Piece III", bronce en seis partes / bronze in six parts

La más alta / Tallest: 152,4 x 66 x 91,4 cm.

La más baja / Shortest: 143,5 x 91,4 x 73,7 cm., 2001. Sotheby's

"Pieza de conversación III / Conversation Piece III" (detalle / detail). Sotheby's

He is considered a reference in the renewal of contemporary sculpture. The sixteen years from 1984, the date of his first individual exhibition at the Fernando Vijande gallery in Madrid, until 2001 when he produced his last work, allow him to create an artistic corpus of exceptional narrative, with which he manages to create a psychological space that involves the spectator and forces him to reconstruct it. His aesthetic conception is based on the creation of radical contents with traditional forms, such as his optical floors with baroque reminiscences that frame and stage the character that passes through them to make him act.

"Una figura / One Figure"

Fibra de vidrio, tubo fluorescente y resina polyester pigmentada /

fiberglass, fluorescente tube and pigmented polyester resin, 85 x 49 x 62 cm., 2001

Foto / Photo: Serge Hasenböhler, ch-basel

Cortesía / Courtesy Estate of Juan Muñoz

«All creation is an act against ugliness, cruelty and death. For that artists have to be able to magically find beauty in the mundane, in the everyday, in the day-to-day, and I think Juan had a lot of talent for that.»

John Malkovich (Actor)

«The transversality of genres implies that a work of art can be literary, that a painting can be sculptural... This space between the artistic genres is a space that Juan Muñoz discovers like no other.»

Manuel Borja-Villel (Director Mncars / Reina Sofía, Madrid)

"Dos figuras mirando de lado / Two Figures Looking Sideways"

Acrílico, pintura de pisos industrial, resina poliéster, foco y madera /

acrylic, industrial floor paint, polyester resin, spotlight and wood, 125 x 100 x 80 cm. aprox, 1996-97

Foto / Photo: Stefan Hostettler. Vista de instalación / installation view Thomas Schutte Foundation

Cortesía / Courtesy Estate of Juan Muñoz

Muñoz is part of the first generation of artists who reintroduce figuration into the art scene and also possesses an extraordinary ability to weave narratives in theatrically charged atmospheres. In his work there is a great tension between unreal and tangible spaces, with references to the world of magic, illusion and mystery. His figures, among which are acrobats, dwarves, dancers and oriental characters, exhibit a strong physical presence. Silence, loneliness and lack of communication take on a special role in his artistic creation, as in his emblematic series "Scenes of Conversation", where various human figures with inexpressive faces and spherical bases interact with each other.

For his sculptures, Juan Muñoz used mainly paper mache, resin and finally bronze.

"A caballito (2 chinos riendo) / Piggyback (2 Chinese Laughing)"

Bronce / bronze. 182 x 72 x 68 cm., 1998-99. Sotheby's

"A caballito (2 chinos riendo) / Piggyback (2 Chinese Laughing)" (detalle / detail). Sotheby's

In addition to sculpture, Muñoz was interested in creating audio works, producing some for radio. One of his most recognized works in this medium was the one he made together with British composer Gavin Bryars in the early 1980s, called A Man in a Room, Gambling, the which consisted of Muñoz describing card tricks accompanied by a composition by Bryars. The pieces, ten segments of no more than five minutes, were broadcast by BBC Radio 3.

Muñoz died at the peak of his career, at age 48, in his home in Santa Eulalia (Ibiza) shortly before his retrospective opened at the Hirshhorn Museum in Washington.

"Tierra Baldía / Waste Land"

Linóleo, madera y bronce / linoleum, wood & bronze, 1986

Exposición "Impresionistas y modernos. Obras maestras de la Colección Phillips"

Exhibition "Impresionists and Moderns. Masterworks from Phillips Collection"

Caixa Forum (Madrid, España / Spain)

Foto / Photo: Javier Fuentes, 8/2016

«I believe that underneath every work of art there is a suspicion, a deep suspicion about reality as it is presented before the eye. Because if this is a craft of believing in the eye, it is also a craft of suspecting the eye. 

At the origin of every work of art, which interests me, there is a moment when the eye betrays you. It is giving you information that the brain does not recognize. Or, on the contrary, the imagination tries to describe the world before you and the eye is telling you no. I look at the ground right now, I look at it firmly, and I see the camera that is filming me. And I'm looking at it on a marble floor, reflecting, and even if I step on the shadow, I'm not going to fall. But from the place where I am right now, it is hard for me not to believe that there is not a well where I am going to fall, between me and the reflection of the camera that is now filming my face.» J.M.

"Tierra Baldía / Waste Land" (detalle / detail). Foto / Photo: Esther Frías, 8/2016

«Sculpture is a beautiful craft. A trade of free men, ancient. Undoubtedly close to music, close to the trade of the poets. I like the possibility that sculpture has of being a great emotion, of constructing, like the poets and like the musicians, a language of emotions.» J.M.

"Tierra Baldía / Waste Land" (detalle / detail). Foto / Photo: Esther Frías, 8/2016

«The idea of a painting within a sculpture, or an image within a frame, is recurrent in his work. In sculptures such as "Derailment", which is almost Piranesian, a world within an object, and views towards worlds that are partially revealed and partially hidden.»

James Lingwood (Curator / Co-Director of Artangel)

"Caminando con un palo puntero / Walking With a Pointing Stick"

Bronce con pátina gris / bronze with grey patina, 145 x 140 x 55,4 cm., 2001. Ed.1/2. Christie's

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Doble vínculo / Double Bind

Imagen / Image: Ramon Gabriel. PLANTA by Fundació Sorigué

Tras recibir en 2000 el Premio Nacional de Artes Plásticas, Muñoz fue el primer artista español en exhibir su obra en la Sala de las Turbinas de la Tate Modern de Londres con su instalación Double Bind (Doble vínculo o Doble atadura), 2001, su última creación, considerada su obra cumbre y una pieza fundamental del arte contemporáneo. En ella profundiza en la idea de que "la obra es tanto la solución como su búsqueda".

La instalación escultórica, comisariada por James Lingwood y Susan May que, se convirtió en un emotivo testamento artístico debido a la prematura muerte de Juan Muñoz. En ella se hallan todas las obsesiones del genial artista: el espacio, la perspectiva, la ilusión, lo teatral, el juego, lo visible y lo invisible, la identidad... Tomó prestado para el título de la obra una teoría desarrollada por el antropólogo social Gregory Bateson sobre el doble vínculo de la esquizofrenia, un tema que le apasionó.

Fuente: ABC

Imagen / Image: El Independiente. PLANTA by Fundació Sorigué

Más de 15 años después la obra fue reconstruida, con la supervisión de Lingwood y la escultora Cristina Iglesias, viuda y representante del artista, en Planta, el proyecto impulsado por la Fundació Sorigué en Balaguer (Noguera).

La obra ocupa un espacio de 2000 m2 y cuenta con dos niveles, uno superior no transitable, luminoso y con claraboyas reales y de trampantojo; otro inferior, oscuro, que simula un anónimo espacio industrial, y en medio, unas aperturas interiores por las que se reparten 20 figuras humanas. Y ambos niveles, también el intermedio, están cruzados por dos ascensores vacíos que dan profundidad y movimiento al espacio. "En el corazón de la obra se intuye la búsqueda de algo o de alguien", explica Lingwood. "Algo hay de eso en la intersección entre la luz de arriba y la oscuridad de abajo", continúa al ver como la gente disminuye la marcha al entrar en la instalación: "Buscan encontrar el camino en la oscuridad".

Fuente: El periódico

Imagen / Image: Siete de un golpe. PLANTA by Fundació Sorigué

After receiving the National Plastic Arts Award in 2000, Muñoz was the first Spanish artist to exhibit his work at the Turbine Hall of the Tate Modern in London with his installation Double Bind, 2001, his latest creation, considered his masterpiece and a fundamental piece of contemporary art. In it he deepens the idea that "the work is as much the solution as its search".

The sculptural installation, curated by James Lingwood and Susan May, became an emotional artistic testament due to the premature death of Juan Muñoz. It contains all the obsessions of the brilliant artist: space, perspective, illusion, the theatrical, play, the visible and the invisible, identity... He borrowed for the title of the work a theory developed by the social anthropologist Gregory Bateson on the double bond of schizophrenia, a subject that he was passionate about.

Source: ABC (Spanish)

Imagen / Image: El País. PLANTA by Fundació Sorigué

More than 15 years later the work was reconstructed, with the supervision of Lingwood and the sculptor Cristina Iglesias, widow and representative of the artist, in Planta, the project promoted by the Sorigué Foundation in Balaguer (Noguera).

The work occupies a space of 2000 m2 and has two levels, an upper one not passable, luminous and with real and trompe-l'oeil skylights; another lower one, dark, that simulates an anonymous industrial space, and in the middle, some interior openings through which 20 human figures are distributed. And both levels, also the intermediate one, are crossed by two empty elevators that give depth and movement to the space. "At the heart of the work you can sense the search for something or someone," Lingwood explains. "There is something of that at the intersection between the light above and the darkness below," he continues as he sees people slow down as they enter the installation: "They seek to find their way in the darkness."

Source: El Periódico (Spanish)

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Fuentes / Sources:

* Juan Muñoz Estate: Sitio Web / Website

* Wikipedia (Español /English)

* "Juan Muñoz, Retrospectiva / Retrospective"

Exposición, 21 abril - 31 agosto, 2009 / Edificio Sabatini, Plantas 1 y 3 y Jardín Sabatini /

Exhibition, April 21th - August 31th, 2009 / Sabatini Building, Floors 1 & 3 and Sabatini Garden

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, España / Spain)

* "Juan Muñoz, poeta del espacio", un documental de Manel Arranz y Anna Solana producido por TVE

realizado para conmemorar el décimo aniversario de la muerte del artista.

"Juan Muñoz, Space Poet", a documentary by Manel Arranz and Anna Solana produced by TVE

to commemorate the tenth anniversary of the artist's death. 2/2014. RTVE

* "Balaguer recupera la obra maestra de/ Balaguer Recover the Masterpiece by Juan Muñoz"

Artículo de / Article by Natalia Farré. El Periódico, 10/2017

* «Double Bind»: el testamento artístico de Juan Muñoz se exhibe por vez primera en España /

Juan Muñoz's artistic testament is exhibited for the first time in Spain

Artículo de / Article by Natividad Pulido, ABC Cultura, 10/2017

Juan Muñoz en "El Hurgador"/ in this blog: [Aniversarios (LXXV)]

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Muchas gracias a Hélder Gorjão y Juan Muñoz Estate por su aprobación y apoyo

Gracias también a Shirley Rebuffo por sus aportes para la preparación de este artículo /

Thanks a lot to Hélder Gorjão and Juan Muñoz Estate for their approval and support

Thanks also to Shirley Rebuffo for her contributions for the preparation of this article

Recolección / Compilation (CLXVI-1) - Gatos / Cats (II-1)

December 25, 2020, 2:42 am

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Nicolas Party

(Lausana, Suiza / Lausanne, Switzerland, 1980-)

"Tres gatos / Three Cats", pastel sobre lienzo / pastel on canvas, 135 x 150 x 7 cm., 2016

The Modern Institute (Aird's Lane, Glasgow, Escocia / Scotland)

"Gato / Cat", pastel sobre lienzo / pastel on canvas, 2016

Kaufmann Repetto, Milano-New York. ATP Diary

"Gato y caracol / Cat and Snail"

Pastel blando sobre cartulina para pastel / soft pastel on pastel card, 25 1⁄2"× 19 5⁄8", 2018. Pierre Menard

Nicolas Party en "El Hurgador" / in this blog: [Asonancias (XXXII)], [Asonancias (XXXII-Anexo)]

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Li Jun

李军

(Beijing, China, 1978-)

"冷眼之三 / Ojos fríos III / Cold Eyes III"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50 x 60 cm., 2008. Artron

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Gertrude Abercrombie

(Austin, Texas, EE.UU./ TX, USA, 1909​ - Chicago, Illinois, 1977)

"Gato en una habitación / Cat in a Room"

Óleo sobre panel / oil on panel, 17,8 x 12,7 cm., 1946. Mutual Art

"Tres gatos / Three Cats", óleo sobre masonita / oil on masonite, 6 1/2" x 11", 1956. Mutual Art

"Sin título (Gato) / Untitled (Cat)", óleo sobre masonita / oil on masonite, 5"× 4", 1956. Karma

Wikipedia

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Friedrich Gauerman

(Miesenbach, Austria, 1807 - Wien / Viena / Vienna, 1862)

"Liegende getigerte Katze / Gato atigrado echado / Lying Tabby"

Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 14,5 x 21,5 cm. Zeller

Friedrich Gauerman en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (CVII)]

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Nicolas Alexandrovitch Tarkhoff

Николай Александрович Тархов

(Москва́ / Moscú, Imperio Ruso / Moscow, Russian Empire, 1871 -

Orsay, Francia / France, 1930)

"Chat Noir / Gato negro / Black Cat", témpera sobre lienzo / tempera on canvas, 27 x 35 cm.

Colección privada / Private Collection. The Great Cat

Nicolas Tarkhoff en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (CCLXX)] 

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Ximena Cristi

(Rancagua, Chile, 1920-)

"Silla en el jardín / Chair on the Yard", óleo sobre tela / oil on canvas, 81 x 100 cm., 1979

Museo de Arte Contemporáneo, Universidad de Chile (Santiago de Chile)

Wikipedia

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Suzanne Valadon

(Marie-Clémentine Valade)

(Bessines-sur-Gartempe [Haute-Vienne], Francia / France, 1867 - París, 1938)

"Étude d'un chat / Estudio de un gato / Study of A Cat", óleo sobre tela / oil on canvas, 1918. WikiArt

"Raminou couché sur un lit / Raminou Acostado en una Cama /

Raminou Lying on a Bed", óleo sobre panel / oil on board, 1920. Artnet

"Ramo de flores y un gato / Bouquet and a Cat"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 35 x 66,5 cm., 1919. Colección privada / Private Collection. WikiArt

"Raminou et pichet d'oeillets / Raminou y un jarrón con claveles /

Raminou And Pitcher With Carnations", 1932. Colección privada / Private Collection. Arte XIX

Suzanne Valadon en "El Hurgador" / in this blog: [Mujeres al pincel (XVII)]

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Adriaen van de Velde

(Ámsterdam, Holanda / Netherlands, 1636 - 1672)

Atribuido a / Attributed to Adriaen van de Velde 

"Kat spelend bij een muur / Gato jugando contra una pared / Cat Playing at a Wall"

Óleo sobre papel / oil on paper, 5,9 × 8 cm., c.1646-72

Rijksmuseum (Ámsterdam, Holanda / Netherlands)

Atribuido a / Attributed to Adriaen van de Velde

"Kat liggend op de rug en los pootje / Gato acostado de espaldas, con una pata aparte /

Cat Lying On Its Back With One Leg Apart"

Óleo sobre papel / oil on paper, 9,1 x 11,8 cm., c.1646-72

Rijksmuseum (Ámsterdam, Holanda / Netherlands)

Atribuido a / Attributed to Adriaen van de Velde

"Kat liggend met de kop tussen de voorpoten / Gato echado con la cabeza entre las patas delanteras /

Cat Lying With Head Between Front Legs"

Óleo sobre papel / oil on paper, 8,6 × 13,2 cm., c.1646-72

Rijksmuseum (Ámsterdam, Holanda / Netherlands)

Atribuido a / Attributed to Adriaen van de Velde

"Kat liggend op de zij, de linkervoorpoot uitgestrekt /

Gato echado de lado, con la pata delantera izquierda extendida /

Cat Lying On The Side, The Left Front Leg Outstretched"

Óleo sobre papel / oil on paper, 7,5 × 12 cm., c.1646-72

Rijksmuseum (Ámsterdam, Holanda / Netherlands)

Adriaen van de Velde en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (CCLIX)], [Recolección (CXXIV-1)]

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Blair Atherholt

(EE.UU./ USA)

"Gus", óleo sobre panel / oil on panel, 14" x 11". Link

Website, facebook

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Henriëtte Ronner-Knip

(Ámsterdam, Holanda / Netherlands, 1821 - Elsene, 1909)

"La Siesta", óleo sobre papel montado sobre panel /

oil on paper laid down on panel, 36,1 x 55,6 cm., 1899. Christie's

"La Siesta" (detalle / detail)

"Una madre y sus gatitos / A Mother and Her Kittens"

Óleo sobre panel / oil on panel, 38,1 x 55,2 cm., 1903. Sotheby's

"Siesta de gato / Cat Nap", óleo sobre papel montado sobre panel /

oil on paper laid down on panel, 25,8 x 38,1 cm. Christie's

Henriëtte Ronner-Knip en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (CXI)], [Pintando perros (LXXIII)]

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Más gatos en "El Hurgador" / More Cats in this blog: [Recolección (CXI)]

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Recolección / Compilation (CLXVI-2) - Gatos / Cats (II-2)

December 26, 2020, 1:46 am

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Jacobus (Jac) van Looy

(Haarlem, Holanda / Netherlands, 1855 - 1930)

"Gatito blanco en una ventana abierta / White Pussycat at an Open Window"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 126,4 x 75 cm., 1895

Frans Hals Museum (Haarlem, Holanda / Netherlands)

Wikipedia (English)

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Théophile-Alexandre Steinlen

(Lausana, Suiza / Lausanne, Switzerland, 1859 - París, Francia / France, 1923)

"L'apotheose des chats / La apoteosis de los gatos / Apotheosis Of Cats"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 165 x 200 cm., 1885

Musée du Petit Palais (Ginebra, Suiza / Genève, Switzerland). Pinterest

"Deux chats endormie / Dos gatos dormidos / Two Cats Sleeping", 1898. WikiArt

"L'Hiver, chat sur un coussin / Invierno, Gato sobre un cojín / Winter, Cat on a Cushion"

Litografía / litograph, 48,4 x 58,1 cm., 1909

Museum of Modern Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Théophile-Alexandre Steinlen en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (CXI)]

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Aldemir Martins

(Aurora, Ceará, Brasil / Brazil, 1922 - São Paulo / San Pablo, 2006)

"Gato Azul / Blue Cat", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 60 x 80 cm., 1970. James Lisboa

"Gato / Cat", acrílico diluido sobre papel sobre panel /

acrylic diluted on paper on board, 36 x 29 cm. James Lisboa

"Gato laranja com vaso de flores / Gato naranja con vaso de flores /

Orange Cat With Glass of Flowers", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 60 x 80 cm., 2002. Galeria 22

Wikipedia (Portugués / Portuguese)

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Arjan van Gent

(Delft, Holanda / Netherlands, 1970-)

"Lola", óleo / oil, 30 x 40 cm. Link

"Nina", óleo sobre panel / oil on panel, 31 x 31 cm, 2018. Instagram

"Lola & Ziggy", acuarela / watercolor, 35 x 30 cm., 2019. Instagram

"Vossie I.M.", óleo sobre panel / oil on panel, 40 x 50 cm., 2017. Instagram

Más sobre / More about Arjan van Gent: Website, Instagram

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Howard Rogers

(San Diego, California, EE.UU./ CA, USA, 1932-)

"Acolchado / Quilted", litografía / lithograph. American Gallery

"Amor verdadero / True Love". Link

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Steve Hanks

(San Diego, California, EE.UU./ CA, USA, 1949 - 2015)

"KC y la calabaza / and the Pumpkin", acuarela / watercolor. Link

"Gato", acuarela / watercolor. Link

"La guarida del gato / The Cat's Lair", acuarela / watercolor. Link

"Mathew comiendo / Eating", acuarela / watercolor. Link

Más sobre / More about Steve Hanks: Website, Website

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Marguerite Zorach

(nac./ née Thompson)

(Santa Rosa, California, EE.UU./ CA, USA, 1887 - Nueva York / NY, 1968)

"Simulacro de batalla / Mock Battle", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 63,5 × 76,2 cm., 1940. Artsy

"Leche matutina / Morning Milk", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 51,1 × 61 cm., c.1950. Artsy

Marguerite Zorach en "El Hurgador" / in this blog: [Mujeres al pincel (XIII)], [Pintando perros (LXX)]

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Más gatos en "El Hurgador" / More Cats in this blog: [Recolección (CXI)], [Recolección (CLXVI-1)]

Recolección / Compilation (CLXVI-3) - Gatos / Cats (II-3)

December 27, 2020, 6:24 am

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August Macke

(Meschede, Westfalia, Imperio Alemán / Westphalia, German Empire, 1887 -

Souain-Perthes-lès-Hurlus, Champaña, Francia / Champagne, France, 1914)

"Katze / Gato / Cat", óleo sobre cartón / oil on cardboard, 30,5 x 36 cm., 1912. Art Basel

"Katze auf grünem Kissen I / Gato sobre cojín verde I / Cat on Green Pillow I"

Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 16,3 × 21,8 cm., 1909. Grisebach. Artnet

"Katze auf grünem Kissen I / Gato sobre cojín verde I / Cat on Green Pillow I" (detalle / detail)

"Katze auf grünem Kissen II / Gato sobre cojín verde II / Cat on Green Pillow II"

Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 33,5 × 39 cm., 1910. Wikimedia Commons

August Macke en "El Hurgador" / in this blog:

[Pintando perros (VII)], [Aniversarios (LI)], [Recolección (XVIII)], [Recolección (LXXXIV)]

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Charles Frederick Tunnicliffe

(Langley, Macclesfield, Inglaterra / England, 1901 -

Malltraeth, Anglesey, Gales / Wales, 1979)

"Gatito en otoño / Autumn Kitten", lápiz y acuarela / pencil and watercolor, 42,5 x 59 cm. Bonhams

"Siamés en nepeta / Siamese in Catmint", acuarela / watercolor, 75 x 51 cm. Bonhams

"Gato siamés / Siamese Cat", acuarela / watercolor, 16,5 x 24 cm. Bonhams

Charles Frederick Tunnicliffe en "El Hurgador" / in this blog: 

[Aniversarios (CCV)], [Recolección (XCVII)], [Recolección (CXXXII-2)]

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Andrew Micallef

(Żebbuġ, Malta / State of Malta, 1969-)

"Taħt il-Ħarruba", acrílico / acrylic, 2015

"Wondering in Distance", acrílico / acrylic, 2017

"El seguidor de la abeja / The Bee Follower"

Acrílico sobre panel / acrylic on board, 63 x 43 cm., 2016. facebook

"Felic Tal-Palazz", acrílico sobre panel / acrylic on board, 50 x 50 cm., 2012. facebook

"Ghad-Dell tat-Tina", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 40 x 80 cm., 2008. facebook

Más sobre / More about Andrew Micallef: Website, facebook, Wikipedia (English)

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Mary Fedden

(Bristol, Reino Unido / UK, 1915 - Londres / London, 2012)

"Dos gatos y una canasta de frutas / Two Cats and a Basket of Fruits"

Acuarela y lápiz sobre papel / watercolor and pencil on paper, 77,5 x 55,5 cm., 1985. Sotheby's

"Gatos / Cats", óleo sobre cartulina / oil on card, 23,5 x 29,8 cm., 2007. Christie's

Wikipedia (English)

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Shen Ning

沈宁

(Xuzhou, Jiangsu, China, 1976-)

"Cuatro gatos / Four Cats", tinta y color sobre seda / ink and colour on silk, 50 x 70 cm. Christie's

"Gatos / Cats", tinta y color sobre seda / ink and colour on silk, 43 x 53 cm. Christie's

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John Leith Craxton

(St John's Wood, Londres, Reino Unido / London, UK, 1922 - 2009)

"Gatos / Cats", carboncillo y aguada / charcoal and gouache, 22 x 45 cm., 1954. Christie's

"Gatos durmiendo / Sleeping Cats", carboncillo, crayon y aguada sobre cartulina /

charcoal, crayon and gouache on card, 25 x 34,5 cm., 1955. Christie's

"Gato y carpa dorada / Cat and Goldfish", linograbado sobre papel /

linocut on paper, 16 x 20 cm., 1975. ArtUK© estate of John Craxton

The Ingram Collection of Modern British and Contemporary Art

Wikipedia (English)

John Leith Craxton en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (CVII)], [Aniversarios (CCL)]

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Xing Chengai 

邢誠愛

(Cangzhou, Provincia / Province Hebei, China, 1960-)

"Gatos / Cats", tinta y color sobre papel, rollo / ink and colour on paper, scroll, 64 x 132 cm. Christie's

"Sensaciones cálidas / Warm Feelings"

Tinta y color sobre papel, rollo / ink and colour on paper, scroll, 64 x 132 cm. Christie's

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Más gatos en "El Hurgador" / More Cats in this blog: [Recolección (CXI)], [Recolección (CLXVI-1)], [Recolección (CLXVI-2)]

Uruguayos / Uruguayans (XLV-4) - Pilar González (IV) [Teatro, Dibujo, Pintura / Theater, Drawing, Painting]

December 28, 2020, 2:23 am

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Este es el cuarto post (1, 2, 3) de una serie en la disfrutamos con la obra de la polifacética artista uruguaya Pilar González. Alternando con la entrevista realizada por Shirley Rebuffo, presentamos una amplia selección de pinturas, dibujos, bocetos, ilustraciones, así como diseños de escenografías, vestuario y maquillaje para obras teatrales de esta creadora clave en el panorama artístico uruguayo de las últimas décadas.

This is the fourth post (1, 2, 3) of a series in which we enjoy the work of the multifaceted Uruguayan artist Pilar González. Alternating with the interview conducted by Shirley Rebuffo, we present a wide selection of paintings, drawings, sketches, illustrations, as well as set, costume and makeup designs for plays by this key creator in the Uruguayan artistic scene of the last decades.

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Pilar González

(Montevideo, Uruguay, 1955-)

Pilar González. Foto / Photo: Shirley Rebuffo

Pilar González es una artista plástica uruguaya nacida en Montevideo en 1955, que se formó con prestigiosos maestros en las décadas del 70 y 80 del siglo XX. Más información en la Parte 1.

Pilar González is a Uruguayan plastic artist born in Montevideo in 1955, who trained with prestigious masters in the 70s and 80s of the 20th century. More information in Part 1.

Teatro / Theater

El Charco inútil / The Useless Puddle

(David Desola, 2009)

Director: Eduardo Cervieri - Elenco / Cast: Pepe Vázquez, Rossana Spinelli, Álvaro Lamas

Vestuario / Costume: Alicia Lores - Escenografía / Set Design: Pilar González

Música / Music: Eduardo Larbanois - Luces / Lights: Martín Perrone, Leandro Galetta

Teatro Alianza

Pilar trabajando en la escenografía de "El charco inútil" / at work in the stage design for "The Useless Puddle"

El charco inútil es una obra escrita por David Desola, escritor, dramaturgo y guionista de cine y televisión español.

Un profesor en crisis que ha sido agredido por un alumno en la escuela, no quiere volver a la enseñanza. Sin embargo, accede a dar clases particulares a un peculiar alumno mientras inicia una curiosa relación con la madre de éste, quien vive inmersa en un universo que ella misma ha creado como refugio de una insoportable realidad. Un viejo maestro servirá de vínculo en esta extraña relación.

Escenografía de "El charco inútil" / Stage design for "The Useless Puddle"

Pilar trabajando en la escenografía de "El charco inútil" / at work in the stage design for "The Useless Puddle"

The Useless Puddle is a play written by David Desola, a Spanish writer, playwright and screenwriter for film and television.

A teacher in crisis who has been assaulted by a student at school does not want to return to teaching. However, he agrees to give private lessons to a peculiar student while initiating a curious relationship with the student's mother, who lives immersed in a universe that she herself has created as a refuge from an unbearable reality. An old teacher will serve as a link in this strange relationship.

"El charco inútil / The Useless Puddle". Representación de la obra / Performance of the play

Alicia Lores, Álvaro Lamas, Rossana Spinelli, Pilar González, Pepe Vázquez, Eduardo Cervieri

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Shirley Rebuffo: ¿Cómo fue tu primer contacto con el ámbito teatral?

Pilar González: En 1985 hice un enorme dibujo sobre tul para Historia de un caballo obra que se representó en Teatro Circular. Pero fue recién a partir de 1994 que comencé a trabajar regularmente. Un día de ese año, el escenógrafo Osvaldo Reyno y el director de teatro argentino Omar Grasso llegaron a mi casa a proponerme la realización de sesenta dibujos que serían proyectados en el escenario de la obra Después del manzano que en ese momento se estaba ensayando en el Teatro Circular. Me gustó la idea y me aboqué a trabajar. Una vez entregado el trabajo Grasso me planteó hacer el vestuario de la misma obra. Esto me significó todo un desafío porque no tenía ningún tipo de experiencia previa, sin embargo acepté apoyada en mi entusiasmo, formación artística y gusto por el diseño. Al tiempo de estrenar, el mismo Omar Grasso me llevó como su diseñadora de vestuario para la obra Bajo el bosque de leche, de Dylan Thomas, en el Teatro Solís y con el elenco de la Comedia Nacional.

A partir de entonces se despertó mi gusto por lo teatral que desarrollé en vestuarios, escenografías, diseños de maquillajes, diseños de muñecos, etc., en obras diversas y en varios teatros. 

Este nuevo camino que comencé a transitar me da la posibilidad de vincularme con los artistas de la escena cuya relación con el público es tan diferente a la de los artistas plásticos. Asimismo me instruye sobre cómo se desarrolla el trabajo colectivo, la interacción con otros y me impulsa a escapar de tanto en tanto de la soledad del taller.

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La fuerza de la costumbre / The Force of Habit

(Thomas Bernhard, 1974)

Director: Levón

Elenco / Cast: Óscar Serra, Juan Alberto Sobrino o Levón, Claudia Rossi, Juan Worobiov, Julio Calcagno

Escenografía / Set Design: Álvaro Domínguez

Diseño de vestuario y maquillaje / Costume design and make up: Pilar González

Iluminación / Lights: Verónica Loza - Música / Music: Sergio Fernández.

Comedia Nacional - Sala Verdi

La fuerza de la costumbre / The Force of Habit

Para / For Juan Carlos. Vestuario, maquillaje / Costume, Make up

La fuerza de la costumbre es una obra de Thomas Bernhard, novelista, dramaturgo y poeta austriaco.

La anécdota de la obra se centra en la figura del dueño de un pequeño circo ambulante, quien insiste, desde hace veintidós años, en tocar el quinteto La trucha, de Franz Schubert, con los miembros de su trouppe. Del choque entre su ansia de perfección artística y espiritual y la vulgaridad surge su decisión de imponerse a los demás mediante una cruel tiranía.

La fuerza de la costumbre / The Force of Habit

Garibaldi, primer plano del rostro / foreground of the face. Beto Sobrino. 

Vestuario, maquillaje / Costume, Make up

La fuerza de la costumbre / The Force of Habit. Para / For Julio Calcagno. Maquillaje / Make up

The Force of Habit is a work by Thomas Bernhard, Austrian novelist, playwright and poet.

The anecdote of the play centers on the figure of the owner of a small traveling circus, who has insisted, for twenty-two years, on playing Franz Schubert's quintet The Trout with the members of his troupe. From the clash between his desire for artistic and spiritual perfection and vulgarity arises his decision to impose himself on others through a cruel tyranny.

La fuerza de la costumbre / The Force of Habit. Representación de la obra / Performance of the play

La fuerza de la costumbre / The Force of Habit

La equilibrista / The Tightrope Walker - Claudia Rossi - Diseño de vestuario / Costume Design

La fuerza de la costumbre / The Force of Habit. Para / For Levón. Maquillaje / Make up

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La grulla del crepúsculo / The Twilight Crane

(Junji Kinoshita, 1964)

Director: Luis Vidal Giorgi - Elenco / Cast: Paola Venditto, Leonardo Preziosi, Natalia Acosta, Ángel Medina

Diseño de maquillaje y vestuario / Make up and Costume design: Pilar González - Realización / Production: Osvaldo Reyno

Luces / Lights: Hugo Leao o Alejandro Piastra - Operador de sonido / Sound operator: Betsey Segovia

Teatro Circular

La grulla del crepúsculo / The Twilight Crane. Boceto / Sketch

La grulla del crepúsculo es una obra de Junji Kinoshita, dramaturgo japonés, que se representó en versión de Luis Vidal Georgi.

Narra la historia de un campesino japonés que salva a una grulla herida por una flecha. Una noche, cuando Yohyo había ya olvidado el incidente, aparece a la puerta de su casa Tsu, una hermosa mujer que le pide la acepte como su esposa. El campesino cede y en agradecimiento, la mujer teje para él una hermosa tela que vende en el mercado. El lienzo era tan hermoso que se vuelve famoso y dos hombres, Unzu y Sodo deciden visitar a Yohyo para convencerlo de forzar a su esposa a tejer más telas con la promesa de hacerlo rico. Yohyo, les contesta que “su esposa no puede tejer más, pues cada vez que lo hace adelgaza”. Esta afirmación despierta las suspicacias de los hombres que sospechan que su mujer es una grulla. Además, Tsu tejía siempre en secreto y su esposo le había hecho la promesa de que nunca la espiaría; pero cegado por las promesas de los antagonistas, Yohyo obliga a su mujer a tejer una última tela. Pese a la advertencia de la esposa de que nunca la observara, el campesino se asoma al taller y ve a la grulla. Ella se da cuenta y al salir del taller le obsequia dos telares, uno para vender y otro para que la conserve y se acuerde de ella, quien decepcionada por la avaricia de su esposo decide dejarlo y de golpe se convierte en majestuosa grulla que levanta el vuelo.

La grulla del crepúsculo / The Twilight Crane. Boceto / Sketch

La grulla del crepúsculo / The Twilight Crane. Boceto / Sketch

The Twilight Crane is a play by Junji Kinoshita, a Japanese playwright, which was performed in Luis Vidal Georgi's version.

It tells the story of a Japanese farmer who saves a crane wounded by an arrow. One night, when Yohyo had already forgotten the incident, Tsu appears at the door of his house, a beautiful woman who asks him to take her as his wife. The peasant gives in and in gratitude, the woman weaves for him a beautiful cloth that he sells in the market. The canvas was so beautiful that it became famous and two men, Unzu and Sodo decided to visit Yohyo to convince him to force his wife to weave more cloth with the promise of making him rich. Yohyo answers that "his wife can't weave anymore, because every time she weaves she gets thinner". This statement arouses the suspicions of men who suspect his wife of being a crane. In addition, Tsu always knitted in secret and her husband had made a promise to her that he would never spy on her; but blinded by the promises of the antagonists, Yohyo forces his wife to knit one last cloth. Despite the wife's warning never to observe her, the peasant looks into the workshop and sees the crane. She realizes and upon leaving the workshop she gives him two looms, one to sell and the other to keep and reminds him of her, who disappointed by her husband's greed decides to leave him and suddenly becomes a majestic crane that takes flight. 

La grulla del crepúsculo / The Twilight Crane. Boceto / Sketch

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Shirley Rebuffo: How was your first contact with the field of theater?

Pilar González: In 1985 I made a huge drawing on tulle for History of a Horse, a play that was performed in Teatro Circular. But it wasn't until 1994 that I began to work regularly. One day of that year, the stage designer Osvaldo Reyno and the Argentinean theater director Omar Grasso came to my house to propose me to make sixty drawings that would be projected on the stage of the play After the Apple Tree that was being rehearsed at the Teatro Circular at that time. I liked the idea and started to work. Once the work was delivered, Grasso asked me to make the costumes for the play. This was a challenge because I had no previous experience, but I accepted, supported by my enthusiasm, artistic training and taste for design. At the time of the premiere, Omar Grasso himself took me as his costume designer for Dylan Thomas' play Under the Milk Forest at the Solis Theater and with the cast of the National Comedy.

From then on, my taste for theatricality was awakened, which I developed in costumes, scenery, makeup designs, doll designs, etc., in various plays and in several theaters. 

This new path that I began to walk gives me the possibility to link myself with the artists of the scene whose relationship with the public is so different from that of the plastic artists. It also instructs me on how to develop collective work, the interaction with others, and encourages me to escape from the loneliness of the workshop from time to time.

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La tierra purpúrea / The Purple Land

(William Henry Hudson, 1885)

Dramaturgia y dirección / Dramaturgy and Direction: Anthony Fletcher

Reparto / Cast: Fernando Dianesi, Lucio Hernández, Isabel Legarra, Cristina Machado, Luis Martínez, Leandro Íbero Núñez, Jimena Pérez y Leonor Chavarría (invitada)

Vestuario y elementos escénicos / Costume and stage elements: Pilar González 

Escenografía / Stage design: Leandro Garzina

Iluminación / Lights: Lucía Acuña - Música original / Original music: Martín Buscaglia

Comedia Nacional. Teatro Solís

La tierra purpúrea / The Purple Land. Luis, El Juez / The Judge, boceto / sketch

La Tierra Purpúrea relata el pasaje de un botánico inglés por Uruguay en los convulsionados tiempos de la segunda mitad del s.XIX. Su autor, William Henry Hudson, contempló e interpretó al país a través de su personaje y alter ego Richard Lamb.

A 130 años de la aparición de esta novela, la Comedia Nacional revive este viaje y a aquellos seres descritos por Hudson, que habitaron el Uruguay y le dieron forma a la República. El autor y director Anthony Fletcher (también inglés) fue el responsable de seleccionar las escenas y adaptarlas al lenguaje teatral.

La tierra purpúrea / The Purple Land. Diseño de vestuario / Costume design

La tierra purpúrea / The Purple Land. Representación de la obra / Performance of the play

La tierra purpúrea / The Purple Land. Boceto / sketch

The Purple Land tells the story of an English botanist's passage through Uruguay in the convulsed times of the second half of the 19th century. Its author, William Henry Hudson, contemplated and interpreted the country through his character and alter ego Richard Lamb.

130 years after the appearance of this novel, the Comedia Nacional revives this journey and those beings described by Hudson, who inhabited Uruguay and shaped the Republic. The author and director Anthony Fletcher (also English) was responsible for selecting the scenes and adapting them to the theatrical language.

La tierra purpúrea / The Purple Land. Boceto / sketch

Los cuerpos amontonados          Bodies in piles

     Silencio                                     Silence

        Luces                                          Lights                      

Instalación con las cabezas de degollados / Installation with heads of the beheaded

Pilar montando la Instalación con las cabezas de degollados /

Pilar assembling the installation with heads of the beheaded

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Mujeres / Women

(Luis Maci)

Director: Nelly Goitiño

Reparto / Cast: Elisa Contreras, Andrea Davidovics, Catherina Pascale, Isabel Legarra, Estela Medina, Claudia Rossi, Alejandra Wolff

Escenografía / Stage design: Carlos Musso

Vestuario y diseño de maquillaje / Costume and make up design: Pilar González

Tocados y corazas / Headdresses and breastplates: Néstor Morán

Iluminación / Lights: Claudia Sánchez - Música / Music: René Pietrafesa

Comedia Nacional. Teatro Victoria

Mujeres / Women. Boceto / Sketch

Mujeres es una obra de Luis Maci que hace vivir a los poetas griegos y a los mitos fundantes de occidente mediante su confrontación con testimonios de nuestras dictaduras, en una forma teatral contemporánea.

La obra está escrita desde una visión que incluye la guerra de Troya y sus efectos, a partir de las visiones que nos trasmitieron Homero, Esquilo y Eurípides y de los hechos vividos y testimoniados por las ex presas de conciencia en el Río de la Plata.

Mujeres / Women. Príamo. Catherina Pascale. Diseño de vestuario / Costume Design

Mujeres / Women. Representación de la obra / Performance of the play

Mujeres / Women. Boceto / Sketch

Mujeres / Women. Héctor. Elisa Contreras - Aquiles. Claudia Ross. Tocado / Headdres

Women is a work by Luis Maci that brings to life the Greek poets and the founding myths of the West through their confrontation with testimonies of our dictatorships, in a contemporary theatrical form.

The play is written from a vision that includes the Trojan War and its effects, based on the visions transmitted to us by Homer, Aeschylus and Euripides, and on the events experienced and witnessed by the former prisoners of conscience in the River Plate.

 

El olor del jengibre / The Smell of Ginger

Impresiones de un viaje a Indochina / Impressions on a trip to Mainland Southeast Asia

Serie "El olor del jenjibre" / The Smell of Ginger Series

Técnica mixta sobre papel artesanal hecho en Laos /

mixed media on handmade paper, made in Laos, 77 x 54 cm., 2001

SR: Cuéntame algunas impresiones de tu viaje a Laos.

PG: Ese viaje cambió muchas cosas en mí. El contacto con una cultura tan rica y diferente me nutrió, me sensibilizó e hizo que relativizara muchos conceptos y cosas aprendidas. 

Te puedo contar una pequeña parte de la historia.

La vida de monjes y novicios es de una austeridad absoluta. 

Su jornada comienza a las cuatro de la mañana con un desayuno que consiste en té y alguna galleta de arroz, luego limpian el templo, dormitorios y jardines y salen a recolectar la comida diaria en una ceremonia que se realiza por las calles de la ciudad.

Durante mi estadía en Luang Prabang, alrededor de las seis de la mañana tomaba la bicicleta y aún medio dormida me dirigía a la calle que bordea el Mekong que a esa hora está cubierto de niebla. Me detenía frente a los fieles, simples personas del pueblo que permanecían hincados sobre pequeñas esteras que ubicaban al borde de la calzada todo a lo largo de la calle. Llevaban en sus brazos un canastito con tapa que contenía arroz recién cocinado.

En un espectáculo sobrecogedor, a lo lejos comenzaban a aparecer pequeñas manchas anaranjadas que se iban integrando a un paisaje esfumado y gris. Al acercarse se iban definiendo las figuras y se empezaban a distinguir los ancianos monjes de pelo blanco y piernas enclenques que venían encabezando las largas filas de novicios, todos ellos cubiertos solamente por las finas túnicas y con los pies descalzos a pesar de las bajas temperaturas de las mañanas del invierno. 

Traían consigo un recipiente, una especie de ollita forrada con un tejido que colgaba de uno de sus hombros; a paso de caminante se iban acercando a los fieles que destapaban sus cestas sacando con la mano montoncitos de arroz que echaban dentro de cada olla de monjes y novicios. Este alimento que recibían se convertía en el frugal almuerzo que ingerían a las once de la mañana en el monasterio. 

Luego de la recolección se dirigían al templo nuevamente a tomar sus clases.

Técnica mixta sobre papel artesanal hecho en Laos /

mixed media on handmade paper, made in Laos, 77 x 54 cm., 2001

«A las cuatro de la tarde todos juntos se daban el baño diario a la vista de los que estábamos por allí. Los novicios vestidos con una especie de chiripá de color marrón, se agrupaban alrededor de grandes piletones ubicados al costado de las habitaciones; allí se aseaban y jugueteaban con baldes chorreantes de agua entibiada por el sol caliente de la tarde. Al terminar lavaban sus túnicas que colgaban en palos largos hasta que se secaba pocos minutos después.

A las seis de la tarde, monjes, novicios y gente del pueblo decían sus plegarias y mantras en el templo, luego de lo cual los internados volvían a sus estudios hasta las once de la noche, hora en que se acostaban con las barrigas casi vacías.

Durante mi permanencia en Luang Prabang visitaba diariamente los monasterios o Vat y allí permanecía una o dos horas curioseando, sacando fotos o buscando conversar con los novicios ya que algunos hablaban inglés como para poder entendernos. Fue así que hice varios amigos. 

Dos de estos muchachitos, de nombre Som Say y Thong Kham, ambos de dieciséis años e internados en el Vat Sop, eran hijos de campesinos muy pobres de la zona norte del país e integraban familias de muchos hermanos. Optaron por estudiar y su única posibilidad de hacerlo era ingresando al monasterio aunque esto significaba alejarse de su gente querida. 

Querían saber todo de mí y yo de ellos. Cuando les hablé de América del Sur y les mostré la ubicación de Uruguay en el planisferio se sintieron encantados y sorprendidos, ya que estaban acostumbrados al turismo europeo y el hecho de pertenecer a estas latitudes resultaba una rareza. Cuando descubrieron que mi idioma era el español, me pidieron alegremente que les enseñara algunas palabras, por lo que durante veinte días concurrí a diario al monasterio, luego de la hora de sus oraciones y antes de mi cena. 

El lugar donde les enseñaba español y ellos corregían mi inglés era su propia habitación, prolija y ordenada, donde habían colgado una pequeña pizarra y preparado una bandeja con vasos de té de frutas. Se sentaban en el suelo en permanente estado de alerta y anotaban en cuadernolas cada palabra que yo pronunciaba; me hacían preguntas, curioseaban y aprendían con facilidad asombrosa. 

La hora y media pasaba volando entre deletreos y bromas. En el correr de los días, la habitación se fue llenando de otros novicios que llegaban interesados a ver qué pasaba y luego se incorporaban. 

El último día que asistí al monasterio todos estábamos tristes por la despedida, me iba al día siguiente. 

Cuando entre promesas de escribirnos me acerqué a abrazar a mis pequeños amigos me detuvieron, no les era posible tocar a ninguna mujer. Me sentí muy frustrada y a la mañana siguiente fui a verlos por última vez al lado del Mekong durante la recolección de comida.

Me paré a esperarlos en el lugar de siempre y al pasar cerca de mí, Thong Kham me miró fijamente y con voz alta y clara dijo en perfecto español: “Hasta pronto”.»

Pilar con monjes budistas en Laos / with Buddhist monks in Laos

SR: Y con la distancia del tiempo, ¿cómo sentís aquella experiencia?

PG: Hoy, ya instalada frente a mi mesa de dibujo, me pregunto si soy la misma persona. Aquella que recorrió largos trechos del Mekong en lanchones llenos de campesinos que iban al mercado a vender sus productos y me miraban curiosos. La misma que viajó durante cuatro horas tirada sobre bolsas de arroz, en una especie de ómnibus atestado de gente, animales y bultos varios, recargado hasta el último centímetro cuadrado incluido su techo, que me hacía pensar, al percibir el crujir de la madera y la lata, que se iba a desplomar en cualquier momento y en lo triste que sería haber viajado hasta Laos para morir aplastada por un techo y no de alguna forma heroica en medio de la ciudad de Montevideo. 

Aún hoy, siento esa tierra roja que me acompañó durante todo el tiempo que permanecí en aquel país, pegándose a mis pies húmedos, a veces a todo mi cuerpo y que en ocasiones hasta se metía en mi boca. También puedo sentir aquellos olores distintos a legumbres frescas, a condimentos fuertes y sabrosos, a paja recién cortada, a flores, o a los animales faenados cuya sangre corría por las mesas exhibidoras de los mercados o que metían en bolsas de plástico que colgaban muy rojas sobre las cabezas cortadas de los chanchos.

Sin embargo, la gente que puebla esos mercados, que camina por las calles o que ora en los templos no huele mal a pesar de su comida de sabor intenso, de carecer de agua corriente, de convivir tanto en zonas rurales como urbanas con gallinas, patos, pavos y cerdos. 

El aire es fragante en la ciudad, en el campo, en el Mekong y también lo es, sobre todo en Luang Prabang, la niebla matutina y la humedad que lo cubre todo y que se convierte en seca a partir del mediodía y hasta las cinco de la tarde, hora en que comienza a enfriar y a humedecerse nuevamente. 

Era febrero, era el invierno. 

Luego vendría la primavera que anticipa el caliente verano y después la estación de las lluvias.

Técnica mixta sobre papel artesanal hecho en Laos /

mixed media on handmade paper, made in Laos, 77 x 54 cm., 2001

Shirley Rebuffo: Tell me some impressions of your trip to Laos.

Pilar González: That trip changed many things in me. The contact with such a rich and different culture nourished me, made me sensitive and made me relativize many concepts and things I had learned. 

I can tell you a small part of the story.

The life of monks and novices is one of absolute austerity. 

Their day begins at four o'clock in the morning with a breakfast consisting of tea and some rice cookies, then they clean the temple, dormitories and gardens and go out to collect the daily food in a ceremony that takes place in the streets of the city.

During my stay in Luang Prabang, at about six o'clock in the morning I would take my bicycle and still half asleep head for the street along the Mekong, which at that hour is covered with fog. I would stop in front of the faithful, simple people of the village who were kneeling on small mats that were placed at the edge of the road all along the street. They were carrying in their arms a little basket with a lid containing freshly cooked rice.

In an overwhelming spectacle, small orange spots began to appear in the distance and became part of a gray, faded landscape. As they approached, the figures began to be defined and the old monks with white hair and wimpy legs who had been leading the long rows of novices began to be distinguished, all of them covered only by their fine tunics and barefoot despite the low temperatures of winter mornings. 

They brought with them a container, a kind of little pot lined with a fabric that hung from one of their shoulders; at a walking pace they approached the faithful who uncovered their baskets and took out with their hands little piles of rice that they threw into each pot of monks and novices. This food they received became the frugal lunch they ate at eleven o'clock in the morning at the monastery. 

After the harvest they would go to the temple again to take their classes.

Técnica mixta sobre papel artesanal hecho en Laos /

mixed media on handmade paper, made in Laos, 77 x 54 cm., 2001

»At four o'clock in the afternoon they all took their daily bath in full view of those of us who were around. The novices, dressed in a kind of brown chiripa, would gather around large pools located at the side of the rooms, where they would wash and play with dripping buckets of water warmed by the hot afternoon sun. When they finished, they washed their tunics that were hung on long sticks until they were dry a few minutes later.

At six o'clock in the afternoon, monks, novices and people of the village said their prayers and mantras in the temple, after which the boarders returned to their studies until eleven o'clock at night, when they went to bed with almost empty bellies.

During my stay in Luang Prabang, I visited the monasteries or Vat every day and stayed there for one or two hours poking around, taking pictures or trying to talk to the novices, as some of them spoke English well enough to understand us. That's how I made several friends. 

Two of these boys, named Som Say and Thong Kham, both sixteen years old and boarding at Vat Sop, were the children of very poor peasants in the northern part of the country and were from families with many brothers. They chose to study and their only possibility was to enter the monastery although this meant moving away from their beloved people. 

They wanted to know everything about me and I about them. When I told them about South America and showed them Uruguay's location in the planisphere they were delighted and surprised, since they were used to European tourism and the fact of belonging to these latitudes was a rarity. When they discovered that my language was Spanish, they happily asked me to teach them some words, so for twenty days I went to the monastery every day, after their prayer time and before my dinner. 

The place where I taught them Spanish and they corrected my English was their own room, neat and tidy, where they had hung a small blackboard and prepared a tray with fruit tea glasses. They sat on the floor in a permanent state of alertness and wrote down in notebooks every word I pronounced; they asked me questions, they were curious and learned with amazing ease. 

The hour and a half flew by in between spells and jokes. As the days went by, the room filled up with other novices who came interested to see what was going on and then joined in. 

The last day I attended the monastery we were all sad about the farewell, I was leaving the next day. 

When, amidst promises to write to us, I went to embrace my little friends, I was stopped. I was very frustrated and the next morning I went to see them for the last time by the Mekong during the food collection.

I stopped to wait for them at the usual place and as they passed by, Thong Kham looked at me and in a loud and clear voice said in perfect Spanish, "Hasta pronto" (See you soon).

Técnica mixta sobre papel artesanal hecho en Laos /

mixed media on handmade paper, made in Laos, 77 x 54 cm., 2001

SR: And with the distance of time, how do you feel that experience?

PG: Today, already installed in front of my drawing table, I wonder if I am the same person. The one who traveled long stretches of the Mekong in boats full of farmers who went to the market to sell their products and looked at me curiously. The same person who traveled for four hours lying on rice bags, in a kind of bus crowded with people, animals and various packages, loaded to the last square inch including its roof, which made me think, when I perceived the crunch of the wood and the can, that it was going to collapse at any moment and how sad it would be to have traveled all the way to Laos to die crushed by a roof and not in some heroic way in the middle of the city of Montevideo. 

Even today, I feel that red soil that accompanied me during the whole time I was in that country, sticking to my wet feet, sometimes to my whole body and sometimes even to my mouth.

I can also feel those different smells of fresh vegetables, of strong and tasty condiments, of freshly cut straw, of flowers, or of the slaughtered animals whose blood ran down the display tables of the markets or that were put in plastic bags that hung very red over the cut heads of the pigs.

However, the people who populate these markets, who walk the streets or pray in the temples, do not smell bad in spite of their food of intense flavor, of not having running water, of living together in both rural and urban areas with chickens, ducks, turkeys and pigs. 

The air is fragrant in the city, in the countryside, in the Mekong and also, especially in Luang Prabang, the morning fog and humidity that covers everything and becomes dry from noon to five in the afternoon, when it starts to get cold and wet again. 

It was February, it was winter. 

Then would come the spring that anticipated the hot summer and then the rainy season.

Pilar González en "El Hurgador" / in this blog: [Uruguayos (XLV-1)], [Uruguayos (XLV-2)], [Uruguayos (XLV-3)]

Más sobre / More about Pilar González: facebook, Wikipedia, MNAV

Otros posts de esta serie 1, 2, 3 / Other posts of this series: 1, 2, 3

¡Muchas gracias por la entrevista y las imágenes, Pilar! /

Thanks a lot for the interview and images, Pilar!

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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas e prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.

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Tom Palmore (III) [Pintura, Dibujo / Painting, Drawing]

December 30, 2020, 2:54 am

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Este es el tercer post (1, 2) de la miniserie dedicada al pintor y dibujante estadounidense Tom Palmore, cuyos retratos animalistas parecen hechos por encargo de sus modelos. Junto con la habitual reseña biográfica de la primera parte, acompaño esta selección de imágenes con algunos textos del artista hablando sobre su obra.

This is the third post (1, 2) of the mini-series dedicated to the American painter and draftsman Tom Palmore, whose animal portraits seem to have been commissioned from his models. Along with the usual biographical review in the first part, I accompany this selections of images with some texts of the artist talking about his work.

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Tom Palmore

(Ada, Oklahoma, EE.UU./ OK, USA, 1945-)

Tom Palmore es un pintor estadounidense nacido en 1945 en Ada, Oklahoma.

Durante más de 35 años ha pintado retratos de animales con reverencia por sus modelos y gran maestría técnica. Sus retratos ultrareales de animales al óleo y acrílico ofrecen una yuxtaposición única y a menudo cómica, de literalidad técnica y contexto surrealista e imaginativo.

"Lince perdido / Missing Lynx"

Óleo y acrílico sobre panel / oil and acrylic on panel, 16" x 20", 2018 © Tom Palmore

"Águila real / Golden Eagle", grafito sobre papel / graphite on paper, 15" x 11", 2019 © Tom Palmore

«Tomo mis propias fotos (soy un fotógrafo regular) o compro fotos de fotógrafos de la vida silvestre, como Weaver Lily que es dueño de Friday, Saturday, Sunday (un restaurante en Filadelfia), o de un hombre en Santa Fe. Weaver sabe de perspectiva e iluminación. Le digo lo que estoy buscando, y él me envía las fotos por correo electrónico.  Hablamos de ellas, y él las imprime y me las envía por Federal Express.

Trabajo a partir de una serie de fotos sobre un tema. Cuerpo, cabeza, etc., las pongo juntas y a veces cambio un poco de color. Hago muchos cambios en el cuadro. Pero no uso Photoshop.»

"Composición en rojo y azul / Composition in Red and Blue"

Óleo y acrílico sobre panel / oil and acrylic on panel, 16" x 20"© Tom Palmore

"Belleza norteña / Northern Beauty"

Acrílico y óleo sobre panel / oil and acrylic on panel, 24" x 18", 2018 © Tom Palmore

«El espacio de mi estudio influye en mi forma de trabajar, tanto en lo bueno como en lo malo. Mi último estudio tenía ventanas y tragaluces. Ahora en Edmund, Oklahoma, mi estudio está a unos 25 metros de la casa, con ventanas hacia el norte en una pared. Sólo tengo dos acres de tierra aquí, en lugar del rancho más grande. Estaré aquí por un tiempo, así que tendré que disfrutalo.

Empiezo a cierta hora de la mañana, de cinco a siete días a la semana. No debo sentir que tengo que ir a trabajar. Debo estar emocionado por aquello en lo que estoy trabajando. Es un ciclo de creatividad. Es importante que la iluminación sea la correcta. Uso tanta luz natural como puedo. Los estudios que más he disfrutado han tenido hermosos paisajes naturales tras las ventanas, bosques a ambos lados de la propiedad. Eso es importante para mí. No sólo tiene un efecto físico sino también psicológico.»

"Rey jaguar / Jaguar King"

Acrílico y óleo sobre panel / oil and acrylic on panel, 30" x 40", 2012 © Tom Palmore

"Sabes que eres hermoso / You Know You're Beautiful"

Acrílico y óleo sobre panel / oil and acrylic on panel, 36" x 48", 2015 © Tom Palmore

«Ingres es un pintor fabuloso. Magritte tiene ingenio y humor, pintura directa, casi primitiva, contradicciones y cosas así, e imágenes inusuales. No soy tan fan del Dalí tardío, aunque me gusta su obra de los años treinta y cuarenta. Y Mel Ramos, un artista pop, que no está exento de controversia en relación con la liberación de las mujeres, debido a sus chicas en hamburguesas, o chicas en Velveeta (un tipo de queso procesado estadounidense). Hay una cualidad surrealista en su trabajo con colores fuertes.

Entre los escritores con una voz distinta está Peter Dexter, de Filadelfia, que escribió Paris Trout. Y, por supuesto, Havard, Dessner, Lynch, Bill Shepard.»

"Humpty Trumpty sentado en un muro / Sat on a Wall"

Grafito sobre papel / graphite on paper, 24" x 19", 2019 © Tom Palmore

"Sr. Alce / Mr. Moose", acrílico y óleo / acrylic and oil, 47" x 54"© Tom Palmore

"Gran felino de Peterson / Peterson's Big Cat"

Acrílico y óleo sobre lienzo / oil and acrylic on canvas, 44" x 40", 2016 © Tom Palmore

«Cuando echo la vista atrás sobre mi obra, veo una progresión, pero cuando miro al futuro, no sé lo que será: es desconocido, así que hay inseguridad. Tienes que darte cuenta de que no hay garantías en la vida. Tienes que saber lo que es importante para ti y hacerlo. 

Para ser tanto un buen maestro como un buen pintor, tienes que ser increíblemente disciplinado. Es fácil perder la perspectiva del mundo del arte.»

"Sobreviviente / Survivor", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76,2 x 213,4 cm., 1995

Albuquerque Museum (Nuevo México, EE.UU./ NM, USA)

"La Duquesa de Wister / The Duchess of Wister", acrílico / acrylic© Tom Palmore

«Baso mis animales en personas. "La Duquesa de Wister", un chimpancé, tiene la nariz hacia arriba, y está mirando hacia abajo. Un poco mandona, con una importancia propia, más que segura de sí misma. Wister es el pequeño pueblo de Oklahoma en el que viví.»

«I base animals on people.  The Duchess of Wister, a chimpanzee, has her nose turned up, and she’s looking down nose. Kind of bossy, with a self-importance, more than just self-assured.  Wister is little Oklahoma town I lived in.»

"Visitante inesperado / Unexpected Visitor"

Grafito sobre papel / graphite on paper, 19" x 24", 2019 © Tom Palmore

Tom Palmore is an American painter born in 1945 in Ada, Oklahoma.

For more than 35 years, Tom Palmore has painted animal portraits with a reverence for his subject and a masterful technical prowess. His ultra-real portraits of animals in oil and acrylic offer a unique and often comical juxtaposition of technical literalism and surreal, imaginative context.

"Terciopelo negro / Black Velvet", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 36" x 48"© Tom Palmore

«I take my own photos—I’m an average photographer—or buy photos from wildlife photographers, like Weaver Lily who owns Friday, Saturday, Sunday [a restaurant in Philadelphia], or from a man in Santa Fe. Weaver knows perspective and lighting. I tell him what I’m looking for, and he’ll email photos to me. We talk about them, and he’ll print them and send them Federal Express.

I’ll work from a series of photos about a subject. Body, head, etc. and put them together, sometimes I change color a little bit. I do a lot of changes in the painting. But I don’t use Photoshop.»

"Tigre reclinado / Reclining Tiger", acrílico y óleo / acrylic and oil, 2004 © Tom Palmore

"El gato montés de T.C. / T.C.'s Bobcat"

Grafito sobre papel / graphite on paper, 24" x 19", 2019 © Tom Palmore

«My studio space does influence how I work, both in good ways and in limitations.  My last studio had windows and skylights.  Now in Edmund, OK, my studio is about 25 yards from the house, with a wall of northern windows. I have only two acres of land here instead of the larger ranch.  I’ll be here for a while so I’ll have to enjoy being in it.

I start at a certain time in the morning, five to seven days a week. I shouldn’t be feeling that I have to go to work. I should be excited about what I’m working on. It’s a cycle to creativity. It’s important that the lighting is right. I use as much natural light as I can. The studios I’ve enjoyed most have had beautiful natural scenery outside the windows, woods on both sides of property. That’s important to me. It has not only a physical but also a psychological effect.»

"Cernícalo / Kestrel", acrílico y óleo sobre panel / acrylic and oil on panel, 20" x 16"© Tom Palmore

"Gato majestuoso", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 2013

Phoenix Art Museum (Arizona, EE.UU./ AZ, USA)

«Ingres is a fabulous painter. Magritte has wit and humor, direct painting, almost primitive, contradictions and things like that, and unusual images. I’m not so much a fan of the later Dali, though I like his work of the thirties and forties. And Mel Ramos, a pop artist, who’s not without controversy in relation to women’s lib, because of his girls on hamburgers, girls on Velveeta. There’s a surreal quality to his work with strong colors.

Among the writers with a distinct voice is Peter Dexter from Philly, who wrote Paris Trout. And, of course, Havard, Dessner, Lynch, Bill Shepard.»

"Más listo de lo que crees / Smarter Than You Think"

Óleo y acrílico sobre panel / oil and acrylic on panel, 16" x 20", 2018 © Tom Palmore

"Dos pájaros en una rama / Two Birds on One Branch"

Grafito sobre papel / graphite on paper, 10,5" x 8", 2019 © Tom Palmore

«When I look back at my work, I see progression, but when I look at the future, I don’t know what it’s going to be: it’s unknown so there’s insecurity. You have to realize there are no guarantees in life. You have to know what’s important to you and do it. 

To be both good teacher and painter, you have to be incredibly disciplined. It’s easy to lose perspective of the art world.»

"Primeras luces / First Light"

Óleo y acrílico sobre lienzo / oil and acrylic on canvas, 46" x 72", 1993 © Tom Palmore

"Una codorniz de Gambel / A Gambel Quail"

Óleo y acrílico sobre lienzo / oil and acrylic on canvas, 18" x 24", 2016 © Tom Palmore

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Fuentes / Sources:

* Perfil del artista / Artist's Profile. Artsy

* Perfil del artista / Artist's Profile. J.Cacciola Gallery

* "Planeta Animal" / "Animal Planet", por / by Dottie Indyke, Southwest Art, 6/2003. Astoria Fine Art

* Perfil del artista / Artist's Profile. Altamira Fine Art

* Perfil del artista / Artist's Profile. LewAllenGalleries
* Tom Palmore, la entrevista de Per Contra, con / the Per Contra Interview with Miriam N. Kotzin

* "La naturaleza se empareja con el capricho y el ingenio en la imaginación del pintor y nativo de Oklahoma Tom Palmore /
Nature pairs with whimsy and wit in the imagination of painter and Oklahoma native Tom Palmore"
Artículo y entrevista de / Article and interview by Brandy McDonnell, 8/2006. The Oklahoman

Tom Palmore en "El Hurgador" / in this blog:

[Recolección (CXXXIX-1)], [Tom Palmore (Pintura, Dibujo)], [Recolección (CLI-2)], [Tom Palmore (II, Pintura, Dibujo)], [Recolección (CLXIV-1)]

Más sobre / More about Tom Palmore: facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Tom!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Tom!)

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Adiós / Goodbye [2020]

December 30, 2020, 11:08 pm

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Muchos artistas han fallecido este año. Nuestro recuerdo para todos ellos...

Many artists have passed away this year. Our remembrance for all of them ...

Diciembre / December

29 Thomas Lowy (73, 1947) pintor, escultor y gestor cultural uruguayo /

     Uruguayan painter, sculptor and cultural manager

28 David Medalla (82, 1942) pintor, escultor, artista cinético, de instalaciones y performances filipino /

     Filipino painter, sculptor, kinetic, installation and performance artist

27 Arthur Berckmans (91, 1929) autor de comics belga / Belgian comics author

23 John Outterbridge (87, 1933) artista estadounidense / American artist

18 Armin Hofmann (100, 1920) diseñador gráfico suizo / Swiss graphic designer

17 Aldo Menéndez (72, 1948) pintor y crítico de arte cubano / Cuban painter and art critic

12 Pinin Brambilla Barcilon (95, 1925) restauradora Italiana / Italian restorer

11 Malik (72, 1948) artista de comic belga / Belgian comic book artist 

11 László Mindszenti (86, 1934) pintor húngaro / Hungarian painter

László Mindszenti

"Les Vikings / Los vikingos / The Vikings"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 81 x 116 cm., 1998. facebook

Artista, foto / Artist, Photo: facebook

11 Sven Sachsalber (33, 1987) artista italiano / Italian artist

05 Mickaël Bethe-Selassié (69, 1951) escultor francés nacido en Etiopía / Ethiopian-born French sculptor

02 Richard Corben (80, 1940) ilustrador y artista de comic estadounidense /

     American illustrator and comic book artist

Noviembre / November

29 Suh Se-ok (서세옥) (91, 1929) pintor coreano / South Korean painter

27 Keisuke Kumakiri (熊切 圭介) (86, 1934) fotógrafo japonés / Japanese photographer

24 Yaroslav Horak (93, 1927) ilustrador y artista de comic australiano /

     Australian illustrator and comics artist

23 Günter Rittner (93, 1927) pintor e ilustrador alemán / German painter and illustrator

23 Robert Hammerstiel (87, 1933) pintor y grabador austríaco / Austrian painter and engraver

22 Helen LaFrance (101, 1919) artista estadounidense / American artist

21 Léon Herschtritt (84, 1936) fotógrafo francés / French photographer

20 Takao Yaguchi (81, 1939) artista de manga japonés / Japanese manga artist

20 Ivo Pavone (91, 1929) artista de comic italiano / Italian comic book artist

20 Sandy Dvore (86, 1934) diseñador gráfico estadounidense / American graphic designer

19 Tamara Djurovic "Hyuro" (42, 1974) artista urbana argentina / Argentine Urban artist

18 Leonard Kamsler (85, 1935) fotógrafo de golf estadounidense / American golf photographer

17 Anjum Singh (53, 1967) artista india / Indian artist

15 Ivan Kožarić (99, 1921) artista croata de escultura temporal y permanente, ensamblajes, proclamas, fotografía, pintura e instalaciones /

Croatian artist of permanent and temporary sculptures, assemblages, proclamations, photographs, paintings, and installations

13 Made Wianta (70, 1949) pintor indonesio / Indonesian painter

Made Wianta. Foto / Photo: The Jakart Post

"Caligrafía sobre gris / Calligraphy On Grey"

técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, 122 x 122 cm., 2003. 33 Auction

13 Jan van Toorn (88, 1932) diseñador gráfico holandés / Dutch graphic designer

12 Aldo Tambellini (90, 1930) artista intermedia, pintor, escultor y poeta ítalo-estadounidense /

     Italian-American electronic intermedia artist, painter, sculptor, and poet

12 Arjun Prajapati (63, 1957) ceramista indio / Indian pottery

09 Domènec Fita i Molat (93, 1923) pintor y escultor español / Spanish painter and sculptor

09 Bruno Barbey (79, 1941) fotógrafo francés nacido en Marruecos /

     Moroccan-born French photographer

08 Clifford "Cliff" Ricardo Joseph (98, 1922) artista, terapeuta artístico y activista estadounidense nacido en Panamá /

Panama-born American artist, art therapist and activist

06 Piero Simondo (92, 1928) artista italiano / Italian artist

03 Seno Nugroho (48, 1972) artista y artista de marionetas indonesio / Indonesian artist and puppeteer

02 Baron Wolman (83, 1937) fotógrafo estadounidense / American photographer

Octubre / October

29 Arturo Rivera (75, 1945) pintor mexicano / Mexican painter

29 Roland Hobart (79, 1941) artista estadounidense nacido en Austria / Austrian-born American artist

28 Teruko Yokoi (横井 照子) (96, 1924) artista suizo-japonés / Japanese-Swiss artist

28 Mohamed Melehi (محمد المليحي‎) (83, 1936) pintor marroquí / Moroccan painter

27 Paul Rambié (101, 1919) pintor francés / French painter

26 Pedro Miguel de Cervantes Salvadores (87, 1933) escultor mexicano / Mexican sculptor

26 Jean-Pierre Autheman (73, 1946) autor de libros de comic francés / French comic book author

24 Abbas Moayeri, (80-81, 1939) escultor y pintor francés nacido en Irán /

     Iranian-born French sculptor and painter

24 Gordon Brown (62, 1958) escultor alemán / German sculptor

21 Frank Horvat (92, 1928) fotógrafo croata-francés / Croatian-French photographer

19 Louise Renaud (98, 1922) pintora y bailarina canadiense / Canadian painter and dancer

19 Hiroh Kikai (鬼海 弘雄) (75, 1945) fotógrafo japonés / Japanese photographer

17 Bob Weber (86, 1934) artista del comic estadounidense / American cartoonist

17 Bonaria Manca (95, 1925) pintor italiano / Italian painter

17 Antoine Dumas (87, 1932), pintor canadiense / Canadian painter

Antoine Dumas

"Les Bons Vivants", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 24 x 30 cm. Galerie Perreault

Artista, foto / Artist, Photo: Le Nécrologue

17 Erland Peter Brand (98, 1922) pintor, dibujante y grabador sueco /

     Swedish painter, draftsman and printmaker.

15 Ephram Edward "Ed" Benguiat (92, 1927) tipógrafo y artista visual estadounidense /

     American typographer and visual artist

13 Chris Killip (74, 1946) fotógrafo de la Isla de Mann / Manx photographer

13 Anthony Hill (90, 1930) pintor y artista del relieve británico / British painter and relief-artist

13 Jean Cardot (90, 1930) escultor francés / French sculptor

11 John A. Ruthven (95, 1924), artista de vida silvestre estadounidense / American wildlife artist

09 Francine Simonin (84, 1936), pintor, grabador y diseñador suizo /

     Swiss painter, printmaker and designer

08 Sylvie Bélanger (69, 1951), artista canadiense de sonido, video, fotografía e instalaciones /

     Canadian artist using sound, video, photography and installatios

07 Geoffrey Dyer (73, 1947) artista australiano / Australian artist

06 Izumi Matsumoto (寺嶋 一弥) (61, 1958) artista del manga japonés / Japanese manga artist 

06 Alfons Borrell i Palazón (89, 1931) pintor abstracto español / Spanish abstract painter

05 Monsur Ul Karim (70, ) pintor de Bangladesh / Bangladeshi painter

04 Philippe Salaün (77, 1943) fotógrafo francés / French photographer

04 Kenzō Takada (高田 賢三) (81, 1939) diseñador de moda y pintor japonés-francés /

     Japanese-French fashion designer and painter

03 Karsten Thielker (54, 1955), fotógrafo alemán / German photographer

01 Ray Styles (Emmanuel Apraku) (30-31, 1989) artista del bolígrafo, teclista y futbolista ghanés /

     Ghanaian pencil artist, keyboardist, and footballer

Septiembre / September

30 Joaquín Salvador Lavado Tejón (Quino) (88, 1932) humorista gráfico e historietista argentino /

     Argentine cartoonist

29 Karatholuvu Chandrasekaran Sivasankaran (aka KC Sivasankaran, Artist Sankar) (96, 1924)

     artista indio / Indian artist

24 Robert Bechtle (88, 1932) pintor estadounidense / American painter

23 Eric James Bransby (103, 1916) artista estadounidense / American artist

21 Julián Cardona (59-60, 1960) fotoperiodista mexicano / Mexican photojournalist

21 John Meirion Morris (84, 1936) escultor galés / Welsh sculptor

John Meirion Morris. Foto / Photo: Cambrian News

"Busto de / Bust of Bedwyr Lewis Jones (1933-1992)", bronce / bronze, 37,5 x 22 x 21 cm.

Llyfrgell Genedlaethol Cymru / The National Library of Wales (Gales, Reino Unido / Wales, UK). ArtUK

19 Andrzej Piotr Pitynski (73, 1947) escultor monumental polaco / Polish-American monumental sculptor

19 Jean-Pierre Pophillat (83, 1938) pintor y litógrafo francés / French painter and lithographer

15 Nikolay Havrylovych Shmatko (Микола Гаврилович Шматько) (77, 1943) escultor y pintor ucraniano /

     Ukrainian sculptor and painter

14 José Antonio Fernández Fernández "Fer" (71, 1949) artista de comic español / Spanish comics artist

13 Bruno Madaule (49, 1971) autor de libro de comics francés / French comic book author

11 Marilee Shapiro Asher (107, 1912) escultora y autora estadounidense / American sculptor and author

06 Robert "Bob" Fujitani (98, 1921) artista de comic estadounidense / American comics artist

04 Norma Calvete Calzavara de Ponce (93, 1927) pintora uruguaya / Uruguayan painter

02 Georges Azenstarck (85–86, 1934) fotógrafo francés / French photographer

Agosto / August

31 Massoud Mehrabi (مسعود مهرابی) (66, 1954) periodista, escritor y caricaturista iraní /

     Iranian journalist, writer and caricaturist

30 Rodolfo Abularach (87, 1933) pintor guatemalteco / Guatemalan painter

29 Jürgen Schadeberg (89, 1931) fotógrafo sudafricano nacido en Alemania /

     German-born South African photographer

28 Jorge Ramón Abbondanza Mendaro (84, 1936) pintor, ceramista, escritor, crítico de arte y periodista uruguayo /

     Uruguayan painter, ceramist, art critic and journalist

28 Ulrich Steinfurth (Uli Stein) (73, 1946) caricaturista alemán / German cartoonist

27 Lee Wai Chun (李惠珍) (c.1930) artista de comic de Hong Kong / Hong Kong comics artist

27 Yves Hervochon (85, 1935) pintor francés / French painter

27 Gilda Cordero-Fernando (90, 1930)  escritor, artista visual, modisto y editor Filipino /

     Filipino writer, visual artist, fashion designer and publisher

27 Siah (Siavash) Armajani (سیاوش آرمانجی‎) (81, 1939) escultor y arquitecto irano-estadounidense /

     Iranian-American sculptor and architect

26 Douglas MacDiarmid (97, 1922) pintor neozelandés / New Zealand painter

26 José Lamiel (96, 1924) pintor y escultor español / Spanish painter and sculptor

25 Nicodemo "Nik" Spatari (91, 1929) pintor y escultor italiano / Italian painter and sculptor

25 Yvon Le Corre (80, 1939) pintor y navegante francés / French painter and navigator

25 Pedro de Oraá (88, 1931) pintor cubano / Cuban painter

23 Rolf Gohs (86, 1933) creador de comics y artista de portadas sueco /

     Swedish comic creator and cover artist

22 Mrinal Haque (61, 1958) escultor de Bangladesh / Bangladeshi sculptor

19 Fern Cunningham (71, 1949) escultor estadounidense / American sculptor

18 Sayeeda Khanam (82, 1932) fotógrafa de Bangladesh / Bangladeshi photographer

18 Soeki Irodikromo (75, 1945) pintor de Surinam / Surinamese painter

Soeki Irodikromo

"Uniéndose / Coming Together", acrílico sobre lienzo / acrylics on canvas, 71 x 93,5 cm., 2013

Foto / Photo: Readytex Art Gallery/William Tsang. Sranart's Blog

Artista, Foto / Artist, Photo: Starniews

18 Ron Gorchov (90, 1930) artista estadounidense / American artist

17 Claude Laverdure (73, 1947) autor de comic belga / Belgian comic book author

16 Pierre-Yves Trémois (99, 1921) artista visual y escultor francés / French visual artist and sculptor

15 Murtaja Baseer (87, 1932) pintor de Bangladesh / Bangladeshi painter

14 Nesim Tahirović (78, 1941) pintor bosnio / Bosnian painter

14 Dan Budnik (87, 1933) fotógrafo estadounidense / American photographer

13 Luisa Amelia Garcia Rodriguez Hurtado (Luchita Hurtado) (99, 1920)

     pintora estadounidense nacida en Venezuela / Venezuelan-born American painter

12 Sybil Brintrup Kruger (66, 1954) artista conceptual chilena / Chilean conceptual artist

09 Frank Wright (87, 1932) pintor estadounidense / American painter

09 Jeff Jacobson (74, 1946) fotógrafo estadounidense / American photographer

07 Ronnie Goodman (60, ?) caricaturista y artista callejero estadounidense /

     American cartoonist and street artist

06 Judit Reigl (Némedy) (97, 1923) pintora húngara / Hungarian painter

05 Elmer Paul Petersen (91, 1928) escultor estadounidense / American sculptor

05 Mario Chianese (91, 1928) pintor y tallista italiano / Italian painter and carver

03 Irena Sedlecká (91, 1928) escultura checa / Czech sculptor

03 Ralf Metzenmacher (56, 1964) pintor y diseñador gráfico alemán / German painter and graphic artist

01 Abdul Hay Mosallam Zarara (87, 1933) artista palestino / Palestinian artist

01 Emil Ciocoiu (71, 1948) pintor y fotógrafo romano / Romanian painter and photographer

Julio / July

31 Miodrag Živković (92, 1928) escultor serbio / Serbian sculptor

30 Nadine Tasseel (66, 1953) fotógrafa belga / Belgian photographer

30 Pino Grioni (88, 1932) pintor, escultor y ceramista italiano / Italian painter, sculptor and ceramist

29 Toros Rasguélénian (R. Toros) (85, 1934) escultor francés nacido en Siria / Syrian-born French sculptor

26 Tereza Costa Rêgo, 91, pintora brasileña / Brazilian painter

24 Carlota Eugenia "Lotty" Rosenfeld Villarreal (77, 1943) artista multidisciplinaria chilena /

     Chilean multidisciplinary artist

19 Oreste Casalini (58, 1962) escultor y pintor italiano / Italian sculptor and painter

18 Keith Sonnier (78, 1941) escultor, artista de performance, video y luz estadounidense /

     American sculptor, performance artist, video and light artist

18 Pamela "Pam" Francis Wilson (65, 1954) fotógrafa estadounidense / American photographer

15 George Simon (73, 1947) artista y arqueólogo guyanés / Guyanese artist and archeologist

14 Pilar Marco Tello (77, 1943) pintora y catedrática española / Spanish painter and professor

Pilar Marco Tello. Foto / Photo: El Norte de Castilla

Imagen / Image. Tamtampress

13 Barrie Cook (91, 1929) artista abstracto británico / British abstract artist

12 Alain Desvergnes (88, 1931) fotógrafo francés / French photographer

11 Maynard Fred Reece (100, 1920) pintor de vida silvestre estadounidense / American wildlife painter

11 Avad bin Hassan Jami (A. H.) Jami (1942, 77) caricaturista indio / Indian cartoonist

11 Jyotsna Jyoti Bhatt, 80, ceramista y orfebre india / Indian ceramicist and potter

05 Margarita Paksa (88, 1932) artista visual argentina / Argentine visual artist

02 Marc Treanor (57, 1963) artista de la arena británico / British sand artist

02 Jiro Kuwata (桑田 二郎) (85, 1935) artista de manga japonés / Japanese manga artist

01 George Hallett (78, 1942) fotógrafo sudafricano / South African photographer

Junio / June

30 Henry Martin (94, 1925) caricaturista estadounidense / American cartoonist

30 Elena Nikolaevna Fljorova (Елена Николаевна Флёрова) (76, 1943) artista rusa y soviética /

     Soviet and Russian artist

28 James Holloway (?) ilustrador estadounidense / American illustrator

27 Margaret Morton (71, 1948) fotógrafa estadounidense / American photographer

26 Milton Glaser (91, 1929) diseñador gráfico estadounidense / American graphic designer

26 Chen Peiqiu (陈佩秋) (97, 1922) pintor guohua y calígrafo chino / Chinese gouhua painter and calligrapher

25 Joe Sinnott (93, 1926) artista de comic estadounidense / American comic book artist

24 Wan Gengyu (万庚育) (98, 1922) pintor y dunhuangólogo chino / Chinese painter and dunhuangologist

24 Ralph Dunagin (83, 1937) caricaturista estadounidense / American cartoonist

23 Li Zhensheng (李振盛) (79, 1940) fotoperiodista chino / Chinese photojournalist (*)

22 Carlos Bosch (75, 1945) fotoperiodista argentino / Argentine photojournalist

21 Sergey Gennadievich Chilikov (Сергей Геннадьевич Чиликов) (66, 1956) fotógrafo, profesor y filósofo ruso /

     Russian photographer, professor and philosopher

18 Anna Blume (83, 1936) fotógrafa artística alemana / German art photographer

17 Galina Grigoryevna Galadzheva (Галина Григорьевна Галаджева) (87, 1932)

     editora de historia del arte, pintora y diseñadora de vestuario rusa soviética /

     Soviet and Russian art history editor, painter, and costume designer

16 Joan Hill (Che-se-quah) (89, 1930), artista estadounidense de Muscogee Creek de ancestros Cherokee /

     American Muscogee Creek artist of Cherokee ancestry

14 Helena van der Kraan-Maazel (nac./born Helena Jirina Maz) (80, 1940)

     artista y fotógrafa holandesa nacida en Checoslovaquia / Czechoslovakian-born Dutch artist and photographer

13 Luther Price (seudónimo / pseudonym) (58, 1962) cineasta experimental y artista visual estadounidense /

     American experimental filmmaker and visual artist

12 Charles Wing Krafft (72, 1947) pintor y ceramista estadounidense / American painter and ceramicist

11 Mahjoub Ben Bella (73, 1946) pintor francés nacido en Argelia / Algerian-born French painter

10 Antonio González Orozco (87, 1933) muralista mexicano / Mexican muralist

09 Jeanne Patricia Rynhart (74, 1946) escultora irlandesa / Irish sculptor

Jeanne Patricia Rynhart

"Annie Moore con su hermano / with her brother", Cobh, Irlanda / Ireland. Irish America

Artista, Foto / Artist, Photo: RIP

09 Jean-Philippe Reverdot (67, 1952) fotógrafo francés / French photographer

08 Manuel Felguérez (91, 1928) artista abstracto mexicano / Mexican abstract artist

07 Bettina Heinen-Ayech (82, 1937) pintora alemana / German painter

06 Dan Danglo (95, 1925) caricaturista y animador estadounidense / American cartoonist and animator

06 Constantin Xenakis (Κωνσταντίνος Ξενάκης) (89, 1931) pintor griego / Greek painter

05 Ko Si-chi (柯锡杰) (90, 1919) fotógrafo taiwanés / Taiwanese photographer

Mayo / May

31 Christo Vladimirov Javacheff (84, 1935) artista estadounidense nacido en Bulgaria /

     Bulgarian-born American artist

30 Ana Portnoy (69, 1950) fotógrafa argentina / Argentine photographer

30 Xavier Grau i Massip (69, 1951) pintor catalán / Catalonian painter

30 Elsa Dorfman (83, 1937) fotógrafa estadounidense / American photographer

29 Joe Yeninas (86, 1934) caricaturista, ilustrador y editor gráfico estadounidense /

    American cartoonist, illustrator and graphic editor

29 Eric Schreurs (61, 1958) caricaturista holandés / Dutch cartoonist

27 Gracia Barrios Rivadeneira (92, 1927) pintora chilena / Chilean painter

26 Enikő Nagy (85, 1935) artista húngara / Hungarian artist

26 Johanna Ehrnrooth (61, 1958) pintora finlandesa / Finnish painter

26 Peter Alexander (81, 1939) escultor estadounidense / American sculptor

23 Sergey Tyukanov (Сергей Тюканов) (65, 1955) pintor, dibujante y grabador ruso /

     Russian painter, draftsman and printmaker

23 Bryan Wharton (86, 1934) fotógrafo británico / British photographer

22 Francine Holley (100, 1919) pintor francés nacido en Bélgica / Belgian-born French painter

Francine Holley. Captura / Still: Vimeo

"Composición 2 / Composition 2", fieltro sobre papel / felt on paper, 17,5 x 18 cm. Ocula

22 Adam Henein (آدم حنين‎) (91, 1929) escultor egipcio / Egyptian sculptor

22 Antonio Bonet Correa (94, 1925) historiador del arte español / Spanish art historian

21 Shigehisa Kikuhata (85, 1935) pintor japonés / Japanese painter

20 Emma Amos (83, 1937) pintora y grabadora estadounidense / American painter and printmaker

19 Paul Teughels (74, 1946) fotógrafo belga / Belgian photographer

19 Richard Anuszkiewicz (89, 1930) pintor, grabador y escultor estadounidense /

     American painter, printmaker, and sculptor

18 Susan Rothenberg (75, ) pintora, grabadora, escultora y dibujante estadounidense /

     American painter, printmaker, sculptor, and draughtswoman

16 René Moreu (99, 1920) pintor e ilustrador francés / French painter and illustrator

16 Cliff Eyland (65, 1954) pintor, escritor y curador canadiense / Canadian painter, writer, and curator

15 Juan Genovés (95, 1930) pintor y artista gráfico español / Spanish painter and graphic artist

13 Clive Limpkin (82, 1937) fotoperiodista y escritor británico / British photojournalist and writer

12 George Akiyama (ジョージ秋山), Jōji Akiyama, nac./ born Yūji Akiyama (秋山 勇二) (81, 1923)

     artista de manga japonés / Japanese manga artist

12 Astrid Kirchherr (81, 1938) fotógrafa alemana / German photographer

11 Christian Kieckens (69, 1951) arquitecto y fotógrafo belga / Belgian architect and photographer

10 Mare Vint (Mare Mänd) (77, 1942) artista gráfico estonio / Estonian graphic artist

09 Abraham Palatnik (92, 1928) artista e inventor brasileño / Brazilian artist and inventor

08 Cecil Maguire (90, 1930) pintor irlandés / Irish painter

08 Waldemar Otto (91, 1929) escultor alemán nacido en Polonia / Polish-born German sculptor

08 Iepe Rubingh (45, 1974) artista de performance holandés, cofundador de Chess Boxing /

     Dutch performance artist, co-founder of chess boxing

07 E. Wayne Craven (89, 1930) historiador del arte estadounidense / American art historian

07 Richard Sala (65, 1954) caricaturista estadounidense / American cartoonist

07 Maks Velo (84, 1935) artista albanés nacido en Francia / French-born Albanian artist

02 Louis J. Delsarte (75, 1944) pintor, muralista, grabador e ilustrador estadounidense /

     American  painter, muralist, printmaker, and illustrator

Abril / April

29 Naziha Mestaoui (44-45, 1975) (نزيهة مستاوي) artista belga / Belgian artist

29 Germano Celant (79, 1940) historiador del arte, curador y crítico italiano /

     Italian art historian, curator and critic

28 Marc Garanger (84, 1935) fotógrafo francés / French photographer

27 Chavalit Soemprungsuk (ชวลิต เสริมปรุงสุข) (80, 1939) pintor y artista visual tailandés /

     Thai painter and visual artist

27 Yves Corbassière (94, 1939) pintor, escultor, grabador y litógrafo francés /

    French painter, sculptor, engraver, and lithographer

26 Paul J. Smith (88, 131) artista, administrador artístico y curador estadounidense /

     American arts administrator, curator, and artist

26 Jean-Claude Pertuzé (70, 1949) artista de comic e ilustrador francés /

     French comic book artist and illustrator

26 Carlos Regazzoni (76, 1946) pintor y escultor argentino / Argentine painter and sculptor

25 Zarina Hashmi (82, 1937) artista estadounidense nacida en India / Indian-born American artist

25 Gunnar Seijbold (65, 1955) fotógrafo sueco / Swedish photographer

24 Namio Harukawa (春川ナミ) (72, 1947) artista fetichista japonés / Japanese fetish artist

21 Tina Girouard (73, 1946) artista de video y performance estadounidense /

     American video and performance artist

20 Roland Phleps (95, 1924) was a escultor alemán / German sculptor

20 Cliff Holden (100, 1919) pintor, diseñador y serígrafo inglés / English painter, designer and silk screen printer

20 Eric Mitchell Berg (74, 1945) escultor estadounidense / American sculptor

19 Harry Müller (89, 1930) escultor alemán / German sculptor

19 Hector Garrido (92, 1928) artista de comic estadounidense nacido en Argentina / 

     Argentine-born American comic book artist

19 Peter Hill Beard (82, 2020) fotógrafo estadounidense (su cuerpo se descubrió este día) /

     American photographer (body discovered on this date)

18 Lennart Jirlow (83, 1936) pintor y escenógrafo sueco / Swedish painter and scenographer

Lennart Jirlow

"Restaurangen / El restaurante / The Restaurant"

Litografía a color / color lithograph, 57,5 x 71 cm. Bukowskis

Artista, Foto / Artist, Photo: SVT

17 Gilbert Garcin (90, 1929) fotógrafo francés / French photographer

16 Eugene Merril Deitch (95, 1924) ilustrador, animador, artista del comic y director de cine estadounidense /

    American illustrator, animator, comics artist, and film director

15 Shahin Shahablou (81, 1964) fotógrafo iraní / Iranian photographer

15 John Pfahl (81, 1939) fotógrafo estadounidense / American photographer

14 Markus Raetz (78, 1941) pintor, escultor e ilustrador suizo / Swiss painter, sculptor, and illustrator

14 William Henry Gerdts Jr. (91, 1929) historiador del arte estadounidense / American art historian

13 Glenna Maxey Goodacre (80, 1939) escultora estadounidense / American sculptor

13 William H. Bailey (89, 1930) artista y profesor universitario estadounidense /

     American artist and university professor

13 Iván Tovar (78, 1942) pintor dominicano / Dominican painter

11 Gillian Wise (84, 1936) artista inglesa / English artist

10 Hans Verhagen (81, ) periodista, poeta y pintor holandés / Dutch journalist, poet and painter

09 Morris "Mort" Drucker (91, 1929) caricaturista y artista de comic estadounidense /

    American caricaturist and comics artist

08 Siri Berg (98, 1922) artista abstracta y profesora estadounidense nacida en Suecia /

    Swedish-born American abstract artist and professor

08 Jaroslava Brychtová (95, 1924) escultora checa / Czech sculptor

08 Shimon Okshtein [Шимон Окштейн] (69, 1951) artista y escultor ucraniano-estadounidense /

    Ukrainian-American sculptor and artist

05 Svein Ørnulf Ellingsen (90, 1929) poeta y artista visual noruego / Norwegian poet and visual artist

05 Peter Leonardus “Leo” Geurtjens (96, 1924) escultor holandés / Dutch sculptor

04 Luis Eduardo Aute (76, 1943) músico, cineasta, escultor, pintor y poeta español nacido en Filipinas /

     Filipino-born Spanish musician, filmmaker, painter and poet

04 Rao Pingru [饶平如] (98, 1922) autor de comic chino / Chinese comic book author 

04 Julio Silva (90, 1930) pintor y escultor francés nacido en Argentina /

    Argentine-born French painter and sculptor

04 Victor Paul Skrebneski (90, 1929) fotógrafo estadounidense / American photographer

03 Yūtokutaishi Akiyama [秋山 祐徳太子] (85, 1935) grabador y fotógrafo japonés /

     Japanese engraver and photographer

02 Zdeněk Přikryl (91, 1928) escultor checo / Czech sculptor

02 Juan Antonio Giménez López (76, 1943) caricaturista argentino / Argentine cartoonist

02 Jacques Yankel [Jakob Kikoïne] (99, 1920) artista francés / French artist

01 Gérard Mannoni (92, 1928) escultor francés / French sculptor

01 Floris Michael Neusüss (83, 1937) fotógrafo alemán / German photographer

Marzo / March

31 Tomas Krister Oneborg (62, 1958) fotógrafo sueco / Swedish photographer

30 Dr. Evermor (Thomas Every) (81, 1938) escultor y artista del metal estadounidense /

     American sculptor and metal artist

29 Valeer Peirsman (86, 1932) escultor belga / Belgian sculptor

28 Denise Millet (86, 1933) artista de comic francés / French comic book artist

27 Daniel Azulay (72, 1947) artista de comic y caricaturista brasileño /

     Brazilian comic book artist and cartoonist

26 Walter Wegmüller (83, 1937) pintor y músico suizo / Swiss painter and musician

26 Satish Gujral (94, 1925) pintor, escultor, muralista y escritor indio /

    Indian painter, sculptor, muralist and writer

25 Pierre Lagénie (81, 1938) escultor francés / French sculptor

25 Nemai Ghosh (85, 1934) fotógrafo indio / Indian photographer

25 Edman Ayvazyan (Էդման Այվազյան, ادمان آیوازیان‎) (87, 1932) pintor iraní-armenio /

    Iranian-Armenian painter

24 Alberto Aleandro Uderzo (92, 1927) artista de comic francés / French comic artist

24 Juan Manuel Padrón Blanco (73, 1947) director de animación y artista de comic cubano /

     Cuban animation director and comics artist

23 Idelle Lois Weber (nac. Tessie Pasternack) (88, 1932) artista estadounidense / American artist

23 Paul Karslake (61, 1958) pintor británico / British painter

22 Pasquale Russo Maresca (51, 1968) pintor italiano / Italian painter

21 Giovanni Blandino (83, 1938) escultor y pintor italiano / Italian sculptor and painter

20 Giovanni Romanini (74, 1945) artista de comic y caricaturista italiano / Italian comics artist and cartoonist

19 François Dermaut (70, 1949) artista de comic francés / French comic book artist

19 Román Arámbula (83, 1936) artista de tiras cómicas y animador / Mexican comic strip artist and animator

18 Henri Richelet (75, 1944) pintor francés / French painter

18 Erwin Drèze (59, 1960) artista de comic belga / Belgian comic book artist

15 Wolf Kahn (92, 1927) pintor estadounidense nacido en Alemania / German-born, American artist

15 Manfred Feiler (94, 1925) pintor e ilustrador alemán / German painter and illustrator

Manfred Feiler. Foto / Photo: Blick

"Sizilianische Küste / Costa siciliana / Sicilian Coast"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50,5 x 60 cm., c.1975. Invaluable

14 René Follet "Ref" (88, 1931) ilustrador, escritor de comic y artista belga /

    Belgian illustrator, comics writer and artist

10 John Seward Johnson II (89, 1930) escultor y empresario artístico estadounidense /

    American sculptor and art impresario

09 Allen Bellman (95, 1924) artista de comic estadounidense / American comic book artist

07 Nelson Leirner (88, 1932) artista visual brasileño / Brazilian visual artist

05 Susanna Majuri (41, 1978) fotógrafa artística danesa / Finnish fine art photographer

05 André Chéret (82, 1937) artista de comic francés / French comic artist

04 Frank McLaughlin (84, 1935) artista de comic estadounidense / American comic artist

04 Helen Courtney (67, 1952) caricaturista e ilustradora neozelandesa /

     New Zealand cartoonist and illustrator

02 Suat Yalaz (88, 1932) artista de comic turco / Turkish comic artist

02 Elizabeth Nelson Adams (79, 1941) artista visual, poeta, comisionada de artes, directora de casting estadounidense /

    American visual artist, poet, writer, arts commissioner, and film casting director

01 Ulay (Frank Uwe Laysiepen) (76, 1943) artista de performance alemán / German performance artist

Febrero / February

28 Emmanuel Debarre (71, 1948) escultor francés / French sculptor
28 Simon Posthuma (81, 1939) artista y músico holandés / Dutch artist and musician
25 Lívia Rusz (89, 1930) artista gráfica rumano-húngara / Romanian-Hungarian graphic artist
22 James Brown (68, 1951) pintor estadounidense / American painter
22 Jacques Houplain (99, 1920) pintor y grabador francés / French painter and engraver
21 Stanislav Dvorský (79, 1940) poeta y diseñador gráfico checo / Czech poet and graphic designer
20 Sadhu Aliyur  (സദു അലിയൂർ) (57, 1963) acuarelista indio / Indian watercolorist
20 Peter Dreher (87, 1932) pintor alemán / German painter
19 Anatoly Andreyevich Bichukov (Анато́лий Андре́евич Бичуко́в) (85, 1934) escultor ruso /
     Russian sculptor
19 Gust (Gustave) Graas (95, 1924) pintor y hombre de negocios luxemburgués /
     Luxembourgian painter and businessman
19 Jack Youngerman (93, 1926) artista estadounidense / American artist

Jack Youngerman

"Rojo Azul / Red Blue", aguada sobre papel / gouache on paper, 1961. Joan T. Washburn Gallery

Artista, Foto / Artist, Photo: 1971. Jack Robinson/Condé Nast, via Getty Images. NY Times

16 John Arthur Liebenberg (61, 1958) fotoperiodista sudafricano / South African photojournalist
16 Manuel Arenas (70, 1949) escultor español / Spanish sculptor
14 Adama Kouyaté (92, 1928) fotógrafo de Mali / Malian photographer
10 Claire Bretécher (79, 1640) historietista francesa / French comic artist
09 Enrique Marin (84, 1935) pintor y escultor francés nacido en España /
     Spanish-born French painter and sculptor
08 Jacques Cuinières (77, 1943) fotógrafo y periodista francés / French journalist and photographer
08 Robert Massin (94, 1925) diseñador gráfico francés / French graphic designer
07 James McGarrell (89, 1930) pintor estadounidense / American painter
07 Wichie Torres (67, 1952) pintor portorriqueño / Puerto Rican painter
06 Peter Rockwell (83, 1936) escultor estadounidense / American sculptor
05 Irwin Kremen (94, 1925) artista estadouniense / American artist
05 Beverly Pepper (nac./ nee Stoll) (97, 1922) escultora estadounidense / American sculptor
04 Bonnie MacLean Graham (80, 1939) artista de pósters estadounidense / American poster artist
04 Zwy Milshtein (85, 1934) pintor francés nacido en Rumanía / Romanian-born French painter

Enero / January

30 Staša Fleischmannová (Stanislava Jílovská) (100, 1919) fotógrafa checa / Czech photographer
30 William George Mitchell (94, 1925) escultor, artista y diseñador inglés /
     English sculptor, artist and designer
28 Alejandro Casares Mora (78, 1942) pintor uruguayo / Uruguayan painter
28 Henri "Hergo" Godineau (68, 1951) fotógrafo francés / French photographer
27 James Houra (67, 1952) pintor marfileño / Ivorian painter
27 Jason Daniel Polan (37, 1982) artista estadounidense / American artist
26 Santu Mofokeng (Mofokengâ) (64, 1956) fotógrafo sudafricano / South African photographer
25 Lorenzo Ghiglieri (88, 1931) pintor y escultor estadounidense / American painter and sculptor
25 Denis Rivière (75, 1945) pintor francés / French painter
25 Ben-Hur Gorospe Villanueva (81, 1938) escultor, pintor, educador, profesor y empresario filipino /
     Filipino sculptor, painter, educator, lecturer, and art entrepreneur
24 Robert Wesley "Wes" Wilson (84, 1937) artista y diseñador de pósters estadounidense /
     American artist and poster designer
23 Barbara Remington (90, 1929) artista e ilustradora estadounidense / American artist and illustrator
21 Ronald "Ron" Senungetuk (87, 1933) artista iñupiaq nacido en Alaska /
     Iñupiaq artist born in Alaska

Ronald "Ron" Senungetuk. Foto / Photo: Alchetron

"Reno I / Reindeer I", escultura tallada y pintada sobre panel de arce /

carved and painted sculpture on maple panel, 1993

University of Alaska, Museum of the North (Fairbanks, Alaska, EE.UU./ USA). Link

20 Helma Holthausen-Krüll (103, 1916) pintora alemana / German painter
19 Jarosław Furgała (100, 1919) escultor polaco / Polish sculptor
19 Ikkō Narahara (奈良原 一高) (88, 1931) fotógrafo japonés / Japanese photographer
18 Gordon Appelbe Smith (100, 1919) artista canadiense nacido en Inglaterra /
     English-born Canadian artist
17 Oswald Oberhuber (88, 1931) pintor, escultor y artista gráfico austríaco /
     Austrian painter, sculptor, and graphic artist
13 André Lufwa Mawidi (94, 1925) escultor congolés / Congolese sculptor
06 Akbar Padamsee (91, 1928) pintor indio / Indian painter
05 Walter Deliotti Cedrés (94, 1925) pintor y muralista uruguayo / Uruguayan painter and muralist
02 John Anthony Baldessari (88, 1931) artista conceptual estadounidense / American conceptual artist
02 Bogusław Polch (78, 1941) artista de comic polaco / Polish comic artist

Nueve años / Nine Years

December 31, 2020, 10:02 am

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Entramos ya en el décimo año del blog.

En un 2020 que dejará un recuerdo bastante amargo en casi todos, he seguido adelante con este proyecto de difusión artística al que tengo tanto cariño, más si cabe teniendo en cuenta el papel que los artistas han desempeñado ayudándonos, con el producto de su creatividad y buen hacer, a sobrellevar los momentos más crudos de la pandemia.

Los agradecimientos son los de cada año: a todos quienes siguen y/o visitan ocasionalmente el blog, a los amigos que colaboran con material, propuestas e ideas, a Mafa Alborés, a Olga Cabrinety, a Shirley Rebuffo, cuyo trabajo de difusión de la cultura artística en general, y la uruguaya en particular, nos ha dejado en esta temporada una gran cantidad de imágenes, información y entrevistas a importantes creadores, abundantes aportes en las series que prepara y en las que colabora, y una inagotable colección de sugerencias que poco a poco vamos incorporando en las publicaciones, y por supuesto a todos los artistas, con cuya sensibilidad y fuerza expresiva construyen el inagotable patrimonio de belleza, originalidad y fuente inspiradora que representa la creación artística.

Espero y deseo a todos un año mejor, lo cual probablemente no será demasiado difícil teniendo en cuenta de donde venimos, aunque las secuelas de lo que hemos pasado tardarán en diluirse. En todo caso, espero seguir aportando la cuota que me he asignado en forma de búsqueda, recopilación, organización, presentación y difusión de imágenes, textos y videos, para el enriquecimiento y disfrute intelectual, sensorial y espiritual de todos los amantes del arte en todas sus formas.

Un gran abrazo a todos.

Javier Fuentes.

We are now entering the tenth year of the blog.

In a 2020 that will leave a rather bitter memory in almost everyone, I have continued with this project of artistic diffusion to which I have so much affection, more if it is possible considering the role that the artists have played helping us, with the product of their creativity and good work, to overcome the crudest moments of the pandemic.

The thanks are those of every year: to all those who follow and/or visit the blog occasionally, to the friends who collaborate with material, proposals and ideas, to Mafa Alborés, to Olga Cabrinety, to Shirley Rebuffo, whose work of diffusion of the artistic culture in general, and the Uruguayan one in particular, has left us in this season a great amount of images, information, and interviews to important creators, abundant contributions to the series that she prepares and in which she collaborates, and an inexhaustible collection of suggestions that we are gradually incorporating into our publications, and of course to all the artists, with whose sensitivity and expressive force they build the inexhaustible heritage of beauty, originality and inspirational source that artistic creation represents.

I hope and wish everyone a better year, which probably won't be too difficult considering where we come from, although the consequences of what we have been through will take time to fade away. In any case, I hope to continue contributing with the quota I have assigned myself in the form of research, compilation, organization, presentation and diffusion of images, texts and videos, for the intellectual, sensory and spiritual enrichment and enjoyment of all art lovers.

A big hug to everyone.

Javier Fuentes.

_______________________________________

Estos son los artistas que me han autorizado, directamente o a través de sus representantes, a publicar sobre sus creaciones durante este año /

These are the artists who have authorized me, directly or through their representatives, to publish about their creations during this year.

  
Anton Smit (escultura)     Gus (fotografía, fotomanipulación)   Gary Stinton (pintura)

  

Mabel Lemonnier (pintura)     Gaynor Ostinelli (cerámica)     Paul Priest (cerámica)

  

Octavio Podestá (escultura)    Gerardo Mantero (pintura, a.gráficas)    Fernando Casas (pintura, dibujo, grabado)

  

Alejandro DeCinti (pintura)  Karsten Creightney (pintura, collage, mixtas)  Kathy Ruttenberg (cerámica, escultura)

   

Lynn Lieberman (GothamToGo)   Emeka Abiodun Juwah (pintura)   John Moore (grabado, pastel)

   

Tom Palmore (pintura)   Jeffrey Chong Wang (pintura)  Agnieszka Nienartowicz (pintura)

  

Richard Texier (escultura)   Josh Dorman (pintura, collage)  Ruben Cano Tetti (cerámica)

  

Kevin Sloan (pintura)     Annalisa Cerio (pintura)      Vera Sienra (pintura, ilustración)

  

Daniel Dratewka (pintura)   Markus Åkesson (pintura)  Mafa Alborés (profesor, artista multimedia)

   

Néstor Plada (pintura)   Volker Hermes (fotomanipulación)   Gonzho (pintura)

  

Marcos Martínez (collage)  Emanuele Dascanio (pintura, dibujo)  Eric Bénier-Bürckel (fotografía)

    

Christina Bothwell (vidrio, cerámica)   Arantzazu Martínez (pintura)   Lilian Rosales (pintura, dibujo)

   

Yulia Brodskaya (arte con papel)  Marcelo Puglia (fotografía)  Cris Alzualde (pintura, dibujo)

   

Catherine Abel (pintura)       Carlos Conti (pintura)       Peter Coulson (fotografía)

   

Inga Šimonytė-Deniz (acuarela)  Damian Elwes (pintura)   Pilar González (pintura, dibujo)

  

Joan Coderch (escultura)       Javier Malavia (escultura)       Juan Muñoz (escultura)

_______________________________________________________

Aquí las listas de artistas de los años anteriores / Here the lists of artists for previous years

2012 - 2013 - 2014 - 2015 - 2016 - 2017 - 2018 - 2019

Yulia Artemyeva [Fotografía / Photography]

January 18, 2021, 12:36 am

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Iniciamos esta décima temporada con los trabajos de la fotógrafa rusa Yulia Artemyeva, y su serie basada en el paralelismo morfológico entre flores y bailarinas, una analogía tratada más de una vez, pero que Yulia plasma con innegable belleza en esta colección de imágenes en blanco y negro. Echamos también un vistazo a algunos de sus otros proyectos fotográficos.

We begin this tenth season with the works of the Russian photographer Yulia Artemyeva, and her series based on the morphological parallelism between flowers and ballerinas, an analogy treated more than once, but which Yulia captures with undeniable beauty in this collection of black and white images. We also take a look at some of her other photographic projects.

___________________________________________________

Yulia Sergeevna Artemyeva

Юлия Сергеевна Артемьева

(Горький [Ни́жний Но́вгород], Россия /

Gorky [Nizhny Novgorod], Rusia / Russia, 1983-)

Yulia Artemyeva es una artista de la fotografía nacida y criada en Rusia. Se licenció en Economía en 2006. En 2010 recibió una calificación en Fotografía Artística de la Academia de Colaboración Internacional de Moscú.

En 2015 recibió el título de Artista de Excelencia de la FIAP (EFIAP) de la Federación Internacional de Arte Fotográfico (FIAP, Francia).

Sus obras han sido expuestas en exposiciones colectivas en toda Europa, América del Norte y del Sur y Asia.

Балерина и цветы

Bailarina y flores / Ballerina and Flowers

"Балерина и цветы / Bailarina y flores / Ballerina and Flowers"

© Yulia Artemyeva / Артемьева Юлия Сергеевна

"Балерина и цветы / Bailarina y flores / Ballerina and Flowers"

© Yulia Artemyeva / Артемьева Юлия Сергеевна

«Siempre me ha gustado dibujar y tenía un don para la creatividad. Tomé lecciones con una conocida artista (Elena Sukhoveeva), aunque mi trabajo estaba relacionado con la analítica en una gran empresa. Pero la vida altera nuestros planes, y a veces definitivamente a mejor. Mi complicado embarazo cambió mi vida. Tuve que dejar mi trabajo como economista por razones de salud. En ese momento mi marido me regaló mi primera cámara sencilla, y empecé a estudiarla y a tomar fotos. Desde entonces la fotografía me ha absorbido. Es mi pasión, mi amor, lo que me impulsa.»

"Балерина и цветы / Bailarina y flores / Ballerina and Flowers"

© Yulia Artemyeva / Артемьева Юлия Сергеевна

"Балерина и цветы / Bailarina y flores / Ballerina and Flowers"

© Yulia Artemyeva / Артемьева Юлия Сергеевна

«Antes de trabajar en el género de la investigación social, había recorrido un largo camino en el arte fotográfico, creando intencionadamente complicadas composiciones multicapa en Photoshop, y luego en fotografía callejera, incluyendo el uso de cámaras de cine. 

La investigación social basada en la conexión inquebrantable entre el modelo y su entorno social natural, escenificada, pero con retoques mínimos y conscientes, se ha convertido en una especie de media dorada entre estos dos vectores.

Para mí la fotografía es una forma de investigar la psicología humana en su relación con el medio ambiente. Definiría mi área de trabajo como Retrato Socio-Psicológico.»

"Балерина и цветы / Bailarina y flores / Ballerina and Flowers"

© Yulia Artemyeva / Артемьева Юлия Сергеевна

"Балерина и цветы / Bailarina y flores / Ballerina and Flowers"

© Yulia Artemyeva / Артемьева Юлия Сергеевна

«A través de la fotografía me esfuerzo por encontrar un elemento de singularidad en lo cotidiano y lo familiar. Cada una de mis tomas se convierte en una caza fotográfica: estudiando los fenómenos de la vida cotidiana a través de la forma y el color, ofrezco mi propia interpretación, a veces en forma de abstracción, para lograr el reflejo más exacto del componente emocional de la realidad.

En mis proyectos fotográficos exploro el proceso de la interacción humana con el espacio. Me preocupa el tema del espacio que da lugar a la utopía, la ilusión y la quimera. En mis proyectos considero la realidad de estas ilusiones y fantasías, creando sus proyecciones en el espacio moderno.»

"Балерина и цветы / Bailarina y flores / Ballerina and Flowers"

© Yulia Artemyeva / Артемьева Юлия Сергеевна

"Балерина и цветы / Bailarina y flores / Ballerina and Flowers"

© Yulia Artemyeva / Артемьева Юлия Сергеевна

"Балерина и цветы / Bailarina y flores"

«La asimilación de una mujer a una flor es uno de los motivos tradicionales de la cultura europea y asiática. En este proyecto fotográfico este acercamiento se lleva a lo absoluto con la ayuda de la mímesis visual, una repetición casi literal de la forma de una flor con un gesto.

La elección de la bailarina como figura central de la sesión es metafísica: la feminidad como ideal sólo puede ser captada en la imaginación o en la encarnación artística. Al mismo tiempo, el campo conceptual de la feminidad es grande y ambiguo. La imagen de una bailarina puede interpretarse como una manifestación del mundo superior, cercana a un hada y a un genio, o puede ser erotizada y reducida. Sin embargo el uso icónico constante de dos imágenes tradicionales acerca la fotografía al lenguaje, como en la escritura jeroglífica, donde cada signo posterior aclara el anterior. Así pues cada par de fotos debe considerarse como un único mensaje, donde las asociaciones para una flor en este microorden visual cortan o aclaran algunos de los significados que surgen en la percepción del espectador en relación con cada una de las imágenes de la bailarina: su pose, sus gestos, la solución tonal de la foto, etc...»

"Балерина и цветы / Bailarina y flores / Ballerina and Flowers"

© Yulia Artemyeva / Артемьева Юлия Сергеевна

«La femineidad irrumpe del mundo ideal al mundo físico en gesto, palabra, signo. Y si la cámara captura el gesto de la sacerdotisa-artista casi pasivamente, entonces la elección del ángulo para fotografiar la belleza natural para que se convierta en un artefacto requiere importantes esfuerzos heurísticos del artista-fotógrafo. El gesto de la bailarina, fugaz en la realidad, resulta ser tan duradero como el escorzo de una flor, que, sin la atención de la cámara, podría no ser detectado.»

"Балерина и цветы / Bailarina y flores / Ballerina and Flowers"

© Yulia Artemyeva / Артемьева Юлия Сергеевна

"Балерина и цветы / Bailarina y flores / Ballerina and Flowers"

© Yulia Artemyeva / Артемьева Юлия Сергеевна

Yulia Artemyeva is a photoartist born and raised in Russia. She completed a degree in Economics in 2006. In 2010, she was awarded a qualification in Art Photography by the Academy of International Collaboration in Moscow.

In 2015, she received the title of Excellence Artist of FIAP (EFIAP) from The International Federation of Photographic Art (FIAP, France).

Her works have been exhibited at group exhibitions throughout Europe, North and South America and Asia.

"Балерина и цветы / Bailarina y flores / Ballerina and Flowers"

© Yulia Artemyeva / Артемьева Юлия Сергеевна

"Балерина и цветы / Bailarina y flores / Ballerina and Flowers"

© Yulia Artemyeva / Артемьева Юлия Сергеевна

«I’ve always loved drawing and had a knack for creativity. I used to take lessons from a well-known artist (Elena Sukhoveeva), though my job was connected with analytics in a big company. But life alters our plans, and sometimes definitely to the better. My complicated pregnancy changed my life. I had to leave my job as an economist because of health reasons. At that moment my husband gave me my first simple camera, and I started to study it and take photos. Since then I’ve been swallowed up by photography. It’s my passion, my love, my drive.»

"Балерина и цветы / Bailarina y flores / Ballerina and Flowers"

© Yulia Artemyeva / Артемьева Юлия Сергеевна

"Балерина и цветы / Bailarina y flores / Ballerina and Flowers"

© Yulia Artemyeva / Артемьева Юлия Сергеевна

«Before I came to work in the genre of social investigation, I had gone a huge way in Photographic Art, intentionally creating complicated multi-layer compositions in Photoshop, then in Street Photography, including using film cameras. 

Social investigation based on the unbreakable connection between the model and his or her natural social environment, staged but with minimal, conscious retouching, has become a sort of golden mean between these two vectors.

Now to me, Photography is a way of investigating human psychology in its relation to living environment. I would define my area of work as Socio-Psychological Portraiture.»

Otros proyectos / Other Projects

"Якорь / Ancla / Anchor"© Yulia Artemyeva / Артемьева Юлия Сергеевна

"Якорь / Ancla / Anchor"© Yulia Artemyeva / Артемьева Юлия Сергеевна

«Through photography, I strive to find an element of uniqueness in the everyday and the familiar. Each of my shooting turns into a photo hunt: studying the phenomena of everyday life through form and color, I offer my own interpretation, sometimes in the form of an abstraction, for the most accurate reflection of the emotional component of reality.

In my photo projects, I explore the process of human interaction with space. I am concerned with the theme of the place that gave rise to utopia, illusion and chimera. In my projects, I consider the reality of these illusions and fantasies, creating their projections in modern space.»

"Хранитель / The Keeper"© Yulia Artemyeva / Артемьева Юлия Сергеевна

Iósif Stalin en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All Links]

"Хранитель / The Keeper"© Yulia Artemyeva / Артемьева Юлия Сергеевна

"Балерина и цветы / Ballerina and Flowers"

«Assimilation of a woman to a flower is one of the traditional motives of both European and Asian culture. In this photo project, this rapprochement is brought to the absolute with the help of visual mimesis, an almost literal repetition of the shape of a flower with a gesture.

The choice of the ballerina as the central figure of the shooting is metaphysical: femininity as an ideal can only be captured in imagination or artistic embodiment. At the same time, the conceptual field of femininity is large and ambiguous. The image of a dancer can be interpreted as a manifestation of the higher world, close to a fairy and a genius, or it can be eroticized and reduced. However, the consistent iconic use of two traditional images brings photography closer to language, hieroglyphic writing, where each subsequent sign clarifies the previous one. So, each pair of photos should be considered as a single message, where associations for a flower in this visual micro-order cut off or clarify some of the meanings that arise in the viewer's perception in connection with each of the ballerina's images: her pose, gestures, tonal solution of the photo, etc. ...»

"Одна душа на двоих / Un alma en dos cuerpos / A Soul on Two Bodies"

© Yulia Artemyeva / Артемьева Юлия Сергеевна

"Одна душа на двоих / Un alma en dos cuerpos / A Soul on Two Bodies"

© Yulia Artemyeva / Артемьева Юлия Сергеевна

«Femininity breaks out from the ideal world into the physical world in gesture, word, sign. And if the camera captures the gesture of the priestess-artist almost passively, then the choice of the angle for shooting natural beauty so that it turns into an artifact requires significant heuristic efforts from the artist-photographer. The ballerina's gesture, fleeting in reality, turns out to be as durable as the foreshortening of a flower, which, without the attention of the camera, could have remained undetected.»

"Обнуление / Cero / Zero"© Yulia Artemyeva / Артемьева Юлия Сергеевна

"Обнуление / Cero / Zero"© Yulia Artemyeva / Артемьева Юлия Сергеевна

Fuentes / Sources:

* Website

* "Un alma en dos cuerpos / One Soul on Two Bodies"

Dodho Magazine, Edición / Issue 03, Enero / January, 2017

* Artículo y entrevista en / Article and Interview inBored Panda, 3/2019

Más sobre / More about Yulia Artemyeva: Website, Instagram

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Yulia!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Yulia!)

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Pintando esculturas / Painting Sculptures (I)

January 20, 2021, 6:08 am

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Nueva serie dedicada a la pintura de estatuas, tallas, piezas y grupos escultóricos, reales o imaginados por los artistas. Acompaño cada trabajo, cuando es posible, con la obra original o referencias para ubicarla.

Al final del post, datos biográficos de los artistas de nueva incorporación a la colección del blog.

New series dedicated to the painting of statues, carvings, pieces and sculptural groups, real or imagined by the artists. I accompany each one, when possible, with the original work or references to locate it.

At the end of the post, biographical data of the artists newly incorporated to the blog's collection.

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Steve Hanks

(San Diego, California, EE.UU./ CA, USA, 1949 - 2015)

"Los pensadores / The Thinkers", acuarela / watercolor. Link

"El pensador", de Rodin, ya fue publicado en el blog aquí /

"The Thinker" by Rodin was already posted in this blog here: [Arte y Humor (XII)]

Rodin en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All Links]

"Protección de la lluvia / Protection From The Rain", acuarela / watercolor. Link

Steve Hanks en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (CLXVI-2)]

Ettore Ferrari

(Roma, Italia / Rome, Italy, 1845 - 1929)

"Il Leone di San Marco ruggente / El león de San Marcos rugiendo /

The Lion of San Marco Roaring", bronce / bronze, 1887

Monumento a Víctor Emanuel II situado en la Riva degli Schiavoni, Venecia, Italia /

Monument of Vttorio Emmanuele II located on the Riva degli Schiavoni, Venice, Italy

Foto / Photo: Didier Descouens. Wikimedia Commons

Wikipedia

"Monumento a Victor Emanuel II / Monument to Vittorio Emmanuele II"

Riva degli Schiavoni (Venezia / Venecia, Italia / Venice, Italy)

Foto / Photo: Kaz Ish. Wikimedia Commons

"Estatua ecuestre de Víctor Emanuel II / Equestrian Statue of Vittorio Emmanuele II"

Foto / Photo: Zlatomir Bacic. Wikimedia Commons

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Yuri Ivanovich Piménov "Georgy"

Юрий Иванович Пименов

(Москва́, Российская Империя / Moscú, Imperio Ruso /

Moscow, Russian Empire, 1903 - 1977)

"El estudio del escultor / The Sculptor's Studio"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 45 x 45 cm., 1974. Sotheby's

Yuri Piménov en "El Hurgador" / in this blog: [Ventanas (II)]

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Francis O'Toole

(Dublín, Irlanda / Ireland)

"Busto femenino / Female Bust", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 2008-9. Website

Julie Tang

Estudiante de / Student of Angel Academy of Arts

"Venus", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 70 x 50 cm. facebook

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Eva Fredrika Bonnier

(Estocolmo, Suecia / Stockholm, Sweden, 1857 -

København / Copenhague, Dinamarca / Copenhagen, 1909)

"Ateljéinteriör i Paris / interior de un estudio en París / Interior of a Studio in Paris"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 41 x 32 cm., 1886. 

Mostrando una escultura de un niño en su estudio de la calle Humboldt en Montparnasse /

Showing a sculpture of a young boy in her studio on Rue Humboldt in Montparnasse

Nationalmuseum (Estocolmo, Suecia / Stockholm, Sweden). Wikipedia

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Phil Carrero

(Buenos Aires, Argentina)

en Currans Hill, Nueva Gales del Sur / at Currans Hill, NSW, Australia

"Trevi. Tritón derecho / Trevi. Right Triton"

Óleo sobre lienzo panel / oil on canvas board, 91,5 x 61 cm. Philip C. Carrero Fine Art

"Fontana di Trevi". Wikimedia Commons

Abundancia y Tritón domando a un hipocampo / Abundance and Triton taming hippocamp

Wikipedia

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Caesar Boëtius van Everdingen

(Alkmaar, Holanda / Netherlands, c.1616/17 - 1678)

"Trampantojo con un busto de Venus / Trompe l'oeil with a bust of Venus"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 74 x 60,8 cm., 1665.

Koninklijk Kabinet van Schilderijen Mauritshuis

(Den Haag / La Haya, Holanda / The Hague, Netherlands). Europeana. Wikimedia Commons

Caesar van Everdingen en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (CLXIII-2)]

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Christen Schiellerup Købke

(København / Copenhague, Dinamarca / Copenhagen, Denmark, 1810 - 1848)

"Parti af Afstøbningssamlingen på Charlottenborg /

Vista de la colección de esculturas en yeso en el palacio Charlottenborg /

The View of the Plaster Cast Collection at Charlottenborg Palace"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 41,5 x 36 cm., 1830(9)

Den Hirschsprungske Samling / Colección / Collection Hirschsprung (Dinamarca / Denmark)

Christen Købke en "El Hurgador" / in this blog: [Wilhelm Bendz (Pintura)], [Arte y humor (XVI, Anexo)]

"Lápite luchando con un centauro / Lapith Fighting a Centaur"

Metopa sur 27, Partenón, c.447-433 a.C. / South Metope 27, Parthenon, ca. 447–433 BC.

Diseñada por Fidias / Designed by Phidias (Atenas, Grecia / Athens, Greece)

Museo Británico / British Museum (Londres, Reino Unido / London, UK).

Foto / Photo: Marie-Lan Nguyen. Wikimedia Commons

"Lliso / Llisos", mármol / marble, 81,28 x 188 x 56 cm., 438 - 432 a.C./ BC

Estatua del frontón occidental del Partenón / Statue from the West pediment of the Parthenon

Diseñada por Fidias / Designed by Phidias (Atenas, Grecia / Athens, Greece)

Museo Británico / British Museum(Londres, Reino Unido / London, UK)

© The Trustees of the British Museum

"Pólux / Pollux", yeso / plaster, altura / height: 129,7 cm., 170 - 180 d.C

De una antigua estatua romana / From antique Roman statue

Thorvadsens Museum (Copenhague, Dinamarca / Copenhagen, Denmark)

"Relieve arcaico con tríada apolínea / Archaistic Relief With Apollonian Triad"

Mármol / marble, 76 x 98 x 12 cm., 30 - 20 a.C./ BC

Altes Museum (Berlín, Alemania / Germany)

Foto / Photo: Richard Mortel, Flickr

Leto, Artemisa y Apolo, moviéndose en procesión hacia la puerta de un templo. Apolo con la citara en el hombro y sosteniendo un phiale ante una Victoria que vierte vino en él. Un muro cierra la escena. Detrás un árbol y un magnífico templo con columnas corintias. El frontón, el doble friso decorado con animales y cruces gamadas, la acrótera, las tejas y otros elementos de techo están labradas con alta exactitud. Bajorrelieve de mármol romano. 20-30 a.C. Berlín, Altes Museum. Fuente

Leto, Artemis and Apollo, moving in procession towards the door of a temple. Apollo with the citara on his shoulder and holding a phiale before a Victoria pouring wine into it. A wall closes the scene. Behind a tree and a magnificent temple with Corinthian columns. The pediment, the double frieze decorated with animals and swastika, the acrotra, the tiles and other ceiling elements are carved with high precision. Roman marble bas-relief. 20-30 BC Berlin, Altes Museum. Source

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Johan Julius Exner

(København / Copenhague, Dinamarca / Copenhagen, Denmark, 1825 - 1910)

"Fra Kunstakademiets figursal / La colección de esculturas en yeso en la Real Academia de Bellas Artes /

The Plaster Cast Collection in the Royal Academy of Fine Arts"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 49,5 cm., 1843.

Statens Museum for Kunst (København / Copenhague, Dinamarca / Copenhagen, Denmark)

Albert Bertel Thorvaldsen

(København / Copenhague, Dinamarca / Copenhagen, Denmark, 1770 - 1844)

"Engel / Ángel / Angel", yeso / plaster, altura / height: 147,5 cm., 1830

Thorvadsens Museum (Copenhague, Dinamarca / Copenhagen, Denmark)

"Sabiduria celestial / Heavenly Wisdom", yeso / plaster, altura / height: 290,5 cm., 1825

Thorvadsens Museum (Copenhague, Dinamarca / Copenhagen, Denmark)

"Sabiduria celestial / Heavenly Wisdom", MediaWiki

Bertel Thordvalsen en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (XLIV)], [Los leones en la escultura (I)]

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Albert Schneider

(Trier / Tréveris, Alemania / Germany, 1960-)

"David", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 180 x 140 cm., 2004. Link

"David" (detalle / detail)

Mármol blanco / white marble, altura / height: 517 cm., peso / weight: 5572 kg., 1501-04

Galería de la Academia (Florencia, Italia / Florence, Italy)

"David" de Miguel Ángel ya fue publicado en el blog aquí /

"David" by Michelangelo was already posten in this blog here: [Adam Lister (Las obras, anexo)]

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Los artistas / The Artists

Steve Hanks nació en una familia de militares en San Diego en 1949. Su padre era un aviador de la Marina de la Segunda Guerra Mundial altamente condecorado. Hanks creció jugando al tenis y al surf en las playas del sur de California. "El océano me causó una fuerte y duradera impresión. Era bueno para el alma estar en el agua, surfeando, nadando, o simplemente entrando en contacto con su misterioso poder."

La familia fue transferida a Nuevo México cuando Steve era joven. Después de la escuela secundaria asistió a la Academia de Bellas Artes en San Francisco, obteniendo excelentes notas en arte comercial y dibujo de figuras. Se pasó al Colegio de Artes y Oficios de California, donde se graduó con una licenciatura en Bellas Artes.

Aceptó un trabajo como cuidador en un campamento de Campfire Girl cerca de Cuba, Nuevo México en 1976. La paga era mínima, pero el alquiler era gratis, y durante los meses de invierno su tiempo era suyo. Durante los siguientes cuatro años y medio, Hanks experimentó con muchos medios: óleos, acuarelas, lápices, acrílicos. "Si no hubiera pasado tanto tiempo perfeccionando mis habilidades de dibujo - comenta - no sería el pintor que soy hoy". Su primera pieza romántica, "Margaritas y encaje", fue un presagio de su estilo en desarrollo, con un vestido de encaje y una serena puesta de sol.

Hanks llamó a su estilo "realismo emocional". A menudo deja los rostros de sus figuras oscurecidos o girados, no sólo para dejar el rostro a la imaginación del espectador, sino también para permitir que toda la figura exprese la emoción. La retroiluminación es también un elemento característico de su estilo. "La luz del sol se ha convertido en uno de mis temas favoritos. Me fascina cómo se filtra a través de las cosas, cómo inunda de color toda una habitación. A menudo mis pinturas son realmente más sobre la luz del sol que sobre cualquier otra cosa."

Su matrimonio con Laura y la llegada de tres hijos proporcionaron una nueva fuente d einspiración para el artista. Muchas escenas domésticas amorosamente representadas fueron añadidas al portafolio durante esos años.

Murió en 2015.

Fuente

Steve Hanks was born into a military family in San Diego in 1949. His father was a highly decorated WWII Navy flyer. Hanks grew up playing tennis and surfing along the beaches of Southern California. “The ocean made a strong and lasting impression on me. It was good for the soul to be out in the water—surfing, swimming, or simply getting in touch with its mysterious power.”

The family was transferred to New Mexico when Steve was a junior. After high school he attended the Academy of Fine Arts in San Francisco, earning excellent marks in commercial art and figure drawing. He transferred to the California College of Arts and Crafts, where he graduated with a Bachelor of Fine Arts degree.

Steve Hanks took a job as a caretaker at a Campfire Girl’s camp near Cuba, New Mexico in 1976. The pay was minimal, but the rent was free, and all during the winter months his time was his own. For the next four and a half years Hanks experimented with many media: oils, watercolor, pencil, acrylics. “If I hadn’t spent so much time perfecting my drawing skills,” he comments, “I would not be the painter I am today.” His first romantic piece, “Daisies and Lace”, was a harbinger of his developing style—it featured a lacy dress and a serene sunlit setting.

Hanks called his style ‘emotional realism’. He often leaves the faces of his figures obscured or turned away, not only to leave the face to the imagination of the viewer but also to allow the entire figure to express the emotion. Backlighting is also a signature element of his style. “Sunlight has become one of my favorite subjects. I’m fascinated by how it filters through things, how it floods a whole room with color. Often my paintings are really more about sunlight than anything else.”

His marriage to Laura and the arrival of three children provided new inspiration for the artist. Many lovingly rendered domestic scenes were added to the portfolio during those years.

He died in 2015.

Source

Ettore Ferrari fue un escultor italiano nacido en 1845 en Roma, en el seno de una familia artística (su padre era también pintor).

Fue uno de los miembros del renacimiento artístico en el estado secular nacido después de la Unificación Italiana. Durante mucho tiempo fue profesor de la Accademia di San Luca, diputado del Parlamento italiano y Gran Maestro del Gran Oriente de Italia, la principal logia masónica de Italia.

Ettore Ferrari y Pio Piacentini proporcionaron en 1884 los planos preliminares para la construcción del Monumento a Víctor Manuel II, que celebra a Víctor Manuel II de Italia (el primer rey de una Italia unida) y que también conmemora el "Risorgimento", la unificación italiana que siguió a la derrota militar y a la disolución del imperio temporal de los Estados Pontificios.

En 1887 creó una estatua de Ovidio para la ciudad de Constanţa, Rumania (la antigua Tomis, donde el poeta latino fue exiliado) y esta estatua fue duplicada en 1925 para Sulmona, el lugar de nacimiento de Ovidio. Otra obra importante es la estatua de bronce de Giuseppe Garibaldi, creada en 1892, situada en Pisa en la plaza del mismo nombre.

Ferrari también esculpió la estatua de Giordano Bruno en la plaza Campo de' Fiori en Roma.

Murió en 1929.

Wikipedia

Ettore Ferrari was an Italian sculptor born in 1845 in Rome to an artistic family (his father was also a painter).

He was one of the members of the artistic rebirth in the secular state born after the Italian Unification. For a long time, he was a professor at the Accademia di San Luca, a deputy in the Italian Parliament and Grand Master of the Grande Oriente d'Italia, the main Masonic body in Italy.

Ettore Ferrari and Pio Piacentini during 1884 provided the rough draft plans for construct the Victor Emmanuel II Monument that celebrates Victor Emmanuel II of Italy (the first king of a united Italy) and that also commemorates "Risorgimento", the Italian unification that followed the military defeat and dissolution of the temporal Papal States empire.

In 1887, Ferrari created a statue of Ovid for the city of Constanţa, Romania (the ancient Tomis, where the Latin poet was exiled) and this statue has been duplicated in 1925 for Sulmona, Ovid's birthplace. Another important work is the bronze statue of Giuseppe Garibaldi, created in 1892, located in Pisa in the square with the same name.

Ferrari also sculpted the statue of Giordano Bruno in Campo de' Fiori square in Rome.

He died in 1929.

Wikipedia

Francis O'Toole es un artista irlandés nacido en Dublín.

A los 17 años se vio envuelto en un accidente industrial que casi le cuesta la vida. Después de pasar más de un año entre el hospital y la rehabilitación, pasó varios años confundido sobre el camino a seguir en la vida. Un día, preocupada por él, su madre le sugirió que intentara pintar. Al principio a Francis le pareció una tontería, pero poco a poco comenzó a disfrutar de esta actividad. Comenzó trabajando a partir de lo que se le ocurría, y más tarde su padre le sugirió que mostrara algunos de sus trabajos en una exposición en Dublín. La obra de Francis comenzó a recibir mucha atención y entró en una galería de Greystones. Después de aquello hubo cierta demanda por su trabajo. Como Francis nunca había estudiado arte, trabajaba a un ritmo lento y no estaba satisfecho con los resultados. Fue en este momento que decidió estudiar técnicas de arte clásico en Florencia, Italia. Después de cuatro años de estudios intermitentes en Florencia, y también estudiando un tiempo con el maestro artista Odd nerdrum en Noruega, Francis regresó a Dublín donde trabaja a tiempo completo como artista y ha ganado una gran atención dentro del mundo del Arte, siendo coleccionando y exhibiendo internacionalmente, y obteniendo también varios premios altamente reconocidos.

Website

Francis O'Toole is an Irish artist born in Dublin.

At 17 Francis was involved in an industrial accident which very nearly claimed his life. After spending over a year in hospital and rehabilitation, Francis had a number of years confused about what path to take in life. One day out of concern for her son Francis’ mother suggested he try painting, at first Francis believe this to be silly, but slowly began to enjoy this activity. Initially working from his mind, after his father suggested he show some of his work at an exhibition around  Stephens Green in Dublin. Francis work began to receive a lot of attention and he entered a gallery Greystones. After this, there was some demand for his work. As Francis had never studied Art, he worked at a slow pace and was not satisfied with the results. It was at this time he then decided to study classical art techniques in Florence, Italy. After fours year intermittent study in Florence, and also studying with master artist Odd nerdrum in Norway for a period of time, Francis returned to Dublin where he is working full time as an artist and has gained a great amount of attention within the Art world, collected and exhibiting internationally also winning a number of highly recognized awards.

Website

Eva Fredrika Bonnier fue una pintora y filántropa sueca nacida en Estocolmo en 1957.

Nació en el seno de una destacada familia de editores fundada por su padre, Albert Bonnier, en 1837. Estudió pintura con August Malmström y fue alumna de la sección de mujeres de la Real Academia Sueca de las Artes en Estocolmo en 1878. Junto a otra estudiante y amiga, Hanna Hirsch, viajó a París en 1883, donde se instaló hasta 1889. 

Tras su regreso a Suecia en 1889, se mantuvo activa como pintora hasta aproximadamente el año 1900. La mayoría de sus obras consistían en retratos, como el de Lisen Bonnier, su cuñada; el industrialista convaleciente Hjalmar Lundbohm, el político Moritz Rubenson, el educador Carl Jonas Meijerberg o el poeta Oscar Levertin. Varias de sus obras se encuentran en el Museo Nacional de Estocolmo.

A partir de 1900 Bonnier dejó la pintura y se dedicó a la filantropía, gracias la riqueza que había heredado. Estableció una fundación para el embellecimiento de Estocolmo que en sus primeros años financió pinturas y esculturas para instituciones y lugares públicos, como la Biblioteca Nacional de Suecia o la Universidad de Estocolmo, además de varias escuelas de la ciudad. La fundación sigue activa.

Eva Bonnier sufría depresiones frecuentes y finalmente acabaría suicidándose en 1909.

Murió en 1909.

Wikipedia

Eva Fredrika Bonnier was a Swedish painter and philanthropist born in Stockholm in 1957.

She was born into a prominent publishing family founded by her father, Albert Bonnier, in 1837. She studied painting with August Malmström and was a student at the women's section of the Royal Swedish Academy of Arts in Stockholm in 1878. Together with another student and friend, Hanna Hirsch, she traveled to Paris in 1883, where she settled until 1889. 

After her return to Sweden in 1889, she remained active as a painter until approximately 1900. Most of her work consisted of portraits, such as that of Lisen Bonnier, her sister-in-law; the recovering industrialist Hjalmar Lundbohm; the politician Moritz Rubenson; the educator Carl Jonas Meijerberg; and the poet Oscar Levertin. Several of his works are in the National Museum in Stockholm.

From 1900 Bonnier left painting and devoted himself to philanthropy, thanks to the wealth he had inherited. He established a foundation for the beautification of Stockholm that in its early years financed paintings and sculptures for institutions and public places, such as the National Library of Sweden or the University of Stockholm, as well as several schools in the city. The foundation is still active.

Eva Bonnier suffered frequent depressions and finally ended up committing suicide in 1909.

She died in 1909.

Wikipedia

El artista de Currans Hill, Phil Carrero, comenzó como un impresionable joven de 16 años dibujando retratos al carboncillo por las calles de Buenos Aires. Se abrió camino desde el dibujo a la pintura y comenzó a vender sus obras por esa época.

Al llegar a Australia en 1973, a los 23 años, continuó sus estudios de arte y completó un aprendizaje artístico para familiarizarse con la pintura de retratos. Mientras tanto, durante casi diez años, produjo y vendió muchos retratos de barcos y marinas. Después de eso empezó a recibir alrededor de 12 encargos al año sólo de retratos. Ese es el punto en el que comenzó a ganarse la vida con la pintura, según cuenta.

Pinta en el estilo tradicional, realista ... de las escuelas inglesa e italiana. Sus retratos pueden asemejarse al estilo Grand Manner de los siglos XIX y XX en Inglaterra, y más tarde en Europa y el Nuevo Mundo.

Fuente

Currans Hill artist Phil Carrero started as an impressionable 16 year old drawing charcoal portraits through the streets of Buenos Aires. He worked his way up from drawing to painting and begun to sell his works around that time.

Coming to Australia in 1973 , at the age of 23, Mr Carrero continued his studies in Art and completed an art apprenticeship to get himself better acquainted with portraiture painting. Meanwhile, for almost ten years produced and sold many ship portraits and marine paintings. After that he begun getting around 12 commissions a year for just portraits. That’s the point when he begun to make a living out of painting, as he tells.

He paints in the Traditional, Realistic style … English and Italian schools. His portraits can resemble the Grand Manner style of the 19th and 20th centuries in England and later, Europe and the New World.

Source

Caesar Pietersz, o Caesar Boetius van Everdingen, hermano mayor de Allart van Everdingen y Jan van Everdingen, fue un pintor holandés de la Edad de Oro, de retratos y temas históricos, nacido en 1616/17 en Alkmaar.

Fue educado en Utrecht, donde aprendió a pintar con Jan Gerritsz van Bronckhorst. Caesar se convirtió en miembro del gremio de pintores de Alkmaar en 1632.

Su primer cuadro conocido data de 1636. En 1648 se trasladó a Haarlem, donde se unió al gremio de Haarlem de San Lucas y a la guardia cívica (o schutterij) de allí, donde conoció a Jacob van Campen. De 1648 a 1650 le ayudó con la decoración de la Oranje Zaal (sala naranja) en Huis ten Bosch. En 1658 se mudó de nuevo a Alkmaar, donde abrió un taller y se hizo cargo de los alumnos.

Muchos de sus cuadros se pueden ver en los museos y casas privadas de los Países Bajos, y varios de ellos están expuestos en el Museo Stedelijk de Alkmaar.

Murió en Alkmaar y fue enterrado en 1678.

Wikipedia

Caesar Pietersz, or Caesar Boetius van Everdingen, older brother of Allart van Everdingen and Jan van Everdingen, was a Dutch Golden Age portrait and history painter born in 1616/17 in Alkmaar.

He was educated in Utrecht, where he learned to paint from Jan Gerritsz van Bronckhorst. Caesar became a member of the painter's guild in Alkmaar in 1632.

His first known painting dates from 1636. In 1648 he moved to Haarlem, where he joined the Haarlem Guild of St. Luke and the civic guard (or schutterij) there, where he met Jacob van Campen. From 1648 to 1650 He helped him with the decoration of the Oranje Zaal (Orange room) in Huis ten Bosch. In 1658 he moved back to Alkmaar where he started a workshop and took on pupils.

Many of his pictures are to be seen in the museums and private houses of the Netherlands, with several on display at the Stedelijk Museum Alkmaar.

He died in Alkmaar, and was buried in 1678.

Wikipedia

Christen Schiellerup Købke fue un pintor danés nacido en 1810 en Copenhague, uno de los artistas más conocidos de la Edad de Oro de la pintura danesa.

En 1815 se mudó con su familia a Kastellet, un área de fortificación militar en Copenhague, donde su padre era jefe de panaderos. A los 11 años sufrió un ataque de fiebre reumática. Hizo muchos dibujos durante su convalecencia y decidió que se convertiría en artista.

En 1822 comenzó sus estudios en la Real Academia Danesa de Arte (Det Kongelige Danske Kunstakademi).

Vivió en Kastellet hasta 1833 y realizó muchas pinturas de la zona. En 1832 compartió estudio con su amigo, el pintor paisajista Frederik Hansen Sødring (1809-1862).

Como muchos otros artistas contemporáneos, recibió la influencia del historiador de arte Niels Lauritz Høyen (1798-1870), que promovió un arte nacionalista. En 1838 recibió un estipendio de viaje de la Academia y viajó a Italia, vía Dresde y Munich, acompañado por el pintor decorativo Georg Hilker (1807-1875). El verano siguiente viajó, junto con Constantin Hansen (1804-1880), a Nápoles, Sorrento, Pompeya y Capri, donde pintó al aire libre.

Regresó a casa en 1840 con una gran colección de bocetos para su posterior uso e inspiración. Desafortunadamente, la mayor parte de su trabajo posterior con estos temas italianos no fue inspirado, y no tuvieron buena recepción. Købke incluso consideró en su momento convertirse en decorador, habiendo participado en 1844-1845 en la decoración del Museo Thorvaldsen de Copenhague.

Dos años después de la muerte de su padre en 1843, la familia vendió la propiedad en las afueras de Copenhague, y Købke se mudó de nuevo a la ciudad. Su solicitud de admisión en la Academia, que iba acompañada de uno de sus fallidos paisajes italianos, fue rechazada en 1846.

Murió en 1848.

Wikipedia

Christen Schiellerup Købke was a Danish painter born in 1810 in Copenhagen, one of the best known artists from the Golden Age of Danish Painting.

In 1815 he moved with his family to Kastellet, a military fortification area in Copenhagen, where his father was head baker. At the age of 11 he suffered from a bout of rheumatic fever. He made many drawings during his convalescence and decided that he would become an artist.

In 1822 he started his studies at Royal Danish Academy of Art (Det Kongelige Danske Kunstakademi).

He lived in Kastellet until 1833 and made many paintings of the area. In 1832 he shared a studio with his friend, landscape painter Frederik Hansen Sødring (1809-1862).

Like many of his contemporary artists he came under the influence of art historian Niels Lauritz Høyen (1798-1870), who promoted a nationalistic art. In 1838 he received a travel stipend from the Academy, and traveled via Dresden and Munich to Italy accompanied by decorative painter Georg Hilker (1807–1875). He traveled, along with Constantin Hansen (1804-1880) the following summer to Naples, Sorrento, Pompeii and Capri where he painted out in the open air.

He returned home in 1840 with a large collection of sketches for later use and inspiration. Unfortunately, most of his later work with these Italian themes was uninspired, and they found little favor. Købke even considered at the time becoming a decorator, having participated in 1844-1845 in the decoration of the Thorvaldsen Museum in Copenhagen.

Two years after his father died in 1843, the family sold the property outside Copenhagen, and Købke moved back into the city. His application for admission to the Academy, which was accompanied by one of his failed Italian landscapes, was rejected in 1846.

He died in 1848.

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Johan Julius Exner fue un pintor de género danés, nacido en Copenhague en 1825.

Comenzó a estudiar en la Real Academia Danesa de Arte (Det Kongelige Danske Kunstakademi) en abril de 1839.

Exner originalmente tenía la intención de convertirse en un pintor de historia, pero sin embargo rápidamente encontró su nicho en la pintura de género, el estilo de pintura más popular y lucrativo de su época. Sus pinturas figuraron de manera prominente en el período romántico nacional de Dinamarca, un período artístico inmediatamente posterior a la Edad de Oro de la pintura danesa, en el que el enfoque artístico se centró en temas exclusivamente daneses.

Recibió un estipendio de dos años de la Academia (1857-1858) para un viaje de estudiantes a Italia, que le llevó también a Dresde, Viena, Suiza y París, además de las ciudades italianas de Venecia, Parma, Florencia, Nápoles y Roma. Viajó varias veces a Suecia entre 1863 y 1864, y en sus viajes por Dinamarca llegó al punto más septentrional de Jutlandia, Skagen, en 1867, el pueblo de pescadores que, una generación más tarde, acogería al grupo de artistas conocidos como los Pintores de Skagen.

En 1864 se convirtió en miembro de la Academia de Dinamarca, y en 1866 de la Academia de Estocolmo, Suecia. Fue nombrado profesor de la Academia Danesa en 1876.

Murió en 1910.

Wikipedia (English)

Johan Julius Exner was a Danish genre painter, born in Copenhagen in 1825.

He began to study at the Royal Danish Academy of Art (Det Kongelige Danske Kunstakademi) April 1839.

Exner originally intended on becoming a history painter, but quickly found his niche, however, in genre painting, the most popular and lucrative painting style of his era. His genre paintings figured prominently in Denmark's National Romantic period, an artistic period directly after the Golden Age of Danish Painting, when artistic focus was turned inwards to uniquely Danish themes.

He received a two-year travel stipend from the Academy (1857-1858) for a student travel to Italy, which took him also to Dresden, Vienna, Switzerland and Paris, in addition to the Italian cities of Venice, Parma, Florence, Naples and Rome. He traveled to Sweden several times between 1863-1864, and on his travels in Denmark he reached Jutland's northernmost point, Skagen, in 1867, the fishing village that, a generation later, would play host to the group of artists known as the Skagen Painters.

In 1864 he became a member of the Academy in Denmark, and in 1866 the Academy in Stockholm, Sweden. He was named Professor at the Danish Academy in 1876.

He died in 1910.

Wikipedia

Albert Schneider es un diseñador gráfico, ilustrador, pintor y dibujante alemán nacido en Tréveris en 1960.

Entre 1981 y 1986 cursó estudios de diseño de comunicación en la Universidad de Ciencias Aplicadas de Tréveris.

Respecto a su trabajo, Schneider comenta:

"La ilustración fotorrealista, la ilustración técnica, el diseño de logotipos, el diseño de fuentes son una parte tan importante como el dibujo y la pintura. No todas las soluciones gráficas e ilustrativas se implementan solo con computadoras. Las técnicas "analógicas" son, por supuesto, una parte integral de mi repertorio."

Website

Albert Schneider is a German graphic designer, illustrator, painter and draftsman born in Trier in 1960.

Between 1981 and 1986 he studied communication design at the University of Applied Sciences in Trier.

Regarding his work, Schneider comments

"Photorealistic illustration, technical illustration, logo design, font design are as important a part of his work as drawing and painting. Not all graphic and illustration solutions are implemented with computers alone. The "analogical" techniques are, of course, an integral part of my repertoire".

Website

Nick Alm [Pintura / Painting]

January 22, 2021, 12:51 am

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Nick Alm

(Eksjö, Suecia / Sweden, 1985-)

en Estocolmo / at Stockholm

Nick con su obra "Escena de café" / with his work "Cafe Scene"

Nick Alm es un reconocido pintor sueco nacido en 1985, que vive y trabaja en Estocolmo.

Cuenta que dibuja desde que tiene memoria, y que una visita al Museo de Goteburgo tuvo un gran impacto sobre él, lo que le animó a comenzar a pintar al óleo.

Nick entró en la Academia de Arte de Florencia en 2007, donde también ocupó un puesto como asistente de enseñanza. Después de graduarse en 2010, recibió una beca para unirse a la Hermandad del Río Hudson. Al año siguiente estudió con Odd Nerdrum en Noruega y Francia antes de regresar a Suecia.

Nick ha recibido varios premios y reconocimientos. Expuso en The Portrait Society of America en Filadelfia en 2012, donde fue galardonado con el Premio al Mérito Excepcional. En 2013 obtuvo el primer lugar en el Salón Internacional de ARC, seguido del Premio William Bouguereau. En 2017 fue galardonado con el Premio de Arte TIAC y el Premio de Compra del Salón Internacional ARC. (1)

"Escena de café / Cafe Scene", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 47"× 43", 2018

"Sosteniendo las puertas / Holding Doors", óleo sobre lino / oil on linen, 109,2 × 94 cm., 2017

Después de su instrucción formal pintando estrictamente del natural, empezó a utilizar otras fuentes para crear sus composiciones (fotografías de referencia, su imaginación, experimentos en photoshop). Nick comenta este proceso:

"Fue gradual. Era problemático depender siempre de modelos del natural. No sentía que era necesario trabajar siempre a partir del natural, ya que a menudo me desviaba bastante de la naturaleza. Trabajar con fotos y la imaginación reduce mucho el estrés, pero tiene sus pros y sus contras, ya que el estrés tiene el beneficio de hacerte más eficiente". (2)

"Espejo, espejo / Mirror, Mirror", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91,4 × 81,3 cm., 2017

"Metro", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 101,6 × 121,9 cm., 2017

«El proceso creativo varía, pero principalmente involucra pequeños bosquejos en miniatura con lápiz y papel, y experimentos en photoshop.

La primera visión es una gran inyección de dopamina, y ver la imagen cobrar vida tiene algo de magia. Sin embargo, rara vez es un paseo por el parque. A menudo me quedo atascado con la composición, sin saber cómo resolver el problema. Sin embargo, es peor descubrir un problema una vez que el cuadro ya está pintado." (3)

"Rubia dormida / Sleeping Blonde", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 25,5"× 41", 2020

"Apoyo / Supporter", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 × 90 cm., 2016

«La inspiración puede venir de libros, películas y otros artistas, o los motivos aparecen en el entorno inmediato: la luz, un incidente, un gesto expresivo. Sin embargo, la inspiración es a menudo un proceso subconsciente que es difícil señalar. Todos llevamos un banco de memoria que trabaja constantemente bajo el radar y nos proporciona ideas extrañas. No hay ideas que simplemente ande esperando, pero la mejor manera es tomar el bolígrafo y empezar a bocetar. El carácter indefinido y abstracto del bosquejo de la idea deja un gran margen para las asociaciones, y por lo tanto, las nuevas ideas suelen surgir en esta etapa.» (4)

"Reunión / Gathering", óleo / oil, 120 × 100 cm., 2018

"Pasillo Nº 2 / Hallway No. 2", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 99,1 × 83,8 cm., 2015

«Mi objetivo es comunicar aquello que es inherente y universalmente humano, trascendiendo los códigos y tendencias culturales. No es mi objetivo criticar a la sociedad, mi obra, en cambio, trata principalmente del mundo interior del individuo.» (5)

"Ruset", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 94 × 114,3 cm., 2017

Mientras trabajaba con una modelo para otro cuadro, de repente se le ocurrió esta expresiva pose, una pose que contaba una historia. La situé en un restaurante algo indefinido en un tiempo inespecífico. Luego se trajeron más modelos, uno a la vez, para añadir interés y contexto. La composición fue una parte del proceso que me llevó mucho tiempo. 

La pintura me llevó aproximadamente entre 1 y 2 semanas, pero el proceso desde la idea hasta el producto final tomó unos dos años. Aunque la mayor parte del entorno es imaginario, uno de las pinturas del fondo es una parte de la portada de un álbum de Slayer.

While working with a model for another painting she all of a sudden stroke this expressive pose, a pose that was telling a story. I placed her in a somewhat undefined restaurant in an unspecific time. More models were then brought in, one at the time, to add interest and context. The composition was most of the time a consuming part of the process. Painting took approximately between 1-2 weeks, but the process from the idea to the finished product took about two years. Though most of the surrounding is imaginative, one of the paintings in the background is a part of an album cover by Slayer. 

"Geisha del metro / Subway Geisha", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 78,7 × 83,8 cm., 2020

"Metro / Subway", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 25 × 30 cm., 2017

«Buscar la perfección todo el tiempo no es necesariamente lo mejor, te refrenas. Así que no intentarlo demasiado es a menudo... cuando te metes en la corriente las cosas simplemente suceden, ¿verdad? Quiero decir, si aspiras a la perfección te vuelves tímido fácilmente. El miedo al fracaso se apodera de ti.»

«El arte tiene un valor inherente. No veo el arte como una herramienta, lo cual es una opinión muy popular, que una pintura debe servir a un propósito político. No estoy en absoluto de acuerdo con eso. Sólo pinto por la pintura en sí.»

«Si tienes claro lo que quieres expresar tienes que ajustar tu técnica para cumplir esa expresión, pero si no tienes tan claro tu objetivo, la técnica puede traerte nuevas ideas, y te llevarán en otra dirección.» (5)

Nick Alm. Foto / Photo: Itziar Lecea. Menorca Pulsar

Nick Alm is a renowned Swedish painter born in 1985, who lives and works in Stockholm.

He says that he has been drawing for as long as he can remember, and that a visit to the Gothenburg Museum had a great impact on him, which encouraged him start painting in oil.

Nick entered the Florence Academy of Art in 2007, where he also held a position as teaching assistant. After graduating in 2010, he received a scholarship to join The Hudson River Fellowship. The following year, he studied with Odd Nerdrum in Norway and France before returning to Sweden.

Nick has received several honors and awards. He exhibited in The Portrait Society of America in Philadelphia in 2012, where he was awarded the Exceptional Merit Award. In 2013, he won the First Place Prize in ARC’s International Salon, followed by the William Bouguereau Award. In 2017, he was awarded the TIAC Art Price and the Purchase Price of the International ARC Salon. (1)

"Bacanal / Bacchanal", óleo sobre lino / oil on linen, 125 × 105 cm., 2013

"Muñecas / Dolls", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 87 × 65 cm., 2014

After his formal training painting strictly from life, Nick started using other sources to create his compositions (reference photographs, his imagination, experiments in photoshop).

He comments on this process:

«It was gradual. It was troublesome to always be dependent on life models. I didn't feel that it was necessary to always work from life since I often deviate quite a bit from nature. 

Working with photos and imagination reduces a lot of that stress, but it has its pros and cons, since stress has the benefit of making you more efficient.» (2)

"Ascensor / Elevator", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 95 × 65 cm., 2017

"Rifiutato", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 35,4"× 23,6", 2013

«The creative process varies, but it mainly involves small thumbnail sketches with pencil and paper and experiments in photoshop.

The first vision is quite a dopamine kick, and seeing the picture come to life has some magic in it. It´s rarely a walk in the park though. I often get stuck with the composition, not knowing how to solve the problem. However, it´s worse to discover a problem once the picture is already painted.» (3)

"Bacanal / Bacchanal", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 101,6 × 152,4 cm., 2014

"Katja", óleo sobre panel / oil on panel, 40,6 × 30,5 cm., 2020

«The inspiration can come from books, movies and other artists, or the motives appear in the immediate surroundings: the light, an incident, an expressive gesture. However, the inspiration is often a subconscious process that is difficult to put your finger on. We all carry a memory bank that constantly works under the radar and provides us with strange ideas. There are no ideas that I just go around waiting for, but the best way is to take up the pen and start sketching. The undefined and abstract character of the idea sketch leaves great scope for associations, and therefore, new ideas usually arise at this stage.» (4)

"Pablo & Francesca", óleo / oil, 90 × 70 cm., 2013

"Casa de la alegría / House of Joy", óleo / oil, 115 × 100 cm., 2016

«I aim to communicate what is inherently and universally human, transcending cultural codes and trends. It´s not my goal to criticize society; instead my work addresses itself primarily to the inner world of the individual.» (5)

"Saliendo de la cama / Leaving the Bed", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 88,9 × 68,6 cm., 2020

"Novia de metro / Subway Bride", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 2020

«Going for perfection all the time is not necessarily the best, you restrain yourself. So not trying too hard is often… when you get into the flow things just happen, right? I mean, if you’re aiming for perfection you easily become timid. The fear of failure takes over.»

«Art has an inherent value. I don’t see art as a tool, which is a quite popular opinion, that a painting should serve a political purpose. I strongly disagree with that. Just paint for the sake of painting.»

«If you are clear about what you want to express you have to adjust your technique to fulfill that expression, but if you’re not that clear about your goal, the technique might bring you new ideas and lead you in another direction.» (5)

"La gran implosión / The Great Implosion", óleo / oil, 125 × 160 cm., 2014

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Fuentes / Sources: 

* Website

* (1) "Nick Alm Selected Works 2010-2018", Publicado en / Published 2019, Arvinius + Orfeus Publishing

* (2) "En el estudio / In the Studio: Nick Alm"

Entrevista de / Interview by Allison Malafronte, Newington Cropsey Cultural Studies Center, 7/2020

* (3) "Nick Alm, pintor, ganador del Premio TIAC 2018 / Painter, Winner of TIAC Art Prize 2018"

Entrevista / Interview, TIAC, 3/2018

* (4) "Nick Alm, el nuevo Rembrandt de KI / the new Rembrandt of KI"

Entrevista de / Interview by Laura Gomez, Klassik International Magazine, 1/2021

* (5) Entrevista de / Interview by Jorge Fernández Alday, Menorca Pulsar

* Entrevista de / Interview by Symi Jackson, Rosemary & Co. Artists' Brushes, 12/2020. Youtube

Más sobre / More about Nick Alm: Website, Instagram, facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Nick!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Nick!)

Hilary Harkness [Pintura / Painting]

January 25, 2021, 2:51 am

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Hilary Harkness

(Detroit, Michigan, EE.UU./ MI, USA, 1971-)

en Brooklyn, Nueva York / at Brooklyn, NY

Hilary Harkness es una artista estadounidense nacida en 1971 en Detroit.

Se graduó en la Universidad de Berkeley, California, en 1993, y recibió su Máster en Bellas Artes en la Escuela de Arte de la Universidad de Yale, New Haven, Connecticut, en 1996. Antigua violinista profesional, Harkness perfeccionó su singular visión del mundo artístico mientras vivía en San Francisco, California, y actualmente vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York.

Su obra se ha expuesto en todo el mundo, incluido el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid (España) y la Fundación Deste de Atenas (Grecia), y forma parte de la colección del Whitney Museum of American Art de Nueva York. Harkness ha aparecido en publicaciones como The New York Times, The New Yorker, Interview Magazine y Esquire, entre otras. Ha enseñado pintura y escultura como artista residente en la Escuela de Verano de Arte y Música de Yale, y ha impartido numerosas conferencias en instituciones como la Universidad de Columbia, la Universidad de Boston, la Universidad de Yale, la Universidad de Brandeis y el Museo de Arte de Baltimore. (1)

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series

"Bolas en punto / Balls O'Clock", óleo sobre lino / oil on linen, 27" x 23 ⅜", 2015

«Se trata más bien de sexo y poder, no de violencia. Estas dos cosas tienen un atractivo a la vez inmediato y oculto. Llaman tu atención. Mis pinturas van sobre esto, pero también mucho más. Las utilizo para atraer al espectador; a partir de ahí exploro los temas con más detalle, a veces con giros, y a veces hasta en su propia banalidad. También creo que es importante la forma como las pinto: lenta, pequeña, detallada. Esto me permite investigar estos temas de sexo y poder de una manera más detallada, articulada y tal vez más reflexiva. Espero infundir a estos temas significados más profundos e idiosincrásicos que los que se suelen encontrar en la cultura en general. No puedo separar la forma en la que pinto de las cosas que pinto; los cuadros no tratan sólo de una cosa o la otra, y espero que el cómo y el qué contrasten y se combinen de forma que creen algo interesante, con carga.» (3)

"Bolas en punto / Balls O'Clock" (detalle / detail)

Serie "Prisioneros del frente" / Prisoners From The Front Series

"Permiso concedido / Permission Granted (Francis & Harriet)"

Óleo sobre lino, montado sobre panel / oil on linen mounted on panel, 7" x 6", 2019

Hilary Harkness representa meticulosamente historias reimaginadas que comentan las fuerzas socioculturales con una sensibilidad claramente contemporánea. Sus obras exploran la dinámica personal a través de una lente que permite que las luchas de poder inherentes a los sistemas de sexo, raza y clase se desarrollen en un escenario sin censura. En esta instalación, Harkness expone una serie de pinturas inspiradas en Prisioneros del frente (1866) de Winslow Homer (ver más abajo). Su interpretación de esta obra icónica se desarrolla a lo largo de una serie de escenas narrativas, que incluyen un romance interracial entre el general de la Unión Francis Channing Barlow y Arabella Freeman, una terrateniente de Virginia. A medida que la serie se desarrolla, la fiesta atraviesa América. Las pasiones se intensifican, las lealtades se ponen a prueba y se forjan incómodas alianzas en la fantasiosa y erótica visión de Harkness sobre la creación de la mitología estadounidense de mediados del siglo XIX. Las escenas narrativas están contextualizadas por una serie en curso de pinturas de paisajes íntimos que ha ejecutado constantemente desde 2016. (7)

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series

"Flipwreck", óleo sobre panel / oil on panel, 13" x 22", 2004

«Cuando tenía 20 años, Frida Kahlo se me apareció en un sueño y me dijo qué tenía que pintar (sus ideas no eran tan malas). No había estudiado arte en Berkeley, así que tuve que apresurarme a terminar la carrera de arte a tiempo para graduarme. Un año más tarde, en Yale, llegué al final de la vieja guardia de la facultad, como William Bailey, y los recientes profesores eméritos Andrew Forge y Bernie Chaet, que seguían en activo. Nos destrozaron y pulverizaron todo lo que creíamos saber sobre el arte y nuestra pintura. No nos nutrieron, pero nos dieron un kit de herramientas básicas: cómo conseguir que la pintura se adhiera al lienzo, el propósito, los límites y los beneficios de los medios de pintura, cómo crear la ilusión de espacio. En Yale, a mediados de los años noventa, no se hablaba de estrategia profesional, ni de cómo encontrar una galería, y como el profesorado había intentado convencerme de que estaba loca, me trasladé a San Francisco para reconstruirme como artista lejos del dogma pictórico de la Costa Este.» (4)

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series

"Veta madre / Mother Lode", óleo sobre lino, montado sobre panel / oil on linen mounted on panel, 30" x 33", 2005-06

«Como pinto cuadros con una narrativa histórica, es importante para mí crear escenas que sean precisas y creíbles. Por ejemplo, si pinto un acorazado, obtengo los planos de la planta y me aseguro de que todo (incluso los compactadores de basura) esté pintado en el lugar correcto. En general, creo un entorno y luego un escenario: lo investigo para poder creer en él. Me vendo la idea a mí misma. Sólo entonces suelto a los personajes para ver qué hacen.»

«No espero que los espectadores tengan una emoción o reacción concreta. En general, mi objetivo es doble: crear una obra de arte que me intrigue lo suficiente como para forzar su creación, y abordar temas más amplios, que pueden ir, según el cuadro, desde el capitalismo hasta la dinámica del poder interpersonal. Pintar algo hiperhermoso o decorativamente sangriento es, en cierto modo, lo mismo: ambos son grotescos en el sentido de que son distorsiones.» (4)

Serie "Prisioneros del frente" / Prisoners From The Front Series

"Pedido al cuartel: el general Francis Channing Barlow visita la casa de Arabella Freeman (aparece su hermano Charles) /

Request to Quarter: General Francis Channing Barlow visits the home of Arabella Freeman (feat. her brother Charles)"

Óleo sobre panel / oil on panel, 12" x 15 ¾", 2019

"Pedido al cuartel / Request to Quarter" (detalle / detail)

«Cuando se añade color a una imagen lineal, los pesos visuales de cada elemento cambian tanto que un buen dibujo puede llevar a un proceso de pintura muy difícil. Puede que las sucesivas capas de pintura no den lugar a nada. Por eso, cuando me desespero, viajo al lugar real que ha inspirado mi cuadro, me siento fuera y pinto del natural. Por ejemplo, una vez estuve pintando y repintando una escena minera porque el suelo parecía demasiado carnoso. Volé a Gold Country y me dirigí al lugar de una mina hidráulica del siglo XIX y descubrí que tenía que cambiar el amarillo ocre por el amarillo del óxido de hierro.

Como no podía terminar un cuadro del Pacífico Sur, me fui a la playa de Kauai, donde se rodó la película South Pacific, y pinté unos siete estudios. Viajar puede ahorrar mucho tiempo.

La ventaja de pintar despacio es que el subconsciente trabaja durante más tiempo: los detalles inventados el último día de pintura son los mejores.» (4)

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series

"Cruzando el Ecuador / Crossing the Equator", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 31" x 28", 2003

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series

"Clase Iowa / Iowa Class", óleo sobre lino / oil on linen, 14" x 22", 2003

«El Museo Metropolitano de Arte está empezando a ser algo como un segundo hogar para mí. Mis obsesiones pictóricas siguen evolucionando con el tiempo, pero una constante es el "Retrato de la Princesa de Broglie" de Ingres, en la colección Lehman (ver más abajo). La expresiva pincelada con la que se creó su falda mantiene la ilusión de la tela incluso a muy corta distancia. Me acerco todo lo que puedo y dejo que mi cerebro alterne entre la ilusión de la falda y la realidad de la pintura. Es alucinante. Sería curioso ver un escáner de mi cerebro mientras miro.» (4)

«Una pintora contemporánea que admiro es Ellen Altfest (ver más abajo). Ella es capaz de pintar un fragmento de una pierna peluda con tanta intensidad que tiene la fuerza de un edificio de Gaudí.» (5)

Serie "Historia, algunas revisiones / History, Some Revisions Series

"Nervios en el servicio / Nervous in the Service", óleo sobre panel / oil on panel, 25" x 31", 2009

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series

"Totalmente comprometido: Mighty Mo, 11/4/1945 / Fully Committed: Mighty Mo, April 11, 1945"

Óleo sobre lino montado sobre panel / oil on linen mounted on panel, 36" x 48", 2008

El USS Missouri (BB-63) es un acorazado clase Iowa de la Armada de los Estados Unidos, apodado por su tripulación como "Mighty Mo", encargado en 1940 y puesto en servicio en junio de 1944. En el Teatro del Pacífico de la Segunda Guerra Mundial luchó en las batallas de Iwo Jima y Okinawa y bombardeó las islas japonesas.

Mientras operaba con los portaaviones el 11 de abril, el Missouri fue atacado por un kamikaze que golpeó el costado del buque por debajo de la cubierta principal. El impacto destrozó el avión, arrojando gasolina sobre la cubierta que se encendió rápidamente, aunque la tripulación del Missouri la sofocó de inmediato. El ataque causó daños superficiales y el buque permaneció en su puesto. (6)

USS Missouri (BB-63) is an Iowa-class battleship ordered in 1940 and commissioned in June 1944. In the Pacific Theater of World War II she fought in the battles of Iwo Jima and Okinawa and shelled the Japanese home islands.

While operating with the carriers on 11 April, Missouri came under attack from a kamikaze that struck the side of the vessel below the main deck. The impact shattered the aircraft, throwing gasoline on the deck that rapidly ignited, though Missouri's crew quickly suppressed it. The attack caused superficial damage and the ship remained on station. (6)

Hilary Harkness, junto a su obra "Cielo rojo en la mañana" / With her Work "Red Sky in the Morning" 

The Flag Art Foundation, 2013

Hilary Harkness is an American artist born n 1971 in Detroit, MI.

Graduated Phi Beta Kappa from the University of California, Berkeley, CA, in 1993, she received her M.F.A. from Yale University School of Art, New Haven, CT, in 1996. A former professional violinist, Harkness honed her unique artistic worldview while living in San Francisco, CA, and now lives and works in Brooklyn, NY.

Her work has been exhibited worldwide, including the Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, Spain, the Deste Foundation in Athens, Greece, and is in the collection of the Whitney Museum of American Art, New York, NY. Harkness has been featured in publications including The New York Times, The New Yorker, Interview Magazine, Esquire, among others. She taught painting and sculpture as Artist in Residence at Yale Summer School of Art and Music, New Haven, CT, and has lectured widely at institutions such as Columbia University, Boston University, Yale University, Brandeis University, and the Baltimore Museum of Art. (1)

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series

"Cielo rojo en la mañana / Red Sky in the Morning"

Óleo sobre lino, montado sobre panel / oil on linen mounted on panel, 37" x 42", 2011

«It's more about sex and power, not violence. These two things have a simultaneously immediate yet hidden appeal. They draw you in. My paintings are about these, but also much more. I use them to pull the viewer in; from there, I explore the issues in more detail, sometimes in twists-and-turns and sometimes to the point of their own banality. I also think the manner in which I paint them is important: slow, small, detailed. This allows me to investigate these issues of sex and power in a more detailed, articulated, and maybe thoughtful manner. I hope to infuse these issues with meanings deeper and more idiosyncratic than typically found in the culture at large. I cannot separate how I paint from what I paint, the paintings are not just about one or the other, and hopefully the how and what contrast and combine in a way that creates something interesting, charged.» (3)

"Al amanecer / Crack of Dawn"

Grafito, óleo y acuarela sobre papel / graphite, oil and watercolor on paper, 10" x 8 ¾", 2005

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series

"Cruceros pesados / Heavy Cruisers (*)", óleo sobre lino / oil on linen, 33" x 37", 2004

(*) Juego de palabras. "Cruise" es "crucero" en inglés, y el "cruising" o cancaneo, en el contexto LGTB, es la práctica de buscar una pareja sexual caminando o conduciendo por un lugar público, por lo general de manera anónima, ocasional y para una sola vez.

"Cruceros pesados" presenta en un corte transversal las entrañas de un barco muy poblado de marineras ocupadas por igual con la náutica y las travesuras. Si el título es un juego de palabras adecuado, el manejo de diferentes medios revela sin embargo el extraordinario toque y control de esta extraña joven. La firme delicadeza de su dibujo lineal, por ejemplo, que tiene una exactitud legada de los grabados, recuerda al dibujante neoclásico John Flaxman (ver más abajo). Esto hace pensar que si Flaxman hubiera honrado sus habilidades a Sade en vez de a Dante, la historia del arte habría tenido su Harkness dos siglos antes. (2)

"Cruceros pesados / Heavy Cruisers" (detalle / detail)

"Heavy Cruisers" presents in a cut-away cross section the bowels of a ship heavily populated by sailorettes equally busy with the naughte and the nautical. If the title is a suitable pun, the handling of different mediums nonetheless reveals the extraordinary touch and control of this weird young woman. The firm delicacy of her line drawing, for instance, which have the legato exactitude of engravings, recall the neoclassical draughtsma John Flaxman (see below). It means one think: if Flaxman had honred his skills to Sade rather Dante art history would have had its Harkness two centuries earlier. (2)

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series

"Hundiendo el Bismack / Sinking the Bismarck", óleo sobre lino / oil on linen, 40" x 36", 2002

«When I was 20, Frida Kahlo came to me in a dream and told me what to paint (her ideas weren’t so bad). I hadn’t been studying art at Berkeley, so I had to scramble to complete a major in art in time to graduate. A year later at Yale, I caught the very end of the old-guard faculty, such as William Bailey, and the recent Professors Emeriti Andrew Forge and Bernie Chaet were still hanging out. They broke us down and pulverized everything we thought we knew about art and our painting. We weren’t nurtured, but we were given a basic tool kit: how to get paint to cleave to the canvas; the purpose, limits, and benefits of painting mediums; how to create the illusion of space. At Yale in the mid-nineties, there was no talk of career strategy, such as how to find a gallery, and as the faculty had tried to convince me I was daft, I moved to San Francisco to rebuild myself as an artist away from East Coast painting dogma.» (4)

Serie "Prisioneros del frente" / Prisoners From The Front Series

"Arabella y el general / and the General"

Óleo sobre lino, montado sobre panel / oil on linen mounted on panel, 10" x 8", 2020

«It’s important for me — since I create paintings with a historical narrative — to create scenes that are accurate and believable. For instance, if I paint a battleship, I will obtain the floor plans and ensure that everything — even down to the trash compactors — is painted in the correct place. In general I make an environment, then a scenario - I research it so I can believe in it. I sell the idea to myself. Only then do I unleash the characters into it to see what they do.»

«There’s not a particular emotion or reaction I’m hoping viewers will have. In general, my goal is two-fold: to create a work of art that intrigues me enough to force its creation, and to grapple with larger issues — which could range, depending on the painting, from capitalism to interpersonal power dynamics. Painting something either hyper-beautiful or decoratively gory is, in some ways, the same thing: they are both grotesque in that they are distortions.» (4)

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series

"Matterhorn", óleo sobre lino / oil on linen, 20" x 27", 2003-04

"Las orgías sadomasoquistas sólo de mujeres de Harkness y sus aventuras en el mar son un frío matrimonio entre el medievalismo y el cómic. En "Matterhorn" (2003-04), por ejemplo, El Bosco y Lucas Cranach se alían con Quentin Tarantino, Henry Darger, Balthus y su extraño hermano ocultista Pierre Klossowski, el ilustrador gay Tom of Finland y el pornógrafo vintage Eric Stanton. En lo que parece una casa de muñecas abierta en rodajas, ofrece vistas transversales y compartimentadas de un ejército de mujeres jóvenes y delgadas vestidas de negro con botas sexys, pantaloncitos, bikinis y gorras militares que en cada habitación torturan, abusan, molestan y despachan mortalmente a compañeros sartorial y anatómicamente similares. De hecho, como no se muestra ninguna emoción discernible en los rostros perfumados ni en los cuerpos estandarizados de ninguna de las participantes, no es demasiado fácil decir qué criterio, destino o preferencia determina si uno es un perpetrador o una víctima, aunque la mayoría de estos últimos llevan calcetines blancos, lo que podría significar algo. Nadie registra mucha expresión de placer o dolor en sus lindas y tontas caras." (2)

"Matterhorn" (detalle / detail)

"Ms. Harkness’s all-female S/M orgies and girl’s own adventures at sea are a chilly marriage of medievalism and the comic strip. In “Matterhorn,” (2003-04) for instance, Hieronymous Bosch and Lucas Cranach team up with Quentin Tarantino, Henry Darger, Balthus and his oddball occultist brother Pierre Klossowski, gay illustrator Tom of Finland, and vintage bandes-dessinées pornographer Eric Stanton. In what reads like a sliced-open doll’s house, she offers cross-sectional, compartmentalized views of an army of skinny young women kitted out in black with sexy boots, hotpants, bikinis, and military caps who in each room torture, abuse, molest, and mortally dispatch sartorially and anatomically similar fellows. In fact, as no discerible emotion is displayed on the perfunctory faces or standarized bodies of any of the participants, it is not too easy to say what criterion, fate, or preference determines whether you are a perpetrator or a victim, although the majority of the latter are wearing white socks, which might signify something. No one registers much by way of pleasure or pain on their cute, dumb faces." (2)

Serie "Historia, algunas revisiones" / History, Some Revisions Series

"Chica borracha observando una flor / Drunk Girl Observing a Flower"

Óleo sobre panel / oil on panel, 13" x 19", 1999

«When color is added to a linear image, the visual weights of every element change so much that a good drawing can lead to a very difficult painting process. Maybe the successive layers of paint won’t add up to anything. So when I despair, I travel to the actual place that inspired my painting and sit outside and paint from life. For instance, once I was painting and repainting a mining scene because the soil looked too fleshy. I flew to Gold Country and trekked to the site of a 19th century hydraulic mining and discovered that I needed to switch from using yellow ocher to yellow made from iron oxide.

When couldn’t finish a painting of the South Pacific, I went to the beach in Kauai where the movie South Pacific was filmed and painted seven or so studies. Traveling can save a lot of time.

The benefit to slow painting is that the subconscious gets to work longer — the details invented on the last day of painting are the best.» (5)

"Prisioneros del frente (1866), por encargo de Arabella Freeman /

Prisoners From the Front (1866), Commissioned by Arabella Freeman"

Óleo sobre panel / oil on panel, 12" x 19", 2019

Hilary Harkness meticulously renders reimagined histories that comment on sociocultural forces with a distinctly contemporary sensibility. Her works explore personal dynamics through a lens that allows the power struggles inherent in sex, race, and class systems to play out on an uncensored stage. In this installation, Harkness exhibits a series of paintings inspired by Winslow Homer’s Prisoners from the Front (1866) (see below). Her interpretation of this iconic work takes place over a number of narrative scenes, including an interracial romance between Union General Francis Channing Barlow and Arabella Freeman, a Virginia landowner. As the series unfolds, the party traverses America. Passions escalate, loyalties are tested, and uneasy alliances are forged in Harkness’s fanciful and erotic take on the making of mid-19th century American mythology. The narrative scenes are contextualized by an ongoing series of intimate landscape paintings that she has steadily executed since 2016. (7)

Serie "En casa en la guerra" / At Home At War Series

"Muro de Pomerania / Pomeranian Line", óleo sobre lino, montado sobre panel /

oil on linen mounted on panel, 21 ¼" x 26 ¾", 2007

«El Museo Metropolitano de Arte está empezando a ser algo como un segundo hogar para mí. Mis obsesiones pictóricas siguen evolucionando con el tiempo, pero una constante es el "Retrato de la Princesa de Broglie" de Ingres, en la colección Lehman (see below). La expresiva pincelada con la que se creó su falda mantiene la ilusión de la tela incluso a muy corta distancia. Me acerco todo lo que puedo y dejo que mi cerebro alterne entre la ilusión de la falda y la realidad de la pintura. Es alucinante. Sería curioso ver un escáner de mi cerebro mientras miro.» (4)

«One contemporary painter I admire is Ellen Altfest (see below). She can paint a fragment of a hairy leg so intensely that it has the power of a Gaudi building.» (5)

"Muro de Pomerania / Pomeranian Line" (detalle / detail)

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Fuentes / Sources:

* Website

* (1) Reseña de la exposicion / Review of the exhibition"Hilary Harkness", 8/2 - 18/5, 2013

The Flag Art Foundation (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

* (2) "Implacable pero desapasionada: Hilary Harkness en el Fundación Flag Art /

Relentless Yet Dispassionate: Hilary Harkness at Flag Art Foundation"

Por / by David Cohen. Artcritical, 2013

* (3) Entrevista de / Interview by Laura Smith, Fnews Magazine, 11/2004

* (4) Entrevista de / Interview by David Galenson, Huffington Post, 9/2012

* (5) Entrevista de / Interview by David Galenson, Huffington Post, 5/2015

* (6) USS Missouri (BB-63), Wikipedia (Spanish / English)

* (7) "Prisioneros del frente / Prisoners from the Front". P.P.O.W., Art Basel

Más sobre / More about Hilary Harkness: Website, Wikipedia (English)

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Hilary!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Hilary!)

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Algunas referencias / Some References

Jean-Auguste-Dominique Ingres

(Montauban, Francia / France, 1780 - París, 1867)

"Éléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn (1825–1860), Princesse de Broglie"

Obra y detalle del vestido / work and gown detail.

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 121,3 x 90,8 cm., 1851–1853

The Metropolitan Museum (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Pintura ya publicada en el blog aquí / Painting already posted in this blog here: [Uruguayos (XXIII)]

Ingres, el artista neoclásico francés por excelencia, pintó esta obra maestra hacia el final de su vida, cuando su reputación como retratista de ciudadanos prominentes y aristócratas orleanistas estaba ya muy consolidada. Pauline de Broglie posó para el último encargo del artista. Ingres capta la tímida reserva de su retratada, a la vez que ilumina, con una pincelada perfecta, la calidad material de sus numerosos y bellos atributos: su rico vestido de baile de satén azul y encaje, el chal bordado en oro y la silla de damasco de seda, junto con las joyas finamente labradas de perlas, esmalte y oro. El retrato fue encargado por el marido de la modelo, Albert de Broglie, unos años después de su malogrado matrimonio. Fuente: MET

Ingres, the neo-classical French artist par excellence, painted this masterpiece toward the end of his life when his reputation as a portraitist to prominent citizens and Orléanist aristocrats had been long established. Pauline de Broglie sat for the artist’s final commission. Ingres captures the shy reserve of his subject while illuminating through seamless brushwork the material quality of her many fine attributes: her rich blue satin and lace ball gown, the gold embroidered shawl, and silk damask chair, together with finely tooled jewels of pearl, enamel, and gold. The portrait was commissioned by the sitter’s husband, Albert de Broglie, a few years after their ill-fated marriage. Source: MET

Ingres en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All Links]

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Ellen Altfest

(Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1970-)

"La pierna / The Leg", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20,3 x 27,9 cm., 2010. White Cube

Ellen Altfest es una pintora estadounidense nacida en 1970 en Nueva York. Es conocida por sus representaciones realistas de paisajes y bodegones.

Se graduó en la Universidad de Cornell con una licenciatura en pintura y otra en inglés, y obtuvo un máster en pintura en Yale, y estudió en la Escuela de Pintura y Escultura de Skowhegan.

Desde que dejó la Escuela de Arte de Yale, ha desarrollado su propio enfoque distintivo de una pintura figurativa y representativa. El escritor y artista David Humphrey ha señalado que "sus cuadros celebran el modo en que los objetos se ven envueltos por su entorno y los simples actos de identificación se multiplican y transforman".

Altfest siempre pinta a partir del natural, atraída por las plantas domésticas, los vegetales y, más recientemente, los modelos masculinos. Se sumerge en un intenso análisis y un compromiso personal con el tema, llevando su visión más allá de lo real.

La composición de los cuadros está estrechamente editada y enmarcada, casi invadiendo el espacio del sujeto, ya sea el núcleo de las plantas rodadoras o la piel arrugada de un cactus junto al escote del modelo. Altfest aborda sus diversos temas con una intención similar, dedicando horas de cuidadosa observación y estudio que dan como resultado imágenes que, aunque parezcan voyeuristas, están retratadas con un humor inexpresivo y la máxima vigilancia hacia su proceso de pintura.

Fuentes: White Cube, Wikipedia (English)

"Árbol / Tree", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 8 1/8" x 11 1/4", 2013. White Cube

Ellen Altfest is an American painter born in 1970 in New York. She is best known for her realist depictions of landscapes and still lifes.

Altfest graduated from Cornell University with a BFA in Painting and a BA in English, an MFA in Painting from Yale, and studied at the Skowhegan School of Painting and 

Sculpture.

Since leaving Yale School of Art Ellen Altfest has developed her own distinct and devoted approach to a figurative and representational painting. The writer and artist David Humphrey has remarked that ‘her paintings celebrate the way objects become engulfed by their surroundings and simple acts of identification multiply and transform’.

Altfest always paints from life, drawn towards domestic plants, vegetables and more recently, male models. Altfest immerses herself in an intense analysis and personal engagement with the subject that pushes her vision beyond the real.

Compositionally the paintings are all tightly edited and framed, almost encroaching on the subject’s space whether it be the nucleus of tumbleweed through to the wrinkled skin of a cacti next to the neckline of the sitter. Altfest approaches her various subjects with a similar intent, spending hours of careful observation and study that results in images that although appear voyeuristic are portrayed with a deadpan humour and utmost vigilance towards her painting process.

Sources: White Cube, Wikipedia

"Axila / Armpit", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 21,2  x 17,8 cm., 2011. MK Gallery

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John Flaxman

(York, Inglaterra / England, 1755 - 1826)

"Lì veggio d'ogne parte farsi presta

ciascun'ombra e basciarsi una con una /

Por ambas partes vi apresurarse

todas las sombras, y besarse unas a otras... /

The shadows all press forward, severally

Each snatch a hasty kiss, and then away"

Purgatorio / Purgatory, Canto 26

Ilustración para "La Divina Commedia", de Dante Alighieri /

Illustration for Divine Comedy", by Dante Alighieri

Diseño de / designed by John Flaxman, grabado de / engraved byTommaso Piroli, 1793

Division of Rare and Manuscript Collections, Cornell University Library

(Ithaca, Nueva York, EE.UU./ NY, USA). Wikimedia Commons

John Flaxman fue un escultor, ilustrador y dibujante inglés nacido en 1755, que tuvo un papel muy destacado en el movimiento neoclásico en Inglaterra.

Estudió en la Royal Academy school de Londres. Entre 1775 a 1787 realizó delicados relieves decorativos para el reputado ceramista Josiah Wedgwood, inspirados en vasos y vasijas griegas y romanas. Desde 1787 hasta 1794 vivió en Roma, donde produjo excelentes dibujos de temas épicos de los poemas de Homero la ilíada y la Odisea, con gran fineza en sus líneas (1793).

Regresó a Londres en 1794, realizando notables ilustraciones del antiguo dramaturgo griego Esquilo y una serie inspirada en el Infierno de Dante.

Fue un prolífico escultor de monumentos funerarios.

Murió en 1826.

Wikipedia 

Ilustración para "El progreso del peregrino" (1678), de John Bunyan /

Illustration to Pilgrim's Progress (1678) by John Bunyan

Tinta negra sobre papel de trama media, ligeramente texturizado, de color crema /

black ink on medium, slightly textured, cream wove paper, 22,2 x 27,3 cm., 1792

Yale Center for British Art (Inglaterra / England). GAP

John Flaxman was an English sculptor, illustrator and draughtsman born in 1755, who played a very prominent role in the neoclassical movement in England.

He studied at the Royal Academy school in London. Between 1775 and 1787 he made delicate decorative reliefs for the renowned ceramist Josiah Wedgwood, inspired by Greek and Roman vases and vessels. From 1787 to 1794 he lived in Rome, where he produced excellent drawings of epic themes from Homer's poems the Iliad and the Odyssey, with great finesse in his lines (1793).

He returned to London in 1794, producing remarkable illustrations of the ancient Greek playwright Aeschylus and a series inspired by Dante's Inferno.

He was a prolific sculptor of funerary monuments.

He died in 1826.

Wikipedia

"Vider Beatrice volta in su la fiera

ch'è sola una persona in due nature /

Vieron a Beatriz sentada sobre la fiera

que es una sola persona en dos naturas. /

Beatrice; she, who toward the mystic shape,

That joins two natures in one form, had turn’d"

Purgatorio / Purgatory, Canto 31

Ilustración para "La Divina Commedia", de Dante Alighieri /

Illustration for Divine Comedy", by Dante Alighieri

Diseño de / designed by John Flaxman, grabado de / engraved byTommaso Piroli, 1793

Division of Rare and Manuscript Collections, Cornell University Library

(Ithaca, Nueva York, EE.UU./ NY, USA). Wikimedia Commons

Dante Alighieri en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All Links]

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Winslow Homer

(Boston, Massachusetts, EE.UU./ MA, USA, 1836 -

Prouts Neck, Scarborough, Maine, 1910)

"Prisioneros del frente / Prisoners From the Front"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 92,7 × 128,6 × 11,4 cm., 1866

The Metropolitan Museum of Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Winslow Homer en "El Hurgador" / in this blog:

[Aniversarios (IV)], [Recolección (XXVI)], [Sucedió en el museo (VII-Anexo)]

Uruguayos / Uruguayans (XLVI) - Marcela Ambrois [Pintura / Painting, Collage]

January 27, 2021, 2:31 am

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Nueva entrevista de Shirley Rebuffo, en esta ocasión a la artista uruguaya Marcela Ambrois. Su obra presenta dos vertientes claramente diferenciadas; por un lado el paisaje, con lienzos atmosféricos en tonos tenues y evocadores, y por otro la geometría de sus composiciones utilizando el collage, el papel y una variedad de técncias mixtas.

Texto en inglés al final del post.

New interview by Shirley Rebuffo, this time with Uruguayan artist Marcela Ambrois. Her work presents two clearly differentiated aspects; on the one hand the landscape, with atmospheric canvases in tenuous and evocative tones, and on the other hand the geometry of her compositions using collage, paper and a variety of mixed techniques.

Text in English at the end of the post.

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Marcela Ambrois

(Montevideo, Uruguay, 1988-)

Marcela Ambrois nace en Montevideo, Uruguay, el 27 de julio de 1988. Es una artista espontánea al hablar, y sumamente expresiva, lo que luego se deja ver en su obra. Dado el entorno familiar (madre y abuela artistas), el arte siempre estuvo presente. Las vivencias del paisaje, sea campo o playa, y los animales, no le son ajenos, ya que hasta sus 12 años vive en una zona rural, muy cerca de la ciudad de Mercedes, Soriano, Uruguay. En su adolescencia se traslada para realizar sus estudios secundarios y su carrera universitaria (Psicología) a Montevideo, trabajando en paralelo con carbonilla y óleo en el taller del artista Walter Nadal. Realiza el Nivel para Avanzados del Instituto de Bellas Artes y en el Taller Casablanca, estudiando con Ignacio Iturria, Diego Píriz y Martín Rodríguez.

Como la presencia del campo es muy fuerte, realiza retiros artísticos en Colonia, Uruguay. Asimismo participa del grupo formado por el mismo Iturria, en la colonia para artistas dedicados en Miami, EEUU. 

"Horizonte / Horizon", acrílico y témpera sobre tela / acrylic and tempera on canvas, 114 x 160 cm., 2017

"Ensamblaje / Assemblage", técnica mixta sobre tela / mixed media on canvas, 80 x 120 cm., 2019

Entrevista de Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: ¿Cuándo dijiste "esta es mi vocación, lo que me gusta es esto"?

Marcela Ambrois: Es largo, tiene que ver con el pasaje de los años. Un camino que fui tomando sin darme tanta cuenta, y a la vez la decisión de elegirlo como parte de mi vida. Es un lenguaje en el que siento que "es por ahí", que mi vida está conformada por el crear, el pensar en forma de arte, pintura, y los diversos lenguajes que lo componen. Desde chica me gustaba estar entre tantos elementos que están asociados al crear (lápices, plantas, ramas, hojas, papeles, barro, bichos, etc.), los cuales me permitían inventar algo y jugar. Con el tiempo me di cuenta que es la mejor forma que he encontrado para expresar lo que siento, o viceversa; sentir junto con la creación, lo que se manifiesta y esto me dice de mí y del mundo. El arte es eterno, es completo, a diario se aprende, y todos los días, aunque no esté trabajando en una obra específica, tengo mi foco en eso. No hay nada más certero para mí que esa forma de estar en el mundo. Me permite disfrutar de la soledad o el concentrarme en mí misma. 

"Atmósfera de río / River Atmosphere", óleo sobre tela / oil on canvas, 115 x 150 cm., 2019

"Composición con formas / Composition With Shapes", papel / paper, 44 x 33 cm., 2020

SR: ¿Dónde has estudiado? Nómbrame algunos de tus maestros y cuéntame que crees que te han aportado.

MA: Mi primer maestro como guía completo en el arte fue Ignacio Iturria. Siguen siempre resonando en mi sus palabras y gestos. Tuve varios profesores o maestros, pero quien me llevó por el camino, a adentrarme en serio como vocación y como forma de vida, fue Ignacio.

Aunque fue significativo lo formal y aprender técnicas, donde hubo varios profesores. El primero a mis 14 años fue Walter Nadal en el dibujo, la carbonilla, proporciones, seguido por Diego Píriz con el manejo del óleo y sus grandes teóricos. En el Colegio (The British Schools) tuve a Nadine Mizrahi, que era muy estricta y sensible a la vez. Cada uno aportó algo que me llevo. Tuve un guía, Eduardo Cardozo. También más adelante, en el Museo Torres-García, con el profesor y artista Federico Méndez y sus alumnos, que allí estaban, aprendí mucho: la pintura al fresco, pintar rodeada con los aires de Torres-García, geometrizar y componer. Todo eso te brinda estructura y libertad a la vez, y más aprender y, fundamentalmente, trabajar en colectivo. Al ser uruguaya, no podría obviar la influencia del gran Maestro Torres-García. Otro aprendizaje fue junto al artista Rimer Cardillo con quien manipulé papel hecho a mano con plantas, pasto u hojas de árboles encontradas, experiencia táctil-visual y a la vez ecológica.

Y, por último, ahora, exponer junto a Marcelo Larrosa, que es un gran profesor, persona y artista con tanto conocimiento y vocación que te transmite incesantemente. Allí conocí un grupo de personas increíbles con quienes expusimos en la Fundación Pablo Atchugarry (un gran maestro y persona maravillosa, de una generosidad extraordinaria). Estela Brítez, una gran artista, y el maestro Juan De Andrés. De todos modos, el aprender en mí seguirá por siempre. Me faltaron nombrar dos figuras escenciales, mi abuela materna "Chiqui", pintora, y mi madre Cecilia Pollio, artista también.

Considero, además, que los maestros fundamentales son los libros de arte y museos que he recorrido en distintas partes del mundo, donde se puede apreciar a los grandes Maestros del Arte como Monet, Cézanne, Klee, Miguel Ángel, y tantos.

Mi formación como Psicóloga y alineación en Gestalt me ha dado un conocimiento sobre mí misma y la complejidad del ser humano, todo tiene que ver.

"Formas I / Shapes I", papel / paper, 30 x 40 cm., 2020

"Álamos de otoño / Autumn Poplars", óleo sobre tela / oil on canvas, 50 x 70 cm., 2018

SR: ¿Cómo definirías el trabajo que haces?

MA: En el encare de una obra tomo como clave la intución, el mundo interno que va tomando una forma, una estructura, y de ahí todo el baggage que uno tiene, tanto en lo que absorbí como lo que vivo y el mundo en el que estoy inmersa, mezclando presente, pasado, la historia, las vivencias, el colectivo, lo fascinante de imaginarse viviendo en otra epoca, la soledad. Son cosas que tal vez no se ven físcamente cuando ves una de mis obras, pero está todo ahí, en mi mundo.

La cultura griega me fascina y me interesa mucho, el paisaje y los enigmas de la naturaleza me atrapan. El misterio de las cosas creo que define bastante mi hacer y la soledad. Luego también soy algo austera o de tendencia minimalista. Pienso que la clave es tratar de mostrar lo esencial y lo espiritual, dándole valor a lo estético, que no es solamente lo racional o lo que tiene que ver con lo puramente contemporáneo o lo conceptual. Me gusta el concepto y creo que da mucho valor a una obra, pero soy más romántica o amante de los misterios y el no tenerle miedo a que una obra muestre un lado puramente estético, con un tanto del drama que la vida nos regala, obviamente todo con espíritu y ánimo, si no, no emerge, y hay que luchar por ello. 

Es difícil definir la estética ya que el mundo la confunde, la lleva por un lugar superfluo. Pero creo que la estética en el arte tiene que ser espiritual per se, algo así como lo definiría Kandinsky, y tener alma.

"Invisibilidad / Invisibility", papel / paper, 40 x 30 cm., 2019 

"Arboles que bailan / Dancing Trees"

Acrílico y tinta sobre tela / acrylic and ink on canvas, 117 x 146 cm., 2018

SR: ¿Cuál es el momento más interesante desde el instante en que te planteas una obra?

MA: Lo más interesante es el momento del "darse cuenta", es decir, que va por ahí lo que quiero manifestar, que es eso, o que algo "encontré" y se me presenta de forma ininterrumpida. Puedo fluir con esa sensación. Aunque en el mismo instante puedo poner en práctica mi acumulación de conocimientos, técnicas, formas, que en realidad hay un estilo que naturalemnte me sale o me fluye. Pero nada es más importante que enfrentarse a una tela o papel (en general esos son mis elementos) y poder seguir con la noción que tengo de lo que quiero expresar.

"Quietud / Stillness", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 110 x 120 cm., 2016

"Formas III / Shapes III", papel / paper, 30 x 40 cm., 2020

SR: Si te digo agua, mar, playa, ¿te lleva a recordar algún lugar que puedas plasmar en un cuadro? 

MA: Si, bueno, sobre la playa y el mar, hay un lugar en especial al que vamos siempre con mis tíos y primas, y son los veranos por Rocha, muy alejado de todo, cerca del Cabo Polonio. Un lugar que me genera muchísima inspiración además de disfrutar estar ahí con el ruido del mar, el viento, la arena, encontrar objetos por la playa, los bosques naturales, casi nadie o muy pocas personas...  pasa que disfruto del silencio y me ayuda a contactarme mucho con mis emociones y estados más profundos.

SR: ¿Qué es para ti la belleza y dónde crees que reside?

MA: La belleza para mi es el alma de las cosas. Reside en casi todo lo que tenga esa alma, esa atmósfera, lo que es puro. Inevitablemente lo veo sobre todo en la naturaleza, aunque el mundo tiene infinidad de belleza. Los animales, los objetos, las frutas, los seres humanos, entre esos grupos, seleccionando algunos de ellos, tienen la capacidad de transmitir esa belleza. Hay un mirar de forma amorosa que nos hace apreciarlo más intensamente.

"Paisaje despojado / Stripped Landscape"

Óleo y técnica mixta sobre tela / oil and mixed media on canvas, 142 x 150 cm., 2020

"Composición con formas en relieve / Composition With Relief Shapes"

Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 2019

SR: Has incursionado ahora en una nueva forma de trabajar que se relaciona un poco más con la línea, la simetría. ¿Cómo surgió trabajar así? ¿Te sientes cómoda con esa posibilidad de geometrizar?

MA: Sí, me siento muy cómoda porque me ayuda a dar estructura. Hace tiempo incorporo el papel en algunas de mis obras, y para trabajar el papel y componer, hacerle cortes, ponerlos de tal o cual forma; para todo eso ayuda el estudiar la proporción áurea y geometrizar.

Antes no era tan consciente de ello, pero sin duda la intuición va por ahí, ya se sabe cómo es la armonía, no te engaña. La línea surge de muchísimas formas o está en todos lados: en la naturaleza, por ejemplo al descomponer un paisaje, aparece inevitablemente la línea; en un árbol, en el horizonte, en las plantas, flores, ramas, las rocas y en la arquitectura que vemos. La geometría está en todo lo que nos rodea. Yo soy más bien de línea sinuosa o descontracturada. Podría decirse: mancha y línea, forma y deformar, algo así. Me ayuda a entender nuestro mundo y es fascinante.

"Tarde de campo / Afternoon in the Field", óleo sobre arpillera / oil on burlap

"Médanos", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 60 x 90 cm., 2020

SR: Los colores que usas son muy neutros, suaves, como sacados de un ensueño. ¿Existe alguna búsqueda emocional o simbólica en la elección de tu paleta cromática? ¿Qué técnica utilizas para lograr esa pátina tan melancólica que recubre tus obras?

MA: Realmente desde un principio no fui tan consciente que tendía a entonar dejandome llevar hacia la colorimetría alta. Luego fui dándome cuenta de la preferencia por esos tonos. Podría decirse pintura en luz. Como muchas veces admiro tanto el paisaje, encuentro esos tonos en el paisaje del día y la luz, y lo atmosférico que me gusta representar. Nada que disfrute más que pintar al aire libre (“au plein air”) y dejarme invadir por la luz, la que a veces me encandila, y me gusta. Es una tendencia propia, y a veces intento generar contraste sin dudas, pero el tema del ensueño entona bien con el misterio que me hace sentir fascinada. Y en ese misterio, o en los mundos inconscientes veo también algo de drama (si no lo siento con fuerza), o como una vez me dijo un amigo: son paisajes en los que hay una "calma inquietante". Emocional o simbólicamente tal vez lo asocio con ese misterio en un mundo tan cambiante. Lo que no cambia tal vez es la esencia de las cosas.  

En realidad mezclo muchísimos colores, aunque no parezca en un primer golpe de vista. Tal vez sí con predominancia de amarillos, azules y blancos, también negros. Se forman verdes, a veces en la combinación de pinceladas y otros verdes que elijo. Sería dificil describir una técnica porque utilizo muchas y varios elementos: pinceles diversos, espátulas, brocha gorda. Y en su forma tal vez la mancha, aguadas y otros más empastados.

"Ensamblaje II / Assemblage II", técnica mixta sobre tela / mixed media on canvas, 100 x 85 cm., 2019

SR: ¿Qué te atrae de lo onírico?

MA: Lo onírico es la magia de la imaginación, del dejar fluir, de lo que surge espontáneamente. Casi como flotar, como alucinar algo sin que intervenga la razón. ¡Es maravilloso! Luego viene la razón que muchas veces complementa y da sentido, pero cuando se vuelve excesiva es cuando la realidad se complica. Pero también es bueno combinar ambas, se da inevitablemente si logramos escuchar todo o entrar en estado de ensoñación, o parecido a una meditación. También es humana la búsqueda, el dar sentido a lo que hacemos. Creo que soñar o el estado onírico es un misterio fantástico.

"Atmósfera / Atmosphere", acrílico y tinta sobre tela / acrylic and ink on canvas, 120 x 180 cm., 2018

SR: ¿Qué intentan exteriorizar tus obras?

MA: Exteriorizan sin duda mi mundo interno, o lo que yo interpreto del mundo en el que estamos, aunque termina siendo personal y a la vez hay algo del colectivo, del entorno en el que estamos viviendo y en el que me crié. La realidad como la veo: sensaciones, sentimientos, y luego pintar por el hecho de pintar, es decir, la pintura como pretexto que es lo sublime. Exteriorizan también el alma de la naturaleza, a la cual tanto respeto, porque debe ser la manifestación mas grande de algún Dios.

SR: ¿Cuánto hay de pensado y cuánto de espontáneo en tus obras?

MA: Es una ardua combinación de ambas. Ardua porque lo complejo es unir ambas. Generalmente me gusta trabajar puramente desde la intución, me sale naturalmente, pero desde que una tiene cierta formación y consciencia es inevitable que ésta se entrecruce y conforme la obra. A la obra le da forma la línea, la composición, aunque, por lo general, esto se da de forma muy espontánea y natural, casi de manera explosiva y después despacio, como una sonata, un ir y venir.

SR: ¿Con qué herramientas, materiales y temáticas trabajas más? ¿Por qué eliges los materiales que utilizas para trabajar?

MA: Utilizo todos los que conozco, pero adecuados a lo que esté haciendo. Elijo aquellos con los que me siento más cómoda, y a la vez me desafío en nuevos caminos y aprendizajes. 

"Árboles / Trees", lápiz y tinta sobre papel / pencil and ink on paper, 20 x 25 cm.,

"Pradera / Meadow", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 120 x 180 cm., 2016

SR: ¿Qué te interesa que generen tus obras en el espectador?

MA: Me interesa que generen conciencia de alguna forma (definición en términos generales: conocimiento que el ser humano tiene de su propia existencia, de sus estados y de sus actos) sobre nosotros y lo que nos rodea (animales, personas, pobreza, riqueza, sociedad, valores morales, ética, entre muchos otros) y el valor de lo escencial. A la vez que funcione estéticamente (entendido desde lo sensorial) y la armonía. La idea es que cada uno pueda ver lo que le resuene en su interior y pueda apreciarlo.  

SR: ¿Vas a estudiar a Río de Janeiro? ¿Seguirás trabajando?

MA: Estaré trabajando allá. Veré cómo funciona. Pero pienso que al ser un entorno de tanta vegetación sé que me funcionará y me inspiraré bastante. También hay espacios y galerías de arte muy interesantes. ¡Por ahora no puedo decir mucho más! Pasada la experiencia podré contarte. 

¡Te agradezco por tan linda entrevista!

"Incisiones en ritmo / Incisions in Rhythm", papel / paper, 15 x 11,5 cm., 2020

"Algo como agua / Something Like Water", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 100 x 130 cm., 2017

Más sobre / More about Marcela Ambrois: Instagram, facebook

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias por la entrevista, Marcela!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot for the interview, Marcela!)

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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas e prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.

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Texto en inglés / Text in English

Marcela Ambrois was born in Montevideo, Uruguay, on July 27, 1988. She is a spontaneous artist when speaking, and extremely expressive, which is later shown in her work. Given the family environment (mother and grandmother artists), art was always present. The experiences of the landscape, whether it is the countryside or the beach, and the animals are not strange to her, since until she was 12 she lived in a rural area, very close to the city of Mercedes, Soriano, Uruguay. In her adolescence she moved to Montevideo to pursue her secondary studies and her university career (Psychology), working in parallel with charcoal and oil in the workshop of the artist Walter Nadal. She studied the Advanced Level at the Instituto de Bellas Artes and at the Taller Casablanca, under Ignacio Iturria, Diego Píriz and Martín Rodríguez.

As the presence of the countryside is very strong, she takes artistic retreats in Colonia, Uruguay. She also participates in the group formed by Iturria himself, in the colony for artists in Miami, USA.

Interview by Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: When did you think "this is my vocation, what I like is this"?

Marcela Ambrois: It's long, it has to do with the passage of time. A path that I took without realizing so much, and at the same time the decision to choose it as part of my life. It is a language in which I feel that "it is that way", that my life is made up of creating, thinking in the form of art, painting, and the diverse languages that compose it. Since I was a child I liked to be among so many elements that are associated with creating (pencils, plants, branches, leaves, paper, clay, bugs, etc.), which allowed me to invent something and play. As time went by I realized that this is the best way I have found to express what I feel, or vice versa; to feel along with the creation, what is manifested and this tells me about me and the world. Art is eternal, it is complete, you learn it every day, and every day, even if I am not working on a specific piece, I have my focus on it. There is nothing more certain for me than that way of being in the world. It allows me to enjoy solitude or to concentrate on myself. 

SR: Where did you study? Name some of your teachers and tell me what you think they brought to you.

MA: My first teacher as a complete guide in art was Ignacio Iturria. His words and gestures still resonate with me. I had several teachers, but the one who led me along the way, to enter seriously as a vocation and as a way of life, was Ignacio.

Although it was significant the formal and learn techniques, where there were several teachers. The first one at my age of 14 was Walter Nadal in drawing, charcoal, proportions, followed by Diego Píriz with the handling of oil and the great theorists of this technique. In the School (The British Schools) I had Nadine Mizrahi, who was very strict and sensitive at the same time. Each one brought something that I took with me. I had a guide, Eduardo Cardozo. Also later, at the Torres-García Museum, with the teacher and artist Federico Méndez and his students, who were there, I learned a lot: fresco painting, painting surrounded by the airs of Torres-García, geometrizing and composing. All this gives you structure and freedom at the same time, and more learning and, fundamentally, working as a collective. Being Uruguayan, I could not ignore the influence of the great Master Torres-García. Another learning experience was with the artist Rimer Cardillo, with whom I manipulated handmade paper with plants, grass or leaves from found trees, a tactile-visual experience and at the same time an ecological one.

And finally, now, I exhibit with Marcelo Larrosa, who is a great teacher, person and artist with so much knowledge and vocation that he transmits to you incessantly. There I met a group of incredible people with whom we exhibited at the Pablo Atchugarry Foundation (a great teacher and wonderful person, of extraordinary generosity). Estela Brítez, a great artist, and the master Juan De Andrés. Anyway, the learning in me will go on forever. I had to name two essential figures, my maternal grandmother "Chiqui", a painter, and my mother Cecilia Pollio, an artist as well.

I consider, in addition, that the fundamental teachers are the books of art and museums that I have traveled in different parts of the world, where the work of the great Masters of the Art like Monet, Cézanne, Klee, Miguel Angel, and so many, can be appreciated.

My training as a Psychologist and Gestalt alignment has given me a knowledge about myself and the complexity of the human being, everything has to do with it.

SR: How would you define the work you do?

MA: When I face a work I take intuition as the key, the internal world that takes on a form, a structure, and from there all the baggage one has, both in what I absorbed as what I live and the world in which I am immersed, mixing present, past, history, experiences, the collective, the fascinating of imagining living in another time, loneliness. These are things that perhaps you don't see physically when you see one of my works, but it's all there, in my world.

Greek culture fascinates and interests me a lot, the landscape and the enigmas of nature capture me. The mystery of things I think defines my work and loneliness quite a bit. Then I'm also a bit austere or minimalist. I think that the key is to try to show the essential and the spiritual, giving value to the aesthetic, which is not only the rational or what has to do with the purely contemporary or the conceptual. I like the concept and I think it gives a lot of value to a work, but I am more romantic or lover of the mysteries and not being afraid that a work shows a purely aesthetic side, with some of the drama that life gives us, obviously all with spirit and courage, if not, it does not emerge, and we must fight for it. 

It is difficult to define aesthetics because the world confuses it, it takes it to a superfluous place. But I think that aesthetics in art has to be spiritual per se, something like Kandinsky could define it, and have a soul.

SR: What is the most interesting moment since you are considering a work?

MA: The most interesting is the moment of "realizing", that is, that what I want to manifest is going around, that it is that, or that I "found" something and is presented to me in an uninterrupted way. I can flow with that feeling. Although in the same instant I can put into practice my accumulation of knowledge, techniques, forms, that in reality there is a style that naturally comes out or flows to me. But nothing is more important than facing a canvas or paper (in general those are my elements) and being able to continue with the notion that I have what I want to express.

SR: If I tell you water, sea, beach, does that remind you of any place you can paint? 

MA: Yes, well, on the beach and the sea, there is a place in particular where we always go with my uncles and cousins, and it's the summers in Rocha, very far from everything, near the Polonio Cape. A place that generates a lot of inspiration in addition to enjoying being there with the noise of the sea, the wind, the sand, finding objects on the beach, the woods, almost nobody or very few people... it happens that I enjoy silence and it helps me to contact a lot with my emotions and deeper states.

SR: What is beauty to you and where do you think it resides?

MA: Beauty for me is the soul of things. It resides in almost everything that has that soul, that atmosphere, that is pure. Inevitably I see it mostly in nature, although the world has infinite beauty. The animals, the objects, the fruits, the human beings, among those groups, selecting some of them, have the capacity of to transmit that beauty. There is a loving look that makes us appreciate it more intensely.

SR: You have now made a foray into a new way of working that relates a little more to line, symmetry. How did working like this come about? Are you comfortable with that possibility of geometrizing?

MA: Yes, I feel very comfortable because it helps me give structure. Some time ago I incorporated paper in some of my works, and to work on the paper and compose it, cut it out, put it in this or that shape; for all that it helps to study the golden ratio and to geometrize.

I wasn't so aware of it before, but without a doubt intuition goes that way, you know how harmony is, it doesn't fool you. The line emerges from many forms or is everywhere: in Nature, for instance, when a landscape is decomposed, the line inevitably appears; in a tree, on the horizon, in plants, flowers, branches, rocks, and in architecture that we see. Geometry is in everything around us. I rather like the sinuous or uncontracted line. You could say: stain and line, shape and deformity, something like that. It helps me understand our world and it is fascinating.

SR: The colors you use are very neutral, soft, as if taken from a dream. Is there any emotional or symbolic search in the choice of your chromatic palette? What technique do you use to achieve that melancholic patina that covers your works?

MA: Actually, from the beginning I wasn't so aware that I tended to work towards high colorimetry. Then I became aware of the preference for those tones. You could say painting in light. Since I often admire the landscape so much, I find those tones in the landscape of the day and the light, and the atmospheric that I like to represent. Nothing I enjoy more than painting outdoors ("au plein air") and letting myself be invaded by the light, which sometimes dazzles me, and I like it. It's a tendency of my own, and sometimes I try to generate contrast without a doubt, but the theme of the dreaming fits in well with the mystery that makes me feel fascinated. And in that mystery, or in the unconscious worlds, I also see some drama (if I don't feel it strongly), or as a friend once told me: they are landscapes in which there is a "disturbing calm". Emotionally or symbolically, perhaps I associate it with that mystery in such a changing world. What does not change is perhaps the essence of things.  

In fact I mix a lot of colors, even though it may not seem at first glance. Perhaps I do so with a predominance of yellows, blues and whites, and also blacks. Greens are formed, sometimes in the combination of brushstrokes and other greens that I choose. It would be difficult to describe a technique because I use many and various elements: different brushes, palette knives, large brush. And in its form perhaps the stain, gouaches and others more filled.

SR: What attracts you to the oneiric?

MA: The oneiric is the magic of imagination, of letting it flow, of what emerges spontaneously. Almost like floating, like hallucinating something without the intervention of reason. It's wonderful! Then comes the reason that many times complements and gives sense, but when it becomes excessive is when reality becomes complicated. But it is also good to combine both, it happens inevitably if we manage to listen to everything or enter into a state of dreaming, or similar to a meditation. It is also human to search, to give meaning to what we do. I think that dreaming or the dream state is a fantastic mystery. 

SR: What are your works trying to show?

MA: They exteriorize without a doubt my internal world, or what I interpret from the world we are in, although it ends up being personal and at the same time there is something of the collective, of the environment in which we are living and in which I grew up. Reality as I see it: sensations, feelings, and then painting for the sake of painting, that is, painting as a pretext that is the sublime. Also they externalize the soul of Nature, which I respect so much, because it must be the greatest manifestation of some God. 

SR: How much thought and how much spontaneity is there in your work?

MA: It's an arduous combination of both. It's hard because the complex thing is to bring the two together. Generally I like to work purely from intuition, it comes naturally to me, but since one has a certain formation and consciousness, it is inevitable that this formation is intertwined and in accordance with the work. The work is shaped by the line, the composition, although, in general, this happens very spontaneously and naturally, almost explosively and then slowly, like a sonata, a coming and going.

SR: What tools, materials and themes do you work with the most? Why do you choose the materials you use to work?

MA: I use all the ones I know, but they are appropriate for what I am doing. I choose those with which I feel most comfortable, and at the same time I challenge myself in new ways and learning. 

SR: What do you want your works to generate in the viewer?

MA: I am interested in them generating awareness in some way (definition in general terms: knowledge that the human being has of his own existence, of his states and of his actions) about us and what surrounds us (animals, people, poverty, wealth, society, moral values, ethics, among many others) and the value of the essential. At the same time that works aesthetically (understood from the sensory) and in harmony. The idea is that everyone can see what resonates within them and can appreciate it.  

SR: Are you going to study in Rio de Janeiro? Will you continue working?

MA: I will be working there. I will see how it works. But I think that since it is such a vegetated environment, I know that it will work for me and I will be quite inspired. There are also some very interesting spaces and art galleries, but I can't say much more about that right now! After the experience I will be able to tell you. 

I thank you for such a nice interview!

Johan Barrios [Pintura, dibujo / Painting, Drawing]

January 28, 2021, 11:06 pm

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Johan Barrios

(Barranquilla, Atlántico, Colombia, 1982-)

en Houston, Texas, EE.UU./ at Houston, TX, USA

Johan Barrios frente a su obra "Trazabilidad" / in front of his work "Traceability"

Johan Barrios es un artista colombiano nacido en 1982 en Barranquilla, que vive y trabaja en Texas, Estados Unidos.

Recibió su maestría en Bellas Artes de la Universidad de Antioquia en Medellín, Colombia, y desde entonces ha expuesto su obra en todo el mundo en ciudades tan importantes como Zürich (Suiza), Los Ángeles, Nueva York (EE.UU.), Barcelona (España), Colonia (Alemania), Montreal (Canadá) y Aalborg (Dinamarca). Su obra ha aparecido en muchas publicaciones de renombre, impresas y en línea, como ArtMaze, Hi Fructose, Juxtapoz y muchas más. (3)

"Trazabilidad / Traceability", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 72" x 88", 2019

"Acumulación / Accumulation", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 72" x 48", 2017

«Mi primera venta oficial fue cuando estaba en el instituto. ¡Le vendí tres dibujos a mi director!. Mi profesora de arte nos introdujo en el mundo de los pasteles de tiza y, cuando vio que me interesaba mucho experimentar con ellos, me envió a casa con un bloc nuevo de papel Canson y pasteles prestados. Al día siguiente me presenté con unos dibujos; la impresionaron tanto que decidió enseñárselos a nuestro director. Es justo decir que mi carrera ha evolucionado mucho desde entonces, pero una de las cosas que he conservado de esa historia es la pasión por la sencillez en cosas básicas como el dibujo.» (1)

"Sin título / Untitled", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60" x 78", 2017

"Sin título / Untitled", grafito y acuarela sobre panel / graphite and watercolor, paper on panel, 35 x 28 cm.

Al hablar de su proceso creativo, Johan ha dicho que "generalmente comienza con un pensamiento, luego un rápido boceto o palabras en papel que evolucionan hacia un proceso meticuloso para capturar mi idea en fotografía. Luego paso a pintar o dibujar a partir de una selección de las fotos que he tomado". (1)

Los cuadros de Johan se caracterizan por la presencia de personajes en poses generalmente incómodas y extrañas, con sus rostros casi siempre ocultos por la propia pose o por alguno de los pocos accesorios representados, como prendas de vestir o cojines, de modo que el papel relevante lo desempeña la expresión corporal. Hay una cuidada atención al dibujo que define a los personajes, y una paleta que tiende a la monocromía. Las obras dan a veces la engañosa impresión de un trabajo inacabado, con fondos neutros y, como decíamos, muy pocos elementos complementarios: muebles, algunas plantas, vajilla y poco más.

"Mimesis", óleo sobre lino / oil on linen, 36" x 48", 2020

"Refugio / Haven", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 152 x 122 cm., 2020

«La acción fotográfica se perpetúa con la pintura, en la que los ojos del espectador exploran para reconocer, entre los cuerpos, la existencia de un paisaje abstracto y el encuadre del objeto que acompaña la escena, pero que mantiene su carácter independiente.» (1)

«La luz es uno de los factores más importantes tanto en mis dibujos como en mis pinturas. Por ejemplo, a menudo utilizo el flash o una fuente de luz intensa para generar un contraste dramático que añada misterio a la cuestión de dónde están mis personajes. Con la simple visibilidad de las sombras en mi obra, una pared cercana o un suelo aparecen en un espacio vacío. Tengo una interesante relación con el color a la hora de pintar. Ajusto constantemente mi propia paleta desaturada, que se ha convertido en vital para crear la atmósfera adecuada en mi obra.» (1)

"Autorretrato / Self Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 48" x 68", 2019

"Insomnio / Insomnia", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 72" x 48", 2017

«Es importante señalar que gran parte de lo que es la referencia final proviene de los momentos efímeros en los que estoy allí interactuando y fotografiando a los modelos.» (2)

Esos modelos suelen ser amigos, pero, como dice Johan, en su trabajo se convierten en atrezzo en los escenarios. Le gusta trabajar con modelos que a su vez son creativos, como artistas, diseñadores, fotógrafos, etc., porque aportan mucho más al trabajo. (1)

Para su exposición de 2019 "Monólogo", Johan se utilizó a sí mismo como modelo, creando "retratos psicológicos llenos de contradicciones, dudas, belleza y ansiedad, que existen entre la superficie del lienzo y la ilusión del trampantojo". Barrios presta atención a todos los detalles, representando con maestría el tono muscular, las manos, las arrugas de las telas y los pelos sueltos. Traduce sin esfuerzo las luces y las sombras, ejecutando sus obras con la maestría de los antiguos maestros. Representado en un estado de tensión suspendida, el sujeto no tiene identidad, ni narrativa, ni ubicación, pero conlleva una difusa resonancia emocional que aborda temas existenciales como la soledad, el autodescubrimiento, la intimidad y la fragilidad. (3)

"Sustained / Sostenido", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 122 x 172 cm.

«Para mí, todas las piezas que forman parte de este proyecto llamado Monólogo son el resultado de cuestionar lo que llamamos identidad. Todos estos autorretratos tratan de dar una mirada irracional a cómo estamos expuestos a una soledad simbólica que nos aleja de cualquier sistema colectivo. Desde mi punto de vista, estas figuras sustituyen a una determinada emoción que muchas veces puede estar relacionada con los miedos y los fracasos, y se vuelven vulnerables a los conflictos que surgen en la propia obra creando un amplio abanico de preguntas entre la imagen y los espectadores.» (3)

"Escultura Domestica 1 / Domestic Sculpture #1"

Carboncillo y acuarela sobre papel / charcoal and watercolor on paper, 16" x 12", 2018

Johan Barrios frente a su obra "Sin título" / in front of his work "Untitled" (2017)

Johan Barrios is a Colombian artist born in 1982 in Barranquilla, living and working in Texas, USA.

He received his Master in Fine Arts from the Universidad de Antioquia in Medellín, Colombia, and has since exhibited his work across the globe in such major cities as Zürich, Switzerland; New York City, New York; Barcelona, Spain; Cologne, Germany; Montreal, Canada; Los Angeles, California; and Aalborg, Denmark. His work has been featured in many renowned print and online publications, including ArtMaze, HI FRUCTOSE, Juxtapoz, and many more. (3)

"Sin título / Untitled", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 66" x 64", 2017

"Puente / Bridge", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 122 x 180 cm.

«My first official sale was when I was in high school. I sold three drawings to my principal! My art teacher introduced us to chalk pastels and when she saw I was really interested in experimenting with them, she sent me home with a brand new pad of Canson paper and borrowed pastels. I showed up with drawings the next day that impressed her so much, she decided to show our principal. Fair to say that my career has dramatically evolved since then, but one of the things I´ve conserved from that story is the passion for the simplicity in basic things like drawing.» (1)

"Material Adjunto / Attached Material", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 68" x 84", 2017

"Gravitación / Gravitation", carboncillo y acrílico sobre lino / charcoal and acrilyc on linen, 40" x 30"

Talking about his creative process, Johan said "it generally begins with a thought, then a quick sketch or words on paper that evolve into a meticulous process to capture my idea in photograph. I then move on to painting or drawing from the selected photos I’ve taken." (1)

Johan's paintings are characterized by the presence of characters in generally awkward, strange poses, with their faces almost always hidden by the pose itself or by one of the few accessories represented, such as garments or cushions, so that the relevant role is played by the corporal expression. There is a careful attention to the drawing that defines the characters, and a palette that tends to monochrome. The works sometimes give the deceptive impression of an unfinished work, with neutral backgrounds and, as we said, very few complementary elements: furniture, some plants, crockery and little else.

"Alterado / Altered", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60" x 65,5", 2019

"Simbiosis / Symbiosis", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 48" x 68", 2020

«The photographic action is perpetuated by the painting, which the eyes of the spectator explore in order to recognize, amongst the bodies, the existence of an abstract landscape and the framing of the object that accompanies the scene but which maintains its independent character.» (1)

«Light is one of the most important factors in both my drawings and paintings. For example, I often use flash or a strong light source to generate dramatic contrast that adds mystery to the question of where my characters are. With the simple visibility of shadows in my work, a close wall or a floor appears in an empty space. I have an interesting relationship with color when it comes to painting. I am constantly adjusting my very own desaturated palette that has become vital to creating the right atmosphere in my work.» (1)

"Sobre papel II / On paper II"

Grafito y acuarela sobre papel / graphite and watercolor on paper, 9" x 12", 2015

"Interponer / Interpose", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 48" x 64", 2019

«It’s important to note that so much of what is the final reference comes from the ephemeral moments when I’m there interacting and shooting the models.» (2)

Those models are typically friends, but as Johan said, in his work they become props in his scenarios. He enjoys working with models that themselves are creative, like artists, designers, photographers etc., because they bring much more to the work. (1)

For his 2019 exhibition Monologue, Johan used himself as his own model, creating "psychological portraits full of contradictions, doubt, beauty and anxiety, that exist between the surface of the canvas and trompe l’oeil illusion. Barrios pays close attention to every detail, expertly rendering muscle tone, hands, fabric wrinkles and flyaway hairs. He effortlessly translates light and shadow, executing his pieces with the proficiency of old masters. Depicted in a state of suspended tension, the subject has no identity, no narrative, no location, yet carries a diffused emotional resonance that addresses existential issues such as loneliness, self-discovery, intimacy and fragility. (3)

"Sombra / Shadow", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 101 x 152 cm

"Expansión / Expansion", carboncillo y acrílico sobre lino / charcoal and acrilyc on linen, 36" x 48", 2020

«For me, all the pieces that are part of this project called Monólogo are the result of questioning what we call identity. All these self-portraits try to give an irrational look at how we are exposed to a symbolic solitude that distances us from any collective system. From my perspective, these figures are a replacement for a certain emotion that can often be related to fears and failures and become vulnerable to the conflicts that arise in the work itself creating a wider range of questions between image and spectators.» (3)

"Set up", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 68" x 68", 2019

Johan Barrios trabajando en su pintura / at work with his painting"Set Up"

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Fuentes / Sources:

* Website

* (1) "Visita al estudio de Johan Barrios: Trabajando con la luz y desafiando los límites del medio /

Studio Visit With Johan Barrios: Working with light and challenging the limits of the medium"

Por / by Layla Leiman. ArtMaze Mag

* (2) Johan Barrios: Misterioso desprendimiento de la identidad humana /

Mysterious Detachment From Human Identity, por / by Natalie Klotok, Minus 37, 9/2018

* (3) Exposición "Monólogo" / Exhibition Monologue, Oct.25 - Nov.30, 2019. Anya Tish Gallery

Johan Barrios en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (XIII)]

Más sobre / More about Johan Barrios: Website, Instagram, facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Johan!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Johan!)